Les artistes français sont les plus grands noms de la culture mondiale. De plus, ce sont les maîtres français qui ont battu tous les records du prix des œuvres d'art dans les meilleures ventes aux enchères. Il est seulement dommage que leurs auteurs n'aient reçu qu'une renommée posthume, mais telles sont les vicissitudes du destin de nombreux créateurs de beauté.

Artistes français : le phénomène de l'impressionnisme français

Ainsi, les artistes français du XXe siècle sont devenus les plus vendus, et donc les plus célèbres et reconnus au monde. Même les personnes totalement inexpérimentées dans les beaux-arts connaissent leurs noms. Ce sont avant tout des artistes impressionnistes. La France leur fut inhospitalière de leur vivant, mais après leur mort, ils devinrent une véritable fierté nationale.

Les plus grands artistes de France, qui ont reçu une reconnaissance mondiale, une renommée et une renommée dans larges cercles, - Cette Pierre Renoir, Édouard Manet, ‎Edgar Degas, Paul Cézanne, Claude Monet et Paul Gauguin. Tous sont des représentants de la tendance la plus célèbre et la plus vendue de la peinture du XXe siècle - l'impressionnisme. Inutile de dire que cette tendance est née en France et qu'elle révèle pleinement sa place et son importance dans l'histoire de l'art mondial. Une combinaison étonnante de technique originale et de grande expressivité émotionnelle a fasciné et continue de fasciner les connaisseurs de la beauté du monde entier dans l'impressionnisme.

Artistes de France : la formation de la peinture française

Mais les artistes français ne sont pas que de l'impressionnisme. Comme ailleurs en Europe, l'âge d'or de la peinture tombe ici sur la Renaissance. Certes, la France ne peut pas se targuer de géants comme Léonard de Vinci ou Raphaël, mais a tout de même apporté sa contribution à la cause commune. Mais les influences italiennes étaient trop fortes pour former l'école nationale d'origine.

Le premier grand artiste français qui s'est complètement libéré des influences extérieures est Jacques Louis David, considéré à juste titre comme le fondateur de la tradition picturale nationale. Le tableau le plus célèbre de l'artiste était le célèbre portrait équestre de l'empereur Napoléon intitulé "Napoléon au col du Saint-Bernard" (1801).

Les artistes de la France du XIXe siècle, travaillant dans un sens réaliste, bien sûr, sont moins connus que les impressionnistes, mais ils ont néanmoins apporté une contribution tangible au développement de la peinture mondiale. Mais le XXe siècle a été le triomphe de l'art français et Paris est devenu le centre des muses. Le célèbre quartier de la capitale française Montmartre, qui a abrité des dizaines d'artistes pauvres, qui sont ensuite entrés dans le fonds d'or du patrimoine de l'humanité, dont les noms Renoir, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, ainsi que Picasso et Modigliani, est devenu le centre beaux-Arts, et attire toujours des foules de touristes. artistes célèbres Les Français des temps modernes vivent aussi traditionnellement à Montmartre.

Il fut un temps où les artistes n'étaient pas appréciés pour leur travail. Mais ces jours-ci, ces personnalités sont très appréciées, qu'elles appartiennent ou non temps historiques ou vivant. Les peintres français sont particulièrement vénérés pour leur travail étonnant et délicieux.

Voici 10 des artistes et peintres français les plus célèbres et les plus en vue. Retournons dans le passé et considérons tout cela ensemble. Amusez-vous!

TOP 10 des artistes et peintres français les plus célèbres :

10. Paul Gauguin (1848-1903)

Paul Gauguin est un peintre français et peintre des temps post-impressionnistes. Il a grandement contribué au développement de la peinture d'avant-garde. Gauguin était en étroite association avec Van Gogh.

9.Vincent van Gogh (1853-1890)

Vincent van Gogh appartient à la période post-impressionniste. Il est l'un des peintres et artistes les plus connus au monde. Vincent est connu pour son courage et images lumineuses et est né aux Pays-Bas.

8.Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro appartient aux époques impressionniste et postimpressionniste. Il est l'un des peintres les plus influents et les meilleurs de tous les temps. Il a travaillé sur des styles nouveaux et uniques dans ses peintures, ce qui pourrait donner un avantage à sa carrière.

7. Édouard Manet (1832-1883)

Edouard Manet est connu pour ses contributions aux écoles du réalisme et de l'impressionnisme. C'était un grand peintre innovateur. Il a transformé les œuvres en impressionnisme pour leur donner un aspect moderne.

6. Eugène Delacroix (1798-1863)

Eugène Delacroix est connu pour ses peintures romantiques et ses oeuvres d'art. Il s'est inspiré dans ce travail des peintres vénitiens de la Renaissance et de Rubens.

5. Paul Cézanne (1839-1906)

Paul Cézanne est né au XVIIIe siècle. Un artiste étonnant de l'époque impressionniste. Il a commencé sa carrière dans des formes impressionnistes mais s'est développé comme un artiste innovant, donnant les meilleures oeuvres artistique au XIXe siècle.

4. Charles-François Dabigny (1817-1878)

Charles-François Dabigny est l'un des plus artistes célèbres de tous les temps. Il est encore connu pour son traditionnel peintures de paysage et utilisé pour impressionner les autres avec des œuvres d'art uniques.

3. Auguste Renoir (1841-1919)

August Renoir appartient à l'ère de l'impressionnisme. Il est l'un des peintres les plus célèbres qui a joué un rôle clé dans le développement des œuvres impressionnistes.

2.Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet est un peintre impressionniste. Il est l'un des peintres les plus influents du XVIIIe siècle. Il a été fortement influencé par les travaux des lycéens et ses propres œuvres comme "Impression", "Sunrise" et d'autres.

1. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas est considéré comme le précurseur de l'impressionnisme. Il a peint des aspects réalistes de la vie humaine. Son style de travail était vraiment unique et très impressionnant.

Détails Catégorie : Beaux-arts et architecture de la fin du XVIe au XVIIIe siècle Publié le 27.04.2017 14:46 Vues : 3249

À début XVIII dans. apparu en France nouveau style- rococo.

Traduit du français rococo (rocaille) - "coquillage". Nom de celui-ci style artistique le révèle fonctionnalité- l'amour des formes complexes, des lignes bizarres, rappelant la silhouette élégante d'un coquillage.
Le style rococo n'a pas duré longtemps (jusque vers les années 40), mais son influence sur culture européenne s'est avéré très fort.
Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. un nouvel élan d'intérêt pour culture ancienne. Cela était en partie dû aux fouilles de Pompéi, qui ont découvert des monuments d'art uniques. D'autre part, cet intérêt a été promu par les idées des Lumières françaises : l'idéal de l'art et vie publique ils ont vu dans l'histoire et la culture La Grèce ancienne et Rome antique. Ainsi, un nouveau style s'est formé - le néoclassicisme. Ce n'était pas le cas dans tous les pays. Par exemple, en Italie, le style baroque existait simultanément avec le style rococo, tandis qu'en France, le baroque n'a pas connu beaucoup de développement. En Russie, rococo et néoclassicisme se complètent.
Au XVIIIe siècle. les clients ne jouaient plus un rôle majeur dans le destin de l'artiste : le principal juge des œuvres d'art était opinion publique. Des critiques d'art apparaissent : Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau et d'autres.
Un événement important dans la vie artistique de la France du XVIIIe siècle. sont devenus des expositions publiques - Salons. Depuis 1667, elles sont organisées annuellement par l'Académie royale de peinture et de sculpture de Paris avec le soutien de la cour royale. Le succès au Salon était une reconnaissance pour un peintre ou un sculpteur. Il n'y avait pas que les Français qui aspiraient à participer aux Salons, Paris s'est donc progressivement transformé en un centre d'art paneuropéen.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Rosalba Carriera. Portrait d'Antoine Watteau (1721)
Antoine Watteau est un peintre français du premier tiers du XVIIIe siècle, fondateur du style rococo.
Il découvre dans la peinture la sphère des émotions les plus subtiles, en accord avec les paroles du paysage.
A. Watteau est né à ville de province dans une famille de couvreurs. Déjà là premières années le sien capacité artistique, et son père l'a mis en apprentissage chez un peintre local de talent insignifiant. Très vite, le mentor a cessé d'être utile au futur artiste. Antoine Watteau, contre la volonté de son père, quitte secrètement sa ville natale de Valenciennes et se rend à Paris à pied, où il est employé dans un atelier de peinture sur le pont Notre-Dame, dont le propriétaire a organisé la production en série de copies bon marché de peintures dans le "goût commun" pour les acheteurs en gros. Watteau a copié mécaniquement le même peintures populaires, et en temps libre peint d'après nature. Il était exceptionnellement industrieux.

Antoine Watteau "Le Capricieux" (vers 1718). État de l'Ermitage(Petersbourg)
Bientôt Watteau trouve les premiers mécènes - Pierre Mariette et son fils Jean, graveurs et collectionneurs, propriétaires d'une grande entreprise de commerce d'estampes et de peintures. Aux Mariettes, Watteau a l'occasion de se familiariser avec les œuvres de Rembrandt, Titien, Rubens. Par la médiation des Mariettes, Watteau devient l'élève de l'artiste Claude Gillot, maître décor de théâtre et créateur de petits tableaux. « De ce maître, Watteau n'a pris que le goût du grotesque et du comique, ainsi que le goût de sujets modernes auquel il se consacrera plus tard. Et pourtant, il faut bien admettre que Gillo Watteau s'est enfin renseigné et que depuis, les signes de talent qu'il fallait développer se sont accentués » (Biographe de l'artiste Edm-François Gercin).

Antoine Watteau "Acteurs" Comédie française» (vers 1712). Musée de l'Ermitage (Petersbourg)
A 33 ans, Watteau devient le peintre le plus populaire de Paris, ce qui contribue à sa renommée européenne.

Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Louvre (Paris)
Voici comment Watteau M.Yu parle de cette photo. Allemand, chercheur principal au Musée russe : « Dans l'histoire de l'art, Gilles n'a pratiquement pas d'analogies. Peu de gens écrivaient des acteurs. De plus, personne n'a osé montrer l'acteur en complète inaction. Pour Watteau lui-même, c'était une étape courageuse: peindre une figure au milieu même de la toile, en remplissant la majeure partie d'un large sweat à capuche qui cache complètement le corps du comédien, et dans les profondeurs pour représenter les visages d'autres acteurs , en contraste saisissant avec le visage presque immobile du héros... Dépourvu de gestes et de mimiques, inscrit symétriquement et à plat dans la toile, il existe sereinement dans le temps, comme arrêté à jamais pour lui. Tout ce qui est fugace et transitoire lui est étranger. L'agitation derrière lui est dans les mouvements des acteurs. Le rire et l'amusement du public sont devant lui. Et il reste invariablement immobile, avec un reproche drôle et touchant dans ses yeux ronds, affectueux et intelligents.
Déjà bien malade, Watteau prend une enseigne pour l'antiquaire "Le Grand Monarque" sur le pont Notre-Dame. Cette boutique appartenait à son ami Gersen.

Antoine Watteau. Enseigne de la boutique de Gersin (1720-1721). Château de Charlottenbourg (Berlin)
Watteau a peint un tableau-signe sur deux toiles séparées puis insérées dans un seul cadre. L'action de l'image est transférée du paysage à l'intérieur. La toile représente une boutique spacieuse qui, selon le plan de l'artiste, débouche directement sur le trottoir parisien.
Sur le premier planà gauche, les serviteurs mettent le portrait du défunt récemment dans une boîte Louis XIV. À coin supérieur il y a un portrait de son beau-père, le roi Philippe IV d'Espagne, à droite, les connaisseurs étudient attentivement l'image dans un cadre ovale ; paysages et natures mortes coexistent ici avec des scènes mythologiques.
La principale caractéristique de ce travail est sa nature programmatique. Selon Louis Aragon, Watteau, sous couvert d'un signe, présentait l'histoire de la peinture telle qu'il la connaissait. Cette image est devenue comme un testament artistique de l'auteur. Antoine Watteau est décédé à l'âge de 36 ans d'une tuberculose.

Monument à Antoine Watteau dans sa ville natale de Valenciennes (1884)
Le développement du style rococo est également associé au travail de François Boucher.

François Boucher (1703-1770)

F. Boucher - Peintre, graveur, décorateur français. Ses œuvres se caractérisent par des formes exquises, des couleurs lyriquement douces, de la grâce, de la coquetterie, atteignant parfois la gentillesse.

Gustaf Lundberg. Portrait de François Boucher
Boucher était un maître graveur, a illustré des livres d'Ovide, Boccace, Molière. Il crée des décors d'opéras et de spectacles, des tableaux pour les manufactures royales de tapisserie ; réalisé des peintures ornementales de porcelaine de Sèvres, peint des éventails, réalisé des miniatures, etc.
En peinture, il se tourne vers des sujets allégoriques et mythologiques, peint des scènes de genre, des pastorales (poétisation de la vie rurale paisible et simple), des paysages et des portraits.

F.Bush. Portrait de Madame de Pompadour
Bush a reçu le titre de peintre de la cour. Il a décoré les résidences du roi et de Madame de Pompadour, hôtels particuliers à Paris. À dernières années vie fut le directeur de l'Académie royale de peinture et de sculpture et « le premier peintre du roi ».

F.Bush. Portrait de Marie Buseau, épouse de l'artiste (1733)
Un autre tableau de F. Boucher illustre un épisode de la nouvelle de La Fontaine "L'Ermite". Un jeune homme qui décide de séduire une belle mais timide villageoise s'installe à proximité sous les traits d'un ermite. Il parvient à convaincre la mère de la fille de sa sainteté, et elle-même emmène sa fille chez lui pour écouter ses bons enseignements. Boucher montre une interprétation originale de l'œuvre de Lafontaine, mais le paysage occupe la place principale dans sa composition.

F. Boucher « Paysage avec un ermite. Frère Luce" (1742). Musée beaux-Arts eux. AS Pouchkine (Moscou)

Vues démocratiques de l'art français

Ils se sont incarnés dans l'œuvre du "peintre du tiers état" Jean Baptiste Siméon Chardin, les portraits de Maurice Quentin de Latour.

Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)

Chardon. autoportrait
Chardin évitait consciemment les intrigues typiques de l'art de son temps. Il peint principalement des natures mortes et des scènes quotidiennes, mais il y exprime ses propres observations. Il s'intéresse à la vie des gens du "tiers état" (tous les groupes de la population à l'exception des privilégiés : le clergé et la noblesse).
Les activités de Chardin en tant qu'artiste ont continué les traditions des maîtres hollandais et flamands et ont représenté l'apogée du réalisme au XVIIIe siècle. Même sa nature morte était un aspect de la représentation de la réalité. Les objets les plus banals deviennent pour lui des sources de composition pour dépeindre l'être harmonieux : cruches, vieux pots, légumes, etc.

Chardin "Scat" (1728). Louvre (Paris)
L'artiste a pu parfaitement transmettre la diversité des couleurs, il a ressenti l'interconnexion interne des objets. Avec de petits traits, il a transmis des nuances de couleur, possédait la capacité d'inclure l'influence de la lumière du soleil dans l'image.
Changer en peinture de genre, aux scènes de maison habituelles, Chardin a recréé sur la toile une manière calme et mesurée Vie courante proche de chaque personne. Ce sont ces toiles qui ont conforté pour lui une des places éminentes de l'histoire de la peinture française. En 1728, il devient membre de l'Académie des Arts de Paris, en 1743 - son conseiller; devint plus tard membre de l'Académie des sciences, des lettres et des beaux-arts de Rouen.
Il a inspiré les objets et activités les plus banals : Blanchisseuse (1737), Pot d'Olives (1760), Attributs des Arts (1766).

Chardin "Nature morte aux attributs des arts" (1766 Musée de l'Ermitage (Pétersbourg). Le tableau a été commandé par Catherine II pour la construction de l'Académie des Arts en construction à Saint-Pétersbourg
D. Diderot comparait son habileté à la sorcellerie : « Oh, Chardin, ce n'est pas de la peinture blanche, rouge et noire que tu frottes sur ta palette, mais l'essence même des objets ; tu prends de l'air et de la lumière au bout de ton pinceau et tu les déposes sur la toile !

Chardin " Bulles de Savon " (1733-1734). National Gallery of Art, Washington (États-Unis)
Une sorte de fusion de la peinture « galante » et genre domestique distingue l'œuvre de Jean Honoré Fragonard.

Jean Honoré Fragonard (1732-1806)

Peintre et graveur français. Travaillé dans le style rococo. Auteur de plus de 550 tableaux (sans compter les dessins et gravures).

JO Fragonard. Autoportrait (vers 1760-1770)
Il fut l'élève de F. Boucher et de J.B.S. Chardon. Au départ, il se passionne pour la peinture d'histoire, puis se met à écrire dans l'esprit de Watteau et de Boucher. Il a souvent des scènes de vie intime, du contenu érotique, panneaux décoratifs, portraits, miniatures, aquarelles, pastels. Il a également fait de la gravure.
Mais à l'ère du classicisme a perdu sa popularité.

JO Fragonard "Loquet" (1777). Louvre (Paris)
Le tableau représente une scène d'amour : le monsieur, sans quitter la dame des yeux, tend la main droite vers la porte dont il ferme le loquet supérieur. Main gauche les dames semblent répéter ce mouvement. Sur la table se trouve une pomme, symbole biblique de la tentation et de la chute dans le péché.
À peintures historiques Fragonard n'est pas d'origine. Ses paysages sont assez embellis. Mais tableaux de genre l'artiste se distingue par une composition habile, l'élégance du dessin, une coloration délicate et un goût délicat: "Leçon de musique", "Pastorale", "Baigneuses", "Nymphe endormie", "Cupidon enlevant sa chemise à une beauté", "Jeune guitariste ", " Baiser furtif " .

JO Fragonard "Baiser furtif" Ermitage (Petersbourg)
Au milieu du XVIIIe siècle. les Lumières françaises ont mis en avant les idéaux classiques des moyens d'éducation. Une direction sentimentale et moraliste est apparue dans la peinture, dans laquelle l'artiste Jean-Baptiste Greuze s'est démarqué.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Rêves. autoportrait
Greuze a surtout réussi dans le genre de la vie de famille avec ses problèmes et ses drames - ici il a peu de rivaux dans la peinture française.

J.-B. Greuze "La malédiction d'un père" (1777). Louvre (Paris)
Le tableau représente une scène d'un drame familial lorsque le fils annonce à son père qu'il part pour l'armée, et que le père le maudit.
En tant que portraitiste, il était aussi à son meilleur, parce que. compris le portrait différemment de ses contemporains, qui dépeignaient les hommes comme des Apollos et les femmes comme des Flores et des Vénus. Ses portraits sont pleins de ressemblance, remplis de vie et de sentiments.

J.-B. Greuze "Portrait d'une jeune fille". musée national arts d'Azerbaïdjan
Il y a 11 œuvres de Greuze dans l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.
Dans la France du XVIIIe siècle intérêt accru pour la nature et peinture de paysage. Un type de paysage caractéristique du néoclassicisme ("fantaisie architecturale") a été créé par Hubert Robert.

Hubert-Robert (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Portrait d'Hubert Robert (1788) Louvre (Paris)
peintre paysagiste français; a acquis une renommée européenne pour ses toiles dimensionnelles avec des images romancées de ruines antiques entourées d'une nature idéalisée. Son surnom était "Robert des Ruines".

Hubert Robert " Ruines antiques " (1754-1765). Budapest

Jacques-Louis David (1748-1825)

J.-L. David. Autoportrait (1794)
Peintre et pédagogue français, représentant majeur du néoclassicisme français en peinture. Un chroniqueur sensible de son époque mouvementée.
Né dans la famille d'un grossiste en fer. Il a été élevé principalement dans une famille de parents. Lorsque la capacité de l'enfant à dessiner a été remarquée, on a supposé qu'il deviendrait architecte, comme ses deux oncles.
David a pris des cours de dessin à l'Académie de St. Luc. En 1764, des parents le présentent à François Boucher, mais pour cause de maladie, il ne peut étudier avec le jeune homme. En 1766, David entre à l'Académie royale de peinture et de sculpture et commence à étudier dans l'atelier de Vienne. En 1775-1780. David a étudié à l'Académie française de Rome, a étudié l'art ancien et le travail des maîtres de la Renaissance.
En 1783, il est élu membre de l'Académie de peinture.
Participe activement au mouvement révolutionnaire, est élu membre de la Convention nationale, rejoint les Montagnards, dirigés par Marat et Robespierre, vote la mort du roi Louis XVI. Il peint plusieurs tableaux dédiés aux révolutionnaires : « Le Serment dans la salle de bal » (1791, inachevé), « La Mort de Marat » (1793). A cette époque également, il organise des fêtes folkloriques de masse et crée le Musée national du Louvre.

J.-L. David "Mort de Marat" (1793). Musées royaux des Beaux-Arts (Bruxelles)
Cette toile est l'une des peintures les plus célèbres consacrées à la Grande Révolution française.
Jean Paul Marat est journaliste au journal radical Ami du Peuple, leader des Jacobins. malade maladie de peau, Marat ne quittait pas la maison et, pour soulager ses souffrances, prenait des bains. Le 13 juillet 1793, il est poignardé à mort dans son appartement par la noble Charlotte Corday.
L'inscription sur le socle en bois est la dédicace de l'auteur : "MARATU, David". Dans la main de Marat se trouve une feuille avec le texte : « 13 juillet 1793, Marie Anna Charlotte Corday - au citoyen Marat. Je suis malheureux et j'ai donc droit à votre protection. En fait, Marat n'a pas eu le temps de recevoir cette note, car. Korday l'a déjà tué.
En 1794, il fut emprisonné pour ses opinions révolutionnaires.
En 1797, il a été témoin de l'entrée solennelle à Paris de Napoléon Bonaparte et depuis lors est devenu son ardent partisan, et après son arrivée au pouvoir - la cour "premier artiste". David crée des peintures consacrées au passage de Napoléon dans les Alpes, son sacre, ainsi qu'un certain nombre de compositions et de portraits de personnes proches de Napoléon. Après la défaite de Napoléon à la bataille de Waterloo en 1815, il s'enfuit en Suisse, puis s'installe à Bruxelles, où il vécut jusqu'à la fin de sa vie.

J.-L. David "Bonaparte au col du Saint-Bernard" (1801)
Cette image de David ouvre l'ère du romantisme dans Peinture européenne. Il s'agit d'un portrait équestre très romancé du général Napoléon Bonaparte, qui en mai 1800 a conduit l'armée italienne à travers le col du Saint-Bernard haut dans les Alpes.
Le fond naturel donne également un sens romantique à l'image : falaises abruptes, neige, vent fort et mauvais temps. En bas, si vous regardez bien, vous pouvez voir les noms gravés des trois grands commandants qui sont passés par là : Hannibal, Charlemagne et Bonaparte.

J.-L. David "Sacrement de Napoléon" (1805-1808)
La toile a été créée sous l'impression du tableau de Rubens "Le Couronnement de Marie Médicis".
Jacques-Louis David a été enterré à Bruxelles, et son cœur a été transporté à Paris et inhumé au cimetière du Père Lachaise.
Au XVIIIe siècle. Les peintres d'histoire Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleyra, les portraitistes Claude Lefebvre, Nicolas Largilier et Hyacinthe Rigaud ont travaillé en France.
Au milieu du XVIIIe siècle. la famille Vanlo était célèbre, notamment les frères Jean-Baptiste et Charles, et d'autres artistes.

Femme avec un chat. 1875

Peintre, graphiste et sculpteur français, l'un des principaux représentants de l'impressionnisme. Renoir est surtout connu comme un maître du portrait profane, non dénué de sentimentalité ; il fut le premier des impressionnistes à réussir auprès des Parisiens aisés. Au milieu des années 1880. rompt en fait avec l'impressionnisme, revenant à la linéarité du classicisme, à l'engrisme.

Autoportrait. 1876

Auguste Renoir est né le 25 février 1841 à Limoges, ville située dans le sud du centre de la France. Renoir était le sixième enfant d'un pauvre tailleur nommé Léonard et de sa femme, Marguerite.

Portrait de la mère de Renoir. 1860

En 1844, les Renoir s'installent à Paris, et c'est là qu'Auguste entre dans le chœur de l'église de la grande cathédrale Saint-Eustache. Il avait une telle voix que le chef de chœur, Charles Gounod, tenta de convaincre les parents du garçon de l'envoyer étudier la musique. Cependant, en plus de cela, Auguste a montré le don d'un artiste et, à l'âge de 13 ans, il a commencé à aider sa famille en obtenant un emploi chez un maître, auprès duquel il a appris à peindre des assiettes en porcelaine et d'autres plats. Le soir, Auguste fréquente une école de peinture.

Danse à Bougival. 1883

En 1865, chez son ami l'artiste Jules Le Coeur, il rencontre une jeune fille de 16 ans, Lisa Treo, qui deviendra bientôt l'amante de Renoir et son modèle préféré. En 1870, leur fille Jeanne Marguerite est née, bien que Renoir ait refusé de reconnaître officiellement sa paternité. Leur relation s'est poursuivie jusqu'en 1872, lorsque Lisa a quitté Renoir et en a épousé un autre.

Autoportrait. 1875

La carrière créative de Renoir est interrompue en 1870-1871, lorsqu'il est enrôlé dans l'armée pendant la guerre franco-prussienne, qui se solde par une défaite écrasante pour la France.

Danse à la campagne. 1883

Le portrait d'Aline Charigot, l'épouse de Renoir, a probablement été peint alors que la famille était à la campagne dans l'est de la France. 1885

En 1890, Renoir épouse Alina Charigot, qu'il avait rencontrée dix ans plus tôt alors qu'elle était couturière à 21 ans.

Maternité. 1886

Ils avaient déjà un fils, Pierre, né en 1885, et après le mariage, ils eurent deux autres fils - Jean, né en 1894, et Claude (connu sous le nom de "Coco"), né en 1901 et devenu l'un des modèles les plus aimés. père .

Peinture de Jean Renoir. 1901

Au moment où sa famille a finalement été formée, Renoir avait atteint le succès et la renommée, a été reconnu comme l'un des principaux artistes de France et a réussi à recevoir le titre de chevalier de la Légion d'honneur de l'État.

La famille de l'artiste. 1896

Le bonheur personnel et le succès professionnel de Renoir ont été éclipsés par la maladie. En 1897, Renoir se fracture le bras droit en tombant de bicyclette. En conséquence, il a développé des rhumatismes, dont il a souffert pour le reste de sa vie. Les rhumatismes ont rendu difficile pour Renoir de vivre à Paris et, en 1903, la famille Renoir a déménagé dans un domaine appelé "Colette" dans la petite ville de Cagnes-sur-Mer.

Autoportrait. 1899

Après une crise de paralysie survenue en 1912, malgré deux opérations chirurgicales, Renoir est enchaîné à fauteuil roulant, cependant, il a continué à écrire avec un pinceau, que l'infirmière a mis entre ses doigts.

Auguste Renoir. Autoportrait 1910

Dans les dernières années de sa vie, Renoir a acquis une renommée et une reconnaissance universelle. En 1917, lors de l'exposition de ses "Parapluies" au London galerie nationale, des centaines d'artistes britanniques et juste des amateurs d'art lui ont envoyé des félicitations, qui disaient : « A partir du moment où votre tableau a été affiché dans la même rangée avec les œuvres des maîtres anciens, nous avons éprouvé la joie que notre contemporain ait pris la place qui lui revenait dans la peinture européenne. ".

Parapluies. 1883

Le tableau de Renoir est également exposé au Louvre et, en août 1919, l'artiste se rend à Paris pour la dernière fois pour le regarder.

Autoportrait. 1910

Le 3 décembre 1919, Pierre-Auguste Renoir meurt à Cagnes-sur-Mer d'une pneumonie à l'âge de 78 ans. Enterré à Essua.

Bouquet de printemps. 1866

Création

Choix des genres 1862-1873

Début 1862, Renoir réussit les examens de l'École des Beaux-Arts de l'Académie des Arts et s'inscrit dans l'atelier de Gleyre. Il y rencontre Fantin-Latour, Sisley, Basile et Claude Monet. Bientôt, ils se sont liés d'amitié avec Cézanne et Pizarro, formant ainsi l'épine dorsale du futur groupe impressionniste.

Camille Monnet. 1873

Dans ses premières années, Renoir a été influencé par le travail des Barbizon, Corot, Prudhon, Delacroix et Courbet.

À l'été 1868

En 1864, Gleyre ferme l'atelier, la formation prend fin. Renoir commence à peindre ses premières toiles puis présente pour la première fois le tableau "Esmeralda dansant parmi les clochards" au Salon. Elle a été acceptée, mais lorsque la toile lui a été rendue, l'auteur l'a détruite.

Portrait des Sisley. 1868

Pataugeoire. 1869

Ayant choisi des genres pour ses œuvres dans ces années-là, il ne les a pas changés jusqu'à la fin de sa vie. Il s'agit d'un paysage - "Jules le Coeur dans la forêt de Fontainebleau" (1866), scènes quotidiennes - "La Grenouille" (1869), "Pont Neuf" (1872), nature morte - "Bouquet printanier" (1866)," Nature morte au bouquet et à l'éventail" (1871), portrait - "Lisa à l'ombrelle" (1867), "Odalisque" (1870), nu - "Diane la chasseresse" (1867).

Odalisque. 1870

Nature morte au bouquet et à l'éventail. 1871

En 1872, Renoir et ses amis créent la Société Coopérative Anonyme.

Mademoiselle Sicot. 1865

Madame Clémentine Valensi Stora. 1870

Camille Monnet. 1872

Mme Edouard Bernier. 1871

Femme avec un perroquet. 1871

Rafa Mater.1871

Parapluie inutile. 1872

Route vers le Bois de Boulogne. 1873

Lutte pour la reconnaissance 1874-1882

La première exposition du partenariat s'est ouverte le 15 avril 1874. Renoir a présenté des pastels et six tableaux, parmi lesquels "Dancer" et "Lodge" (tous deux - 1874). L'exposition s'est soldée par un échec et les membres du partenariat ont reçu un surnom insultant - "Impressionnistes".

Loge. 1874

Le tableau représente une femme (au premier plan) et un homme (au fond) assis dans une loge d'opéra. Le frère de Renoir, le journaliste Edmond Renoir et le mannequin montmartrois Nini Lopez ont posé pour cette photo.

Femme souriante. Portrait de Madame Pechi. 1875

Poissonnière. 1875

Mme Victor Choquet. 1875

Malgré la misère, c'est durant ces années que l'artiste crée ses principaux chefs-d'œuvre : Grands Boulevards (1875), Promenade (1875), Bal au Moulin de la Galette (1876), Nu (1876), Nu au soleil" (1876 ), « Swing » (1876), « First Departure » (1876/1877), « Path in the Tall Grass » (1877).

Bal au Moulin de la Galette. 1876

Se balancer. 1876

Portrait de Madame Alphonse Daudet. 1876

Nu. 1876

Jeune femme tressant ses cheveux. 1876

Renoir cesse progressivement de participer aux expositions des impressionnistes. En 1879, il présente au Salon de 1879 le Portrait en pied de l'actrice Jeanne Samary (1878) et Portrait de Madame Charpentier aux enfants (1878) et obtient une reconnaissance universelle, puis une indépendance financière. Il continue d'écrire de nouvelles toiles - notamment les célèbres "Boulevard de Clichy" (1880), "Le petit déjeuner des rameurs" (1881), "Sur la terrasse" (1881), qui deviendront célèbres.

Jeune fille lisant un livre. 1876

Portrait de Madame Charpentier. 1877

Portrait de l'actrice Jeanne Samary. 1877

Portrait de l'actrice Jeanne Samary. 1878

Une tasse de chocolat. 1878

En secret 1878

Portrait d'Alphonsine Pechi. 1879

Dîner des rameurs au bord de la rivière. 1879

Une jeune femme cousant. 1879

Portrait de Thérèse Bérard. 1879

Près du lac. 1880

Petit déjeuner des rameurs. 1881

Le tableau a été peint au restaurant Fournaise, situé sur une île de la Seine, située à Chatou, un peu à l'ouest de Paris. Renoir aimait cet endroit - non seulement "Le petit déjeuner des rameurs" a été peint ici, mais aussi d'autres peintures. En fait, la photo est un portrait de groupe d'une réunion d'amis. Une ambiance joyeuse et détendue règne, il n'y a pas de splendeur, tout le monde est dans des poses naturelles et aléatoires. Derrière la balustrade, une végétation dense est visible, au-delà de laquelle la Seine perce.Dans le tableau, Renoir a représenté plusieurs de ses amis et connaissances.

Deux sœurs (Sur la terrasse). 1881

Albert Caen, compositeur d'opéra français. 1881

Fille avec un ventilateur. 1881

Filles en noir. 1881

Portrait d'Alfred Bérard avec son chien. 1881

Couture de Marie-Thérèse Durand-Ruel. 1882

"Période d'Engrov" 1883-1890

Renoir a voyagé en Algérie, puis en Italie, où il s'est familiarisé avec les œuvres des classiques de la Renaissance, après quoi son goût artistique a changé. Renoir a peint une série de tableaux "Danse au village" (1882/1883), "Danse à la ville" (1883), "Danse à Bougival" (1883), ainsi que des toiles telles que "Au jardin" (1885 ) et "Parapluies" (1881/1886), où le passé impressionniste est encore visible, mais la nouvelle approche de la peinture de Renoir apparaît.

Fille avec un chapeau de paille. 1884

La période dite « d'Ingres » s'ouvre. Plus œuvre célèbre de cette période - "Grandes Baigneuses" (1884/1887). Pour la construction de la composition, l'auteur a d'abord utilisé des croquis et des croquis. Les lignes du dessin sont devenues claires et définies. Les couleurs ont perdu leur éclat et leur saturation d'antan, la peinture dans son ensemble a commencé à paraître plus sobre et plus froide.

Grands baigneurs. 1884-1887.

Trois femmes nues sont représentées au premier plan - deux sont sur le rivage et la troisième se tient dans l'eau, ayant apparemment l'intention de les asperger. Les chiffres des femmes sont écrits de manière très claire et réaliste, ce qui était style caractéristique pour cette période de l'œuvre de Renoir, que l'on appelait la période "sèche" ou "Ingres" (du nom de l'artiste Dominique Ingres).

Pour le tableau, Renoir a été posé (de gauche à droite) par Alina Charigot, la future épouse de Renoir (en 1885 leur premier fils, Pierre, est né, et officiellement le mariage a été conclu en 1890), et Suzanne Valadon (de son vrai nom Marie- Clémentine Valadon), qui deviendra plus tard une artiste célèbre.

Renoir a travaillé sur ce tableau pendant environ trois ans et, ce faisant, a dessiné un grand nombre de croquis et de croquis, dont au moins deux versions multi-figures à grande échelle. Après Les Grandes Baigneuses, il n'y a pas eu un seul tableau auquel il consacrerait autant de temps et d'efforts.

Au bord même de la mer. 1883

Danse en ville. 1883

Jeunes filles jouant au badminton. 1885

Portrait de Suzanne Valadon. 1885

Jeune fille lisant. 1886

Coiffure. 1888

Jeune fille aux marguerites. 1889

Mme de Vernon. 1889

Fille au chapeau rose et noir. 1890

"Période perlière" 1891-1902

En 1892, Durand-Ruel ouvre une grande exposition de peintures de Renoir, qui connaît un grand succès. La reconnaissance est également venue des fonctionnaires du gouvernement - le tableau "Filles au piano" (1892) a été acheté pour le Musée du Luxembourg.

Filles au piano. 1892
Le tableau représente deux jeunes filles : l'une est assise au piano et l'autre debout à côté d'elle. Les deux filles regardent attentivement et avec enthousiasme les notes, choisissant apparemment une sorte de mélodie. Une image aussi calme et idyllique était un symbole de la culture bourgeoise française de cette époque.

Femme au chapeau. 1891

Les filles lisent. 1891

Christina Lerolle brode. 1895

Jouer de la guitare. 1897

Renoir se rend en Espagne, où il se familiarise avec le travail de Velasquez et Goya.
Au début des années 90, de nouveaux changements ont eu lieu dans l'art de Renoir. De manière pittoresque, une irisation de couleur est apparue, c'est pourquoi cette période est parfois appelée « nacre ».
A cette époque, Renoir peint des tableaux tels que "Pommes et fleurs" (1895/1896), "Printemps" (1897), "Fils Jean" (1900), "Portrait de Mme Gaston Bernheim" (1901). Il voyage aux Pays-Bas, où il s'intéresse aux peintures de Vermeer et de Rembrandt.

Madame Paul Gallimard, née Lucie Duce. 1892

Les filles regardent l'album. 1892

Fille se brossant les cheveux. 1894

Femme avec blush rouge. 1896

Trois baigneurs avec un crabe. 1897

Portrait de Christina Lerolle.1897

Une jeune espagnole jouant de la guitare. 1898

Yvonne et Christine au piano. 1898

"Période rouge" 1903-1919

La période "perlée" a cédé la place à la "rouge", ainsi nommée en raison de la préférence pour les nuances de fleurs rougeâtres et roses.
Renoir écrivait encore paysages ensoleillés, des natures mortes aux couleurs vives, des portraits de ses enfants, des femmes nues, créé "Promenade" (1906), "Portrait d'Ambroise Vollard" (1908), "Gabriel en blouse rouge" (1910), "Bouquet de roses" ( 1909/1913), "Femme à la mandoline" (1919).

Portrait de Marthe Denis. 1904

prévenance. 1906

Portrait d'Ambroise Vollard. 1908

Ambroise Vollard - l'un des marchands d'art les plus importants (marchants) à Paris au XIX - début. XX siècles Il a soutenu à la fois financièrement et moralement un grand nombre de personnalités célèbres et artistes inconnus dont Cézanne, Maillol, Picasso, Rouault, Gauguin et van Gogh. Il était également connu comme collectionneur et éditeur.

Gabriel pour un sacré. 1908

Dame à l'éventail. 1908

Monsieur et Madame Bernheim de Villers. 1910

Laver. 1912

La femme au poêle. 1912

Faits intéressants

Un ami proche d'Auguste Renoir était Henri Matisse, de près de 28 ans son cadet. Quand O. Renoir était essentiellement alité pour cause de maladie, A. Matisse lui rendait visite tous les jours. Renoir, presque paralysé par l'arthrite, surmontant la douleur, continue à peindre dans son atelier. Une fois, voyant la douleur avec laquelle chaque coup de pinceau lui est donné, Matisse ne le supporte pas et demande : « Auguste, pourquoi ne quittes-tu pas la peinture, souffres-tu tant ? Renoir s'est limité à la seule réponse : « La douleur passe, mais la beauté reste. Et ce fut tout Renoir, qui travailla jusqu'à son dernier souffle.

L'artiste français Laurent Botella est né à Nantes en 1974. Ses études de peinture débutent en 1989, à l'atelier Maithe Rovino à Osson, suivies d'une année en école d'art Beaux-Arts, à Toulouse. La formation était centrée sur peinture à l'huile et pastels. Cependant, les peintures au fusain et au crayon ont toujours été la base de son travail avant et après ses études.

paysages. Alain Lutz

Alain Lutz est un peintre paysagiste français contemporain né en mai 1953 à Mulhouse, France. Remarquant son talent artistique incontestable, ses parents à l'âge de treize ans lui ont donné les premières peintures à l'huile. Pendant un certain temps, il a étudié à l'école de design Boule à Paris, mais il est finalement devenu designer industriel et, après avoir obtenu son diplôme, a pris un emploi de technicien supérieur.

Autoportrait. Laurent Dauptain

Laurent Dauptain, artiste français talentueux, a étudié dans une école d'art à Paris, a obtenu son diplôme en 1981, puis a poursuivi ses études à l'école art décoratif là, à Paris, il obtient un baccalauréat en 1983 et, en 1984, une maîtrise en peinture. Après plusieurs années de travail sur l'autoportrait, il décide de s'essayer à d'autres genres, mais revient néanmoins de temps en temps au portrait.

Style naïf. Michel Delacroix

Michel Delacroix est né en 1933 sur la rive gauche de la Seine, dans le 14e arrondissement de Paris. Il a commencé à peindre en jeune âge Autant qu'il se souvienne, il n'avait pas encore sept ans, son amour pour le dessin est né pendant l'occupation allemande de Paris. Paris est resté Paris, même pendant l'occupation, il apparaît dans les tableaux de Delacroix à ce jour. Dans presque toutes ses peintures, il y a des piétons, des voitures rares et des lampadaires, la ville en eux, comme à cette époque, semble calme et calme, comme isolée de l'agitation.

moyen de se retrouver. Pascale Taurus

Pascale Taurua est née en 1960 à Nouméa en Nouvelle-Calédonie. Diplômé académie des beaux-artsà Papeete, Tahiti. Elle a peint son premier tableau en 1996 et a depuis commencé à peindre à plein temps, mettant en valeur son propre style figuratif. Elle a montré ses œuvres dans presque tous les pays de la région du Pacifique, où ses peintures sont très demandées et font partie de nombreuses collections d'art privées.

ministres monstres. Antoine Squizzato

L'artiste et illustrateur français moderne Anthony Squizzato nous invite à nous détendre et à partir en voyage vers une rencontre officielle avec les personnages du monde qu'il a créé, où le spectateur pourra faire personnellement connaissance avec les héros de ses œuvres - les personnages colorés de l'un des plus importants (en termes de taille et de nombre de participants) de l'histoire du cabinet.