Artyści francuscy to największe nazwiska światowej kultury. Co więcej, to francuscy mistrzowie pobili wszelkie rekordy cen dzieł sztuki na najlepszych aukcjach. Szkoda tylko, że ich autorzy otrzymali tylko pośmiertną sławę, ale takie są koleje losu wielu twórców piękna.

Artyści francuscy: fenomen francuskiego impresjonizmu

Tak więc francuscy artyści XX wieku stali się najdrożej sprzedawanymi, a przez to najbardziej znanymi i rozpoznawalnymi na świecie. Nawet ludzie, którzy są całkowicie niedoświadczeni w sztukach pięknych, znają swoje imiona. Przede wszystkim są to artyści impresjonistyczni. Za życia Francja była dla nich niegościnna, ale po śmierci stali się prawdziwą dumą narodową.

Najwięksi artyści Francji, którzy zdobyli światowe uznanie, sławę i sławę w szerokie kręgi, - ten Pierre Renoir, Edouarda Maneta, ‎Edgar Degas, Paweł Cezanne, Claude Monet I Paul Gauguin. Wszyscy są przedstawicielami najsłynniejszego i najlepiej sprzedającego się nurtu w malarstwie XX wieku – impresjonizmu. Nie trzeba dodawać, że nurt ten powstał we Francji i najpełniej ujawnia swoje miejsce i znaczenie w historii sztuki światowej. Niesamowite połączenie oryginalnej techniki i wielkiej emocjonalnej ekspresji fascynowało i fascynuje w impresjonizmie koneserów piękna na całym świecie.

Artyści Francji: formacja malarstwa francuskiego

Ale francuscy artyści to nie tylko impresjonizm. Podobnie jak w innych częściach Europy, rozkwit malarstwa tutaj przypadł na renesans. Oczywiście Francja nie może pochwalić się takimi gigantami jak Leonardo da Vinci czy Raphael, ale mimo to wniosła swój wkład we wspólną sprawę. Ale wpływy włoskie były zbyt silne, aby stworzyć pierwotną szkołę narodową.

Pierwszym wielkim francuskim artystą, który całkowicie uwolnił się od wpływów zewnętrznych, był Jacques Louis David, słusznie uważany za twórcę narodowej tradycji malarskiej. Najsłynniejszym obrazem artysty był słynny portret konny cesarza Napoleona „Napoleon na przełęczy św. Bernarda” (1801).

Artyści Francji XIX wieku, pracujący w realistycznym kierunku, są oczywiście mniej znani niż impresjoniści, niemniej jednak wnieśli namacalny wkład w rozwój światowego malarstwa. Ale XX wiek był triumfem sztuki francuskiej, a Paryż stał się centrum muz. Słynna dzielnica francuskiej stolicy Montmartre, która dawała schronienie dziesiątkom biednych artystów, którzy później weszli do złotego funduszu dziedzictwa ludzkości, w tym nazwisk Renoir, van Gogh, Tuluza-Lautrec, jak również Picassa I Modigliani, stał się centrum sztuki piękne i wciąż przyciąga rzesze turystów. znany artysta Francuzi czasów nowożytnych również tradycyjnie mieszkają na Montmartrze.

Był czas, kiedy artyści nie byli doceniani za swoją pracę. Ale w dzisiejszych czasach te osobowości są wysoko cenione, niezależnie od tego, czy należą czasy historyczne lub żywy. Francuscy malarze są szczególnie szanowani za swoją niesamowitą i zachwycającą pracę.

Oto 10 najsłynniejszych i najwybitniejszych francuskich artystów i malarzy. Wróćmy do przeszłości i rozważmy to wszystko razem. Proszę baw się dobrze!

TOP 10 najsłynniejszych francuskich artystów i malarzy:

10. Paul Gauguin (1848-1903)

Paul Gauguin to francuski malarz i malarz czasów postimpresjonistycznych. Wniósł wielki wkład w rozwój malarstwa awangardowego. Gauguin był w ścisłym związku z Van Goghiem.

9. Vincent van Gogh (1853-1890)

Vincent van Gogh należy do okresu postimpresjonistycznego. Jest jednym z najbardziej znanych malarzy i artystów na świecie. Vincent jest znany ze swojej odwagi i jasne zdjęcia i urodził się w Holandii.

8. Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro należy do epoki impresjonistów i postimpresjonistów. Jest jednym z najbardziej wpływowych i najlepszych malarzy wszech czasów. Pracował nad nowymi i niepowtarzalnymi stylami w swoich obrazach, co mogło korzystnie wpłynąć na jego karierę.

7. Edouard Manet (1832-1883)

Edouard Manet jest znany ze swojego wkładu w szkoły realizmu i impresjonizmu. Był wspaniałym i nowatorskim malarzem. Przekształcił prace w impresjonizm, aby nadać im nowoczesny wygląd.

6. Eugeniusz Delacroix (1798-1863)

Eugène Delacroix jest znany z romantycznych obrazów i dzieł sztuki. Inspirację do tej pracy czerpał od weneckich malarzy renesansowych i Rubensa.

5. Paul Cezanne (1839-1906)

Paul Cezanne urodził się w XVIII wieku. Niesamowity artysta epoki impresjonistów. Karierę rozpoczynał w formach impresjonistycznych, ale rozwijał się jako artysta nowatorski, dający najlepsze prace sztuka w XIX wieku.

4. Charles-Francois Dabigny (1817-1878)

Charles-Francois Dabigny jest jednym z najbardziej znany artysta wszystkich czasów. Nadal jest pamiętany ze swojej tradycyjnej obrazy pejzażowe i służył do imponowania innym wyjątkowymi dziełami sztuki.

3. August Renoir (1841-1919)

August Renoir należy do epoki impresjonizmu. Jest jednym z najsłynniejszych malarzy, którzy odegrali kluczową rolę w rozwoju dzieł impresjonistycznych.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet jest malarzem impresjonistą. Jest jednym z najbardziej wpływowych malarzy XVIII wieku. Był pod silnym wpływem twórczości licealistów i jego własne prace jak „Impresja”, „Wschód słońca” i inne.

1. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas jest uważany za prekursora impresjonizmu. Malował realistyczne aspekty ludzkiego życia. Jego styl pracy był naprawdę wyjątkowy i bardzo imponujący.

Szczegóły Kategoria: Sztuki piękne i architektura końca XVI-XVIII w. Opublikowano 27.04.2017 14:46 Wyświetleń: 3249

W początek XVIII w. pojawił się we Francji nowy styl- rokoko.

Przetłumaczone z francuskiego rokoko (rocaille) - „muszla”. Nazwa tego styl artystyczny ujawnia to funkcja- miłość do skomplikowanych kształtów, dziwacznych linii, przywodzących na myśl elegancką sylwetkę muszli.
Styl rokoko nie przetrwał długo (do ok. lat 40.), ale jego wpływ na kultura europejska okazał się bardzo silny.
W drugiej połowie XVIII wieku. nowy wzrost zainteresowania starożytna kultura. Było to po części zasługą wykopalisk w Pompejach, w których odkryto unikatowe zabytki sztuki. Z drugiej strony zainteresowanie to promowały idee francuskiego oświecenia: ideał sztuki i życie publiczne widzieli w historii i kulturze Starożytna Grecja I starożytny Rzym. W ten sposób powstał nowy styl - neoklasycyzm. Nie było tak we wszystkich krajach. Na przykład we Włoszech styl barokowy istniał jednocześnie ze stylem rokoko, podczas gdy we Francji barok nie był zbytnio rozwinięty. W Rosji rokoko i neoklasycyzm uzupełniały się nawzajem.
W XVIII wieku. klienci nie odgrywali już większej roli w losach artysty: głównym sędzią dzieł sztuki był opinia publiczna. Pojawiła się krytyka sztuki: Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau i inni.
Ważne wydarzenie w życiu artystycznym Francji w XVIII wieku. stały się wystawami publicznymi - Salonami. Od 1667 były organizowane corocznie przez paryską Królewską Akademię Malarstwa i Rzeźby przy wsparciu dworu królewskiego. Sukces na Salonie był uznaniem dla malarza lub rzeźbiarza. Udział w Salonach aspirowali nie tylko Francuzi, dlatego Paryż stopniowo przekształcił się w ogólnoeuropejskie centrum sztuki.

Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Rosalba Carriera. Portret Antoine'a Watteau (1721)
Antoine Watteau to francuski malarz z pierwszej tercji XVIII wieku, twórca stylu rokoko.
Odkrył w malarstwie sferę najsubtelniejszych emocji, współbrzmiącą z tekstami pejzażu.
A. Watteau urodził się w prowincjonalne miasto w rodzinie dekarzy. Już w środku wczesne lata jego zdolności artystyczne, a ojciec uczył go u miejscowego malarza o niewielkim talencie. Bardzo szybko mentor przestał być przydatny dla przyszłego artysty. Antoine Watteau, wbrew woli ojca, potajemnie opuszcza rodzinne miasto Valenciennes i udaje się na piechotę do Paryża, gdzie zostaje zatrudniony w warsztacie malarskim na moście Notre Dame, którego właściciel zorganizował seryjną produkcję tanich kopii obrazy w „wspólnym guście” dla odbiorców hurtowych. Watteau mechanicznie skopiował to samo popularne obrazy, i w czas wolny malowane z natury. Był wyjątkowo pracowity.

Antoine Watteau „Kaprysowy” (ok. 1718). Pustelnia Państwowa(Petersburg)
Wkrótce Watteau znalazł pierwszych mecenasów - Pierre'a Mariette'a i jego syna Jeana, grawerów i kolekcjonerów, właścicieli dużej firmy zajmującej się handlem grafikami i obrazami. W Mariettes Watteau miał okazję zapoznać się z twórczością Rembrandta, Tycjana, Rubensa. Za pośrednictwem Mariettes Watteau zostaje uczniem artysty Claude'a Gillota, mistrza sceneria teatralna i twórca małych obrazów. „Od tego mistrza Watteau zasmakował tylko w grotesie i komizmie, a także w zamiłowaniu do współczesne przedmioty któremu później się poświęcił. A jednak musimy przyznać, że Gillo Watteau w końcu sam się zorientował i od tego czasu oznaki talentu, które trzeba było rozwinąć, stały się bardziej wyraźne ”(Biograf artysty Edm-Francois Gercin).

Antoine Watteau „Aktorzy” komedia francuska» (ok. 1712). Państwowe Muzeum Ermitażu (Petersburg)
W wieku 33 lat Watteau staje się najpopularniejszym malarzem w Paryżu, co przyczyniło się do jego europejskiej sławy.

Antoine Watteau „Gilles” (1718-1719). Luwr (Paryż)
Oto jak Watteau M.Yu mówi o tym zdjęciu. Niemiec, czołowy badacz w Muzeum Rosyjskim: „W historii sztuki Gilles praktycznie nie ma analogii. Niewiele osób w ogóle pisało aktorów. Co więcej, nikt nie odważył się pokazać aktora w całkowitej bezczynności. Dla samego Watteau był to odważny krok: namalować postać na samym środku płótna, wypełniając większą jego część szeroką bluzą z kapturem, która całkowicie zakrywa ciało komika, a w głębi ukazać twarze innych aktorów , w ostrym kontraście z niemal nieruchomą twarzą bohatera... Pozbawiony gestów i mimiki, symetrycznie i płasko wpisany w płótno, spokojnie istnieje w czasie, jakby na zawsze dla niego zatrzymał się. Wszystko, co ulotne i przemijające, jest mu obce. Zgiełk za nim jest w ruchach aktorów. Przed nim śmiech i zabawa publiczności. I pozostaje niezmiennie nieruchomy, z zabawnym i wzruszającym wyrzutem w okrągłych, czułych i inteligentnych oczach.
Już dość chory, Watteau chwycił szyld antykwariatu „The Great Monarch” na moście Notre Dame. Ten sklep należał do jego przyjaciela Gersena.

Antoine'a Watteau. Szyld sklepu Gersina (1720-1721). Pałac Charlottenburg (Berlin)
Watteau namalował obraz-znak na dwóch oddzielnych, a następnie wstawionych w jedną ramę płótnach. Akcja obrazu zostaje przeniesiona z pejzażu do wnętrza. Płótno przedstawia obszerny sklep, który zgodnie z intencją artysty wychodzi bezpośrednio na paryski bruk.
Na pierwszoplanowy po lewej służba umieściła w pudełku portret niedawno zmarłego Ludwik XIV. W górny róg po prawej stronie portret jego teścia, króla Hiszpanii Filipa IV, koneserzy uważnie przyglądają się obrazowi w owalnej ramie; pejzaże i martwe natury współistnieją tu ze scenami mitologicznymi.
Główną cechą tej pracy jest jej programowy charakter. Według Louisa Aragona Watteau pod pozorem znaku przedstawił historię malarstwa taką, jaką znał. Ten obraz stał się artystycznym testamentem autora. Antoine Watteau zmarł w wieku 36 lat na gruźlicę.

Pomnik Antoine Watteau w jego rodzinnym mieście Valenciennes (1884)
Rozwój stylu rokoko wiąże się również z twórczością Francois Bouchera.

François Boucher (1703-1770)

F. Boucher - francuski malarz, rytownik, dekorator. Jego prace charakteryzują się wykwintną formą, liryczną delikatną kolorystyką, wdziękiem, kokieterią, niekiedy dochodzącą do uroku.

Gustawa Lundberga. Portret Francois Boucher
Boucher był mistrzem grawerowania, ilustrowanych książek Owidiusza, Boccaccio, Moliera. Tworzył scenografie do oper i spektakli, obrazy dla królewskich manufaktur gobelinów; wykonywał ozdobne obrazy z porcelany Sevres, malował wachlarze, wykonywał miniatury itp.
W malarstwie sięgał po tematy alegoryczne i mitologiczne, malował sceny rodzajowe, pastorały (poetyzacja spokojnego i prostego życia na wsi), pejzaże, portrety.

F. Bush. Portret Madame de Pompadour
Bush otrzymał tytuł nadwornego malarza. Ozdabiał rezydencje króla i Madame de Pompadour, prywatne rezydencje w Paryżu. W ostatnie latażycie był dyrektorem Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby i „pierwszym malarzem króla”.

F. Bush. Portret Marie Buseau, żony artysty (1733)
Kolejny obraz F. Bouchera ilustruje odcinek opowiadania La Fontaine „Pustelnik”. Nieopodal pod postacią pustelnika osiedla się młody mężczyzna, który postanawia uwieść piękną, ale nieśmiałą wiejską dziewczynę. Udaje mu się przekonać matkę dziewczynki o jej świętości, a ona sama zabiera do niego córkę, aby wysłuchała jego dobrych nauk. Boucher przedstawia oryginalną interpretację twórczości Lafontaine'a, ale w jego kompozycji główne miejsce zajmuje pejzaż.

F. Boucher „Pejzaż z pustelnikiem. Brat Luce” (1742). Muzeum sztuki piękne ich. A. S. Puszkin (Moskwa)

Demokratyczne poglądy na sztukę francuską

Wcielili się w dzieło „malarza trzeciego stanu” Jeana Baptiste Simeona Chardina, portrety Maurice'a Quentina de Latoura.

Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)

Chardin. autoportret
Chardin świadomie unikał wątków typowych dla sztuki swoich czasów. Malował głównie martwe natury i sceny z życia codziennego, ale wyrażał w nich własne spostrzeżenia. Interesował się życiem ludności „stanu trzeciego” (wszystkich grup ludności z wyjątkiem uprzywilejowanych: duchowieństwa i szlachty).
Działalność Chardina jako artysty kontynuowała tradycje mistrzów holenderskich i flamandzkich i reprezentowała rozkwit realizmu w XVIII wieku. Nawet jego martwa natura była aspektem przedstawiania rzeczywistości. Najzwyklejsze przedmioty stały się dla niego źródłem kompozycji dla przedstawienia harmonijnego bytu: dzbanki, stare garnki, warzywa itp.

Chardin „Scat” (1728). Luwr (Paryż)
Artysta był w stanie doskonale oddać różnorodność kolorystyczną, wyczuł wewnętrzne połączenie przedmiotów. Drobnymi pociągnięciami przekazywał odcienie koloru, posiadał umiejętność uwzględniania w obrazie wpływu światła słonecznego.
Zwracając się do Malarstwo rodzajowe, do zwykłych scen domowych, Chardin odtworzył na płótnie spokojny, wyważony sposób Życie codzienne blisko każdej osoby. To właśnie te obrazy ugruntowały dla niego jedno z najważniejszych miejsc w historii malarstwa francuskiego. W 1728 został członkiem paryskiej Akademii Sztuk Pięknych, w 1743 jej doradcą; później został członkiem Akademii Nauk, Literatury i Sztuk Pięknych w Rouen.
Inspirował najbardziej prozaiczne przedmioty i działania: Praczka (1737), Słój oliwny (1760), Atrybuty sztuki (1766).

Chardin „Martwa natura z atrybutami sztuki” (Państwowe Muzeum Ermitażu (Petersburg) z 1766 r.) Obraz został zamówiony przez Katarzynę II na budowę budowanej Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu
D. Diderot porównał swoje umiejętności do czarów: „Och, Chardin, to nie jest biała, czerwona i czarna farba, którą szlifujesz na swojej palecie, ale sama esencja przedmiotów; bierzesz powietrze i światło czubkiem pędzla i kładziesz je na płótnie!”

Chardin „Bańki mydlane” (1733-1734). Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton (USA)
Rodzaj fuzji "dzielnego" malarstwa i gatunek gospodarstwa domowego wyróżnia twórczość Jeana Honore Fragonarda.

Jean Honore Fragonard (1732-1806)

Francuski malarz i rytownik. Pracowała w stylu rokoko. Autor ponad 550 obrazów (nie licząc rysunków i rycin).

JO Fragonarda. Autoportret (ok. 1760-1770)
Był uczniem F. Bouchera i J.B.S. Chardin. Początkowo upodobał sobie malarstwo historyczne, później zaczął pisać w duchu Watteau i Bouchera. Często ma sceny z życia intymnego, treści erotyczne, panele dekoracyjne, portrety, miniatury, akwarele, pastele. Robił też akwafortę.
Ale w dobie klasycyzmu stracił popularność.

JO Fragonard „Zatrzask” (1777). Luwr (Paryż)
Obraz przedstawia scenę miłosną: pan, nie odrywając wzroku od pani, prawą ręką sięga do drzwi, na których zamyka górny rygiel. Lewa ręka panie wydają się powtarzać ten ruch. Na stole leży jabłko, biblijny symbol pokusy i upadku w grzech.
W obrazy historyczne Fragonard nie jest oryginalny. Jego pejzaże są dość upiększone. Jednak obrazy rodzajowe artystkę wyróżnia umiejętna kompozycja, elegancja rysunku, delikatna kolorystyka i delikatny smak: „Lekcja muzyki”, „Duszpasterska”, „Kąpiące się”, „Śpiąca Nimfa”, „Amorek zdejmuje koszulę z piękności”, „Młoda gitarzystka” ”, „Podstępny pocałunek” .

JO Fragonard „Podstępny pocałunek” Pustelnia (Petersburg)
W połowie XVIII wieku. francuskie oświecenie wysunęło klasyczne ideały środków wychowania. W malarstwie pojawił się sentymentalny i moralistyczny kierunek, w którym wyróżniał się artysta Jean-Baptiste Greuze.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Marzenia. autoportret
Greuze szczególnie odniósł sukces w gatunku życia rodzinnego z jego problemami i dramatami - tutaj ma niewielu rywali w malarstwie francuskim.

J.-B. Greuze „Klątwa ojca” (1777). Luwr (Paryż)
Obraz przedstawia scenę rodzinnego dramatu, kiedy syn oznajmia ojcu, że wyjeżdża do wojska, a ojciec go przeklina.
Jako portrecista był też w najlepszej formie, bo. rozumiał portret inaczej niż jemu współcześni, którzy przedstawiali mężczyzn jako Apollosa, a kobiety jako Flores i Wenus. Jego portrety są pełne podobieństwa, pełne życia i uczuć.

J.-B. Greuze „Portret dziewczyny”. Muzeum Narodowe sztuka Azerbejdżanu
W Ermitażu w Petersburgu znajduje się 11 dzieł Greuze.
W XVIII wieku we Francji wzrost zainteresowania przyrodą i pejzaż. Typ krajobrazu charakterystyczny dla klasycyzmu („fantazja architektoniczna”) stworzył Hubert Robert.

Hubert Robert (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Portret Huberta Roberta (1788) Luwr (Paryż)
Francuski malarz pejzażysta; zyskał europejską sławę dzięki swoim wymiarowym płótnom z romantycznymi obrazami starożytnych ruin otoczonych wyidealizowaną naturą. Jego pseudonim to „Robert z ruin”.

Hubert Robert „Starożytne ruiny” (1754-1765). Budapeszt

Jacques-Louis David (1748-1825)

J L. Dawida. Autoportret (1794)
Francuski malarz i pedagog, wybitny przedstawiciel francuskiego neoklasycyzmu w malarstwie. Wrażliwy kronikarz swoich burzliwych czasów.
Urodzony w rodzinie hurtownika żelaza. Wychowywał się głównie w rodzinie krewnych. Kiedy zauważono u dziecka umiejętność rysowania, założono, że zostanie architektem, podobnie jak obaj jego wujkowie.
Dawid pobierał lekcje rysunku w Akademii św. Łukasz. W 1764 r. krewni przedstawili go Francois Boucherowi, ale z powodu choroby nie mógł uczyć się z młodym mężczyzną. W 1766 David wstąpił do Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby i rozpoczął studia w warsztacie w Vienne. W latach 1775-1780. David studiował w Akademii Francuskiej w Rzymie, studiował sztukę antyczną i dzieła mistrzów renesansu.
W 1783 został wybrany członkiem Akademii Malarstwa.
Aktywnie uczestniczył w ruchu rewolucyjnym, został wybrany członkiem Konwentu Narodowego, wstąpił do Montagnardów, dowodzonych przez Marata i Robespierre'a, głosował za śmiercią króla Ludwika XVI. Maluje szereg obrazów poświęconych rewolucjonistom: „Przysięga w sali balowej” (1791, nieukończony), „Śmierć Marata” (1793). Również w tym czasie organizował masowe festiwale folklorystyczne i stworzył Muzeum Narodowe w Luwrze.

J L. David „Śmierć Marata” (1793). Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Bruksela)
To płótno jest jednym z najsłynniejszych obrazów poświęconych Wielkiej Rewolucji Francuskiej.
Jean Paul Marat jest dziennikarzem radykalnej gazety Friend of the People, liderem jakobinów. chory choroba skóry Marat nie wyszedł z domu i dla złagodzenia cierpienia wziął kąpiel. 13 lipca 1793 został zasztyletowany w swoim mieszkaniu przez szlachciankę Charlotte Corday.
Napis na drewnianym postumencie to dedykacja autora: „MARATU, Dawid”. W ręku Marata jest kartka z napisem: „13 lipca 1793, Marie Anna Charlotte Corday - do obywatela Marata. Jestem nieszczęśliwy i dlatego mam prawo do Twojej ochrony. W rzeczywistości Marat nie miał czasu na otrzymanie tej notatki, ponieważ. Korday zabił go wcześniej.
W 1794 trafił do więzienia za poglądy rewolucyjne.
W 1797 roku był świadkiem uroczystego wjazdu do Paryża Napoleona Bonaparte i od tego czasu stał się jego gorącym zwolennikiem, a po dojściu do władzy – dworskim „pierwszym artystą”. David tworzy obrazy poświęcone przejściu Napoleona przez Alpy, jego koronacji, a także szereg kompozycji i portretów bliskich Napoleonowi. Po klęsce Napoleona w bitwie pod Waterloo w 1815 r. uciekł do Szwajcarii, a następnie przeniósł się do Brukseli, gdzie mieszkał do końca życia.

J L. David „Bonaparte na przełęczy św. Bernarda” (1801)
Ten obraz Dawida otwiera erę romantyzmu w Malarstwo europejskie. Jest to wysoce romantyczny portret konny generała Napoleona Bonaparte, który w maju 1800 r. prowadził armię włoską przez przełęcz św. Bernarda wysoko w Alpach.
Romantyczne znaczenie nadaje obrazowi naturalne tło: strome górskie klify, śnieg, silny wiatr i zła pogoda. Poniżej, jeśli przyjrzysz się uważnie, możesz zobaczyć wyryte imiona trzech wielkich dowódców, którzy tędy przeszli: Hannibala, Karola Wielkiego i Bonapartego.

J L. Dawid „Koronacja Napoleona” (1805-1808)
Płótno powstało pod wrażeniem obrazu Rubensa „Koronacja Marii Medici”.
Jacques-Louis David został pochowany w Brukseli, a jego serce przewieziono do Paryża i pochowano na cmentarzu Pere Lachaise.
W XVIII wieku. We Francji pracowali historyczni malarze Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleyra, portreciści Claude Lefebvre, Nicolas Largilier i Hyacinthe Rigaud.
W połowie XVIII wieku. rodzina Vanlo była sławna, zwłaszcza bracia Jean-Baptiste i Charles oraz inni artyści.

Kobieta z kotem. 1875

Francuski malarz, grafik i rzeźbiarz, jeden z głównych przedstawicieli impresjonizmu. Renoir znany jest przede wszystkim jako mistrz portretu świeckiego, niepozbawionego sentymentalizmu; był pierwszym z impresjonistów, który odniósł sukces z bogatymi Paryżanami. W połowie lat 80. XIX wieku. faktycznie zerwał z impresjonizmem, wracając do linearności klasycyzmu, do engryzmu.

Autoportret. 1876

Auguste Renoir urodził się 25 lutego 1841 r. w Limoges, mieście położonym na południu środkowej Francji. Renoir był szóstym dzieckiem biednego krawca Leonarda i jego żony Małgorzaty.

Portret matki Renoira. 1860

W 1844 roku Renoirowie przenieśli się do Paryża i tutaj Auguste wstąpił do chóru kościelnego w wielkiej katedrze Saint-Eustache. Miał taki głos, że dyrektor chóru Charles Gounod próbował przekonać rodziców chłopca, aby wysłali go na studia muzyczne. Jednak oprócz tego Auguste wykazał się talentem artysty, a gdy miał 13 lat, zaczął pomagać swojej rodzinie, zdobywając pracę u mistrza, od którego nauczył się malować porcelanowe talerze i inne naczynia. Wieczorami Auguste uczęszczał do szkoły malarskiej.

Taniec w Bougival. 1883

W 1865 roku w domu swojego przyjaciela, artysty Julesa Le Coeur, poznał 16-letnią dziewczynę Lisę Treo, która wkrótce została kochanką Renoira i jego ulubioną modelką. W 1870 roku urodziła się ich córka Jeanne Marguerite, chociaż Renoir odmówił oficjalnego uznania swojego ojcostwa. Ich związek trwał do 1872 roku, kiedy Lisa opuściła Renoira i poślubiła innego.

Autoportret. 1875

Kariera twórcza Renoira została przerwana w latach 1870-1871, kiedy został powołany do wojska podczas wojny francusko-pruskiej, która zakończyła się druzgocącą porażką Francji.

Taniec na wsi. 1883

Portret Aline Charigot, żony Renoira, został prawdopodobnie namalowany, gdy rodzina przebywała na wsi we wschodniej Francji. 1885

W 1890 Renoir poślubił Alinę Charigot, którą poznał dziesięć lat wcześniej, gdy była 21-letnią krawcową.

Macierzyństwo. 1886

Mieli już syna Pierre'a, urodzonego w 1885 roku, a po ślubie mieli jeszcze dwóch synów - Jeana, urodzonego w 1894 roku i Claude'a (znanego jako "Coco"), urodzonego w 1901 roku i stał się jednym z najbardziej ukochanych modeli ojca .

Malarstwo Jeana Renoira. 1901

Kiedy jego rodzina została ostatecznie utworzona, Renoir osiągnął sukces i sławę, został uznany za jednego z czołowych artystów Francji i zdołał otrzymać od państwa tytuł Kawalera Legii Honorowej.

Rodzina artysty. 1896

Choroba przyćmiła osobiste szczęście i sukces zawodowy Renoira. W 1897 roku Renoir złamał prawą rękę po upadku z roweru. W rezultacie zachorował na reumatyzm, na który cierpiał do końca życia. Reumatyzm utrudnił Renoirowi życie w Paryżu i w 1903 roku rodzina Renoirów przeniosła się do posiadłości zwanej „Colette” w małym miasteczku Cagnes-sur-Mer.

Autoportret. 1899

Po ataku paraliżu, który miał miejsce w 1912 roku, pomimo dwóch operacji chirurgicznych, Renoir został przykuty łańcuchem do wózek inwalidzki pisał jednak dalej pędzlem, który pielęgniarka wkładała mu między palce.

Augusta Renoira. Autoportret 1910

W ostatnich latach życia Renoir zyskał sławę i powszechne uznanie. W 1917 roku, kiedy jego „Parasole” były wystawiane w Londynie Galeria Narodowa, setki brytyjskich artystów i po prostu miłośników sztuki przesłały mu gratulacje, które brzmiały: „Od chwili, gdy twój obraz został umieszczony w tym samym rzędzie z dziełami dawnych mistrzów, przeżyliśmy radość, że nasz współczesny zajął należne mu miejsce w malarstwie europejskim ”.

Parasole. 1883

Obraz Renoira był również wystawiony w Luwrze, a w sierpniu 1919 roku artysta po raz ostatni odwiedził Paryż, aby go obejrzeć.

Autoportret. 1910

3 grudnia 1919 Pierre-Auguste Renoir zmarł w Cagnes-sur-Mer na zapalenie płuc w wieku 78 lat. Pochowany w Essua.

Wiosenny bukiet. 1866

kreacja

Wybór gatunków 1862-1873

Na początku 1862 Renoir zdał egzaminy w Szkole Sztuk Pięknych przy Akademii Sztuk Pięknych i zapisał się do pracowni Gleyre'a. Tam poznał Fantin-Latour, Sisley, Basil i Claude Monet. Wkrótce zaprzyjaźnili się z Cezanne i Pizarro, więc powstał kręgosłup przyszłej grupy impresjonistów.

Camille Monet. 1873

We wczesnych latach Renoir był pod wpływem dzieł Barbizonów, Corota, Prudhona, Delacroix i Courbeta.

Latem 1868 r.

W 1864 Gleyre zamknął warsztat, szkolenie się skończyło. Renoir zaczął malować swoje pierwsze płótna, a następnie po raz pierwszy zaprezentował w Salonie obraz „Esmeralda tańcząca wśród włóczęgów”. Została przyjęta, ale gdy płótno mu wróciło, autor je zniszczył.

Portret Sisleyów. 1868

Brodzik dla dzieci. 1869

Wybrawszy w tamtych latach gatunki do swoich prac, nie zmienił ich do końca życia. To pejzaż – „Jules le Coeur w lesie Fontainebleau” (1866), sceny codzienne – „Żaba” (1869), „Pont Neuf” (1872), martwa natura – „Wiosenny bukiet” (1866), „ Martwa natura z bukietem i wachlarzem" (1871), portret - "Lisa z parasolką" (1867), "Odalisque" (1870), akt - "Łowczyni Diana" (1867).

Odaliska. 1870

Martwa natura z bukietem i wachlarzem. 1871

W 1872 roku Renoir i jego przyjaciele stworzyli Anonimowe Partnerstwo Spółdzielcze.

Mademoiselle Sicot. 1865

Madame Clementine Valensi Stora. 1870

Camille Monet. 1872

Pani Edouard Bernier. 1871

Kobieta z papugą. 1871

Rafa Mater.1871

Niepotrzebny parasol. 1872

Przejazd do Lasku Bulońskiego. 1873

Walka o uznanie 1874-1882

Pierwsza wystawa partnerstwa została otwarta 15 kwietnia 1874 roku. Renoir zaprezentował pastele i sześć obrazów, wśród których były „Tancerka” i „Loża” (oba - 1874). Wystawa zakończyła się niepowodzeniem, a członkowie spółki otrzymali obraźliwy przydomek – „Impresjoniści”.

Wigwam. 1874

Obraz przedstawia kobietę (na pierwszym planie) i mężczyznę (w tle) siedzących w loży operowej. Do tego zdjęcia pozowali brat Renoira, dziennikarz Edmond Renoir i modelka Montmartre Nini Lopez.

Uśmiechnięta kobieta. Portret Madame Pechi. 1875

Handlarka ryb. 1875

Pani Wiktor Choquet. 1875

Mimo biedy to właśnie w tych latach artysta stworzył swoje główne arcydzieła: Grands Boulevards (1875), Walk (1875), Bal w Moulin de la Galette (1876), Akt (1876), Akt w słońcu” (1876). ), „Huśtawka” (1876), „Pierwszy wyjazd” (1876/1877), „Ścieżka w wysokiej trawie” (1877).

Bal w Moulin de la Galette. 1876

Huśtać się. 1876

Portret Madame Alphonse Daudet. 1876

Nagi. 1876

Młoda kobieta splata włosy. 1876

Renoir stopniowo przestał brać udział w wystawach impresjonistów. W 1879 r. zaprezentował na Salonie w 1879 pełnopostaciowy Portret aktorki Jeanne Samary (1878) i Portret Madame Charpentier z dziećmi (1878) i zyskał powszechne uznanie, a po tym samodzielność finansową. Nadal pisał nowe płótna - w szczególności słynny „Clichy Boulevard” (1880), „Breakfast of the Rowers” ​​(1881), „On the Terrace” (1881), który stał się sławny.

Młoda dziewczyna czyta książkę. 1876

Portret madame Charpentier. 1877

Portret aktorki Jeanne Samary. 1877

Portret aktorki Jeanne Samary. 1878

Kubek czekolady. 1878

W tajemnicy 1878

Portret Alfonsine Pechi. 1879

Kolacja wioślarzy na brzegu rzeki. 1879

Młoda kobieta do szycia. 1879

Portret Teresy Berard. 1879

Blisko jeziora. 1880

Śniadanie dla wioślarzy. 1881

Obraz został namalowany w restauracji Fournaise, położonej na wyspie na Sekwanie, w Chatou, nieco na zachód od Paryża. Renoir uwielbiał to miejsce - namalowano tu nie tylko "Śniadanie wioślarzy", ale także kilka innych obrazów. W rzeczywistości obraz jest zbiorowym portretem spotkania przyjaciół. Panuje radosna, luźna atmosfera, nie ma przepychu, wszyscy są w naturalnych, przypadkowych pozach. Za balustradą widać gęstą zieleń, za którą zagląda Sekwana.Na obrazie Renoir przedstawił wielu swoich przyjaciół i znajomych.

Dwie siostry (na tarasie). 1881

Albert Caen, francuski kompozytor operowy 1881

Dziewczyna z wentylatorem. 1881

Dziewczyny w czerni. 1881

Portret Alfreda Berarda z psem. 1881

Szycie Marie-Thérèse Durand-Ruel. 1882

„Okres Engrowa” 1883-1890

Renoir wyjechał do Algierii, a następnie do Włoch, gdzie z bliska zapoznał się z dziełami klasyków renesansu, po czym zmienił się jego gust artystyczny. Renoir namalował serię obrazów „Taniec w wiosce” (1882/1883), „Taniec w mieście” (1883), „Taniec w Bougival” (1883), a także takie płótna jak „W ogrodzie” (1885) ) i „Parasole” (1881/1886), gdzie impresjonistyczna przeszłość jest wciąż widoczna, ale pojawia się nowe podejście Renoira do malarstwa.

Dziewczyna w słomianym kapeluszu. 1884

Rozpoczyna się tak zwany „okres Ingresa”. Bardzo słynna praca tego okresu - "Wielcy Kąpiący się" (1884/1887). Do konstrukcji kompozycji autor wykorzystał najpierw szkice i szkice. Linie rysunku stały się jasne i określone. Kolory straciły dawną jasność i nasycenie, obraz jako całość zaczął wyglądać na bardziej powściągliwy i chłodniejszy.

Duzi kąpiący się. 1884-1887.

Na pierwszym planie przedstawiono trzy nagie kobiety - dwie są na brzegu, a trzecia stoi w wodzie, najwyraźniej zamierzając je spryskać. Postacie kobiet są napisane bardzo jasno i realistycznie, co było charakterystyczny styl za ten okres twórczości Renoira, który nazwano okresem „suchym” lub „Ingres” (od artysty Dominique Ingres).

Do obrazu Renoira pozowała (od lewej do prawej) Alina Charigot, przyszła żona Renoira (w 1885 r. urodził się ich pierwszy syn, Pierre, a oficjalnie małżeństwo zostało zawarte w 1890 r.) oraz Suzanne Valadon (prawdziwe nazwisko Marie- Clementine Valadon), która później stała się sławną artystką.

Renoir pracował nad tym obrazem przez około trzy lata iw tym czasie narysował dużą liczbę szkiców i szkiców, w tym co najmniej dwie pełnowymiarowe wersje wielofigurowe. Po Wielkich Kąpiących się nie było ani jednego obrazu, któremu poświęciłby tyle czasu i wysiłku.

Na samym brzegu morza. 1883

Taniec w mieście. 1883

Młode panie grające w badmintona. 1885

Portret Suzanne Valadon. 1885

Młoda dziewczyna czyta. 1886

Fryzura. 1888

Młoda dziewczyna z stokrotkami. 1889

Pani de Vernon. 1889

Dziewczyna w różowym i czarnym kapeluszu. 1890

„Okres perłowy” 1891-1902

W 1892 roku Durand-Ruel otworzył dużą wystawę obrazów Renoira, która okazała się wielkim sukcesem. Uznanie przyszło również ze strony urzędników państwowych - obraz „Dziewczyny przy fortepianie” (1892) został zakupiony dla Muzeum Luksemburskiego.

Dziewczyny przy fortepianie. 1892
Obraz przedstawia dwie młode dziewczyny: jedna siedzi przy fortepianie, a druga stoi obok niej. Obie dziewczyny uważnie i entuzjastycznie przyglądają się nutom, najwyraźniej wybierając jakąś melodię. Taki spokojny, sielankowy obraz był symbolem ówczesnej francuskiej kultury mieszczańskiej.

Kobieta w kapeluszu. 1891

Dziewczyny czytają. 1891

Haftuje Christina Lerolle. 1895

Grać na gitarze. 1897

Renoir wyjechał do Hiszpanii, gdzie zapoznał się z twórczością Velasqueza i Goi.
Na początku lat 90. w sztuce Renoira zaszły nowe zmiany. Malowniczo pojawiła się opalizująca barwa, dlatego okres ten bywa nazywany „matką perłową”.
W tym czasie Renoir namalował takie obrazy jak „Jabłka i kwiaty” (1895/1896), „Wiosna” (1897), „Son Jean” (1900), „Portret pani Gaston Bernheim” (1901). Wyjechał do Holandii, gdzie interesował się malarstwem Vermeera i Rembrandta.

Madame Paul Gallimard, urodzony jako Lucie Duce. 1892

Dziewczyny przeglądające album. 1892

Dziewczyna szczotkuje włosy. 1894

Kobieta z czerwonym rumieńcem. 1896

Trzech kąpiących się z krabem. 1897

Portret Christiny Lerolle.1897

Młoda Hiszpanka gra na gitarze. 1898

Yvonne i Christine przy fortepianie. 1898

„Czerwony okres” 1903-1919

Okres „perłowy” ustąpił miejsca „czerwonemu”, tak nazwanemu ze względu na preferencje dla odcieni czerwonawych i różowych kwiatów.
Renoir wciąż pisał słoneczne krajobrazy, martwe natury w jasnych kolorach, portrety jego dzieci, nagie kobiety, stworzył „Spacer” (1906), „Portret Ambroise Vollard” (1908), „Gabriel w czerwonej bluzce” (1910), „Bukiet róż” ( 1909/1913), „Kobieta z mandoliną” (1919).

Portret Marty Denis. 1904

zamyślenie. 1906

Portret Ambroise Vollarda. 1908

Ambroise Vollard - jeden z najbardziej znaczących marszandów (marcharzy) w Paryżu w XIX - początku. XX wieki Wspierał zarówno finansowo, jak i moralnie dużą liczbę znanych i nieznani artyści w tym Cezanne, Maillol, Picasso, Rouault, Gauguin i van Gogh. Był również znany jako kolekcjoner i wydawca.

Gabriel za cholerę. 1908

Pani z wachlarzem. 1908

Państwo Bernheim de Villers. 1910

Myć się. 1912

Kobieta przy piecu. 1912

Interesujące fakty

Bliskim przyjacielem Auguste'a Renoira był młodszy o prawie 28 lat Henri Matisse. Kiedy O. Renoir był w zasadzie przykuty do łóżka z powodu choroby, A. Matisse odwiedzał go codziennie. Renoir, prawie sparaliżowany artretyzmem, pokonując ból, kontynuował malowanie w swojej pracowni. Kiedyś, patrząc na ból, z jakim zadaje mu się każde pociągnięcie pędzla, Matisse nie mógł tego znieść i zapytał: „Auguste, dlaczego nie wychodzisz z malowania, tak bardzo cierpisz?” Renoir ograniczył się tylko do odpowiedzi: „Ból mija, ale piękno pozostaje”. I to był cały Renoir, który pracował do ostatniego tchu.

Francuski artysta Laurent Botella urodził się w Nantes w 1974 roku. Studia malarskie rozpoczął w 1989 roku w pracowni Maithe Rovino w Osson, a następnie przez rok w Szkoła Artystyczna Beaux Arts w Tuluzie. Szkolenie koncentrowało się na obraz olejny i pastele. Jednak obrazy węglem i ołówkiem zawsze były podstawą jego twórczości przed i po studiach.

krajobrazy. Alain Lutz

Alain Lutz to współczesny francuski malarz pejzażowy urodzony w maju 1953 w Mulhouse we Francji. Dostrzegając jego niewątpliwy talent artystyczny, rodzice w wieku trzynastu lat podarowali mu pierwsze farby olejne. Uczył się przez pewien czas w Boule School of Design w Paryżu, ale ostatecznie uczył się projektowania przemysłowego i po ukończeniu studiów dostał pracę jako starszy technik.

Autoportret. Laurent Dauptain

Laurent Dauptain, utalentowany francuski artysta, studiował w szkole artystycznej w Paryżu, ukończył studia w 1981 roku, następnie kontynuował naukę w szkole sztuka dekoracyjna tam, w Paryżu, ukończył w 1983 roku z tytułem licencjata, aw 1984 uzyskał tytuł magistra malarstwa. Po kilku latach pracy z autoportretami postanowił spróbować swoich sił w innych gatunkach, ale od czasu do czasu wracał do portretu.

Styl naiwny. Michel Delacroix

Michel Delacroix urodził się w 1933 roku na lewym brzegu Sekwany, w 14. dzielnicy Paryża. Zaczął malować w młodym wieku O ile pamięta, nie miał jeszcze siedmiu lat, jego miłość do rysowania zrodziła się podczas niemieckiej okupacji Paryża. Paryż pozostał Paryżem, nawet w czasie okupacji, do dziś pojawia się na obrazach Delacroix. Na prawie wszystkich jego obrazach są przechodnie, rzadkie samochody i latarnie uliczne, miasto w nich, jak w tamtych czasach, wygląda na ciche i spokojne, jakby odizolowane od zgiełku.

sposób na odnalezienie siebie. Pascale Taurua

Pascale Taurua urodziła się w 1960 roku w Noumea w Nowej Kaledonii. Absolwent akademia sztuki w Papeete na Tahiti. Swój pierwszy obraz namalowała w 1996 roku i od tego czasu zaczęła malować w pełnym wymiarze godzin, prezentując swój własny styl figuratywny. Pokazywała swoje prace w prawie wszystkich krajach regionu Pacyfiku, gdzie jej obrazy są niezwykle poszukiwane i znajdują się w wielu prywatnych kolekcjach sztuki.

ministrowie potworów. Antony Squizzato

Współczesny francuski artysta i ilustrator Anthony Squizzato zaprasza nas do relaksu i udania się w podróż na oficjalne spotkanie z postaciami wykreowanego przez siebie świata, gdzie widz będzie mógł osobiście zapoznać się z bohaterami jego prac – barwnymi postaciami jeden z największych (pod względem wielkości i liczby uczestników) w historii gabinetu.