Et son travail, présenté dans l'article, vous fera découvrir l'un des les plus grands artistes de tous les temps. Rembrandt Harmenszoon van Rijn (vie - 1606-1669) - célèbre peintre néerlandais, graveur et dessinateur. Son travail est imprégné du désir de comprendre l'essence de la vie, ainsi que le monde intérieur de l'homme. Rembrandt s'intéressait à la richesse des expériences spirituelles inhérentes aux gens. Le travail de cet artiste est le summum art hollandais 17ème siècle. Il est également considéré comme l'une des pages les plus importantes culture artistique dans le monde entier. Même les personnes éloignées de la peinture connaissent ses œuvres. Rembrandt est artiste incroyable, dont la vie et l'œuvre vous intéresseront sûrement.

L'héritage artistique de Rembrandt

L'héritage artistique qu'il nous a laissé est d'une exceptionnelle diversité. Rembrandt a peint des portraits, des paysages, des natures mortes, des scènes de genre. Il a créé des peintures mythologiques, bibliques, thèmes historiques, ainsi que d'autres travaux. Rembrandt est maître consommé gravure et dessin.

La vie à Leyde

La vie de Rembrandt en 1620 est marquée par une courte période d'études, puis il décide de consacrer sa vie entièrement à l'art. À cette fin, il étudie d'abord à Leyde avec J. van Swanenbürch (vers 1620-1623), puis à Amsterdam avec P. Lastman (en 1623). Dans la période de 1625 à 1631, l'artiste a travaillé à Leiden. Rembrandt y créa ses premières œuvres.

Il convient de noter que ses œuvres datant de la période de Leiden se caractérisent par la recherche de l'indépendance créative de l'auteur, malgré le fait qu'elles montrent l'influence de Lastman, ainsi que des représentants du caravagisme néerlandais. Un exemple est l'œuvre "Apporter au Temple", créée vers 1628-29. Dans "L'Apôtre Paul" (vers 1629-1630), ainsi que dans "Siméon au Temple" (1631), l'artiste a d'abord eu recours au clair-obscur comme moyen destiné à renforcer l'expressivité émotionnelle et la spiritualité des images. Parallèlement, Rembrandt travaille dur sur le portrait. Il a étudié les expressions faciales.

1630 ans dans la vie de Rembrandt

Un événement important dans la vie du maître se produisit en 1632. Le déménagement à Amsterdam a marqué la biographie de l'artiste Rembrandt. Sa biographie, relative à cette époque, est la suivante.

A Amsterdam, l'artiste qui nous intéresse s'est bientôt marié. Son élue était Saskia van Uylenburgh, une riche patricienne (son portrait est présenté ci-dessus). Cette femme était orpheline. Son père était membre du conseil de Frise, bourgmestre de Leewerden. Les deux frères de Saskia étaient avocats. Parmi les proches de cette femme figurent de nombreux responsables gouvernementaux et scientifiques. Elle a apporté un rayon de bonheur dans la demeure solitaire de l'artiste. Rembrandt a meublé sa maison de nombreuses choses rares, à la suite desquelles il est devenu un véritable musée. Le maître passait beaucoup de temps dans les brocantes, les ventes et les ventes aux enchères. Il a acheté des gravures et des peintures, des bibelots sculptés indiens et chinois, des armes anciennes, des statues, du cristal précieux et de la porcelaine. Toutes ces choses ont servi de fond aux peintures qu'il a créées. Ils ont inspiré l'artiste. Rembrandt aimait habiller sa femme de velours, de brocart et de soie. Il l'a comblée de perles et de diamants. Sa vie était facile et joyeuse, pleine de créativité, de travail et d'amour. En général, les années 1630 sont l'époque bonheur familial et une grande réussite artistique.

Portraits des années 1630

Tous les portraits datant des années 1630 démontrent la subtilité et le pouvoir d'observation de Rembrandt. Cela le rapproche de Keyser, van der Helst, Rubens et Van Dyck. Ces peintures sont généralement réalisées sur un fond uniforme gris clair. Ses œuvres sont souvent de format ovale. Rembrandt a créé des portraits qui étonnent par une énorme puissance plastique. Il est obtenu en simplifiant le clair-obscur et l'harmonie en noir et blanc, ainsi que le regard direct du modèle. Toutes les œuvres sont pleines de dignité, attirent l'attention par leur composition et leur aisance dynamique. Dans les peintures de la période d'Amsterdam, en comparaison avec le Leiden, une texture plus lisse. Le rythme des mains a une signification symbolique (l'artiste ne montre intentionnellement qu'une seule main). Ceci, ainsi que le tour de tête du personnage, rappelle la variabilité et la fugacité du baroque.

Caractéristiques de quelques portraits des années 1630

Description de la vie et de l'œuvre de Rembrandt Période donnée, il est impossible de ne pas se référer aux portraits qu'il a réalisés. Ils sont assez nombreux. La leçon d'anatomie du Dr Tulp de Rembrandt (photo ci-dessus) a été créée en 1632. Dans ce document, l'auteur a abordé de manière innovante la solution du problème d'un portrait de groupe, à la suite de quoi la composition s'est avérée détendue. Rembrandt a uni toutes les personnes représentées sur la photo en une seule action. Ce travail lui a valu une grande renommée.

Dans d'autres portraits, créés par de nombreuses commandes, l'artiste a soigneusement transporté des vêtements, des traits du visage et des bijoux. Un exemple est l'œuvre "Portrait d'un burgrave", peinte en 1636 par Rembrandt Harmensz van Rijn. La vie et l'œuvre de tout artiste sont étroitement liées. Par exemple, les portraits de personnes proches de Rembrandt, ainsi que ses autoportraits (l'un d'eux, réalisé en 1634, est présenté ci-dessus), sont plus diversifiés et libres dans leur composition. En eux, l'artiste n'avait pas peur d'expérimenter, recherchant l'expressivité psychologique. Ici, il faut également mentionner un autoportrait, créé en 1634, et "Smiling Saskia", peint en 1633.

Le célèbre tableau "Joyeuse société", ou "Autoportrait avec Saskia" (une photo de cette oeuvre est présentée ci-dessus), a complété la recherche de cette période. Il a été peint vers 1635. La vie et l'œuvre de l'artiste sont révélées de manière particulière dans cet ouvrage. Il y rompt hardiment avec les canons qui existaient à cette époque. Le tableau se distingue par la manière libre de peindre, l'immédiateté vivante de la composition, ainsi que l'échelle lumineuse, majeure et colorée.

Compositions bibliques et scènes mythologiques 1630

En 1630, l'artiste crée également des compositions bibliques. L'un des plus célèbres est le "Sacrifice d'Abraham". Il appartient à 1635. Les compositions bibliques de cette époque sont marquées par l'influence de la peinture baroque italienne. Son impact se manifeste dans la dynamique de la composition (un peu forcée), les contrastes d'ombre et de lumière, la netteté des angles.

Dans les œuvres de Rembrandt de cette époque, une place particulière appartient aux scènes mythologiques. En eux, l'artiste n'a pas suivi les traditions et les canons classiques, leur lançant un défi audacieux. L'une des œuvres que l'on peut noter ici est L'Enlèvement de Ganymède (1635).

"Danaé"

La composition monumentale appelée "Danae" incarnait pleinement les vues esthétiques de Rembrandt. Dans cet ouvrage, il semble entrer en querelle avec les grands artistes de la Renaissance. La figure nue de Danaé représentée par Rembrandt ne correspond pas aux idéaux classiques. L'artiste a achevé ce travail avec une immédiateté réaliste, très audacieuse pour l'époque. Il a opposé la beauté idéale, sensuelle et corporelle des images créées par les maîtres italiens à la beauté spirituelle, ainsi qu'à la chaleur du sentiment humain.

Autres emplois

Toujours en 1630, Rembrandt consacra beaucoup de temps à travailler la technique de la gravure et de l'eau-forte. On peut noter ses œuvres telles que "The Travelling Couple" et "The Seller of Rat Poison". L'artiste a également créé dessins au crayon, de manière généralisée et assez audacieuse.

L'œuvre de Rembrandt de 1640

Ces années sont marquées par un conflit entre les œuvres novatrices de Rembrandt et les exigences très limitées de ses contemporains. Ce conflit se manifesta clairement en 1642. Puis les travaux de "Night Watch" de Rembrandt ont provoqué de violentes protestations de la part des clients. Ils n'ont pas accepté l'idée principale de l'artiste. Rembrandt, au lieu du portrait de groupe habituel, a représenté une composition héroïquement élevée dans laquelle, sur un signal d'alarme, la guilde des tireurs s'avance. Autrement dit, c'était, pourrait-on dire, Elle a réveillé les souvenirs des contemporains sur la guerre de libération menée par le peuple néerlandais.

Après ces travaux, l'afflux de commandes de Rembrandt a diminué. Sa vie a également été assombrie par la mort de Saskia. En 1640, l'œuvre de l'artiste perd son éclat extérieur. Les notes majeures qui le caractérisaient auparavant ont également disparu. Rembrandt commence à écrire des scènes de genre et bibliques calmes, pleines d'intimité et de chaleur. En eux, il révèle les nuances les plus subtiles des expériences, des sentiments de parenté, d'intimité spirituelle. Parmi ces œuvres, il convient de noter "La Sainte Famille" en 1645, ainsi que le tableau "David et Jonathan" (1642).

Tant dans le graphisme que dans la peinture de Rembrandt, un jeu de clair-obscur très subtil prend de plus en plus d'importance. Cela crée une atmosphère particulière - émotionnellement tendue, dramatique. A noter la feuille graphique monumentale de Rembrandt "Le Christ guérissant les malades", ainsi que la "Feuille aux cent florins", créée vers 1642-1646. Il faut aussi nommer le paysage de 1643 "Trois Arbres", plein de dynamique lumineuse et aérienne.

1650 dans l'œuvre de Rembrandt

Cette période a été marquée par de graves épreuves de vie qui ont frappé l'artiste. C'est en 1650 que la période de sa maturité créative. Rembrandt se tourne de plus en plus vers le portrait. Il dépeint les personnes les plus proches de lui. Parmi ces œuvres, il convient de noter les nombreux portraits de Hendrickje Stoffels, la seconde épouse de l'artiste. Tout aussi remarquable était le "Portrait d'une vieille femme" créé en 1654. En 1657, l'artiste peint une autre de ses œuvre célèbre- "Fils Titus en train de lire."

Images de gens ordinaires et de personnes âgées

images les gens ordinaires, en particulier les personnes âgées, sont de plus en plus attirées par l'artiste. Ils sont l'incarnation de la richesse spirituelle et de la sagesse vitale dans ses œuvres. En 1654, Rembrandt a créé "Portrait de la femme du frère de l'artiste", et en 1652-1654 - "Portrait d'un vieil homme en rouge" (photo ci-dessus). Le peintre commence à s'intéresser aux mains et au visage, éclairés par une douce lumière. Ils semblent sortis de l'obscurité. Les visages des personnages sont caractérisés par des expressions faciales à peine perceptibles. Cela montre le mouvement complexe de leurs sentiments et de leurs pensées. Rembrandt alterne entre traits légers et pâteux, ce qui rend la surface du tableau irisée de clairs-obscurs et de teintes colorées.

Situation financière difficile

En 1656, l'artiste est déclaré débiteur insolvable, à la suite de quoi tous ses biens passent sous le marteau. Rembrandt a été contraint de déménager dans le quartier juif de la ville d'Amsterdam. Ici, il a passé le reste de sa vie dans des conditions extrêmement exiguës.

L'œuvre de Rembrandt Harmensz van Rijn 1660

Des compositions bibliques créées dans les années 1660 résument les réflexions de Rembrandt sur le sens de la vie. Dans son travail de cette époque, il y a des peintures consacrées au choc des principes clairs et obscurs dans l'âme humaine. Un certain nombre d'œuvres sur ce sujet ont été créées par Rembrandt Harmensz van Rijn, dont la biographie et la liste des peintures nous intéressent. Parmi ces œuvres, il faut noter l'œuvre « Assur, Haman et Esther », créée en 1660 ; et aussi David et Urie, ou La Chute d'Haman (1665). Ils se caractérisent par un style d'écriture flexible, une gamme chaude et saturée, une texture de surface complexe, un jeu intense d'ombre et de lumière. Tout cela est nécessaire pour que l'artiste révèle des expériences et des conflits émotionnels complexes, pour affirmer la victoire du bien sur le mal.

Un tableau historique de Rembrandt intitulé "La conspiration de Julius Civilis", également connu sous le nom de "La conspiration des Bataves", a été créé en 1661. Il est empreint d'héroïsme et de drame sévère.

"Le retour du fils prodigue"

À L'année dernière de sa vie, l'artiste a créé l'œuvre "Le retour du fils prodigue". Il date de 1668-69. Ce tableau monumental est le principal chef-d'œuvre de Rembrandt. Il incarne toutes les valeurs morales, esthétiques et problèmes artistiques caractéristique de la période tardive de son œuvre. L'artiste le plus habile recrée dans cette image toute une gamme de sentiments humains profonds et complexes. Il subordonne les moyens artistiques à la révélation de la beauté du pardon, de la compassion, de la compréhension. Dans des gestes économes et des poses expressives, le point culminant de la transition de la tension des sentiments à la résolution réussie des passions est incarné. Sur la photo ci-dessus, vous pouvez voir cette dernière œuvre de Rembrandt.

La mort de Rembrandt, le sens de son œuvre

Le célèbre peintre, graveur et dessinateur hollandais est décédé à Amsterdam le 4 octobre 1669. Harmensz van Rijn Rembrandt, dont les œuvres sont connues et appréciées de beaucoup, a eu un impact énorme sur la poursuite du développement La peinture. Cela se remarque non seulement dans le travail de ses élèves, dont Karel Fabricius est le plus proche pour comprendre Rembrandt, mais aussi dans les œuvres de tous les artistes néerlandais, plus ou moins importants. Les peintures de nombreux maîtres reflètent l'influence d'un artiste tel que Rembrandt van Rijn. L'œuvre "Swamp", dont l'auteur est Jacob van Ruysdael, est probablement l'une de ces œuvres. Il montre la partie déserte de la zone forestière inondée d'eau. Cette image a une signification symbolique.

À l'avenir, le grand Rembrandt a eu une forte influence sur le développement de l'art réaliste dans son ensemble. Ses peintures et sa biographie intéressent encore aujourd'hui de nombreuses personnes. Cela suggère que son travail est en effet très précieux. Les chefs-d'œuvre de Rembrandt, dont beaucoup ont été décrits dans cet article, inspirent toujours les artistes.

L'œuvre du brillant Rembrandt Harmenszoon van Rijn est l'un des sommets de la peinture mondiale. L'extraordinaire ampleur de la gamme thématique, l'humanisme le plus profond qui inspire les œuvres, la véritable démocratie de l'art, la recherche constante des moyens artistiques les plus expressifs, une compétence inégalée ont donné à l'artiste l'occasion d'incarner les idées les plus profondes et les plus avancées de l'époque. La couleur des peintures de Rembrandt de la période mûre et tardive, construite sur une combinaison de tons chauds proches, irisés des nuances les plus fines, légères, tremblantes et concentrées, comme émises par les objets eux-mêmes, contribuent à l'extraordinaire émotivité de ses œuvres. Mais ils sont valorisés par des sentiments élevés et nobles, qui donnent de la poésie et une beauté sublime aux choses quotidiennes.

L'apprenti et son tuteur, 1629-1630, Getty Museum, Los Angeles, Californie

Jérémie déplorant la destruction de Jérusalem, 1630, Rijksmuseum

Minerve, vers 1631, Musée d'État, Berlin

Rembrandt a peint des peintures, des portraits et des paysages historiques, bibliques, mythologiques et quotidiens; il était l'un des plus grands maîtres de la gravure et du dessin. Mais quelle que soit la technique dans laquelle Rembrandt travaillait, le centre de son attention était toujours un homme, avec son monde intérieur, ses expériences. Rembrandt a souvent trouvé ses héros parmi les représentants des pauvres hollandais, en eux il a révélé les meilleurs traits de caractère, une richesse spirituelle inépuisable. L'artiste a porté la foi en l'homme à travers toute sa vie, ses épreuves et ses épreuves. Elle l'aida à derniers jours créer des œuvres exprimant les meilleures aspirations du peuple néerlandais.

L'enlèvement de Proserpine, vers 1631, Galerie de photos, Dresde

Leçon d'anatomie par le Dr Nicholas Tulp, 1632, Mauritshuis, La Haye

Le viol d'Europe, 1632, Getty Museum, Los Angeles

Rembrandt Harmenszoon van Rijn est né en 1606 à Leiden, fils d'un propriétaire de moulin. Ses professeurs étaient Swannenburgh et plus tard Lastman. À partir de 1625, Rembrandt a commencé à travailler de manière indépendante. Ses premières œuvres portent la trace de l'influence de Lastman, parfois peintres d'Utrecht, disciples du Caravage. Bientôt, le jeune Rembrandt trouve sa voie, clairement marquée dans des portraits, composés principalement de lui-même et de ses proches. Déjà dans ces œuvres, le clair-obscur devenait pour lui l'un des principaux moyens expressivité artistique. Il a étudié diverses manifestations de caractères, expressions faciales, expressions faciales, traits individuels.

Daniel et le roi perse Cyrus devant l'idole de Baal, 1633, Getty Museum

Déesse de la guerre Bellona, ​​​​1633, Metropolitan Museum of Art, New York

Le constructeur naval et sa femme, 1633, Art Gallery, Buckingham Palace

En 1632, Rembrandt s'installe à Amsterdam et devient immédiatement célèbre avec le tableau La leçon d'anatomie du Dr Tulp (1632, La Haye, Mauritshuis). Il s'agit essentiellement d'un grand portrait de groupe de médecins qui entouraient le Dr Tulp et écoutaient attentivement ses explications sur un cadavre anatomique. Une telle construction de la composition a permis à l'artiste de transmettre les traits individuels de chaque personne représentée et de les relier en un groupe libre avec un état général d'intérêt profond, pour souligner la vitalité de la situation. Contrairement aux portraits de groupe de Hals, où chacun des représentés occupe une position équivalente, dans la peinture de Rembrandt tous les personnages sont psychologiquement subordonnés à Tulpa, dont la figure est soulignée par une large silhouette et un geste de la main libre. Une lumière vive révèle le centre de la composition, contribue à l'impression de sang-froid du groupe et augmente l'expression.

Le succès du premier tableau a valu à l'artiste de nombreuses commandes, et avec elles une richesse, qui a augmenté avec son mariage avec la patricienne Saskia van Uylenburgh. Tour à tour, Rembrandt écrit de grandes compositions religieuses, comme le Sacrifice d'Abraham (1635, Saint-Pétersbourg, Ermitage), pleines de dynamisme et de pathos, des portraits d'apparat. Il est fasciné par les images héroïco-dramatiques, les constructions extérieures spectaculaires, les magnifiques tenues de fantaisie, les contrastes d'ombre et de lumière et les angles vifs. Rembrandt représente souvent Saskia et lui-même, jeunes, heureux, pleins de force. Il s'agit de "Portrait de Saskia" (vers 1634, Kassel, Galerie d'art), "Autoportrait" (1634, Paris, Louvre), "Autoportrait avec Saskia à genoux" (vers 1636, Dresde, Galerie d'art). Rembrandt a beaucoup travaillé dans le domaine de la gravure, affectionnant les motifs de genre, les portraits, les paysages, et a créé toute une série d'images de représentants des classes sociales inférieures.

Judith à la réception d'Holopherne (peinture anciennement connue sous le nom d'Artemisia), 1634, Musée du Prado, Madrid

Diane et les nymphes se baignent racontant des histoires d'Actéon et de Callisto, 1635, Wasserburg Anholt Museum

Saskia van Uylenburgh en costume arcadien, 1635, National Gallery, Londres

À la fin des années 1630, l'attrait de l'artiste pour les images réalistes dans les peintures à grande échelle se révèle. Le thème mythologique du tableau Danae (1636, la majeure partie du tableau a été repeinte au milieu des années 1640, Saint-Pétersbourg, l'Ermitage) a acquis une solution inhabituellement vitale et convaincante. Rejetant le pathos violent et les effets externes, Rembrandt s'est efforcé d'exprimer psychologiquement. Les couleurs chaudes sont devenues plus riches, la lumière a acquis un rôle encore plus important, conférant une inquiétude et une excitation particulières à l'œuvre.

Homme en costume oriental, 1633, National Gallery, Washington

Incrédulité de l'apôtre Thomas, 1634, Musée national des beaux-arts Pouchkine, Moscou

Samson menace son beau-père, 1635, Rijksmuseum, Berlin

Avec l'approfondissement de la compétence réaliste de l'artiste, ses désaccords avec l'environnement bourgeois-patricien environnant se sont accrus. En 1642, mandaté par une compagnie de fusiliers, il écrit grande image(3,87 X 5,02 m), en raison de l'assombrissement des couleurs de temps en temps, appelée plus tard la "Night Watch" (Amsterdam, Rijksmuseum). Au lieu de la fête traditionnelle avec des portraits de ses participants, où chacun est représenté avec tout le soin d'une caractéristique individuelle, comme cela se faisait auparavant, l'artiste a représenté la performance des tireurs en campagne. Levant la bannière, menés par le capitaine, ils défilent le long du large pont près du bâtiment de la guilde au son d'un tambour. Un faisceau de lumière inhabituellement brillant, illuminant des personnages individuels, les visages des participants au cortège et une petite fille avec un coq à la taille, comme si elle se frayait un chemin à travers les rangs des tireurs, souligne l'inattendu, la dynamique et l'excitation de l'image. Les images de gens courageux, saisis d'un élan héroïque, se conjuguent ici avec une image généralisée du peuple néerlandais, inspirée par la conscience de l'unité et la foi en sa propre force. Ainsi, un portrait de groupe acquiert le caractère d'un image historique, dans lequel l'artiste cherche à évaluer le présent. Rembrandt incarne son idée d'idéaux civiques élevés, d'un peuple qui s'est levé pour lutter pour la liberté et l'indépendance nationale. Dans les années où se révèlent de plus en plus les contradictions internes qui divisent le pays, l'artiste lance un appel à l'exploit citoyen. Rembrandt a cherché à créer une image de la Hollande héroïque, à glorifier l'élan patriotique de ses citoyens. Cependant, cette idée était déjà largement étrangère à ses clients.

Tout au long des années 1640, les différences entre l'artiste et la société bourgeoise se creusent. Ceci est facilité par des événements difficiles dans sa vie personnelle, la mort de Saskia. Mais c'est à cette époque qu'arrive le temps de la maturité dans l'œuvre de Rembrandt. Les scènes dramatiques spectaculaires de ses premières peintures sont remplacées par la poétisation de la vie quotidienne: les intrigues lyriques deviennent prédominantes, telles que «L'adieu de David à Jonathan» (1642), «La Sainte Famille» (1645, les deux peintures - Saint-Pétersbourg , l'Ermitage), en qui la profondeur des sentiments humains l'emporte avec une incarnation étonnamment subtile et forte. Il semblerait que dans des scènes simples du quotidien, dans des gestes et mouvements parcimonieux et précisément trouvés, l'artiste révèle la complexité de la vie spirituelle, le flux de pensées des personnages. Il transfère la scène du tableau "La Sainte Famille" dans une maison paysanne pauvre, où le père travaille comme charpentier et la jeune mère surveille attentivement le sommeil du bébé. Tout ici est couvert d'un souffle de poésie, souligne l'ambiance de silence, de paix, de tranquillité. Ceci est facilité par une lumière douce qui illumine les visages de la mère et du bébé, les nuances les plus subtiles de la couleur dorée chaude.

Le Christ et Marie-Madeleine au tombeau, 1638, Collection royale, Windsor

Agatha Bass contre une fenêtre, 1641, Art Gallery, Buckingham Palace

Prédicateur Cornelis Claes Anslo et sa femme Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Musée Berlin-Dahlem

Les images des œuvres graphiques de Rembrandt - dessins et gravures - sont pleines d'une profonde signification intérieure. Avec une force particulière, le démocratisme de son art s'exprime dans l'eau-forte « Le Christ guérissant les malades » (vers 1649, « Une feuille de cent florins », ainsi nommée en raison du prix élevé qu'il achetait aux enchères). Frappante est l'interprétation pénétrante des images des malades et des souffrants, des pauvres et des pauvres, auxquels s'opposent des pharisiens satisfaits d'eux-mêmes et richement vêtus. Portée monumentale authentique, pittoresque, contrastes subtils et nets de clair-obscur, richesse tonale distinguent ses eaux-fortes et dessins à la plume, tant thématiques que paysagères.

Une place immense dans la période tardive est occupée par des compositions simples mais, le plus souvent des portraits générationnels de parents et d'amis, dans lesquelles l'artiste s'attache à révéler tranquillité d'esprit dépeint. Plusieurs fois, il écrit à Hendrickje Stoffels, révélant sa gentillesse spirituelle et sa convivialité, sa noblesse et sa dignité - comme, par exemple, "Hendrickje à la fenêtre" (Berlin, Musée). Souvent, le modèle est son fils Titus, un jeune homme maladif et fragile au doux visage spirituel. Dans le portrait au livre (vers 1656, Vienne, Kunsthistorisches Museum), l'image semble pénétrée par les rayons du soleil. Parmi les plus pénétrants figurent le portrait de Breuning (1652, Kassel, Gallery), un jeune homme aux cheveux dorés au visage mobile éclairé par la lumière intérieure, et un portrait de Jan Six fermé-triste (1654, Amsterdam, Six's collection) , comme arrêté dans ses pensées, enfilant un gant.

Autoportrait au chapeau de feutre, 1642, Collection Royale, Château de Windsor, Londres

Toilette de Bethsabée, 1643, Metropolitan Museum of Art, New York

Portrait d'une dame aux mains jointes (Hendrikje Stoffels ?), vers 1650, Royal Collection, Londres

Les autoportraits tardifs de l'artiste appartiennent également à ce type de portraits, frappant par la diversité des caractéristiques psychologiques, l'expression des mouvements les plus insaisissables de l'âme. L'« Autoportrait » du Musée de Vienne (vers 1652) a été exécuté avec une noble simplicité et majesté ; dans "l'Autoportrait" du Louvre (1660), l'artiste se représente méditant, attristé. En même temps, un portrait d'une vieille femme, l'épouse du frère (1654, Saint-Pétersbourg, Ermitage), est peint, un portrait-biographie qui parle d'une vie dure, de jours durs qui ont laissé leurs traces éloquentes sur le visage ridé et mains laborieuses de celle qui a beaucoup vu et survivante. En concentrant la lumière sur le visage et les mains, l'artiste attire l'attention du spectateur sur eux, révélant la richesse spirituelle et la dignité humaine des personnes représentées. Presque tous ces portraits ne sont pas faits sur mesure : chaque année il y a de moins en moins de commandes.

La dernière décennie est la période la plus tragique de la vie de Rembrandt ; déclaré débiteur insolvable, il s'installe dans le quartier le plus pauvre d'Amsterdam, perd ses meilleurs amis et ses proches. Hendrickje et son fils Titus meurent. Mais les malheurs qui lui sont arrivés n'ont pu arrêter le développement du génie créateur de l'artiste. Le plus profond et belles œuvres ils ont été écrits à cette époque. Le portrait de groupe de "Sindiki" (les anciens de la guilde des draps, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) complète les réalisations de l'artiste dans ce genre. Sa vitalité réside dans la profondeur et la spécificité de chacun de ceux qui sont dépeints, dans le naturel de la composition, claire et équilibrée, dans l'avarice et la précision du choix des détails, dans l'harmonie d'un jeu de couleurs discret, et en même temps dans la création d'une image intégrale d'un groupe de personnes unies par les intérêts communs qu'elles défendent. . Un angle inhabituel souligne le caractère monumental de l'image, la signification et la solennité de ce qui se passe.

Jeune femme essayant des boucles d'oreilles, 1657, Ermitage, Saint-Pétersbourg

Artaxerxès, Haman et Esther, 1660, Musée national des beaux-arts Pouchkine, Moscou

Portrait de famille, 1668, Duke Anton Ulrich Museum, Braunschweig

Un certain nombre de peintures thématiques de grande taille du maître appartiennent également à la période tardive: «La conspiration de Julius Civilis» (1661, Stockholm, Musée national), une composition historique représentant le chef de la tribu Batav, considérée comme les ancêtres des Pays-Bas, qui au 1er siècle souleva le peuple contre Rome, ainsi que des peintures sur des sujets bibliques : « Artaxerxès, Haman et Esther » (1660, Moscou, Musée Pouchkine). L'intrigue de la parabole biblique du fils prodigue attirait l'artiste auparavant, on la retrouve dans une de ses eaux-fortes. Mais ce n'est que vers la fin de sa vie que Rembrandt a eu sa révélation la plus profonde. L'image d'un homme fatigué et repentant qui est tombé à genoux devant son père exprime le chemin tragique de la connaissance de la vie, et l'image du père qui a pardonné au fils prodigue incarne le plus grand bonheur disponible pour une personne, la limite des sentiments qui remplissent le coeur. La décision de cette composition à grande échelle est d'une simplicité étonnante, où les personnages principaux semblent éclairés d'une lumière intérieure, où le geste des mains du père, qui a retrouvé son fils, exprime son infinie bonté, et la silhouette tombante d'un vagabond en haillons sales, accroché à son père, exprime toute la puissance du repentir, la tragédie des recherches et des pertes. D'autres personnages sont relégués au second plan, dans la pénombre, et leur compassion et leur prévenance ne font que se mettre davantage en valeur, comme rayonnant d'un rayonnement chaleureux, d'amour paternel et de pardon, que le grand artiste hollandais a laissé comme un testament.

L'influence de l'art de Rembrandt fut énorme. Cela a affecté non seulement le travail de ses étudiants immédiats, dont Karel Fabritius était le plus proche pour comprendre le professeur, mais aussi sur l'art de chaque artiste néerlandais plus ou moins important. L'art de Rembrandt a eu un impact profond sur le développement de tout l'art réaliste mondial par la suite. Alors que le plus grand artiste néerlandais, entré en conflit avec la société bourgeoise, est mort dans le besoin, d'autres peintres, maîtrisant l'art de la transmission véridique de l'image, ont réussi à obtenir une reconnaissance et un bien-être à vie. Ayant concentré leurs efforts dans le domaine de l'un ou l'autre genre de peinture, beaucoup d'entre eux ont créé des œuvres significatives dans leur domaine.

Resmbrandt est né à Leiden, fils d'un propriétaire de moulin plutôt riche. Il a d'abord étudié à l'école latine, puis brièvement à l'université de Leiden, mais l'a quitté pour étudier la peinture, d'abord avec un maître local peu connu, puis avec l'artiste d'Amsterdam Peter Lastman.

Après une courte étude, Rembrandt part dans sa ville natale pour peindre seul dans son propre atelier. C'est l'époque de la formation de l'artiste, lorsqu'il se passionne pour l'œuvre du Caravage. Durant cette période, il peint de nombreux portraits des membres de sa famille - mère, père, sœur et autoportraits. Déjà à cette époque il consacre Attention particulière illumination et transmission des expériences spirituelles de leurs modèles. La jeune artiste aime les habiller de divers vêtements, les draper dans de beaux tissus, transmettant parfaitement leur texture et leur couleur.

En 1632, Rembrandt part pour Amsterdam, le centre de la culture artistique de la Hollande, ce qui attire naturellement le jeune artiste. Ici, il atteint rapidement la renommée, il a de nombreuses commandes. En même temps, il continue avec enthousiasme à améliorer ses compétences. Les années 30 ont été l'époque de la plus haute gloire, dont la voie a été ouverte au peintre par son grand tableau de commande "Leçon d'anatomie". Toutes les poses et actions dans l'image sont naturelles, mais dépourvues de naturalisme excessif.

En 1634, Rembrandt épouse une fille d'une famille aisée - Saskia van Uylenborch - et tombe depuis lors dans les cercles patriciens. Le plus moment heureux vie d'artiste : amour passionné réciproque, bien-être matériel, beaucoup de commandes. Le peintre écrit souvent à sa jeune épouse : "Flora", "Autoportrait avec Saskia à genoux". Mais le bonheur n'a pas duré longtemps. Saskia mourut en 1642, laissant son petit fils Titus.

La dépression morale et la passion pour la collection qui s'emparent de Rembrandt le conduisent peu à peu à la ruine. Cela a également été facilité par un changement dans les goûts du public, qui est devenu fasciné par le light painting soigneusement peint. Rembrandt, qui ne cédait jamais aux goûts de ses clients, s'intéressait aux contrastes de lumière et d'ombre, laissant la lumière à un moment donné, le reste du tableau était dans l'ombre et dans la mi-ombre. Les commandes sont devenues de moins en moins nombreuses. Nouvelle petite amie de sa vie, Hendrickje Stoffels et son fils Titus ont fondé une société de négoce de peinture et d'antiquités pour aider l'artiste. Mais leurs efforts furent vains. Les choses empiraient. Au début des années 1660, Hendrickje mourut, et quelques années plus tard, Titus.

Cependant, malgré tout, l'artiste continue à travailler. Dans ces années particulièrement difficiles, il crée nombre d'œuvres remarquables : « Sindics », « Le retour du fils prodigue », saisissants de drame intérieur.

Le plus grand artiste est mort dans une extrême pauvreté le 4 octobre 1669. Les contemporains réagissent froidement à cette perte. Il a fallu près de deux cents ans pour que la force du réalisme de Rembrandt, la psychologie profonde de ses toiles et l'incroyable talent de la peinture sortent son nom de l'oubli et le placent parmi les plus grands noms du monde.

Flora est la déesse italienne des fleurs et de la jeunesse. Le culte de Flore est l'un des plus anciens cultes agricoles d'Italie, en particulier des Sabins. Les Romains identifiaient Flora au grec Chloris et célébraient en son honneur la soi-disant floralia au printemps, au cours de laquelle jeux marrants qui prenait parfois un caractère débridé. Les gens se sont décorés et les animaux avec des fleurs, les femmes ont mis des robes lumineuses.
À art ancien Flora était représentée comme une jeune femme tenant des fleurs ou éparpillant des fleurs.

Toute la toile est imprégnée d'une franche jubilation ! L'autoportrait représente les époux lors d'une joyeuse fête. Rembrandt, énorme par rapport à sa maigre épouse, la tient sur ses genoux et lève un gobelet en cristal de vin mousseux. Ils semblent être pris par surprise, dans une atmosphère intimiste débordante de vie.

Rembrandt, en riche costume militaire avec un baudrier doré et une rapière sur le côté, ressemble à un dandy-raiter s'amusant avec une fille. Il n'est pas gêné qu'un tel passe-temps puisse être considéré comme un signe de mauvais goût. Il sait seulement que sa femme est aimée, et donc belle dans son corsage luxueux, sa jupe de soie, sa magnifique coiffe et son précieux collier, et que tout le monde devrait l'admirer. Il n'a pas peur de paraître ni vulgaire ni vaniteux. Il vit dans le royaume des rêves et de la joie, loin des gens, et il ne lui vient pas à l'esprit qu'on puisse le lui reprocher. Et tous ces sentiments sont véhiculés par l'expression simple du visage radieux de l'artiste lui-même, qui semble avoir atteint toutes les bénédictions terrestres.

L'image exprime la joie de vivre, la conscience de la jeunesse, la santé et le bien-être.

Après la mort de Saskia, une autre femme est entrée dans la vie de Rembrandt, une modeste servante Hendrickje Stoffels, qui a égayé la solitude du maître. Il lui écrivait souvent, mais dans les titres des ouvrages où elle servait de modèle, il ne mentionnait jamais son nom.

L'histoire du patriarche biblique Joseph est racontée dans le livre de la Genèse.
Même dans la maison parentale de Jacob et Rachel, leur fils bien-aimé Joseph apparaît comme un rêveur. Le père choisit Joseph parmi les frères, et ceux-ci, jaloux de sa position particulière et de ses beaux vêtements, vendent Joseph en esclavage aux caravaniers se dirigeant vers l'Égypte.
En Égypte, Joseph sert d'esclave au riche noble Potiphar, le chef des gardes du corps du pharaon. Potiphar confie à Joseph toute sa maison, mais la femme de Potiphar empiète sur sa chasteté et Joseph s'enfuit, laissant ses vêtements entre les mains de la femme. La femme de Potiphar, tombée amoureuse de Joseph, et n'ayant pas obtenu la réciprocité, l'accuse de viol.
Dans la prison où Joseph a été envoyé, le boulanger et l'échanson du roi sont avec lui. Joseph interprète leurs rêves, selon lesquels le boulanger sera exécuté et l'échanson sera pardonné après trois jours. La prophétie de Joseph s'accomplit et l'échanson se souvient de lui lorsque les prêtres égyptiens ont du mal à interpréter le rêve du pharaon concernant sept vaches grasses dévorées par sept vaches maigres et environ sept bonnes vaches dévorées par les maigres. Sorti de prison, Joseph interprète le rêve comme un signe avant-coureur du fait qu'après les sept prochaines années de bonne récolte, sept années de mauvaises récoltes viendront. Il conseille au pharaon de nommer une personne de confiance pour créer des approvisionnements pour le temps de la famine.
Pharaon nomme Joseph comme confident, le favorise avec son anneau, lui donne un nom égyptien, et comme sa femme - l'Egyptien Aseneth, la fille d'un prêtre d'Héliopolis.

Samson aimait parcourir le pays et un jour s'est retrouvé dans la ville de Timnaf. Là, il tomba amoureux d'une femme philistine majestueuse et souhaita l'épouser. Il a couru à la maison et a demandé à ses parents de courtiser sa bien-aimée. Les vieillards se tenaient la tête avec horreur: leur fils leur avait déjà causé beaucoup de chagrin, et maintenant, en plus de tout, il a décidé d'épouser une étrangère, la fille d'un Philistin. Samson, cependant, a tenu bon. Les parents n'avaient rien à faire - en soupirant profondément, ils obéissaient aux caprices de leur fils excentrique. Samson est devenu marié et à partir de ce moment-là, il est souvent allé rendre visite aux parents de la mariée.
Un jour, alors que Samson marchait d'un bon pas le long du chemin entre les vignes, un jeune lion rugissant lui barra le chemin. L'homme fort déchira le lion et, comme si de rien n'était, se rendit à Timnath, sans parler à personne de son aventure. De retour chez lui, il fut surpris de voir qu'un essaim d'abeilles nichait dans la gueule d'un lion mort et que beaucoup de miel s'était déjà accumulé. Samson a apporté les nids d'abeilles à ses parents sans dire un mot où il les a eus.
Au Fimnaf, le jumelage s'est bien passé, il y a eu une grande fête, tout le monde a félicité les mariés et le jour du mariage a été fixé. Selon la coutume philistine, la célébration du mariage dure sept jours.
Lors de la fête, les parents de la mariée, craignant la force extraordinaire de Samson, ont nommé trente jeunes Philistins forts comme compagnons de mariage avec lui. Samson, regardant les "gardes" avec un sourire, suggéra qu'ils résolvent l'énigme. Il devait être résolu à la fin du mariage, le septième jour.
L'énigme était la suivante : "De celui qui mange est sorti quelque chose à manger, et du fort est sorti quelque chose de sucré." Bien sûr, personne ne pouvait résoudre cette énigme, car personne ne savait que nous parlons sur les abeilles mangeant du nectar (les abeilles "mangent"), sur le miel ("mangeant") et sur un lion fort. Dans le même temps, Samson pose des conditions : s'il est résolu, ils recevront 30 chemises autant de la robe du haut, et sinon, ils lui paieront la même chose.
Les Philistins abasourdis pensèrent pendant trois jours à cette une énigme étrange. Désespéré, ils sont allés voir sa jeune femme et l'ont menacée que si elle ne découvrait pas la réponse à l'énigme de son mari, ils brûleraient eux-mêmes et la maison de son père. Les Philistins ne voulaient vraiment pas payer une grosse somme à Samson.
Par ruse et gentillesse, la femme a découvert de son mari la réponse à l'énigme, et le lendemain, les Philistins ont donné la bonne réponse. Samson, enragé, n'avait rien d'autre à faire que de rembourser la dette convenue, et ses parents étaient très pauvres. Puis il a tué 30 Philistins et a donné leurs vêtements en dette. Samson lui-même, réalisant ce que sa femme avait trahi, claqua la porte et retourna chez ses parents.

Artemis (Artemis) - fille de Zeus et Leto, soeur d'Apollon. Initialement vénérée comme la déesse de la flore et de la faune. Elle est la "maîtresse des bêtes", Tavropol (protectrice des taureaux), Limnatis (marais), ours (sous cette apparence elle était vénérée à Bavron). Plus tard - la déesse de la chasse, des montagnes et des forêts, la patronne des femmes en couches.
Artemis a supplié la virginité éternelle de Zeus. Soixante Océanides et vingt nymphes étaient ses compagnons de chasse constants, participant à ses jeux et à ses danses. Sa principale fonction est de protéger les coutumes établies, les sacrifices aux dieux, dont elle punit sévèrement la violation : elle envoie un sanglier terrible au royaume calydonien, des serpents mortels au lit conjugal du roi Admet. Elle garde et le monde animal, appelant à rendre compte Hercule, qui a tué la biche kérinée aux cornes d'or, et exige un sacrifice sanglant en échange de la biche sacrée tuée par Agamemnon - sa fille Iphigénie (sur l'autel sacrificiel, Artémis a secrètement remplacé la princesse par une biche, et Iphigénie transféré à Tauris, faisant d'elle sa prêtresse).
Artémis est la protectrice de la chasteté. Elle patronne Hippolyte, qui méprise l'amour, transforme Actéon, qui a accidentellement vu la déesse nue, en un cerf, qui a été mis en pièces par lui propres chiens, et la nymphe Calypso, qui a rompu son vœu, en ours. Elle a de la détermination, ne tolère pas la rivalité, utilise ses flèches bien dirigées comme outil de punition. Artemis, avec Apollon, a détruit les enfants de Niobe, qui était fière de ses sept fils et sept filles devant la mère des dieux Leto; sa flèche a frappé Orion, qui a osé rivaliser avec la déesse.
En tant que déesse de la végétation, Artémis est associée à la fertilité.Ce culte s'est surtout répandu à Éphèse (Asie Mineure), où le temple d'Artémis d'Éphèse (l'une des "sept merveilles du monde"), incendié par Hérostrate, a été construit en son honneur. Artemis était vénérée ici comme une déesse-infirmière, "travailleuse"; Elle est la patronne des Amazones.
Artémis était également vénérée comme la déesse de la guerre. A Sparte, avant la bataille, une chèvre était sacrifiée à la déesse, et à Athènes, cinq cents chèvres étaient déposées sur les autels chaque année à l'occasion de l'anniversaire de la bataille de Marathon (septembre-octobre).
Artémis s'approchait souvent de la déesse du mois (Hécate) ou de la déesse de la pleine lune (Séléné). Il existe un mythe bien connu sur Artémis-Sélène, amoureuse du bel Endymion, qui souhaitait la jeunesse et l'immortalité éternelles et les a reçues dans un sommeil profond. Chaque nuit, la déesse s'approchait de la grotte du mont Carian Latm, où le jeune homme dormait et admirait sa beauté.
L'attribut de la déesse est un carquois derrière son dos, dans ses mains un arc ou une torche ; elle est accompagnée d'un cerf ou d'une meute de chiens de chasse.
A Rome, Artémis est identifiée à la divinité locale Diane.

L'artiste a représenté Saskia, sa femme, en tant que Juno. Juno est l'ancienne déesse romaine du mariage et de la naissance, de la maternité des femmes et de la force productive féminine. Protecteur des mariages, tuteur de la famille et règlement familial. L'attribut principal de cette déesse est un voile, un diadème, un paon et un coucou. Rembrandt a un paon dans le coin inférieur gauche de l'image.

Dans la mythologie biblique, Belshazzar était le dernier roi babylonien, la chute de Babylone est associée à son nom. Malgré le siège de la capitale, entrepris par Cyrus, le roi et tous les habitants, disposant d'abondantes provisions de nourriture, purent s'adonner négligemment aux plaisirs de la vie.
À l'occasion d'une fête mineure, Belshazzar organisa une magnifique fête, à laquelle jusqu'à mille nobles et courtisans furent invités. Les bols de table étaient des récipients précieux pris par les conquérants babyloniens à divers peuples conquis, entre autres, et des récipients coûteux du temple de Jérusalem. Dans le même temps, selon la coutume des anciens païens, les dieux babyloniens ont été glorifiés, qui se sont avérés victorieux auparavant et seront toujours victorieux, malgré tous les efforts de Cyrus et de ses alliés secrets, les Juifs, avec leur Jéhovah .
Mais maintenant, au milieu de la fête, une main humaine apparut sur le mur et commença lentement à écrire quelques mots. En la voyant, "le roi changea de visage, ses pensées devinrent confuses, les liens de ses reins s'affaiblirent et ses genoux commencèrent à se battre l'un contre l'autre avec horreur". Les sages convoqués n'ont pas lu et expliqué l'inscription. Puis, sur les conseils de la reine, ils invitèrent le vieux prophète Daniel, qui fit toujours preuve d'une sagesse extraordinaire. Et il a vraiment lu l'inscription, qui lisait brièvement en araméen: "Mene, tekel, uparsin" Cela signifiait: "Mene - Dieu a numéroté votre royaume et y a mis fin; tekel - vous êtes pesé et trouvé très léger; uparsin - votre royaume est divisé et donné aux Mèdes et aux Perses."
Cette même nuit, continue l'histoire biblique, Belshazzar, roi des Chaldéens, fut tué.

Tobit est un Israélien, distingué par la justice dans son pays natal et n'a pas quitté le pieux gouvernement assyrien et a généralement survécu à un certain nombre d'épreuves, y compris la cécité, qui se sont terminées pour lui et sa progéniture avec la pleine bénédiction de Dieu. Son fils, Tobias, a guéri avec l'aide d'un ange.

Dieu est apparu à Abraham et à sa femme Sarah sous la forme de trois voyageurs, trois beaux jeunes (Dieu le Père, Dieu le Fils et Dieu le Saint-Esprit). Le couple âgé leur a offert une généreuse hospitalité. Ayant accepté le traitement, Dieu a annoncé un miracle aux époux : malgré leur grande vieillesse, ils auront un fils, et de lui viendra un peuple grand et fort, et tous les peuples du monde seront bénis en lui.

L'un des épisodes les plus mystérieux de l'Ancien Testament.
Lorsque Jacob est laissé seul, Quelqu'un apparaît (il est de coutume de le considérer comme un ange) et se bat avec lui toute la nuit. L'ange ne parvient pas à vaincre Jacob, puis il touche le tendon de la cuisse et l'endommage. Cependant, Jacob survit à l'épreuve et reçoit un nouveau nom - Israël, signifiant "celui qui lutte avec Dieu et vaincra les hommes".
C'est pourquoi, dans une certaine mesure, les postures de Jacob et de l'ange, s'enlaçant plutôt que de se battre, sont naturelles et justifiées.

L'intrigue est tirée de l'Evangile, mais l'artiste dépeint comment la vie des gens ordinaires. Seuls les anges descendant dans la pénombre d'une pauvre demeure nous rappellent qu'il ne s'agit pas d'une famille ordinaire. Le geste de la main de la mère, renverser le dais pour regarder l'enfant endormi, se concentrer sur la figure de Joseph - tout est profondément pensé. La simplicité de la vie et l'apparence des gens ne rendent pas l'image banale. Rembrandt sait voir dans la vie de tous les jours non pas le mesquin et l'ordinaire, mais le profond et le durable. Le silence paisible de la vie professionnelle, la sainteté de la maternité émane de cette toile.

Le roi juif de Séoul a cherché à détruire le jeune David, craignant qu'il ne prenne son trône. Averti par son ami, le prince Jonathan, le vainqueur de Goliath, David dit au revoir à Jonathan à la pierre Azail (sens hébreu - séparation, séparation.) Jonathan est sévère et retenu, son visage est lugubre. David désespéré s'accroche à la poitrine de son ami, il est inconsolable.

Selon la Bible, Bethsabée était une femme d'une rare beauté. Le roi David, marchant sur le toit de son palais, vit Bethsabée se baigner en dessous. Son mari, Uriah, est absent de la maison à l'époque, servant dans l'armée de David. Bethsabée n'a pas essayé de séduire le roi. Mais David fut séduit par la beauté de Bethsabée et ordonna qu'elle soit amenée au palais. À la suite de leur relation, elle est tombée enceinte et a donné naissance à un fils, Salomon. Plus tard, David écrivit au commandant de l'armée où Uriah combattit, une lettre dans laquelle il ordonna de placer Uriah là où il y aura "la bataille la plus acharnée, et de s'éloigner de lui afin qu'il soit abattu et meure".
En effet, c'est arrivé, et David a ensuite épousé Bethsabée. Leur premier enfant n'a vécu que quelques jours. David s'est repenti plus tard de son acte.
Avec toute sa haute position, la plus aimée des épouses de David, Bathsheba a pris une place dans l'ombre et s'est comportée d'une manière digne. David a couronné Salomon, fils de Bethsabée, roi. Bethsabée était une femme sage et a toujours espéré Dieu. Par rapport à David, elle est devenue fidèle et épouse aimante et une bonne mère pour ses enfants, Salomon et Nathan.

L'un des derniers tableaux de Rembrandt. C'est un drame psychologique profond. Dans la toile avec une puissance énorme résonne un appel à l'humanité profonde, l'affirmation de la communauté spirituelle des gens, la beauté de l'amour parental.

Il dépeint une histoire biblique à propos d'un fils dissolu qui, après de longues errances, est retourné à la maison de son père. Toute la pièce est plongée dans l'obscurité, seuls le père et le fils sont vivement éclairés. Le fils au crâne rasé de forçat, en haillons, au talon nu d'où tombait une chaussure trouée, tomba à genoux et s'accrocha à son père, cachant son visage sur sa poitrine. Le vieux père, aveuglé par le chagrin en prévision de son fils, le sent, le reconnaît et lui pardonne en le bénissant.

L'artiste transmet naturellement et fidèlement toute la puissance de l'amour paternel. A proximité, il y a des figures engourdies de spectateurs exprimant surprise et indifférence - ce sont des membres de cette société qui a d'abord corrompu puis condamné le fils prodigue. Mais l'amour paternel triomphe de leur indifférence et de leur hostilité.

La toile est devenue immortelle grâce aux sentiments universels qui y sont exprimés - amour parental sans fond, amertume de la déception, perte, humiliation, honte et repentance.

ce meilleur travail Rembrandt des années 30.

La peinture est dédiée thème éternel aimer. L'intrigue était le mythe de la fille du roi Acrisius Danae. L'oracle prédit à Acrisios qu'il mourrait aux mains de son petit-fils, puis le roi emprisonna sa fille pour toujours dans une tour, mais le tout-puissant Zeus se transforma en pluie d'or et sous cette forme entra dans Danaé et devint son amant. Leur fils Persée est né, puis à nouveau, sur ordre d'Arixius, Danaé, avec son fils dans une boîte, a été jeté à la mer. Mais Danaé et son fils ne sont pas morts.

L'artiste représente le moment où Danaé attend joyeusement Zeus. La vieille fille écarte le rideau de son lit, et une lueur dorée se déverse dans la chambre. Danaé, en prévision du bonheur, se lève pour rencontrer la pluie dorée. Le voile tomba et découvrit un corps qui n'était plus jeune, lourd, loin des lois de la beauté classique. Néanmoins, il captive par sa vérité vitale, la douce rondeur des formes. Et bien que l'artiste aborde le thème de mythologie antique, l'image est clairement écrite dans un esprit de réalisme.

Rembrandt a beaucoup écrit sur les sujets des histoires bibliques, et chacun d'eux était à sa manière, mis à jour dans son contenu. Souvent, il peignait des images contraires à la logique - éclairage, couleurs, tout n'était que sa propre idée. L'artiste fait preuve de la même indépendance dans la manière d'habiller ses personnages. Il les a habillés d'étranges robes - Saskia, Juno et d'autres...
La même chose avec le couple dans l'image "Jewish Bride". Le nom est étrange, car la toile représente un couple marié et la femme est enceinte.
Sur fond de vague verdure, une partie du grand mur et le paysage urbain se devinent. Un couple vêtu de rouge et d'or se tient devant un pilastre. Deux visages et quatre bras, l'homme se penche vers la femme, dont le regard est tourné vers elle-même, vers ses pensées. Sa main droite tenant des fleurs repose sur son ventre. En face - le sérieux confiant de la femme, occupée uniquement par la présence d'une autre vie en elle-même. L'homme passe son bras gauche autour de ses épaules. La main droite repose sur la robe au niveau de la poitrine, où elle entre en contact avec main gauche femmes. Les doigts se touchent. Touche légère. L'homme regarde la main de la femme toucher la sienne.

Dans le tableau, Rembrandt a complètement abandonné l'idéal classique de la figure féminine nue. Il représente ici Hendrickje, sa seconde épouse, se déshabillant avant de se baigner, contrairement à tous les canons de la beauté. Une robe dorée se trouve au bord de l'eau, et une douce jeune femme, soulevant timidement sa chemise, entre eau froide. Elle semble émerger de l'obscurité brune, sa timidité et sa pudeur se lisent à la fois dans le visage légèrement peint et dans les mains soutenant la chemise.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) était un peintre, dessinateur et graveur hollandais, Grand maître clair-obscur, le plus grand représentant de l'âge d'or Peinture hollandaise. Il a réussi à incarner dans ses œuvres toute la gamme des expériences humaines avec une telle richesse émotionnelle, que les beaux-arts ne connaissaient pas avant lui. Les œuvres de Rembrandt, extrêmement diverses en genre, ouvrent au spectateur le monde spirituel intemporel des expériences et des sentiments humains.

Rembrandt Harmenszoon ("fils de Harmen") van Rijn est né le 15 juillet 1606 (selon certaines sources, en 1607) dans une famille nombreuse d'un riche propriétaire de moulin Harmen Gerritszoon van Rijn à Leiden. La famille de la mère, même après la Révolution néerlandaise, est restée fidèle à la foi catholique.

À Leiden, Rembrandt a fréquenté une école latine à l'université, mais le plus grand intérêt montré à la peinture. À l'âge de 13 ans, il est envoyé étudier beaux-Arts au peintre historique de Leiden Jacob van Swanenbürch, catholique de foi. Les chercheurs n'ont pas pu trouver d'œuvres de Rembrandt liées à cette période, la question de l'influence de Swanenbürch sur la formation de la manière créative de Rembrandt reste donc ouverte : on en sait trop peu aujourd'hui sur cet artiste de Leiden.

En 1623, Rembrandt étudie à Amsterdam avec Pieter Lastman, formé en Italie et spécialisé dans les sujets historiques, mythologiques et bibliques. De retour à Leiden en 1627, Rembrandt, avec son ami Jan Lievens, ouvre son propre atelier et commence à recruter des étudiants. En quelques années, il a acquis une grande popularité.

La passion de Lastman pour la panachure et le détail dans l'exécution a eu un impact énorme sur le jeune artiste. Cela transparaît clairement dans ses premières œuvres survivantes - "La lapidation de St. Stephen" (1629), "Scène de histoire ancienne"(1626) et" Baptême d'un eunuque "(1626). En comparaison avec ses œuvres matures, elles sont inhabituellement colorées, l'artiste s'efforce d'écrire soigneusement chaque détail du monde matériel, aussi précisément que possible pour transmettre le cadre exotique de l'histoire biblique. Presque tous les personnages apparaissent devant le spectateur vêtus de tenues orientales bizarres, brillants de bijoux, ce qui crée une atmosphère de majorité, de splendeur, de fête ("Allégorie de la Musique", 1626 ; "David devant Saul", 1627).

Les dernières œuvres de la période - "Tobie et Anna", "Balaam et l'âne" - reflètent non seulement la riche imagination de l'artiste, mais aussi son désir de transmettre les expériences dramatiques de ses héros de la manière la plus expressive possible. Comme d'autres maîtres du baroque, il commence à comprendre le sens du clair-obscur fortement sculpté pour transmettre l'émotion. Ses maîtres en matière de travail avec la lumière furent les caravageurs d'Utrecht, mais il fut encore plus guidé par les travaux d'Adam Elsheimer, un Allemand qui travailla en Italie. Les peintures les plus caravagesques de Rembrandt sont « La parabole du riche insensé » (1627), « Siméon et Anne au temple » (1628), « Le Christ à Emmaüs » (1629).

A côté de ce groupe se trouve le tableau L'artiste dans son atelier (1628 ; peut-être s'agit-il d'un autoportrait), dans lequel l'artiste se capture lui-même dans l'atelier au moment de contempler sa propre création. La toile en cours de travail est amenée au premier plan du tableau ; en comparaison avec lui, l'auteur lui-même semble un nain.

Un des problèmes non résolus biographie créative Rembrandt est sa ressemblance artistique avec Lievens. Travaillant côte à côte, ils abordent plus d'une fois le même sujet, comme Samson et Dalila (1628/1629) ou La Résurrection de Lazare (1631). En partie, tous deux étaient attirés par Rubens, alors connu sous le nom de meilleur artiste dans toute l'Europe, tantôt Rembrandt empruntait les trouvailles artistiques de Lievens, tantôt c'était exactement le contraire. Pour cette raison, la distinction entre les œuvres de Rembrandt et Lievens de 1628-1632 présente certaines difficultés pour les historiens de l'art. Parmi ses autres œuvres célèbres figure "l'âne de Valaam" (1626).

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Après sa formation, l'artiste est retourné à Leiden, où, avec un ami, il a ouvert son propre atelier et a commencé à recruter des étudiants. Il a ensuite déménagé à Amsterdam et a épousé Saskia van Uylenburgh, dont liens familiaux contribué à la popularité de l'artiste et à la croissance des honoraires pour de nombreux portraits et œuvres d'art commandés.

Comme beaucoup de grands artistes, Rembrandt n'était pas content de la vie de famille. Trois des quatre enfants du couple sont morts en bas âge. Un an après la naissance de leur seul fils survivant, à l'âge de 30 ans, Saskia est également décédée.

Plus tard, la gouvernante Hendrikje Stoffels a souvent posé pour des portraits de Rembrandt. Bien qu'il ait été artiste célèbre, en 1656 a dû déclarer faillite et vendre la propriété. Durant cette période difficile, le maître produit ses meilleures œuvres.

Ce que les photographes peuvent apprendre des peintures de Rembrandt :

Les traits caractéristiques de la lumière donnent une idée de la relation harmonieuse entre la quantité, la direction et l'intensité de l'éclairage.
La texture et les couleurs jouent un rôle dans la détermination de l'ambiance d'une peinture. Le photographe peut appliquer cela à une photographie.
La chaleur de ces portraits les rend très vivants et artistiques.
La lumière ne remplit pas complètement le cadre, mais ne tombe que dans une certaine zone qui nécessite un éclairage.
Composition et répartition étonnantes des sujets dans l'image, quel que soit leur nombre dans la scène.
actions, postures, environnement et le moment figé donnent une idée claire de l'humeur du personnage.
L'intensité de la relation dramatique entre la lumière et l'ombre porte une compréhension de l'importance de la composition de l'image.
L'étude des peintures et des gravures de Rembrandt est une voie directe vers l'excellence, elle donne une compréhension des aspects de l'art.