Biografia Geisbrechta Leitensa została częściowo przywrócona dopiero w XX wieku.
Pochodził z Antwerpii. Początkowo był uczniem i studiował umiejętności artystyczne pod kierunkiem artysty Jacquesa Vrolika, którego obrazów nie znaleziono.
W 1611 został malarzem i członkiem Cechu św. Łukasza w Antwerpii. Od tego czasu miał prawo otworzyć w mieście własną pracownię i przyjmować uczniów na praktyki.
Ostatnie lata jego życia są słabo udokumentowane. Według różnych źródeł zmarł w 1643 lub przed 1656 rokiem.
W koniec XVI a na początku XVII wieku w Holandii działał anonimowy artysta, dziś umownie nazywany Mistrzem Zimowych Pejzaży, gdyż większość jego obrazów przedstawia zimę. Były próby utożsamienia go z Denisem Alslot , mało znany holenderski pejzażysta. Ale inna hipoteza jest znacznie bardziej prawdopodobna. Jeden z obrazów Mistrza Zimowych Pejzaży ma na odwrocie monogram i wypalony znak antwerpskiego Cechu Artystów. Monogram ten pozwolił uznać za autora obrazu mistrza antwerpskiego Geisbrechta Leitensa (ok. 1586 - ok. 1656).
„Pejzaż zimowy” z kolekcji Ermitażu przedstawia zakątek holenderskiej przyrody: nędzne chaty pod rozłożystymi drzewami, pokrytą lodem ziemię i postacie zapracowanych ludzi codzienna praca. Artystce udało się dostrzec piękno zwykłego pochmurnego wieczoru, kiedy ostatnie promienie zachodzącego słońca przy horyzoncie różowieją, drzewa rzucają długie cienie i zimne podmuchy od zamarzniętej powierzchni ziemi. Malarz dostrzegł piękno oszronionych gałęzi, splecionych w misterny wzór i spowitych mroźnym powietrzem.
Nie dzieląc pejzażu na plany, jak to robili poprzedni artyści, Mistrz Zimowych Pejzaży naturalnie i holistycznie buduje przestrzeń obrazu, czemu sprzyja umiejętnie wykorzystana perspektywa powietrzna: obiekty tracą wyrazistość konturu i niejako rozpływają się. w wilgotnym powietrzu, gdy oddalają się od pierwszego planu.
Problem atmosfery, interakcji przestrzeni, światła i powietrza - wszystko to niepokoiło artystę. Niebo zajmuje ponad połowę obrazu - malarz starał się podkreślić jego związek z ziemią.
Zamieszkujące krajobraz postacie ludzkie są nierozerwalnie związane z naturą i stanowią jej organiczną część. Jasne plamy na ich ubraniach ożywiają monotonny ton obrazu. Budując kolor na połączeniu delikatnych odcieni szarości i różu, artysta wykazał się dużymi umiejętnościami malarskimi. Malował cienką, płynną warstwą farby, czasem używając jasnych i przezroczystych szkliw, czasem grubymi pociągnięciami, gdy podkreślał poszczególne obiekty. Czasami przez malowniczą warstwę prześwituje jasny grunt.
Geisbrecht Leytens pod wieloma względami antycypował dokonania artystów holenderskich XVII wieku i nie tylko. Bez fundamentów położonych w XVI wieku nie byłby możliwy błyskotliwy rozkwit sztuki późniejszej epoki. Holenderscy artyści zaczęli rozwijać realistyczne gatunki - portret, życie codzienne, pejzaż i martwą naturę - ostatecznie ukształtowane w XVII wieku. Stworzyli pierwsze portrety zbiorowe, antycypując rozkwit tego gatunku w twórczości Halsa i Rembrandta, osiągnęli wielkie sukcesy w rysunku, kompozycji, konstruowaniu przestrzeni, doskonalili technikę malarską. A co najważniejsze, zdecydowanie zwrócili się do rzeczywistości.
Nikołaj Nikołajewicz Nikulin. „Sztuka Holandii w XV-XVI wieku”. Przewodnik esejowy.
W ekspozycji Muzeum Kijowskiego do niedawna obraz ten wskazywany był jako dzieło nieznanego artysty z kręgu Pietera Bruegla Starszego. Ze względu na całkowitą niedostępność zagranicznej literatury fachowej muzealnicy nie mogli wiedzieć o artykule holenderskiego konesera malarstwa Petrusa Reelika, który w 1942 roku opublikował przepiękny zimowy pejzaż ze swojej kolekcji. Na odwrocie tej pracy znajdował się monogram z literami „G” i „L”. W spisach mistrzów cechu malarzy antwerpskich - cechu św. Badacz Łukasz znalazł informacje o artyście, którego początkowe litery imienia pokrywały się z monogramem. Nazywa się Geisbrecht Leitens. Biorąc pod uwagę obecność podobnych stylistycznie obrazów w europejskich muzeach i kolekcjach prywatnych oraz charakterystyczne detale pisma autorskiego wskazane przez V. Szczawinskiego, P. Reelik sugerował, że Mistrz Zimowych Pejzaży i Geisbrecht Leitens to ten sam artysta. Lista autentycznych dzieł mistrza badacza rozszerzyła się z trzech wskazanych przez Szczawińskiego do osiemnastu.
W 1973 uparta archiwalne wyszukiwania a porównawcza analiza stylistyczna pozwoliła niemieckiej badaczce Edith Graindl wymienić czterdzieści cztery wiarygodne obrazy tajemniczego Mistrza zimowych pejzaży. Jednak fakty z biografii Geisbrechta Leitensa, które badaczowi udało się do tego czasu ustalić, były niezwykle skąpe. Artysta urodził się w 1586 roku w Antwerpii, studiował i był praktykantem u znanego tylko z imienia malarza Jacques'a Vrolika. W 1611 r. Geisbrecht Leitens zakwalifikował się jako samodzielny rzemieślnik w Cechu św. Łukasz i od 1617 do 1627 miał kilku uczniów we własnej pracowni. Ponadto w archiwach cechowych artysta wymieniany jest jako kapitan straży cywilnej. O ostateczne zaufanie do tożsamości monogramisty „G.L.” i mistrza zimowych pejzaży z Antwerpii, te udokumentowane fakty nie wystarczyły.
I tak w 1988 roku w czasopiśmie Die Kunst niemiecka badaczka Ursula Herting opublikowała typowy obraz w stylu „Zimowy pejzaż z sokolnikiem i zamarzniętym strumieniem”. Praca nie była już podpisana monogramem, ale pełne imię i nazwisko artysta - Geisbrecht Leitens! Tymczasem w kijowskim muzeum, gdzie właśnie przechowywany jest obraz artysty, od którego rozpoczął się powrót nazwiska Geisbrechta Leitensa z niebytu, nic nie było wiadomo o badaniu historii sztuki. W 2006 roku dzięki międzynarodowej organizacji badaczy sztuki w Holandii (CODART) miałem szczęście pracować w Hadze w jednym z najsłynniejszych archiwów sztuki w Europie. Tutaj zapoznałem się z materiałami tego długiego śledztwa. Okazało się jednak, że żaden z zagranicznych kolegów nie widział ani nie analizował pracy Kijowa. Przynależność tego obrazu – nie tylko bez sygnatury, ale i bez monogramu – Geisbrechta Leitensa wciąż wymagała udowodnienia.
Rzućmy okiem na nasze Zimowy krajobraz»bardziej uważnie: nagie drzewa o dziwacznych kształtach, przysypane pierwszym śniegiem, zamarły w lodowym luksusie; sękate gałęzie, splątane w labiryncie z tysiącami zakrętów... Na gałęziach jest wiele ptaków. Można tu rozpoznać sójki, dudki, kilka srok. Para zimorodków na dolnej gałęzi wydaje się czekać na moment, kiedy stojący nieopodal na lodzie chłop wybije tyczką dziurę i będzie można rozpocząć podwodne połowy.
W większości malowideł niderlandzkich takie znamiona zostały już dziś utracone z powodu licznych strugań podstawy. Konserwatorzy nie dopuścili więc do zniszczenia obrazu przez chrząszcze drążące w drewnie. Udało nam się rozszyfrować wszystkie cechy charakterystyczne „Pejzażu zimowego”.
Pierwsza – „dwie palmy” – wypalona żelazną, rozpaloną do czerwoności, należy do antwerpskiej gildii św. Wygina się i poświadcza jakość deski przygotowanej do malowania. Sam znak - „dwie palmy”, który jest częścią herbu Antwerpii, wiąże się z wieloletnią legendą o olbrzymu, który odcinał ręce tym, którzy nie chcieli płacić podatku, przechodząc obok miasta wzdłuż rzeki Skaldy. Według etymologii ludowej to właśnie stąd rzekomo pochodzi nazwa miasta: Antwerpia (po holendersku „hand vrepen”) – „odcięta ręka”.
Drugi znak – „zamek” – na kolejnym etapie kontroli cechowej był już potwierdzeniem jakości pracy artysty. Przez „jakość” w tym przypadku inspektorzy rozumieli jedynie właściwości technologiczne malarstwa i nie dotyczyli oceny poziomu artystycznego dzieła. Cech zapożyczył także motyw „zamku” z herbu Antwerpii.
Ostatnie trzecie piętno jest „stylizowane” motyw roślinny» - wykonany na płycie metodą na zimno - tłoczony. Ten znak należy osobiście do mistrza, który wykonał tablicę i jest prawie równoznaczny z podpisem. Oprócz elementów zdobniczych w znaku probierczym widnieją inicjały rzemieślnika. Nie bez znaczenia jest również to, że obraz kijowski posiada pełny zestaw znamion, co jest dość rzadkie i może stanowić punkt odniesienia w porównaniu z innymi dziełami Geisbrechta Leitensa.
W związku z tym prawie sto lat zajęło ostateczne ujawnienie tajemnicy „Pejzażu zimowego” z kolekcji Shchavinsky! Wreszcie stara etykieta w Muzeum Chanenko może zostać zmieniona. Zamiast " Nieznany artysta krąg Pietera Bruegla Starszego. Początek XVII wieku. wkrótce będzie oznaczony: „Geisbrecht Leitens (1586-1646/56)”.
XIX-wieczny malarz holenderski Andreas Schelfhout (16 lutego 1787, Haga - 19 kwietnia 1870, Haga) był rytownikiem i litografem znanym z zimowych pejzaży. Jego ulubionym tematem była śnieżna zima, sceny jazdy na łyżwach po lodzie holenderskich kanałów.
Obrazy Andreasa Schelfhouta charakteryzują się jasnym i naturalnym kolorem z bogatymi pociągnięciami w przedstawianiu pór roku. Czasami artysta malował i letnie krajobrazy, morskie sceny, ale przede wszystkim kochał zimowy pejzaż.
Andreas Schelfhout do 24 roku życia pracował dla swojego ojca, który miał studio do produkcji i sprzedaży fotografii. Po rozpoczęciu studiów malarskich u artysty Joannesa Breckenheimera (1772-1856). W 1815 roku Andreas wystawił swój pierwszy obraz z zimowym pejzażem, który odniósł bezprecedensowy sukces wśród krytyków sztuki, co było początkiem długiej i błyskotliwej kariery artystycznej. W 1830 artysta odwiedził wystawę swoich obrazów w Paryżu, był także członkiem PulchriStudio w Hadze. Andreas aktywnie współpracował z innymi współczesnymi artystami: PieterGerardusvanOsem, Josephem Moerenhoutem i Jacobusem Eeckhoutem, ten ostatni często dodawał swoje postacie do pejzaży artysty. Andreas Schelfhout regularnie wystawiał w Hadze i Amsterdamie. Wielu jego uczniów zostało znany artysta: Charles Leickert, Nicholas Roosenboom i Willem Troost. Miał też duży wpływ na twórczość jednego z prekursorów impresjonizmu – Johana Bartholda Jongkinda. Prace Andreasa Schelfhouta są szeroko reprezentowane w wielu muzeach na całym świecie, w tym w Rijksmuseum Amsterdam, Teylers Museum w Haarlemie, Gemeentemusum w Hadze oraz w Muzeum Boymans-van Beuningen w Rotterdamie.
Rozprasza się na zamarzniętej rzece z jodłami Sun
Zamarznięty kanał w pobliżu Maas Sun
Lodowy zachód słońca
Pejzaż rzeczny Słońce
Rozpraszacze w Koek en Zopie
Rozprasza się podczas sztormowej pogody Sun
Rozprasza na kanale
Rozprasza się na zamarzniętej rzece
Rozpraszacze z sankami Sun
Podróżnik wiejska droga zimą Sun
zimowy krajobraz
Zimowy krajobraz Sun
Zimowy targ na lodzie Sun
Zimowy widok z lodową łódką Sun
Zimowy krajobraz słońce
Na ścianach jednej z sal Galeria Sztuki w Berlinie prezentowanych jest kilka zimowych pejzaży „małych Holendrów”. Może latem lub wiosną nie zatrzymywałbym się przy tych pracach, ale po przeszywającym styczniowym wietrze z mżącym deszczem, przed którym tak dobrze chroniły ściany galerii, to zimowe sceny w naturalny sposób spadły na duszę. Artyści XVII wieki były w stanie zobaczyć piękno, nawet tam, gdzie jest wilgotno, a śnieg tylko nieznacznie sproszkował ziemię i uschniętą trawę. W malarstwie Arta van der Neera uwagę zwraca się na niebo o zachodzie słońca. Złota poświata kłóci się z ołowianymi chmurami, jej odbicia ożywiają lód, a podążając za jeżdżącymi na łyżwach ludźmi, nasz wzrok przesuwa się ku horyzoncie:
W pobliżu wisi małe płótno autorstwa Izaaka van Ostade. Tutaj też cudowne różowawe niebo. Ale zła pogoda uspokoiła się na dobre, ludzie pochylają się pod wiatrem. Łodzie zamarzają w lodzie. Oba te pejzaże powstały w połowie XVII wieku, podobnie jak dwie kolejne prace Jana van Goyena.
Jedna z nich przedstawia zimową rozrywkę w pobliżu tawerny, druga pokazuje jazdę na łyżwach po zamarzniętym kanale lub jeziorze. Artysta jest wierny sobie: przedstawia najczęstsze: płaski pejzaż, stare sękate drzewa, zwykłą karczmę. Ludzie ubierają się skromnie, najczęściej odwracają się do nas plecami. Tylko pierwszy krajobraz ożywia niebieskie niebo zaglądając przez chmury.
A po drugie nie ma nawet tego - wszystko jest we mgle. O takich płótnach Johan Huizinga pisał: „Naiwne oddanie rzemiosłu pozwala pejzażyście odkryć nieoczekiwane możliwości, w ramach których po prostu podąża za niepowstrzymaną zręcznością swojego pędzla. Transmisja szerokości przestrzeni i światło rozproszone nie pochodziły z żadnej szkoły. Poszczególne obiekty są albo ostro zdefiniowane, albo zanurzone w atmosferze obrazu jako całości. Artyści osiągają szczyt, kiedy w ogóle nie myślą o niektórych duży styl, wykazują jedynie niesłychaną umiejętność odwzorowywania codzienności, w której odnajdują skarby piękna, nie zdając sobie z tego wszystkiego. / J. Huizinga. Kultura Niderlandów w XVII wieku. Erasmusa. Wybrane litery. Rysunki. SPb., 2009, s.112/
Łyżwiarstwo jest niezwykle częstym motywem w XVII-wiecznym malarstwie holenderskim. To prawda, że w Berlinie nie było obrazów artysty specjalizującego się w tym temacie - Hendrika Averkampa. Oto jego obraz z kolekcji Rijksmuseum w Amsterdamie. Ludzie na lodowisku są elegancko ubrani. Po lewej stronie widać powiewającą flagę. Być może przedstawiono jakieś święto.
http://www.rijksmuseum.nl/images/aria/sk/z/sk-a-3247.z
Na tym płótnie, jak na zdjęciu z Muzeum Puszkina im. A.S. Puszkin, ludzie różnych klas zebrali się na lodzie, bawiąc się lub robiąc swoje zwykłe rzeczy. Na zdjęciu moskiewskim na pierwszym planie kobieta w masce. Jak możesz nie myśleć o ukrytym znaczeniu? „W przedstawieniu zatłoczonych scen na tle zimowego pejzażu, w których uczestniczą ludzie Różne wieki a przynależność społeczna, interpretacje moralistyczne i emblematyczne są już a priori przyjmowane, w szczególności jako „lodowisko życia”, jako ślizganie się ludzi pełnych niespodzianek i niebezpieczeństw podążających za upiornym i zwodniczym szczęściem” / Widoczny obraz i ukryte znaczenie. Alegorie i emblematy w malarstwie Flandrii i Holandii w drugiej połowie XVI - XVII wieku. M., 2004, s.2/
http://files.smallbay.ru/images9/avercamp_07.jpg
Wśród łyżwiarzy H. Averkamp przedstawia dandysa balansującego na jednej nodze. Natknąłem się na ten obraz na wystawie w Queen's Gallery w Londynie. Wystawa dedykowana była „małym Holendrom”. Znajdowały się w nim nie tylko obrazy, ale także rysunki. Jednym z najlepszych był szkic H. Averkampa:
Wróćmy jednak do Berlina. Na koniec jeszcze dwa zimowe pejzaże, już bez żadnej rozrywki. To płótno firmy Philips Wauwerman z rybakami, chłopami niosącymi drewno opałowe i chwiejnym drewnianym mostem.
Po kontemplacji holenderskiego zimowego krajobrazu mimowolnie myślisz, że wciąż mamy więcej szczęścia z zimą. A w sztuce rosyjskiej jest nie tylko obraz zimowego błota Wasiliewa czy Sawrasowa, ale także słoneczne, mroźne dni Kustodiewa.
Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa bezprecedensowy dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niezależność od Hiszpanii.
Teraz protestanckie Niderlandy poszły własną drogą. I katolicka Flandria (obecnie Belgia) pod skrzydłem Hiszpanii - jej własne.
W niepodległej Holandii prawie nikt nie potrzebował malarstwa religijnego. Kościół protestancki nie aprobował luksusu dekoracji. Ale ta okoliczność „grała w ręce” świeckiego malarstwa.
Miłość do tego typu sztuki obudziła dosłownie każdego mieszkańca. nowy kraj. Holendrzy chcieli na zdjęciach zobaczyć własne życie. A artyści chętnie wyszli im na spotkanie.
Nigdy wcześniej otaczająca rzeczywistość nie była tak bardzo przedstawiana. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.
Rozkwitł realizm. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu z jego nimfami i greckie boginie.
Ci artyści nazywani są „małymi” Holendrami. Czemu? Malowidła były niewielkich rozmiarów, ponieważ powstały z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.
Ale bardziej podoba mi się druga wersja. Mieszkał i pracował w Holandii w XVII wieku Wielki mistrz, „duży” Holender. A wszyscy inni byli w porównaniu z nim „mali”.
Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 narodowa Galeria londyńska Rembrandt miał w swoim życiu okazję doświadczyć najszerszego wachlarza emocji. Dlatego w jego wczesne prace tyle zabawy i brawury. I tyle złożonych uczuć – w tych późniejszych.
Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży ukochana żona Saskii. Jest popularnym artystą. Napływają zamówienia.
Rembrandta. Syn marnotrawny w tawernie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno Ale to wszystko zniknie za jakieś 10 lat. Saskia umrze z konsumpcji. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkowa kolekcja wziąć za dług.
Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najskrytsze myśli.
2. Frans Hals (1583-1666)
Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork Frans Hals jest jednym z najwięksi portreciści cały czas. Dlatego też zaliczyłbym go do „dużych” Holendrów.
W Holandii w tamtych czasach zwyczajem było zamawianie portretów zbiorowych. Było więc wiele podobnych prac przedstawiających ludzi pracujących razem: strzelców z tego samego cechu, lekarzy z tego samego miasta, prowadzących dom opieki.
W tym gatunku najbardziej wyróżnia się Hals. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Hals był inny.
Spójrz na jego portret grupowy „Strzały Gildii św. Jerzy".
Fransa Halsa. Strzały Cechu św. Jerzy. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia Tutaj nie znajdziesz ani jednego powtórzenia w postawie lub wyrazie twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Jest wiele postaci, ale nikt nie wydaje się zbyteczny. Dzięki zaskakująco poprawnemu ułożeniu figur.
Tak, w jednym portrecie Hals przewyższył wielu artystów. Jego modele są naturalne. Ludzie z wyższych sfer na jego obrazach pozbawieni są naciąganej wielkości, a modelki z dołu nie wyglądają na upokorzonych.
A jego bohaterowie są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o chytrym spojrzeniu.
Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630 Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm poszedł wbrew gustom klientów. Kto chciał upiększyć swój wygląd. Hals nie poszedł na pochlebstwa i tym samym podpisał własne zdanie – „Oblivion”.
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, Haga, Holandia Terborch był mistrzem gatunek gospodarstwa domowego. Bogaci i niezbyt mieszczanie mówią powoli, panie czytają listy, a kupiec obserwuje zaloty. Dwie lub trzy ciasno rozmieszczone postacie.
To właśnie ten mistrz opracował kanony rodzimego gatunku. Które następnie pożyczą Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.
Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. 1660s. Pustelnia Państwowa, Petersburg „Szklanka lemoniady” to jedna z znane prace Terborch. Pokazuje kolejną zaletę artysty. Niesamowite realistyczny obraz tkaniny na suknie.
Terborch ma i niezwykła praca. Co świadczy o jego chęci wychodzenia poza wymagania klientów.
Jego „Młynek” pokazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Na zdjęciach „małych” Holendrów jesteśmy przyzwyczajeni do oglądania przytulnych podwórek i czystych pokoi. Ale Terborch odważył się pokazać nieatrakcyjną Holandię.
Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea państwowe w Berlinie Jak rozumiesz, takie prace nie były pożądane. I są rzadkością nawet w Terborch.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Wiedeń Nie wiadomo, jak wyglądał Jan Vermeer. Oczywiste jest tylko, że na obrazie „Pracownia artysty” przedstawił samego siebie. Prawda od tyłu.
Dlatego zaskakujące jest to, że ostatnio poznano nowy fakt z życia mistrza. Jest to związane z jego arcydziełem „Ulica Delft”.
Jana Vermeera. Ulica Delft. 1657 Państwowe Muzeum w Amsterdamie Okazało się, że na tej ulicy Vermeer spędził dzieciństwo. Przedstawiony na zdjęciu dom należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Może siedzieć na progu i szyć, podczas gdy jej dwoje dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.
Częściej jednak przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawałoby się, że wątki obrazów są bardzo proste. Oto ładna dama, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca pracę swojej wagi.
Jana Vermeera. Kobieta z ciężarkami. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?
On był wytrawny mistrz Swieta. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło delikatnie otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.
A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie weryfikowane. Nie znajdziesz ani jednego dodatkowego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozsypie się”, a magia zniknie.
To wszystko nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wykarmienia rodziny. Vermeer pracował również jako marszand, sprzedając dzieła innych artystów.
5. Pieter de Hooch (1629-1884)
Piotra de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam Hoch jest często porównywany do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - gospodarstwie domowym. W Hoch widzimy też jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.
Otwórz drzwi a okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest wielowarstwowa i rozrywkowa. A postaci bardzo harmonijnie pasują do tej przestrzeni. Jak na przykład w jego obrazie „Sługa z dziewczyną na podwórku”.
Piotra de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórku. 1658 Londyn Galeria Narodowa
Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło kilka prac jego konkurenta Vermeera.
Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć malarskich. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.
Piotra de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. 1658 Królewska Kolekcja Sztuki, Londyn Należy pamiętać, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” znajduje się obraz w drogiej ramie.
To po raz kolejny mówi o tym, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom zamożnego mieszczanina, skromnego mieszczanina, a nawet chłopa.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jana Stana. Autoportret z lutnią. 1670 Muzeum Thyssen-Bornemisza, Madryt Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające moralizowanie. Często przedstawiał karczmy lub biedne domy, w których znaleziono występek.
Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i panie łatwej cnoty. Chciał zabawić widza, ale bezwarunkowo przestrzegł go przed okrutnym życiem.
Jana Stana. Chaos. 1663 Muzeum Historii Sztuki, Wiedeń Stan ma też cichsze prace. Jak na przykład „Toaleta poranna”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt szczerymi szczegółami. Są ślady gumy do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś to wcale nie jest sposób, w jaki pies leży na poduszce.
Jana Stana. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam Ale pomimo całej frywolności schematy kolorów Stana są bardzo profesjonalne. W tym przewyższał wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwone pończochy idealnie komponują się z niebieską kurtką i jasnobeżowym dywanikiem.
7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1882)
Portret Ruisdaela. Litografia z XIX-wiecznej książki.