Wiek XX naznaczony był wieloma innowacjami w sztuce i literaturze, związanymi z katastrofalnymi zmianami w świadomości społecznej podczas rewolucji i wojen światowych. Nowe warunki rzeczywistości społecznej wpłynęły na całą kulturę artystyczną jako całość, z jednej strony dając nowy oddech tradycji klasycznej, z drugiej dając początek nowej sztuce - AWANGARDYZM (z francuskiego awangardy i oddziału gwardii), lubMODERNIZM(z łac. modernus - nowy, nowoczesny), najpełniej oddający oblicze czasu. W istocie termin „modernizm” odnosi się do: trendy artystyczne, trendy, szkoły i działania indywidualnych mistrzów XX wieku, którzy głosili wolność wypowiedzi jako podstawę swojej metody twórczej.
Kultura artystyczna doświadczyła wspaniałego rozpadu na skrajnie różne ruchy, bezprecedensowe do tej pory.
W tych burzliwych i licznych ruchach artystycznych można wyróżnić kilka głównych: fowizm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm, futuryzm, kubizm, surrealizm, puryzm, orfizm, konstruktywizm.
Z punktu widzenia znaczenia kulturowego i historycznego wśród nurtów i artystów awangardy znajdują się zarówno światowe, jak i wąskie lokalne. Do tych globalnych, które dramatycznie wpłynęły na przebieg i rozwój kultura artystyczna, obejmują sztukę abstrakcyjną, dadaizm, konstruktywizm, surrealizm, konceptualizm, twórczość Picassa w sztukach wizualnych; dodekafonia i aleatoryka w muzyce; Joist Proust, Chlebnikow w literaturze.
Awangardyzm to rozluźnienie i zniszczenie tradycyjnych norm i zasad estetycznych, form i metod artystycznego wyrazu orazotwarcie możliwości nieograniczonych innowacji w tej dziedzinie, często opartych na najnowszych osiągnięciach nauki i techniki, otworzyło drogę do przejścia kultury artystycznej do nowej jakości. Pod względem wartości artystycznej i estetycznej już dziś widać, że większość jej przedstawicieli tworzyła prace ulotne, które miały wartość czysto eksperymentalną. Tym samym awangarda spełniła swoją funkcję w nowej kulturze europejskiej iw zasadzie zakończyła w latach 60. i 70. swoją egzystencję jako swego rodzaju zjawisko globalne. Jednak to awangarda dała początek największym postaciom XX wieku, które weszły już do historii sztuki światowej: Kandinsky, Chagall, Malewicz, Picasso, Matisse, Modigliani, Dali, Joyce, Proust, Kafka, Eliot , Ionescu, Le Corbusier i wielu innych.
Awangarda muzyczna najczęściej odwołuje się do tzw. muzyki konkretnej, opartej na swobodzie harmonii tonalnej, a nie na szeregach harmonicznych: sonoryzm, muzyka elektroniczna.
Pierwsze poszukiwania w tym kierunku podjął na początku XX wieku rosyjski kompozytor A.N. Skriabin.
Obecnie do muzycznej awangardy należą najwięksi kompozytorzy wielu krajów – K. Stockhausen, J. Xenakis, P. Boulez, L. Nono, D. Cage, D. Ligeti, H. V. Hen, L. Berno, K. Pendereckiego.
Trudność wykonania, brak melodii, nowatorski język muzyczny kompozytora, niedostępność percepcji, kakofonia – to tylko niektóre z postulatów związanych z muzyką XX wieku. Łamanie tradycji i agresywnie nowatorskie trendy były charakterystyczne nie tylko dla muzyki, ale dla wszystkich gatunków sztuki w ogóle. Jednak wspólną bezwarunkową cechę trendów muzycznych stulecia można śmiało nazwać różnorodnością: różnorodność nurtów, stylów i języka, które wzbogaciły sztuka muzyczna końca drugiego tysiąclecia i uczyniła z niego jedno z najbardziej ekscytujących i niezwykłych zjawisk.
Sztuka muzyczna XX wieku pełna jest nowatorskich pomysłów. Oznacza fundamentalną zmianę we wszystkich aspektach języka muzycznego. W XX wieku muzyka często służyła jako źródło do ukazywania straszliwej epoki wydarzenia historyczne, których świadkami i rówieśnikami była większość wielkich kompozytorów tej epoki, którzy stali się innowatorami i reformatorami. Nosicielami tych nowatorskich trendów byli tacy kompozytorzy jak Arnold Schoenberg, Paul Hindemith, Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Anton Webern, Karlheinz Stockhausen. Jedna z cech języka muzycznego lat dwudziestych. nowego stulecia było odwołaniem się do zasad myślenia muzycznego i gatunków charakterystycznych dla epoki baroku, klasycyzmu i późnego renesansu. Neoklasycyzm stał się jedną z opozycji do tradycji romantycznej XIX wieku, a także do ruchów z nią związanych (impresjonizm, ekspresjonizm, weryzm itp.). Ponadto wzrosło zainteresowanie folklorem, co doprowadziło do powstania całej dyscypliny - etnomuzykologii, która bada rozwój folkloru muzycznego i porównuje procesy muzyczne i kulturowe między różne narody pokój.
Upadek zasad estetycznych XIX wieku, kryzys polityczny i ekonomiczny początku nowego wieku, co dziwne, przyczyniły się do powstania nowej syntezy, która doprowadziła do przeniknięcia innych rodzajów sztuki do muzyki: malarstwa , grafikę, architekturę, literaturę, a nawet kinematografię. Jednak ogólne prawa strukturalne i harmoniczne, które dominowały w praktyce kompozytorskiej od czasów J.S. Bacha, zostały naruszone i przekształcone.
Wiek XX był wiekiem różnorodności. Ale nie wszystkie dzieła tego stulecia miały wyraźnie awangardowy charakter. Wielu kompozytorów dążyło w swojej twórczości do kontynuacji romantycznych tradycji z przeszłości (S. V. Rachmaninow, Richard Strauss) lub szukało inspiracji w epoce klasycyzmu i baroku (Maurice Ravel, Paul Hindemith, Jean Louis Martinet). Niektórzy zwracają się do początków starożytnych kultur (Carl Orff) lub całkowicie na nich polegają Sztuka ludowa(Leos Janacek, Bela Bartok, Zoltan Kodai). Jednocześnie kompozytorzy aktywnie kontynuują eksperymentowanie w swoich kompozycjach i odkrywają nowe aspekty i możliwości języka harmonicznego, obrazów i struktur.
Ucieleśnienie nowych idei w muzyce nie zawsze było przez publiczność odbierane z entuzjazmem. Tradycja klasyczna wprowadziła słuchacza w oszałamiający świat przepychu, harmonii z doskonałym systemem tonalnym. Pojawienie się alternatywnego brzmienia, odzwierciedlonego w manierze niesamowitego zestawienia instrumentalnego i barwy, nie zawsze było odpowiednio odbierane. Niewątpliwymi poprzednikami nowych nurtów w muzyce współczesnej byli Richard Wagner, Gustav Mahler i Claude Debussy, którzy w swojej twórczości umieścili niemal wszystkie podstawowe zasady muzyki XX wieku. Igor Fiodorowicz Strawiński, Bela Bartok i Arnold Schoenberg - to triada nowatorskich kompozytorów, których twórczość stała się podstawą wszystkich kultura muzyczna wieku, a przede wszystkim dla ich uczniów - Albana Berga, Antona Weberna, S. S. Prokofiewa, D. D. Szostakowicza, Paula Hindemitha.
Krótki opis wiodących nurtów muzycznych i ich wybitnych przedstawicieli.
późny romantyzm.
Początek XX wieku (1900-1910) minął pod znakiem ostatniego rozkwitu i jednocześnie kryzysu romantycznej kultury muzycznej. Jej oznaki są szczególnie widoczne w kulturze austro-niemieckiej, historycznym centrum muzycznego romantyzmu. Richard Strauss (1864-1949), Gustav Mahler (1860-1911).
W muzyce R. Straussa i G. Mahlera widzimy ostatni przejaw wysublimowanego, heroicznego stylu, ściśle związanego z tradycjami XIX wieku: symfonie L. van Beethovena, pieśni i kompozycje instrumentalne F. Schuberta, poematy symfoniczne F. Liszta, dramaty muzyczne R. Wagnera. Zarówno Strauss, jak i Mahler zasłynęli mistrzowskim, pomysłowym wykorzystaniem ogromnej późnoromantycznej orkiestry symfonicznej. Dzieło tych kompozytorów początku wieku to genialna galeria romantyczni bohaterowie- jasny, trochę narcystyczny. W tym samym czasie R. Strauss w swojej operze „Salome” na podstawie sztuki Oscara Wilde'a o tym samym tytule otwiera całą galerię szczerze złośliwych postaci - bohaterów muzyki początku XX wieku.
Zgodnie ze staroromantyczną tradycją R. Strauss i G. Mahler w swoich pracach przeciwstawiają wyidealizowany świat ich dusz (i świat dusz ich bohaterów) wulgarności i bezwładności życia drobnomieszczańskiego i estetyki burżuazyjnej, hipokryzja moralności publicznej. Jednak wiara wnajwyższe ideały są z wielkim trudem przekazywane wielu artystom tego czasu - w duchowym świecie bohaterów zamiast czystych i wzniosłych uczuć odnajdują się niskie namiętności, bolesne lęki i fantazje, przerażenie, beznadziejność. Muzyczny obraz otaczającej rzeczywistości nabiera jawnie groteskowego charakteru (dzięki wprowadzeniu „fałszywie” brzmiących harmonii, prymitywnie wulgarnych rytmów, nieharmonijnych, ostrych brzmień instrumentów itp.). Wyidealizowana szczerość romantycznej muzyki zostaje zastąpiona przerażającymi i szokującymi rewelacjami, często o charakterze erotycznym. Artysta odsłania sekrety swojego życia wewnętrznego, które zwykle są ukryte.
Nieprzypadkowo muzyka tego rodzaju rozkwita w Wiedniu na początku XX wieku. To tutaj wielką popularność zyskała psychoanalityczna teoria Zygmunta Freuda. Sesja psychoanalityczna stała się sposobem poznania prawdy, najskrytszych tajemnic duszy i bytu. Późnoromantyczny artysta jest postacią mistyczną, twierdzi, że jest prorokiem, a jego przepowiednie mają często ponury, apokaliptyczny charakter. Pasja do spirytualizmu, nauk okultystycznych, w tym wschodnich, filozofii mistycznej jest również bardzo charakterystyczna dla artystów tego typu historycznego.
Zanotowane cechy przejawiały się w różny sposób i w różnym stopniu w twórczości kompozytorów starszego pokolenia (R. Strauss, G. Mahler) i młodszego (tzw. szkoła wiedeńska: A. Schoenberg i jego uczniowie A. Berg i A. Webern).
Ekspresjonizm.
Arnold Schoenberg (1874-1951) stał się jednym z kompozytorów, którzy radykalnie wpłynęli na nurty muzyczne XX wieku. Jego pierwsze utwory to sekstet smyczkowy „Enlightened Night” (1899) oraz poemat symfoniczny„Pelleas et Mélisande” (1903) wciąż nosi w sobie tendencje postromantyzmu.
Miniony wiek, niefortunny i piękny, poddał ludzkość najtrudniejszym próbom, ale też obdarzył ją niesamowitymi skarbami. XX wiek to epoka rewolucji naukowej i technologicznej. Wiek XX to także wspaniały start sztuki, genialny rozkwit wielu szkół narodowych, cała plejada genialnych artystów.
Wiele dzieł napisanych w XX wieku jest dość skomplikowanych. Ich pełna percepcja wymaga od słuchacza wysokiej kultury muzycznej i szerzej artystycznej. Wniknięcie w koncepcję dzieł współczesnych, zrozumienie, co martwiło ich autorów, do czego dążyli, jest możliwe tylko poprzez zapoznanie się z ewolucją, jaką przeszła sztuka muzyczna w ciągu swojej długiej historii, po przestudiowaniu różnych kierunków i szkół, stylów i technik kompozycji.
Kultura muzyczna przełomu XIX i XX wieku to jeden z tzw. punktów zwrotnych w historii. Rozważając ten okres w historii muzyki obcej, ponownie nabieramy przekonania, że współistnieją w nim rzeczywiście różne cykle kulturowo-historyczne.
Z jednej strony pod koniec XIX w. twórczość kompozytorów, którzy doszli do głosu w połowie lub w ostatniej tercji wieku, oparta na tradycyjne fundamenty sztuki muzycznej i ściśle związane z dziedzictwem ich poprzedników. Takimi kompozytorami byli Vincent d, Andy i Gabriel Fauré, Włoch Giacomo Puccini, Niemiec Max Reger, Anglik Vaughan Williams, Czech Leos Janachek, Norweg Edvard Grieg, Fin Jan Sibelius, Duńczyk Carl Nielsen...
Wszyscy ci kompozytorzy rozwinęli – oczywiście każdy na swój sposób – tradycje swoich wielkich poprzedników. Niektórzy kontynuowali linię narodowo-romantyczną, ściśle związaną z nową realizacją folkloru, epopei ludowej. W innych dominował pogłębiony psychologizm, odwoływanie się do duchowego świata współczesnego człowieka.
Czasami próbowali scharakteryzować artystów takiego magazynu jako „konserwatystów”, „tradycjonalistów”. Jednak, jak powiedział poeta, „nie można zobaczyć twarzą w twarz. Wielkie widać z daleka…”. Z dystansu minionych dziesięcioleci coraz wyraźniej zarysowują się cechy nowatorstwa muzycznego kompozytorów należących do tej „gałęzi” w sztuce przełomu XIX i XX wieku. Ich poszukiwanie czegoś nowego nie miało radykalnego charakteru, niemniej jednak są one odczuwalne w figuratywnej strukturze kompozycji, w środkach muzycznego wyrazu. Nowatorskie aspiracje łączą się w takich autorach organicznie z niezmiennym pociągiem do tradycyjnej wielkoformatowej formy muzycznej, do tradycyjnej logiki powiązań funkcjonalno-harmonicznych.
Z drugiej strony w tych samych latach do głosu dochodzą nieznani dotąd młodzi muzycy, dzięki którym często pojawiają się nowe nurty artystyczne, uderzające współczesnych swą niezwykłością, która ukształtowała się właśnie na przełomie wieków. We Francji takimi muzykami byli Claude Debussy i Maurice Ravel, w Niemczech Richard Strauss, w Austrii Gustav Mahler, w Polsce Karol Szymanowski, w Hiszpanii Manuel de Falla. Nowość i świeżość myśli zrodziła nowy system obrazów, nowe formy i środki muzycznej ekspresji.
Ważnym czynnikiem rozwoju kultury muzycznej były największe osiągnięcia postępu technicznego. Niektóre z nich – radio, kino, nagrania – otworzyły najbogatsze możliwości rozwoju sztuki i jej szerokiego upowszechnienia w społeczeństwie.
Intensywny rozwój myśli filozoficznej wywarł również zauważalny wpływ na ewolucję sztuki muzycznej. Jednym z władców myśli europejskiej inteligencji artystycznej był niemiecki filozof Artur Schopenhauer.
Świat z jego punktu widzenia był wytworem wszechpotężnej „woli świata”, z którą jednostka nie jest w stanie walczyć. W swojej książce Świat jako wola i reprezentacja Schopenhauer podkreślił specjalne znaczenie muzyka, która jest bardziej niezależna od realiów życia niż inne formy sztuki.
Nieco później ogromne wpływy zyskały idee innego niemieckiego filozofa, Fryderyka Nietzschego. W przeciwieństwie do Schopenhauera, który uważał, że „wola życia” oddzielna osoba bezsilny wobec wszechpotężnej „woli świata” Nietzsche głosił „wolę mocy”, którą powinien być obdarzony naród wybrany, górujący nad tłumem. Twórczy indywidualizm, arystokratyczny wybranizm - to główne postulaty Nietzschego, którego bohaterem nauczania jest „superczłowiek”, pozbawiony uczuć tkwiących w zwykłych ludziach.
Kult intuicji, wewnętrznej kontemplacji jest charakterystyczny dla ówczesnych koncepcji filozoficznych.
Tego rodzaju koncepcje filozoficzne wpłynęły oczywiście na twórczość pisarzy, artystów, muzyków i przyczyniły się do powstania na przełomie wieków różnych ruchów artystycznych zaliczanych do modernizmu. Termin ten pochodzi od francuskiego słowa modern – nowy, nowoczesny. Niekiedy nowe nurty w sztuce przełomu XIX i XX wieku nazywano dekadencją (od francuskiego słowa dekadencja - schyłek), co odzwierciedlało często spotykany negatywny stosunek do nich.
Zgodnie z figuratywną strukturą, stylem, nazwami - symbolika, impresjonizm, ekspresjonizm - szybko się zastępują, a czasem istniejąc w tym samym czasie, kierunki były różne, czasem wręcz przeciwstawne. Było jednak kilka wspólne cechy, co jest naturalne, bo były produktem z tej samej epoki.
Zwykle nowe trendy pojawiały się najpierw w literaturze lub sztukach plastycznych, a następnie nabierały pewnego rodzaju załamania w muzyce. Jednym z tych trendów był operowy weryzm. I chyba najbardziej wpływowym wśród nowych kierunków przełomu wieków był impresjonizm, którego kolebką była Francja. Nazwa „impresjonizm” pochodzi od francuskiego słowa wrażenie – wrażenie. Za datę jego powstania uważa się rok 1874, kiedy to odbyła się pierwsza wystawa grupy artystów otwarcie przeciwstawiających się Akademii Malarstwa i Rzeźby w Paryżu. Do tej grupy należeli Edouard Manet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Paul Cezanne, Georges Seurat, Vincent van Gogh, Alfred Sisley, Paul Gauguin i Henri Toulouse-Lautrec. Ale nazwa nowego kierunku pochodzi od obrazu Claude'a Moneta „Impresja”.
Do czego dążyli ci artyści? Aby pokazać otaczający świat w całej jego oryginalności, zmienności, mobilności. Aby jak najpełniej i rzetelnie przekazać swoje bezpośrednie, czasem nawet ulotne wrażenia i doznania z percepcji zjawisk przyrodniczych, konstrukcji architektonicznych, ludzi, zwierząt.
W ostatniej dekadzie XIX wieku kompozytorzy zwrócili się ku życiorysom zaczerpniętym z realistycznej literatury epoki. Zanim na scenie pojawił się Giacomo Puccini (1858-1924), weryzm nie osiągnął jeszcze swojej dojrzałości. Jego opery, takie jak Manon Lescaut (1893), Cyganeria (1896), Tosca (!900), Madama Butterfly (1904), należą do najbardziej przenikliwych i wzruszających oper włoskiego weryzmu.
W sztuce muzycznej najjaśniejszym przedstawicielem tego nurtu był Claude Debussy (1862-1918). Niewątpliwie wielki wpływ wywarli na niego artyści impresjonistyczni, z niezwykłą umiejętnością uchwycenia niesamowitych krajobrazów, ruchu chmur, gry światła i cienia, wylewu wody, samego powietrza Francji, teraz przejrzystej i klarownej, piękne katedry i wały z mgłą.
W nie mniejszym stopniu uchwyciły go wiersze francuskich symbolistów - Charlesa Baudelaire'a, Paula Verlaine'a, Stefana Mallarmégo. Cykl wokalny Debussy'ego „Zapomniane Ariettes” został napisany na wersach Verlaine'a z podtytułem, który ujawnia związek muzyki tego kompozytora nie tylko z poezją, ale także z malarstwem: „Piosenki, belgijskie pejzaże i akwarele”.W cyklu znajdują się takie prace jak „Ekstaza”, „Łzy mego serca”, „Cień drzew”, „Zielony”, „Drewniany koń”, „Śledziona”. W tych samych latach 80. stworzył „Pięć wierszy” na podstawie wierszy Charlesa Baudelaire'a: „Balkon”, „Wieczorna harmonia”, „Gra wody”, „Myśl”, „Śmierć zakochanych”.
Wyrafinowanie, poezja, wyrafinowanie - to główne cechy stylu Debussy'ego. Jest często nazywany mistrzem półtonów.
Doświadczywszy wpływów kompozytorów rosyjskich (zwłaszcza Musorgskiego, Rimskiego-Korsakowa) i Wagnera, Debussy zaczął tworzyć oryginalny, oryginalny styl. W utworach orkiestrowych – „Popołudnie Fauna”, „Nokturny”. „Obrazy”, „Morze”, w operze „Pelleas et Melisanda”, w utworach fortepianowych, wśród których centralne miejsce zajmują dwie księgi preludiów, kompozytor odegrał rolę błyskotliwego innowatora, wprowadzającego słuchaczy w nowy, niezwykły dla im, o najdelikatniejszych odcieniach dźwiękowych barw, nieoczekiwanych plamach dźwiękowych. Oszałamiające odkrycia barwy, naturalna recytacja wokalna.
Osobliwość stylu muzycznego Debussy'ego polegała w dużej mierze na nowatorstwie jego języka harmonicznego. W jego utworach bardzo często pojawiają się oryginalne, dalekie od tradycyjnych sekwencji akordowych współbrzmienia i ich kombinacje. Łamiąc prawa grawitacji niestabilnych dźwięków i harmonii, które przez wieki rozwinęły się w stabilne, wydają się „wisieć” w powietrzu.
Równie niezwykła jest orkiestracja jego kompozycji – transparentna, „koronkowa”. Dla Debussy'ego „czyste” barwy są bardzo typowe, gdy melodię wykonuje jeden instrument – powiedzmy flet lub klarnet. Kompozytor często ucieka się do dziwacznych, przytłumionych dźwięków, na tle których niespodziewane jasne „wybuchy” pojawiają się i znikają dosłownie w jednej chwili.
I niesamowita atmosfera dźwiękowa charakterystyczna dla Debussy'ego, która budzi skojarzenia z obrazami Claude'a Moneta, Alfreda Sisleya... Nic dziwnego, że jedno z preludiów fortepianowych Debussy'ego nosi tytuł „Dźwięki i aromaty w wieczornym powietrzu”.
Nawiasem mówiąc, muzyka fortepianowa kompozytora jest również pełna znalezisk i odkryć - są to preludia, których nazwy są niezwykle poetyckie (na przykład „Dziewczyna z włosami koloru lnu”, „Taras oświetlony światłem księżyca”, „Wróżki są urocze tancerki"), "Kącik dla dzieci", "Grafiki", "Suite Bergamo", "Wyspa radości" i "Obrazy" i wiele innych
Jak Debussy, Maurice Ravel(1875-1937) wielokrotnie określany jako muzyk impresjonistyczny. Pomimo tego, że istniał wpływ jednego na drugiego, styl Ravela staje się całkowicie osobisty i oryginalny.
Słuchając utworów orkiestrowych Ravela – „Hiszpańska Rapsodia”, poematu choreograficznego „Walc”, genialnego, znanego na całym świecie „Bolero”, baletu „Daphnis i Chloe”, zachwycającego cyklu fortepianowego „Reflections” i spektaklu „Gra Woda”, rozumiesz, że harmonijny język ich twórcy stał się znacznie ostrzejszy i bardziej cierpki w porównaniu z tym, co charakteryzuje twórcę „Morza” i „Pelleas et Mélisande”.
Ravel wyróżnia się także szczególną miłością do muzyki hiszpańskiej, co nie jest przypadkowe. Urodzony w 1875 roku w Sibourevo we francuskiej Hiszpanii, Ravel odziedziczył po swoim ojcu, szwajcarskim inżynierze, miłość do muzyki i różnych urządzeń mechanicznych, ucieleśnioną w jego pasji do zegarków, a po matce (Basque) jego pociąg do Hiszpanii, źródła inspiracja do wielu przyszłych prac. Nie bez powodu w jego spuściźnie znalazły się nazwane już „Hiszpańska Rapsodia” na orkiestrę i operę „Godzina hiszpańska”, utwór na dwa fortepiany „Habanera” oraz cykl wokalny „Don Kichot Dulcyne”.
W tym samym czasie Ravel był również pod wpływem muzyki rosyjskiej - twórczości Musorgskiego. Bałakiriew, Borodin i być może zwłaszcza Rimski-Korsakow. Wśród tych, z którymi rozmawiał kompozytor, byli Strawiński i Diagilew, Niżyński i Fokine.To właśnie Fokine skłonił Ravela do stworzenia baletu na temat antyczny. Tak powstał balet Daphnis i Chloe, który stał się jednym z najwyższych osiągnięć kompozytora.
Ravel posiada również ilustracje muzyczne napisane na fortepian na 4 ręce, a następnie zaaranżowane na orkiestrę do bajek dla dzieci pod ogólnym tytułem „Opowieści o Matce Gęsi”: „Pavan of the Sleeping Beauty”, „Thumb Boy”, „Princess Brzydula ”, „Magiczny ogród”.
Nowatorski dar Ravela wyraźnie ujawnił się także, gdy zwrócił się ku gatunkom klasycznym, gdyż w jego spuściźnie znalazły się sonatyna, kwartet, trio i dwa słynne koncerty fortepianowe, co świadczy o tym, że ich twórcą był genialny pianista. Nienaganne opanowanie przez kompozytora wszystkich tajników sztuki fortepianowej ujawniło się w suicie Gaspard w nocy, w której muzycznie ucieleśnione zostały wizerunki dzieła Aloysiusa Bertranda o tym samym tytule, oraz w cyklu fortepianowym Grób Couperina, w którym Ravel zapłacił hołd nie tylko Couperinowi, ale całej muzyce francuskiej XVIII wiek.
Od modernizmu po minimalizm XX wiek był skarbnicą muzycznych dokonań, o których nie odważylibyśmy się marzyć na samym początku. Dziś muzyka nie jest mylona z tematami wojny, dyskryminacji rasowej, seksu i polityki; tak jak te tematy wpływają na globalną kulturę, stają się tym, co definiuje muzykę współczesną.
Oczywiście wśród takich nazwisk jak Sibelius, Bartok, Rostropowicz, Ligeti, Janacek i wielu innych trudno wybrać tylko 10 i zdecydować, kto jest najlepszy, ponieważ każdy z wymienionych mistrzów stworzył niepowtarzalne dzieła, które zaskakują, zachwycają i dotykają publicznie we wszystkich krajach. Podjęliśmy jednak ryzyko wyboru dziesięciu geniuszy, którzy naszym zdaniem zrobili to najlepiej.
Arnolda Schönberga
Kompozytor, któremu udało się złamać harmonię muzyki zachodniej i na zawsze zmienić brzmienie muzyki klasycznej. Sam muzyk często porównywał się z pionierami Arktyki - ludźmi, którzy nieustraszenie, a czasem beznadziejnie szli naprzód, by nieść światu nową wiedzę. Arnold Schoenberg jest twórcą technologii seryjnej kompozycja muzyczna i pierwszy kompozytor ekspresjonistyczny. Autor dwóch symfonii kameralnych oraz opery „Mojżesz i Aaron” stał się podstawą nowej wiedeńskiej szkoły kompozytorskiej.
Igor Strawiński
Nie sposób przecenić wpływu tego genialnego kompozytora na współczesną muzykę. Jego pomysły, przemyślenie tonacji i harmonii, wolność od reguł i połączenie niestosownych elementów wpłynęły nie tylko na muzykę klasyczną, ale także na jazz, rock, blues itp. Oprócz jego wspaniałych dzieł, wśród których znalazły się balety „Ognisty ptak” , „Święto wiosny” i „Pietruszka”, Strawiński słynie z niezwykłego podejścia do przemyślenia własnej muzyki, a także muzyki innych kompozytorów, motywy ludowe i pieśni kościelne. Na przykład hymny katolickie z tekstami łacińskimi do muzyki odpowiednich pieśni prawosławnych.
George Gershwin
Kompozytor, który przez całą swoją karierę był oskarżany przez krytyków populizmu o „odciążenie” muzyki klasycznej i łączenie jej z popkulturą. Rzeczywiście, muzyka Gershwina miała ogromny wpływ na jazz i była niezwykle popularna wśród zwykłych ludzi. Jego bluesowa rapsodia wywróciła do góry nogami postrzeganie klasycznej kompozycji muzycznej i pokazała, co potrafi fortepian i orkiestra. Pomimo krytyki ze strony kolegów Gershwin nadal niósł swoją kontrowersyjną i piękną muzykę do mas, które pozostały mu wierne.
Książę Ellington
Jeden z najbardziej produktywnych kompozytorów XX wieku Edward „Duke” Ellington nie widział granic gatunków muzycznych i stworzył niemożliwe. W rzeczywistości twórczość Ellingtona jest rodzajem szkoły jazzowej, ponieważ to on zaczął pisać muzykę, uwzględniając potencjał improwizacji muzyków jego orkiestry. Dla tego człowieka nie było obcej sceny, czuł się swobodnie, jakby na scena teatralna, oraz w nocnym klubie; zarówno w katedrze, jak iw kabarecie jego muzyka była zawsze na swoim miejscu.
Dmitrij Szostakowicz
Szostakowicz, kompozytor „monumentalny”, jest autorem wielu symfonii i koncertów, trzech baletów i oper, utworów kameralnych, zarówno na instrumenty klawiszowe, jak i instrumenty strunowe a także muzykę do filmów i sztuk teatralnych. Kariera Szostakowicza przechodziła wzloty i upadki. W okresie represji stalinowskich kompozytor został zmuszony do powstrzymywania dramaturgii i niezgodności swoich utworów, uznając go za nienadającego się do pracy zawodowej i pozbawionego pracy. Szostakowicz wylał wszystkie swoje emocje i przeżycia w muzyce kameralnej. Jego słynne kwartety smyczkowe mówiły nowym językiem muzycznym i dawały kompozytorowi swobodę twórczą, którą cenzura odebrała większym utworom.
John Cage
Jako artysta, filozof i pisarz, najzdolniejszy kompozytor powojennej awangardy starał się połączyć muzykę i inne formy twórczości w jedną koncepcję sztuki. Eksperymentował z każdym możliwym instrumentem, łącznie z elektroniką i ciszą. Według niego milczenie nie istnieje, ponieważ zawsze otaczają nas miriady różne dźwięki które najczęściej po prostu ignorujemy.
Benjamin Britten
Pod względem kompozytorskim twórczość Brittena była znacznie bardziej konserwatywna od wymienionych kompozytorów, ale wpływ, jaki wywarł na rozwój opery nie tylko jako zjawiska muzycznego, ale także kulturowego, zapewnia mu miejsce na listach najbardziej wpływowych kompozytorów. wiek. Napisane przez Brittena partie operowe wyróżniała prostota i emocjonalność – połączenie, które podobało się zarówno publiczności, jak i wykonawcom.
Leonard Bernstein
Bernstein był populistą i starał się przybliżyć muzykę masom i udostępnić ją jak największej liczbie ludzi na całym świecie. Od dzieciństwa przyszły kompozytor kochał muzykę i dla niego nie było różnicy między najwyższymi i najniższymi formami sztuki. Ta osobliwa „wszystkożerność” i prostota są wyraźnie widoczne w jego twórczości. Bernsteinowi udało się stworzyć dzieła, które stały się częścią życia ludzi, którzy przynajmniej raz je słyszeli. Muzyka stworzona przez tego kompozytora odnajduje miejsce w duszy każdego człowieka, bez względu na to, jak daleko jest od sztuki.
Pierre Boulez
Od wielu lat stały lider francuskiej awangardy i żywa legenda muzyki, nawet w wieku 90 lat, zachowuje wdzięk i energię, z jaką wszedł na świat muzyki. Od wielu lat praktycznie dyktuje kierunek muzyce klasycznej, nieustannie poszerzając jej granice.
Filip Szkło
Kolejna żywa legenda muzyki, słynie w równym stopniu z minimalizmu, jak i klasycyzmu. Autor 30 oper, 10 symfonii, wielu koncertów i kompozycji kameralnych jest muzycznym kameleonem i potrafi tworzyć zarówno utwory o powtarzalnej strukturze, jak i klasyczne harmonie. Philip Glass jest najbardziej naśladowanym współczesnym kompozytorem ze względu na swoją popularność.
Igor Fiodorowicz Strawiński
Kompozytor, urodzony w Rosji, ale mieszkał długie lata w Europie i USA mistrz, bez którego kreatywności nie można sobie wyobrazić zarówno rosyjskiego, jak i kultura zachodnioeuropejska XX wiek.
I. F. Strawiński urodził się w Oranienbaum, wykształcił się w Petersburgu, a od drugiej połowy lat 10 mieszkał na stałe w Europie.
Jako pianista i dyrygent Strawiński intensywnie koncertował, w szczególności w 1962 przyjechał do ZSRR. W przeciwieństwie do większości rodaków mieszkających za granicą kompozytor czuł się na Zachodzie pewnie i naturalnie, ale zawsze uważał swoją muzykę za część kultury rosyjskiej.
We wczesnym okresie twórczości (do przełomu lat 10-20) Strawiński rozwijał motywy rosyjskie: „Ognisty ptak”, „Pietruszka” i „Święto wiosny”.
Na przełomie lat 10-20. śmiałe eksperymenty rozpoczęły się w twórczości kompozytora. Jednym z nich jest rozbudowana akcja sceniczna „Wesele” (1917-1923). Utwór ten łączy w sobie elementy śpiewu chóralnego i baletu; To nie przypadek, że autor nadał swojej pracy podtytuł „Rosyjskie sceny choreograficzne ze śpiewem i muzyką”.
W „Historii żołnierza” kompozytor zwrócił się ku intonacji gatunków codziennych i tanecznych (dotknęły wpływy francuskiej „szóstki”). Później tak oryginalną technikę (połączenie głosu narratora z orkiestrą) stosuje S. S. Prokofiew w słynnej bajce dla dzieci „Piotruś i Wilk”. Śpiew i choreografię łączy także balet Pulcinella (1920). Dopiero tym razem kompozytor zwrócił się do tradycji muzyki włoskiej.
Praca nad baletem „Pulcinella” była początkiem okresu neoklasycyzmu w twórczości Strawińskiego, który trwał około 30 lat.
Na początku lat 50-tych. w twórczości Strawińskiego nastąpił zwrot w kierunku dodekafonii (patrz artykuł „Nowa szkoła wiedeńska”). Jest to tym bardziej zaskakujące, że kompozytor niemal przez całe życie krytykował ten system i niejednokrotnie polemizował w swoich artykułach z jego twórcą Arnoldem Schoenbergiem. Technika serialna została wykorzystana w takich kompozycjach jak septet (1952), balet Agon (1957) i requiem (1966). Strawiński z pewnością nie przestrzegał zasad zaproponowanych przez Schönberga; czuje się, że rosyjski kompozytor postawił na pewną tonację.
W pracy I.F. Muzyka Strawińskiego jawi się jako sztuka wszechstronna, która nie zna ścisłych podziałów w czasie, stylach i tradycjach narodowych. Kompozytor z łatwością zmienił kierunek pracy, ale mimo to zawsze pozostawał bardzo integralnym mistrzem. Za symbol tej całości można uznać jedno z jego ostatnich dzieł – Kanon na orkiestrę (1965) na temat ruski Piosenka ludowa. Pod koniec życia Strawiński wydaje się budować most do początków swojej twórczej drogi. Wykorzystał tę samą pieśń ludową w swoim pierwszym balecie „Ognisty ptak”.
Siergiej Siergiejewicz Prokofiew
Twórczość Siergieja Siergiejewicza Prokofiewa jest wielkim fenomenem nie tylko w rosyjskiej, ale i światowej kulturze muzycznej XX wieku. Osobliwość jego styl - pragnienie innowacji. Utwory Prokofiewa często spotykały się z oszołomieniem publiczności, a czasami przez wykonawców, kompozytorowi zarzucano nadmierną złożoność, chamstwo, a nawet „muzyczne chuligaństwo”.
S. S. Prokofiew urodził się w majątku Sontsovka w obwodzie jekaterynosławskim (obecnie obwód doniecki Republiki Ukraińskiej). Umiejętności muzyczne kompozytora ujawniły się wcześnie - już od piątego roku życia komponował, a mając dziewięć lat próbował napisać operę. Ukończył Konserwatorium Petersburskie.
Drogę twórczą Prokofiewa można podzielić na trzy okresy: wczesny (1908-1918), za granicą (1917-1932) i okres życia w ZSRR (1932-1953).
Wczesny okres jest czasami określany jako „czas autoafirmacji”. Pierwsze kompozycje kompozytora wprawiły w zakłopotanie rosyjskie środowisko muzyczne, jednak zarówno słuchacze, jak i krytycy dostrzegli siłę jego talentu.
Do najważniejszych dzieł tego okresu należą I Koncert fortepianowy (1912), balet „Ala i Lolly” (1915) oraz symfonia „Klasyczna” (1917). Ostrymi harmoniami, połamanymi melodiami, niezwykłymi rytmami, I Koncert przypomina dzieła kompozytorów francuskiej „szóstki”. W koncercie wyczuwa się nowe podejście do fortepianu w muzyce rosyjskiej tamtych czasów, gdy dźwięk instrumentu ujarzmia orkiestrę.
Symfonia „klasyczna” jest jednym z nielicznych przykładów neoklasycyzmu w muzyce rosyjskiej. Już sama nazwa sugeruje, że dzieło pomyślane jest jako przypomnienie tradycji wiedeńskiej szkoły klasycznej. Prokofiew subtelnie naśladuje techniki artystyczne symfonii Haydna i wczesnego Mozarta, ale zachowany jest własny styl autora w konstruowaniu melodii i harmonii. W efekcie autorka uzyskała znakomitą, dowcipną i bardzo współczesna praca: klasyczne formy podkreślają oryginalność muzyki.
W 1918 r. Prokofiew wyjechał za granicę i mieszkał tam przez piętnaście lat. W tym okresie kompozytor pracował w różnych gatunkach; zwracał szczególną uwagę na muzykę operową. Prace nad operą Hazardzista (na podstawie oryginalnego tekstu powieści F. M. Dostojewskiego pod tym samym tytułem) rozpoczęły się już w 1915 r. W 1917 r. w Teatrze Maryjskim spektakl miał wystawić wybitny reżyser Wsiewołod Emiliewicz Meyerhold . Orkiestra i śpiewacy odmówili jednak nauki opery, nazywając ją zbyt skomplikowaną i niezrozumiałą. W 1922, już w Niemczech, Prokofiew dokonał rewizji opery. Premiera odbyła się w 1929 roku w Brukseli. Muzyka „Player” zbudowana jest na recytatywach. Bohaterowie są obdarzeni złożonymi cechami psychologicznymi.
Pragnienie kompozytora złożonych, silnych i niejednoznacznych postaci powołało do życia operę Ognisty anioł (1927). Opiera się na historii o tym samym tytule autorstwa rosyjskiego poety-symbolika Walerego Jakowlewicza Bryusowa.
W 1932 Prokofiew wrócił do ojczyzny. Życie w Związku Radzieckim nie było łatwe. Muzyka kompozytora nie uniknęła oskarżeń o „formalizm”. Okres ten okazał się jednak szczególnie owocny. Pojawiły się nowe opery, balety, symfonie, bajka symfoniczna dla dzieci „Piotruś i Wilk” (1936). Kompozytor pracował nad muzyką do filmów w reżyserii Siergieja Michajłowicza Eisensteina – „Aleksander Newski” (1938; później przerobiony na kantatę) i „Iwan Groźny” (1942-1945).
Jedna z centralnych prac lat 30-tych. - balet „Romeo i Julia” (1936) na podstawie tragedii Szekspira. Jej produkcja w Leningradzie w 1940 r. (główną rolę zagrała wspaniała baletnica Galina Siergiejewna Ułanowa) stała się wybitnym wydarzeniem w historii sztuki baletowej i trudno teraz uwierzyć, że muzyka została po raz pierwszy uznana przez artystów za „nie -taniec". W porównaniu z poprzednimi utworami w stylu kompozytora pojawiły się nowe jakości, w szczególności pragnienie prostoty i jasności w konstruowaniu tematów muzycznych.
Dzieła operowe Prokofiewa w latach 30-40. - to próba zrozumienia problemów historycznych, w pojęciach "bohaterstwa" i "patriotyzmu", które są bardzo ważne dla kompozytora, który zasadniczo nie chciał żyć poza ojczyzną. Opera „Wojna i pokój” (1943), oparta na powieści L. N. Tołstoja, została wykonana zgodnie z historyczną tradycją rosyjskiej muzyki operowej XIX wieku. Utwór, okazały w rozmiarze, przeznaczony jest do wykonania w ciągu dwóch wieczorów (później autor stworzył wersję skróconą). W muzyce dominuje epicki początek. Widać to chociażby w niecodziennym wstępie do opery: to nie brzmi muzyka orkiestrowa i potężny recytatyw chóralny do absolutnie „nieoperowego” tekstu Tołstoja („Siły dwunastu języków Europy wdarły się do Rosji”).
Podobnie jak wiele innych dzieł Prokofiewa, opera „Wojna i pokój” została przyjęta przez muzyków z wielkim trudem. Uderzyła mnie nie tylko złożoność i oryginalność języka muzycznego, ale także sam fakt, że sławni bohaterowie Tołstoja śpiewali od dzieciństwa.
Talent S.S. Prokofiewa wyróżnia głęboki wewnętrzny optymizm i pragnienie radości, co przejawia się nawet w dramatycznych i tragicznych kompozycjach. Pragnienie światła i harmonii wyrażało się z największą mocą w symfoniach, a zwłaszcza w ostatniej, Siódmej (1952), gdzie jest miejsce na subtelną lirykę, humor i niemal dziecinną, szczerą zabawę.
DMITRIJ DMITRIEVICH SZOSTAKowicz
W centrum twórczości kompozytora Dmitrija Dmitriewicza Szostakowicza znajdują się refleksje na temat życia i śmierci, problemów duchowych i moralnych. Jego utwory, złożone w języku muzycznym i odważne w treści, wymagają myślącego, przygotowanego słuchacza i właśnie z tego powodu mistrz był często ostro atakowany oficjalną krytyką. To on okazał się „bohaterem” dekretu z 1948 roku.
D. D. Szostakowicz urodził się w Petersburgu, edukacja muzyczna otrzymany w Konserwatorium Petersburskim (1919-1926). Znany w młodości z kulturą muzyczną Europy, kompozytor przez całe życie starał się odpowiadać jej poziomowi.
Główne gatunki twórczości Szostakowicza to symfonia, koncert instrumentalny (zbliżony skalą do symfonii) oraz muzyka na zespoły kameralne. Najbardziej popularne to V (1937) i VII symfonia. Zdają się skupiać główne obrazy i nastroje muzyki Szostakowicza: surowy, odważny żal, oświecony spokój, żrący sarkazm.
Tematy w każdej części rozwijają się szybko, a wewnętrzną energię odczuwa się nawet w powolnych partiach lirycznych.
Siódma Symfonia (1942) o podtytule „Leningrad” ma szczególną historię. Kompozytor stworzył ją podczas II wojny światowej i blokady Leningradu przez wojska niemieckie, we wrześniu - grudniu 1941 r. Jedno z pierwszych wykonań symfonii miało miejsce w Leningradzie 9 sierpnia 1942 r. - dnia wybranego przez dowództwo niemieckie wejść do miasta. Premiera była dla muzyków prawdziwym wyczynem, kompozycja Szostakowicza wsparła ducha mieszkańców miasta. Pierwsza część jest zwykle kojarzona bezpośrednio z wydarzeniami militarnymi.
Najpierw na fletach rozbrzmiewa temat inwazji - cicha, bezpretensjonalna melodia przy lekkim akompaniamencie bębnów. Następnie jest powtarzany więcej niż raz, a z każdym powtórzeniem wzrasta liczba grających instrumentów; w efekcie temat przechodzi w złowieszczy marsz grany przez całą orkiestrę. Napięcie tematu inwazji przeradza się w repryzę – prawie wszystkie główne tematy ekspozycji brzmią w moll, wzmacniając w ten sposób tragiczną treść części. Ciekawe zakończenie symfonii. Kończy się powolnym, uroczystym tematem zwycięstwa, triumfu nad złem. W muzyce jest jednak tyle surowości i nieubłaganego smutku, że słuchacz rozumie: mówimy o zwycięstwie odniesionym kosztem życia.
W XIII i XIV Symfonii Szostakowicz po raz pierwszy w muzyce rosyjskiej ucieleśnił doświadczenie połączenia gatunku symfonicznego z poważnym tekstem poetyckim (znanym z IX Symfonii Beethovena, „Pieśni o ziemi” Mahlera itp.). Trzynasta symfonia (1962) nazywana jest przez kompozytora „suitą wokalno-symfoniczną”. To monumentalne pięciogłosowe płótno muzyczne na chór męski, orkiestrę i basistę zostało napisane do wierszy poety Jewgienija Aleksandrowicza Jewtuszenki. Wyraziste i wyraziste publicystycznie wiersze poruszają tematy poruszane na początku lat 60-tych. nie było bezpiecznie mówić: antysemityzm (część pierwsza "Babi Jar"), bieda (część trzecia "W sklepie"), stalinowskie represje (część szósta "Lęki"). Obszerna i dramatycznie intensywna muzyka symfonii wzbogaca treść tekstu. Utwór ten jest rzadkim przykładem otwartego wyrażania przez kompozytora swojej postawy obywatelskiej w muzyce.
Najbardziej tragicznym dziełem Szostakowicza jest XIV Symfonia (1969). Poświęcony jest refleksjom na temat życia i śmierci. Kompozytor powiedział, że pomysł powstał pod wpływem jego pracy nad orkiestracją cyklu wokalnego „Pieśni i tańców śmierci” MP Musorgskiego – postanowił stworzyć kontynuację tego dzieła.
Bardzo ciekawa jest muzyka kameralna Szostakowicza. Pod względem ekspresji emocjonalnej i skupienia duchowego kwartety smyczkowe nie ustępują najlepszym symfoniom. W sonacie na altówkę i fortepian (1975) - ostatnim utworze kompozytora - łączą się różne uczucia: cierpienie, wewnętrzne oświecenie, surowość myśli. W cyklach wokalnych kompozytor zwrócił się do twórczości Michała Anioła, Anny Andreevny Achmatowej, Sashy Cherny.
D. D. Szostakowicz, którego twórczość przez wielu uważana była za zbyt skomplikowaną, pracował także dla ogółu społeczeństwa. Dowodem na to jest muzyka do kina. W tej dziedzinie kompozytor posiada również arcydzieła – muzykę do filmów „Hamlet” (1964) G.M. Kozintseva i „Gadfly” (1955) A.M. Feinzimmer.
Muzyka rosyjska XX wieku, która z powodzeniem rozwijała tradycje kompozytorów zagranicznych i krajowych, jednocześnie wytyczała nowe ścieżki i przeprowadzała śmiałe eksperymenty. Mimo rewolucyjnych wstrząsów i społecznych kataklizmów współczesności organicznie łączyła różne style i nurty reprezentowane przez twórczość najzdolniejszych kompozytorów klasycznych. Wiele dzieł A. N. Skriabina, S. V. Rachmaninowa, I. F. Strawińskiego, S. S. Prokofiewa, D. D. Szostakowicza, G. V. Sviridova należy do arcydzieł światowej kultury muzycznej. Dokonania rosyjskich kompozytorów awangardowych mają również trwałe znaczenie i wciąż przyciągają uwagę słuchaczy w wielu krajach świata.
Oryginalna droga narodowej kultury muzycznej XX wieku. definiuje unikalne zjawisko pieśń masowa który nie ma analogów na świecie.
Muzyka przełomu wieków z powodzeniem rozwinęła najlepsze tradycje rosyjskich kompozytorów romantycznych i kompozytorów Potężnej Garści. Jednocześnie kontynuowała śmiałe poszukiwania w zakresie formy i treści, prezentując publiczności oryginalne kompozycje, uderzające nowatorstwem pomysłu i jego realizacji.
kreacja Aleksander Nikołajewicz Skriabin(1872-1915), jeden z najzdolniejszych kompozytorów początku XX wieku, często kojarzony jest z symboliką. Rzeczywiście, artystyczne poszukiwania Skriabina były w dużej mierze zdeterminowane przez poetów symbolistycznych, a także współczesne nauki filozoficzne i mistyczne. W swoich pracach starał się przekazać świat niestabilnych i wyrafinowanych ludzkich doświadczeń. Potrafił przełożyć duchowy impuls, zachwyt i zwątpienie, ospałość ducha i moc namiętności w piękne obrazy-symbole, które słuchacze zapamiętają na długo. To nie przypadek, że jego twórczą dewizą były słowa wypowiedziane w młodości: „Zamierzam powiedzieć ludziom, że są silni i potężni”.
Był marzycielem. Przez całą swoją karierę Scriabina pociągała idea syntezy sztuki. W „Wiersz ognia” znany również jako „Prometeusz(1910) marzył o połączeniu dźwięku i koloru. Marzenie o uniwersalnym „tańcu dionizyjskim” nigdy go nie opuściło. Jego zdaniem nawet orkiestra musiała być w ciągłym ruchu – tańczyć. Dotkliwie odczuwając sprzeczności swoich trudnych czasów, marzył o uniwersalnej harmonii ludzkości. Jego ukochanym marzeniem była świątynia w Indiach na brzegu górskiego jeziora, w której można by wystawić niezrealizowane dzieło Misteriów.
Nie szukał chwili, by się zabawić,
Pocieszać i urzekać melodiami;
Marzył o najwyższym: chwalić Bóstwo
I rozjaśnij otchłań ducha dźwiękami.
V. Ya Bryusov
Niestrudzenie wierzył w szczególną moc sztuki, która potrafi zmieniać, przemieniać świat i człowieka. Nieprzypadkowo I Symfonia (1900) zakończyła się jego własnymi wersami:
Przyjdź wszystkie narody świata,
Śpiewajmy chwałę sztuce!
Skriabin jest autorem dziewiętnastu wierszy fortepianowych, trzech symfonii, koncertu fortepianowego, dziesięciu sonat, mazurka, walców i etiud. W każdym utworze wpływał na niezrównany talent i umiejętności kompozytora.
Do najlepszych dzieł Scriabina należą: „Wiersz ekstazy”(1907). To świetna praca napisana w forma sonatowa, jest rodzajem hymnu ku zwycięskiej potędze ludzkiego ducha. Opowiada o tym, jak dusza ludzka przechodzi trudną drogę od niejasnych przeczuć i niepokoju do najwyższej duchowej radości, zyskując ogromną siłę i energię. W „alarmujących rytmach” oddaje napiętą atmosferę pierwszej rewolucji rosyjskiej, pełne napięcia przeczucie zbliżających się katastrof. Nieprzypadkowo w poetyckim tekście programu Skriabin wspomniał o Wszechświecie pogrążonym w „uniwersalnym ogniu”.
Poemat ekstazy został po raz pierwszy wykonany w Rosji w 1909 roku. Był to ogromny sukces. Po raz jedenasty absolwent Konserwatorium Moskiewskiego otrzymał Nagrodę im. Glinki. Znany „Poemat ognia” („Prometeusz”) kontynuował swoją błyskotliwą ścieżkę w muzyce, wychwalając duchową moc ludzkiego stwórcy, który pokonał siły ciemności i mroku.
Muzyka Skriabina zabrzmiała na wielu sale koncertoweświat, w tym słynne rosyjskie sezony S.P. Diagilewa. Dalsze losy kompozytora były tragiczne: w wieku 44 lat niespodziewanie zmarł na zatrucie krwi. Wielu współczesnych odpowiedziało na śmierć Skriabina, w tym słynny poeta V. Ya Bryusov:
Ośmielił się stopić metal melodii
I chciałem wlać nowe formy w nowe formy;
Nieustannie pragnął żyć i żyć,
Aby wznieść ukończony pomnik ...
Na szczęście słowa poety miały się spełnić: Skriabin był i pozostaje „gwiazdą pierwszej wielkości” ( N. A. Rimski-Korsakow).
Nie mniej znany nabył kreatywności Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow(1873-1943), także absolwent Konserwatorium Moskiewskiego, które ukończył ze złotym medalem. W przeciwieństwie do Skriabina, który w dużej mierze połączył kreatywny sposób z symboliką Rachmaninow trzymał się romantycznego kierunku w muzyce. Nie uznając modernistycznych innowacji, pisał:
„W sztuce zrozumieć coś oznacza kochać. Modernizm jest dla mnie organicznie niezrozumiały i nie boję się tego otwarcie przyznać. Dla mnie to tylko chiński list...
Ekspresyjny dysonans jest piękny, ale niekończąca się kakofonia, doprowadzona do bezwzględnych skrajności, nigdy nie jest i nie może być sztuką.
Muzyczna twórczość S. V. Rachmaninowa wyróżnia się rytmiczną energią, ekscytacją, osiąganiem najsilniejszego napięcia, a jednocześnie lirycznym marzycielstwem i emocjonalnością. Najważniejszym elementem jego stylu jest melodia do którego przywiązywał najwyższą wagę.
„Melodia to muzyka. Podstawą wszelkiej muzyki, ponieważ doskonała melodia implikuje i ożywia jej harmonijny projekt... Pomysłowość melodyczna w najwyższym tego słowa znaczeniu jest głównym celem życiowym kompozytora.
W wieku dziewiętnastu lat stworzył jednoaktową operę Aleko (1892) opartą na wątku poematu Puszkina Cyganie, która została wysoko oceniona przez P. I. Czajkowskiego. To była najwyższa nagroda Praca dyplomowa początkujący kompozytor. W wieku dwudziestu lat sale koncertowe został oklaskiwany przez entuzjastyczną publiczność. Krąg jego wielbicieli obejmował najsłynniejsze postacie kultury tamtych czasów: L. N. Tołstoj, A. P. Czechow, I. E. Repin, K. S. Stanisławski, F. I. Chaliapin, M. Gorki, wielu poetów Srebrnego Wieku. A jednak życie Rachmaninowa nie wydaje się spokojne i pogodne: znał nie tylko wzloty, ale i upadki. Rachmaninow był świadkiem dwóch wojen światowych i dwóch rewolucje rosyjskie. Z entuzjazmem przyjął upadek caratu, ale października nie przyjął. Prawie połowę życia spędził z dala od ojczyzny, ale wcześniej ostatni dzień czułem się jak Rosjanin:
„Jestem rosyjskim kompozytorem, a moja ojczyzna odcisnęła piętno na moim charakterze i poglądach. Moja muzyka jest owocem mojego charakteru, a więc jest to muzyka rosyjska...
Muzyka kompozytora powinna wyrażać ducha kraju, w którym się urodził, jego miłość, wiarę i myśli, które powstały pod wpływem książek, obrazów, które kocha. Powinna to być suma wszystkiego. doświadczenie życiowe kompozytor."
Wieloaspektowy talent Rachmaninowa przejawiał się w wielu gatunkach muzycznych. Stworzył dwie opery („Nędzny rycerz” i „Francesca da Rimini”), poemat wokalno-symfoniczny „Dzwony” (1913), sonaty, impromptu, preludia. Dla chóru skomponował także muzykę sakralną, nawiązując do staroruskich pieśni znamieninowych (Liturgia Jana Chryzostoma, 1909, Całonocne czuwanie, 1915). Jest autorem około osiemdziesięciu romansów opartych na wierszach poetów rosyjskich i zagranicznych.
Rachmaninow był szczególnie znany ze swoich kompozycji fortepianowych. Stworzony przez niego szczególny styl muzyki fortepianowej wyróżnia się niezwykłą różnorodnością i pełnią brzmienia. Wydawało się, że bogactwem kolorów starał się porównać fortepian do wszystkiego Orkiestra symfoniczna. Najsłynniejszy esej to II Koncert fortepianowy(1901), który ujawnił najlepsze cechy jego talentu kompozytorskiego. Dzieło o „niezwykłej, niesamowitej urodzie” ( SS Prokofiew) uderzająco trafnie oddał niespójność Nowa era i potwierdził słuszność oceny jego surowego nauczyciela S.I. Taneyeva: „To jest genialne”. Za tę pracę Rachmaninow otrzymał w 1904 r. Nagrodę im. Glinki.
Rachmaninow jest znany na całym świecie nie tylko jako kompozytor, ale także jako wybitny pianista i dyrygent. „Bóstwo w trzech osobach”, powiedział o nim jeden ze współczesnych. Po szybkim opanowaniu techniki sztuk scenicznych Rachmaninow odkrył niezwykły talent genialnego interpretatora. utwory muzyczne. Jego potężna gra w swojej sile mogła dorównać całej orkiestrze i zrobiła na słuchaczach ogromne wrażenie.
Pod koniec 1917 r. Rachmaninow wyjechał w trasę do Europy, a następnie do CIIIA. Nie wrócił do Rosji. Przez całe 25 lat emigracji żywo interesował się tym, co działo się w jego ojczyźnie. W latach Wielkiego Wojna Ojczyźniana kompozytor wielokrotnie przekazywał środki ze swoich koncertów na wsparcie Armii Czerwonej. Dziś utwory Rachmaninowa słychać w wielu salach koncertowych naszego kraju; konkursy muzyczne i festiwale.
Trudno wyobrazić sobie muzyczny obraz XX wieku. bez kreatywności Igor Fiodorowicz Strawiński(1882-1971) - jeden z najjaśniejszych przedstawicieli światowej klasyki. W ciągu sześciu dekad swojej twórczej kariery stworzył około 150 utworów z różnych gatunków muzycznych, a na każdy z nich wpłynął oryginalny talent kompozytora. Wśród nich jest muzyka do baletu i opery, kompozycje instrumentalne, utwory chóralne i wokalne.
Wszedł do historii światowej kultury muzycznej jako odważny innowator, niestrudzenie wytyczający własne ścieżki w sztuce. W rzadkich przypadkach pozostawał obojętny na nowe trendy w muzyce. Wręcz przeciwnie, zawsze reagował na to, co wydawało mu się oryginalne i interesujące. Ścieżka Strawińskiego w muzyce to droga od romantyzmu i impresjonizmu do neoklasycyzmu, dodekafonii i muzyki awangardowej. W ostatnich latach życia żywo interesował się sztuką jazzu oraz osiągnięciami w dziedzinie muzyki elektronicznej.
W ramach jednej kompozycji mógł swobodnie łączyć stylistykę różnych epok muzycznych (barok, klasycyzm, romantyzm). Odwołanie się do muzycznych tradycji przeszłości nie przeszkodziło mu w eksperymentowaniu, napełniając dzieła duchem nowoczesności. Oto, co o tym powiedział:
„Tradycja… nie jest tylko „przekazywana” od ojców do dzieci, ale podlega procesowi życiowemu: rodzi się, rośnie, osiąga dojrzałość, zanika, a czasem odradza się…
Mówienie językiem minionych pokoleń nie jest kreatywnością, nie jest sztuką, ale rutyną”.
Spotkanie z S. P. Diagilewem w 1909 r. w dużej mierze zdeterminowało dalsze osobiste i twórcze losy kompozytora. Poproszono go o napisanie muzyki do baletu "Ognisty Ptak" na temat opowieści o złym Kashchei i upadku jego mrocznego królestwa.
25 czerwca 1910, data premiery baletu na scenie paryskiej Wielkiej Opery, staje się początkiem światowej sławy Strawińskiego. Muzyka uderzyła przepychem dźwięków orkiestrowych, niezwykłością rytmów i bogactwem baśniowych symboli. Szczególnie interesujący był „Wstrętny taniec królestwa Kaszczejewa” – groteskowy obraz zła i przemocy.
Rok później - nowa, nie mniej genialna premiera baletu "Pietruszka". Strawiński skupił swoją główną uwagę na głębokim dramacie psychologicznym swojej ukochanej bohater ludowy Pietruszka beznadziejnie zakochana w głupiej Balerinie, która woli zadowolonego z siebie Maura. O cierpieniu bohatera, życzliwy, psotny i nigdy nie zniechęcony, Strawiński znakomicie mówił językiem muzyki. Szczególnie uderzająca była końcowa scena pożegnania Pietruszki z życiem. Niesamowite znalezisko kompozytor to szarpany „szloch”, „wydech” fletów i dziwny dźwięk z rzuconego na podłogę tamburynu. Jeszcze do niedawna niepohamowany tańczący tłum zamiera przed umierającym mężczyzną. W tragicznym momencie odejścia duszy Pietruszki do lepszy świat niesamowite dźwięki muzyki, oddające dreszczyk emocji wychodzącego życia. Echa stoiska Maslenicy i przeszywające fanfary wskrzeszonej Pietruszki dopełniają akcję.
Współautorami Strawińskiego w tej pracy byli choreograf M. M. Fokin (1880-1942) i librecista, artysta A. N. Benois. Główne role zagrali Tamara Karsavina i Wacław Niżyński. Balet „Pietruszka” stał się punktem kulminacyjnym rosyjskich sezonów S. P. Diagilewa. Premiera trzeciego, nie mniej znanego baletu Strawińskiego „Święta wiosna”(1913) wywołał w Paryżu bezprecedensowy skandal. Autor wspominał później:
„Kiedy kurtyna podniosła się i na scenie pojawiła się grupa skaczących Lolit z wywróconymi kolanami na lewą stronę i długimi warkoczami… Rozpętała się burza. Za mną rozległy się okrzyki „Zamknij gardło!...” Wyszedłem z sali wściekły.
Wypieszczone ucho słuchaczy, przyzwyczajonych do słodkich i ospałych dźwięków, usłyszało obcy element pogański. To nie przypadek, że balet miał podtytuł „Obrazy pogańskiej Rosji”. Strawiński próbował odtworzyć w muzyce pierwotną surowość obyczajów pogańskich plemion, na czele których stał Starszy Mądry. Napięte dysonanse, złożone rytmy i nieoczekiwane kontrasty miały za zadanie przekazać magiczna moc zaklęcia natury, wiosenne wróżby, najstarszy obrzęd pocałunku ziemi, wywyższenie Wybrańca. Ruchy i gesty aktorów, którzy porzucili techniki baletu klasycznego, były ciężkie i kanciaste. W tamtych czasach jeden z krytyków pisał:
„Paryska premiera Święta wiosny została zapamiętana jako coś bardzo znaczącego, jak bitwa pod Waterloo, jak pierwszy lot balonu na ogrzane powietrze”.
Kilka lat później wykonane jako utwór symfoniczny Święto wiosny wywołało burzę oklasków wśród publiczności.
b Kompozytorzy epoki sowieckiej
W 1937 słynny kompozytor Siergiej Siergiejewicz Prokofiew(1891-1953) zapisał w swoim zeszycie te słowa:
„To nie czas, kiedy muzyka była pisana dla wąskiego kręgu estetów. Teraz ogromne rzesze ludzi stanęły twarzą w twarz z poważną muzyką i czekają z ciekawością. Kompozytorzy, zwróćcie baczną uwagę na ten moment: jeśli odepchniecie te tłumy, to odejdą… jeśli je zatrzymacie, dostaniecie publiczność, której nigdy nigdzie i nigdy nie było…”
Rzeczywiście, czasy sowieckie stawiały przed kompozytorami dość specyficzne zadania. Twórczość skierowana do szerokich rzesz słuchaczy musiała odpowiadać duchowi swoich czasów. Mimo wyraźnie wyrażonej chęci połączenia kreatywności z ideologią państwa sowieckiego, Prokofiew, zdobywca sześciu Nagród Stalina, zawsze pozostawał sobą, człowiekiem o zdecydowanym i niezależnym charakterze. Tak rozpoczęła się jego twórcza droga w muzyce. Kończąc konserwatorium petersburskie w 1914 r., postanowił zagrać swój I Koncert przed komisją egzaminacyjną. Muzyka porwała publiczność, a Prokofiew otrzymał dyplom z wyróżnieniem i Nagrodę im. A.G. Rubinsteina (w prezencie wspaniały fortepian).
Nigdy nikogo nie naśladował, choć miał swoich ulubionych kompozytorów i nauczycieli. Na przykład Prokofiew wcale nie był zakłopotany tym, jak źle został odebrany przez publiczność jego II Koncert fortepianowy.
Osiem oper, siedem baletów, siedem symfonii i koncertów każda, duża liczba kameralnych, fortepianowych i utwory wokalne, muzyka do filmów - taka jest muzyczna droga Prokofiewa.
Jednym z arcydzieł kompozytora był balet "Romeo i Julia"(1936). Pomysł stworzenia baletu wydawał się wielu skazany na porażkę, ale Prokofiew był już całkowicie w mocy Szekspira: nieokiełznana fantazja zrodziła pierwszą motywy muzyczne; omówiono szczegóły scenariusza i dramaturgię przyszłego dzieła. Gdy wszystko było gotowe, zamiast ogólnie przyjętych tańców solowych, duetów, triów, adagio i walców, w partyturze znalazły się nietypowe nazwy do słuchania: „Romeo”, „Zakon księcia”, „Dziewczyna Julia”, „Tybalt walczy z Mercutio”, „Romeo i Julia przed rozstaniem… Wszystko było nieoczekiwane i niezwykłe. Nie minęło dużo czasu, zanim zapadła decyzja o wystawieniu sztuki. Kompozytor kategorycznie odmówił przerobienia czegokolwiek.
Premiera odbyła się w Leningradzie w 1940 roku w słynnym Maryjskim (in lata sowieckie Kirow) teatr. Główną rolę w spektaklu wykonał niezrównany G. S. Ulanova. Muzyka bardzo trafnie oddawała dramaturgię wydarzeń, uczucia i przeżycia bohaterów. Inspirujący i poetycki wizerunek młodej Julii wstrząsnął publicznością do łez. Oto ona, cała pokora i posłuszeństwo, tańczy na balu z Paryżem, przyszłym panem młodym. Juliet jest wzruszająco liryczna i delikatna w scenach miłosnych... Melodie płyną powoli i płynnie, zdają się świecić, oddychać... Postanawia więc wypić śmiertelny napój... Bolesne przeczucia, strach i nieugaszona miłość dodają Juliet siły do podejmij ten fatalny krok.
były wspaniałe i sceny tłumu balet. Autorowi udało się w nich przekazać hałaśliwą energię wesołego tłumu ulicznego, sztywność w tańcach szlachty na balu kapuletskim, grację nieco powolnego tańca dziewcząt z liliami przy łóżku zasypiającej Julii. Poprzez gest, mimikę, chód i sposób poruszania się kompozytor znakomicie oddał istotę postaci każdej z postaci. Balet Prokofiewa „Romeo i Julia” to wciąż jeden z najbogatszych repertuarów w teatrach świata.
Wśród dzieł operowych kompozytora należy wyróżnić operę "Wojna i pokój", nad którym pracował więcej niż nad jakąkolwiek inną pracą. Przez kilka lat (od 1943 do 1952) wielokrotnie powracał do „Wojny i pokoju”, poprawiał dramat, dodawał, zmieniał lub wyłączał odcinki. Samo zadanie powiązania opery ze źródłem literackim wydawało się nieprawdopodobne. Co więcej, zgodnie z intencją autora miał brzmieć… oryginalny tekst powieści L.N. Tołstoja…
Pierwsza edycja spektaklu została zaprojektowana na dwa wieczory, ale później opera zyskała ramy gatunkowe zwykłych przedstawień operowych. Ponad sześćdziesiąt postaci, nie licząc gości na balu, żołnierzy, chłopów i partyzantów...
Najlepsze obrazy opery to pierwszy bal Natashy Rostowej, w którym rozbrzmiewa walc o niesamowitej urodzie, oddający naiwny urok i pełen wdzięku wdzięk młodej dziewczyny; to sceny ze spotkania Otradnoye i Nataszy ze śmiertelnie rannym Andriejem Bołkońskim w Mytiszczach.
Prokofiew przywiązywał dużą wagę do ludowych i heroicznych wątków w operze, zwłaszcza do wizerunku popularnego wodza Kutuzowa. Jego wspaniała aria „Niezrównani ludzie!”, przypominająca pieśni pieśni ludowe, nadał akcji epicki rozmach i rozmach.
Świetne miejsce w twórczości Prokofiewa zajmuje muzyka do filmów SM Eisensteina „Aleksander Newski” (1938) i „Iwan Groźny” (1942-1945).
Wśród kompozytorów epoki sowieckiej kreatywność Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz(1906-1975) w dużej mierze determinuje nurt klasyczny w muzyce rosyjskiej XX wieku. Napisana przez dziewiętnastoletniego absolwenta Konserwatorium Leningradzkiego I Symfonia (1926) uderzyła w słuchaczy optymizmem i świeżością brzmienia. Od razu weszła do repertuaru dyrygentów krajowych i zagranicznych.
W ciągu półwiecza twórczości do I Symfonii dołączy jeszcze czternaście. Szostakowicz stworzył utwory w prawie wszystkich gatunkach muzycznych: piętnaście kwartetów, dwie opery (Nos i Lady Makbet mceńskiego powiatu), trzy balety (Złoty wiek, Piorun i Jasny strumień), sześć koncertów instrumentalnych, cykle romansów, zbiory preludia i fugi fortepianowe, kantaty, oratorium („Pieśń lasów”), muzyka do filmów i spektakli dramatycznych.
Znaczną sławę kompozytorowi przyniosła produkcja opera "Nos"(1927-1928) na podstawie powieści N.V. Gogola. W muzyce „niesamowity incydent” z nosem majora Kowaliowa rozwinął się przed zdumioną publicznością. Satyryczna struktura opowieści Gogola zdawała się sugerować kompozytorowi nową drogę, w sposób zasadniczy przełamując tradycje sztuki operowej. Wszystko w niej było na granicy karykatury i groteski, wszystko odwrócone, wywrócone na lewą stronę. Zamiast zwykłego śpiewu rozległ się konwulsyjny tupot, niezgodny zespół ośmiu woźnych przerwał i nie słyszał się nawzajem. Do fantastycznej akcji wciągnięto policjantów, fryzjera, perskiego księcia, bajgle i parasole... Wesołe kankany zastąpiły galopy i polki. Chór gapiów parsknął podekscytowany.
Pomimo tego, że opera odtworzyła wydarzenia z Rosji Gogola w XIX wieku, łatwo było odgadnąć satyrę na drobnomieszczańskie życie czasów sowieckich. Premiera odbyła się w styczniu 1930 roku. Reżyser G. M. Kozintsev (1905-1973) zanotował:
„Do ryczących galopów i zwariowanych polek sceneria W. Dmitrieva zawirowała, zawirowała: fantasmagoria Gogola stała się dźwiękiem i kolorem… Szalała groteska Gogola: co tu było farsą, co było przepowiednią?
Niesamowite kombinacje orkiestrowe, teksty nie do śpiewania... niezwykłe rytmy... opanowanie wszystkiego, co wcześniej wydawało się antypoetyckie, antymuzyczne, wulgarne, a w rzeczywistości było żywą intonacją, parodią - walką z konwencją... był bardzo zabawnym występem”.
W ciągu dwóch lat opera Nos miała szesnaście przedstawień, po czym na długo zniknęła ze sceny.
Zupełnie inaczej potoczyły się losy drugiej opery Szostakowicza. „Lady Makbet z obwodu mceńskiego” („Katerina Izmailova”, 1930-1932) na podstawie opowiadania N.S. Leskova o tym samym tytule. Ale teraz nie była to już parodia opery, ale wielka tragedia z wieloma scenami groteskowymi i satyrycznymi. główny bohater, Katerina Izmailova, po przejściu najtrudniejszych prób, rzuciła wyzwanie otaczającemu życiu.
Opera została ciepło przyjęta przez publiczność, ale w styczniu 1936 r. w gazecie „Prawda” ukazał się anonimowy artykuł zatytułowany „Zamęt zamiast muzyki”, w którym zarzucono kompozytorowi „skrajny formalizm”, „rażący naturalizm” i „melodyczną nędzę”.
Kilka dni później ukazał się drugi artykuł na zamówienie „Ballet Falseness”, skierowany przeciwko muzyce do baletu „Jasny strumień”. Tym razem Szostakowicz został oskarżony o „lalkowe przedstawienie życia” i „formalistyczne podejście do folkloru”. Opera i balet zostały natychmiast usunięte z repertuaru. Wobec kompozytora wszczęto bezprecedensowe prześladowania. Przez długi czas pozbawiony był możliwości komponowania tego, co chciał. Niewielu wtedy mogło śmiało wyciągnąć pomocną dłoń do zhańbionego kompozytora. Wśród nich była A. A. Achmatowa, która poświęciła mu te wiersze wiersza „Muzyka”:
Coś cudownie płonie w niej,
I zanim oczy jego krawędzi zostaną fasetowane,
Mówi do mnie sama
Kiedy inni boją się podejść.
Kiedy ostatni przyjaciel odwrócił oczy
Była ze mną w moim grobie.
I śpiewał jak pierwsza burza
Albo jakby przemówiły wszystkie kwiaty.
Pod koniec lat 30. Szostakowicz zwrócił się do instrumentalnego i muzyka symfoniczna. Jednym z największych dzieł tego czasu było Piąta symfonia(1937), którą wielu nazwało „optymistyczną tragedią” kompozytora. Był to monolog symfoniczny, szczerze mówiący o trudnych poszukiwaniach ścieżka życia. Często zawierała monologi instrumentów solowych: fletów, skrzypiec, harf i czeles. Utwór został jednogłośnie uznany za jeden ze szczytów rosyjskiej i światowej symfonii.
Światowej sławy Szostakowicz przyniósł sławę VII Symfonia ( „Leningrad”, 1942), po raz pierwszy wykonany w oblężonym Leningradzie.
Bardzo interesująca jest muzyka kameralna i wokalna Szostakowicza. Pod względem umiejętności i wyrazistości jego kwartety smyczkowe nie ustępowały najlepszym symfoniom. W cyklach wokalnych zwracał się do utworów poetyckich Michała Anioła, A. Puszkina, M. Lermontowa, A. Achmatowej, A. Błoka, M. Cwietajewej, Sashy Czerny, poetów japońskich, hiszpańskich i francuskich.
Szczególne miejsce w twórczości kompozytora zajmowała muzyka do filmów i spektakli dramatycznych. Nawet w postrewolucyjnym Piotrogrodzie Szostakowicz pracował jako pianista w małych salach kinowych, improwizując na fortepianie podczas pokazów niemych filmów. Kiedy w 1928 roku rozpoczyna się era muzyki filmowej, z przyjemnością wkracza do kinematografii, gdzie tworzy szereg genialnych utworów muzycznych do filmów „Trylogia o Maximie”, „Ivan Michurin”, „Spotkanie nad Łabą”, „Młoda gwardia”. ", "Upadek Berlina", "Gadfly", "Hamlet", "Król Lear". Piosenka z filmu „Oncoming” („Rano spotyka nas z chłodem”) od razu zakochała się w publiczności. Po Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej został przyjęty jako oficjalny hymn ONZ. Szostakowicz nigdy nie uważał muzyki filmowej za ozdobę filmu. Wręcz przeciwnie, był to najważniejszy sposób na ujawnienie wewnętrznego znaczenia akcji na ekranie.
W tym samym czasie kompozytorzy N. Ya Myaskovsky (1881-1950), R. M. Glier (1875-1956), A. I. Chaczaturian (1903-1978), G. V. Sviridov (1915 - 1998), D. V. Kabalevsky (1904-1987) ), T.N. Chrennikow (ur. 1913), RK Szczedrin (ur. 1932).
Awangarda muzyczna, która powstała na przełomie lat 60. i 70., stała się zauważalnym zjawiskiem w narodowej kulturze muzycznej. Jego utalentowanymi przedstawicielami są A. G. Schnittke (1934-1999), S. A. Gubaidulina (ur. 1931), E. V. Denisov (1929-1996). Twórczość każdego z nich to nowatorskie poszukiwania, odwaga i oryginalność w rozwiązywaniu tematów muzycznych, emocjonalność sposobu wykonania.
b Zjawisko śpiewu masowego
Pieśń masowa to wyjątkowy gatunek twórczości muzycznej, rodzaj kroniki dziejów naszego państwa. Powszechnie znane słowa, że „pieśń pomaga budować i żyć” okazały się niezbędne dla życia kilku pokoleń narodu radzieckiego.
Utwory utworzone po Rewolucja październikowa oraz wojna domowa, najczęściej miał wyraźny charakter rewolucyjny. Wielu z nich urodziło się spontanicznie wśród Armii Czerwonej i pierwszych członków Komsomola. Wśród nich są piosenki „Odważnie pójdziemy na bitwę”, „Młoda gwardia” („Naprzód, ku świcie…”), „Tam, w oddali, za rzeką”, „Tachanka”, „Marsz Budionny ”.
Zostały one zastąpione w latach pierwszych planów pięcioletnich pieśniami, które inspirowały ludzi do wyczynów pracy. Najlepsze z nich powstały we współpracy z kompozytorem Izaak Osipowicz Dunajewski(1900-1955) i poeta VI Lebedev-Kumach za filmy „Jolly Fellows” („Marsz wesołych towarzyszy”), „Dzieci kapitana Granta” („Pieśń wesołego wiatru”), „Cyrk” („Pieśń”). ojczyzny”). Dunajewski jest słusznie uważany za twórcę gatunku pieśni marszowych („Marsz entuzjastów”, „Marsz sportowy”, „Marsz kierowców ciągników”, „Wiosenny marzec”). Znacznie wzbogacił gatunek utworu, wprowadzając do niego elementy operetki i jazzu. Piosenki, które brzmiały w filmach „Wołga-Wołga”, „Kozacy Kubańscy”, „Wiosna”, „Trzej towarzysze”, zostały pokochane przez ludzi i wkrótce zaczęły żyć własnym życiem.
W trudnych latach Wielkiej Wojny Ojczyźnianej piosenka zjednoczyła ludzi, którzy żyli z tymi samymi lękami i uczuciami, marzeniem o zwycięstwie. Od pierwszych dni wojny piosenka okazała się być może najbardziej potrzebna gatunek muzyczny. Jeden z najbardziej sławnych - "Święta wojna" A. V. Aleksandrov i V. I. Lebedev-Kumach, po raz pierwszy wykonany przez zespół Armii Czerwonej na peronie dworca kolejowego Białoruski w Moskwie. Żołnierze, którzy poszli na front, natychmiast zapamiętali jej słowa:
Wstawaj, wspaniały kraj,
Stań do walki na śmierć...
„Muzyka, swoim zachęcającym dźwiękiem, dosłownie nas zaszokowała. Jego gardło ścisnęło się z podniecenia, łzy napłynęły mu do oczu. Intonacje krzyku, odważnej strefy, wywołały w słuchaczach determinację, by natychmiast rozpocząć walkę z wrogiem ”(V. A. Aleksandrov).
Piosenka, stworzona w ciągu kilku godzin 24 czerwca 1941 roku, wyrażała to, co wszyscy myśleli w tamtych czasach. Stał się symbolem, hymnem bojowym Wielkiej Wojny Ojczyźnianej.
W ciężkie lata prób, ludzie potrzebowali nie tylko heroicznych piosenek, które mogłyby podnieść morale. Szczególną miłością cieszyły się pieśni o rodzimym domu, o pozostawionych tam krewnych. Piosenki kompozytorów V. Solovyov-Sedoy, M. Blanter, N. Bogoslovsky, A. Novikov, T. Khrennikov szczerze mówili o miłości i wierności. Są to „Wieczór na redzie”, „Dugout”, „W lesie na froncie”, „Katyusha”, „Ciemna noc”, „Słowiki”.
Motyw militarny w gatunku piosenek okazał się niewyczerpany. 30 lat po wojnie zostanie napisana piosenka "Dzień Zwycięstwa" D. Tuchmanow i W. Charitonow. „Radość ze łzami w oczach” i jednocześnie gorycz wielkich strat wyrażono w niej z najwyższą szczerością.
Po Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej w muzyce pojawiły się nowe tematy i intonacje. Podczas VI Światowego Festiwalu Młodzieży i Studentów w Moskwie w 1957 roku pojawiła się jedna z ulubionych pieśni ludowych „Moskiewskie Noce” do muzyki V. Solovyov-Sedoy i tekstów M. Matusovsky'ego. Zamiast marszowych rytmów i linii wzburzenia zabrzmiała w nim serdeczna serdeczność i reakcja narodu rosyjskiego. Urocza, liryczna melodia była w stanie podbić każdą publiczność. Jej sygnały wywoławcze są nadal słyszane w programie radiowym Mayak.
Pod koniec lat 50. - na początku 80. piosenki były szeroko słyszane Aleksandra Nikołajewna Pachmutowa. Młodzieżowy entuzjazm, romantyzm dróg i rozwój nowych ziem, duch zawody sportowe i liryczna czułość określają główną treść pieśni Pachmutowej. „Pieśń o niespokojnej młodości”, „Geolodzy”, „Czy wiesz, jakim był facetem”, „Tchórz nie gra w hokeja”, „Wściekła brygada budowlana”, „Jakie byliśmy młodzi”, „Czułość”, „Melodia”, „Nadzieja” od dawna należą do najbardziej lubianych i wykonywanych dzieł kompozytora. Piosenka „Goodbye, Moscow” do słów N. Dobronravova, napisana w dniach pożegnania z igrzyskami olimpijskimi w Moskwie w 1980 roku, stała się jedną z ulubionych piosenek ludzi.
Kolejną potężną warstwą muzyki jest bardyka, lub autorski, utwór muzyczny, reprezentowane przez dzieła A. Galicza, B. Okudżawy, W. Wysockiego, J. Wybora, A. Gorodnickiego, J. Kima, N. Matwiejewej, W. Doliny.
Pieśń bardów jest szczególnym gatunkiem muzyczno-poetyckim folkloru miejskiego, przeznaczonym do bezpośredniej komunikacji między słuchaczem a autorem. Współczesna pieśń bardów jest najczęściej żywą odpowiedzią na ekscytujące wydarzenia. Co jest w tym gatunku ważniejsze: słowa czy muzyka? Oto jak odpowiada na to pytanie jeden z jego autorów i wykonawców Julius Kim:
„Najlepsze z naszych piosenek to te, w których znajduje się rodzaj nierozkładalnej całości. Drukowane w formie poezji nasze piosenki dużo tracą, z pewnością muszą brzmieć. Niemniej jednak mamy do czynienia z poezją, bo fabuła, rym, rytm i melodia służą przede wszystkim odkryciu sensu. Jest to jednak szczególna, pieśniowa poezja, której obraz jest zarówno muzyczny, jak i werbalny. Dlatego mówię o nierozkładalnej całości. To jest nasz środek wyrazu”.
Pieśń masowa dzisiaj bardzo się zmieniła w swej istocie. Głównie muzyka pop współczesne zespoły i wykonawców. Wśród nich trudno nadać komuś szczególne preferencje, ponieważ każdy słuchacz ma swoje upodobania i preferencje, które nie zawsze są wspólne dla większości. Oczywiście są to zupełnie inne piosenki, które mają swoje własne życie na scenie.
najlepiej w formie raportu, dziękuję!
Wiek XX to epoka wielkich przemian w kulturze światowej, w szczególności w muzyce. Z jednej strony zarówno wojny światowe, jak i liczne rewolucje wpłynęły na ogólną burzliwą sytuację na świecie, z drugiej zaś postępuje ona na naszych oczach rozwój technologiczny doprowadziły do powstania radykalnie nowych gatunków, stylów, trendów, sposobów ekspresji muzycznej. Mimo to niektórzy kompozytorzy XX wieku nie porzucili tradycyjnych form klasycznych i rozwinęli i wzbogacili tę formę sztuki. W ramach tego artykułu porozmawiamy o tak nowatorskich szkołach kompozytorskich i kompozytorach jak New Vienna School i jej przedstawicielach Kompozytorzy „French Six” awangardowych kompozytorów New Vienna School oraz stworzyli system dodekafonowy. Jego uczniowie - Alban Berg i Anton Webern - całkowicie porzucili system tonalny, tworząc w ten sposób muzykę atonalną, co oznacza odrzucenie toniki (dźwięku głównego). Wyjątkiem jest najnowsze prace A. Berga. Kompozytorzy atonalistyczni komponowali głównie w stylu ekspresjonistycznym, na którym tkwią odciski okrutnych wstrząsów ludzkości po utracie bliskich w czasie wojny, głodu, zimna i biedy. System atonalny od pewnego czasu się wyczerpał, jednak w przyszłości, przez cały XX wiek po dziś dzień, wielu kompozytorów próbuje swoich sił w posługiwaniu się tą techniką szóstek, zjednoczonych wspólnym światopoglądem. Są to A. Honegger, D. Milhaud, F. Poulenc, J. Auric, L. Duray, J. Tayefer. Kompozytorom „Szóstki” zależało na tym, aby sztuka muzyczna była dostępna dla przedstawicieli wszystkich grup społecznych. Mimo to ich muzyka dorównywała wielu utworom klasycznym. Kompozytorzy „Szóstki” w swoich utworach promowali kierunek urbanistyki związany z rozwojem miast i postępem high-tech XX wieku. Wykorzystanie w pracach różnych efektów dźwiękowych (zwłaszcza w pracach A. Honeggera) - dźwięki, rytm lokomotywy itp. - to swego rodzaju hołd dla kierunku urbanizacji Awangarda lat 50. W latach 50. ubiegłego wieku na arenie pojawili się awangardowi kompozytorzy P. Boulez (Francja), K. Stockhausen (Niemcy), L. Nono i L. Berio (Włochy). Muzyka dla tych kompozytorów staje się polem eksperymentów, gdzie więcej uwagi poświęca się budowie pasma dźwiękowego niż samej zawartości muzycznego płótna. Szczególne miejsce w ich twórczości zajmuje technika serialna, wywodząca się z systemu dodekafonicznego i doprowadzona do apogeum. Tworzy się serializm totalny – w tej technice pisarskiej serialność znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach muzycznej całości (rytm, melodia, odcienie dynamiczne itp.). Kompozytorzy awangardowi są także twórcami technik elektronicznych, konkretnych, minimal music i puentylizmu.
Odpowiedź