Sosny Respighi z Rzymu. Respighi - Trylogia rzymska: „Sosny Rzymu”, „Święta Rzymu”, „Fontanny Rzymu”

Literatura francuska to jeden ze skarbów kultury światowej. Zasługuje na czytanie we wszystkich krajach iw każdym wieku. Zagadnienia poruszane w ich pracach francuscy pisarze, zawsze martwiły ludzi i nigdy nie nadejdzie taka chwila, kiedy pozostawią czytelnika obojętnym. Epoki, historyczne otoczenie, kostiumy postaci zmieniają się, ale namiętności, istota relacji między mężczyznami i kobietami, ich szczęście i cierpienie pozostają niezmienione. Tradycję XVII, XVIII i XIX wieku kontynuowali nowocześni pisarze francuscy, pisarze XX wieku.

Wspólność rosyjskich i francuskich szkół literackich

Co wiemy o europejskich mistrzach słowa w odniesieniu do niedawnej przeszłości? Oczywiście wiele krajów wniosło znaczący wkład w ogólną dziedzictwo kulturowe. Świetne książki pisały też Wielka Brytania, Niemcy, Austria, Hiszpania, ale pod względem liczby wybitnych dzieł pierwsze miejsca zajmują oczywiście rosyjscy i francuscy pisarze. Ich lista (zarówno książek, jak i autorów) jest naprawdę ogromna. Nic dziwnego, że publikacji jest wiele, jest wielu czytelników, a dziś, w dobie Internetu, imponująca jest również lista adaptacji. Jaki jest sekret tej popularności? Zarówno Rosja, jak i Francja mają wieloletnie tradycje humanistyczne. Na czele fabuły z reguły nie stoi wydarzenie historyczne, bez względu na to, jak wybitne jest, ale osoba, ze swoimi pasjami, zaletami, niedociągnięciami, a nawet słabościami i wadami. Autor nie zobowiązuje się do potępiania swoich bohaterów, ale woli pozostawić czytelnikowi samodzielne wyciągnięcie wniosków co do tego, jaki los wybrać. Żal mu nawet tych, którzy wybrali złą drogę. Jest wiele przykładów.

Jak Flaubert żałował swojej Madame Bovary

Gustave Flaubert urodził się 12 grudnia 1821 roku w Rouen. Monotonia prowincjonalnego życia była mu znana od dzieciństwa, a nawet w dojrzałe lata rzadko opuszczał swoje miasto, tylko raz odbył długą podróż na Wschód (Algier, Tunezja) i oczywiście odwiedził Paryż. Ten francuski poeta i pisarz komponował wiersze, które wówczas wielu krytykom wydawały się (taka opinia jest dzisiaj) zbyt melancholijne i ospałe. W 1857 napisał cieszącą się wówczas sławą powieść Madame Bovary. Historia kobiety, która próbowała wyrwać się z nienawistnego kręgu codzienności i przez to zdradziła męża, wydawała się wówczas nie tylko kontrowersyjna, ale wręcz nieprzyzwoita.

Jednak ta fabuła, niestety, dość częsta w życiu, wykonywana przez wielkiego mistrza, daleko wykracza poza zwykłą obsceniczną anegdotę. Flaubert stara się z wielkim sukcesem wniknąć w psychologię swoich bohaterów, wobec których czasami odczuwa złość, wyrażaną w bezlitosnej satyrze, ale częściej – litość. Jego bohaterka umiera tragicznie, widocznie pogardzany i kochający mąż (najbardziej domyśla się to z tekstu) wie o wszystkim, ale szczerze smuci się, opłakując niewierną żonę. A Flaubert i inni Francuzi 19. pisarze wieku sporo prac poświęconych zagadnieniom wierności i miłości.

Maupassant

Z lekka ręka wiele pisarze literaccy uważany jest za niemal twórcę romantycznej erotyki w literaturze. Opinia ta opiera się na kilku momentach w jego pracach zawierających nieskromne, jak na XIX-wieczne standardy, opisy scen o charakterze intymnym. Z dzisiejszej pozycji krytyki sztuki epizody te wyglądają całkiem przyzwoicie i generalnie są uzasadnione fabułą. Co więcej, w powieściach, opowiadaniach i opowiadaniach tego niezwykłego pisarza wcale nie jest to najważniejsze. Pierwsze miejsce ponownie zajmują relacje między ludźmi i takie cechy osobiste, jak deprawacja, umiejętność kochania, przebaczania i po prostu bycia szczęśliwym. Podobnie jak inni znani francuscy pisarze, Maupassant bada ludzką duszę i ujawnia warunki niezbędne do jego wolności. dręczy go hipokryzja opinia publiczna”, stworzony tylko przez tych, którzy sami nie są wcale doskonali, ale narzucają wszystkim swoje idee przyzwoitości.

Na przykład w opowiadaniu „Zolotar” opisuje historię wzruszającej miłości francuskiego żołnierza do czarnoskórego mieszkańca kolonii. Jego szczęście nie nastąpiło, jego bliscy nie rozumieli jego uczuć i bali się ewentualnego potępienia sąsiadów.

Interesujące są aforyzmy pisarza o wojnie, które porównuje do wraku statku, a których wszyscy światowi przywódcy powinni unikać z taką samą ostrożnością, jak kapitanowie statków boją się raf. Maupassant wykazuje obserwację, przeciwstawiając niską samoocenę nadmiernemu samozadowoleniu, uznając obie te cechy za szkodliwe.

Zola

Nie mniej, a może nawet znacznie bardziej zszokował czytelnictwo francuskiego pisarza Emile Zola. Chętnie wziął życie kurtyzan („Pułapka”, „Nana”), mieszkańców dna społecznego („Łonie Paryża”) za podstawę fabuły, szczegółowo opisywanej ciężkie życie górników („Germinal ”), a nawet psychologii morderczego maniaka („Człowiek-bestia”). Wybrana przez autora ogólna forma literacka jest niezwykła.

Większość swoich prac połączył w dwudziestotomową kolekcję, która otrzymała ogólną nazwę „Rougon-Macquart”. Przy całej różnorodności fabuł i wyrazistych form jest to coś, co należy traktować jako całość. Jednak każdą z powieści Zoli można czytać osobno, co nie umniejsza jej ciekawości.

Juliusz Verne, fantasy

Innego francuskiego pisarza, Julesa Verne'a, przedstawiać nie trzeba, stał się twórcą gatunku, który później otrzymał definicję „science fiction”. O czym nie pomyślał ten niesamowity gawędziarz, który przewidział pojawienie się atomowych okrętów podwodnych, torped, rakiet księżycowych i innych nowoczesnych atrybutów, które stały się własnością ludzkości dopiero w XX wieku. Wiele z jego fantazji może dziś wydawać się naiwnych, ale powieści są łatwe do czytania i to jest ich główna zaleta.

Ponadto fabuły współczesnych hollywoodzkich hitów o dinozaurach wskrzeszonych z zapomnienia wyglądają znacznie mniej wiarygodnie niż historia przedpotopowych jaszczurek, które nigdy nie wymarły na jednym płaskowyżu latynoamerykańskim, znalezionym przez dzielnych podróżników („ zaginiony świat"). A powieść o tym, jak Ziemia krzyczała od bezwzględnego ukłucia gigantyczną igłą, całkowicie wykracza poza gatunek, postrzegana jako prorocza przypowieść.

Hugo

Nie mniej fascynujący w swoich powieściach jest francuski pisarz Hugo. Jego bohaterowie znajdują się w różnych okolicznościach, wykazując jasne cechy osobowości. Parzysty źli chłopcy(na przykład Javert z Les Misérables lub Claude Frollo z Katedry Notre Dame w Paryżu”) mają pewien urok.

Ważny jest również historyczny składnik narracji, z którego czytelnik może łatwo i z zainteresowaniem dowiedzieć się wielu przydatne fakty w szczególności o okolicznościach rewolucja Francuska i bonapartyzm we Francji. Jean Voljean z „Nędzników” stał się uosobieniem naiwnej szlachetności i uczciwości.

Exupery

Współcześni pisarze francuscy i krytycy literaccy, w tym wszyscy pisarze epoki „Heminwaya-Fitzgeralda”, również zrobili wiele, aby ludzkość była mądrzejsza i milsza. Wiek XX nie dogodził Europejczykom w pokojowych dekadach, a wspomnienia Wielkiej Wojny z lat 1914-1918 szybko zyskały reminiscencję w postaci kolejnej ogólnoświatowej tragedii.

Francuski pisarz Exupery, romantyk, twórca niezapomnianego wizerunku Małego Księcia i pilot wojskowy, nie stanął na uboczu w walce uczciwych ludzi na całym świecie z faszyzmem. Pośmiertnej popularności tego pisarza w ZSRR lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych mogło pozazdrościć wiele gwiazd popu, które wykonywały piosenki, w tym te poświęcone jego pamięci i głównemu bohaterowi. A dziś myśli wyrażane przez chłopca z innej planety wciąż wzywają do życzliwości i odpowiedzialności za swoje czyny.

Dumas, syn i ojciec

Właściwie było ich dwóch, ojciec i syn, i obaj wspaniali francuscy pisarze. Kto nie zna słynnych muszkieterów i ich? prawdziwy przyjaciel D'Artagnan? Liczne filmowe adaptacje gloryfikowały te postacie, ale żadna z nich nie była w stanie oddać uroku literackiego źródła. Losy więźnia Zamku If nie pozostawią nikogo obojętnym („Hrabia Monte Christo”), a inne prace są bardzo ciekawe. Przydadzą się także młodym ludziom, których rozwój osobisty dopiero się zaczyna, przykładów prawdziwej szlachetności jest w powieściach Dumasa Père aż nadto.

Co do syna, nie zhańbił też słynnego nazwiska. Powieści „Doktor Servan”, „Trzech silnych ludzi” i inne dzieła jasno podkreślały cechy i mieszczańskie cechy współczesnego społeczeństwa, a „Dama z kamelią” nie tylko cieszyła się zasłużonym sukcesem czytelników, ale także inspirowała włoskiego kompozytora Verdiego do napisania opery „Traviata” stała się podstawą swojego libretta.

Simenon

Powieść detektywistyczna zawsze będzie jednym z najchętniej czytanych gatunków. Czytelnika interesuje w nim wszystko - i kto popełnił przestępstwo, motywy, dowody i niezbędne ujawnienie sprawców. Ale detektywistyczna walka detektywistyczna. Jeden z najlepsi pisarze epoki nowożytnej jest oczywiście Georges Simenon, twórca niezapomnianego wizerunku Maigret, komisarz paryskiej policji. Samemu technika artystyczna dość powszechny w światowej literaturze wizerunek detektywa-intelektualisty z niezbędną cechą wyglądu i rozpoznawalnym nawykiem był wielokrotnie wykorzystywany.

Megre Simenon ponownie różni się od wielu jej „kolegów” swoją charakterystyką literatura francuskażyczliwość i szczerość. Czasem gotów jest spotkać zgorszonego człowieka, a nawet (och, zgroza!) pogwałcić poszczególne formalne artykuły prawa, pozostając mu wiernym przede wszystkim, nie w literze, w jego duchu („A jednak leszczyna jest Zielony").

Po prostu wspaniały pisarz.

gra

Jeśli zignorujemy minione stulecia i ponownie w myślach powrócimy do teraźniejszości, to na uwagę zasługuje francuski pisarz Cedric Gras, wielki przyjaciel naszego kraju, który poświęcił dwie książki rosyjskiemu Daleki Wschód i jego mieszkańców. Po obejrzeniu wielu egzotycznych rejonów planety zainteresował się Rosją, mieszkał w niej przez wiele lat, nauczył się języka, co niewątpliwie pomaga mu poznać osławioną „tajemniczą duszę”, o której kończy już pisanie trzeciego książka na ten sam temat. Tutaj Gras znalazł coś, czego najwyraźniej tak bardzo brakowało mu w jego zamożnej i wygodnej ojczyźnie. Przyciąga go pewna „obcość” (z punktu widzenia Europejczyka) charakter narodowy, pragnienie mężczyzn bycia odważnymi, ich lekkomyślność i otwartość. Dla rosyjskiego czytelnika francuski pisarz Cédric Gras jest zainteresowany właśnie tym „widokiem z zewnątrz”, który stopniowo staje się coraz bardziej nasz.

Sartre

Chyba nie ma drugiego francuskiego pisarza tak bliskiego rosyjskiemu sercu. Wiele w jego twórczości przypomina inną wielką postać literacką wszechczasów i narodów - Fiodora Michajłowicza Dostojewskiego. Pierwsza powieść Jean-Paula Sartre'a Nudności (wielu uważa ją za najlepszą) afirmowała pojęcie wolności jako kategorii wewnętrznej, niepodlegającej zewnętrznym okolicznościom, na którą człowiek jest skazany przez sam fakt urodzenia.

Pozycję autora potwierdzały nie tylko jego powieści, eseje i sztuki teatralne, ale także osobiste zachowanie, wykazujące całkowitą samodzielność. Człowiek o poglądach lewicowych krytykował jednak politykę ZSRR okresu powojennego, co nie przeszkodziło mu z kolei w porzuceniu prestiżowego nagroda Nobla przyznany za rzekomo antysowieckie publikacje. Z tych samych powodów nie przyjął Orderu Legii Honorowej. Taki nonkonformista zasługuje na szacunek i uwagę, z pewnością warto go przeczytać.

Niech żyje Francja!

W artykule nie wymieniono wielu innych wybitnych pisarzy francuskich, nie dlatego, że mniej zasługują na miłość i uwagę. Można o nich mówić bez końca, entuzjastycznie i entuzjastycznie, ale dopóki czytelnik sam nie podniesie książki, nie otworzy jej, nie ulega urokowi cudownych linijek, ostrych myśli, humoru, sarkazmu, lekkiego smutku i życzliwości promieniującej ze stron . Nie ma ludów przeciętnych, ale są oczywiście wybitni, którzy wnieśli szczególny wkład do światowego skarbca kultury. Dla tych, którzy kochają literaturę rosyjską, zapoznanie się z twórczością autorów francuskich będzie szczególnie przyjemne i przydatne.

W historii muzyki włoskiej pierwszej połowy XX wieku. Respighi wszedł jako autor jasnych programów symfonicznych (wiersze „Rzymskie fontanny”, „Szpilki Rzymu”).

Przyszły kompozytor urodził się w rodzinie muzyków. Jego dziadek był organistą, ojciec pianistą, miał Respighi i pobierał pierwsze lekcje gry na fortepianie. W latach 1891-99. Respighi studiuje w Liceum Muzycznym w Bolonii: grę na skrzypcach u F. Sartiego, kontrapunkt i fugę u Dalla Olio, kompozycję u L. Torqua i J. Martucciego. Od 1899 koncertuje jako skrzypek. W 1900 napisał jedną ze swoich pierwszych kompozycji - Wariacje symfoniczne na orkiestrę.

W 1901 jako skrzypek w orkiestrze Respighi przyjechał z włoską trupą operową do Petersburga. Oto znaczące spotkanie z N. Rimskim-Korsakowem. Czcigodny rosyjski kompozytor chłodno powitał nieznanego gościa, ale po zapoznaniu się z jego partyturą zainteresował się i zgodził się uczyć z młodym Włochem. Zajęcia trwały 5 miesięcy. Pod kierunkiem Rimskiego-Korsakowa Respighi napisał na orkiestrę Preludium, chorał i fugę. Ten esej stał się jego Praca dyplomowa w liceum bolońskim, a jego nauczyciel Martucci zauważył: „Respighi nie jest już uczniem, ale mistrzem”. Mimo to kompozytor nadal się doskonalił: w 1902 pobierał lekcje kompozycji u M. Brucha w Berlinie. Rok później Respighi ponownie odwiedza Rosję z zespołem operowym, mieszka w Petersburgu i Moskwie. Po opanowaniu języka rosyjskiego z zainteresowaniem zapoznaje się z życiem artystycznym tych miast, wysoko ceni moskiewskie przedstawienia operowe i baletowe ze scenografią i kostiumami K. Korovina i L. Baksta. Więzy z Rosją nie kończą się nawet po powrocie do ojczyzny. A. Lunacharsky studiował na Uniwersytecie Bolońskim, który później, w latach dwudziestych, wyraził życzenie, aby Respighi ponownie przyjechał do Rosji.

Respighi jest jednym z pierwszych kompozytorzy włoscy który na nowo odkrył na wpół zapomniane strony włoskiej muzyki. Na początku XX wieku tworzy nową orkiestrację „Lamentu Ariadny” C. Monteverdiego, który z powodzeniem wykonywany jest w Filharmonii Berlińskiej.

W 1914 Respighi jest już autorem trzech oper, ale praca w tej dziedzinie nie przynosi mu sukcesu. Z kolei powstanie poematu symfonicznego Fontanny Rzymu (1917) postawiło kompozytora w czołówce włoskich muzyków. To pierwsza część swego rodzaju trylogii symfonicznej: Fontanny Rzymu, Sosny Rzymu (1924) i Święta Rzymu (1928). G. Puccini, który znał kompozytora blisko i przyjaźnił się z nim, powiedział: „Czy wiesz, kto jako pierwszy studiuje partytury Respighiego? I. Z wydawnictwa Ricordi otrzymuję pierwsze egzemplarze każdej z jego nowych partytur i coraz bardziej podziwiam jego niezrównaną sztukę instrumentacji.

Znajomość I. Strawińskiego, S. Diagilewa, M. Fokina i W. Niżyńskiego miała bardzo ważne dla kreatywności Respighi. W 1919 trupa Diagilewa wystawiła w Londynie jego balet The Miracle Shop, oparty na muzyce utworów fortepianowych G. Rossiniego.

Od 1921 Respighi często występował jako dyrygent, wykonując własne kompozycje, koncertując jako pianista w Europie, USA i Brazylii. Od 1913 do końca życia wykładał w Akademii Santa Cecilia w Rzymie, a w latach 1924-26. jest jego dyrektorem.

Dzieło symfoniczne Respighiego łączy się w osobliwy sposób nowoczesna technologia pisarstwo, barwna orkiestracja (wspomniana trylogia symfoniczna, „Impresje brazylijskie”) i ciążenie ku archaicznej melodii, antycznym formom, czyli elementom neoklasycyzmu. Na tematy chorału gregoriańskiego powstało szereg utworów kompozytora ("Koncert gregoriański" na skrzypce, "Koncert miksolidyjski" oraz 3 preludia na temat melodii gregoriańskich na fortepian, "Doria Quartet"). Respighi jest właścicielem darmowych adaptacji oper Sługa-Pani G. Pergolesiego, Sztuczki kobiece G. Cimarosa, Orfeo C. Monteverdiego i innych dzieł starożytnych kompozytorów włoskich, orkiestracja pięciu Etiud-Obrazów S. Rachmaninowa, organy passacaglia c-moll J.S. Bach.

Wśród kompozytorów pokolenia lat 80. XIX wieku Ottorino Respighi zajmuje szczególną pozycję. Występując wraz z Pizzettim, Malipiero i Casellą w walce o „arte di avangardia” („sztukę awangardową”), daleki był od skrajnych form stylistycznej nowatorstwa. Jego twórczość opiera się na swoistej fuzji elementów późnego romantyzmu (w szczególności programu symfonicznego R. Straussa), impresjonizmu Debussy'ego, stylu orkiestrowego Rimskiego-Korsakowa. W odniesieniu do neoklasycyzmu Respighi kłócił się nieco ze swoimi włoskimi rówieśnikami, wypowiadając się w obronie tradycji romantycznych, przestrzegając przed nadmiernym racjonalizmem. Daleki był od głębokiego psychologizmu i groteski Malipiero, a także religijnych aspiracji Pizzettiego.

Respighi był po Puccinim pierwszym włoskim kompozytorem, który zdobył szerokie uznanie na całym świecie. Ale w przeciwieństwie do autora Toski, zasłynął przede wszystkim utworami symfonicznymi.

Respighi urodził się 9 lipca 1879 roku w Bolonii w rodzinie muzyków. W 1891 roku, w wieku 12 lat, wstąpił do liceum muzycznego, gdzie uczył się gry na skrzypcach i altówce, a także teorii muzyki i kompozycji w klasach wybitnych koneserów muzyki dawnej L. Torquaya i J. Martucciego. Dogłębnie studiuje klasykę, zwłaszcza Beethovena i Wagnera, a także gra na fortepianie. W 1899 Respighi ukończył Liceum w klasie skrzypiec i rozpoczął pracę jako skrzypek. W tym samym roku w Bolonii wykonano jego Wariacje symfoniczne - efekt zajęć z kompozycji.

Po otrzymaniu zaproszenia do orkiestry Opery Włoskiej w Petersburgu Respighi pracował w tym teatrze przez dwa sezony - 1900/01 i 1901/02. Pobyt w Rosji odegrał ogromną rolę w ukształtowaniu jego osobowości twórczej. Szczególnie duży wpływ wywarły na niego pięciomiesięczne studia u Rimskiego-Korsakowa w 1901 roku. Oprócz tego wpływ ogólna atmosfera Rosyjskie życie artystyczne, niezwykle intensywne na początku XX wieku. Zbliżenie z S. Diagilewem wprowadził Respighiego w środowisko „Świata Sztuki”, gdzie zapoznał się z twórczością A. Benois, K. Korovina, L. Baksta. Usłyszał wybitnych rosyjskich śpiewaków (m.in. Chaliapina), orkiestrę operową pod dyrekcją Napravnika, koncerty symfoniczne Petersburg. Wszystko to wywarło na kompozytora wyraźny wpływ: soczystość, jasność jego orkiestrowej barwy, wrażliwe podejście do materiału pieśni ludowej, swoista kolorystyka dur-moll z archaicznymi zwrotami modalnymi - w tym wszystkim można wyczuć rosyjskie wpływy.

Pobyt w Berlinie (1902) daje Respighiemu możliwość zbliżenia się z twórczością R. Straussa i innych niemieckich mistrzów, aby kontynuować rozwój zawodowy u M. Brucha. Tymczasem coraz częściej próbuje swoich sił w komponowaniu. W 1902, pod koniec liceum, przedstawił partyturę napisaną w Petersburgu - Preludium, chorał i fugę na orkiestrę. Jego kolejne dzieła to Koncert fortepianowy (1902), Pięć utworów na skrzypce i fortepian (1904), Nokturn (1905) i Burleska na orkiestrę, szereg romansów. Najważniejszym dziełem tych lat jest opera komiczna „Król Enzo” (1905) w wykonaniu studentów Uniwersytetu Bolońskiego, z którymi Respighi nawiązał przyjazne stosunki (wśród jego przyjaciół był A. Lunacharsky, który studiował w Bolonii na i młody hiszpański kompozytor Joaquin Ning).

Od 1906 Respighi występuje jako wykonawca na altówce i altówce amour w Zespole Muzyki Dawnej B. Mugelini, a od 1908 pracuje jako pianista w Szkole Śpiewu w Berlinie. wykonawca prowadzi go do głębokiego studium rodzimej klasyki muzycznej.Przez jakiś czas zajmuje się montażem dzieł dawnych Włochów.Po przetworzeniu Lamentu Ariadny Monteverdiego dokonuje transkrypcji Pastoralu Tartiniego na skrzypce i kwintet smyczkowy, Chaconne na skrzypce Vitali, Kwintet smyczkowy i organy, pojawiają się także jego adaptacje solowych sonat Locatellego, Tartiniego, Veraciniego na skrzypce i fortepian A w 1908 Respighi tworzy oryginalny Koncert w dawnym stylu na skrzypce i orkiestrę.

Po powrocie do Włoch w połowie 1909 kompozytor komponuje drugą operę Semiramide. Jego premiera wkrótce odbyła się w Bolonii i wywołała sprzeczne reakcje. „Semiramide” swoją dramatyczną intensywnością i złożonością materii orkiestrowej przypominał „Salome” R. Straussa, ale partie wokalne pozostawały w granicach tradycyjnego włoskiego melosu. Porażka spotkała kompozytora w kolejnej operze – „Marie-Victoire” (nie została wystawiona).

Godnym uwagi dziełem z 1911 r. był poemat na mezzosopran i orkiestrę „Aretusa” do tekstu P.B. Shelleya, naznaczony subtelnym blaskiem pisarstwa orkiestrowego.

Chociaż utwory Respighiego były wtedy jeszcze rzadko wykonywane, jego autorytet jako kompozytora i wykonawcy był już dość wysoki. Określono także indywidualne cechy jego stylu, które dodatkowo wzbogacono: ekspresyjną, plastyczną melodię (raczej instrumentalną niż wokalną), diatoniczne myślenie ladotonalne, znaczącą rolę harmonii, działającej jako czynnik czynny w kształtowaniu i dramaturgii barwy. Uwagę przykuwało także bogactwo i różnorodność faktury oraz rytmu. Najważniejszym osiągnięciem kompozytora w tych latach było opanowanie pisarstwa instrumentalnego, zarówno orkiestrowego, jak i kameralnego. Jego twórczość instrumentalna wykazywała błyskotliwy kunszt, wirtuozerię, bogactwo barwy, doskonałość formy. Jednak jego styl był nadal w dużej mierze eklektyczny.

Po przeprowadzce do Rzymu w 1913 Respighi został kierownikiem klasy kompozycji w Liceum Muzycznym w rzymskiej Akademii Santa Cecilia. W tych samych latach poznał Strawińskiego, Fokine, Niżyńskiego i Casalsa podczas ich wizyt we Włoszech. Uważnie studiuje twórczość Debussy'ego, Ravela, Strawińskiego, ale ignoruje eksperymenty muzyki noise włoskich futurystów, pozostając obojętnym na twórczość kompozytorów szkoły nowowieńskiej.

Z jego utworów z okresu I wojny światowej warto zwrócić uwagę na utworzoną w 1917 roku suitę Starożytne pieśni i tańce na lutnię (transkrypcja na orkiestrę). Doświadczenie przetwarzania muzyki lutniowej było kontynuowane w drugiej (1923) i trzeciej (1931) podobnych suitach.

Rok 1917 to ważna data w twórczości Respighiego. Kompozytor kończy czteroczęściowy poemat symfoniczny” Fontanny Rzymu„- dzieło, w którym wyraźnie ujawnił się jego oryginalny talent symfoniczny. Odtąd w jego sztuce afirmowany jest temat Rzymu, który wielokrotnie będzie deklarował w kolejnych pracach. Pierwsze wykonanie wiersza nie było zbyt udane, reakcja publiczności była powściągliwa, recenzje krytyków były sprzeczne, w niektórych ocenach wyrażano oczywiste niezrozumienie znaczenia tego nowatorskiego programu dla programu włoskiego. muzyka symfoniczna Pracuje. Rok później wielki Toscanini dyrygował Fontanną Rzymu i tym razem wywołały entuzjastyczne przyjęcie publiczności i krytyki oraz przyniosły autorowi poematu szeroką sławę.

W Rzymie, mieście, w którym przeszłość i teraźniejszość kultury włoskiej są misternie splecione, Respighi znalazł dla siebie niewyczerpane źródło Inspiracja. W ta sprawa jego uwagę przykuły fontanny, które uważane są za jedną z głównych atrakcji stolicy Włoch. Jako niezbędny detal architektoniczny zdobią skwery, ogrody, fasady pałaców, ulice, z powodzeniem wpisując się w zespół miasta i otaczającego go krajobrazu. Kompozytor wykonał cztery słynne fontanny „bohaterów” swego pierwszego poematu symfonicznego i zgodnie z tym planem poprzedził ich części następującymi nagłówkami: „Fontanna „Balle Giulia” o świcie, „Fontanna” Tryton „rano”, „ Fontanna di Trevi” w południe”, „Fontanna Villa Medici przy zachodzącym słońcu”.

„Balle Giulia”, jedna z najstarszych rzymskich fontann, według programu autora kojarzy się z krajobrazem przedmieść miasta. Fontanna Trytona znajduje się na Piazza Barberini; charakteryzuje się rzeźbiarskimi wyobrażeniami stworzenia mitologiczne- dziwaczne figurki trytonów, najad i syren, które zdają się poruszać strumieniami wody. Fontanna di Trevi - najsłynniejsza z rzymskich fontann - została zbudowana, aby ozdobić jedną z fasad Pałacu Polo; centrum jej kompozycji stanowi potężny posąg boga mórz, Neptuna, stojącego na ogromnym rydwanie-muszli i rządzącego ośmioma gigantycznymi konikami morskimi. Fontanna Willi Medici stanowi jeden zespół z samą willą.

Pierwsza część wiersza to impresjonistyczny pejzaż, tworzony za pomocą subtelnych orkiestrowych barw; jest to jeden z pierwszych wybitnych przykładów pisma impresjonistycznego w muzyce włoskiej. Druga część rozwiązana jest w inny sposób: tutaj statyczno-pejzażowy charakter muzyki zastępuje taniec. To fantastyczne scherzo jest najbardziej dynamiczną częścią wiersza. Rozpoczyna się szybkim wprowadzeniem, stwarzającym wrażenie potężnego uniesienia strumienia fontanny. główna rola w osiągnięciu tego efektu należą rogi, których głośny krzyk podkreśla szybkie wznoszenie się pozostałych instrumentów orkiestry.

W czasie I wojny światowej, kiedy możliwości działalności koncertowej zostały znacznie ograniczone, Respighi dużo pracował nad tłumaczeniami na języki język włoski„Mobilny kontrapunkt ścisłego pisania” Tanejewa i „Nauki o harmonii” Schoenberga (choć te tłumaczenia nie zostały ukończone). Twórczości też nie porzuca: w 1917 skomponował wspaniałą Sonatę na skrzypce i fortepian oraz pięć romansów, w 1918 - poematy kameralne „Zachód słońca” i „Mimoza” do wierszy Shelleya na głos i kwartet smyczkowy. Następnie na zamówienie Diagilewa napisał balet Sklep cudów (na podstawie utworów fortepianowych Rossiniego), który w czerwcu 1919 r. został z powodzeniem zaprezentowany w Londynie.

* Sklep Cudów był drugim z baletów zamówionych przez Diagilewa, opartych na opracowaniu dzieł dawnych mistrzów muzyki włoskiej: w 1917 r. w Rzymie jego trupa wykonała po raz pierwszy balet V. Tommasiniego „Kobiety dobrego charakteru ” (za C. Goldoni) do sonaty muzycznej D. Scarlatti; trzecim baletem „włoskim” była „Pulcinella” Strawińskiego do muzyki Pergolesiego (premiera odbyła się w Paryżu w 1919 r.).

W 1920 roku, odpowiadając na ożywienie zainteresowania gatunkiem baletu we Włoszech, wywołane wrażeniami z występów trupy Diagilewa, kompozytor napisał balet Czarodziejski garnek (oparty na rosyjskim materiale muzycznym).

Rozwija się także instrumentalna kreatywność Respighiego. W 1920 stworzył orkiestrową Ballad of the Dwarfs, a w 1921 powstały wyróżniające się subtelnością Trzy Preludia na melodie gregoriańskie na fortepian. Nie mniej godne uwagi pod względem poezji i mądrej zwięzłości pisarskiej są Cztery pieśni ormiańskie na głos i fortepian (1921). Do niewątpliwych osiągnięć kompozytora należy Koncert gregoriański na skrzypce i orkiestrę (1922), będący atrakcyjną i wrażliwą interpretacją dawnego trybu, oraz Dorian Quartet na smyczki (1924) o surowej kolorystyce. Po nich następuje Koncert fortepianowy w trybie myceolidyjskim (1924) oraz genialny poemat symfoniczny Pines of Rome, który z triumfalnym sukcesem został wykonany w sali Augusteum pod batutą Toscaniniego.

Równolegle z tworzeniem wyżej wymienionych dzieł instrumentalnych Respighi pracował w latach 1921-1923 nad operą komiczną Belfagor wg G. Hauptmanna, której libretto napisał jego przyjaciel, pisarz C. Guastalla, który został librecistą wszystkich późniejszych opery kompozytora. W Belfagorze Respighi czerpie z zasad dramaturgii muzycznej Falstaffa Verdiego. A w jego dalszej twórczości operowej decydującą rolę odegrały zasady dramaturgii operowej późnego Verdiego.

Z dala od życia politycznego, w latach faszyzmu Respighi pozostawał z dala od duchowej walki opozycyjnej inteligencji włoskiej. Jednocześnie autorytet światowej sławy kompozytora pomógł mu zachować pewną niezależność twórczą.

Od 1924 Respighi, przeciążony obowiązkami rektora Konserwatorium Santa Cecilia*,

* W 1919 roku Liceum Muzyczne przy Akademii Santa Cecilia zostało przekształcone w konserwatorium.

prawie nic nie pisze. Jednak w drugiej połowie lat 20. powrócił do twórczości. W 1927 ukończył czteroaktową operę Zatopiony dzwon według dramatu Hauptmanna o tym samym tytule (libretto Guastalli). Wystawiono go z wielkim sukcesem w listopadzie tego samego roku w Hamburgu, a następnie na wielu scenach operowych w Europie, USA i Argentynie. Jednak największe osiągnięcia Respighiego dotyczyły muzyki symfonicznej. Przede wszystkim należy tu wspomnieć Tryptyk Botticellego na orkiestrę smyczkową (1927), którego figuratywna treść inspirowana jest obrazami Botticellego „Wiosna”, „Adoracja Trzech Króli”, „Narodziny Wenus”. Nie sposób nie podziwiać wyrafinowanego kunsztu kompozytora, który pierwszą część tryptyku oparł na gatunkach tańców ludowych, drugą – ludowe pieśni bożonarodzeniowe, trzecią – porywającą melodię wiolonczel, opartą na starożytnych greckich modach. Atrakcyjna jest suita orkiestrowa „Witraż kościelny” (1926), składająca się z części „Ucieczka do Egiptu”, „Michał Archanioł”, „Poranek św. Klary” i „Święty Grzegorz Wielki”. Jej muzyka, przesiąknięta wysoką poezją, naznaczona jest jednocześnie cechami naiwnego archaizmu i bezpośredniości; w pełni zamanifestowało się w nim właściwe autorowi poczucie barwy dźwięku, wirtuozowskie mistrzostwo środków orkiestrowych.

W 1927 Respighi napisał suitę Birds na małą orkiestrę - kolejny przykład twórczego przemyślenia zapożyczonego starego materiału, charakterystycznego dla epoki (przypomnijmy Strawińskiego) i dla samego Respighiego. Suitę otwiera krótkie Preludium na temat XVII-wiecznego kompozytora B. Pasquiniego, po którym następuje sztuka Gołębica, oparta na adaptacji eleganckiego tematu XVII-wiecznego francuskiego lutnisty A. Gallo; część trzecia – „Kurczak” – jest napisana na temat J.-F. Rameau, czwarty – „Słowik” – na temat nieznanego angielskiego lutnika z XVI wieku (Respighi wprowadza do swojego opracowania dowcipną parodię „Szelestu lasu” Wagnera). Toccata zamykająca suitę napisana jest na temat Kukułki Pasquiniego.

W 1929 Respighi ukończył monumentalny poemat symfoniczny „ Festyny rzymskie”, który wraz z „Fontannami Rzymu” i „Sosnami Rzymu” utworzył trylogię symfoniczną.

To właśnie w „rzymskich uroczystościach” najbardziej się manifestują cechy narodowe muzyka Respighiego. Kompozytor w szerokim zakresie korzysta z włoskiego folkloru, którego możliwości wyrazowe umiejętnie ujawnia współczesne pisarstwo muzyczne. Z folkloru zapożycza cechy intonacyjno-rytmiczne, obrazowanie gatunkowe, które umiejętnie realizuje za pomocą śmiałych metod pisarstwa orkiestrowego, opartych na wirtuozowskim wykorzystaniu wyrazistości barw instrumentów. Ogromna orkiestra wiersza wyróżnia się rozbudową grupy perkusyjnej (ze względu na dużą rolę początku rytmicznego w tym utworze) i instrumentów dętych drewnianych, zastosowanie takich niezwykłe instrumenty jak mandolina, sopran buccin, fortepian, organy.

Pierwsza część wiersza – „Spektakl cyrkowy” – wprowadza rzymski tłum w atmosferę szalejących namiętności, czekając w cyrku na rozpoczęcie okrutnego, krwawego spektaklu. Zbudowana jest na kontrastowej opozycji wrogich sobie obrazów – chrześcijańskich męczenników, zwierząt i tłumu. Druga część – „Jubileusz” – przenosi słuchaczy do średniowiecznego Rzymu*.

* Jubileusz – święto wprowadzone przez papieża Bonifacego VIII w 1300 roku, aby przyciągnąć pielgrzymów (tych, którzy odwiedzili Rzym w rok jubileuszowy wszystkie grzechy zostały odpuszczone). Początkowo odbywała się raz na sto lat, ale potem, chcąc uzyskać ogromne dochody, jakie wizyty pielgrzymów przynosiły Kościołowi katolickiemu, zaczęto organizować obchody Jubileuszu po pięćdziesięciu, a nawet dwudziestu pięciu latach.

Kompozytor nawiązuje tu do chorału gregoriańskiego, na którego intonacjach główny temat ta część. Muzyka przedstawia tłum pielgrzymów zmierzający w stronę centrum katolickiego świata i ze znużeniem śpiewający smutną melodię chóralną. Stopniowo, w miarę zbliżania się do Rzymu, pielgrzymi ogarnia duchowe podniesienie, a chorał zamienia się w radosny hymn. Trzecia część wiersza – „Święto Październikowe” – przenosi nas w czasy renesansu, czerpie ludową zabawę, którą przeciwstawiają epizody oddające atmosferę poetycko wzniosłych uczuć i myśli ówczesnych ludzi. Ta część opiera się na kapryśnej przemianie epizodów swobodnie przechodzących w siebie, tworząc kalejdoskopowo jasną, wolną w strukturze forma muzyczna. Wiersz kończy obraz masowego odprawiania na jednym z dużych placów Rzymu („Święto Chrztu”). W finale obrazowo uchwycony zostaje obraz ludzi - prawdziwego właściciela wielkiego miasta. Przedstawia nam niesamowity obraz wybujałej, różnorodnej w naturze ludowej radości, po mistrzowsku oddany przez kompozytora intonacjami włoskiej pieśni i tańca.

subtelne zrozumienie style muzyczne różne epoki znakomicie przejawiły się w dwóch orkiestrowych transkrypcjach Respighiego – Chaconne J.S. Bacha (1929), wykonanej na prośbę Toscaniniego i zajęły stałe miejsce w programach wielkiego dyrygenta, oraz orkiestrowej adaptacji pięciu etiud-obrazów Rachmaninowa, co wzbudziło zachwyt ich autora. Oprócz Chaconne powstały także inne transkrypcje Bacha: Preludium i Fuga in D-dur (1930), Trzy chorały organowe (1931), Passacaglia in c-moll (1934). Pod względem stylu pisarskiego sąsiaduje z nimi oryginalne dzieło z 1930 r. – Metamorfozy wachlowane archaiczną poezją w trybie XII (temat z wariacjami). Najnowsza praca, który uzupełnił linię instrumentalną dzieła Respighiego, był Koncert na obój, róg, skrzypce, kontrabas, fortepian i orkiestrę smyczkową (1934), napisany w gatunku concerto grosso. Wspomnijmy o twórczości teatralnej tamtych lat: opartym na motywach folkloru arabskiego i żydowskiego baletu Balkis, Królowa Saby (1931), a także o misterium Maria z Egiptu (1932).

W 1932 Respighi wraz z grupą innych kompozytorów wydał manifest wzywający do wzmocnienia więzi z tradycjami narodowymi. Manifest zawierał także wezwanie do odrodzenia romantycznej kultury uczuć i protest przeciwko miażdżącemu racjonalizmowi. ruchy modernistyczne(przede wszystkim chodziło o dodekafonię szkoły nowowieńskiej, ale krytyka była skierowana także przeciwko neoklasycyzmowi, co spowodowało odejście Respighiego od Caselli i Malipiero). W warunkach faszystowskiej dyktatury manifest miał podwójne znaczenie: wezwanie do naśladowania tradycje narodowe grał w ręce nacjonalistycznych tendencji reżimu, a chęć przywrócenia muzyce emocjonalności romantycznego planu powinna była ostrzec kompozytorów przed niebezpieczeństwem abstrakcyjnego racjonalizmu.

Również w 1932 Respighi został wybrany członkiem Królewskiej Akademii Włoch. Choroba serca poważnie ograniczyła jego działalność koncertową i 18 kwietnia 1936 zmarł w Rzymie. Jego ostatnie dzieło muzyczno-sceniczne - "Lukrecja" (według definicji gatunkowej autora "historia") do libretta Guastalli - pozostało niedokończone i zostało ukończone przez żonę kompozytora i studentkę Elsę Respighi. Wśród późniejszych dzieł kompozytora wymienić należy dobrowolną rekonstrukcję opery Monteverdiego Orfeusz, a także opracowanie kantaty Dydona B. Marcella (1935).

W historii muzyki włoskiej pierwszej połowy XX wieku. Respighi wszedł jako autor jasnych programów symfonicznych (wiersze „Rzymskie fontanny”, „Szpilki Rzymu”).

W 1901 jako skrzypek w orkiestrze Respighi przyjechał z włoską trupą operową do Petersburga. Oto znaczące spotkanie z N. Rimskim-Korsakowem. Czcigodny rosyjski kompozytor chłodno powitał nieznanego gościa, ale po zapoznaniu się z jego partyturą zainteresował się i zgodził się uczyć z młodym Włochem. Zajęcia trwały 5 miesięcy. Pod kierunkiem Rimskiego-Korsakowa Respighi napisał na orkiestrę Preludium, chorał i fugę. Ten esej stał się jego pracą dyplomową w Liceum Bolońskim, a jego nauczyciel Martucci zauważył: „Respighi nie jest już uczniem, ale mistrzem”. Mimo to kompozytor nadal się doskonalił: w 1902 pobierał lekcje kompozycji u M. Brucha w Berlinie. Rok później Respighi ponownie odwiedza Rosję z zespołem operowym, mieszka w Petersburgu i Moskwie. Po opanowaniu języka rosyjskiego z zainteresowaniem zapoznaje się z życiem artystycznym tych miast, wysoko ceni moskiewskie przedstawienia operowe i baletowe ze scenografią i kostiumami K. Korovina i L. Baksta. Więzy z Rosją nie kończą się nawet po powrocie do ojczyzny. A. Lunacharsky studiował na Uniwersytecie Bolońskim, który później, w latach dwudziestych, wyraził życzenie, aby Respighi ponownie przyjechał do Rosji.

Respighi jest jednym z pierwszych włoskich kompozytorów, który na nowo odkrył na wpół zapomniane karty włoskiej muzyki. Na początku XX wieku tworzy nową orkiestrację „Lamentu Ariadny” C. Monteverdiego, który z powodzeniem wykonywany jest w Filharmonii Berlińskiej.

Znajomość I. Strawińskiego, S. Diagilewa, M. Fokina i W. Niżyńskiego miała ogromne znaczenie dla twórczości Respighiego. W 1919 trupa Diagilewa wystawiła w Londynie jego balet The Miracle Shop, oparty na muzyce utworów fortepianowych G. Rossiniego.

Symfoniczna twórczość Respighiego w unikalny sposób łączy nowoczesną technikę pisarstwa, barwną orkiestrację (wspomniana trylogia symfoniczna „Impresje brazylijskie”) z tendencją do archaicznej melodii, antycznych form, czyli elementów neoklasycyzmu. Na tematy chorału gregoriańskiego powstało szereg utworów kompozytora ("Koncert gregoriański" na skrzypce, "Koncert miksolidyjski" oraz 3 preludia na temat melodii gregoriańskich na fortepian, "Doria Quartet"). Respighi jest właścicielem darmowych adaptacji oper Sługa-Pani G. Pergolesiego, Sztuczki kobiece G. Cimarosa, Orfeo C. Monteverdiego i innych dzieł starożytnych kompozytorów włoskich, orkiestracja pięciu Etiud-Obrazów S. Rachmaninowa, organy passacaglia c-moll J.S. Bach.

W. Iljewa

O.Respighi Poemat symfoniczny„Sosny Rzymu” (1924)

1. Sosny Villa Borghese

2. Sosny w katakumbach

3. Sosny na Janiculi

4. Sosny Drogi Appijskiej

W Rzymie, mieście, w którym przeszłość i teraźniejszość włoskiej kultury są misternie splecione, Respighi znalazł dla siebie niewyczerpane źródło inspiracji. Warto jednak zauważyć, że ukazując miasto w słynnym tryptyku poematów symfonicznych („Fontanny Rzymu”, „Sosny Rzymu”, „Święta rzymskie”), kompozytor daleki jest od motywów nowoczesnej urbanistyki. Jego Rzym to miasto fontann ozdobionych sosnami, Rzym „wieczny”, nie nowoczesny. Cztery części „Pinii” nawiązują nie tyle do miejskich krajobrazów, co do rzymskiej historii.

Portal dla kobiet Flero