Znany z tego śpiewacy operowi i działa. Jeśli kochasz operę, postaraj się być chociaż na jednym przedstawieniu (bilety kup wcześniej). Sezon operowy trwa zwykle od października do kwietnia, natomiast latem można tu obejrzeć rozmaite spektakle plenerowe.

To, co najlepsze opery Włochy i kilka letnich festiwali operowych:

Teatr La Scala - Teatro Alla Scala

Adres: Piazza Giuseppe Verdi, 10, 43011 Busseto Parma

Teatr Verdi w Pizie - Teatro Verdi di Pisa

Adres: Piazza Beniamino Gigli, 7, 00187 Rzym

Kup bilety online (w języku włoskim)

Arena di Verona - Arena di Verona

Chociaż nie jest to teatr, amfiteatr w Weronie jest fantastycznym miejscem na przedstawienia operowe. Sezon zaczyna się w czerwcu.

Adres: Piazza Brà, 1, 37121 Werona

Kup bilety online

Festiwal Pucciniego - Festival Pucciniano

Ten festiwal operowy odbywa się w Torre del Lago Puccini w Toskanii, ojczyźnie sławnych kompozytor operowy Giacomo Pucciniego. Czas festiwalu: lipiec-sierpień.

Adres: Via delle Torbiere, 55049 Viareggio Lukka

Kup bilety online (w języku angielskim, niemieckim lub włoskim)

Sferisterio - Festiwal Operowy Macerata - Sferisterio - Festiwal Operowy Macerata

Festiwal Operowy Sferiterio odbywa się pod gołym niebem na arenie w mieście Macerata w regionie Marche. Pokazy odbywają się w lipcu i sierpniu.

Adres: Piazza Giuseppe Mazzini, 10, 62100 Macerata

Kup bilety online (w języku angielskim lub włoskim)

Co czyni koneserów muzyka klasyczna zarezerwować loty do Europy na przedstawienia operowe? W europejskie miasta poziom opery jest na wysokim poziomie, architektura teatrów jest niesamowita. Dla wszystkich, którzy kochają ten rodzaj sztuki, proponujemy przegląd najważniejszych teatrów operowych w Europie.

La Scala, Mediolan
Opera La Scala została otwarta dla zwiedzających w 1778 roku. Dziś, mając zarezerwowane bilety lotnicze do Mediolanu i udając się do najsłynniejszej opery, można posłuchać światowych arcydzieł Belliniego, Verdiego, Pucciniego, Donizettiego, Rossiniego. Nawiasem mówiąc, pojemność widowni wynosi 2030 widzów, a koszt biletów waha się od 35 do 300 euro. La Scala jest wyjątkowa, ponieważ sezon rozpoczyna się 7 grudnia (jest to dzień św. Ambrożego, patrona Mediolanu) i trwa do listopada. W La Scali obowiązuje ścisły dress code, do teatru można wejść tylko w czarnej sukience lub smokingu.

San Carlo, Neapol
San Carlo to największa opera nie tylko we Włoszech, ale także w Europie. Przewyższają go jedynie teatry w Nowym Jorku i Chicago. Teatr zaczął działać w 1737 roku. Po pożarze został odbudowany w 1817 roku. Niesamowicie luksusowy teatr może pomieścić 3283 widzów, ceny biletów zaczynają się od 25 euro. Jeśli zdecydujesz się zarezerwować loty do tego wspaniałego miasta i odwiedzić je, koniecznie posłuchaj Otello Giuseppe Verdiego w San Carlo - będziesz miał wielką przyjemność.

Covent Garden, Londyn
Jeśli zarezerwujesz bilet do, możesz zobaczyć nie tylko Tower Bridge i gwardię królewską, ale także teatr królewski. Otwarty w 1732 roku pod kierownictwem Haendla, teatr przetrwał ponad 3 pożary i za każdym razem był odnawiany z zachowaniem wspaniałej architektury. Ekskluzywność teatru polega na tym, że wystawianych jest wiele spektakli język angielski. Bilety kosztują od 10 do 200 funtów. W Covent Garden polecamy posłuchać opery Norma Vincenza Belliniego.

Wielka Opera, Paryż
Aby docenić wielkość teatru, wystarczy wymienić wielkich kompozytorów, którzy wykonywali w nim swoje dzieła: Deelib, Rossini, Meyerbeer. W najczęściej odwiedzanym teatrze świata bilety kosztują nawet 350 euro, a pojemność sali to 1900 widzów. Fasada z 7 łukami, rzeźbami dramatu, muzyki, poezji i tańca oraz wnętrze z marmurowymi schodami, freskami Pilsa, obrazami Chagalla i Baudry'ego. Warto zarezerwować loty, aby choć raz odwiedzić Wielką Operę

Opera Królewska, Wersal
Opera Królewska w Wersalu mieści się w dużym luksusowym pałacu i jest największym teatrem pałacowym na świecie. Jego architektoniczna wyjątkowość polega na tym, że jest w całości wykonany z drewna, a wszystkie marmurowe powierzchnie to tylko imitacje. W teatrze odbywały się premiery znakomitych oper, m.in. Ifigenii w Taurydzie Glucka. Teraz ten teatr jest częścią obowiązkową program kulturalny dla tych, którzy zarezerwowali loty do Paryża. Minimalna cena biletu to 20 euro.

Wiedeńska Opera Państwowa, Wiedeń
Opera Wiedeńska to prawdziwie królewski styl i skala. Na otwarcie teatru wykonali Don Giovanniego Mozarta. Wszystko w operze jest przepojone duchem wielkich Austriacki kompozytor: fasada teatru, wykonana w stylu neorenesansowym, pokryta jest freskami nawiązującymi do opery Czarodziejski flet. I najpopularniejsze dyrektor artystyczny dyrygentem był Gustav Mahler. Co roku w lutym w teatrze odbywa się bal wiedeński. Po zarezerwowaniu biletu do Wiednia koniecznie odwiedźcie operę!

Teatro Carlo Felice w Genui
Teatr Carlo Felice w Genui jest symbolem miasta, dla którego nie szczędzono pieniędzy ani wysiłku. Na przykład projekt sceny stworzył Luigi Canonica, który zbudował La Scalę. Z teatrem nierozerwalnie związane jest nazwisko Giuseppe Verdiego, który przez wiele sezonów z rzędu miał premiery swoich oper. I do dziś na plakacie teatru można zobaczyć kreacje genialny kompozytor. Jeśli zarezerwowaliście loty do Genui, radzimy posłuchać opery „Mary Stuart” Gaetano Donizettiego. Nawiasem mówiąc, ceny biletów są dość demokratyczne i zaczynają się od 7 euro.

Gran Teatro Liceu w Barcelonie
, pokochać operę i przejść obok „Grand Teatro Liceo” jest po prostu niemożliwe! Teatr słynie zarówno z klasycznego repertuaru, jak i nowoczesnego podejścia do dzieł. Teatr przetrwał wybuch, wielki pożar i został odrestaurowany dokładnie według oryginalnych rysunków. Siedzenia w audytorium wykonane są z żeliwa z czerwoną aksamitną tapicerką, a żyrandole z mosiądzu w kształcie smoka z kryształowymi kloszami.

Teatr Stanowy, Praga
Praski teatr jako jedyny w Europie przetrwał w niemal niezmienionej formie. To właśnie w Teatrze Stanowym Mozart po raz pierwszy zaprezentował światu swoje opery Don Giovanni i Miłosierdzie Tytusa. Do dziś podstawą repertuaru teatru są dzieła klasyków austriackich. Wśród wirtuozów, którzy występowali na tej scenie, są Anton Rubinstein, Gustav Mahler, Niccolo Paganini. Oprócz opery odbywają się tu przedstawienia baletowe i dramatyczne. A czeski reżyser Milos Forman nakręcił tu swój film Amadeusz, który przyniósł wiele Oscarów.

bawarski operę państwową, Monachium
Opera Państwowa w Bawarii uznawana jest za jeden z najstarszych teatrów na świecie, została otwarta już w 1653 roku! Teatr może pomieścić 2100 widzów, a ceny biletów zaczynają się od 11 euro, a kończą na 380 euro. Tutaj prezentowane były premiery Wagnera – „Tristan i Izolda”, „Złoto Renu”, „Walkiria”. Rocznie daje 350 przedstawień (w tym balet). Ci, którzy zarezerwowali lot do Monachium, muszą zobaczyć Operę Bawarską.

Treść artykułu

TEATR WŁOSKI. Sztuka teatralna Włoch swoimi korzeniami sięga ludowych obrzędów i zabaw, karnawałów, kultowych pieśni i tańców związanych z naturalnym cyklem i pracą na wsi. Igrzyska majowe obfitowały w pieśni i dramatyczne akcje. , trzymany przez płonący ogień, symbolizujący słońce. Od połowy XIII wieku Lauda powstaje w Umbrii (lauda) , rodzaj kwadratowego spektaklu, -religijne pieśni pochwalne, które stopniowo nabrały formy dialogicznej. Fabułą tych przedstawień były głównie sceny ewangeliczne – zwiastowanie, narodziny Chrystusa, czyny Chrystusa… Wśród kompozytorów laudów wyróżniał się toskański mnich Jacopone da Todi (1230-1306). Jego najsłynniejsze dzieło Lament Madonny. Laudy posłużyły jako podstawa do powstania przedstawień sakralnych (sacre rappresentazioni), które rozwinęły się w XIV-XV wieku. (pierwotnie również w środkowych Włoszech), bliski tajemnicy gatunek, powszechny w krajach północnej Europy. Treść przedstawień sakralnych oparto na wątkach Starego i Nowego Testamentu, do których dodano motywy baśniowe i realistyczne. Występy odbywały się na podium zainstalowanym na rynku miejskim. Scena została zbudowana zgodnie z przyjętym kanonem – na dole „piekło” (otwarta paszcza smoka), na górze „raj”, a pomiędzy nimi inne sceny akcji – „Góra”, „Pustynia” , “ Pałac Królewski"itd. Jednym z najbardziej znanych autorów tego gatunku był Feo Belcari - Reprezentacja Abrahama i Izaaka (1449), Święty Jan na pustyni(1470) itp. Władca Florencji, Lorenzo Medici, komponował również przedstawienia sakralne.

W 1480 roku młody nadworny poeta i znawca starożytności Angelo Poliziano (1454-1494) na zlecenie kardynała Francesco Gonzagi napisał dramat pasterski o fabule starożytny grecki mit Legenda o Orfeuszu. Był to pierwszy przykład odwołania się do obrazów starożytnego świata. Od sztuki Poliziano, przesiąkniętej pogodnym, pogodnym nastrojem, zaczyna się zainteresowanie dramatami mitologicznymi iw ogóle fascynacja starożytnością.

Włoski dramat literacki, od którego zaczyna się historia renesansowej dramaturgii zachodnioeuropejskiej, opierał się w swojej estetyce na doświadczeniach dramaturgii antycznej. Komedie Plauta i Terencjusza wyznaczały włoskim dramatopisarzom-humanistom tematy ich dzieł, kompozycję aktorzy i budownictwo kompozycyjne. Bardzo ważne miał przedstawienia komedii łacińskich przez uczniów i studentów, zwłaszcza w Rzymie pod kierunkiem Pomponio Leto w latach siedemdziesiątych XIV wieku. Wykorzystując tradycyjne wątki, wprowadzali do swoich kompozycji nowe postacie, nowoczesną kolorystykę i oceny. Prawdziwe życie uczynili treścią swoich sztuk i postaciami współczesnego im człowieka. Pierwszym komikiem czasów nowożytnych był wielki poeta późnego włoskiego renesansu Ludovico Ariosto. Jego sztuki są pełne realistycznych obrazów, ostrych satyrycznych szkiców. Stał się twórcą włoskiej komedii narodowej. Od niego pochodzi rozwój komedii w dwóch kierunkach - czysto rozrywkowy ( Kalandria kardynał Bibiena, 1513) i satyryczną przedstawioną przez Pietro Aretino ( maniery dworskie, 1534, Filozof, 1546), Giordano Bruno ( Świecznik, 1582) i Niccolo Machiavelli, który stworzył najlepszą komedię epoki - mandragora(1514). Na ogół jednak dramatyczne pisma włoskich komików były niedoskonałe. Nieprzypadkowo cały kierunek nazwano „Komedia naukowa” (commedia erudita).

Równolegle z komedią literacką pojawia się tragedia. Włoska tragedia nie przyniosła wielkiego sukcesu. Powstało wiele sztuk tego gatunku, które zawierały straszne historie, zbrodniczych namiętności i niewiarygodnych okrucieństw. Nazywano je „tragediami grozy”. Najbardziej udane dzieło gatunku - Sofonisba G. Trissino, napisany czystym wierszem (1515). Zdobyte doświadczenie Trissino dalszy rozwój daleko poza Włochami. Tragedia P. Aretino miała też pewne zalety. Horacy (1546).

Trzeci - najbardziej udany i żywy - gatunek włoskiego dramatu literackiego XVI wieku. stał się pasterski, który szybko rozpowszechnił się na dworach Europy (). Gatunek nabrał arystokratycznego charakteru. Jego miejscem urodzenia jest Ferrara. słynny wiersz J. Sannazzaro Arkadia(1504), gloryfikujący wiejskie życie i przyrodę jako „zakątek wypoczynku”, zapoczątkował kierunek. Najbardziej znane dzieła z gatunku pasterskiego to Aminta Torquato Tasso (1573), dzieło pełne prawdziwej poezji i renesansowej prostoty, oraz wierny pasterz D.-B. Guarini (1585), który wyróżnia się złożonością zarówno intrygi, jak i języka poetyckiego, dlatego określa się go mianem manieryzmu.

Oddzielenie dramatu literackiego od widowni nie przyczyniło się do rozwoju teatru. Na placu narodziła się sztuka sceniczna – w przedstawieniach średniowiecznych błaznów (giullari), spadkobierców mimów starożytny Rzym, w zabawnych przedstawieniach farsowych. Farsa (farsa) powstaje ostatecznie w XV wieku. i nabiera wszelkich znamion popularnej idei - skuteczności, błazeństwa, codziennej konkretności, satyrycznej wolnomyślności Wydarzenia z prawdziwego życia, stając się tematem farsy, zamieniły się w anegdotę. Farsa w obrazowy, groteskowy sposób ośmieszała ludzkie wady i obyczaje społeczeństwo. Farsa wywarła ogromny wpływ na rozwój teatru europejskiego, a we Włoszech przyczyniła się do powstania szczególnego rodzaju sztuki scenicznej - komedii improwizowanej.

Do połowy XVI wieku. we Włoszech nie było profesjonalnego teatru. W Wenecji, która przodowała w tworzeniu wszelkiego rodzaju widowisk, już na przełomie XV-XVI wieku. istniało kilka amatorskich środowisk teatralnych. Uczestniczyli w nich rzemieślnicy i ludzie z wykształconych warstw społeczeństwa. Stopniowo z takiego środowiska zaczęły wyłaniać się grupy półprofesjonalistów. Najważniejszy etap w narodzinach teatru zawodowego związany jest z aktorem i dramaturgiem Angelo Beolco, nazywanym Ruzzante (1500–1542), którego twórczość utorowała drogę do powstania commedia dell'arte. jego dramaty, Ankonitanka, Moskit, Dialogi włączone do repertuaru teatr włoski i obecnie.

Do 1570 roku określono główne elementy artystyczne nowego teatru: maski, dialekty, improwizację, bufonię. Zatwierdzono również jego nazwę commedia dell'arte, co oznaczało „ profesjonalny teatr". Nazwa „komedia masek” ma późniejsze pochodzenie. Bohaterowie tego teatru, tzw. typy stałe (tipi fissi) lub maski. Najpopularniejszymi maskami byli Pantalone, wenecki kupiec, Doktor, boloński prawnik, który wcielił się w role służących zanni Brigelli, Arlekina i Pulcinelli, a także Kapitana, Tartaglię, pokojówkę Servette'a i dwie pary Kochanków. Każda maska ​​ma swój własny strój tradycyjny i mówiła w jej dialekcie, tylko Kochankowie nie nosili masek i mówili poprawnie Włoski. Aktorzy odgrywali swoje sztuki według scenariusza, improwizując tekst w trakcie spektaklu. Na przedstawieniach zawsze było dużo lenistwa i błazeństwa. Zwykle aktor commedia dell'arte przez całe życie grał tylko swoją maskę. Najbardziej znane trupy to Gelosi (1568), Confidenti (1574) i Fedeli (1601). Wśród wykonawców było wielu znakomitych aktorów – Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolo Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli i inni.Sztuka teatru masek była bardzo popularna nie tylko we Włoszech, ale i za granicą, byli podziwiani jak w wyższych warstwach społeczeństwa i wśród zwykłych ludzi. Komedia masek wywarła ogromny wpływ na powstawanie teatrów narodowych w Europie. Schyłek commedia dell'arte rozpoczął się w drugiej połowie XVII wieku i pod koniec XVIII wieku. ona przestaje istnieć.

Rozwój tragedii, komedii, pastorału wymagał specjalnego budynku do ich wykonywania. nowy typ Zamknięte budynek teatru ze sceną pudełkową audytorium a poziomy powstały we Włoszech w oparciu o badania starożytnej architektury. W tym samym czasie we włoskim teatrze XVII wieku. dokonano udanych poszukiwań w dziedzinie scenografii (w szczególności stworzono obiecującą scenografię), opracowano i udoskonalono maszynerię teatralną. Zarówno w XII, jak i XIII wieku. w całym kraju budowano teatry, tzw. włoski (wszystkie „italiana), które następnie rozprzestrzeniły się w całej Europie ().

Pomimo zacofania gospodarczego i politycznego Włochy były bogate i różnorodne. życie teatralne. Do XVIII wieku Włochy miały najlepszy teatr muzyczny na świecie, w którym wyróżniano dwa typy - poważną operę i operę komiczną (opera buff). Był teatr lalek, wszędzie wystawiano komedie dell'arte. Reforma teatru dramatycznego szykuje się jednak od dawna. W epoce oświecenia improwizowana komedia nie spełniała już wymagań czasu. Potrzebny był nowy, poważny, literacki teatr. Komedia masek nie mogła istnieć w dawnej formie, ale jej dorobek musiał być zachowany i starannie przeniesiony nowy teatr. Dokonał tego Carlo Goldoni. Reformę przeprowadził starannie. Zaczął wprowadzać do swoich sztuk w pełni pisane i literackie teksty poszczególnych ról i dialogów, a wenecka publiczność z entuzjazmem przyjęła jego innowację. Po raz pierwszy zastosował tę metodę w komedii Momolo, dusza społeczeństwa(1738). Goldoni stworzył teatr postaci, porzucając maski, scenariusz iw ogóle improwizację. Bohaterowie jego teatru stracili warunkową treść i stali się żywymi ludźmi - ludźmi swojej epoki i swojego kraju, Włoch XVIII wieku. Goldoni przeprowadził swoją reformę w zaciętej walce z przeciwnikami. Druga połowa XVIII wieku wszedł do historii Włoch jako czas teatralnych wojen. Przeciwstawił mu się ksiądz Chiari, dramaturg mierny i przez to niegroźny, ale jego głównym przeciwnikiem, równym mu talentem, był Carlo Gozzi. Gozzi stanął w obronie teatru masek, stawiając sobie za zadanie wskrzeszenie tradycji improwizowanej komedii. I w pewnym momencie wydawało się, że mu się to udało. I choć Goldoni zostawiał w swoich komediach miejsce na improwizację, a sam Gozzi ostatecznie nagrał prawie wszystkie swoje dramaty, to ich spór był okrutny i bezkompromisowy. Ponieważ głównym nerwem konfrontacji dwóch wielkich Wenecjan jest niezgodność ich pozycji społecznych, odmiennych poglądów na świat i człowieka.

Goldoni w swoich utworach był rzecznikiem idei stanu trzeciego, obrońcą jego ideałów i moralności. Cała dramaturgia Goldoniego jest umniejszana w duchu rozsądnego egoizmu i praktyczności - wartości moralne burżuazja. Wbrew propagandzie ze sceny takich poglądów w pierwszej kolejności wypowiadał się Gozzi. Napisał dziesięć bajek poetyckich dla teatru, tzw. fiaba (fiaba / bajka). Sukces teatralnych opowieści Gozziego był przytłaczający. A do ich niedawnego ulubieńca Goldoniego, wenecka publiczność nieoczekiwanie szybko ochłonęła. Wyczerpany walką Goldoni przyznał się do porażki i opuścił Wenecję. Nic to jednak nie zmieniło w losach włoskiej sceny – reforma teatr narodowy już wtedy się skończył. I teatr włoski poszedł tą drogą.

Od końca XVIII wieku we Włoszech rozpoczyna się era Risorgimento – walki o niepodległość narodową, o polityczne zjednoczenie kraju i burżuazyjne przemiany – która trwała prawie wiek. Tragedia staje się najważniejszym gatunkiem w teatrze. Największym autorem tragedii był Vittorio Alfieri. Z jego nazwiskiem wiąże się narodziny włoskiej tragedii repertuarowej. Niemal w pojedynkę stworzył tragedię o treści cywilnej. Zapalony patriota, który marzył o wyzwoleniu ojczyzny, Alfieri sprzeciwiał się tyranii. Wszystkie jego tragedie przesiąknięte są heroicznym patosem walki o wolność.

Era Risorgimento powołała do życia nowe kierunek artystyczny- romantyzm. Formalnie jego pojawienie się zbiegło się w czasie z przywróceniem dominacji austriackiej. Głową i ideologiem romantyzmu był pisarz Alessandro Manzoni. Oryginalność teatralnego romantyzmu we Włoszech w jego orientacji politycznej i narodowo-patriotycznej. Klasycyzm uznano za wyraz orientacji austriackiej, kierunku oznaczającego nie tylko konserwatyzm, ale i obce jarzmo, a romantyzm jednoczył opozycję. Niemal wszyscy twórcy teatru włoskiego kierowali się w życiu ideałami, które głosili: byli prawdziwymi męczennikami idei – walczyli na barykadach, siedzieli w więzieniach, znosili trudy, przez długi czas żyli na wygnaniu. Wśród nich są G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari i inni.

Bohater romantyzmu to silna osobowość, bojownik o sprawiedliwość i wolność, i to nie tyle wolność osobistą, co wolność powszechną – wolność Ojczyzny. Zadaniem tamtych czasów było zmobilizowanie wszystkich Włochów do walki o wspólną sprawę. Dlatego problemy społeczne schodzą na drugi plan i przechodzą niezauważone. Znacznie mniejsze zainteresowanie wzbudziły również pytania o rzeczywistą formę włoskich romantyków. Z jednej strony zaprzeczali surowym regułom klasycyzmu, głosząc przywiązanie do swobodnych form, z drugiej strony romantycy nadal w swojej twórczości byli bardzo zależni od estetyki klasycystycznej. Głównym źródłem inspiracji dla dramatopisarzy romantycznych jest historia i mitologia; wątki były interpretowane z dzisiejszego punktu widzenia, więc przedstawienia nabierały zwykle ostrego wydźwięku politycznego. Najlepsze tragedie są Kai Gracchus V. Monti (1800), Arminia I. Pindemonte (1804), ajax W. Foscolo (1811), Hrabia Carmagnoll(1820) i Adelgiz(1822) A. Manzoniego, Giovanni da Procida(1830) i Arnolda Bresciana(1843) DB Nicollini, Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. Spektakle oparte są w dużej mierze na wzorcach klasycystycznych, ale pełne są politycznych aluzji i tyrańskiego patosu. Największy sukces przypadł losowi tragedii Silvio Pellico Francesca z Rimini (1815).

Heroiczna tragedia w drugiej połowie wieku ustępuje miejsca melodramatowi. Wraz z komedią, melodramat cieszył się dużym powodzeniem wśród publiczności. Pierwszym dramatopisarzem był Paolo Giacometti (1816–1882), który napisał około 80 utworów dla teatru. Jego najlepsze zagrania: Elżbieta, królowa Anglii (1853), Judyta(1858) i jeden z najbardziej repertuarowych melodramatów XIX wieku. Śmierć cywilna(1861). Dramaturgia Giacomettiego jest już całkowicie uwolniona od klasycyzmu, jego sztuki swobodnie łączą cechy komedii i tragedii, mają realistycznie zarysowane postacie, mają role, więc teatry chętnie je przenosiły. Wśród komików wyróżniał się również Paolo Ferrari (1822–1889), płodny dramaturg i kontynuator tradycji Carlo Goldoniego. Jego dramaty zeszły ze sceny dopiero pod koniec wieku. Jego najlepsza komedia Goldoni i jego szesnaście nowych komedii(1853) jest nadal wystawiany we Włoszech.

W latach 70. XIX wieku w zwycięskich i zjednoczonych Włoszech pojawił się nowy ruch artystyczny – weryzm. Teoretycy weryzmu Luigi Capuana i Giovanni Verga przekonywali, że artysta powinien przedstawiać tylko fakty, ukazywać życie bez upiększeń, powinien być bezstronny i powstrzymywać się od ocen i komentarzy. Większość dramaturgów bardzo ściśle przestrzegała tych zasad i być może właśnie to pozbawiało ich twórczość prawdziwego życia. Najlepsze prace należący do pióra D. Vergi (1840–1922), częściej niż inni naruszał zalecenia teorii. Dwie jego sztuki wiejski honor(1884) i Wilczyca(1896) znajdują się obecnie w repertuarze teatrów włoskich. Dramaty są zrobione po mistrzowsku. Gatunek to tragedia. życie ludowe. Wyróżnia ich potężny nerw dramatyczny, rygor i powściągliwość. środki wyrazu. W 1889 roku P. Mascagni napisał operę wiejski honor.

Pod koniec XIX wieku pojawia się dramaturg, którego sława przekracza granice Włoch. Gabriele D „Annunzio napisał kilkanaście i pół sztuk, które nazwał tragediami. Wszystkie zostały przetłumaczone na języki europejskie. Na przełomie wieków D” Annunzio był bardzo popularnym dramatopisarzem. Jego dramaturgię określa się zwykle jako symbolizm i neoromantyzm, choć ma też cechy neoklasycyzmu. Motywy werystyczne łączą się w nim z estetyzmem.

Na ogół jednak dorobek dramaturgii był więcej niż skromny; włoski XIX wiek zapisała się w historii teatru jako stulecie aktorstwa. Wielka tragedia nie wydała wielkich dzieł w dramaturgii. Ale tragiczny temat mimo to zabrzmiał w teatrze, został wysłuchany i przyjęty światowe uznanie. Tak było w operze (Giuseppe Verdi) iw sztuce wielkich włoskich tragików. Ich pojawienie się poprzedziła reforma teatralna.

Typ aktora bliski klasycyzmowi utrzymywał się we włoskim teatrze dość długo: sztuki sceniczne pozostawał w niewoli deklamacji, retoryki, kanonicznych postaw i gestów. Równie ważną jak Carlo Goldoni reformę sztuki scenicznej przeprowadził w połowie stulecia znakomity aktor i dyrektor teatralny Gustavo Modena (1803–1861). Pod wieloma względami wyprzedzał swoje czasy. Modena wprowadziła na scenę człowieka ze wszystkimi jego rysami, naturalną mową, „bez lakierowania, bez koturny”. On stworzył nowy styl aktorstwo, którego głównymi cechami była prostota i prawda. W jego teatrze wypowiedziano wojnę premierowi, zaczęto odchodzić od sztywnej roli, po raz pierwszy pojawiła się kwestia zespołu aktorskiego. Wpływ Gustavo Modeny na współczesnych mu był ogromny.

Adelaide Ristori (1822-1906) nie była uczennicą Modeny, ale uważała się za bliską jego szkole. Pierwsza wielka aktorka tragiczna, której sztuka została doceniona poza Włochami, była prawdziwą bohaterką swoich czasów, wyrażającą swój patriotyczny rewolucyjny patos. W historii teatru pozostała odtwórczynią kilku tragicznych ról: Francesca ( Francesca z Rimini Pellico), Mirra ( Mirra Alfieri), Lady Makbet ( Makbet Szekspir), Medea ( Medea Legure), Mary Stuart ( Maria Stuart Schillera). Ristoriego pociągały postacie silne, solidne, bohaterskie, pełne wielkich pasji. Aktorka nazwała swój styl realistycznym, sugerując określenie „realizm barwny”, nawiązując do „włoskiego żaru”, „ognistej ekspresji namiętności”.

Przeciwieństwem Ristori była Clementina Cazzola (1832-1868), romantyczna aktorka, która tworzyła obrazy o najwspanialszym liryzmie i psychologicznej głębi, była zdolna do złożonych postaci. Skonfrontowała się z Ristori, który zawsze wydobywał na powierzchnię główną cechę postaci. W teatrze włoskim Cazzola uważany jest za prekursora E. Duse. Jej najlepsze role to Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Marguerite Gauthier (ur. dama z kamelii Dumas), Adrienne Lecouvreur ( Adriene Lecouvrere skryba), a także rolę Desdemony ( Otello Szekspira), którą grała razem z mężem T. Salvinim, wielkim tragikiem.

Tommaso Salvini, uczeń G. Modeny i L. Domeniconiego, jeden z najwybitniejszych przedstawicieli klasycyzmu scenicznego. Aktora nie interesuje zwykła osoba, ale bohater, którego życie poświęcone jest wysokiemu celowi. Przedłożył piękno ponad przyziemną prawdę. Wzniósł wysoko wizerunek człowieka. Jego sztuka organicznie łączyła wielkie i zwyczajne, heroiczne i codzienne. Po mistrzowsku wiedział, jak kontrolować uwagę publiczności. Był aktorem o potężnym temperamencie, zrównoważonym silną wolą. Obraz Otella ( Otello Szekspir) - najwyższe dzieło Salviniego, „pomnik, pomnik, prawo na zawsze” (Stanisławski). Othello grał przez całe życie. Do najlepszych dzieł aktora należą również główne role w sztukach. Mała wioska, Król Lear, Makbet Szekspira, a także rolę Corrada w sztuce Śmierć cywilna Giacometti.

Twórczość innego genialnego poety tragicznego, Ernesto Rossiego (1827–1896), reprezentuje już inny etap rozwoju sztuk performatywnych we Włoszech. Był najukochańszym i najbardziej konsekwentnym uczniem G. Modeny. W każdej postaci Rossi starał się zobaczyć nie idealnego bohatera, ale po prostu osobę. Najsubtelniejszy aktor psychologiczny, jaki umiejętnie potrafił pokazać wewnętrzny świat, przekazać najdrobniejsze niuanse charakteru postaci. Tragedie Szekspira są podstawą repertuaru Rossiego, poświęcił im 40 lat swojego życia i grał w nich do ostatniego dnia. To główne role w spektaklach Mała wioska, Romeo i Julia, Makbet, Król Lear, Koriolan, Ryszard III, Juliusz Cezar, Kupiec wenecki. Grał także w sztukach Dumasa, Giacomettiego, Hugo, Goldoniego, Alfieriego, Corneille'a, grał w małych tragediach Puszkina i Iwana Groźnego w dramacie A.K. Tołstoja. Artysta realista, mistrz reinkarnacji, nie akceptował weryzmu, choć sam całą swoją sztuką przygotowywał jego pojawienie się.

Verismo, jako zjawisko artystyczne, najpełniej wyraził na scenie Ermette Zacconi (1857–1948). Repertuar Zacconiego to przede wszystkim sztuka współczesna. Z wielkim powodzeniem grał w dziełach Ibsena, A.K. Jego styl twórczy zawierał wszystko, od komedii dell'arte po wielką tragedię i naturalizm.

Najważniejszą tragiczną aktorką przełomu wieków była legendarna Eleonora Duse. Najcieńsza psychologiczna aktorka, której sztuka wydawała się być czymś więcej niż sztuką reinkarnacji.

19 wiek - okres rozkwitu kultury dialektalnej. największy rozwój przyjmuje na Sycylii, Neapolu, Piemoncie, Wenecji, Mediolanie. Teatr dialektalny jest pomysłem commedia dell'arte, wiele z niego wziął: improwizacyjny charakter gry według wcześniej opracowanego scenariusza, zamiłowanie do błazeństwa, maski. Występy odbywały się w lokalnym dialekcie. W drugiej połowie XIX wieku dramaturgia dialektalna dopiero zaczynała zdobywać swoje literackie podstawy. Ówczesny teatr dialektyczny był przede wszystkim teatrem aktorskim. Sycylijczyk Giovanni Grasso (1873-1930), „prymitywny tragik”, aktor o spontanicznym temperamencie, genialny wykonawca krwawych melodramatów, był dobrze znany nie tylko we Włoszech, ale i za granicą. Północny Edoardo Ferravilla (1846-1916), genialny aktor komediowy, autor i wykonawca swoich tekstów, odniósł wielki sukces. Antonio Petito (1822-1876) to najbardziej legendarna postać teatru neapolitańskiego, genialny improwizator pracujący w technice commedia dell'arte, niezrównany wykonawca maski Pulcinelli. Jego uczeń i następca Eduardo Scarpetta (1853-1925), genialny aktor, „król komików”, twórca swojej maski Felice Xoshamocchi, słynny dramaturg. Jego najlepsza komedia Biedacy i szlachta (1888).

XX wiek.

Początek 20 wieku wszedł do historii sztuk performatywnych jako czas teatralnej rewolucji. We Włoszech rolę innowatorów sceny przejęli futuryści. Ich celem jest tworzenie sztuki przyszłości. Futuryści zaprzeczają teatr akademicki, istniejące gatunki teatralne, próbowały porzucić aktora lub sprowadzić jego rolę do marionetki, a także porzucić słowo, zastępując je kompozycjami plastycznymi i scenografią. Tradycyjny teatr uważali za statyczny, wierząc, że w dobie cywilizacji maszynowej najważniejszy jest ruch. Wybitnych postaci futuryzmu byli FT Marinetti (1876–1944) i AJ Bragaglia (1890–1961). Ich manifesty teatralne: Manifest Teatru Rozmaitości(1913) i Manifest futurystycznego teatru syntetycznego(1915) nadal nie straciły na znaczeniu. Dramaturgia futurystów to głównie dzieła Marinettiego, zwane syntezami ( krótkie szkice wykonywane częściej bez słów). Największe zainteresowanie prezentuje scenografię: w teatrze futurystycznym pracowali najlepsi artyściówczesnych: J. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Teatr futurystów nie cieszył się powodzeniem wśród publiczności: przedstawienia często budziły oburzenie i często odbywały się ze skandalami. Rola futurystów stała się jasna później - w drugiej połowie wieku: wtedy ich idee były dalej rozwijane. Razem z tzw. Z „dramaturgami groteski” i dramaturgami „zmierzchu” futuryści przygotowali występ największej postaci teatru XX wieku. L.Pirandello. Duże znaczenie w latach 1920–1930 miała działalność reżyserów zagranicznych: są to produkcje M. Reinhardta VI (1896–1975), który wprowadził Włochów w język rosyjski szkoła teatralna i nauki Stanisławskiego.

Luigi Pirandello zaczął pisać dla teatru w 1910 roku. W pierwszych sztukach poświęconych życiu na Sycylii, pisanych w dialekcie sycylijskim, wyraźnie wyczuwalny jest wpływ weryzmu. Głównymi tematami jego prac są iluzja i rzeczywistość, twarz i maska. Wychodzi z faktu, że wszystko na świecie jest względne i nie ma obiektywnej prawdy.

Inni znaczący aktorzy tamtej epoki to Ruggiero Ruggieri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) oraz siostry Gramatika: Irma (1870–1962) i Emma (1875–1965). Spośród dramaturgów Sem Benelli (1877–1949), autor sztuki repertuarowej Kolacja żartów(1909) i Hugo Betti (1892–1953), którego najlepsza sztuka Korupcja w Pałacu Sprawiedliwości(1949).

W okresie międzywojennym teatr dialektalny zajmował znaczące miejsce w kulturze Włoch (choć polityka państwa faszystowskiego zmierzała do tłumienia dialektów). Szczególny sukces odniósł teatr neapolitański. Od 1932 roku zaczął działać Teatr Humoru Braci De Filippo. Jednak najważniejszą postacią tamtych czasów był Raffaele Viviani (1888-1950), człowiek o „cierpiącej twarzy i błyszczących oczach włóczęgi”, twórca własnego teatru, aktor i dramaturg. Sztuki Vivianiego opowiadają o życiu zwykłych neapolitańczyków, zawierają dużo muzyki i piosenek. Niektóre z jego najlepszych komedii są Ulica Toledo nocą(1918), Wioska neapolitańska (1919), rybacy (1924), Ostatni uliczny włóczęga (1932).

Okres ruchu oporu i pierwsze lata po II wojnie światowej weszły do ​​historii Włoch jako drugie Risorgimento – tak decydujące i nieodwracalne były zmiany, jakie zaszły we wszystkich dziedzinach życia i sztuki. Po latach społecznej stagnacji wszystko ruszyło i domagało się zmian. I jeśli w latach faszystowskiej dyktatury teatr dosłownie krztusił się fałszem, retoryką i pompatycznością (taka była linia oficjalnej sztuki), to teraz wreszcie zaczął mówić ludzkim językiem i zwrócił się do żywego człowieka. Sztuka powojennych Włoch zadziwiła świat swoją szczerością. Życie takie, jakie jest, z całą jego biedą, zmaganiami, zwycięstwami i porażkami oraz prostymi ludzkimi uczuciami, pojawiło się na ekranie i na scenie. Po wojnie teatr rozwijał się zgodnie z neorealizmem, jednym z najbardziej demokratycznych i humanistycznych nurtów artystycznych XX wieku. Teatr dialektyczny nabiera nowego oddechu. Neapolitański Eduardo De Filippo zyskuje uznanie w całym kraju, a jego dramaturgia szybko podbija światowe sceny. Nazywał swoje sztuki „wystawionym prawdziwym życiem”. W swoich smutnych komediach rozmawiamy o życiu, o stosunkach w rodzinie, o moralności i celu człowieka, o problemach wojny i pokoju.

Zawód reżysera, który pojawił się w teatrze europejskim na przełomie wieków, utrwalił się we Włoszech dopiero w drugiej połowie stulecia. Pierwszym reżyserem w europejskim znaczeniu tego słowa był Luchino Visconti (1906–1976), artysta realista z wyczuciem piękna, zagorzały antyfaszysta i humanista, działający zarówno w teatrze, jak iw kinie. W teatrze Viscontich spektakl jest rozumiany jako całość, podporządkowany jednemu planowi, premierowi zostaje wypowiedziana wojna, aktorzy uczą się pracy w zespole. Najważniejsze dzieła Viscontiego w teatrze dramatycznym: Zbrodnia i kara Dostojewski (1946), szklana menażeria (1946), Pragnienie tramwaju T. Williamsa (1949), Rosalind, albo jak wam się podoba (1948), Troilus i Kresyda Szekspir Orestes Alfieri (1949) oberżysta Goldoniego (1952) Trzy siostry (1952), wujek Iwan (1956), Wiśniowy Sad(1965) Czechow.

Pierwszy lata powojenne w Europie rozpoczął się ruch na rzecz przystępnych i zrozumiałych teatrów ludowych. We Włoszech połączyło się to z walką o teatry stacjonarne, zwaną Stabile (stabilny/stały). Pierwszą Stabile był Piccolo Teatro w Mediolanie, założony w 1947 roku przez P. Grassiego i J. Strehlera. Teatr artystyczny w służbie społeczeństwu – takie zadanie stawia sobie Piccolo Teatro. W twórczości Strehlera zbiegło się kilka linii europejskiej kultury teatralnej: tradycja narodowa komedia dell’arte, art realizm psychologiczny i teatr epicki.

W latach 60. i 70. teatr europejski przeżywał rozkwit, do teatru włoskiego wkroczyło nowe pokolenie reżyserów i aktorów. Młodzi ludzie, najsilniej odczuwający wyczerpanie tradycyjnego języka sceny, zaczęli opanowywać nową przestrzeń, inaczej pracować ze światłem, dźwiękiem, szukać nowych form relacji z publicznością. W tamtych latach aktywnie działali Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasiliko, Leo De Berardinis. Jednak najbardziej znaczące postacie pokolenia lat sześćdziesiątych: Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Wszyscy oni zrobili wiele dla wzbogacenia języka teatralnego, ich odkrycia znajdują szerokie zastosowanie w praktyce teatralnej.

Dario Fo to najwybitniejszy przedstawiciel teatru politycznego. Fo interesuje się człowiekiem jako typem społecznym, o jasnych, spiczastych, przerysowanych rysach, postawionym w ostrej, farsowej, paradoksalnej sytuacji. Szeroko posługuje się takimi technikami teatru ludowego, jak improwizacja i błazenada.

Carmelo Bene (ur. 1937) to uznany przywódca włoskiej awangardy drugiej połowy XX wieku. Bene nazywany jest świetnym aktorem. Sam pisze, reżyseruje i gra główne role w swoich utworach. Jego twórczość istnieje w nierozerwalnej jedności autora, aktora i reżysera. Bene jest autorem wielu spektakli, opartych głównie na dziełach literatury światowej i teatru: Pinokio Kallodi (1961) Fausta i Małgorzaty (1966), Salome Wilde'a (1972) Matka Boża Turecka Bene (1973) Romeo i Julia (1976), Ryszard Sz (1978), Otello(1979), Manfreda Byrona (1979) Makbet (1983), Mała wioska(ustawiaj wielokrotnie) itp. To wszystko oryginalne kompozycje Bene, inspirowane m.in znane prace i bardzo je przypominają. Benet odchodzi od tradycyjnej formy dramatycznej: w jego przedstawieniach nie ma wydarzeń zbudowanych na zasadzie przyczyny i skutku, nie ma fabuły i dialogu w zwykłym tego słowa znaczeniu, słowo jest czasem zastępowane dźwiękiem, a obraz dosłownie się rozpada, staje się obiekt nieożywiony lub całkowicie znika. Requiem dla mężczyzny - tak można by określić główną treść jego sztuki.

Wśród młodszych, którzy obecnie z powodzeniem pracują we włoskim teatrze, można wymienić reżysera Federico Tiezzi (1951), reżysera i aktora Giorgio Barberio Corsetti (1951), reżysera Mario Martone (1962), który przez kilka lat kierował teatrem rzymskim ” Stabilny”, który umieścił bardzo wiele ciekawe występy, wśród których był niezwykle udany występ Dziesięć Przykazań R. Vivianiego (2001).

W drugiej połowie XX wieku teatr włoski, stając się teatrem reżysera, nie przestał być teatrem wielkich aktorów. Najlepsi aktorzy kraju zawsze pracowali w przedstawieniach największych reżyserów. Dotyczy to zarówno Eduarda de Filippo, jak i Giorgio Strehlera, Luchino Viscontiego, a także reżyserów lat sześćdziesiątych, którzy przybyli do teatru na fali kontestacji. Trzon trupy Viscontiego stanowiło małżeństwo Rina Morelli i Paolo Stoppa, subtelni aktorzy psychologiczni, którzy grali we wszystkich jego przedstawieniach w teatrze dramatycznym. Vittorio Gassman odnosił również ogromne sukcesy w wykonaniach Viscontiego (zwłaszcza w przedstawieniach Orestes Alfieri i Troilus i Kresyda Szekspir). Po odejściu z Viscontiego Gassman dużo grał w repertuarze klasycznym; najbardziej godne uwagi były jego występy Otello I Makbet Szekspir.

Zgodnie z długą tradycją teatru włoskiego trupa skupiała się zwykle wokół jednego wielkiego aktora (lub aktorki), a spektakle wystawiane były zazwyczaj na podstawie danej premiery. W takim zespole teatralnym pierwszy aktor, gwiazdor (zwany we Włoszech divo lub mattatore) był często otoczony bardzo słabymi aktorami.

Od kilkudziesięciu lat (do chwili obecnej) bardzo popularni aktorzy Giorgio Albertazzi i Anna Proklemer występują na scenach teatrów włoskich, grając główne role głównie w sztukach ze światowego repertuaru klasycznego. W teatrze pracowało wielu bardzo znanych i uwielbianych przez włoską publiczność aktorów różnych pokoleń, m.in. Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, którego nazwisko jest teatry w Mediolanie. Parenti pracował także w Piccolo Teatro z Giorgio Strehlerem. W Teatrze Strehler zawsze grali wspaniali aktorzy. To Tino Buazzelli, słynny wykonawca roli Galileusza w sztuce Życie Galileusza B. Brechta. Tino Carraro, który przez wiele lat grał główne role w sztukach Szekspira ( Król Lear, Burza), Brechta, Strindberga i innych.Wybitny wykonawca role kobiece w teatrze reżysera była Valentina Cortese, wśród szczytów, której dziełem była rola Ranevskaya w sad wiśniowy(produkcja 1974). Wśród młodszych wyróżnia się Pamela Villoresi, wspaniała performerka kobiece obrazy w komediach Carla Goldoniego, w sztukach Lessinga, Marivaux i innych. ostatni okres muzą reżysera była występująca aktorka Andrea Jonasson dramatyczne role w przedstawieniach Brechta, Lessinga, Pirandella itp. Szczególne miejsce wśród aktorów Teatru Piccolo zajmują dwaj znakomici odtwórcy maski Arlekina – Marcello Moretti i Ferruccio Soleri w legendarny występ Arlekin na podstawie komedii Goldoni Sługa dwóch panów.

Luca Ronconi skupia również grupę swoich aktorów. Są to przede wszystkim dwie starsze aktorki Franka Nuti i Marisa Fabbri, które zagrały główne role w takich kreacjach reżysera jak m.in. bachantki Eurypides (1978) duchy Ibsena, Ostatnie dni ludzkość Kraus i inni, Mariangela Melato, która grała w najlepsze prace dyrektor np Wściekły Rolanda I orestea. Pracował dużo z Ronconim i Massimo de Francovich, do których największych sukcesów należy rola Leara w sztuce Król Lear, a także młody Massimo Popolicio, wszechstronny aktor, który ma dostęp do rytmów, zarówno dramatycznych, jak i komediowych (ogromny sukces przyniosła mu rola dwóch braci w komedii Goldoni Weneckie bliźniaki).

Szczególnie konieczne jest wyróżnienie aktorów szkoły neapolitańskiej. Do najbardziej znanych należą starsi aktorzy Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo i Pupella Maggio, którzy dużo pracowali w teatrze Eduardo de Filippo. Wśród młodszych są aktorzy Mariano Riggillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone i inni.

Druga połowa XX wieku wszedł do historii teatru włoskiego jako czas renesansu sztuki scenograficznej. Najlepsi artyści zawsze pracowali z najlepszymi reżyserami w kraju. Najjaśniejszymi postaciami są Luciano Damiani i Ezio Frigerio; ich nazwiska są na plakatach wszystkich najlepsze występy Strelera. A także Enrico Job, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.

Maria Skorniakowa

Mam wycieczkę do Włoch i nie mogłem przestać się zastanawiać - co z operami? Gdzie iść?
Udzielił cennych rad miłość.Publikuję za jej zgodą.

Sezon w różnych teatrach we Włoszech zaczyna się różnie.

Nigdy nie byłem w La Scali i nigdy nie będę. Wyjaśnię dlaczego. Aby cieszyć się występem, nigdy nie kupuj biletów w kasie. Niczego wyraźnie nie zobaczysz i nie jest jasne, czy usłyszysz. Bilety do loży kosztują dużo pieniędzy. Byłoby miło pójść na stragany. Ale tam ceny są kosmiczne. Regularnie oglądam ich plakaty i widzę wiele dobrych występów w sezonie (czasami z dobrymi reżyserami, dyrygentami i śpiewakami). Zdecydowałem się nie wydawać szalone pieniądze na wycieczkę do tego teatru (zwłaszcza, że ​​polityka obecnego głównego dyrygenta nie jest mi bliska). Więc nie mogę jeszcze nic polecić o tym teatrze :-)

Kilka lat temu prawie przypadkiem trafiliśmy na Teatro Reggio w Parmie. Jestem wielkim fanem Verdiego i co roku odbywa się tam festiwal Verdiego. Tutaj faktycznie poszliśmy do tego. Rigoletto z Leo Nuccim i Jessicą Pratt. Teatr nie jest zły: bardzo piękny wewnątrz i na zewnątrz. ciekawa historia a za nimi wielcy reżyserzy i śpiewacy. Niestety, ostatnie lata, ich sezon operowy jest bardzo krótki (wieczne problemy finansowe): zaczyna się na początku stycznia i jest ograniczony do 3-4 oper. W tym roku moją uwagę skupił tylko Simon Bocanegra w produkcji tego samego De Ana. Warto spojrzeć na plakat i zobaczyć, co dają w październiku coroczny festiwal Verdiego i od stycznia, na krótki, ale sezon. Teatr nie jest tak znany na całym świecie jak La Scala czy Felice Venetian, ale moim zdaniem zasługuje na uwagę. Samo miasto Parma jest bardzo ładne i można nie tylko pójść do teatru, ale także zobaczyć Teatr Farnese, najpiękniejszą katedrę, dom Arturo Toscaniniego, galerię narodową i wiele więcej. W pobliżu znajdują się Busseto i Sant'Agata (posiadłość Verdiego). Ale można tam dojechać tylko samochodem.
Bardzo lubię Teatro Regio w Turynie. Teatr jest historyczny, ale pożar na początku XX wieku zniszczył wnętrze budynku. Z historycznej pozostała tylko jedna fasada. Ale wnętrze teatru zostało wyremontowane i obecnie jest to jedna z najlepszych europejskich sal z doskonałą akustyką na 1500 miejsc. Doskonale widać i słychać z każdego miejsca na sali. Zawsze łatwo jest zdobyć bilety i mają jeden z najdłuższych sezonów z 12 operami od września do maja. Produkcji jest wiele i często godnych uwagi. Wspomniane już arcydzieło Don Carlo. Tam słuchaliśmy Oniegina z naszym Ladyukiem i Winogradowem. Byli tam też, by posłuchać zeszłorocznej gali Verdiego z Frittolim i Alvarezem. Ten teatr jest wysoce zalecany! Sam Turyn jest super! Wycieczkę do teatru połączysz z wizytą w jednym z najpiękniejszych miast we Włoszech (bardzo kocham Turyn i jestem pewna, że ​​Ty również to docenisz).

Ogólnie we Włoszech jest dużo oper: w Genui, w Lukce, we Florencji, w Modenie, w Neapolu. Są w prawie każdym mieście, nawet najmniejszym.

Torre del Lago jest gospodarzem corocznego Festiwalu Pucciniego. To prawda, że ​​\u200b\u200bjest to bardzo specyficzne: scena znajduje się nad jeziorem i sam rozumiesz, że są niuanse: komary i wiatr (jeśli w złym kierunku, kaczki na jeziorze będą cieszyć się dźwiękiem). Festiwal trwa przez całe lato. Być może byłoby interesujące wejść w to raz. Tuż obok willi kompozytora (bardzo ciekawe do odwiedzenia!) W zeszłym roku śpiewała tam Gulegina Santuzza (nie dziwcie się, że Mascagni.. daje nie tylko opery Pucciniego). Bardzo chciałem wejść, ale nie wyszło. Bilety nie są tanie, ale znowu dobry skład Bez łaski.

W Pesaro coroczny festiwal Rossiniego. Szczerze mówiąc jeszcze się za to nie zabrałem, ale bardzo bym chciał. Jeszcze raz przyjrzę się składowi. O sezonie teatralnym nic nie mogę powiedzieć, bo jeszcze tam nie byłem. To samo dotyczy Ancony.

Opera rzymska jest absolutnie wspaniała! Warto również odwiedzić.

Dobrzy wykonawcy wędrują po teatrach wraz z dobrymi produkcjami :-) Zwróć uwagę na włoski tenor Francesco Meli. Słuchałem go w Balu maskowym Ernaniego i Verdiego (odpowiednio w Operze Rzymskiej iw Teatrze Parmeńskim).

Lepiej podążać za ruchem artystów i tam pojechać :-)

We Florencji, w Maggio Musicale Fiorentino, można usłyszeć dużo dobrej muzyki i genialnych wykonawców. : w kwietniu Matsuev wystąpi z Zubinem Metą. Przed rokiem wysłuchaliśmy niesamowitego wykonania Symfonii fantastycznej Berlioza Wagnera i Claudio Abbado.

Nawiasem mówiąc, latem w Arena di Verona odbywa się niekończąca się seria występów. Dopóki tam nie byłem. Ale myślę, że możesz być zainteresowany. Śpiewają tam często dobrzy wykonawcy, a inscenizują je dobrzy reżyserzy. Ma swoją specyfikę (w plenerze), ale jednak. Jest to opcja, jeśli chcesz dobrej opery latem: -)
Zapomniałam też powiedzieć o Teatro Comunale w Bolonii! Tam też są wspaniałe produkcje ze wspaniałym składem.

We Włoszech nie ma teatru repertuarowego i nie ma trupy jako takiej w teatrze, z wyjątkiem orkiestry i głównego dyrygenta teatru. Dlatego kompozycję i samą pracę należy obejrzeć na początku sezonu na stronie internetowej teatru. Powtarzam raz jeszcze, ale we wszystkich wymienionych przeze mnie teatrach śpiewają dobrzy wykonawcy. Śpiewają w całych Włoszech.
Nie ma wielu teatrów. Jest ich bardzo dużo i równolegle można zobaczyć wiele rzeczy. Inna sprawa, że ​​trzeba się przemieszczać po kraju. To może nie być zbyt wygodne: zrobić marsz z Turynu do Rzymu (na przykład), a potem do Bolonii. Niedawno zrobiłem sobie program na najbliższą przyszłość. Od lata będzie w Turynie Wesoła Wdówka, produkcja tego samego De Ana! Śpiewacy nie są najlepsi, ale on jest (Alesandro Safina… może go znasz). Dokładną obsadę można zobaczyć na stronie teatru. To koniec czerwca początek lipca. W Bolonii odbędzie się Cosi fan tutte. Tutaj skład jest bardziej interesujący: Korchak, Goryacheva, Albergini. Meli będzie śpiewać w Carmen w Genui przez cały maj. Anita (ta, której słuchałeś na Meta) będzie w czerwcu w Carmen w Rzymie. Sezon wciąż trwa i jest dość aktywny. Dziś i 6 kwietnia w Parmie śpiewają The Pearl Divers z Korczakiem w roli tytułowej.

Teatro alla Scala(MEDIOLAN)

Perła świata kultura muzyczna. Trudno wyobrazić sobie teatr o bardziej błyskotliwej historii niż słynna La Scala. Przez ponad 300 lat istnienia mury te wiele widziały, ale udało im się zachować chyba najważniejszą rzecz dla teatru - niepowtarzalny urok i tajemnicę. Sezon koncertowy w La Scali trwa od grudnia do czerwca (jesienią, koncerty symfoniczne). Otwarcie sezonu jest szczególnie uroczyste. Zawsze jest to 7 grudnia, dzień św. Ambrożego, patrona Mediolanu. Niestety, bilety czasami wyprzedają się z sześciomiesięcznym wyprzedzeniem, więc zarezerwuj z wyprzedzeniem. Orientacyjna cena biletu - opera / balet: parter 260/150; amfiteatr 80-260/125; balkon 40-105/30-80 euro

Amfiteatr - Arena di Verona(WERONA)

Starożytny rzymski amfiteatr słynie z odbywających się w nim spektakli operowych i koncertów. Zbudowany w I wieku pne. Największa budowla z różowego kamienia z Werony ustępuje jedynie rzymskiemu Koloseum. W starożytności odbywały się na nim walki gladiatorów, w średniowieczu – turnieje rycerskie. W XVI i XVII wieku. trybuny dla widzów zostały całkowicie przebudowane, a obecna Arena jest imponująca audytorium na 25 tysięcy miejsc, na scenie którego odbywają się urzekające spektakle operowe pod gołym niebem. Charakteryzuje się wyjątkową akustyką budowlaną. Obecnie od czerwca do sierpnia każdego roku odbywają się zwykle cztery różne inscenizacje teatralne. W połowie lipca przedstawienia odbywają się niemal codziennie. W Zimowe miesiące opera i balet występują w Filharmonii Akademickiej.

Orientacyjny koszt biletów na premiery w Filharmonii: parter operowy/baletowy - 90/60 euro; amfiteatr opera/balet — 70/50; box benoir opera / balet - 60/35; balkon opera/balet -55/40. Koszt biletów na powtórne przedstawienia to około minus 10 euro. Ceny biletów na Arenę: stragany 220 euro, amfiteatr 95, balkon 40. Dzieci poniżej 4 lat nie mają wstępu.

San Carlo - Teatro di San Carlo(NEAPOL)

Opera w Neapolu została zbudowana na polecenie Karola III w miejscu zniszczonego teatru San Bartolomeo. Otwarta w 1737 roku sala teatralna mogła wówczas pomieścić nawet 3300 widzów, co czyniło teatr najbardziej przestronnym na świecie.

Orientacyjny koszt biletów na premiery: parter operowy/baletowy - 170/130 euro; amfiteatr opera/balet — 110/100; pudełko opery/baletu benoir — 90/50; balkon opera/balet -60/40. Koszt biletów na powtórne przedstawienia to około minus 10 euro. .

Teatr La Phoenix(WENECJA)

Serce życie muzyczne Wenecja. Niezwykły teatr z pomostem wodnym i elegancką promenadą. Teatr, zbudowany w 1792 roku, przetrwał dwa pożary i za każdym razem, uzasadniając swoją nazwę, jak ptak Feniks odradzał się z popiołów. Po ostatnim przerażającym uścisku płomieni, które prawie doszczętnie zniszczyły teatr, 14 grudnia 2003 r. nowe, odrestaurowane La Fenice zostało otwarte dla publiczności.

Orientacyjny koszt biletów na premiery: parter operowy/baletowy - 190/140 euro; amfiteatr opera/balet — 160/100; box benoir opera / balet - 110/90; balkon opera/balet -70/50. Koszt biletów na powtórne przedstawienia to około minus 10 euro.

Opera - Teatro dell'Opera di Roma(RZYM)

Jeden z największych teatrów operowych w Europie, mogący pomieścić nawet dwa tysiące dwustu melomanów. Odbywają się tutaj spektakle operowe i baletowe wystawiane przez światowych reżyserów. Było to w Operze Rzymskiej Światowa premiera Tosca Pucciniego, kilka oper Mascagniego, w tym Wiejski honor, Irys, Maski. Na jej scenie śpiewała Amelita Galli-Curci, właścicielka najsłynniejszej sopranistki koloraturowej początku ubiegłego wieku, tenorzy Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa.

Latem spektakle operowe odbywają się pod gołym niebem w Termach Karakalli. Kiedyś były znane jako ósmy cud świata. Latem 1990 roku na ruinach Term Karakalli odbył się legendarny koncert trzech tenorów – Placido Domingo, Jose Carrerasa i Luciano Pavarottiego.

Orientacyjny koszt biletów na premiery: parter operowy/baletowy - 160/90 euro; amfiteatr opera/balet — 130/80; box benoir opera / balet - 60/35; opera/balet balkonowy — 35/30. Koszt biletów na powtórne przedstawienia to około minus 20 euro.