Muzeum Sztuki otwarte w 1897 roku. Wybór reprodukcji obrazów z londyńskiej galerii

Tate Gallery – Państwowe Muzeum Narodowe w Londynie, które przechowuje ponad sześćdziesiąt tysięcy dzieł sztuki: malarstwo, rzeźba, rysunki, ryciny. Dzieli się na dwie części: brytyjską galerię Tate (Tate Britain) lub starą galerię Tate, która jest zbiorem malarstwa angielskiego z XVI-XIX wieku. i sztuka zagraniczna XIX wieku oraz Tate Modern Gallery - sztuka europejska i amerykańska od 1900 do współczesności.
Trzon kolekcji Tate Gallery stanowi prywatna kolekcja obrazów angielskich artystów Sir Henry'ego Tate'a (1819-1899). Galeria została otwarta 21 lipca 1897 roku.

Albert Moore

Albert Moore

Galeria była kilkakrotnie przebudowywana. W 1926 r. w nowym gmachu umieszczono kolekcję malarstwa obcego. 1979 - otwarcie sal dla zbiorów Sztuka współczesna. W 1987 r. - otwarcie Galerii Clore, wybudowanej specjalnie dla dzieł Turnera (1775-1851), który przekazał swoje płótna Anglii pod warunkiem zachowania wszystkich jako jednej wystawy. Sir Charles Clore (1904-1979) przekazał fundusze na budowę galerii.

Alphonse Legros - Kupidyn i Psyche

Artur Hughes

W czasie II wojny światowej budynek galerii został poważnie uszkodzony w wyniku nalotów. Zbiór był wcześniej ewakuowany. Muzeum zostało w pełni otwarte dla zwiedzających w 1949 roku.

asystenci i George Frederic Watts

przypisywany Marcusowi Gheeraertsowi II - Portret Nieznanej Damy

Nowoczesna Galeria Tate została otwarta w maju 2000 roku. Budynek został przebudowany z elektrowni zbudowanej w latach 30. XX wieku w centrum miasta, naprzeciwko ul. Paweł. Zachowując zewnętrzną część elektrowni, architekci całkowicie przeprojektowali wnętrze i dodali szklano-stalowy dach.

Augustus Wall Callcott - Sheerness and the Isle of Sheppey (według J.M.W. Turnera)

Benjamin West – Cleombrotus skazany na wygnanie przez Leonidasa II, króla Sparty

Benjamin West – Pilady i Orestes sprowadzeni jako ofiary przed Ifigenią

Benjamin West

Współczesna Tate odeszła od tradycyjnego umieszczania prac w porządek chronologiczny. Kolekcja składa się z czterech dużych działów: „Martwa natura, obiekt, realne życie”, „Pejzaż i środowisko”, „Malarstwo historyczne”, „Akt, akcja, ciało”. Autorzy ekspozycji łączą różne kierunki: dzieła dawnych mistrzów z nowoczesnymi, malarstwo i rzeźbę ze zdjęciami i filmami wideo. W galerii odbywa się wiele wystaw czasowych współczesnych artystów.

Benjamin West

Szkoła brytyjska XVI wiek - Młoda dama w wieku 21 lat, prawdopodobnie Helena Snakenborg, późniejsza markiza Northampton

Szkoła Brytyjska XVI wiek - Sir Henry Unton

Szkoła brytyjska XVII wiek - Portret Anne Wortley, później Lady Morton

Szkoła brytyjska XVII wiek - Portret damy, zwanej Elżbietą, Lady Tanfield

Szkoła Brytyjska XVII wiek - Cholmondeley Ladies

Chris Ofili - Bez kobiety, bez płaczu

Cornelius Johnson – Portret Świątyni Zuzanny, później Lady Lister

Daniel Mytens Starszy - Portret Jamesa Hamiltona, hrabiego Arran, późniejszego trzeciego markiza i pierwszego księcia Hamiltona, lat 17

Dante Gabriel Rossetti

David Des Granges — Rodzina Saltonstall

Edward Coley Sir, Burne-Jones - Król Cophetua i żebraczka

Ford Madox Brązowy

Francis Danby

Frank Cadogan Cowper - Lukrecja Borgia panuje w Watykanie pod nieobecność papieża Aleksandra VI

Frederic George Stephens

Frederic Lord, Leighton - Lieder ohne Worte

Frederic Lord, Leighton - Kąpiel Psyche

Fryderyk Walker

George Frederic Watts

George Gower

George Mason

George Romney

George Stubbs

Hans Eworth - Portret Elizabeth Roydon, Lady Golding

Henry Fuseli — Percival uwalniający Belisane z Zaklęcia Urma

Henryk Fuseli

Henry Herbert La Thangue

Henry Moore

Henry Scott Tuke

Henry Singleton – Ariel na grzbiecie nietoperza

Henry Wallis

Herbert Draper

Jakub More

James Barry

James Ward - Gordale Scar (Widok Gordale, w Manor of East Malham w Craven, Yorkshire, własność Lorda Ribblesdale)

Joesph Mallord William Turner

Johan Zoffany

John Bettes

John Brett

John Hamilton Mortimer – Sir Arthegal, Rycerz Sprawiedliwości, z Talusem, Człowiekiem z żelaza (z „Faerie Queene”) Spensera

John Martin

John Roddam Spencer Stanhope - Prasa do wina

John Roddam Spencer Stanhope

John Singer Sargent - goździk, lilia, lilia, róża

John Singer Sargent

John William Waterhouse

Joseph Mallord William Turner Lądowanie Agrypiny z prochami Germanika

Joseph Mallord William Turner – Pałac i most Kaliguli

Joseph Mallord William Turner – Cliveden nad Tamizą

Joseph Mallord William Turner – Anglia: Richmond Hill, w dniu urodzin księcia Regenta

Joseph Mallord William Turner – Łowienie ryb na piasku Blythe-Sand, nastanie przypływ

Joseph Mallord William Turner – Forum Romanum, dla Muzeum Pana Soane

Joseph Mallord William Turner – Włoski krajobraz z mostem i wieżą

Wystawiono Joseph Mallord William Turner - Londyn z Greenwich Park

Joseph Mallord William Turner – Poranek wśród Coniston Fells, Cumberland

Joseph Mallord William Turner — Wysyłka u ujścia Tamizy

Joseph Mallord William Turner – Zatoka Baiae z Apollem i Sybillą

Joseph Mallord William Turner - Dogano, San Giorgio, Citella, ze Schodów Europy

Joseph Mallord William Turner - Ponte Delle Torri, Spoleto

Joseph Mallord William Turner

Joseph Mallord William Turner – Tamiza nad mostem Waterloo

Joseph Mallord William Turner – Tamiza w pobliżu mostów Walton

Joseph Mallord William Turner - Tivoli, Cascatelle

Joseph Mallord William Turner - Drzewa nad rzeką, z mostem w środkowej odległości

Joseph Mallord William Turner - Związek Tamizy i Izydy (Dorchester Mead, Oxfordshire)

Joseph Mallord William Turner - Wenecja, Most Westchnień

Joseph Mallord William Turner - Widok na wzgórze Richmond i most

Joseph Mallord William Turner — Walton Reach

Joseph Wright z Derby – Wezuwiusz w erupcji, z widokiem na wyspy w Zatoce Neapolitańskiej

Lord Leighton Frederic — A morze wydało zmarłych, którzy w nim byli

Marcus Gheeraerts II - Portret kapitana Thomasa Lee

Marcus Gheeraerts II - Portret Mary Rogers, lady Harington

Marcus Gheeraerts II – Portret mężczyzny w klasycznym stroju, prawdopodobnie Philip Herbert, 4. hrabia Pembroke

Phillip James de Lutherbourg

Richard Dadd — Mistrzowski skok wróżki Feller

Ryszard Tato

Richard Wilson - Odległy widok willi Mecenasa w Tivoli

Richard Wilson - Llyn-y-Cau, Cader Idris

Richard Wilson – Meleager i Atalanta

Robert Peake

Szkoła XVII wiek - Portret Williama Style of Langley

Simeon Solomon — Młodość opowiadająca bajki dla kobiet

Sir Anthony Van Dyck - Portret Mary Hill, Lady Killigrew

Sir Anthony Van Dyck - Portret Sir Williama Killigrewa

Sir Edward Coley Burne-Jones - Złote schody

Sir Edward Coley Burne-Jones — Vespertina Quies

Sir Edwin Henry Landseer — jelenie i gończe w górskim potoku

Sir Frank Dicksee

Tate Britain (Tate Britain) jest uważana za Galerię Narodową Sztuka Wielka Brytania Wielka Brytania. Jest to skarbnica dziedzictwa kulturowego malarstwa angielskiego, sięgającego XVI wieku. Turyści rosyjskojęzyczni znają galerię pod inną, nieoficjalną nazwą - „Londyńska Galeria Tretiakowska”.
Muzeum znajduje się w Millbank w centrum Londynu, 500 metrów od stacji metra Pimlico i 800 metrów od stacji Vauxhall. Dostępne na wizyty codziennie od 10:00 do 18:00, z wyjątkiem trzech dni w roku - od 24 do 26 grudnia. Wstęp wolny, z wyjątkiem niektórych wystaw tematycznych.

Historia założycielska

Galeria została po raz pierwszy otwarta dla zwiedzających w lipcu 1897 r. w budynku dawnego więzienia. Swoją nazwę otrzymał od imienia twórcy Sir Henry'ego Tate. Wybitny przemysłowiec, właściciel cukrowni, oparł powstanie galerii na osobistym zbiorze prac malarzy angielskich. Jego pasja do malarstwa rozpoczęła się od trzech dzieł Waltera Dandy Sadlera, mistrza epoki wiktoriańskiej.
Szczególną pozycję w tym trio zajmował obraz „Czwartek”, z przedstawionymi na płótnie mnichami, zajętymi łowieniem ryb w piątek, dzień postu. A dziś to płótno jest prezentowane do publicznego oglądania.
Budynek został częściowo zniszczony podczas nalotu w czasie II wojny światowej, ale kolekcja nie została uszkodzona, gdyż została wcześniej ewakuowana. Po odrestaurowaniu budynku, w 1949 roku, drzwi muzeum zostały ponownie otwarte dla wdzięcznych zwiedzających. Początkowo idea stworzenia muzeum opierała się na chęci prezentacji dzieł sztuki wyłącznie przez mistrzów angielskich, ale stopniowo zaczęli tu wystawiać inni autorzy zagraniczni.

Muzeum dzisiaj

Tate Britain jest częścią grupy muzeów Tate. W grupie są cztery: Tate Britain, Tate Modern, Clore Gallery, Tate Ives z Kornwalii oraz filia galerii z Liverpoolu.
Muzeum Tate Britain posiada około 60 tysięcy eksponatów, w tym obrazy, grafiki, rzeźby. Szeroko reprezentowane są dzieła takich angielskich malarzy jak William Hogarth, Richard Wheels, William Blake, Thomas Gainsborough oraz cała kolekcja obrazów wielkiego Williama Turnera.
Oprócz Brytyjczyków reprezentowani są również zagraniczni mistrzowie. W większości są to impresjoniści i postimpresjoniści: Kazemir Malewicz, Claude Monet, Marc Chagall, Edgar Degas, Salvador Dali, Edvard Munch i wielu innych. W weekendy muzeum gości darmowe wycieczki, na terenie znajduje się muzeum pamiątek, w którym można kupić reprodukcje eksponatów.

Pokaż więcej

Treść artykułu

GALERIA TATE(Tate Gallery) – państwowe muzeum narodowe w Londynie, które przechowuje ponad sześćdziesiąt tysięcy dzieł sztuki: malarstwo, rzeźba, rysunki, ryciny. Dzieli się na dwie części: brytyjską galerię Tate (Tate Britain) lub starą galerię Tate, która jest zbiorem malarstwa angielskiego z XVI-XIX wieku. i sztuka zagraniczna XIX wieku oraz Tate Modern Gallery - sztuka europejska i amerykańska od 1900 do współczesności.

Trzon kolekcji Tate Gallery stanowi prywatna kolekcja obrazów angielskich artystów Sir Henry'ego Tate'a (1819-1899). Galeria została otwarta 21 lipca 1897 roku.

W czasie II wojny światowej budynek galerii został poważnie uszkodzony w wyniku nalotów. Zbiór był wcześniej ewakuowany. Muzeum zostało w pełni otwarte dla zwiedzających w 1949 roku.

Galeria była kilkakrotnie przebudowywana. W 1926 r. w nowym gmachu umieszczono kolekcję malarstwa obcego. 1979 - otwarcie pomieszczeń dla kolekcji sztuki współczesnej. W 1987 r. - otwarcie Galerii Clore, wybudowanej specjalnie dla dzieł Turnera (1775-1851), który przekazał swoje płótna Anglii pod warunkiem zachowania wszystkich jako jednej wystawy. Sir Charles Clore (1904–1979) przekazał fundusze na budowę galerii.

Współczesny Tate odszedł od tradycyjnego układu dzieł w porządku chronologicznym. Kolekcja składa się z czterech dużych działów: „Martwa natura, przedmiot, realne życie”, „Pejzaż i środowisko”, „Malarstwo historyczne”, „Akt, akcja, ciało”. Autorzy ekspozycji łączą różne kierunki: dzieła dawnych mistrzów z nowoczesnymi, malarstwo i rzeźbę z fotografiami i filmami wideo. W galerii odbywa się wiele wystaw czasowych współczesnych artystów.

KOLEKCJA MUZEUM

Malarstwo angielskie.

W salach stara galeria Tate, możesz uzyskać pełny obraz tego, czym jest malarstwo angielskie, jakie są główne etapy i kierunki życia artystycznego w kraju.

Najwcześniejsze prace szkoły państwowej to: Portret mężczyzny w czarnym kapeluszu(1545) John Betts (zm. ok. 1576), następca malarza północnego renesansu Hansa Holbeina Młodszego (ok. 1498–1543).

William Hogarth (1697-1764): Opera żebraka (1729), Autoportret z psem (1745), bal weselny(ok. 1745), Portret służących(lata 750), Och, pieczeń wołowa starej Anglii(Brama Calais) (1748), liczne portrety.

Joshua Reynolds (1723-1792): Trzy łaski zdobią hermę Hymen (1774), Portret admirała Keppela (1780), Portret dr Samuela Johnsona(1772), dwa autoportrety, portrety dzieci.

Thomas Gainsborough (1727-1788): Widok Dedhamu(ok. 1760), Zachód słońca. Konie zaprzężone w wózku, picie wody ze strumienia(ok. 1760), Sir Benjamin Truman (1774), Córka artysty Mary (1777), Giovanna Baccelli (1782).

Richard Wilson (1713-1782): Tamiza w pobliżu Twickenhm (1762).

George Stubbs (1724-1806): Konie w naturze (1762–1768), żniwa siana (1785), Żniwiarze (1785).

W pełni pokazano twórczość Williama Blake'a (1757-1827), który ilustrował swoje dzieła akwarelą i rycinami, a także Szekspira, Dante i Biblię: Bóg stwarza Adama, niuton, Śmierć Abla, Dobre i złe anioły, Szkoda (1795–1804).

Joseph Mallord William Turner (1775-1851): Rybacy w morzu (1796), Tamiza Most Waltona(ok. 1807), Wrak statku(ok. 1805), Mroźny poranek. Świt (1813), Przekraczanie strumienia (1815), Pogrzeb na morzu(1842). Płótna z widokiem na Wenecję: Most Westchnień, Pałac Dożów i Zwyczaje, Wenecja: Canaletto przy sztalugach(1833) i inni Impresjonistyczne pejzaże artysty: Wnętrze w Petworth(ok. 1837), Zamek Norem. wschód słońca(ok. 1840). Burza śnieżna. Parowiec przy wejściu do portu daje sygnał o niebezpieczeństwie uderzając w płytką wodę(1842) - doskonałe przedstawienie sztormu na morzu. W galerii znajdują się setki szkiców i jedyne autoportret Tokarz (1798).

John Constable (1776-1837): Sala Malvern (1809), młyn flatford (1817), Hampstead Heath(ok. 1820), Zamek Hadley(ok. 1828-1829), Otwarcie mostu waterloo (1832).

Prerafaelici Dante Gabriel Rossetti (1828-1882): Beata Beatrix(ok. 1863), Prozerpina(1874); John Everett Millais (1829-1896): Ofelia(ok. 1850); William Holman Hunt (1827-1910): Klaudis i Izabela (1850).

Kolekcja sztuki obcej

zaczęła powstawać w 1917 roku. Sekcja ta chronologicznie zaczyna się od malarstwa francuskich impresjonistów i postimpresjonistów i posiada bogatą kolekcję mistrzów tych dziedzin.

Claude Monet (1840-1926): pani siedząca na ławce(połowa lat 70. XIX wieku), Sekwana w pobliżu Port Villeuse (1894), Topole na Epte (1890).

Camille Pissarro (1830-1903): Mały Pokojówka (1882), autoportret (1903), Piloci Jatt. Hawr. pochmurny poranek (1903).

Alfred Sisley (1839-1899): Most na Sevres(ok. 1877), Ścieżka wzdłuż rzeki. Wiosna(1880) i inni.

Rzeźby Auguste'a Renoira (1841-1919) Wenus zwycięska(1914) i Edgara Degasa Czternastoletnia tancerka (1880).

Georges Seurat (1859-1891): Le Bec doo hoc (1885).

Paul Cezanne (1839-1906): Aleja w Jas de Bouffan(ok. 1874), Portret ogrodnika(1906); Paul Gauguin (1848-1903): Przygotowanie do wakacji lub Tahitańska duszpasterska (1898), Zbiór. Le Pouldu (1890).

Vincent van Gogh (1853-1890): Krzesło z fajką na tytoń (1888), Fotel Gauguina w nocy (1888).

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901): Portret artysty Emil Bernarda(1885), Dwoje przyjaciół(1890).

Rzeźby mistrzów z przełomu XIX i XX wieku. Auguste Rodin (1840-1917): Pocałunek (1901–1904), Muza(1896) i Aristide Maillol (1861-1944): ruch w kajdanach (1906), Trzy nimfy (1930–1938).

Henri Matisse (1869-1954): Portret Andre Deraina (1905), stojąc nago (1907), Ślimak(1953) - duża aplikacja kolorystyczna, a także seria czterech płaskorzeźb z brązu - Nude co plecy (1909-1930).

Edvard Munch (1863-1944): chora dziewczyna(1907); Oskar Kokoschka (1886-1980): Widok na Tamizę (1959).

Amedeo Modigliani (1884-1920): Mały chłop(1917), rzeźba Głowa(ok. 1913).

Pablo Picasso (1881-1973): Kobieta w koszuli(ok. 1905) - odnosi się do okresu "niebieskiego"; siedzący nago(1909) - przykład kubizmu; Trzech tancerzy(1925) są napisane w duchu surrealistycznym. Rzeźba na wystawie: Martwa natura (1914), duży kutas (1932).

Budynek muzeum

Drogi Czytelniku, pewnie nawet nie podejrzewasz, że wypijając herbatę lub kawę z kawałkiem cukru dotykasz… historii powstania Galerii Tate! Pytasz jak? Ale jak! Galeria nosi imię jej założyciela, Henry'ego Taita (1819-1899). Nie mamy zwyczaju pytać (poza „właściwymi władzami”), skąd ten czy inny oligarcha zdobył swój ogromny kapitał, a przede wszystkim bardzo tajemniczy „oryginał”. W Europie takie pytanie jest możliwe, a co najważniejsze odpowiedź na nie. Henry Tate, syn ministra, wszedł do branży cukrowniczej w latach 60. XIX wieku i założył bardzo dochodową firmę zajmującą się kostkowaniem i pakowaniem cukru. Przedsiębiorca wzbogacił się i objął mecenat: inwestował w szpitale, biblioteki, uczelnie, wreszcie założył galerię sztuki.

Wnętrze muzeum

W holu muzeum

Tate nabywał obrazy głównie na corocznych wystawach Królewskiej Akademii Sztuk. Interesował się twórczością współczesnych artystów, przemysłowiec poznał osobiście wielu z nich i wspierał ich finansowo. Nie tylko zebrał dużą kolekcję obrazów mistrzów angielskich, ale także zbudował dla niej budynek na własny koszt. Można powiedzieć, że Tate był dla sztuki brytyjskiej tym, czym Tretiakow dla rosyjskiej.

Tate Gallery to państwowe muzeum narodowe w Londynie. Jest to największa na świecie kolekcja malarstwa angielskiego, składająca się z trzech dużych działów: sztuki angielskiej od 1550 roku do dnia dzisiejszego; zbiór prac Williama Turnera; sztuka XX wieku. Ogólny fundusz artystyczny muzeum został rozdzielony między kilka „podrzędnych” galerii: Tate Britain, Clore Gallery i Tate Modern.

Galeria Tate Britain

Kolekcja Galerii Tate nie mogła ograniczać się do prac tylko tych artystów, których preferował sam przedsiębiorca. Z biegiem czasu kolekcja została uzupełniona obrazami dawnych mistrzów angielskich.

W malarstwie narodowym XVI-XVII w. dominuje formalny portret. Najwcześniejsze dzieło tego gatunku, Człowiek w czarnym kapeluszu Johna Bettsa (1545), znajdujące się obecnie w muzeum, nosi ślady wpływu Hansa Holbeina Młodszego i jednocześnie daje wyobrażenie o sztuce angielskiego renesansu .

Kolejny, XVIII wiek, to dzieła wielkich mistrzów - Williama Hogartha, Joshuy Reynoldsa, Thomasa Gainsborough, George'a Stubbsa.

Jeszcze pełniej prezentowana jest w Galerii sztuka XIX wieku. Oprócz dzieł prerafaelitów i Williama Turnera, które zostaną omówione poniżej, przechowywane są tutaj dzieła Williama Blake'a, Johna Constable'a. Godne uwagi krajobrazy i innych autorów.

Lata i dekady przyniosły zmiany w dystrybucji malowniczych skarbów wśród brytyjskich muzeów. Wiele obrazów impresjonistów, które pierwotnie znajdowały się w Tate Gallery, zostało przeniesionych do National Gallery w Londynie. Niemniej jednak muzeum posiada bardzo imponującą kolekcję obrazów mistrzów tego kierunku, a także kreacje prawie wszystkich, którzy stali u początków sztuki nowoczesnej: Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec i inni.

Galeria Tate Modern

Galeria

Galeria Clore prezentuje najpełniejszą kolekcję dzieł jednego z najbardziej utalentowanych i znanych brytyjskich artystów – Williama Turnera, przekazaną przez niego państwu. Spuścizna została przekazana w 1856 roku, pięć lat po jego śmierci: około 300 obrazów i 30 000 rysunków i szkiców, a także notatniki i prace Turnera uważane za niedokończone, szereg prac innych autorów. Dziewięć obrazów z tej kolekcji trafiło do National Gallery w Londynie, ukazują spuściznę wielkiego angielskiego mistrza w kontekście sztuki światowej. Ten sam przedmiot, który składał się na skarbiec Tate, jest obecnie wystawiony w specjalnie dla niego stworzonej Galerii Clore, otwartej w 1987 roku.

Tate Modern

Tate Modern, część Galerii Tate, to największa narodowa kolekcja światowej sztuki współczesnej, w tym angielskiej. Powstał w 2000 roku, jego otwarcie zbiegło się w czasie z obchodami trzeciego tysiąclecia. Na potrzeby muzeum zrekonstruowano monumentalny budynek dawnej elektrowni w centrum Londynu, na przeciwległym brzegu Tamizy od katedry św. Pawła. Zachowując wygląd zewnętrzny, architekci całkowicie zmienili wnętrze budynku i dodali dach ze szkła i stali.

Ekspozycja znajduje się w czterech skrzydłach budynku. Trzy przeznaczone są dla głównych nurtów sztuki XX wieku: surrealizmu, minimalizmu, abstrakcjonizmu, a czwarty - dla blisko spokrewnionego kubizmu i futuryzmu. Wokół wymienionych głównych nurtów zgrupowane są prace wielu bliskich.

W galerii znajdują się znaczące prace Pabla Picassa i Henri Matisse'a. Oto jedna z najlepszych kolekcji surrealizmu na świecie, w tym obrazy Salvadora Dali, Maxa Ernsta, Rene Magritte i Juana Miro, dzieła amerykańskiej sztuki abstrakcyjnej, pop-artu.

Galeria Tate to nie tylko kolekcja muzealna, ale także centrum życia kulturalnego. Tutaj możesz zaspokoić wszystkie swoje artystyczne zainteresowania. Bogata i dobrze zorganizowana infrastruktura Galerii daje zwiedzającym wiele możliwości studiowania sztuki na różnych poziomach wiedzy i zaangażowania w nią. To także wspaniałe miejsce na relaks, gdzie po spacerze po salach wystawowych przyjemnie posiedzieć w kawiarni, posłuchać koncertu z dzieł kompozytorów różne epoki lub wybierz rozrywkę według własnego gustu i wieku.

Sztuka XVII–XVIII wieku

Johanna Zoffanyego. Pani Woodhull. Około 1770

Szkoła brytyjska. Panie z rodziny Holmondale. 1600-1610

Ten obraz nieznanego angielskiego mistrza z XVII wieku jest niezwykle ciekawy w swoim pomyśle i naprawdę wyjątkowy. Choćby dlatego, że ilustruje zupełnie fantastyczny przypadek, który opisuje napis w lewym dolnym rogu: „Dwie panie z rodziny w Holmondale, urodzone tego samego dnia, wyszły za mąż tego samego dnia i tego samego dnia urodziły”.

Wyobraź sobie mentalność średniowiecznego Anglika, możesz być pewien, że choć ten zbieg okoliczności wydaje się nieprawdopodobny, to jednak miał miejsce i nie był owocem wyobraźni artysty. Najwyraźniej do pewnego stopnia są artystycznym ucieleśnieniem wizerunków pań, których imiona nie są pewne. Można powiedzieć, że jest to formalny portret sióstr z dziećmi. Jako kobiety rodzące są pokazywane w łóżku, okruchy są owinięte w szkarłatne tkaniny. Artysta mieszkał w Cheshire, niedaleko którego znajduje się nazwana posiadłość. Bohaterki mogły być mieszkańcami istniejącego do dziś zamku Holmodel.

Na pierwszy rzut oka wydaje się, że kobiety noszą te same sukienki, są bardzo podobne, podobnie jak ich dzieci. Ale to tutaj objawiła się niesamowita umiejętność artysty. Dosłownie, we wszystkich identycznych detalach tego podwójnego (można nawet poczwórnego) portretu, wprowadził najsubtelniejszą odmianę. Warto porównać koronki sukienek, naszyjników i tak dalej. Co więcej, trudnym zadaniem było uchronienie widza (przy oczywistym podobieństwie statusu sióstr) od wrażenia większej lub mniejszej atrakcyjności jednej lub drugiej. Prawdopodobnie i teraz nikt nie jest w stanie udowodnić, że jedno z nich jest piękniejsze.

W estetycznie obraz jest niezwykle interesujący: pokazuje uderzającą różnorodność w ramach pewnej jedności. Zupełną analogią do tego zjawiska w malarstwie angielskim jest pierwszy opublikowany w tym samym czasie w 1611 roku zbiór narodowej muzyki dziewiczej - Partenia. Tu i ówdzie zasada wariacji jest sercem metody artystycznej. Łatwo sobie wyobrazić kontynuację przykładu tej różnorodności, zamkniętej w tożsamości: dwie panie, zasiadając przy dwóch równie podobnych instrumentach, zagrają utwór Jailis Farnaby „For two virginals”, w którym obie strony są równorzędne.. .

William Hogarth (1697-1764). Artysta i jego mops. 1745

William Hogarth to wielki angielski artysta, rytownik, teoretyk sztuki.

„Oficjalny” tytuł pracy nie jest do końca trafny, poprawny to „Autoportret artysty z mopsem”. Ten obraz na obrazie kontynuuje barokową tradycję tego rodzaju autoportretów. Na pierwszym planie znajdują się obiekty identyfikujące modela jako artystę (paleta) i literata wykształconego (książki z „Shakespeare”, „Swift”, „Milton” na grzbietach). I to prawda, później, w 1753 r., zostanie opublikowany własny traktat Hogartha „Analiza piękna”, ale jego idee znalazły już odzwierciedlenie w tym autoportrecie. Przyjrzyjmy się bliżej palecie: pokazuje zakrzywioną linię i podano wyjaśnienie: „Linia piękna i wdzięku”. Ta idea stanie się główną w traktacie: „linia piękna” według nauk Hogartha to linia w kształcie litery S, która jest granicą dwóch najbardziej harmonijnie ze sobą połączonych przestrzeni. Aby narysować go w najdoskonalszy sposób, potrzebna jest wielka umiejętność. Narysując go, Hogarth porównał się do starożytnego greckiego artysty Apellesa, uosobienia doskonałości w sztuce malarskiej, który narysował tak cienką i idealną linię, że nikt nie mógł jej powtórzyć. Ale jeśli Apelles, zgodnie z legendą, była to linia prosta, to Hogarth przyjął jako standard linię krzywą. W przedmowie do traktatu artysta przyznał, że „żaden egipski hieroglif nie zajmował umysłów od tak dawna”, jak ta linia. „Malarze i rzeźbiarze przyszli do mnie, aby dowiedzieć się znaczenia tych słów, byli przez nich zaskoczeni nie mniej niż wszyscy inni, dopóki nie otrzymali wyjaśnienia”.

Drugą ważną postacią na zdjęciu jest ulubiony pies autora - mops Trump. Jeśli przyjrzeć się bliżej obu przedstawionym, to, jak to często bywa, można dostrzec pewne podobieństwa w ich wyglądzie. W tym przypadku pies służy jako ucieleśnienie zadziornej natury właściciela.

William Hogarth (1697-1764). Sześć głów sług Hogartha. 1750-1755

William Hogarth miał negatywny stosunek do stereotypowych, świeckich portretów obrzędowych, których obficie tworzyli jego współcześni. Zwykle pisał do swoich bliskich i bliskich. Jedną z takich prac jest zbiorowy portret służących. Jest niezwykły nie tylko z estetycznego punktu widzenia jako dzieło wielkiego mistrza, ale także ze społecznego punktu widzenia – przekazuje godność ludzką osób, które zajmują niskie szczeble w hierarchii społecznej, ale jednocześnie mają niewątpliwa duchowa szlachetność.

Ten niezwykły portret grupowy pierwotnie wisiał w pracowni Hogartha. Mogli go zobaczyć patroni i klienci artysty. Praca była dowodem niezrównanej umiejętności autora w przekazywaniu indywidualnych cech modela. Nie była zrobiona na zamówienie, malarz stworzył ją dla własnej przyjemności, a może i dla swoich służących.

Obraz składa się z kilku niepowiązanych ze sobą głów. Jedności kompozycji artysta osiągnął dzięki ich symetrycznemu układowi i jednolitemu oświetleniu źródłem znajdującym się poza obrazem, w lewym górnym rogu. Wyjątkowy był pomysł Hogartha na malowanie portretów służących poza nimi. dzienna praca. Stosunek samego mistrza do nich jest jednoznacznie odczytywany - pełne usposobienie. Zachęca widza do wyobrażenia sobie spokojnego, spokojnego, umiarkowanego życia artysty w jego zadbanym domu.

Badanie pracy wykazało, że początkowo jej wielkość była większa, a autor zamierzał umieścić siedem głów. Ale ta ostatnia nie została dopracowana tak starannie, jak pozostałe i wtedy artysta wpadł na pomysł odcięcia krawędzi, aby sześć gotowych głów wyglądało bardziej integralnie w kompozycji.

George Stubbs (1724-1806). Klacze i źrebięta w krajobrazie z rzeką. Około 1763-1768

George Stubbs słynie przede wszystkim z tego, że był jednym z pierwszych wybitnych angielskich malarzy, który poświęcił swoją pracę koniom. W latach 60. XVII wieku Stubbs spędził dwa lata na badaniu anatomii tych zwierząt. Jego liczne szkice zostały opublikowane w 1766 roku jako osobna książka, która została nazwana Horse Anatomy. Nad każdym ze swoich płócien artysta pracował niezwykle długo, co wynikało z jego niezwykłej sumienności i całkowitego pochłonięcia pracą. Tak wielkie zainteresowanie naukowe mogło w pewnym sensie stać się nawet przeszkodą w realizacji celów czysto artystycznych, ale w przypadku Stubbsa tak się nie stało. Wszystkie jego wizerunki koni są niezwykle żywe, piękne, energiczne.

Obraz sprawia widzowi prawdziwą przyjemność w kompozycji, rysunku i kolorowej palecie. Daleki i szeroki horyzont, duże połacie lądu i wody, wysokie miejsca, na których pasą się konie, brak dla nich jakichkolwiek barier – wszystko to tworzy nastrój i poczucie spokoju i woli, tak pożądane w komunikacji z tymi zwierzętami i tak dalej. rzadkie w związkach ludzi.

Joshua Reynolds (1723-1792). Pułkownik Acland i Lord Sydney. Łucznicy. 1769

Angielski malarz Joshua Reynolds był pierwszym prezesem Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych.

Obraz jest portretem dwóch angielskich arystokratów - pułkownika Aclanda (z prawej) i Lorda Sydney, irlandzkiego polityka i dyplomaty. Tutaj są jeszcze młodzi, później pułkownik weźmie udział w wojnie Stanów Zjednoczonych Ameryki o niepodległość (po stronie korony brytyjskiej), zostanie ranny w nogi (?777), przeżyje niewolę i wróci do swojej ojczyzny, gdzie zostanie wybrany na posła. Ale dopóki nie udowodnił, że jest bohaterem, a Reynolds przedstawia go jako zwykłego arystokratę, unoszonego wraz z lordem Sydney przez polowania – zawsze uważane za rozrywkę dla wyższych sfer. Już im się udało: trofea leżą u ich stóp.

Reynolds przedstawił tę scenę z niezwykłą żywością. Podekscytowanie myśliwych i ich napięcie są wspaniale oddane. Nawiasem mówiąc, w dużej mierze tę ostatnią wyrażają elastycznie naciągnięte cięciwy łuków łuczników. Zanim powstał obraz, łuk był już bronią przeszłości, polowanie odbywało się z broni palnej. Reynolds wyidealizował ten moment i przeniósł czas akcji do romantycznie przedstawionego renesansu. Wskazuje na to również fakt, że w postaci Aclanda wyraźnie widać ślad innego myśliwego, a raczej łowczyni - Diany - postaci z renesansowego obrazu Tycjana „Śmierć Akteona” (1562. National Gallery, Londyn ).

Joshua Reynolds (1723-1792). Lady Bamfield. 1776-1777

Ten portret został zamówiony u mistrza Charlesa Warwicka Bamfielda z okazji jego małżeństwa z Catherine Moore, Lady Bamfield. Wizerunek uroczej młodej kobiety to dowcipna adaptacja klasycznego posągu Wenus Medicea (z kolekcji Medici), zawsze uważanego za uosobienie kobiecego piękna. Odwołanie Reynoldsa do estetycznych ideałów starożytności było dość organiczne: kiedyś, w 1749 roku, wyjechał do Europy, mieszkał we Włoszech, odwiedził Florencję, gdzie w Galerii Uffizi zobaczył marmurową kopię zaginionej antycznej rzeźby bogini . W dziele, dojrzałym w umiejętnościach, talent wielkiego portrecisty został bardzo w pełni zamanifestowany. Urzekający wizerunek modela przedstawiony jest, jak zwykle u Reynoldsa, na tle natury.

Warto zauważyć, że w tym samym czasie, kiedy powstał ten portret, inny artysta, Johann Zoffany, namalował słynny już obraz „Trybuna Galerii Uffizi”, przedstawiający artystyczne skarby Galerii i ów posąg na nim. Dzieło było znane w Anglii, ponieważ przechowywano je w Windsor, na zamku królewskim.

Henry Robert Morland (1716-1797). Pokojówka prasowanie ubrań. 1765-1782

Przez całe życie Henry Morland malował wyidealizowane wizerunki służących, pokojówek, bardów. Wszystkie te płótna, i to jedno, wykonane są w stylu, że tak powiem, "obrazów wyimaginowanych" - bardzo słodkiego, wzruszającego gatunku malarstwa epoki sentymentalizmu. Wszystko w takich pracach jest urocze, przytulne, bezpieczne, spokojne, rozgrzewa duszę. W pewnych kręgach społecznych zawsze było i oczywiście będzie zapotrzebowanie na takie dzieła. Wielu mistrzów, a wśród nich Morland, uczyniło ten styl sztandarem ich pracy. Jak w każdym ruchu artystycznym, są tu luminarze. Uznanym arcydziełem jest Drezdeńska „Czekolada” J.E. Lyotarda. Takie malarstwo ma analogie w muzyce (Carl Philipp Emmanuel Bach – jeden z najstarszych synów J.S. Bacha), literaturze (wczesny J.W. Goethe), architekturze (miejskie domy „jednorodzinne” w całej Europie). Zapotrzebowanie na takie obrazy było tak duże, że ta sama historia była wielokrotnie powielana przez malarzy. Ten wizerunek młodej pokojówki zajętej prasowaniem wydaje się istnieć w pięciu wersjach, powstałych w okresie wskazanym w dacie powstania dzieła.

John Singleton Copley, amerykański i angielski klasyk, malarz portretowy i historyczny, urodził się w Bostonie. Jego ojczym był mistrzem pędzla, a później pomagał pasierbowi. W 1774 roku, w przededniu wojny o niepodległość Stanów Zjednoczonych, Copley opuścił Amerykę i osiadł w Londynie. Tutaj zwrócił się do gatunku historycznego. Mistrz był członkiem Królewskiej Akademii Sztuk.

Obraz znany jest również pod drugim tytułem - "Szturm na Jersey". Aby zrozumieć malarstwo bitewne, konieczne jest poznanie politycznego i militarnego układu sił, które walczyły iz kim. Szturm na Jersey był francuską próbą inwazji na wyspę i usunięcia zagrożenia, jakie stanowiła dla amerykańskiej żeglugi podczas wojny o niepodległość. Jersey było używane przez Brytyjczyków jako baza wojskowa, a Francja, odwieczny wróg Anglii, przystąpiła do wojny jako sojusznik Stanów Zjednoczonych, chcąc przejąć nad nią kontrolę.

Francuzi wylądowali na Jersey 5 stycznia 1781 roku. Gubernator poddał wyspę po upadku jej stolicy, St. Helier, ale dwudziestoczteroletni major Francis Pearson, szef garnizonu, odrzucił kapitulację i poprowadził udany kontratak. W rzeczywistości major zginął na krótko przed bitwą, ale Copley przedstawia go umierającego pod flagą brytyjską w momencie zwycięstwa. Czarny sługa Pearsona strzela, pomszczając śmierć swego pana.

Francis Pearson stał się bohater narodowy W Wielkiej Brytanii obraz przyciągnął tłumy gapiów, gdy został po raz pierwszy wystawiony. Jest on reprodukowany na banknocie dziesięciu funtów Jersey.

Henryk Fuseli (1741-1825). Sen pasterza z Raju utraconego. 1793

Henry Fuseli to szwajcarski i angielski malarz, grafik, historyk i teoretyk sztuki. Służył jako pastor, następnie studiował malarstwo w Berlinie, od 1764 pracował w Anglii, przyjaźnił się z Williamem Blake'iem. Praca mistrza jest jednym z najwcześniejszych przykładów romantyzmu w Anglii.

Wiersze Johna Miltona „Raj utracony” i „Raj odzyskany” przyciągnęły uwagę Fuseli w młodości, kiedy mieszkał w Szwajcarii. Zwróciło się do nich wielu romantycznych artystów, chcąc zilustrować poszczególne epizody. Ten obrazek przedstawia wersy z 1. księgi poematu, który opowiada o bajecznych elfach:

Małe elfy, które o północy
Nad brzegami strumieni i lasów
Krawędzie tańczą; spóźniony pieszy
Widzi ich obudzonych, a może majaczących,
Gdy księżyc zapanuje nad nim, na ziemię,
Obniżenie bladego lotu - są, igraszki,
Krążąc (...)
Zamiast jak zwykle tańczyć elfy, autor przedstawia je trzymające się za ręce i krążące nad śpiącym pasterzem, który widzi to w swoich fantazjach. Fuseli mobilizuje całą swoją wyobraźnię do tworzenia nadprzyrodzonych stworzeń, które zaludniają obraz. Są interesujące dla oka.

Praca została napisana do dużej galerii obrazów wiersza Miltona stworzonych przez artystę.

Philip James de Lotherbourg (1740-1812). Wizja białego konia. 1798

Philip James de Lotherbourg (znany jako Philippe-Jacques, a także Philip Jacob the Younger) to angielski malarz francuskiego pochodzenia. Studiował w Strasburgu, rodzice przygotowywali go do zostania księdzem luterańskim, ale młodzieniec uparł się, by być artystą, w tym celu wyjechał do Paryża i wkrótce stał się tam sławny. W 1771 roku mistrz przeniósł się do Londynu i przyjął zaproszenie od aktora Davida Garika do pracy jako scenograf dla najstarszych Teatr w Londynie Drury Lane. Na tym polu miał wybitne osiągnięcia.

Ostatnie dziesięciolecia XVIII wieku (epoka Rewolucji Francuskiej, kolejnych wojen i przedsmak zbliżającego się stosunkowo niebawem nowego tysiąclecia) dały impuls do innej interpretacji tematu apokaliptycznego. Artyści zaczęli opracowywać wątki śmierci świata, Sądu Ostatecznego, końca ludzkości. Obraz Lauterburga przedstawia pierwszych dwóch z czterech jeźdźców Apokalipsy - „Zdobywcę” („Spojrzałem, a oto biały koń i jeździec na nim, mający łuk i koronę; i wyszedł zwycięsko i zwyciężył” – Obj. 6:2) i „Wojna” („I inny koń, czerwony, wyszedł; i dano temu, który na nim siedział, aby zabrał pokój z ziemi i aby się nawzajem zabijali, i dano mu wielki miecz” (Obj 6:4). Interpretując tę fabułę, autor wyraźnie oparł się na słynnym rycinie Durera „Czterej jeźdźcy apokalipsy” z jego serii „Apokalipsa”.

William Blake (1757-1827). Nabuchodonozora. 1795-1805

Angielski artysta, poeta, mistyk, wizjoner William Blake studiował w Londynie w Royal Academy of Arts. Na jego formację wpłynęły tendencje narodowego romantyzmu. Pochodzi z bardzo rodzina religijna, on jest z wczesne dzieciństwo wychował w sobie szacunek dla Biblii, której wizerunki posiadały go przez całe życie, stworzył do niej wiele ilustracji, najbardziej oryginalnych w pomysłach, kompozycji i technice. Świat Blake'a zamieszkują postacie fantastyczne, przedstawione w obrazach i zjawiskach wyjątkowych w kontekście sztuki przełomu XVIII i XIX wieku. Blake nie ma odpowiednika w swojej epoce. Właściwie tylko niektóre z tworów surrealistów można porównać z rozbrykaniem jego wyobraźni. W Galerii Tate znajduje się 175 prac artysty.

Możesz zrozumieć obraz Blake'a, jeśli znasz historię Nabuchodonozora w biblijnej Księdze proroka Daniela (4:26-30): królestwo mocą mojej mocy i ku chwale mojej wielkości! usta króla, jak głos z nieba: „Mówią do ciebie, królu Nabuchodonozor: królestwo odstąpiło od ciebie! I odetną cię od ludzi, a twoje mieszkanie będzie z dzikimi zwierzętami; trawa będzie cię żywić jak wół i minie nad tobą siedem razy, aż dowiesz się, że Najwyższy panuje nad królestwem człowieka i daje je, komu chce!” Natychmiast spełniło się to słowo nad Nabuchodonozorem i został ekskomunikowany z ludzi jadł trawę jak wół, a jego ciało było nawadniane rosą z nieba, tak że jego włosy rosły jak lwie, a jego pazury jak u ptaka.

Po siedmiu latach wzniósł oczy ku niebu, wychwalał Wszechmogącego i natychmiast powrócił do swojego dawnego stanu ludzkiego.

Sztuka XIX wieku

Alberta Moore'a. Kwiat. 1881

John Constable (1776-1837). Scena na spławnej rzece. 1816-1817

Ten obraz angielskiego pejzażysty Johna Constable'a znany jest pod drugim imieniem - „Fletford Mill”. Młyn znajdował się w samym centrum regionu, gdzie uprawiano w dużych ilościach kukurydzę, która notabene w czasie wojny z Francją, kiedy Anglia z powodu blokady Napoleona mogła liczyć tylko na własne zasoby żywnościowe , był dochodowym biznesem. Ojciec artysty był zamożny, a ten żywiciel rodziny, stojący nad brzegiem rzeki Stour, w małej wiosce East Bergholt, gdzie urodził się malarz, pojawia się niejednokrotnie na swoich obrazach. W młodości Constable dużo podróżował po okolicy, robiąc szkice i szkice. Według samego autora sceny te „uczyniły z niego artystę, za co jest mu bardzo wdzięczny”.

Duża kłoda w lewym dolnym rogu obrazu to oczywiście jeden z filarów młyna, co tłumaczy ożywienie mieszkańców na brzegu. Barka zostaje odłączona od konia, ponieważ musi teraz wyruszyć.

W jednym ze swoich listów posterunkowy przyznaje, że beztroskie dojrzewanie kojarzy mu się przede wszystkim z rzeką Stour, bo to dzięki niej został mistrzem. W tym krajobrazie środki artystyczne to stowarzyszenie dzieci jest wyrażone. W obrazie panuje rzadki spokój, niemal arkadyjska pogoda bytu, dostępna dla każdego.

Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Jezioro Buttermere z widokiem na Cromacwater w Cumberland. Kabina prysznicowa. 1798

Joseph Mallord William Turner – niedościgniony mistrz romantycznego pejzażu, w istocie w duchu jego malarstwa – impresjonista. W 1871 roku Claude Monet i Camille Pissarro, którzy widzieli jego prace w Londynie, nie mogli uwierzyć, że brytyjski artysta, kilkadziesiąt lat przed paryskimi impresjonistami, zdołał przewidzieć ich stylistyczne poszukiwania. Galeria Tate posiada największą kolekcję prac Turnera wraz z rysunkami, szkicami i szkicami - 4187.

Impulsem do napisania obrazu był wiersz szkockiego poety Jamesa Thomsona „Wiosna”:

Pochylając się na zachód, pojawia się słońce
Tak olśniewający - i szybki blask
Uderza prosto w góry - i z żółtej mgiełki
Odlatuje, pędząc w nieskończoność
Łuk powietrzny, kwitnące kolory.
Malarstwo angielskie i literatura XVIII wieku dają wiele powodów do porównywania śpiewanych w nich obrazów. Filozofowie brytyjscy stworzyli nową, swoistą koncepcję „wzniosłości”: jest ona niejednorodna. W krajobrazach można wyróżnić dwa jego typy: pierwszy jest warunkowo nazywany „przerażająco wzniosłym”, związanym z burzami i katastrofami, drugi – „naturalnym wzniosłością” – zwraca się ku spokojniejszym stanom natury. Tu Turner zmienił pewne szczegóły iw istocie zmienił poetycki obraz, u Thomsona jest przykładem pierwszego, u malarza jest bardzo dramatyczny. Autor lubił przedstawiać naturę z obsesją na punkcie żywiołów. Jego rysunek przygotowawczy, wykonany rok wcześniej podczas podróży na północ Anglii, brzmi: „Czarny”. Turner nadal będzie dostarczał do swoich obrazów uwagi, których celem jest wzbudzenie w widzu podziwu i lęku przed wielkością i siłami natury.

Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Śnieżyca Hannibal i jego armia przemierzają Alpy. 1812

Obraz należy do początków kariery Turnera, jest jednym z najbardziej odważnych i znaczących dzieł młodego malarza. Fabuła oparta jest na historii starożytnego rzymskiego historyka Tytusa Liwiusza o bitwie Kartaginy Hannibala z lokalnymi plemionami podczas przeprawy przez Alpy do Włoch w 218 p.n.e. mi. Turner na miejsce akcji wybrał Dolinę Aosty, którą odwiedził podczas swojej podróży w 1802. Bitwa, ukazana z pewnego szczytu, toczy się przez płótno, uderzona niesamowitą burzą oddala się, jedna z na horyzoncie widać legendarne słonie armii Hannibala. Malarz jest mistrzem w przedstawianiu działań na dużą skalę. Niepewność spowodowana rozmyciem konturów tworzy obraz niezwykle wysublimowany.

Pierwszemu pokazowi obrazu w Royal Academy of Arts w Londynie towarzyszyła publikacja wiersza Turnera The Deceitfulness of Hope. Zawiera następujące wiersze:

<…>lider wygląda
Nie mogę się doczekać zanikającego zachodu słońca
Gdzie jest skraj włoskich wiatrów
Wytnij rok na krawędzi.
Co ich czeka, przesiąknięte krwią skały
A osuwiska za kamienną pustynią?
Wyobraził sobie: tłuste równiny Kampanii.
Wiatr wył: Capua kusi trucizną!
„Odpowiedź” wiatru odnosi się do opisu Liwiusza o późniejszym upadku armii Hannibala, ponieważ obfite życie na włoskim płaskowyżu podważało moralną i fizyczną siłę żołnierzy.

Obraz daje kolejną aluzję - do Napoleona Bonaparte: dwa lata przed stworzeniem płótna Turner zobaczył dzieło Jacques-Louis Davida „Napoleona na przełęczy św. Bernarda”, w którym pierwszy konsul jest przedstawiony w formie nowoczesny Hannibal. Tak więc dzieło Turnera nawiązuje do najazdu Napoleona na Alpy Tyrolskie, zostało napisane w szczytowym momencie wojny z Francją. Przedstawiona burza śnieżna, wraz z poetyckim ostrzeżeniem, może być postrzegana jako symbol i zapowiedź upadku ambicji zarówno Kartaginy, jak i napoleońskiej Francji.

Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Bay Bay z Apollo i Sybillą. 1823

Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Bay Bay z Apollo i Sybillą. 1823 (szczegóły)

Turner pokazał ten obraz w Royal Academy of Arts w Londynie w tym samym roku, w którym go ukończył. Tymczasem prace nad nim podobno były prowadzone wcześniej, a płótno stało się swego rodzaju efektem pierwszej podróży autora do Włoch jesienią 1819 roku. Następnie odwiedził Wenecję, Neapol, Florencję i Rzym, gdzie pod patronatem z Canovy został wybrany członkiem honorowym Akademii św. Łukasza.

Turner urzekły widoki Włoch. Świadczy o tym nie tylko sam obraz, ale także wpisane na nim łacińskie motto z ody Horacego „Do Calliope”: „Seu liquidae placere Baiae” („pociąga mnie wybrzeże il Baiy”).

Choć, zgodnie z tytułem pracy i wypowiedziami historyków sztuki, przedstawia się tu Zatokę Bajską, dość oczywiste jest, że obraz jest romantycznym wyidealizowanym pejzażem i przypomina podobne pejzaże autorstwa C. Lorraina. Znana jest zabawna historia: młodszy współczesny Turnerowi, artysta George Jones, rozmawiał o obrazie z podróżnikiem, który niedawno odwiedził wybrzeże Baisky Bay. Stwierdził, że „połowa sceny była po prostu fikcyjna”. Wtedy oburzony kolega napisał na ramce: „Splendide mendax” (z łac. „genialne kłamstwo”). Turner bawił się i długo nie usuwał tego napisu.

Na tym płótnie Baysky Bay stała się tłem dla historii Apolla i Kuma Sibyl. Fabuła powraca do Metamorfoz Owidiusza. Opowiada, jak Apollo zakochał się w Sybilli z Cum w północnych Włoszech. Bóg ją oszukał, obiecując przedłużyć jej życie o tyle lat, ile jest ziarn prochu w garstce prochu. I chociaż mu odmówiła, Apollo dotrzymał słowa i obdarzył ją długowiecznością, ale nie dał wiecznej młodości. Była więc skazana na wieki istnienia w postaci zgrzybiałej staruszki. Sybilla, młoda kobieta, jest przedstawiona siedząca przed Apollem. Jej złożone dłonie są pełne kurzu. Bóg siedzi przed nią na kamieniu, jedna z jego rąk spoczywa na lirze. Ta fabuła jest dość późna, po raz pierwszy pojawiła się w XVII wieku.

Joseph Mallord William Turner (1775-1851). Burza na morzu. około 1840

Chociaż Turner z pewnością był mieszkańcem miasta, zawsze ciągnęło go do morza. Od początku lat 30. XIX wieku stale odwiedzał Margate, miasto na wybrzeżu w hrabstwie Kent. Tutaj artysta wykonał wiele szkiców widoków morza w różnych porach: cisza, fale, burze, w dzień, o zachodzie słońca…

W obrazach autora zadziwia i zachwyca zarówno sam pomysł, jak i umiejętność jego realizacji. Jeśli chodzi o pomysł, widz zawsze „słyszy” w swoich pejzażach, zwłaszcza morskich, pewien romantyczny motyw, który zdaje się wylewać z najgłębszych i najbardziej intymnych zakamarków. ludzka dusza. Wydaje się, że krajobraz Turnera dosłownie coś mówi, inspiruje... Porywa widza, czyni go wspólnikiem, wsłuchuje się w zew natury.

Fascynację malarza pejzażami przedstawiającymi sztormową pogodę tłumaczy zainteresowanie tematem wzniosłości. Nieustannie wspomina potęgę natury, przedstawiając morze jako piękny i jednocześnie przerażający żywioł. Dla Turnera ocean był tłem, na którym rozgrywała się akcja, rozgrywał się dramat. Jest to szczególnie widoczne, gdy czynnik ludzki zostaje rzeczywiście wprowadzony do obrazu, na przykład w postaci wraku statku. Ale nawet na tym płótnie, gdzie przekazywane są tylko elementy, wyczuwa się możliwość takiej katastrofy.

Dzięki niemal monochromatycznej gamie ciemnych tonów, mistrz przedstawia gęstą kurtynę chmur burzowych. Wydaje się, że używa tutaj tej samej metody, którą stosował przy tworzeniu podobnych rysunków na papierze: rysuje grzbiety fal sztormowych i usuwa niewielką ilość farby opuszkami palców, aby wyraźniej oddać załamania fali.

Koniec pierwszej części

Największym kompleksem jest Tate Gallery w Londynie muzea sztuki. W ich murach znajdują się arcydzieła sztuki brytyjskiej od 1500 roku do chwili obecnej.

Pod koniec ubiegłego wieku zbiory muzeum stały się tak ogromne, że zabrakło już miejsca na ich przechowywanie (nie wspominając o ekspozycji). W efekcie kolekcja została podzielona na dwie części: nowoczesne malarstwo(w rozumieniu kuratorów to wiek XX) stał się osobną galerią „Tate Modern” i brytyjską „Tate Britain”.

Galeria Tate Britain jest angielskim odpowiednikiem naszej.

Galeria została założona w 1897 roku przez Sir Henry'ego Tate.(jest wynalazcą rafinowanego cukru i waty cukrowej). Kolekcja muzeum powstała dzięki South Kensington Museum oraz prywatnym kolekcjom malarstwa. Ich właściciele postanowili przekazać kolekcję obrazów państwu.

Osobliwości

Kolekcja obrazów w galerii „Tate Britain” jest ściśle uporządkowana. Każdy okres ma swoje sekcje tematyczne. Raz w roku zmienia się zestaw tematów, co wzbudza zainteresowanie i intrygę. Głównymi eksponatami muzeum są obrazy prerafaelitów (nurt w malarstwie angielskim drugiej połowy XIX wieku) oraz płótna lotnicze Turnera, które niestety nie są prezentowane w naszym kraju.

"Tate Modern" zajmuje teren dawnej elektrowni, jej budynek jest pełnoprawnym obiektem artystycznym. W jego ścianach można obejrzeć obrazy Dalego, Matisse'a, Kandinsky'ego i Picassa. Tutaj także eksponaty zawieszone są według tematów, tyle że nie historycznych, ale bardziej abstrakcyjnych: „Rzeczy w ruchu”, „Poezja i sny”, „Znaczące zmiany”.