13.06.2018

Zemlyansky Siergiej Juriewicz

Reżyser celebrytów

Choreograf

Siergiej Zemlyansky urodził się 15 czerwca 1980 roku w Czelabińsku. W 2002 roku ukończył wydział choreografii Czelabińskiej Państwowej Akademii Kultury i Sztuki ze specjalizacją nauczyciel-choreografia.

Już na czwartym roku został zaproszony do Jekaterynburga, do teatru „Tańce prowincjonalne” Tatiany Baganowej, gdzie przez pięć lat pracował jako tancerz.

W tym czasie jako asystent choreografa brał udział w realizacjach Jesieni Tatiany Baganowej dla ABCDance oraz nominowanego do Złotej Maski opery-baletu I. Strawińskiego Słowik.

Jako tancerz współpracował z zagranicznymi choreografami: spektaklem „W drodze” w reżyserii J. Schlemera, spektaklem „STAU” w reżyserii Anouk Van Dyck, projekt zrealizowano w lipcu 2004 roku w Moskwie.

W styczniu 2006 roku został zaproszony do Moskwy przez Władimira Pankowa, dyrektora artystycznego studia SoundDrama, jako choreograf i aktor.

Ich wspólna praca nad pierwszą sztuką „Przejście”, w centrum dramaturgii i reżyserii A. Kazantsev i M. Roshchin, została nagrodzona nagrodą Złotej Maski w nominacji „Innowacja” w 2006 roku. We współpracy ze studiem SoundDrama jako choreograf wystawił 15 spektakli w Rosji i za granicą.

Kolejnym etapem w twórczości Siergieja była sztuka „Syndrom Orfeusza". Dzieło to zebrało znakomitą prasę podczas duża wycieczka we Francji i rosyjskich miastach. Wzięło w nim udział dwóch czołowych uczniów szkoły, zawodowi tancerze, którzy obecnie pracują w światowych zespołach tanecznych. Sandra Bordois i Manon Andral. W 2012 roku jako choreograf i aktor wziął udział w filmie „Doktor” w reżyserii Władimira Pankowa, według scenariusza Eleny Isajewej, wyprodukowanym przez Władimira Mienszowa i Aleksandra Litwinowa.

W 2012 roku wystawił sztukę „Matczyne Pole”, której premiera odbyła się 9 października 2012 roku w filii Teatru Puszkina.

Spektakl ten można nazwać pierwszym w kierunku New Plastic Drama, który pojawił się na styku trzech gatunków teatralnych: spektaklu dramatycznego, teatru tańca i ekspresyjnych emocji pantomimy. Podstawą stylu bez słów była kreacja obraz artystyczny nie tylko plastycznością ciała i jasnymi akcentami muzycznymi, ale także wykorzystaniem charakterystycznych elementów tanecznych. Spektakle Siergieja Zemlianskiego wyróżniają się świetną ekspresją, groteskową prezentacją postaci, wykorzystaniem efektów wizualnych i muzycznych.

odegrał ważną rolę w tworzeniu nowego stylu. główny artysta produkcje Maxim Obrezkov - główny artysta Teatru Wachtangowa i kompozytor Pavel Akimkin oraz autor libretta Władimir Motaszniew.

Do 2016 roku Siergiej i jego zespół wystawili 8 niezależnych przedstawień, w których doskonalił swój styl. „Pole Matki”, „Dama z Kameliami”, „Zima”, „Demon”, „Idulis i Aria”, „Inspektor”, „Cyganie”, „Joanna d'Arc”.

Wartość nowego stylu dramatu plastycznego polega na tym, że dokonuje się w nim przekład. dzieła dramatyczne na język rozumiany w dowolnym kraju na świecie. Emocje są zrozumiałe dla każdego. Tylko najbardziej głębokie znaczenie oczyszczona z fałszu słów. Pozbawiając aktora dramatycznego jego ważnego narzędzia – tekstu, głos Zemlyansky odnajduje nowe narzędzia. Z pomocą przychodzi muzyce, scenografii, efekty wizualne.

... czytaj więcej >

Reżyser - choreograf

Urodzony w mieście Czelabińsk.
W 2002 roku ukończył Czelabińsk Akademia Państwowa kultura i sztuka (kierunek choreografia). Studiował na kursach mistrzowskich europejskich i amerykańskich nauczycieli i choreografów.
W latach 2001-2005 był tancerzem w Prowincjonalnym Teatrze Tańców (Jekaterynburg). Pracował jako asystent choreografa przy realizacji „Jesień” Tatiany Baganowej dla ABCDancecompany (produkcja ABCD Company, Austria, 2003) oraz opery-baletu I. Strawińskiego „Słowik”.

Pracował nad spektaklem „W drodze” choreografa J. Schlemera (Niemcy), a także nad spektaklem „STAU” holenderskiej choreografki Anouk Van Dyck (projekt zrealizowany w lipcu 2004 w Moskwie).
W listopadzie 2005 roku w firmie "Acid Rain" (Czelabińsk) wystawił sztukę "FABULOUS".
Od 2006 roku stale współpracuje ze studiem SoundDrama jako aktor i choreograf projektów.

Choreograf spektakli:

"Przemiana". (2005 Centrum Dramaturgii i Reżyserii, Studio SoundDrama, reżyser V. Pankov, Moskwa)
"Morfina". (2006 Teatr Et Cetera, reżyser V. Pankov, Moskwa)
„Gogol. Wieczory "Część I. (2007. Centrum Meyerholda, Studio SoundDrama" Rozwiązania teatralne”, dyrektor V. Pankov, Moskwa).
"Po mnie". 2008 (Firma tańca nieścisłego. Czelabińsk.)
Duet na Konkurs Baletu Arabeski. (2008 Perm)
„Gogol. Wieczory Część II. (2008 V. Meyerhold Center, SoundDrama Studio, „Rozwiązania teatralne”, reżyser V. Pankov, Moskwa)
Trzecia zmiana (2008, Teatr Josepha Beuysa, reż. F. Grigoryan, Moskwa)
„Terytorium miłości” (2009 „Art-Partner XXI”, Studio SoundDrama, reżyser V. Pankov, Moskwa)
„Czukoki” (2009 Stage Hammer Theatre, reż. F. Grigoryan, Perm)
"Gogol. Wieczory" Część III. (2009 V. Meyerhold Center, SoundDrama Studio, „Rozwiązania teatralne”, reżyser V. Pankov, Moskwa)
Fedra (2009, Teatr Puszkina, reż. M. Hemleb, Moskwa)
"Les deux species" (Gala Wielkiego Baletu 2009 "Masterpieces", Moskwa)
„Romeo i Julia” (2009, Teatr Narodów, reżyser V. Pankov, Moskwa)
"Pokój" (2010, strona artystyczna "Stacja", Kostroma)
„Siedem księżyców” (2010, Teatr Ilkhom M. Weila, studio SoundDrama, reżyser V. Pankov, Taszkent)
„Ja, strzelec maszynowy” (2010 Studio SoundDrama, „Rozwiązania teatralne”, reżyser V. Pankov, Moskwa)
„OS” (studio SoundDrama, 2011)
"Gorod.OK", eksperymentalny program Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego im. A.P. Czechova, studio SoundDrama wraz ze Studio 6 (USA), 2011
„Biada dowcipowi” (stan Perm teatr akademicki"TEATR", 2011)
„Jesienna Sonata” (współczesna, 2012)

„Syndrom Orfeusza” (wspólny projekt Teatru Vidy, Szwajcaria, studia SoundDrama, Baletu Maurice'a Béjarta i Międzynarodowej Konfederacji Związków Teatralnych, 2012)

„Pole Matki” (oddział Teatru Puszkina, 2012)
„Dama z kamelią” (Teatr Puszkina, 2013)

Wystawił spektakle w Teatrze M.N. Ermolova oraz .

Arina Smirnowa

1 minuta.

„Plastikowy” klasyk

Jeden z najlepszych choreografów i reżyserów stolicy - Siergiej Zemlyansky - poradzi sobie z najtrudniejszymi zadaniami. Na przykład przedstawienie, w którym aktor milczy, ale przemawia jego ciało. W stołecznych teatrach reżyser „gra” produkcje, które cieszą się zainteresowaniem publiczności – dyskutowane i niezwykle popularne. Tak więc najbardziej „gadające” występy Siergieja Zemlianskiego.

"Demon"

Reżyser: Siergiej Zemlyansky
Gdzie: Teatr. Jermołowa
Główne role: Siergiej Kempo, Margarita Tolstoganova
Czas trwania: 1 godzina 30 minut bez przerwy
12+

Wiersz M.Yu Lermontowa „Demon” był wielokrotnie wystawiany na scenie teatrów stolicy, kolej na teatr. Jermołowa. Wraz z pojawieniem się innowatora Olega Mienszykowa, który nie boi się eksperymentów, teatr rozrósł się i wydaje się, że na tym nie poprzestanie.

„Demon” to wiersz o miłości upadłego anioła do pięknej Tamary. Ale w spektaklu Zemlyansky'ego poezja Lermontowa znajduje się w świecie, w którym wszystko jest wizualne, zmysłowe i dramatyczne. Tajemnicze melodie, melodie ludowe, psalmy po gruzińsku, trąbki - wszystko wydaje się tu magiczne.Zemlansky opowiedział klasykę językiem ciała i nie stracił piękna słowa.

Próby spektaklu trwały nieco ponad trzy miesiące, a aktorzy dramatyczni przez cały ten czas współpracowali z choreografami, a niektórzy z mistrzami. sztuka cyrkowa. Na przykład pod samym sufitem znajduje się wieniec, w którym zamknięta jest dusza demona, a trzeba mieć doskonałą sprawność fizyczną, aby podczas akcji kręcić się w nim, upaść i pogubić. Sergey Tempo („Legenda 17”, „Załoga”) w roli Demona doskonale radzi sobie z tym zadaniem.

Pomimo tego, że w spektaklu nie ma słów, produkcja w pełni ujawnia fabuła, nie chowa jej w tle i nie przeszkadza widzowi, nawet nieznającemu tekstu, zobaczyć miłość przedstawioną w czystym pięknie. H

„Dla mnie aktorzy potrafią przekazać więcej, czyli emocje, stan wewnętrzny, włożyć duszę w swoją postać, w swojego bohatera, niż zawodowi tancerze” – zauważa reżyser.

Rewident księgowy

Reżyser: Siergiej Zemlyansky
Gdzie: Teatr. Jermołowa
Główne role: Kristina Asmus, Nikita Tatarenkov, Elena Polyanskaya, Oleg Filipchik
Czas trwania: 1 godzina 20 minut bez przerwy
12+

Znana komedia N.V. Gogola „Główny inspektor” w Teatrze Yermolova została również wystawiona bez słów - przezabawna i zabawna. I to zupełnie inny styl.

Pierwszą rzeczą, która rzuca się w oczy na scenie, jest mnóstwo jasnych drzwi, które otwierają się z charakterystycznym dźwiękiem. Obywatele wchodzą i wychodzą - oceniamy ich status po stroju i mimice aktorów. Każdy oczywiście ma tu swoje sekrety, intrygi, tajemnice. I to też jest jasne bez słów. Muzyka odgrywa kluczową rolę - bez niej fabuła nie byłaby jasna - za kulisami kryje się orkiestra O. Mieńszikowa.

Trudno uwierzyć, że aktorzy nie mają przygotowania choreograficznego - zdają się unosić nad sceną: Marya Antonovna w wykonaniu Christiny Asmus porusza się jak puch między zaimprowizowanymi drzwiami, Mishka na wrotkach niepewnie, ale bardzo plastycznie przecina scena, robi salta na pianinie i nadal jeździ na łyżwach, a Chlestakow wznosi się jak ptak, wznosi się ponad resztę, aw finale szybuje - ponad życiem.

„W Generalnym Inspektorze postanowiłem zebrać wszystko, co było złe w Rosji, o czym wtedy wiedziałem, wszystkie niesprawiedliwości, które są popełniane w tych miejscach i w tych przypadkach, w których najbardziej wymagana jest sprawiedliwość od człowieka, i kiedyś się śmiać na wszystko” – tak o spektaklu mówił jej autor Nikołaj Gogol. I rzeczywiście, na obrazie Chlestakowa, który jak kameleon może dostosować się do każdej sytuacji i „wyjść z wody”, obserwuje się wszystko chciwe, niskie, podłe, co jest w kraju. I znowu spektakl okazuje się być tematem dnia i nowa lektura sztuki klasyczne po raz kolejny potwierdza wielkość intencji autora.

dama z kamelią

Reżyser: Siergiej Zemlyansky
Gdzie: Teatr. Puszkina
Główne role: A. Panina, S. Miller, E. Plitkin, A. Lebedeva
Czas trwania: 2 godziny 20 minut z jedną przerwą
18+

Teatr. Puszkin idzie z duchem czasu i ostatnio wszystkie produkcje zostały wyprzedane i gromkie brawa. Podczas aktualizacji repertuaru dyrektor artystyczny Jewgienij Pisariew zaprosił profesjonalnego i doświadczonego reżysera Siergieja Zemlianskiego, z którym wykonał więcej niż jedną wspólną pracę.

„Pani kameliowa” jest absolutnie nowa wersja klasyka o wieczny obraz piękno, o zdeprawowanej i jednocześnie niewinnej kobiecie, której historia jest żywym przykładem próżności, a ona sama jest kosztownym atrybutem stworzonym przez syna Aleksandra Dumasa. Na scenie jest ten sam „Złoty Wiek”, ale ustępuje przed siłą nagłego uczucia, które wyraża aktorstwo. Nie rzuca się w oczy zmiana kostiumów, zastępowanie się nawzajem w szaleńczym tempie.

To pierwszy plastyczny występ Zemlyansky'ego na dużej scenie, próby trwały trzy miesiące, nie wszyscy byli przygotowani, aktorzy baletu i jogi, a wszyscy tańczyli bezbłędnie z doświadczonej ręki (lub stopy?) choreografa.

Zemlyansky stworzył spektakl, w którym gesty i muzyka Giuseppe Verdiego mają moc słów. Na potrzeby spektaklu stworzono niesamowitą scenografię i specjalnie uszyto kostiumy oddające ducha XIX wieku, a czerwone kwiaty kamelii wyrastają bezpośrednio z ust Marguerite Gauthier.

Joanna d'Arc

Reżyser: Siergiej Zemlyansky
Gdzie: Teatr. Puszkina
Główne role: Anastasia Panina, Alexander Dmitriev
Czas trwania: 1h. 45 min. bez przerwy
12+

Jeanne d'Arc to spektakl plastyczny na podstawie sztuki „Święta Joanna” Bernarda Shawa, który został wystawiony w ówczesnym Teatrze Kameralnym z A. Tairowem i A. Koonenem w rolach głównych.

Przedstawienie w teatrze. Puszkin daje szansę zobaczenia nie tylko prawdziwej wiary Joanny d'Arc, ale także jej czułości, aby dowiedzieć się o niej trochę więcej. I tutaj oczywiście nie są potrzebne żadne słowa. Tak jakby magia unosiła się w sali, jest tajemnicza i pociągająca: stonowane światło, ponure dekoracje sceniczne. Schody na scenie albo wznoszą się do nieba, albo schodzą do „piekła”.

Niebanalne rozwiązania z tworzyw sztucznych, mimika aktorów, efektowne kostiumy – styl jest doskonale utrzymany, w trzech kolorach – czerwonym, czarnym, białym. Wydaje się, że w tym spektaklu wszystko jest symboliczne: zarówno dziewiczy strój Joanny d'Arc, jak i ciemne czapki katów. Na scenę „wylewa się” z rusztu ofiarny ogień z czerwonego jedwabiu. Zemlyansky umiejętnie pokazuje ze sceny „krzyk” średniowiecza, biedy, analfabetyzmu, fanatyzmu i podłości. Agresję zastępuje nadzieja, a Dziewica Orleańska symbolizuje zbawienie.

Choreograf, artysta.

W 2002 roku ukończył Czelabińską Państwową Akademię Kultury i Sztuki (kierunek choreografia). Studiował na kursach mistrzowskich europejskich i amerykańskich nauczycieli i choreografów. W latach 2001-2005 był tancerzem w Prowincjonalnym Teatrze Tańców (Jekaterynburg).Pracował jako asystent choreografa przy realizacji „Jesień” Tatiany Baganowej dla ABCDancecompany (produkcja ABCD Company, Austria, 2003) oraz opery-baletu I. Strawińskiego „Słowik”.

Pracował nad spektaklem „W drodze” choreografa J. Schlemera (Niemcy), a także nad spektaklem „STAU” holenderskiej choreografki Anouk Van Dyck (projekt zrealizowany w lipcu 2004 w Moskwie).
W listopadzie 2005 r. w firmie „Acid Rain” (Czelabińsk) wystawił sztukę „WSPANIAŁE”.

Od 2006 roku stale współpracuje ze studiem SoundDrama jako aktor i choreograf projektów.

Choreograf spektakli:

"Przemiana". (2005 Centrum Dramaturgii i Reżyserii, Studio SoundDrama, reżyser V. Pankov, Moskwa)
"Morfina". (2006 Teatr Et Cetera, reżyser V. Pankov, Moskwa)
„Gogol. Wieczory „Część I. (2007. Centrum Meyerholda, Studio SoundDrama „Rozwiązania teatralne”, reżyser V. Pankov, Moskwa).
"Po mnie". 2008 (Firma tańca nieścisłego. Czelabińsk.)
Duet na Konkurs Baletu Arabeski. (2008 Perm)

„Gogol. Wieczory Część II. (2008 V. Meyerhold Center, SoundDrama Studio, „Rozwiązania teatralne”, reżyser V. Pankov, Moskwa)
Trzecia zmiana (2008, Teatr Josepha Beuysa, reż. F. Grigoryan, Moskwa)
„Terytorium miłości” (2009 „Art-Partner XXI”, Studio SoundDrama, reżyser V. Pankov, Moskwa)
„Czukoki” (2009 Stage Hammer Theatre, reż. F. Grigoryan, Perm)
"Gogol. Wieczory" Część III. (2009 V. Meyerhold Center, SoundDrama Studio, „Rozwiązania teatralne”, reżyser V. Pankov, Moskwa)
Fedra (2009, Teatr Puszkina, reż. M. Hemleb, Moskwa)
"Les deux species" (Gala Wielkiego Baletu 2009 "Masterpieces", Moskwa)
„Romeo i Julia” (2009, Teatr Narodów, reżyser V. Pankov, Moskwa)
"Pokój" (2010, strona artystyczna "Stacja", Kostroma)
„Siedem księżyców” (2010, Teatr Ilkhom M. Weila, studio SoundDrama, reżyser V. Pankov, Taszkent)
„Ja, strzelec maszynowy” (2010 Studio SoundDrama, „Rozwiązania teatralne”, reżyser V. Pankov, Moskwa)
„OS” (studio SoundDrama, 2011)
"Gorod.OK", eksperymentalny program Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego im. A.P. Czechova, studio SoundDrama wraz ze Studio 6 (USA), 2011
"Biada dowcipowi" (Permski Państwowy Teatr Akademicki "TEATR", 2011)
„Jesienna Sonata” (Współczesna, 2012)

„Syndrom Orfeusza” (wspólny projekt Teatru Vidy, Szwajcaria, studia SoundDrama, Baletu Maurice'a Béjarta i Międzynarodowej Konfederacji Związków Teatralnych, 2012)

W teatrze im. M.N. Ermolovej wystawił spektakle „Demon” (2014) i „Inspektor” (2015).

Wywiad z Siergiejem Zemlianskim, reżyserem-choreografem spektakli plastycznych i twórcą kierunku „nowego dramatu plastycznego”

Sergei Zemlyansky dołączył do Rady Ekspertów festiwalu Pro Movement w 2016 roku. Jego produkcje - jasne, wyraziste, mocne, od kilku lat podbijają serca rosyjskiej i zagranicznej publiczności.

Gdzie przebiega granica między współczesną choreografią a teatrem plastycznym? Czy w ogóle nie istnieje? Jak te dwie koncepcje współistnieją?
— Ostatnio bardzo mało widziałem tańca współczesnego w Rosji. W zasadzie to, co jest - imitacją „Zachodu”, bez żadnego indywidualny styl i to mnie zasmuca. Tak, jest moda na formę, która się tam rodzi. Ale okazuje się, że Rosjanie taniec nowoczesny- to tylko zapożyczenie form, które zostały wymyślone i stworzone "tam", nie ma w tym oryginalności, "nasza" mentalność w ogóle się nie odzwierciedla. Mamy własną mentalność, percepcję, styl, z których z jakiegoś powodu nie korzystamy.

„Nie można już wymyślać koła, ale jest dużo miejsca na kreatywność, ponieważ taniec nowoczesny to laboratorium. Ale obszar eksperymentów nie powinien ograniczać się do tego, jak twoja lewa łopatka ma się do twojego prawego łokcia. Wszystkie ruchy już dawno zostały wymyślone, więc samo patrzenie na taniec przestało mnie interesować. Mogę powiedzieć na pewno - nie tak ciekawie jak 10-15 lat temu.

- Dla laika taniec współczesny jest czymś „błotnym”, nie da się w nim czegokolwiek dostrzec, jest to rodzaj sekwencji niezrozumiałych, czasem nielogicznych ruchów, w których często nie ma specjalne znaczenie. A najsmutniejsze jest to, że tak naprawdę go tam nie ma.

- Myślę, że taniec odchodzi, a wraz z nim odchodzi publiczność. Jeśli przyjrzymy się bliżej temu, co dzieje się teraz na tym samym „Zachodzie”, zobaczymy, że czołowe grupy taneczne zwracają się w stronę opowieści fabularnych. Tak więc NDT (Netherlands Dance Theatre) przygotowuje nowe produkcje oparte na wątkach inspirowanych twórczością Davida Lyncha, a Teresa de Keersmaeker planuje wystawić Szekspira w Londynie. Ocalenie tańca współczesnego widzę w połączeniu z dramaturgią.

Jak pracujesz? Jak rodzą się twoje występy?
- Po pierwsze, zawsze jest podstawa literacka, z własnymi postaciami, postaciami, przeplata się linie tych bohaterów, rozwój. Staram się uwzględniać wszystkie klasyczne podstawy dramaturgii i reżyserii, budować strukturę egzystencji aktorów dramatycznych na scenie.

- Po drugie to praca z artystami. Dla tancerzy materiał przedstawień może wydawać się prymitywny, ale dla aktorów dramatycznych wymaga pewnego poziomu przygotowania, które trzeba osiągnąć poprzez codzienne treningi.

„Moja asystentka i ja wymyślamy cały plastyczny rysunek spektaklu, ponieważ ciała dramaturgów nie są na tyle wolne, by dać im możliwość improwizacji, a następnie wykorzystania tego materiału. Zadaniem jest ujawnienie emocji, stworzenie tekstu o cielesnej egzystencji bohaterów, więc wszystko jest rozwinięte aż do opuszków palców, odwrócenia głowy, a to kolosalne dzieło.

Z kim bardziej lubisz pracować - ze studentami czy ze znakomitymi artystami?

- Z każdym. Zawsze ładują, motywują, prowokują, inspirują. Studenci mają więcej entuzjazmu, prawdziwej witalności i maksymalizmu. Profesjonalni artyści są spokojniejsi, ale też entuzjastycznie podchodzą do swojej pracy, bo plastik jest dla nich jednym z profesjonalnych narzędzi.

Opowiedz nam więcej o swojej pracy ze studentami Instytut Teatralny ich. Schukina.

- Mistrz jednego z kursów - reżyser Aleksander Koruchekov, po obejrzeniu mojego występu w filii Teatru. Puszkin - „Pole Matki”, zaprosił mnie do przeprowadzenia serii kursów mistrzowskich dla swoich uczniów. Na podstawie wyników tych zajęć skomponowaliśmy fantasmagorię „Zima”, którą do dziś można oglądać na scenie „Szczupak” w wykonaniu studentów IV roku. Ten spektakl przechodzi przerwę z innym uczniem, ale już praca wokalna- „Włóczędzy”. W czerwcu ubiegłego roku na tym samym kursie wystawiłem spektakl plastyczny oparty na wierszu Puszkina „Cyganie”.

Zaczynałeś jako tancerz w zespole Tańców Prowincjonalnych Tatiany Baganowej w Jekaterynburgu. Jak zostałeś reżyserem w moskiewskich teatrach?

— W 2006 roku przeprowadziłem się do Moskwy i jako artysta i choreograf zacząłem pracować ze studiem SoundDrama Vladimira Pankova. Potem Teatr. Puszkin zaprosił mnie na choreografa w jednym ze swoich dramatycznych przedstawień. Było wspaniałe doświadczenie w pracy nad ruchem z młodymi artystami teatralnymi, chciałem jakaś kontynuacja, ale nie było jasne, w jakiej formie, na jakich warunkach.

- Wkrótce jeden z artystów teatralnych zasugerował, żebym pomyślał o realizacji „Pola Matki” Czyngiza Ajtmatowa. Kiedy przeczytałem tę historię, od razu zrozumiałem, że to dobra podstawa do dramatu plastycznego. Następnie rozpoczęliśmy negocjacje z dyrektor artystyczny teatr Jewgienija Pisariewa i nie potrafiłem wyjaśnić, co by to właściwie było: nie taniec współczesny, nie balet, a nie teatr mimiki i gestów.

- W efekcie dostaliśmy niejako miesiąc próbny na ubieganie się o przedstawienie. W tym miesiącu przebyliśmy długą drogę, ze strony artystów było dużo entuzjazmu i motywacji. Robiliśmy szkice scen, które nie były jeszcze kompletnym dziełem, i pokazywaliśmy je. Dopiero potem kierownictwo artystyczne zatwierdziło pracę nad spektaklem i włączyło nas do repertuaru.

Czy przedstawienie zdobyło nagrodę Złotej Maski?

— Nie, tam jeszcze nie ma dla nas nominacji. O ile wiem, rada ekspertów nagrody dyskutowała, czy nominować spektakl, czy nie, bo nominacje „dramat” czy „współczesna choreografia” nie pasowały. Wydaje mi się, że sensowne jest, aby znawcy "Maski" pomyśleli o nominacji "dramatu plastycznego", ponieważ wiele teatrów już przechodzi takie eksperymenty. Choć na długo przed decyzją rady eksperckiej, sztuka „Matczyne Pole” została włączona do rosyjskiego programu kazuistycznego, a następnie w ramach festiwalu” Złota Maska„pokazano w miastach Rosji i za granicą.

Zakończę nieco pretensjonalnym, ale ważnym pytaniem: jak postrzegasz swoją misję jako Artysta, Osoba Sztuki i Osoba Teatru?

- Lubię tradycję mówienia „służy w teatrze”, o pracy aktora, reżysera, każdego pracownika, który zajmuje się kreatywnością. Bliskie mi jest znaczenie słowa „służba”, służba Muz, która, jak pamiętamy z klasyki, nie toleruje zamieszania. Nie idź na kompromis z opinia publiczna i wulgarnego gustu, szanować widza, pokazać mu prawdziwy teatr, sztukę wysoką - to zadanie każdej osoby, która tworzy. Perfekcjonizm i rygorystyczność wobec wszystkich uczestników produkcji, łącznie z nim samym. I dużo pracy. To cała misja.
I to naprawdę żałosne, ale jakoś ...)))

Wywiad przeprowadziła Veronika Chernysheva.