A jego praca, przedstawiona w artykule, wprowadzi Cię do jednego z najwięksi artyści cały czas. Rembrandt Harmenszoon van Rijn (życie - 1606-1669) - sławny Holenderski malarz, rysownik i rysownik. Jego twórczość przesiąknięta jest pragnieniem zrozumienia istoty życia, a także wewnętrznego świata człowieka. Rembrandta interesowało bogactwo duchowych przeżyć tkwiących w ludziach. Dzieło tego artysty jest szczytem Sztuka holenderska XVII wiek. Jest również uważana za jedną z najważniejszych stron kultura artystyczna na całym świecie. Nawet osoby dalekie od malarstwa znają jego prace. Rembrandt jest niesamowity artysta, którego życie i praca na pewno Cię zainteresują.

Dziedzictwo artystyczne Rembrandta

Spuścizna artystyczna, którą nam pozostawił, jest wyjątkowo różnorodna. Rembrandt malował portrety, pejzaże, martwe natury, sceny rodzajowe. Tworzył obrazy o tematyce mitologicznej, biblijnej, motywy historyczne, a także inne prace. Rembrandt jest wytrawny mistrz akwaforta i rysunek.

Życie w Lejdzie

Życie Rembrandta w 1620 r. naznaczone było krótkim okresem studiów, po czym postanowił całkowicie poświęcić się sztuce. W tym celu studiował najpierw w Lejdzie u J. van Swanenbürcha (ok. 1620-23), a następnie w Amsterdamie u P. Lastmana (w 1623). W latach 1625-1631 artysta pracował w Lejdzie. Rembrandt stworzył tu swoje pierwsze prace.

Należy zauważyć, że jego dzieła z okresu Lejdy charakteryzują się poszukiwaniem samodzielności twórczej autora, mimo że ukazują wpływy Lastmana, a także przedstawicieli holenderskiego karawagizmu. Przykładem jest praca „Wprowadzenie do świątyni”, powstała około 1628-29. W „Apostoł Pawle” (ok. 1629-30), a także w „Symeonie w świątyni” (1631) artysta po raz pierwszy uciekł się do światłocienia jako środka służącego wzmocnieniu emocjonalnej ekspresji i duchowości obrazów. W tym samym czasie Rembrandt ciężko pracował nad portretem. Studiował mimikę twarzy.

1630 lat z życia Rembrandta

Do ważnego wydarzenia w życiu mistrza doszło w 1632 roku. Przeprowadzka do Amsterdamu oznaczała biografię artysty Rembrandta. Jego biografia, odnosząca się do tego czasu, jest następująca.

W Amsterdamie interesujący nas artysta wkrótce się ożenił. Jego wybranką była Saskia van Uylenburgh, bogata patrycjuszka (jej portret przedstawiony powyżej). Ta kobieta była sierotą. Jej ojciec był członkiem rady Friesland, burmistrzem z Leewerden. Dwaj bracia Saskii byli prawnikami. Wśród krewnych tej kobiety jest wielu urzędników państwowych i naukowców. Wprowadziła promień szczęścia w samotne mieszkanie artystki. Rembrandt wyposażył swój dom w wiele rzadkich rzeczy, dzięki czemu stał się prawdziwym muzeum. Mistrz spędzał dużo czasu w starociach, wyprzedażach i aukcjach. Kupował grafiki i obrazy, indyjskie i chińskie drobiazgi rzeźbione, starą broń, posągi, cenny kryształ i porcelanę. Wszystkie te rzeczy stanowiły tło dla obrazów, które stworzył. Zainspirowali artystę. Rembrandt lubił ubierać żonę w aksamit, brokat i jedwab. Obsypał ją perłami i diamentami. Jego życie było łatwe i radosne, pełne kreatywności, pracy i miłości. Ogólnie rzecz biorąc, lata 30. to czas szczęście rodzinne i wielki sukces artystyczny.

Portrety z lat 30. XVII wieku

Wszystkie portrety z lat 30. XVII wieku ukazują subtelność i zdolność obserwacji Rembrandta. To zbliża go do Keysera, van der Helsta, Rubensa i Van Dycka. Te obrazy są zwykle wykonane na jasnoszarym, równym tle. Często jego prace to owalne formaty. Rembrandt stworzył portrety, które zadziwiają ogromną plastyczną siłą. Osiąga się to poprzez uproszczenie światłocienia i harmonii czerni i bieli oraz bezpośrednie spojrzenie modelki. Wszystkie prace są pełne dostojeństwa, przykuwają uwagę kompozycją i dynamiczną swobodą. W obrazach z okresu amsterdamskiego, w porównaniu z Lejdą, gładsza faktura. Rytm rąk ma znaczenie symboliczne (artysta celowo nie pokazuje jednej ręki). To, podobnie jak obrót głowy postaci, przypomina zmienność i przemijanie baroku.

Charakterystyka niektórych portretów z lat 30. XVII wieku

Opisywanie życia i twórczości Rembrandta podany okres, nie sposób nie odnieść się do stworzonych przez niego portretów. Są dość liczne. Rembrandt's The Anatomy Lesson of Dr. Tulp (na zdjęciu powyżej) powstał w 1632 roku. Autorka w sposób nowatorski podeszła w nim do rozwiązania problemu portretu grupowego, dzięki czemu kompozycja okazała się zrelaksowana. Rembrandt jednym działaniem zjednoczył wszystkie osoby przedstawione na zdjęciu. Ta praca przyniosła mu wielką sławę.

W innych portretach, tworzonych na liczne zamówienia, artysta starannie przekazywał ubrania, rysy twarzy i biżuterię. Jednym z przykładów jest praca „Portret burgrabiego”, namalowana w 1636 roku przez Rembrandta Harmensza van Rijna. Życie i twórczość każdego artysty są ze sobą ściśle powiązane. Na przykład portrety osób bliskich Rembrandtowi, a także jego autoportrety (jeden z nich, powstały w 1634 r., prezentujemy powyżej), są bardziej zróżnicowane i swobodne w kompozycji. W nich artysta nie bał się eksperymentować, dążąc do psychologicznej ekspresji. W tym miejscu należy również wspomnieć autoportret, który powstał w 1634 roku, oraz „Uśmiechnięta Saskia”, namalowany w 1633 roku.

Słynny obraz „Wesołe towarzystwo”, czyli „Autoportret z Saskią” (zdjęcie tej pracy prezentujemy powyżej), dopełnił poszukiwań tego okresu. Został namalowany około 1635 roku. Życie i twórczość artysty ujawniają się w tym dziele w sposób szczególny. W nim śmiało zrywa z istniejącymi wówczas kanonami. Obraz wyróżnia swobodny sposób malowania, żywiołowa bezpośredniość kompozycji, a także rozświetlona, ​​durowa, barwna skala.

Kompozycje biblijne i sceny mitologiczne 1630

W 1630 artysta stworzył także kompozycje biblijne. Jednym z najbardziej znanych jest „Ofiara Abrahama”. Należy do 1635 roku. Biblijne kompozycje z tego czasu naznaczone są wpływami włoskiego malarstwa barokowego. Jej wpływ przejawia się w dynamice kompozycji (nieco wymuszonej), kontrastach światła i cienia, ostrości kątów.

W twórczości Rembrandta z tego czasu szczególne miejsce zajmują sceny mitologiczne. W nich artysta nie podążał za klasycznymi tradycjami i kanonami, rzucając im śmiałe wyzwanie. Jednym z dzieł, które można tu odnotować, jest Gwałt Ganimedesa (1635).

„Danie”

Monumentalna kompozycja zatytułowana „Danae” w pełni ucieleśniała poglądy estetyczne Rembrandta. Wydaje się, że w tej pracy wdaje się w spór z wielkimi artystami renesansu. Przedstawiona przez Rembrandta naga postać Danae nie odpowiada klasycznym ideałom. Artysta zrealizował tę pracę z realistyczną, bardzo śmiałą jak na tamte czasy, bezpośredniością. Kontrastował idealne, zmysłowo-cielesne piękno obrazów stworzonych przez włoskich mistrzów z duchowym pięknem, a także ciepłem ludzkich uczuć.

Inne prace

Również w 1630 roku Rembrandt poświęcił wiele czasu na pracę w technice grawerowania i akwaforty. Można zwrócić uwagę na takie jego prace jak „Wędrująca para” i „Sprzedawca trucizny na szczury”. Artysta stworzył również rysunki ołówkiem, w sposób uogólniony i dość odważny.

Dzieło Rembrandta z 1640 r

Lata te były naznaczone konfliktem między nowatorską twórczością Rembrandta a bardzo ograniczonymi wymaganiami jego współczesnych. Konflikt ten wyraźnie ujawnił się w 1642 roku. Potem praca „Straż nocna” Rembrandta wywołała gwałtowne protesty klientów. Nie zaakceptowali głównej idei artysty. Rembrandt, zamiast zwykłego portretu grupowego, przedstawił heroicznie wzniosłą kompozycję, w której na sygnał alarmowy wysuwa się cech strzelców. To znaczy, można by rzec, obudziła pamięć współczesnych o wojnie wyzwoleńczej prowadzonej przez Holendrów.

Po tej pracy spadł napływ zamówień od Rembrandta. Jego życie przyćmiła też śmierć Saskii. W 1640 roku twórczość artysty straciła swoją zewnętrzną efektowność. Zniknęły również główne nuty, które były dla niego wcześniej charakterystyczne. Rembrandt zaczyna pisać spokojne sceny rodzajowe i biblijne, pełne intymności i ciepła. W nich ujawnia najsubtelniejsze odcienie przeżyć, uczucia pokrewieństwa, duchowej intymności. Wśród tych dzieł należy wymienić „Świętą rodzinę” z 1645 r., a także obraz „Dawid i Jonatan” (1642).

Zarówno w grafice, jak iw malarstwie Rembrandta coraz większego znaczenia nabiera bardzo subtelna gra światłocienia. Tworzy wyjątkową atmosferę - napiętą emocjonalnie, dramatyczną. Na uwagę zasługuje monumentalna karta graficzna Rembrandta „Chrystus uzdrawiający chorych”, a także „Liść stu guldenów”, powstały w latach 1642-46. Trzeba też nazwać krajobraz z 1643 roku „Trzy Drzewa”, pełen dynamiki światła i powietrza.

1650 w twórczości Rembrandta

Ten czas był naznaczony ciężkimi życiowymi próbami, które spotkały artystę. W 1650 r. okres jego dojrzałość twórcza. Rembrandt coraz częściej zwraca się ku portretowi. Portretuje najbliższych mu ludzi. Wśród tych dzieł warto zwrócić uwagę na liczne portrety Hendrickje Stoffels, drugiej żony artysty. Godny uwagi jest również „Portret starej kobiety” powstały w 1654 roku. W 1657 artysta namalował kolejny słynna praca- "Syn Tytus czyta."

Obrazy zwykłych ludzi i starych ludzi

zdjęcia zwykli ludzie, zwłaszcza osoby starsze, są coraz bardziej przyciągane do artysty. Są ucieleśnieniem duchowego bogactwa i życiowej mądrości w jego dziełach. W 1654 roku Rembrandt stworzył „Portret żony brata artysty”, a w latach 1652-1654 – „Portret starca w czerwieni” (na zdjęciu powyżej). Malarkę zaczynają interesować dłonie i twarz, które rozświetla delikatne światło. Wydają się być wyciągnięci z ciemności. Twarze postaci charakteryzują się ledwie zauważalną mimiką. To pokazuje złożony ruch ich uczuć i myśli. Rembrandt przeplata pociągnięciami jasnymi i pastowatymi, przez co powierzchnia obrazu mieni się światłocieniem i barwnymi odcieniami.

Trudna sytuacja finansowa

W 1656 artysta został uznany za niewypłacalnego dłużnika, w wyniku czego cały jego majątek trafił pod młotek. Rembrandt został zmuszony do przeniesienia się do żydowskiej dzielnicy Amsterdamu. Tutaj spędził resztę życia w ekstremalnie ciasnych warunkach.

Dzieło Rembrandta Harmensza van Rijna 1660

Biblijne kompozycje powstałe w latach 60. XVII wieku podsumowują refleksje Rembrandta na temat sensu życia. W jego ówczesnych pracach znajdują się obrazy poświęcone zderzeniu światła i ciemności w ludzkiej duszy. Szereg prac na ten temat stworzył Rembrandt Harmensz van Rijn, którego biografia i lista obrazów nas interesują. Wśród takich dzieł należy zwrócić uwagę na dzieło „Assur, Haman i Estera”, powstałe w 1660 r.; a także Dawid i Uriasz, czyli Upadek Hamana (1665). Charakteryzują się elastycznym stylem pisma, ciepłą nasyconą gamą, złożoną fakturą powierzchni, intensywną grą światła i cienia. Wszystko to jest konieczne, aby artysta ujawnił złożone przeżycia emocjonalne i konflikty, aby potwierdzić zwycięstwo dobra nad złem.

W 1661 roku powstał historyczny obraz Rembrandta zatytułowany „Spisek Juliusza Cywilisa”, zwany też „Spiskiem Batawów”. Jest przesiąknięta heroizmem i poważnym dramatem.

„Powrót syna marnotrawnego”

W Ostatni rok swojego życia artysta stworzył dzieło „Powrót syna marnotrawnego”. Pochodzi z lat 1668-69. Ten monumentalny obraz jest głównym dziełem Rembrandta. Uosabia wszystkie moralne i estetyczne i problemy artystyczne charakterystyczny dla późnego okresu jego twórczości. Artysta o najwyższych umiejętnościach odtwarza na tym obrazie całą gamę głębokich i złożonych ludzkich uczuć. Środki artystyczne podporządkowuje ujawnieniu piękna przebaczenia, współczucia, zrozumienia. W oszczędnych gestach i ekspresyjnych pozach ucieleśnia się kulminacja przejścia od napięcia uczuć do udanego rozwiązania namiętności. Na powyższym zdjęciu widać tę ostatnią pracę Rembrandta.

Śmierć Rembrandta, sens jego pracy

Słynny holenderski malarz, rytownik i rysownik zmarł w Amsterdamie 4 października 1669 roku. Harmensz van Rijn Rembrandt, którego dzieła są znane i lubiane przez wielu, wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój obraz. Widać to nie tylko w twórczości jego uczniów, z których Karel Fabricius najbardziej zbliżył się do zrozumienia Rembrandta, ale także w pracach każdego mniej lub bardziej znaczącego holenderskiego artysty. Obrazy wielu mistrzów odzwierciedlają wpływ artysty takiego jak Rembrandt van Rijn. Prawdopodobnie jednym z takich dzieł jest praca „Bagno”, której autorem jest Jacob van Ruysdael. Przedstawia opustoszałą część obszaru leśnego zalaną wodą. Ten obraz ma znaczenie symboliczne.

W przyszłości wielki Rembrandt miał silny wpływ na rozwój sztuki realistycznej jako całości. Jego obrazy i biografia do dziś interesują wielu ludzi. Sugeruje to, że jego praca jest rzeczywiście bardzo cenna. Arcydzieła Rembrandta, z których wiele zostało opisanych w tym artykule, wciąż inspirują artystów.

Dzieło genialnego Rembrandta Harmenszoon van Rijn jest jednym ze szczytów światowego malarstwa. Niezwykła rozpiętość tematyki, najgłębszy humanizm, który inspiruje dzieła, prawdziwa demokracja sztuki, nieustanne poszukiwanie najbardziej wyrazistych środków artystycznych, niezrównane umiejętności dały artyście możliwość urzeczywistnienia najgłębszych i najbardziej zaawansowanych idei tamtych czasów. Kolorystyka obrazów Rembrandta z okresu dojrzałego i późnego, zbudowana na połączeniu ciepłych bliskich tonów, opalizujących najdelikatniejszymi odcieniami, światła, drżenia i skupienia, jakby emitowana przez same obiekty, przyczynia się do niezwykłej emocjonalności jego prac. Ale szczególnej wartości dodają im wysokie, szlachetne uczucia, które nadają codziennym rzeczom poezję i wysublimowane piękno.

The Apprentice and His Tutor, 1629-1630, Getty Museum, Los Angeles, Kalifornia

Jeremiasz opłakujący zniszczenie Jerozolimy, 1630, Rijksmuseum

Minerwa, ok. 1631 r., Państwowe Muzeum, Berlin

Rembrandt malował obrazy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże; był jednym z największych mistrzów akwaforty i rysunku. Ale bez względu na to, w jakiej technice pracował Rembrandt, w centrum jego uwagi był zawsze mężczyzna, z jego… wewnętrzny świat, jego doświadczenia. Rembrandt często znajdował swoich bohaterów wśród przedstawicieli holenderskiej biedoty, w nich ujawniał najlepsze cechy charakteru, niewyczerpane bogactwo duchowe. Artysta niósł wiarę w człowieka przez całe życie, trudy i próby. Pomogła mu ostatnie dni tworzyć dzieła, które wyrażają najlepsze aspiracje Holendrów.

Gwałt Prozerpiny, ok. 1631 r., Galeria Sztuki, Drezno

Lekcja anatomii dr Nicholasa Tulpa, 1632, Mauritshuis, Haga

Gwałt Europy, 1632, Getty Museum, Los Angeles

Rembrandt Harmenszoon van Rijn urodził się w 1606 roku w Leiden jako syn właściciela młyna. Jego nauczycielami byli Swannenburgh, a później Lastman. Od 1625 Rembrandt zaczął działać samodzielnie. Jego wczesne prace noszą ślady wpływów Lastmana, czasem malarzy utrechckich, wyznawców Caravaggia. Wkrótce drogę odnalazł młody Rembrandt, wyraźnie zaznaczony w portretach, wykonanych głównie z jego samego i najbliższych. Już w tych pracach światłocień stał się dla niego jednym z głównych środków artystyczna ekspresja. Studiował różne przejawy postaci, mimikę, mimikę, cechy indywidualne.

Daniel i perski król Cyrus przed bożkiem Baala, 1633, Getty Museum

Goddess of War Bellona, ​​1633, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Stoczniowiec i jego żona, 1633, Galeria Sztuki, Pałac Buckingham

W 1632 Rembrandt przeniósł się do Amsterdamu i natychmiast zyskał sławę obrazem Lekcja anatomii dr Tulpa (1632, Haga, Mauritshuis). W istocie jest to portret dużej grupy lekarzy, którzy otaczali doktora Tulpa i uważnie słuchali jego wyjaśnień na temat anatomicznego zwłok. Taka konstrukcja kompozycji pozwoliła artyście przekazać indywidualne cechy każdej portretowanej osoby i połączyć ją w wolną grupę z ogólnym stanem głębokiego zainteresowania, aby podkreślić witalność sytuacji. W przeciwieństwie do portretów grupowych Halsa, gdzie każdy z portretowanych zajmuje równoważną pozycję, na obrazie Rembrandta wszystkie postacie są psychologicznie podporządkowane Tulpie, której postać podkreśla szeroka sylwetka i gest wolnej ręki. Jasne światło odsłania środek kompozycji, przyczynia się do wrażenia grupowego opanowania i zwiększa ekspresję.

Sukces pierwszego obrazu przyniósł artyście wiele zleceń, a wraz z nimi bogactwo, które powiększyło jego małżeństwo z patrycjuszką Saskią van Uylenburgh. Rembrandt pisze po kolei wielkie kompozycje religijne, takie jak Ofiara Abrahama (1635, Petersburg, Ermitaż), pełne dynamiki i patosu, uroczyste portrety. Fascynują go heroiczno-dramatyczne obrazy, pozornie efektowne konstrukcje, wspaniałe fantazyjne stroje, kontrasty światła i cienia, ostre kąty. Rembrandt często przedstawia Saskię i samego siebie, młodych, szczęśliwych, pełnych energii. Są to „Portret Saskii” (ok. 1634, Kassel, Galeria Sztuki), „Autoportret” (1634, Paryż, Luwr), „Autoportret z Saskią na kolanach” (ok. 1636, Drezno, Galeria Sztuki). Rembrandt dużo pracował na polu akwaforty, upodobał sobie motywy rodzajowe, portrety, pejzaże i stworzył całą serię wizerunków przedstawicieli niższych warstw społecznych.

Judyta w recepcji Holofernesa (obraz znany dawniej jako Artemisia), 1634, Muzeum Prado, Madryt

Diana i nimfy kąpią się, opowiadając historie o Akteonie i Kalisto, 1635, Muzeum Wasserburg Anholt

Saskia van Uylenburgh w stroju arkadyjskim, 1635, National Gallery, Londyn

Pod koniec lat 30. XVII wieku ujawniono zainteresowanie artysty realistycznymi obrazami w obrazach wielkoformatowych. Motyw mitologiczny w obrazie Danae (1636, większość obrazu została przemalowana w połowie lat czterdziestych XVI wieku, Petersburg, Ermitaż) uzyskał niezwykle żywotne i przekonujące rozwiązanie. Odrzucając brutalny patos i efekty zewnętrzne, Rembrandt dążył do ekspresji psychologicznej. Ciepłe kolory stały się bogatsze, światło zyskało jeszcze większą rolę, nadając pracy szczególny niepokój i ekscytację.

Mężczyzna w stroju orientalnym, 1633, Galeria Narodowa, Waszyngton

Niewiara Apostoła Tomasza, 1634, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina, Moskwa

Samson grozi teściowi, 1635, Rijksmuseum, Berlin

Wraz z pogłębianiem się realistycznego kunsztu artysty narastały jego nieporozumienia z otaczającym go środowiskiem burżuazyjno-patrycjuszowskim. W 1642 r. na zlecenie kompanii strzelców pisał: Duży obraz(3,87 x 5,02 m), ze względu na okresowe ciemnienie barw, później nazwany „Strażą Nocną” (Amsterdam, Rijksmuseum). Zamiast tradycyjnej uczty z portretami jej uczestników, gdzie każdy z nich jest przedstawiony z całą dbałością o indywidualną charakterystykę, jak to miało miejsce wcześniej, artysta przedstawił występy strzelców podczas kampanii. Podnosząc sztandar, dowodzeni przez kapitana, maszerują szerokim mostem w pobliżu budynku cechu przy dźwiękach bębna. Niezwykle jasny snop światła, oświetlający poszczególne postacie, twarze uczestników procesji i małej dziewczynki z kogutem u pasa, jakby przedzierającej się przez szeregi strzelców, podkreśla nieoczekiwaność, dynamikę i ekscytację obrazu. Obrazy ludzi odważnych, ogarniętych heroicznym impulsem, łączą się tu z uogólnionym obrazem Holendrów, inspirowanym świadomością jedności i wiarą we własne siły. W ten sposób portret grupowy nabiera charakteru osobliwego obraz historyczny, w którym artysta stara się ocenić teraźniejszość. Rembrandt ucieleśnia swoją ideę wzniosłych ideałów obywatelskich, ludzi, którzy powstali, by walczyć o wolność i niepodległość narodową. W latach, w których coraz bardziej ujawniały się wewnętrzne sprzeczności dzielące kraj, artysta wzywał do obywatelskiego wyczynu. Rembrandt dążył do stworzenia wizerunku bohaterskiej Holandii, aby gloryfikować patriotyczny zryw jej obywateli. Jednak pomysł ten był już w dużej mierze obcy jego klientom.

W latach czterdziestych XVII wieku narastały różnice między artystą a społeczeństwem burżuazyjnym. Sprzyjają temu trudne wydarzenia w jego życiu osobistym, śmierć Saskii. Ale w tym czasie w twórczości Rembrandta nadszedł czas dojrzałości. Spektakularne dramatyczne sceny jego wczesnych obrazów ustępują miejsca poetyzowaniu codzienności: dominują wątki liryczne, takie jak „Pożegnanie Dawida z Jonatanem” (1642), „Święta Rodzina” (1645, oba obrazy - Petersburg). , Ermitaż), w którym głębia ludzkich uczuć zwycięża zaskakująco subtelnym i mocnym wcieleniem. Wydawać by się mogło, że w prostych codziennych scenach, w oszczędnych i trafnie odnalezionych gestach i ruchach, artysta ujawnia złożoność życia duchowego, tok myśli bohaterów. Przenosi scenę z obrazu „Święta Rodzina” do biednego chłopskiego domu, gdzie ojciec pracuje jako stolarz, a młoda matka pilnie strzeże snu dziecka. Wszystko tutaj przesycone jest tchnieniem poezji, podkreśla nastrój ciszy, spokoju, wyciszenia. Sprzyja temu delikatne światło rozświetlające twarze mamy i dziecka, najsubtelniejsze odcienie ciepłego złotego koloru.

Chrystus i Maria Magdalena przy grobie, 1638, Kolekcja Królewska, Windsor

Agatha Bass na tle okna, 1641, Galeria Sztuki, Pałac Buckingham

Kaznodzieja Cornelis Claes Anslo i jego żona Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Muzeum Berlin-Dahlem

Obrazy grafik Rembrandta - rysunków i akwafort - pełne są głębokiego wewnętrznego znaczenia. Ze szczególną siłą demokratyzm jego sztuki wyraża się w rycinie „Chrystus uzdrawiający chorych” (ok. 1649 r. „Arkusz stu guldenów”, nazwany tak ze względu na wysoką cenę, jaką kupował na aukcjach). Uderza wnikliwa interpretacja obrazów chorych i cierpiących, żebraków i ubogich, którym przeciwstawiają się zadowoleni z siebie, bogato odziani faryzeusze. Autentyczny rozmach monumentalny, malowniczość, subtelne i ostre kontrasty światłocienia, bogactwo tonalne wyróżniają jego akwaforty i rysunki piórkiem, zarówno tematyczne, jak i pejzażowe.

Ogromne miejsce w późnym okresie zajmują proste, ale kompozycje, najczęściej pokoleniowe portrety krewnych i przyjaciół, w których artysta skupia się na ujawnianiu Święty spokój malowany. Wielokrotnie pisze do Hendrickje Stoffels, ujawniając jej duchową dobroć i życzliwość, szlachetność i godność - jak np. "Hendrickje przy oknie" (Berlin, Muzeum). Często modelem jest jego syn Tytus, chorowity, kruchy młodzieniec o delikatnej duchowej twarzy. Na portrecie z księgą (ok. 1656, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum) obraz zdaje się przenikać promienie słoneczne. Do najbardziej przenikliwych należą portret Breuninga (1652, Kassel, Galeria), młodego, złotowłosego mężczyzny o ruchliwej twarzy oświetlonej wewnętrznym światłem oraz portret smutnego Jana Six (1654, Amsterdam, kolekcja Six) , jakby zamyślony, naciągając rękawiczkę.

Autoportret z filcowym kapeluszem, 1642, kolekcja królewska, zamek Windsor, Londyn

Toaleta Batszeby, 1643, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Portret damy ze splecionymi dłońmi (Hendrikje Stoffels?), ok. 1650, Kolekcja Królewska, Londyn

Do tego typu portretów należą również późne autoportrety artysty, uderzające różnorodnością cech psychologicznych, wyrazem najbardziej nieuchwytnych ruchów duszy. „Autoportret” Muzeum Wiedeńskiego (ok. 1652 r.) został wykonany ze szlachetną prostotą i majestatem; w „Autoportrecie” z Luwru (1660) artysta przedstawił siebie medytującego, w głębokim smutku. W tym samym czasie namalowano portret starej kobiety, żony jego brata (1654, Petersburg, Ermitaż), portret-biografię mówiącą o ciężkim życiu, o trudnych dniach, które pozostawiły wymowne ślady na pomarszczona twarz i ciężko pracujące ręce tej ocalałej kobiety. Skupiając światło na twarzy i dłoniach, artysta zwraca na nie uwagę widza, ukazując duchowe bogactwo i ludzką godność portretowanych. Prawie wszystkie te portrety nie są wykonywane na zamówienie: z roku na rok jest coraz mniej zamówień.

Ostatnia dekada to najtragiczniejszy okres w życiu Rembrandta; ogłoszony niewypłacalnym dłużnikiem, osiedla się w najbiedniejszej dzielnicy Amsterdamu, traci najlepszych przyjaciół i najbliższych. Hendrickje i syn Tytus umierają. Ale nieszczęścia, które go spotkały, nie mogły powstrzymać rozwoju twórczego geniuszu artysty. Najgłębszy i piękne prace zostały napisane w tym czasie. Grupowy portret „Sindików” (starszych cechu sukienników, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) dopełnia dorobek artysty w tym gatunku. Jej żywotność tkwi w głębi i specyfice każdego z portretowanych, w naturalności kompozycji, klarownej i wyważonej, w skąpstwie i dokładności doboru detali, w harmonii dyskretnej kolorystyki, a jednocześnie w tworzeniu integralnego wizerunku grupy ludzi zjednoczonych wspólnymi interesami, które chronią. Niezwykły kąt podkreśla monumentalność obrazu, doniosłość i powagę tego, co się dzieje.

Młoda kobieta przymierzająca kolczyki, 1657, Ermitaż, Petersburg

Artakserkses, Haman i Estera, 1660, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina, Moskwa

Portret rodzinny, 1668, Muzeum księcia Antona Ulricha, Brunszwik

Do późnego okresu należy również kilka wielkoformatowych obrazów tematycznych mistrza: „Spisek Juliusza Cywilisa” (1661, Sztokholm, Muzeum Narodowe), historyczna kompozycja przedstawiająca przywódcę plemienia Batavów, których uważano za przodków Niderlandów, którzy w I wieku podnieśli ludność do buntu przeciwko Rzymowi, a także obrazy o tematyce biblijnej: „Artakserkses, Haman i Estera” (1660, Moskwa, Muzeum Puszkina). Fabuła biblijnej przypowieści o synu marnotrawnym już wcześniej przyciągnęła artystę, znajduje się w jednej z jego rycin. Ale dopiero pod koniec życia Rembrandt doszedł do najgłębszego objawienia. Obraz zmęczonego, skruszonego mężczyzny, który padł na kolana przed ojcem wyraża tragiczną drogę poznania życia, a obraz ojca, który przebaczył synowi marnotrawnemu, uosabia najwyższe szczęście dostępne człowiekowi, granicę uczuć które wypełniają serce. Rozwiązanie tej wielkoformatowej kompozycji jest zadziwiająco proste, gdzie główne postacie zdają się być rozświetlone wewnętrznym światłem, gdzie gest rąk ojca, który odzyskał syna, wyraża jego nieskończoną dobroć, a opadająca postać wędrowca w brudnych łachmanach, przytulonego do ojca, wyraża całą moc pokuty, tragedię poszukiwań i strat. Inne postacie schodzą na dalszy plan, w półcieniu, a ich współczucie i zamyślenie jeszcze bardziej podkreślają, jakby promieniejąc ciepłym blaskiem, ojcowską miłością i przebaczeniem, które wielki holenderski artysta pozostawił ludziom jak testament.

Wpływ sztuki Rembrandta był ogromny. Wpłynęło to na pracę nie tylko jego najbliższych uczniów, z których Karel Fabritius najbardziej zbliżył się do zrozumienia nauczyciela, ale także na sztukę każdego mniej lub bardziej znaczącego artysty holenderskiego. Sztuka Rembrandta miała później głęboki wpływ na rozwój całej światowej sztuki realistycznej. Podczas gdy najwybitniejszy holenderski artysta, popadając w konflikt ze społeczeństwem burżuazyjnym, umierał w potrzebie, innym malarzom, po opanowaniu umiejętności wiernego przekazu przedstawionego, udało się osiągnąć dożywotnią sławę i dobrobyt. Wielu z nich, skoncentrowawszy swoje wysiłki na polu tego czy innego gatunku malarstwa, stworzyło znaczące prace w swojej dziedzinie.

Resmbrandt urodził się w Lejdzie jako syn dość zamożnego właściciela młyna. Najpierw studiował w szkole łacińskiej, a potem krótko na uniwersytecie w Leiden, ale zostawił go na studia malarskie, najpierw u mało znanego miejscowego mistrza, a następnie u amsterdamskiego artysty Petera Lastmana.

Po krótkiej nauce Rembrandt wyjeżdża do rodzinnego miasta, aby samodzielnie malować we własnym warsztacie. To czas formowania się artysty, kiedy upodobał sobie twórczość Caravaggia. W tym okresie namalował wiele portretów członków swojej rodziny – matki, ojca, siostry oraz autoportrety. Już w tym czasie poświęca się Specjalna uwaga oświecanie i przekazywanie duchowych doświadczeń ich modeli. Młoda artystka uwielbia ubierać je w przeróżne ubrania, drapować w piękne tkaniny, doskonale oddające ich fakturę i kolor.

W 1632 roku Rembrandt wyjechał do Amsterdamu, centrum kultury artystycznej Holandii, co naturalnie przyciągnęło młodego artystę. Tutaj szybko zdobywa sławę, ma wiele zamówień. Jednocześnie entuzjastycznie kontynuuje doskonalenie swoich umiejętności. Lata 30. to czas największej chwały, do której drogę otworzył malarzowi jego duży obraz na zamówienie „Lekcja anatomii”. Wszystkie pozy i działania na zdjęciu są naturalne, ale pozbawione nadmiernego naturalizmu.

W 1634 Rembrandt żeni się z dziewczyną z zamożnej rodziny - Saskią van Uylenborch - i od tego czasu wpada w kręgi patrycjuszy. Najbardziej szczęśliwy czasżycie artysty: wzajemna namiętna miłość, dobrobyt materialny, dużo zamówień. Malarz często pisze do swojej młodej żony: „Flora”, „Autoportret z Saskią na kolanach”. Ale szczęście nie trwało długo. Saskia zmarła w 1642 r., pozostawiając syna Tytusa.

Depresja moralna i pasja kolekcjonerska, które opanowały Rembrandta, stopniowo doprowadziły go do ruiny. Sprzyjała temu także zmiana gustów publiczności, która zafascynowała się starannie malowanym malowaniem światłem. Rembrandta, który nigdy nie ulegał gustom swoich klientów, interesowały kontrasty światła i cienia, pozostawiając światło w jednym punkcie, reszta obrazu była w cieniu i półcieniu. Zamówienia stawały się coraz mniej. Nowa dziewczyna swojego życia Hendrickje Stoffels i jego syn Tytus założyli firmę handlującą obrazami i antykami, aby pomóc artyście. Ale ich wysiłki poszły na marne. Sprawy się pogarszały. Na początku lat 60. XVI wieku zmarła Hendrickje, a kilka lat później Tytus.

Jednak mimo wszystko artysta kontynuuje pracę. W tych szczególnie trudnych latach tworzy szereg niezwykłych dzieł: „Sindics”, „Powrót syna marnotrawnego”, uderzające wewnętrznym dramatem.

Największy artysta zmarł w skrajnej nędzy 4 października 1669 roku. Współcześni chłodno zareagowali na tę stratę. Prawie dwieście lat zajęło mocy realizmu Rembrandta, głębokiej psychologii jego płócien i niesamowitym umiejętnościom malowania, aby wydobyć jego imię z zapomnienia i umieścić go wśród największych nazwisk na świecie.

Flora to włoska bogini kwiatów i młodości. Kult Flory jest jednym z najstarszych kultów rolniczych Włoch, zwłaszcza Sabinów. Rzymianie utożsamiali Florę z grecką Chloris i świętowali na jej cześć wiosną tzw. Zabawne gry które czasami przybierały nieokiełznany charakter. Ludzie dekorowali się i zwierzęta kwiatami, kobiety zakładały jasne sukienki.
W sztuka antyczna Flora została przedstawiona jako młoda kobieta trzymająca kwiaty lub rozrzucająca kwiaty.

Całe płótno przesycone jest szczerą radością! Autoportret przedstawia małżonków na wesołej uczcie. Rembrandt, ogromny w porównaniu ze swoją szczupłą żoną, trzyma ją na kolanach i podnosi kryształowy kielich pieniącego się wina. Wydają się być zaskoczeni, w intymnej atmosferze przepełnionej życiem.

Rembrandt, w bogatym wojskowym garniturze ze złoconym baldricem i rapierem na boku, wygląda jak jakiś dandys-raiter bawiący się z dziewczyną. Nie wstydzi się, że taką rozrywkę można uznać za oznakę złego gustu. Wie tylko, że jego żona jest kochana i dlatego jest piękna w swoim luksusowym staniku, jedwabnej spódnicy, wspaniałym nakryciu głowy i drogocennym naszyjniku, i że wszyscy powinni ją podziwiać. Nie boi się wydawać ani wulgarnego, ani zarozumiałego. Żyje w krainie marzeń i radości, z dala od ludzi i nie przychodzi mu do głowy, że można go winić. A wszystkie te uczucia wyraża prosty wyraz promiennej twarzy samego artysty, który wydaje się, że osiągnął wszystkie ziemskie błogosławieństwa.

Obraz wyraża radość życia, świadomość młodości, zdrowie i dobre samopoczucie.

Po śmierci Saskii w życie Rembrandta wkroczyła inna kobieta, skromna służąca Hendrickje Stoffels, która rozjaśniła samotność mistrza. Często ją pisał, ale w tytułach prac, w których służyła jako modelka, nigdy nie wymienił jej imienia.

Historia biblijnego patriarchy Józefa jest opowiedziana w Księdze Rodzaju.
Nawet w rodzinnym domu Jakuba i Racheli ich ukochany syn Józef pojawia się jako marzyciel. Ojciec wyróżnia Józefa wśród braci, a oni, zazdrośni o jego szczególną pozycję i piękne ubrania, sprzedają Józefa w niewolę karawanom zmierzającym do Egiptu.
W Egipcie Józef służy jako niewolnik bogatego szlachcica Potyfara, szefa straży przybocznej faraona. Potyfar powierza Józefowi cały swój dom, ale żona Potyfara narusza jego czystość, a Józef ucieka, pozostawiając ubranie w rękach kobiety. Żona Potyfara, zakochała się w Józefie i nie osiągnęła wzajemności, oskarża go o gwałt.
W więzieniu, do którego został wysłany Józef, są z nim piekarz i podczaszy króla. Józef tłumaczy ich sny, według których piekarz zostanie stracony, a podczaszy otrzyma przebaczenie po trzech dniach. Proroctwo Józefa się spełnia, a podczaszy pamięta go, gdy egipskim kapłanom trudno jest zinterpretować sen faraona o siedmiu tłustych krowach pożartych przez siedem chudych io siedmiu dobrych kłoskach pożartych przez chudych. Wezwany z więzienia Józef interpretuje sen jako zwiastun tego, że po kolejnych siedmiu latach dobrych zbiorów nadejdzie siedem lat poważnych nieurodzaju. Doradza faraonowi, aby wyznaczył zaufaną osobę do tworzenia zapasów na czas głodu.
Faraon mianuje Józefa powiernikiem, obdarza go swoim pierścieniem, nadaje mu egipskie imię, a za żonę – egipską Asenet, córkę kapłana z Heliopolis.

Samson uwielbiał wędrować po kraju i pewnego dnia trafił do miasta Timnaf. Tam zakochał się w dostojnej Filistynce i chciał ją poślubić. Pobiegł do domu i poprosił rodziców, aby zabiegali o ukochaną. Starcy ściskali się za głowę ze zgrozy: ich syn sprawił im już wiele smutku, a teraz na dodatek postanowił poślubić cudzoziemkę, córkę Filistyna. Samson jednak nie ustępował. Rodzice nie mieli nic do roboty – ciężko wzdychając, słuchali kaprysów swojego ekscentrycznego syna. Samson został panem młodym i od tego czasu często odwiedzał rodziców panny młodej.
Pewnego dnia, gdy Samson szedł energicznie ścieżką między winnicami, młody lew ryczący zagrodził mu drogę. Silny mężczyzna rozerwał lwa na strzępy i, jakby nic się nie stało, udał się do Timnath, nie mówiąc nikomu o swojej przygodzie. Wracając do domu, ze zdziwieniem zobaczył, że rój pszczół zagnieździł się w pysku martwego lwa i nagromadziło się już dużo miodu. Samson przyniósł plastry miodu swoim rodzicom, nie mówiąc ani słowa, skąd je wziął.
W Fimnaf swatanie poszło dobrze, odbyła się wielka uczta, wszyscy pogratulowali młodej parze, a dzień ślubu został ustalony. Zgodnie ze zwyczajem filistyńskim uroczystość weselna trwa siedem dni.
Podczas uczty rodzice panny młodej, obawiając się niezwykłej siły Samsona, wyznaczyli mu trzydziestu młodych, silnych Filistynów na towarzyszy małżeńskich. Samson, patrząc na „strażników” z uśmiechem, zasugerował, aby rozwiązali zagadkę. Musiało to zostać rozwiązane do końca ślubu, siódmego dnia.
Zagadka brzmiała tak: „Z zjadacza wyszło coś do jedzenia, a z mocnego wyszło coś słodkiego”. Oczywiście nikt nie potrafił rozwiązać tej zagadki, bo nikt o tym nie wiedział rozmawiamy o pszczołach jedzących nektar (pszczoły „jedzą”), o miodzie („jedzenie”) io silnym lwie. Jednocześnie Samson postawił warunki: jeśli zostanie rozwiązany, dostaną o 30 koszul tyle samo topowej sukienki, a jeśli nie, zapłacą mu tyle samo.
Zdezorientowani Filistyni zastanawiali się nad tym przez trzy dni… dziwna zagadka. Zdesperowani poszli do jego młodej żony i zagrozili, że jeśli nie dowie się od męża o odpowiedzi na zagadkę, spalą zarówno siebie, jak i dom jej ojca. Filistyni naprawdę nie chcieli płacić Samsonowi dużej sumy.
Dzięki przebiegłości i uprzejmości żona znalazła od męża odpowiedź na zagadkę, a następnego dnia Filistyni udzielili prawidłowej odpowiedzi. Rozwścieczony Samson nie miał nic do roboty poza spłatą uzgodnionego długu, a jego rodzice byli bardzo biedni. Następnie zabił 30 Filistynów i oddał ich szaty jako dług. Samson, zdając sobie sprawę z tego, co zdradziła jego żona, zatrzasnął drzwi i wrócił do rodziców.

Artemida (Artemida) - córka Zeusa i Leto, siostra Apolla. Początkowo czczona jako bogini flory i fauny. Jest „kochanką bestii”, Tawropola (obrońcą byków), Limnatis (bagno), niedźwiedziem (w tym przebraniu była czczona w Bavronie). Później - bogini polowań, gór i lasów, patronka kobiet w czasie porodu.
Artemida błagała Zeusa o wieczne dziewictwo. Sześćdziesiąt Oceanidów i dwadzieścia nimf było jej stałymi towarzyszami polowań, uczestnikami zabaw i tańców. Jej główną funkcją jest ochrona ustalonych zwyczajów, ofiar składanych bogom, za naruszenie których surowo karze: wysyła strasznego dzika do królestwa kalydońskiego, śmiercionośne węże do łoża małżeńskiego króla Admeta. Ona strzeże i świat zwierząt, powołując się na Herkulesa, który zabił łanię Kerinea złotymi rogami i żąda krwawej ofiary w zamian za świętą łanię zabitą przez Agamemnona - jego córkę Ifigenię (na ołtarzu ofiarnym Artemida potajemnie zastąpiła księżniczkę łanią, a Ifigenia przeniesiony do Tauris, czyniąc ją kapłanką).
Artemida jest obrońcą czystości. Patronuje Hipolitowi, który gardzi miłością, zamienia Akteona, który przypadkowo zobaczył nagą boginię, w jelenia, który został przez niego rozszarpany własne psy, a nimfa Kalipso, która złamała przysięgę, zamieniła się w niedźwiedzia. Ma determinację, nie toleruje rywalizacji, używa celnie wymierzonych strzał jako narzędzia kary. Artemida wraz z Apollem zniszczyła dzieci Niobe, która była dumna ze swoich siedmiu synów i siedmiu córek przed matką bogów Leto; jej strzała trafiła Oriona, który odważył się konkurować z boginią.
Artemida jako bogini roślinności kojarzona jest z płodnością, kult ten rozprzestrzenił się szczególnie w Efezie (Azja Mniejsza), gdzie wzniesiono świątynię Artemidy Efeskiej (jeden z „siedmiu cudów świata”), spaloną przez Herostratusa. jej honor. Artemida była tu czczona jako bogini-pielęgniarka, „ciężko pracująca”; Jest patronką Amazonek.
Artemida była również czczona jako bogini wojny. W Sparcie przed bitwą składano w ofierze bogini kozę, a w Atenach co roku w rocznicę bitwy pod Maratonem (wrzesień-październik) składano na ołtarzach pięćset kóz.
Artemida często zbliżała się do bogini miesiąca (Hekate) lub bogini pełni księżyca (Selene). Znany jest mit o Artemis-Selene, zakochanej w przystojnym Endymionie, który życzył wiecznej młodości i nieśmiertelności i przyjął je w głębokim śnie. Każdej nocy bogini zbliżała się do groty Carian Mount Latm, gdzie młody człowiek spał i podziwiał jego piękno.
Atrybutem bogini jest kołczan za plecami, w jej rękach łuk lub pochodnia; towarzyszy jej jeleń lub wataha psów myśliwskich.
W Rzymie Artemida utożsamiana jest z lokalnym bóstwem Dianą.

Artysta przedstawił swoją żonę Saskię jako Juno. Juno to starożytna rzymska bogini małżeństwa i narodzin, macierzyństwa kobiet i kobiecej siły produkcyjnej. Opiekun małżeństw, opiekun rodziny i przepisy rodzinne. Głównym atrybutem tej bogini jest welon, diadem, paw i kukułka. Rembrandt ma pawia w lewym dolnym rogu obrazu.

W mitologii biblijnej Belszaczar był ostatnim królem babilońskim, z jego imieniem związany jest upadek Babilonu. Mimo oblężenia stolicy, podjętego przez Cyrusa, król i wszyscy mieszkańcy, mając bogate zapasy żywności, mogli beztrosko oddawać się przyjemnościom życia.
Z okazji jednego pomniejszego święta Belszaczar urządził wspaniałą ucztę, na którą zaproszono nawet tysiąc szlachciców i dworzan. Misy stołowe były między innymi drogocennymi naczyniami zabranymi przez babilońskich zdobywców z różnych podbitych ludów oraz drogimi naczyniami ze świątyni jerozolimskiej. W tym samym czasie, zgodnie ze zwyczajem starożytnych pogan, uwielbiono babilońskich bogów, którzy okazali się zwycięskimi wcześniej i zawsze będą zwyciężać, pomimo wszelkich wysiłków Cyrusa i jego tajnych sojuszników, Żydów, z ich Jehową .
Ale wtedy, w środku uczty, na ścianie pojawiła się ludzka ręka i powoli zaczęła pisać kilka słów. Widząc ją, „król zmienił twarz, jego myśli zostały zdezorientowane, więzy jego lędźwi osłabły, a jego kolana zaczęły bić się o siebie z przerażenia”. Wezwani mędrcy nie przeczytali i nie wyjaśnili napisu. Następnie, za radą królowej, zaprosili sędziwego proroka Daniela, który zawsze wykazywał niezwykłą mądrość. I naprawdę przeczytał napis, który krótko brzmi po aramejsku: „Mene, tekel, uparsin” Oznaczało to: „Mene — Bóg policzył twoje królestwo i położył mu kres; tekel — jesteś zważony i uznany za bardzo lekki; uparsin — twoje królestwo jest podzielone i oddane Medom i Persom”.
Tej samej nocy, jak kontynuuje biblijna historia, zginął Belszazzar, król Chaldejczyków.

Tobit jest Izraelczykiem, odznaczającym się sprawiedliwością w swoim rodzinnym kraju, nie opuścił pobożnego rządu asyryjskiego i ogólnie przeżył szereg prób, w tym ślepotę, która zakończyła się dla niego i jego potomstwa pełnym błogosławieństwem Bożym. Jego syn, Tobiasz, został uzdrowiony z pomocą anioła.

Bóg ukazał się Abrahamowi i jego żonie Sarze w postaci trzech podróżników, trzech pięknych młodzieńców (Bóg Ojciec, Bóg Syn i Bóg Duch Święty). Starsze małżeństwo udzieliło im hojnej gościnności. Przyjmując poczęstunek, Bóg ogłosił małżonkom cud: pomimo głębokiej starości będą mieli syna, a od niego wyjdą wielcy i silni ludzie, a wszystkie narody świata będą w nim błogosławione.

Jeden z najbardziej tajemniczych epizodów w Starym Testamencie.
Kiedy Jakub zostaje sam, pojawia się Ktoś (zwykle uważa się go za anioła) i walczy z nim całą noc. Aniołowi nie udaje się pokonać Jakuba, potem dotyka ścięgna na udzie i uszkadza je. Jednak Jakub przeżywa próbę i otrzymuje nowe imię – Izrael, co oznacza „ten, który zmaga się z Bogiem i zwycięży ludzi”.
Dlatego do pewnego stopnia postawa Jakuba i anioła, którzy obejmują się, a nie walczyli, jest naturalna i usprawiedliwiona.

Fabuła pochodzi z Ewangelii, ale artysta przedstawia życie zwykłych ludzi. Tylko anioły schodzące w zmierzch biednego mieszkania przypominają nam, że to nie jest zwykła rodzina. Gest ręki matki, odrzucenie baldachimu, by spojrzeć na śpiące dziecko, skupienie na postaci Józefa – wszystko jest dogłębnie przemyślane. Prostota życia i wygląd ludzi nie sprawiają, że obraz jest prozaiczny. Rembrandt umie widzieć w życiu codziennym nie to, co małostkowe i zwyczajne, ale głębokie i trwałe. Spokojna cisza życia zawodowego, świętość macierzyństwa emanuje z tego płótna.

Żydowski król Seul starał się zniszczyć młodego Dawida, obawiając się, że obejmie jego tron. Ostrzegany przez swego przyjaciela, księcia Jonatana, zwycięzcę Goliata, Dawid żegna się z Jonatanem przy kamieniu Azail (w znaczeniu hebrajskim – rozstanie, rozstanie). Jonatan jest surowy i powściągliwy, ma smutną twarz. David w rozpaczy czepia się piersi przyjaciela, jest niepocieszony.

Według Biblii Batszeba była kobietą o niezwykłej urodzie. Król Dawid, spacerując po dachu swego pałacu, zobaczył kąpiącą się poniżej Batszebę. Jej mąż, Uriasz, był wtedy poza domem i służył w armii Dawida. Batszeba nie próbowała uwieść króla. Ale Dawid został uwiedziony pięknem Batszeby i kazał sprowadzić ją do pałacu. W wyniku ich związku zaszła w ciążę i urodziła syna Salomona. Później Dawid napisał do dowódcy armii, w której walczył Uriasz, list, w którym nakazał umieścić Uriasza tam, gdzie będzie „najsilniejsza bitwa i wycofać się z niego, aby został pokonany i zginął”.
Rzeczywiście, tak się stało i Dawid poślubił Batszebę. Ich pierwsze dziecko żyło zaledwie kilka dni. David później żałował swojego czynu.
Przy całej swojej wysokiej pozycji, najbardziej ukochanej z żon Dawida, Batszeba zajęła miejsce w cieniu i zachowywała się z godnością. Dawid koronował Salomona, syna Batszeby, króla. Batszeba była mądrą kobietą i zawsze miała nadzieję na Boga. W stosunku do Dawida stała się wierna i kochająca żona i dobrą matką dla swoich dzieci, Salomona i Natana.

Jeden z ostatnich obrazów Rembrandta. To głęboki dramat psychologiczny. Na płótnie z ogromną mocą rozbrzmiewa wezwanie do głębokiego człowieczeństwa, afirmacja duchowej wspólnoty ludzi, piękno rodzicielskiej miłości.

Przedstawia biblijną opowieść o rozwiązłym synu, który po długich tułaczkach wrócił do domu ojca. Cały pokój pogrążony jest w ciemności, tylko ojciec i syn są jasno oświetleni. Syn z ogoloną głową skazańca, w łachmanach, z bosą piętą, z której spadł dziurawy but, padł na kolana i przytulił się do ojca, ukrywając twarz na piersi. Stary ojciec, zaślepiony żalem w oczekiwaniu na syna, czuje go, rozpoznaje i przebacza mu, błogosławiąc go.

Artysta naturalnie i zgodnie z prawdą przekazuje pełną moc ojcowskiej miłości. W pobliżu stoją odrętwiałe postacie widzów wyrażających zdziwienie i obojętność - to członkowie tego społeczeństwa, które najpierw zdeprawowało, a potem potępiło syna marnotrawnego. Ale miłość ojcowska triumfuje nad ich obojętnością i wrogością.

Płótno stało się nieśmiertelne dzięki wyrażonym w nim uniwersalnym uczuciom - bezdennej rodzicielskiej miłości, goryczy rozczarowania, straty, upokorzenia, wstydu i skruchy.

Ten najlepsza praca Rembrandt 30s.

Obraz jest dedykowany wieczny motyw miłość. Fabuła była mitem córki króla Akrisiusa Danae. Wyrocznia przepowiedziała Akrisjuszowi, że umrze z rąk wnuka.Potem król uwięził córkę na zawsze w wieży.Ale wszechmocny Zeus zamienił się w złoty deszcz iw tej postaci wszedł do Danae i stał się jej kochankiem. Urodził się ich syn Perseusz, a następnie ponownie, na rozkaz Arixiusa, Danae wraz z synem w skrzyni zostali wrzuceni do morza. Ale Danae i jej syn nie zginęli.

Artysta przedstawia moment, w którym Danae z radością czeka na Zeusa. Stara pokojówka odsuwa zasłonę swojego łóżka i do pokoju wlewa się złota poświata. Danae w oczekiwaniu na szczęście wstaje na spotkanie złotego deszczu. Zasłona odpadła i odsłoniła już nie młode, ciężkie ciało, dalekie od praw klasycznego piękna. Niemniej jednak urzeka życiową prawdziwością, miękką okrągłością form. I choć artysta porusza temat z starożytna mitologia obraz jest wyraźnie napisany w duchu realizmu.

Rembrandt dużo pisał na tematy opowiadań biblijnych i wszystkie były na swój sposób aktualizowane w treści. Często malował obrazy wbrew logice - oświetlenie, kolory, wszystko było tylko jego pomysłem. Tę samą niezależność artysta wykazuje w sposobie ubierania swoich bohaterów. Ubrał ich w dziwne szaty - Saskię, Juno i innych...
To samo z parą na obrazie „Żydowska panna młoda”. Nazwa jest dziwna, ponieważ płótno przedstawia małżeństwo, a żona jest w ciąży.
Na tle niewyraźnej zieleni domyśla się fragmentu wielkiego muru i miejskiego krajobrazu. Para ubrana w czerwień i złoto stoi przed pilasterem. Dwie twarze i cztery ręce, mężczyzna pochyla się w kierunku kobiety, której wzrok zwrócony jest ku sobie, ku swoim myślom. Jej prawa ręka trzymająca kwiaty spoczywa na brzuchu. W twarz - ufna powaga żony, zajętej jedynie obecnością w sobie innego życia. Mężczyzna obejmuje ją lewą ręką. Prawa ręka spoczywa na sukience na wysokości klatki piersiowej, gdzie styka się z lewa ręka kobiety. Palce dotykają się. Miękki w dotyku. Mężczyzna patrzy, jak dłoń kobiety dotyka jego własnej.

Na obrazie Rembrandt całkowicie porzucił klasyczny ideał nagiej kobiecej postaci. Tutaj przedstawił Hendrickje, swoją drugą żonę, rozbierającą się przed kąpielą, wbrew wszelkim kanonom piękna. Złota szata leży nad brzegiem wody, a słodka młoda kobieta nieśmiało podnosi koszulę, wchodzi zimna woda. Wydaje się, że wynurza się z brązowej ciemności, jej nieśmiałość i skromność wyczytane są zarówno z lekko wypisanej twarzy, jak i z rąk podtrzymujących koszulę.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) był holenderskim malarzem, rysownikiem i rytownikiem, Wielki mistrzświatłocień, największy przedstawiciel złotego wieku Malarstwo holenderskie. Udało mu się ucieleśnić w swoich pracach cały szereg ludzkich przeżyć z takim emocjonalnym bogactwem, jakiego nie znała sztuka przed nim. Dzieła Rembrandta, niezwykle różnorodne gatunkowo, otwierają na widza ponadczasowy świat duchowy ludzkich przeżyć i uczuć.

Rembrandt Harmenszoon („syn Harmena”) van Rijn urodził się 15 lipca 1606 r. (według niektórych źródeł w 1607 r.) w wielodzietnej rodzinie zamożnego właściciela młyna Harmena Gerritszona van Rijna w Lejdzie. Rodzina matki, nawet po rewolucji holenderskiej, pozostała wierna wierze katolickiej.

W Leiden Rembrandt uczęszczał do szkoły łacińskiej na uniwersytecie, ale największe zainteresowanie pokazał się do malowania. W wieku 13 lat został wysłany na studia sztuki piękne malarzowi historycznemu z Leiden Jacob van Swanenbürch, katolikowi z wiary. Badacze nie byli w stanie odnaleźć prac Rembrandta związanych z tym okresem, więc kwestia wpływu Swanenbürcha na kształtowanie się twórczej maniery Rembrandta pozostaje otwarta: zbyt mało dziś wiadomo o tym lejdeńskim artyście.

W 1623 Rembrandt studiował w Amsterdamie u Pietera Lastmana, który kształcił się we Włoszech i specjalizował w tematyce historycznej, mitologicznej i biblijnej. Po powrocie do Lejdy w 1627 roku Rembrandt wraz ze swoim przyjacielem Janem Lievensem otworzyli własny warsztat i zaczęli rekrutować uczniów. W ciągu kilku lat zyskał dużą popularność.

Zamiłowanie Lastmana do różnorodności i detali w wykonaniu wywarło ogromny wpływ na młodego artystę. Wyraźnie widać to w jego pierwszych zachowanych utworach – „Ukamienowanie św. Stephen” (1629), „Scena z Historia starożytna„(1626) i „Chrzest eunucha” (1626). W porównaniu z jego dojrzałymi dziełami są niezwykle barwne, artysta stara się wypisać każdy szczegół materialnego świata, jak najdokładniej oddać egzotyczną oprawę biblijnej opowieści. Niemal wszystkie postacie pojawiają się przed widzem w przedziwnych orientalnych strojach, mieniących się klejnotami, co tworzy atmosferę przewagi, przepychu, święta („Alegoria muzyki”, 1626; „Dawid przed Szawłem”, 1627).

Ostatnie prace tego okresu – „Tobit i Anna”, „Balaam i osioł” – odzwierciedlają nie tylko bogatą wyobraźnię artysty, ale także jego chęć jak najwymowniejszego przekazania dramatycznych przeżyć swoich bohaterów. Podobnie jak inni mistrzowie baroku, zaczyna rozumieć znaczenie ostro rzeźbionego światłocienia w przekazywaniu emocji. Jego nauczycielami w zakresie pracy ze światłem byli karawagiści z Utrechtu, ale jeszcze bardziej kierował się twórczością Adama Elsheimera, Niemca, który pracował we Włoszech. Najbardziej karawagistyczne obrazy Rembrandta to „Przypowieść o głupim bogaczu” (1627), „Symeon i Anna w świątyni” (1628), „Chrystus w Emaus” (1629).

Do tej grupy przylega obraz Artysta w pracowni (1628; być może jest to autoportret), na którym artysta uchwycił się w pracowni w momencie kontemplacji własnej twórczości. Płótno, nad którym pracujemy, wysuwa się na pierwszy plan obrazu; w porównaniu z nim sam autor wydaje się karłem.

Jeden z nierozwiązanych problemów twórcza biografia Rembrandt to jego artystyczne podobieństwo do Lievens. Pracując ramię w ramię, kilkakrotnie podejmowali ten sam temat, na przykład Samson i Dalila (1628/1629) czy Zmartwychwstanie Łazarza (1631). Po części obaj byli pociągani do Rubensa, który był wówczas znany jako najlepszy artysta w całej Europie czasami Rembrandt pożyczał artystyczne znaleziska Lievensa, czasami było dokładnie odwrotnie. Z tego powodu rozróżnienie dzieł Rembrandta i Lievensa z lat 1628-1632 nastręcza historykom sztuki pewne trudności. Wśród jego innych słynnych dzieł jest „Osioł Walaama” (1626).

To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykułu tutaj →

Po szkoleniu artysta wrócił do Lejdy, gdzie wraz z przyjacielem otworzył własny warsztat i zaczął rekrutować studentów. Później przeniósł się do Amsterdamu i poślubił Saskię van Uylenburgh, której więzy rodzinne przyczyniły się do popularności artysty i wzrostu opłat za wiele zleconych portretów i dzieł sztuki.

Jak wielu wielkich artystów, Rembrandt nie był szczęśliwy w życie rodzinne. Troje z czworga dzieci pary zmarło w dzieciństwie. Rok po urodzeniu jedynego ocalałego syna, w wieku 30 lat, zmarła również Saskia.

Później gospodyni Hendrikje Stoffels często pozowała do portretów Rembrandta. Chociaż był sławny artysta, w 1656 musiał ogłosić upadłość i sprzedać majątek. W tym trudnym okresie mistrz wykonał swoje najlepsze prace.

Czego fotografowie mogą się nauczyć z obrazów Rembrandta:

Charakterystyczne cechy światła dają wyobrażenie o harmonijnej relacji pomiędzy ilością, kierunkiem i natężeniem oświetlenia.
Faktura i kolory odgrywają rolę w określaniu nastroju obrazu. Fotograf może zastosować to do zdjęcia.
Ciepło tych portretów sprawia, że ​​są bardzo żywe i artystyczne.
Światło nie wypełnia całkowicie kadru, a pada tylko w określonym obszarze, który wymaga oświetlenia.
Niesamowita kompozycja i rozmieszczenie obiektów na zdjęciu, niezależnie od ich ilości w scenie.
akcja, postawa, Środowisko a zamrożony moment daje jasny obraz nastroju postaci.
Intensywność dramatycznego związku między światłem a cieniem niesie ze sobą zrozumienie znaczenia kompozycji obrazu.
Studium malarstwa i ryciny Rembrandta jest bezpośrednią drogą do doskonałości, daje zrozumienie aspektów sztuki.