Toute la vie d'Ostrovsky est une recherche créative qui l'a amené à créer un nouveau théâtre unique. C'est un théâtre dans lequel il n'y a pas de division traditionnelle en art pour les gens ordinaires et les classes instruites, et les personnages - marchands, commis, marieurs - ont migré vers la scène directement de la réalité. Le théâtre d'Ostrovsky est devenu l'incarnation du modèle du monde national.

Sa dramaturgie réaliste a formé - et forme encore aujourd'hui - la base du répertoire du théâtre national. Pour l'époque où la littérature- activité théâtrale Ostrovsky, cette tâche a été fixée par la vie elle-même. Sur la scène des scènes théâtrales, comme auparavant, il y avait principalement des pièces étrangères - traduites -, et le répertoire des pièces nationales était non seulement rare et se composait principalement de mélodrames et de vaudeville, mais empruntait aussi largement les formes et les personnages de la dramaturgie étrangère. Il fallait changer complètement la vie théâtrale de "l'image du théâtre" en tant que telle, elle devait devenir un lieu d'introduction d'une personne à l'aide d'un langage artistique simple et accessible aux problèmes les plus importants de la vie.

Cette tâche a été entreprise par le grand dramaturge national. Sa solution était liée non seulement à la création de pièces de répertoire, mais aussi à la réforme du théâtre lui-même. " La maison d'Ostrovsky Il est de coutume d'appeler le Théâtre Maly à Moscou. Ce théâtre a ouvert bien avant l'arrivée du jeune dramaturge, les pièces de Gogol, le fondateur du drame réaliste russe, étaient déjà sur sa scène, mais grâce à Ostrovsky, il est devenu le Théâtre Maly qu'il est entré dans l'histoire et qui existe aujourd'hui. Comment s'est déroulée cette formation du théâtre ? Comment notre grand dramaturge en est-il venu à le créer ?

L'amour pour le théâtre est né à Ostrovsky dans sa jeunesse. Il n'était pas seulement un habitué du théâtre Maly, dans lequel Mochalov et Shchepkin brillaient alors, mais regardait également avec enthousiasme les représentations du théâtre folklorique avec Petrushka, qui se déroulaient lors des festivités près des monastères Devichy et Novinsky. Ainsi, commençant à créer ses pièces, Ostrovsky connaissait bien les différentes formes de théâtre et a réussi à tirer le meilleur de chacune.

L'ère du nouveau théâtre réaliste, dirigé par Ostrovsky, a commencé précisément à Moscou. Le 14 janvier 1853 au Maly Theatre pour une représentation-bénéfice de L.P. Kositskaya, qui s'appelait Mochalov en jupe, la première de la comédie d'Ostrovsky " Ne vous asseyez pas dans votre traîneau».

Les personnages - des "personnes vivantes" - ont exigé qu'ils soient joués d'une manière complètement nouvelle. Ostrovsky a donné la priorité à cela, travaillant directement avec les acteurs. On sait que le dramaturge était un lecteur exceptionnel de ses pièces, et il l'a fait non seulement en tant qu'acteur, mais en tant que metteur en scène, qui cherchait à souligner l'essence des personnages, la manière des personnages, l'originalité de leur discours.

Grâce aux efforts d'Ostrovsky, la troupe du Théâtre Maly s'est nettement améliorée, mais le dramaturge n'était toujours pas satisfait. "Nous voulons écrire pour tout le peuple", a déclaré Ostrovsky. - Les murs du Théâtre Maly sont étroits pour art national". Depuis 1869, Ostrovsky a envoyé des notes à la direction des théâtres impériaux de Saint-Pétersbourg sur la nécessité de réformes théâtrales radicales, mais elles restent sans réponse. Puis il décide de créer un théâtre folklorique privé et en février 1882, il en reçoit l'autorisation. Il semblait que le dramaturge était déjà proche de la réalisation de son rêve chéri. Il a commencé à préparer une liste des futurs actionnaires du théâtre russe, a développé un répertoire, a esquissé la composition de la troupe. Mais l'abolition inattendue du monopole théâtral du gouvernement sur les théâtres et le boom commercial qui a commencé après cela autour de l'ouverture de nouveaux théâtres ont empêché Ostrovsky de terminer le travail. Après avoir reçu une pension d'État en 1884, il trouva incommode de travailler dans un théâtre privé et se tourna à nouveau vers la direction des théâtres impériaux avec ses propositions. Toute cette longue histoire a eu un effet douloureux sur Ostrovsky. Tel était l'amer paradoxe de la vie : le génie du drame russe, son créateur n'avait pas de théâtre pour une mise en scène sérieuse et qualifiée de ses pièces.

Mais grâce aux efforts du frère Mikhail Nikolayevich, qui occupait le poste élevé de ministre des biens de l'État, l'affaire a avancé. En octobre 1884, il se rend à Saint-Pétersbourg, où on lui propose de devenir le directeur artistique des théâtres impériaux de Moscou. Enfin, le rêve de l'auteur Des orages" a commencé à se réaliser. Ainsi, le célèbre dramaturge, qui a déjà plus de 60 ans, s'est lancé dans une entreprise difficile, mais tellement nécessaire pour tout le monde.

Le 14 décembre 1885, il rentre à Moscou. Il a été accueilli par toute la troupe du Théâtre Maly. L'activité théâtrale intense d'Ostrovsky a commencé. Un conseil du répertoire est en cours de création, de nouveaux acteurs sont invités, un programme d'études théâtrales est en cours d'élaboration et Ostrovsky veut établir des prix d'État pour les meilleures pièces. Mais sa force décline. Ses jours sont déjà comptés : le 2 juin 1886, le grand dramaturge national, figure théâtrale passionnée, créateur du théâtre national décède. Il n'a pas réussi à mener à bien toutes les réformes prévues du théâtre russe. Mais ses fondations étaient solidement posées. Les contemporains appréciaient très fortement les mérites du dramaturge.

Et maintenant, il semble qu'Ostrovsky lui-même, dont le monument a été érigé à l'entrée de son théâtre Maly natal, semble regarder attentivement sa création principale et avec sa présence vivante aide ceux qui jouent maintenant sur la célèbre scène ou qui viennent - comme Il y a 150 ans - à des performances où la parole lumineuse et vivante du dramaturge résonne encore et encore.

Plan:

Introduction

• 1. Histoire
• 2 Bref historique de la création
  • 2.1 18e siècle
  • 2.2 19e siècle
  • 2.3 XXe siècle
• 3 Théâtre aujourd'hui
• 4 représentations
• 5 Troupe
• 6 Coordonnées
  • 7.1 Succursale
Remarques

Introduction

Théâtre académique d'État Maly de Russie- un théâtre dramatique situé à Moscou, Teatralny proezd 1, l'un des plus anciens théâtres de Russie, qui a joué un rôle exceptionnel dans le développement de la culture nationale russe. Ouvert le 14 octobre 1824 à Moscou.

Directeur artistique du théâtre, Artiste du peuple de l'URSS Yuri Methodievich Solomin.

1. Histoire

2. Bref historique de la création

L'ouverture du théâtre Maly a été précédée de certains faits du développement de l'activité théâtrale à Moscou.

La troupe originale a été créée à l'Université de Moscou en 1757, immédiatement après le décret de l'impératrice Elizaveta Petrovna du 30 août 1756, qui a marqué la naissance théâtre professionnel dans notre pays: . Le célèbre poète et dramaturge M. M. Kheraskov a dirigé le Théâtre russe libre de l'université. De 1759 - théâtre public, qui a reçu le nom de l'Université; il a été joué par des étudiants et des élèves du gymnase universitaire. En 1760, après avoir subi quelques changements et fusionné avec d'autres troupes, il est devenu connu sous le nom de Théâtre russe de Moscou.

En 1759, l'entrepreneur italien Locatelli ouvre un théâtre à Moscou (un peu plus tôt, en 1757, à Saint-Pétersbourg), qui ne dure pas longtemps - jusqu'en 1762 : le public moscovite n'est pas encore prêt à comprendre et à accepter les arts du spectacle. Ensuite, la troupe de Moscou a été créée par N. S. Titov, mais elle n'a pas existé pendant longtemps (1766-1769). Néanmoins, la Maison impériale, consciente de la nécessité d'introduire la culture européenne en Russie, insista pour ouvrir un théâtre. Et à Moscou, par le plus haut commandement, une salle pour les productions scéniques est en cours de construction. Cependant, le bâtiment, ayant à peine le temps d'être construit, brûle. L'entreprise a été poursuivie par l'ingénieur et entrepreneur anglais Michael Medox, qui a créé son propre théâtre privé Petrovsky en 1780. Ayant fait faillite, Michael Medox a été contraint de céder le théâtre au profit du Trésor, il s'est lui-même vu attribuer une pension viagère. Mais le bâtiment a brûlé en 1805 et la troupe s'est retrouvée sans scène. L'année suivante, en 1806, la direction des Théâtres impériaux est formée à Moscou. Les artistes de l'ancien théâtre Petrovsky y sont entrés en service. La nouvelle troupe du Théâtre impérial de Moscou s'est produite à différentes étapes, louant principalement des salles dans les maisons de riches aristocrates (Théâtre sur Mokhovaya - de 1806 à 1824; Théâtre Arbat de l'architecte Rossi - de 1807 à 1812; dans la maison de S.S. Apraksin sur Znamenka), jusqu'à ce que, finalement, la direction des théâtres impériaux commence la construction d'un complexe théâtral à Moscou, créé par l'architecte O. I. Bove. En 1824, selon le projet de Beauvais, l'architecte A.F. Elkinsky reconstruisit le manoir du marchand Vargin pour le théâtre, ce bâtiment sur la place Petrovskaya (aujourd'hui Teatralnaya) et devint progressivement connu sous le nom de Théâtre Maly, et porte toujours ce nom.

2.1. 18ème siècle

Le Théâtre Maly est l'un des plus anciens théâtres de Russie. Sa troupe a été créée à l'Université de Moscou en 1756, immédiatement après le célèbre décret de l'impératrice Elizaveta Petrovna, qui a marqué la naissance d'un théâtre professionnel dans notre pays : "Nous avons ordonné maintenant de créer un théâtre russe pour la présentation de comédies et de tragédies ...". Le célèbre poète et dramaturge M. M. Kheraskov a dirigé le Théâtre russe libre de l'université. Ses artistes étaient des élèves du gymnase universitaire. (Le théâtre Volkovsky de Yaroslavl est considéré comme le premier théâtre professionnel public public russe.)

Sur la base du théâtre universitaire, le théâtre Bolchoï Petrovsky a été créé à Moscou, où le 15 janvier 1787, la première production russe du Mariage de Figaro a été mise en scène, traduite par A. Labzin sous le titre Le mariage de Figar - avant cela , la pièce a été mise en scène sur la scène russe, mais interprétée par une troupe française .

Le répertoire était composé des meilleures œuvres de la littérature russe et mondiale, des pièces des auteurs les plus célèbres ont été mises en scène: D. Fonvizin, I. A. Krylov, J. B. Molière, Beaumarchais, R. Sheridan et Carlo Goldoni). Les acteurs V. P. Pomerantsev et A. A. Pomerantseva, Ya. E. Shusherin, P. A. Plavilshchikov, le couple Sila Nikolaevich et Elizaveta Semyonovna Sandunov ont brillé sur la scène.

2.2. 19ème siècle

Au début du règne de l'empereur Alexandre Ier, parallèlement à l'essor général de la vie publique, la art théâtral. Au cours de ces années, la troupe a été reconstituée avec des acteurs de théâtres serfs. En 1805, le bâtiment a brûlé. Cependant, déjà l'année suivante, en 1806, la direction des théâtres impériaux a été formée à Moscou, où les artistes de l'ancien théâtre Petrovsky sont entrés. En 1806, le théâtre acquiert le statut de théâtre d'État, entrant dans le système des théâtres impériaux. Ainsi, les acteurs qui ont rejoint la troupe des théâtres serfs ont été immédiatement libérés du servage, comme S. Mochalov, le père du célèbre tragédien Mochalova P. La troupe n'a pas eu ses propres locaux pendant longtemps. La situation politique du pays lui-même n'y était pas favorable. Le pays est secoué par l'instabilité et les conflits militaires (avec la Suède, la Turquie). En 1812, il y avait une guerre avec Napoléon. Quelques années plus tard, l'architecte Beauvais est invité à construire à Moscou bâtiment du théâtre. Dès 1803, les troupes se divisent en opéra et théâtre. Dans cette division, un rôle énorme a été joué par Katerino Cavos, qui, en fait, est devenu le fondateur de l'opéra russe. Pourtant, dans les faits, l'opéra et le théâtre ont longtemps coexisté. Jusqu'en 1824, l'opéra-ballet et troupe de théâtre Le Théâtre Impérial de Moscou était un tout unique: une seule direction, les mêmes interprètes, mais pendant longtemps après cela, les théâtres étaient reliés même par un passage souterrain, il y avait des loges communes, etc.

En 1824, Beauvais reconstruisit le manoir du marchand Vargin pour le théâtre, et la partie dramatique de la troupe moscovite du Théâtre impérial reçut son propre bâtiment sur la place Petrovskaya (aujourd'hui Teatralnaya) et son propre nom - le Théâtre Maly. Le concept de "petit", ainsi que le "grand" théâtre voisin (pour les représentations d'opéra et de ballet), ne signifiait d'abord que leurs tailles comparatives, il a fallu du temps pour que ces définitions deviennent les noms des théâtres.

Le 14 octobre 1824 peut être considéré comme le jour de l'ouverture du théâtre Maly: une nouvelle ouverture de A. N. Verstovsky a été donnée. «Moskovskie Vedomosti a publié une annonce concernant la première représentation au Maly:« La direction du théâtre impérial de Moscou annonce par ce biais que mardi prochain, le 14 octobre de cette année, une représentation sera donnée au nouveau théâtre Maly, dans la maison Vargin , sur la place Petrovsky, pour l'ouvrir.th, à savoir: une nouvelle ouverture compositions. A. N. Verstovsky, plus tard pour la deuxième fois: Lily Narbonskaya, ou le vœu du chevalier, un nouveau ballet dramatique de chevalerie ... ""(cité de : History of the State Academic Maly Theatre).

L'art théâtral a immédiatement pris son essor. En plus des anciens maîtres de théâtre déjà bien connus, de nouveaux artistes talentueux sont apparus.

L'une des périodes importantes de l'histoire du développement du théâtre Maly est associée au nom de P. S. Mochalov. Ce grand tragédien devint le porte-parole du temps des espoirs et des déceptions de la société russe en 1820-1840, l'ère controversée de l'empereur Alexandre Ier. « P. S. Mochalov, "un acteur plébéien", selon les mots de son critique V. G. Belinsky, qui l'a loué, a réussi à dépasser les canons de l'ancien style, exprimés par l'esthétique du classicisme. Au lieu d'une récitation et d'une pose solennelle, l'acteur a apporté sur scène une lave bouillonnante de passion brûlante et de gestes qui étonnent de souffrance et de douleur. Les solitaires romantiques de Mochalov ont protesté et se sont battus avec tout le monde hostile du mal, désespéré et souvent perdu cœur »(cité de: Krugosvet). Parmi les rôles de P. S. Mochalov: Hamlet, Richard III, (dans les tragédies du même nom de W. Shakespeare), Chatsky, Ferdinand («Trahison et amour» de F. Schiller).

En 1822, l'ancien acteur serf M. S. Shchepkin, déjà connu pour les entreprises provinciales, rejoint la troupe. "Il a été le premier à créer la vérité sur la scène russe, il a été le premier à devenir non théâtral au théâtre", a déclaré A. I. Herzen à propos de Shchepkin.

Le répertoire du Théâtre Maly était vaste : des drames classiques au vaudeville léger. «Même pendant la vie d'A. S. Pouchkine, Maly a créé des versions scéniques de trois œuvres du poète: Ruslan et Lyudmila (1825), La fontaine de Bakhchisaray (1827) et Gypsy (1832). De la dramaturgie étrangère, le théâtre a privilégié les œuvres de Shakespeare et de Schiller.(cité de : History of the State Academic Maly Theatre). Sur la scène du Théâtre Maly le 27 novembre 1831, pour la première fois à Moscou, la comédie Woe from Wit de A. S. Griboedov a été présentée dans son intégralité. Auparavant, la censure n'autorisait que la présentation de scènes individuelles, ce n'est qu'en janvier 1831 que la pièce fut mise en scène dans son intégralité à Saint-Pétersbourg, tandis qu'à Moscou Woe from Wit fut jouée entièrement sur la scène du Théâtre Maly pour la première fois : Shchepkin a joué le rôle de Famusov et Mochalov - Chatsky. Cette production s'est avérée être une étape importante dans l'histoire du théâtre - elle est devenue le porte-parole de nouvelles idées sociales. Le 25 mai 1836, L'Inspecteur général de Gogol a été montré ici (la première production de L'Inspecteur général a eu lieu au Théâtre Alexandrinsky de Saint-Pétersbourg un peu plus tôt - le 19 avril du même 1836). Quelque temps plus tard (en 1842) le Théâtre Maly met en scène âmes mortes"et mis en scène" Marriage "et" Players "(première production) de N.V. Gogol. La première des deux représentations au Théâtre Maly ("Le Mariage" avait déjà été mise en scène à Saint-Pétersbourg dans l'Alexandrinka) a eu lieu simultanément - le 5 février 1843. « La première de The Gamblers a eu lieu à Moscou le 5 février 1843 (le même soir que The Marriage), dans une représentation-bénéfice de Shchepkin, qui jouait Consoling. Le rôle de Zamukhryshkin a été joué avec succès par Prov Sadovsky. Selon S. Aksakov, la performance a été approuvée par le public "ordinaire". Une critique bienveillante de la performance parut dans Moskovskie Vedomosti (11 février 1843), où il était noté que l'intrigue était "menée avec un naturel étonnant", que la caractérisation témoigne du "talent puissant" de Gogol "(citation de : http://www.school770.ru/gogol/theatre/index.html).

Parmi les autres acteurs de cette période figurent M. D. Lvova-Sinetskaya (1795-1875), N. V. Repina (1809-1867), V. I. Zhivokini (1807-1874), P. M. Sadovsky (1817-1872), L. L. Leonidov (1821−1889), K. N. Poltavtsev (1823-1865), I. V. Samarin (1817-1885), S. V. Shumsky (1820-1878).

I. S. Turgenev, A. V. Sukhovo-Kobylin et de nombreux autres auteurs ont écrit pour le théâtre Maly. Mais Alexander Nikolaevich Ostrovsky était d'une importance particulière pour le théâtre Maly. Ses pièces ont valu au Théâtre Maly le nom officieux de "Maison d'Ostrovsky". Les nouvelles positions théâtrales réformistes d'Ostrovsky - écriture quotidienne, abandon du pathos, importance de l'ensemble des acteurs, et non d'un seul protagoniste, etc. - ont conduit à des conflits avec les adeptes des anciennes traditions. Mais ces idées novatrices d'Ostrovsky pour cette époque étaient déjà exigées par le temps. Toutes ses 48 pièces ont été mises en scène au Théâtre Maly et ont toujours fait partie de son répertoire au fil des ans. Il a lui-même participé à plusieurs reprises aux répétitions, était ami avec les acteurs et certaines de ses pièces ont été écrites spécifiquement pour certains interprètes du Théâtre Maly, à leur demande, pour leurs représentations au profit. Pour les représentations au profit du Prov Mikhailovich Sadovsky, deux pièces d'Ostrovsky ont été mises en scène pour la première fois - "Hangover at a Foreign Feast" - 9 janvier 1856, "Hot Heart" - 15 janvier 1869. La pièce "Thunderstorm" a été mise en scène le 16 novembre 1859 pour le spectacle-bénéfice de S. V. Vasiliev, et pour le spectacle-bénéfice de sa femme, l'actrice Ekaterina Nikolaevna Vasilyeva, le 14 octobre 1863, la pièce "Profitable Place" a été mise en scène pour le première fois au Théâtre Maly. La première de la pièce "In a Busy Place" a eu lieu sur la scène du théâtre Maly le 29 septembre 1865 lors d'une représentation-bénéfice de Rasskazov.

"Dowry" a eu lieu pour la première fois le 10 novembre 1878 lors du spectacle-bénéfice de l'acteur N. I. Musil. Dans la pièce "Coupable sans culpabilité", 1884, le rôle de Neznamov a été écrit par Ostrovsky spécifiquement pour l'artiste du Théâtre Maly Rybakov. En 1929, un monument à Ostrovsky a été érigé aux portes du théâtre Maly. Les pièces du dramaturge ne quittent pas la scène du théâtre Maly à ce jour.

Avec des débuts triomphaux dans le rôle d'Emilia (G. E. Lessing, "Emilia Galotti") le 30 janvier 1870, la carrière théâtrale de la grande actrice tragique russe M. N. Yermolova a commencé, qui a ensuite brillé dans les rôles: Laurencia - "The Sheep Spring " de Lope de Vega, Mary Stuart - "Mary Stuart" de F. Schiller ; Jeanne d'Arc - "Pucelle d'Orléans" du même auteur ; Katerina dans "Thunderstorm", Negina dans "Talents and Admirers", Kruchinina dans "Guilty Without Guilt" et bien d'autres. Cette fois tombait à l'apogée des mouvements démocratiques en Russie, auxquels le Théâtre Maly n'est pas resté indifférent. Plus d'une fois lors des représentations avec la participation de M. N. Yermolova, il y a eu des manifestations politiques d'étudiants et d'intelligentsia démocratique. Le désormais légendaire A. P. Lensky, A. I. Yuzhin, O. A. Pravdin, K. N. Rybakov, E. K. Leshkovskaya, A. A. Yablochkina, A. A. Ostuzhev, O O. et M. P. Sadovskie, N. M. Medvedeva, M. F. Lénine.

2.3. 20ième siècle

Timbre-poste de l'URSS, 1949 : 125 ans du Théâtre Académique d'État Maly

Au tournant des XIX-XX siècles, le pays traversait une grave crise, elle toucha aussi la vie au théâtre. Le Théâtre Maly cherchait de nouvelles voies de développement. Acteur et réalisateur A.P. Lensky créé en 1898 Nouveau théâtre- branche du Théâtre Maly, où il a étudié activité pédagogique et les paramètres expérimentaux.

Le nouveau théâtre a été ouvert en 1898 par la Direction des Théâtres Impériaux dans les locaux du Théâtre Shelaputinsky loués par le Trésor. Non seulement des spectacles dramatiques y ont été mis en scène, mais aussi des spectacles musicaux : opéras et ballets. Il était destiné au travail de la jeunesse des théâtres impériaux d'État de Moscou, qui n'a pas été utilisé en raison de la main-d'œuvre envahissante dans les théâtres Bolchoï et Maly. A. P. Lensky a transféré 14 de ses productions au Théâtre Novy pour des performances d'artistes novices de la scène du Théâtre Maly, dont 8 pièces de A. N. Ostrovsky, "Le Mariage" de N. V. Gogol, etc. Certains acteurs ont participé simultanément à des spectacles Nouveau Théâtre, et joué sur la scène principale du Maly Theatre. Parmi les acteurs figuraient N. I. Vasiliev, A. A. Ostuzhev, E. D. Turchaninova, V. N. Ryzhova, Prov Mikhailovich et Elizaveta Mikhailovna Sadovskie, N. K. Yakovlev, V. O. Massalitinova et d'autres. Parallèlement aux performances de Lensky, des performances d'autres réalisateurs ont été mises en scène au New Theatre. En 1905, le Nouveau Théâtre a officiellement obtenu le droit à l'autodétermination, mais rien n'est venu de la vie indépendante du théâtre. En 1907, le Nouveau Théâtre a été aboli. Les restes de la troupe en 1909 étaient dirigés par A. I. Yuzhin, mais cela n'a pas duré longtemps.

Le pays a été littéralement conquis par les tendances et les courants innovants. Il est temps de chercher des idées de nouveaux réalisateurs. Une nouvelle esthétique théâtrale surgit partout. Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko, Evreinov, Vakhtangov, Foregger ont apporté de nouvelles réformes théâtrales, les genres de parodies théâtrales et de sketchs se sont développés ; Au début, la situation révolutionnaire dans le pays et la Grande Révolution socialiste d'Octobre de 1917 elle-même ont contribué à la formation de ces idées. Les nouvelles tendances artistiques ont complètement nié l'académisme et les anciennes traditions. Dans les années 1920, tout le pays a été capturé par le mouvement théâtral prolétarien "Blue Blouse". Néanmoins, le Théâtre Maly est resté fidèle à ses traditions. En 1918, une école de théâtre a été ouverte au théâtre (depuis 1938 - l'École supérieure de théâtre du nom de MS Shchepkin, depuis 1943 - une université) et en 1919, le théâtre Maly a reçu le titre d'universitaire. Et en même temps, des appels se font entendre dans tout le pays pour abandonner tout ce qui était ancien, pour ne pas laisser le bastion de la culture bourgeoise-noble revivre par la révolution. Sous l'influence de ces appels, le théâtre Maly pourrait être fermé si le premier commissaire du peuple aux Lumières A. V. Lunacharsky ne le défendait pas.

En 1926, le théâtre Maly a donné une première - la pièce "Love Yarovaya" basée sur la pièce de K. A. Trenev (réalisateurs I. S. Platon et L. M. Prozorovsky; artiste N. A. Menyputin, l'Encyclopédie du théâtre appelle son décor une œuvre exceptionnelle). Avec cette production réussie, le théâtre a montré l'inviolabilité et la nature fondamentale de ses idées fondamentales, les significations du traditionalisme - les rôles dans les mêmes interprétations ont été hérités par de jeunes acteurs, adoptant les mêmes techniques classiques et personnages de l'ancienne génération. Les rôles de G. N. Fedotova ont ensuite été transférés à A. A. Yablochkina, et le répertoire de O. O. Sadovskaya a été hérité par V. N. Ryzhova et V. O. Massalitinova. Le théâtre a conservé les traditions non pas des délices du metteur en scène, mais des arts de la scène classiques. Dans les années 1930, lorsque de nouveaux théâtres de réforme disparaissent les uns après les autres, et que leurs fondateurs disparaissent parfois aussi, mais déjà dans les prisons de Staline, le théâtre Maly se reconstitue avec des acteurs issus de la fermeture des studios.

Répertoire théâtral 1930-1940 consistait principalement en un retour aux classiques, qui étaient autrefois joués principalement sur la scène du théâtre Maly lui-même dans les années où le théâtre Maly lui-même et les auteurs portaient de nouvelles idées réformistes. Des pièces de Griboyedov, Gogol, Ostrovsky sont mises en scène.

Pendant les années du Grand Guerre patriotique une branche de première ligne travaillait au théâtre. En 1946, l'architecte A.P. Velikanov a reconstruit le bâtiment du théâtre.

Parmi les productions d'après-guerre: «Vassa Zheleznova» de M. A. Gorky avec la participation de V. N. Pashennaya (1952); drame historique de A. N. Stepanov et I. F. Popov "Port Arthur" en 1953; "Le pouvoir des ténèbres" de LN Tolstoï (1956); "Mascarade" de M. Yu. Lermontov (1962); Macbeth de Shakespeare (1955); dramatisations de Vanity Fair par W. Thackeray (1958) ; "Madame Bovary" G. Flaubert (1963).

Manque d'idées Période soviétique rendu le théâtre stagnant et inintéressant pendant plusieurs années. Même si, bien sûr, il est impossible de ne pas noter plusieurs productions. Et bien sûr, le jeu a toujours été fascinant, la gloire du théâtre était: I. V. Ilyinsky, E. D. Turchaninova, B. A. Babochkin, V. I. Khokhryakov, M. I. Tsarev, M. I. Zharov, E A. Bystritskaya, V. V. Kenigson, V. I. Korshunov, I. A. Lyubeznov, R. D. Nifontova, E. N. Gogoleva, E. V. Samoilov, E. Ya. Vesnik, Yu. I Kayurov, G. A. Kiryushina, N. I. Kornienko, A. I. Kochetkov, I. A. Likso, T. P. Pankova, Yu. M. Solomin, V. M. Solomin, L. V. Yudina , V. P. Pavlov, E. E. Martsevitch, K.F. Roek, A.S. Eibozhenko, pl. autres

Au fil des ans, le théâtre Maly a été dirigé par: A. I. Yuzhin, I. Ya. Sudakov, P. M. Sadovsky, K. A. Zubov, M. I. Tsarev, E. R. Simonov, B. I. Ravenskikh et autres . Depuis 1988 directeur artistique théâtre - Yu. M. Solomin.

3. Le théâtre aujourd'hui

Monument à Ostrovsky au Théâtre Maly à Moscou

La génération actuelle d'artistes et de directeurs du Théâtre Maly se distingue par son adhésion à ses riches traditions et s'appuie sur l'expérience de ses prédécesseurs. Aujourd'hui, comme toujours, le répertoire du théâtre est basé sur des pièces de A. N. Ostrovsky: "Wolves and Sheep", "Il n'y avait pas de sou, mais soudain Altyn", "Forest", "Mad Money", "Labour Bread", "Own People - Accordons-nous! Autrefois, le théâtre ne pouvait pas trouver un langage commun avec A.P. Chekhov - pendant la vie de l'écrivain, seuls ses drôles de vaudevilles sont apparus sur la scène du théâtre Maly. Pourtant, aujourd'hui, les représentations basées sur les grandes pièces de Tchekhov occupent une place non négligeable dans la vie du théâtre : « Le verger de cerisiers”,“ Oncle Vanya ”,“ Mouette ”. Une sorte de «carte de visite» du théâtre Maly était la trilogie dramatique d'A. K. Tolstoï, qui raconte l'histoire de l'État russe: «Tsar Jean le Terrible», «Tsar Fyodor Ioannovich», «Tsar Boris». Dans les performances basées sur A. K. Tolstoï, la musique de G. V. Sviridov, que le compositeur a écrite spécifiquement pour le théâtre Maly, sonne. Le théâtre ne prive pas de son attention le théâtre et les classiques étrangers - dans son répertoire il y a des pièces de F. Schiller, A. Strindberg, E. Skrib. La vie créative du théâtre est extrêmement active et fructueuse. À chaque saison, Maly sort 4 à 5 nouvelles performances et supprime certains des anciens titres de son répertoire. La géographie de tournée du théâtre est également vaste - ces dernières années, il a visité l'Allemagne, la France, le Japon, Israël, la Grèce, Chypre, la Pologne, la République tchèque, la Slovaquie, la Hongrie, la Bulgarie, la Mongolie, Corée du Sud et d'autres pays. Le Théâtre Maly en est l'initiateur et organise régulièrement Fête panrusse"Ostrovsky dans la maison Ostrovsky". Ce festival remplit une noble mission de soutien à la province théâtrale russe, toujours riche en talents. Théâtres de différentes villes et les régions de Russie présentent leurs productions basées sur les pièces du grand dramaturge sur la scène du Théâtre Maly. Un autre vient de naître forum de théâtre- Fête internationale théâtres nationaux. L'idée de le tenir à nouveau appartenait à Maly. Dans le cadre de ce festival, des théâtres de différents pays du monde apportent à la plus ancienne scène dramatique de Moscou leurs représentations traditionnelles, créées dans le respect de l'art national.

Par décret du président de la Russie, le théâtre Maly a reçu le statut de trésor national. Maly a été inclus dans la liste des objets particulièrement précieux objets culturels pays, ainsi que le Théâtre Bolchoï, la Galerie Tretiakov, l'Ermitage.

4. Représentations

Voir les représentations du Théâtre Maly

5. Troupe

• Troupe du Théâtre Maly (Moscou) en 1824-1917
• Troupe du Théâtre Maly (Moscou) en 1917-2000
• Troupe du Théâtre Maly

La gloire du théâtre à différentes années était composée d'acteurs tels que:

• Lénine Mikhaïl Frantsevitch ( vrai nom Ignatyuk - acteur de théâtre, artiste du peuple de la RSFSR (1937), auteur des mémoires "Cinquante ans de théâtre" (publié en 1957), décoré de l'Ordre de Lénine (1949).)
• Yuri Methodievich Solomin (Artiste du peuple de l'URSS, lauréat des prix d'État de Russie),
• Viktor Ivanovich Korshunov (Artiste du peuple de l'URSS),
• Elina Avraamovna Bystritskaya (artiste du peuple de l'URSS)
• Akimova, Sofia Pavlovna - de 1846 à 1889
• Davydov, Vladimir Nikolaïevitch - (1925)
• Mazurina, Marya Vasilievna de 1878
• Kenigson, Vladimir Vladimirovitch
• Medvedev, Youri Nikolaïevitch
• Medvedeva, Nadezhda Mikhailovna, cette actrice exceptionnelle a joué au théâtre au XIXe siècle.
• Musil, Nikolai Ignatievich - l'un des meilleurs interprètes rôles caractéristiques dans les pièces d'Ostrovsky à la fin du XIXe - début du XXe siècle (Artiste émérite des théâtres impériaux (1903)).
• Nifontova, Rufina Dmitrievna - depuis 1957
• Podgorny, Nikita Vladimirovitch
• Ryzhova, Varvara Nikolaevna - l'une des "grandes vieilles femmes du théâtre Maly", de 1894 à 1950 (artiste du peuple de l'URSS)
• Sanin, Alexander Akimovich - le début du 20e siècle.
• Turchaninova, Evdokia Dmitrievna - depuis 1891
• Fedotov, Alexandre Alexandrovitch - depuis 1893.
• Fedotov, Alexander Filippovich - de 1862 à 1871 et de 1872 à 1873.

6. Coordonnées

• Adresse : Teatralny proezd, 1 bâtiment 1, station de métro Teatralnaya

7.1. Une succursale

• Adresse : rue Bolshaya Ordynka, 69, station de métro Dobryninskaya
• Coordonnées : 55.759529 , 37.620803 55°45′34.3″ Nord sh. 37°37′14.89″ Est ré. /  55.759529° N sh. 37.620803° Est ré.(ALLER)

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le Théâtre Maly avait une troupe de première classe. La vie de ce théâtre reflète les contradictions sociales et politiques de l'époque. La volonté de la partie avancée de la troupe de maintenir l'autorité de la « seconde université », pour correspondre à une haute finalité publique, se heurte à un obstacle difficile à surmonter : le répertoire. Des œuvres importantes sont apparues sur scène le plus souvent dans des spectacles de bienfaisance, tandis que l'affiche quotidienne était jouée par V. Krylov, I. V. Shpazhinsky et d'autres écrivains contemporains, qui ont construit l'intrigue principalement sur les événements du "triangle amoureux", les relations dans la famille, et s'y sont limités, sans passer par eux pour les problèmes sociaux.

Les pièces d'Ostrovsky, les reprises de L'Inspecteur général et Malheur d'esprit, l'apparition dans les années 1870 et 1880 d'œuvres héroïques et romantiques du répertoire étranger ont aidé le théâtre à maintenir la hauteur d'audience et critère artistique, correspondent aux humeurs avancées de l'époque, ont un impact sérieux sur les contemporains. Dans les années 1890, un nouveau déclin s'amorce, les pièces héroïco-romantiques disparaissent presque du répertoire, et le théâtre "passe au pittoresque conventionnel et à l'éclat mélodramatique" (Nemirovich-Danchenko). Il s'est avéré être créativement mal préparé au développement de la nouvelle littérature dramatique: les pièces de L. Tolstoï ne sonnaient pas pleinement sur sa scène, le théâtre ne manifestait aucun intérêt pour Tchekhov et ne mettait en scène que ses vaudevilles.

Il y avait deux directions dans l'art d'agir du théâtre Maly - quotidien et romantique. Celle-ci s'est développée de manière inégale, par saccades, s'est embrasée dans les époques d'essor social et s'est éteinte dans les années de réaction. Les objets ménagers se sont développés régulièrement, gravitant vers une tendance critique dans leurs meilleurs exemples.

La troupe du théâtre Maly était composée des acteurs les plus brillants.

Glikeria Nikolaïevna Fedotova(1846 - 1925) - L'élève de Shchepkin, à l'adolescence, elle monte sur scène avec son professeur Shchepkin dans "Sailor", avec Zhivokini dans le vaudeville "Az and Firth", apprenant des leçons non seulement dans les compétences professionnelles, mais aussi dans le plus haut jeu d'acteur éthique. À l'âge de dix ans, Fedotova entre à l'école de théâtre, où elle étudie d'abord le ballet, puis le théâtre. À l'âge de quinze ans, elle fait ses débuts au Théâtre Maly dans le rôle de Verochka dans la pièce "L'Enfant" de P. D. Boborykin et en février 1863, elle est inscrite dans la troupe.

Le talent immature s'est développé de manière inégale. Le répertoire mélodramatique contribua peu à sa formation. Dans les premières années de son travail, l'actrice a souvent été critiquée pour sa sentimentalité, ses manières de jouer, son "jeu douloureux". Mais dès le début des années 1870, la véritable floraison du talent brillant et multiforme de l'actrice a commencé.

Fedotova était une combinaison rare d'esprit et d'émotivité, de compétence virtuose et de sentiment sincère. Ses décisions scéniques se distinguaient par la surprise, la performance par la luminosité, tous les genres et toutes les couleurs lui étaient soumis. Possédant d'excellentes performances scéniques - beauté, tempérament, charme, contagiosité - elle prend rapidement une position de leader dans la troupe. Pendant quarante-deux ans, elle a joué trois cent vingt et un rôles de valeur artistique variée, mais si dans la dramaturgie d'une actrice faible et superficielle a souvent sauvé l'auteur et le rôle, alors dans œuvres classiques découvert incroyable capacitéà pénétrer dans l'essence même du personnage, dans le style de l'auteur et les traits de l'époque. Shakespeare était son auteur préféré.

Elle a montré de brillantes compétences comiques dans les rôles de Beatrice dans Much Ado About Nothing et Katarina dans The Taming of the Shrew. Avec son partenaire A : P. Lensky ; qui jouaient Benedict et Petruchio, ils formaient un duo magnifique, captivant par la facilité du dialogue, l'humour et un joyeux sens de l'harmonie du monde shakespearien avec sa beauté, son amour, des gens forts et indépendants qui savent se battre joyeusement pour leur dignité, pour Leurs sentiments.

Dans les rôles tragiques de Shakespeare, et surtout dans Cléopâtre, Fedotova, en substance, n'a révélé le même thème que par des moyens différents. Contrairement à ses prédécesseurs, l'actrice n'a pas eu peur de montrer son incohérence dans la polyvalence de son personnage, elle n'a pas eu peur de "baisser" son image. Dans sa Cléopâtre, par exemple, il y avait «un mélange de sincérité et de tromperie, de tendresse et d'ironie, de générosité et de cruauté, de timidité et d'héroïsme», comme l'a écrit N. Storozhenko après la première, et le motif principal de l'image a traversé tout cela - « son amour fou pour Anthony ».

Dans le répertoire domestique, l'amour de l'actrice a été donné à Ostrovsky, dans les pièces duquel elle a joué neuf rôles. Lunacharsky a noté que, ayant d'excellentes données pour jouer des rôles shakespeariens, Fedotova, de par sa nature, était "exceptionnellement adaptée pour représenter des femmes russes, des types proches du peuple". Belle avec une beauté russe typique, l'actrice avait une stature particulière, une dignité intérieure, une non-vanité, caractéristique des femmes russes.

"Captive, dominatrice, rusée, enchanteresse, intelligente, intelligente, avec beaucoup d'humour, de passion, de ruse", sa Vasilisa Melentyeva a vécu un drame complexe que l'actrice a révélé avec beaucoup de force et de profondeur.

Sa Lidia Cheboksarova dans "Mad Money" a habilement utilisé sa féminité et son charme irrésistibles pour atteindre des objectifs égoïstes - principalement la richesse, sans laquelle elle ne pourrait pas imaginer une "vraie" vie.

À l'âge de dix-sept ans, Fedotova a joué pour la première fois Katerina dans The Thunderstorm. Le rôle ne lui a pas été confié immédiatement, son actrice a progressivement maîtrisé les complexités, renforçant le son social, sélectionnant les couleurs exactes, les détails du quotidien. À la suite de nombreuses années de travail minutieux, l'actrice a obtenu un résultat remarquable - l'image de Katerina est devenue l'un des sommets de son travail. C'était une Katerina très russe : "musique d'un merveilleux discours russe, rythmée, belle", "démarche, gestes, révérences, connaissance d'une sorte de vieille étiquette russe, manière de se comporter devant les gens, porter un foulard, répondre aux aînés " - tout cela a créé une rare authenticité de caractère, mais en même temps, la sincérité purement russe y était combinée avec le tempérament et la passion des héroïnes classiques.

Passant aux rôles d'âge, Fedotova a joué Murzavetskaya ("Loups et moutons"), l'aîné Cheboksarova, Krutitskaya ("Il n'y avait pas un sou, mais soudain Altyn").

Fedotova, comme Shchepkin, est restée une "étudiante éternelle" en art. Chacun de ses rôles se distinguait par un «jeu passionné et profondément significatif» (Storozhenko), car l'actrice était capable de combiner une analyse précise avec la capacité de revivre le destin de son héroïne à chaque représentation. Forcée de quitter la scène pour cause de maladie, elle est restée au cœur des événements théâtraux. Les invités fréquents de sa maison étaient de jeunes acteurs qu'elle aidait à préparer des rôles. Fedotova a montré un intérêt particulièrement vif pour les nouveaux, les jeunes. Elle fait partie de ces maîtres qui non seulement saluent l'émergence de nouvelles tendances dans la Société des Arts et des Lettres, mais contribuent également à leur approbation. A sa demande, elle prend une part active aux travaux de la Société, étudie avec ses membres talents d'acteur, "a essayé d'orienter notre travail le long de la ligne interne", comme l'écrira plus tard Stanislavsky. Elle était, pour ainsi dire, un fil conducteur entre deux époques de l'art - Shchepkin et Stanislavsky.

En 1924, à l'occasion du centenaire du théâtre Maly, Fedotova reçoit le titre d'artiste du peuple de la République, bien qu'à l'époque soviétique, elle ne se produise plus sur scène.

Olga Osipovna Sadovskaïa(1849--1919) -- l'un des les représentants les plus brillants Dynastie Sadovsky. Épouse du remarquable acteur du théâtre Maly M. P. Sadovsky, fils de P. M. Sadovsky, fille du chanteur d'opéra et interprète populaire de chansons folkloriques I. L. Lazarev, Sadovskaya était une élève du Cercle artistique.

Elle était bien préparée pour les activités artistiques.

Cependant, elle n'allait pas être artiste jusqu'à ce que, à la demande de l'acteur du Théâtre Maly N. E. Vilde, elle remplace l'actrice malade dans la pièce «Cercle artistique» «À la fête de quelqu'un d'autre». C'était le 30 décembre 1867. Le même jour et dans la même représentation, son futur mari, le député Sadovsky, a fait ses débuts. Il a joué Andrei, elle est sa mère.

Son prochain rôle était déjà une jeune héroïne - Dunya dans la comédie "Ne monte pas dans ton traîneau". Après la représentation, les critiques ont écrit sur Bonne chance artiste, notée dans sa "simplicité de manière", "sincère sincérité".

Cependant, la débutante douée était attirée par les rôles d'âge, elle les assumait volontiers, même si au début, elle jouait également dans des rôles jeunes. Elle a notamment eu du succès dans Varvara dans The Thunderstorm et Evgenia dans In a Busy Place, qu'elle a préparé sous la direction d'Ostrovsky. Mais le succès n'a pas arrêté son désir obstiné de rôles d'âge, et à la fin l'actrice a réussi à ce que tout le monde, y compris les critiques, reconnaisse son droit créatif aux "vieilles femmes".

Et quand, en 1870, Sadovskaya fit ses débuts au Théâtre Maly - et elle se produisit avec M. Sadovsky dans la représentation-bénéfice de P. Sadovsky dans la pièce "Ne monte pas dans ton traîneau" - elle choisit le rôle dans le rôle cela deviendrait le principal de sa créativité: elle jouait la "vieille fille" Arina Fedotovna. Ces débuts ont eu lieu non pas à la suggestion de la direction, mais à l'insistance du bénéficiaire et n'ont pas abouti. Le théâtre Maly n'a pas invité Sadovskaya, elle est revenue au "cercle artistique" pour ses différents rôles non seulement dans le théâtre, mais aussi dans l'opérette, où elle a également eu un grand succès. Elle est restée dans le Cercle Artistique pendant encore neuf ans.

En 1879, sur les conseils d'Ostrovsky, Sadovskaya fait à nouveau ses débuts au Théâtre Maly. Pour trois premières représentations, elle a choisi trois rôles d'Ostrovsky - Evgenia, Varvara et Pulcheria Andreevna (" vieil ami mieux que les deux nouveaux). Tous les débuts ont été un grand succès. Et pendant deux ans, Sadovskaya a joué au théâtre Maly, n'étant pas membre de la troupe et ne recevant pas de salaire. Elle a joué pendant ce temps dans seize pièces et a joué soixante-trois représentations. Ce n'est qu'en 1881 qu'elle fut inscrite dans la troupe.

Sadovskaya a dirigé tout le répertoire russe du Théâtre Maly, elle a joué plusieurs centaines de rôles, n'ayant de doublure dans aucun d'entre eux. Elle a joué quarante rôles dans les pièces d'Ostrovsky. Dans certaines pièces, elle a joué deux ou même trois rôles - par exemple, dans The Thunderstorm, elle a joué Varvara, Feklusha et Kabanikha.

Quelle que soit la taille du rôle, Sadovskaya a créé un personnage complexe et vivant, dans lequel beaucoup s'exprimait, en plus du texte, dans les expressions faciales de l'actrice. Anfusa Tikhonovna dans Wolves and Sheep ne prononce pas une seule phrase cohérente, elle parle principalement par interjections, et dans la performance de Sadovskaya, c'était un personnage inhabituellement vaste dans lequel le passé d'Anfusa était facilement deviné, son attitude envers tout ce qui se passe et le jour du nom de Kun est de faire des reproches. Jouant l'Anfusa muette, l'actrice et mon rôle sont restés un grand maître de la parole, car seuls Grand maître pourrait trouver beaucoup de nuances sémantiques dans les interminables "et alors", "où d'autre".

Le mot était le principal des moyens d'expression actrice, et elle l'a possédé à la perfection. En un mot, elle pouvait tout exprimer. Essentiellement, son jeu consistait à s'asseoir face à la salle et à parler. Elle a renforcé son discours avec des expressions faciales, un geste méchant. Par conséquent, elle n'aimait pas l'obscurité sur la scène et exigeait toujours la pleine lumière sur elle-même, même si l'action se déroulait la nuit. Elle a compris la vérité sur scène, tout d'abord, comme la vérité d'un personnage humain, tout le reste ne faisait qu'interférer avec elle. Le mot même Sadovskaya était visible. Les contemporains affirmaient qu'en écoutant l'actrice sans la voir, ils l'imaginaient facilement à chaque instant du rôle.

En un mot, elle savait tout transmettre. Mais elle possédait aussi la grande magie du silence scénique, qu'elle avait toujours comme prolongement de la parole. Elle savait parfaitement écouter son partenaire. Du silence et de la parole, coulant naturellement l'un dans l'autre, est né un processus continu de mouvement de l'image.

Sadovskaya n'aimait pas le maquillage, les perruques, elle jouait avec son visage et avec ses cheveux. Si une perruque apparaissait sur sa tête, ce n'était pas l'actrice qui la mettait, mais l'héroïne, et ses propres cheveux étaient toujours visibles sous la perruque. Le visage de l'actrice a changé de la coiffure, de la façon dont l'écharpe était nouée. Mais ce n'étaient que des détails mineurs. L'essentiel était le mot et les expressions faciales. Son visage simple a été transformé de rôle en rôle de façon méconnaissable. Il pourrait être gentil, doux et dur, strict ; joyeux et triste, intelligent et stupide, bon enfant, ouvert et rusé. Il exprimait le caractère. Il exprimait les moindres nuances de sentiments.

Recourant rarement aux moyens de la caractéristique extérieure, Sadovskaya a néanmoins su être plastiquement expressive. Incarnant, par exemple, Julitta dans "The Forest", une accro et une espionne détestée par tout le monde dans la maison, l'actrice a trouvé une démarche particulière, "reniflante".

En même temps, elle jouait Kabanikha, presque sans recourir à des gestes, bougeant très peu, mais dans ses yeux, dans ses mains jointes impérieusement, dans sa voix calme, on sentait une immense force intérieure qui réprimait les gens. Cependant, l'actrice n'a pas aimé ce rôle et a préféré jouer Feklusha dans The Thunderstorm.

Il y a des rôles de chef-d'œuvre dans la liste interminable des merveilleuses créations de Sadovskaya. L'une d'elles est Domna Panteleevna dans Talents et admirateurs, la mère de Nogina, une femme simple, presque analphabète, dotée d'un esprit vif et mondain, qui reconnaît à première vue qui vaut quoi et change de manière décisive le ton de la conversation en fonction de l'interlocuteur. Son rêve est de sauver sa fille du besoin, de la marier à Velikatov. Mais, comprenant les sentiments de Negina, elle a prudemment, les larmes aux yeux, escorté sa fille à sa dernière rencontre avec Meluzov. Et ses larmes sont des larmes de compréhension, de joie pour sa fille, qui, avant d'unir à jamais son destin à Velikatov, arrache à la vie un moment de bonheur, non éclipsé par le calcul.

Ostrovsky, qui aimait l'actrice dans toutes ses pièces, pensait qu'elle jouait "parfaitement" Domna Panteleevna.

L'actrice a également joué dans les pièces de Tolstoï. Dans l'ensemble, mécontent de la production de Fruits of Enlightenment, l'auteur a distingué parmi les interprètes qu'il aimait Sadovskaya, qui jouait la cuisinière, qui calmement, a simplement exprimé son opinion sur les messieurs, racontant aux paysans image seigneuriale la vie.

Tolstoï était surtout captivé par son discours populaire, son étonnante authenticité. Il a été encore plus surpris par l'actrice dans le rôle de Matryona dans Le pouvoir des ténèbres, interprétée par une "vieille femme sèche, dure et inflexible", selon un critique. Tolstoï était ravi de la simplicité et de la vérité de l'image, du fait que Sadovskaya ne jouait pas un «méchant», mais «une vieille femme ordinaire, intelligente, professionnelle, souhaitant bonne chance à son fils à sa manière», comme elle a été vue par l'auteur.

Sadovskaya a superbement joué la comtesse-grand-mère dans "Woe from Wit" - "les ruines du vieux Moscou". Et au cours de la dernière année de sa vie, elle a rencontré un nouveau drame - dans la pièce de Gorki "Le vieil homme", elle a joué Zakharovna.

L'art de Sadovskaya ravit littéralement tout le monde. Tchekhov la considérait comme "une véritable artiste-artiste", Fedotova lui conseillait d'apprendre d'elle la simplicité, Lenski voyait en elle la "muse de la comédie", Stanislavski l'appelait "le diamant précieux du théâtre russe". Pendant de nombreuses années, elle a été la favorite du public, personnifiant un véritable art populaire.

Alexandre Pavlovitch Lensky(1847 - 1908) - acteur, metteur en scène, professeur, théoricien, figure marquante du théâtre de la fin du XIX - début du XX siècle.

Fils illégitime du prince Gagarine et de l'italien Verviziotti, il a été élevé dans la famille de l'acteur K. Poltavtsev. À l'âge de dix-huit ans, il est devenu un acteur professionnel, prenant un pseudonyme - Lensky. Pendant dix ans, il travaille en province, d'abord il joue principalement dans le vaudeville, mais passe progressivement au rôle de "premiers amants" dans le répertoire classique. Dans ce rôle, il est invité dans la troupe du Théâtre Maly en 1876.

Il fait ses débuts dans le rôle de Chatsky, captivant par la douceur et l'humanité de la performance, le lyrisme subtil. Il n'y avait pas de motifs rebelles, accusateurs, mais il y avait un drame profond d'un homme qui a vécu l'effondrement de ses espoirs dans cette maison.

Insolite, anticonformisme distinguent son Hamlet (1877). Un jeune spirituel avec des traits nobles et une âme noble, il était imprégné de chagrin, pas de colère. Sa retenue était vénérée par certains contemporains pour sa froideur, sa simplicité de ton pour le manque de tempérament et la puissance de voix nécessaire - en un mot, il ne correspondait pas à la tradition Mochalov et n'était pas accepté par beaucoup dans le rôle de Hamlet.

Les premières années dans la troupe ont été la recherche de leur propre voie. Charmant, pur dans l'âme, mais dépourvu de force intérieure, sujet aux doutes - ce sont principalement les héros de Lensky dans le répertoire moderne, pour lesquels il a été surnommé le "grand charmeur".

Et à cette époque, l'étoile de Yermolova s'était déjà levée, les voûtes du théâtre Maly résonnaient du pathos inspiré de ses héroïnes. A côté d'eux, les jeunes aux yeux bleus de Lensky semblaient trop amorphes, trop passifs socialement. Le tournant dans le travail de l'acteur a été associé précisément au partenariat de Yermolova. En 1879, ils jouent ensemble dans la tragédie de Gutskov Uriel Acosta. Lensky, jouant Acosta, ne pouvait pas abandonner complètement et immédiatement ce qui lui était devenu familier, ses moyens d'action n'ont pas changé - il était aussi poétique et spirituel, mais son tempérament social ne s'exprimait pas par des techniques formelles, mais par une profonde compréhension de la image du philosophe avancé et combattant.

L'acteur a joué dans d'autres rôles du répertoire héroïque, cependant, un psychologisme profond, le désir de polyvalence dans des rôles où le matériel littéraire ne l'exigeait pas, ont conduit au fait qu'il a perdu, semblait peu impressionnant à côté de ses partenaires spectaculaires.

Parallèlement, son rejet des signes extérieurs de l'art romantique est fondamental. Il croyait que "notre époque a largement dépassé le romantisme". Il a préféré Shakespeare à Schiller et Hugo, bien que sa compréhension des images de Shakespeare n'ait pas résonné.

Le Hamlet semi-reconnu a été suivi en 1888 par Othello, qui n'était pas du tout reconnu par le public et la critique moscovite, que l'acteur avait choisi pour son spectacle-bénéfice et avait joué auparavant. L'interprétation de Lensky se distinguait par une nouveauté incontestable - son Othello était noble, intelligent, gentil, confiant. Il souffrait profondément et sentait subtilement qu'il était seul au monde. Après le meurtre de Desdémone, il "s'enveloppa d'un manteau, se réchauffa les mains près de la torche et trembla". L'acteur cherchait l'humain dans le rôle, des mouvements simples et naturels, des sensations simples et naturelles.

Dans le rôle d'Othello, il n'a pas été reconnu et a rompu pour toujours avec elle.

Et les rôles ultérieurs ne lui ont pas apporté une pleine reconnaissance. Il a joué Dulchin dans The Last Victim, Paratov dans The Dowry, Velikatov dans Talents and Admirers, et dans tous les rôles, les critiques manquaient d'émotion accusatrice. Elle était, Stanislavsky l'a examinée, Yu. M. Yuryev l'a vue, mais elle ne s'est pas exprimée de front, pas directement, mais subtilement. L'indifférence, le cynisme, l'intérêt personnel devaient être considérés chez ces personnes sous leur charme extérieur, leur attrait. Tout n'a pas été envisagé.

Son succès en tant que Muromsky dans "l'Affaire" de Sukhovo-Kobylin a été plus unanimement reconnu. Lensky a joué Muromsky comme une personne naïve, gentille et douce. Il s'est lancé dans un duel inégal avec la machine bureaucratique, croyant que la vérité et la justice l'emporteraient. Sa tragédie était une tragédie de perspicacité.

Mais Lensky a acquis une reconnaissance universelle dans les comédies shakespeariennes et, surtout, dans le rôle de Benoît dans Beaucoup de bruit pour rien.

Dans le monde joyeux des gens beaux avec leur liberté intérieure, où la justice et l'amour l'emportent, dans le monde farces drôles, où même "le mal" ne peut se passer d'un jeu, Benedict Lensky était l'incarnation d'une misogynie hilarante et ironique, jusqu'à ce qu'il soit lui-même tué par l'amour. Les chercheurs détaillent la pause lorsque Benoît apprend que Béatrice est amoureuse de lui. Dans une scène muette, l'acteur a montré un processus interne complexe : une onde de joie s'est peu à peu emparée de son Benoît, d'abord à peine perceptible, elle l'a rempli entièrement, se transformant en jubilation orageuse.

Le jeu de l'acteur dans ce rôle était énergique, impétueux, l'interprète a trouvé dans son héros un esprit, de l'humour et un voleur naïf dans tout ce qui se passait autour. Il ne croyait pas seulement à la trahison de Hero, car il était bon de nature et amoureux.

Béatrice a joué Fedotov. Le duo de deux magnifiques maîtres se poursuit dans La Mégère apprivoisée.

Le rôle de Pstruccio était l'un des débuts de Lensky au Théâtre Maly et est resté dans son répertoire pendant de nombreuses années. L'intrépide Petruccio a déclaré avec audace qu'il épouserait Katharina pour de l'argent et apprivoiserait les rebelles, mais quand il a vu son épouse, il est tombé amoureux d'elle aussi violemment qu'auparavant, il ne désirait que de l'argent. Une nature entière, confiante et tendre s'est révélée sous sa bravade, et il a "apprivoisé" Katharina avec son amour. Il voyait en elle son égale en intelligence, en désir d'indépendance, en désobéissance, en refus d'obéir à la volonté des autres. C'était un duo de deux belles personnes qui se sont retrouvées dans l'agitation de la vie et qui étaient heureuses.

En 1887, Lensky a joué Famusov dans Woe from Wit. C'était un gentleman moscovite charmant et frivole, hospitalier et de bonne humeur. Même son aversion pour la paperasse était attachante. Aller chercher une jolie demoiselle, manger un bon repas, bavarder de choses et d'autres, tels sont les passe-temps favoris de sa vie. Il a essayé de ne pas se permettre des ennuis, et l'oncle Maxim Petrovich l'admirait simplement, était un idéal inaccessible. Il a semblé à Famusov - Lensky qu'il avait complètement époustouflé Chatsky avec son histoire. Il n'a même pas vraiment écouté le début de son monologue et, après avoir fouillé dans le sens de ses paroles, il a même été en quelque sorte offensé par l'interlocuteur, s'est détourné de lui, montrant de toute son apparence qu'il ne voulait pas écouter à lui, marmonnant quelque chose dans sa barbe qui lui bouchait les oreilles. Et quand il n'a toujours pas lâché prise, il a simplement crié presque de désespoir: "Je n'écoute pas, je suis en procès!" -- et s'enfuit. Il n'y avait rien de sinistre chez lui. Cet homme débonnaire à la touffe de cheveux enjouée et aux manières d'un vieux saint simplement "heureux du monde", appréciant nourriture savoureuse, d'un mot bien prononcé, d'agréables souvenirs d'un oncle, de la pensée du mariage de Sophia et Skalozub. L'apparition de Chatsky a semé la confusion dans sa vie, menacé de détruire ses plans et, dans le final, il a presque pleuré à la pensée de Marya Alekseevna.

Lensky maîtrisait parfaitement les vers de Griboïedov, il ne les transformait pas en prose et ne les récitait pas. Il a rempli chaque phrase de sens intérieur, a exprimé la logique impeccable du caractère dans l'impeccabilité de la mélodie de la parole, sa structure intonative, le changement de mot et le silence.

La maîtrise de pénétrer l'essence de l'image, la justification psychologique du comportement du personnage, le goût délicat ont gardé l'acteur de la caricature, de la pièce de théâtre, de la démonstration extérieure tant dans le rôle du Gouverneur dans L'Inspecteur du Gouvernement que dans le rôle du professeur Krugosvetlov dans Les Fruits des Lumières. La satire est née de l'essence, à la suite de la divulgation de la structure interne de l'image - dans un cas, convaincu et ne suggérant même pas qu'il est possible de vivre différemment, un escroc qui vit dramatiquement son erreur dans la finale; dans l'autre, un fanatique qui croit fidèlement à sa « science » et la sert avec enthousiasme.

Le célibataire insouciant Lynyaev dans Wolves and Sheep, pour qui tout le plaisir de la vie est de manger et de dormir, est soudainement tombé entre les mains charmantes de Glafira, qui l'a saisi avec une emprise, dans la finale est apparu malheureux, âgé et attristé, pendu avec parapluies, capes, maladroits et un vieux page maladroit avec une belle jeune femme.

L'art de Lensky devenait vraiment parfait, son organicité, sa capacité à tout justifier de l'intérieur, sa subordination à l'un des matériaux les plus complexes faisaient de lui le leader naturel du Théâtre Maly. Après avoir joué le rôle de Nicolas dans l'acteur "Lutte pour le Trône" Théâtre d'art L. M. Leonidov a écrit: "Seul un grand acteur mondial pourrait jouer comme ça."

Chaque rôle de Lensky était le résultat d'un énorme travail, la sélection la plus stricte des couleurs en fonction du personnage donné et de l'auteur. Le contenu intérieur de l'image a été moulé de l'intérieur dans une forme précise, spiritualisée et justifiée. Tout en travaillant sur le rôle, l'acteur a dessiné des croquis de maquillage et de costume, maîtrisé l'art de la transformation externe à l'aide d'un ou deux traits expressifs, n'a pas aimé l'abondance de maquillage et était excellent dans les expressions faciales. Il possède un article spécial sur ce numéro - "Notes sur les expressions faciales et le maquillage".

Les activités de Lensky au Maly Theatre ne se limitaient pas à jouer. Il était enseignant et a grandi à Moscou école de théâtre beaucoup d'étudiants merveilleux. Son travail de réalisateur a également commencé par la pédagogie, dans la compréhension des principes dont il était proche de Stanislavsky. Lors des matinées au Théâtre Maly, et depuis 1898 dans les locaux du Nouveau Théâtre, une branche de la scène impériale, les représentations qu'ils mettent en scène sont interprétées par de jeunes acteurs. Certaines d'entre elles, comme la Snow Maiden, pourraient rivaliser avec les productions du Théâtre d'Art.

Lensky était un théoricien, il possède des articles dans lesquels les principes du jeu sont formulés, certains travaux sont analysés et des conseils sont donnés sur les problèmes du jeu.

En 1897, eut lieu le premier congrès panrusse des ouvriers de la scène, au cours duquel Lensky fit un rapport sur «Les causes du déclin du théâtre dans la province».

En tant qu'acteur, réalisateur, enseignant, théoricien, personnage public, il s'est battu pour élever la culture générale du jeu d'acteur russe, s'est opposé aux espoirs de "l'intérieur", a exigé un travail et des études constants. Tant dans sa pratique que dans son programme esthétique, il a développé les traditions et les préceptes de Shchepkin. « Il est impossible de créer sans inspiration, mais l'inspiration est très souvent causée par le même travail. Et le sort d'un artiste qui ne s'est pas habitué à la plus stricte discipline dans son travail est triste : l'inspiration, rarement invoquée, peut le quitter à jamais", écrit-il.

Ayant pris le poste de directeur en chef du Théâtre Maly en 1907, il tenta de mener à bien la réforme de l'ancienne scène, mais dans les conditions de la direction impériale et de l'inertie de la troupe, il ne parvint pas à réaliser cette intention.

En octobre 1908, Lensky mourut. Yermolova a pris cette mort comme un événement tragique pour l'art : « Tout est mort avec Lensky. L'âme du Théâtre Maly est morte... Avec Lensky, non seulement le grand acteur est mort, mais le feu de l'autel sacré, qu'il entretenait avec l'énergie infatigable d'un fanatique, s'est éteint.

Alexandre Ivanovitch Ioujine-Sumbatov(1857 - un dramaturge célèbre et un acteur merveilleux. Alors qu'il était encore lycéen, puis étudiant à l'Université de Saint-Pétersbourg, il aimait le théâtre, jouait dans des spectacles amateurs. le théâtre, où il a travaillé pendant plus de quarante ans , a joué deux cent cinquante rôles, dont trente-trois dans des pièces étrangères, vingt dans les œuvres d'Ostrovsky.

La prédominance des pièces étrangères est due au fait que, de par la nature de son talent, Yuzhin était un acteur romantique. Il est venu au théâtre dans ces années où l'art héroïco-romantique a connu un décollage à court terme, mais inhabituellement brillant. Dans de nombreuses représentations, Yuzhin a joué avec Yermolova - il a joué Dunois dans La Pucelle d'Orléans, Mortimer dans Mary Stuart - et c'était un autre duo célèbre au Théâtre Maly.

Possédant un excellent tempérament de scène, courageux, beau, inspiré, Yuzhin exprimait sur scène des sentiments nobles et élevés, en phase avec les humeurs révolutionnaires de l'époque, exprimés de manière sublime, non triviale, n'avait pas peur du pathétique, était une statuaire en plastique. Son Marquis Posa dans Don Carlos de Schiller, Charles Quint dans Hernani et Ruy Blas Hugo furent de grands succès. La scène de Charles sur la tombe de Charlemagne était, mais selon N. Efros, "un triomphe complet de l'acteur, son beau pathétique, son art déclamatoire, sa bonne pompe scénique et sa vérité ornée, qui n'est pas devenue un mensonge".

La courte ascension de l'art héroïco-romantique s'est soldée par un déclin, mais pas dans l'œuvre de Yuzhin, qui est facilement passée aux rôles tragiques de Shakespeare, dont le meilleur était Richard III. L'acteur a révélé dans l'image non seulement la cruauté et la tromperie, mais aussi une grande force, un talent, une volonté d'atteindre l'objectif.

Il a superbement joué des rôles comiques dans la dramaturgie russe et étrangère. Son interprétation de Figaro dans Les Noces de Figaro de Beaumarchais est inégalée. Son Famusov différait de Famusov-Lensky en ce qu'il était un dignitaire important, un adversaire idéologique de Chatsky, un ennemi acharné des idées nouvelles. Dans son visage Société de Moscou avait un soutien puissant, son Famusov était une force que le rebelle solitaire Chatsky ne pouvait pas briser.

L'effet comique de l'image de Repétilov a été obtenu par le décalage entre son importance seigneuriale et son discours vide, sa gravité et sa naïveté inattendue.

Plus tard, Yuzhin deviendra un merveilleux Bolinbrock dans "Glass of Water" d'E. Scribe.

Maître du dialogue virtuose, toujours spectaculaire sur scène, Yuzhin était un acteur consciemment et résolument théâtral. Ils n'ont pas trouvé la simplicité en lui, eh bien, il ne l'a pas cherchée. Il condamnait le manque de réalisme, mais dans les rôles classiques, il n'était pas inclus dans le système figuratif de l'acteur, qui était toujours de l'autre côté de la rampe et n'essayait pas d'assurer au spectateur que ce n'était pas un théâtre, mais la vie . Il aimait la beauté sur scène ; maquillage, perruques faisaient partie intégrante de ses transformations.

Le fait que ce style de performance ait été délibérément choisi par Yuzhin peut être jugé par son rôles modernes, en particulier dans les pièces d'Ostrovsky, où l'acteur avait à la fois simplicité, reconnaissance vitale et subtilité; Murov ("Coupable sans culpabilité"), Agishin ("Le mariage de Belugin"), Berkutov ("Loups et moutons"), Telyatev ("Mad Money"), Dulchin ("La dernière victime") - ce n'est pas un liste de ses rôles dans les pièces d'Ostrovsky, où l'acteur était non seulement simple et fiable d'une manière moderne, mais significatif et profond d'une manière moderne. En raison des particularités de sa personnalité, Yuzhin ne pouvait pas jouer des gens faibles ou petits, ses héros étaient toujours des personnalités fortes, volontaires et extraordinaires. Tantôt cette force les faisait s'effondrer, tantôt elle dégénérait en individualisme, dans la comédie elle transparaissait avec ironie, mais elle constituait toujours la nature organique des personnages qu'il créait.

Après la mort de Lensky, Yuzhin a dirigé le théâtre Maly, s'efforçant de préserver et de continuer meilleures traditions, l'apogée artistique de son art, difficile au moment du déclin général du théâtre. "Votre importance pour le théâtre n'est pas moindre que la mienne", a écrit Yermolova à Yuzhin, "et s'il ne reste de moi qu'un morceau d'une vieille bannière en lambeaux ... alors vous continuez invariablement à avancer, de plus en plus loin ..."

Elle a écrit un chapitre spécial et le plus brillant de l'histoire du théâtre Maly Maria Nikolaïevna Ermolova (1853 -- 1928).

Le 30 janvier 1870, la représentation-bénéfice de NM Medvedeva était la pièce de Lessing Emilia Galotti . Des acteurs de premier plan ont été impliqués dans la performance, G. N. Fedotova devait jouer le rôle principal. De façon inattendue, elle est tombée malade et Yermolova est apparue pour la première fois sur la célèbre scène dans un ensemble d'acteurs célèbres. Le public, selon des témoins oculaires, ne s'attendait à rien de bon, le remplaçant semblait trop inégal, mais quand Emilia Yermolova a couru sur scène et a dit magnifiquement, voix basse Dès les premiers mots, toute la salle a été captivée par la puissance d'un talent incroyable qui a fait « oublier la scène » au public et vivre la tragédie de la jeune Emilia Galotti avec l'actrice.

La toute première représentation a rendu célèbre le nom de Yermolova - la petite-fille d'un ancien violoniste serf, puis le "maître de garde-robe" de la troupe impériale, la fille du souffleur du théâtre Maly. Mais dans les premières années de service au théâtre, malgré des débuts brillants, elle se voit confier principalement des rôles comiques dans le vaudeville et les mélodrames, elle les interprète sans succès, confirmant ainsi l'opinion de la direction sur l'accident du premier succès. On ne peut pas dire que tous les rôles de Yermolova étaient mauvais en termes de matériel littéraire, ils n'étaient tout simplement pas «ses» rôles. Si l'individualité de l'actrice était moins frappante, l'écart ne serait pas si frappant, mais le talent unique ne rejette pas simplement le matériel "étranger", il est impuissant devant lui. Néanmoins, l'actrice a tout joué, recrutée expérience professionnelle et attendre son heure. Il est venu trois ans après sa première performance sur scène. Le 10 juillet 1873, elle incarne Katerina dans The Thunderstorm.

Et puis un cas est venu à la rescousse: Fedotova est tombée à nouveau malade, ses performances ont été laissées sans l'interprète principal, et afin de ne pas les retirer du répertoire, certains rôles ont été transférés à Yermolova.

Brisant la tradition de l'interprétation quotidienne du rôle de Katerina, la jeune actrice a joué une tragédie. Dès les premières scènes, une personne passionnée et éprise de liberté se devinait dans son héroïne. Katerina - Yermolova n'était soumise qu'en apparence, sa volonté n'a pas été supprimée par les ordres de construction de maisons. Les moments de son rendez-vous avec Boris étaient des moments de liberté complète et absolue. L'héroïne Ermolova, qui connaissait à la fois la joie de cette liberté et de ce bonheur, n'avait pas peur du châtiment du «péché», mais de retourner en captivité, chez son mari mal-aimé, chez sa belle-mère, dont elle ne pouvait pas le pouvoir plus se soumettre.

Les deux derniers actes ont été le triomphe de l'actrice. La scène du repentir a choqué le public avec une intensité tragique.

C'était comme si le monde entier tombait comme un orage sur une femme fragile qui osait vivre des moments de bonheur dans son abîme sombre, pour profiter de la joie d'un sentiment immense et libre, bien que «interdit», volé à la vie, mais vrai. L'image de Katerina sonnait comme un défi au destin et à ce monde, qui punissait sévèrement la jeune femme, et la folie des préjugés qui la jetaient à genoux devant la foule, et la séparation d'avec Boris, que seul son grand sentiment distinguait de ce foule, mais que l'amour ne transformait pas, ne lui insufflait pas, le courage et la désobéissance, comme chez Katerina, ne s'élevaient pas au-dessus de la peur philistine. La séparation d'avec Boris équivalait pour cette Katerina à la mort. Par conséquent, Yermolova a joué le dernier acte presque calmement - son héroïne semblait pressée de mourir, de mettre fin à son agitation sans joie.

À l'image de Katerina, des traits sont déjà apparus qui lui feront bientôt qualifier l'art de l'actrice de romantique, et elle-même est la continuatrice de la tradition Mochalov sur la scène russe et une exposante de ces humeurs qui caractéristiques de la nouvelle génération de rebelles , qui était déjà entré dans l'arène historique et s'est développé en un mouvement qui est devenu la deuxième étape de l'histoire révolutionnaire de la Russie.

Yermolova a consciemment abordé la compréhension du rôle social de l'art. En 1911, elle a nommé deux sources pour la formation de ses opinions civiques et esthétiques - l'Université de Moscou et la Société des amoureux de la littérature russe, qui l'a élue en 1895 comme membre honoraire. À diverses époques, les membres de la Société étaient Joukovski et Pouchkine, Gogol et Tourgueniev, Ostrovsky et Dostoïevski, Léon Tolstoï et Tchekhov. Yermolova a été la première artiste à être élue membre d'honneur - cela s'est produit l'année du vingt-cinquième anniversaire de son activité scénique, mais ses liens avec l'intelligentsia avancée de l'époque remontent au tout début du parcours créatif de l'actrice. Parmi ses amis se trouvaient des professeurs d'université, des membres de divers cercles de scène, certains des populistes, l'actrice était bien consciente des "besoins sociaux, de la pauvreté et de la pauvreté du peuple russe", des humeurs révolutionnaires de l'époque. Son travail reflète ces idées.

En 1876, Ermolova a reçu son premier spectacle-bénéfice. L'écrivain et traducteur S. Yuryev a fait pour elle une traduction de The Sheep Spring de Lope de Vega, et le 7 mars 1876, pour la première fois sur la scène russe, l'actrice a joué Laurencia, une fille espagnole qui a soulevé le peuple en révolte contre le tyran.

Le public a perçu cette image comme révolutionnaire. Ceux qui ont vu le spectacle ont écrit que Laurensia Yermolova avait fait une "impression profonde et étonnante". Dans le troisième acte, où retentit le monologue colérique et invitant de l'héroïne, "la joie du public a atteint l'enthousiasme", a écrit le professeur N. Storozhenko, qui a noté que le spectacle-bénéfice de Yermolova "était au plein sens du mot une fête de la jeunesse. ” La performance a gagné assez évident sens politique, son pathétique révolutionnaire ne pouvait que troubler les autorités. Déjà à la deuxième représentation, la salle était pleine de détectives, et après plusieurs représentations, la pièce a été retirée du répertoire et interdite de mise en scène pendant de nombreuses années.

Après Laurencia, Yermolova est devenue une favorite, une idole de la jeunesse, une sorte de sa bannière. Chacune de ses performances s'est transformée en triomphe. La salle était remplie du "public Yermolov" (comme Ostrovsky l'appelait dans son journal). Après la représentation, l'actrice attendait dans la rue une foule d'étudiants et d'étudiantes. Après l'une des performances, on lui a présenté une épée comme symbole de son art. À Voronezh, ils l'ont mise dans une voiture décorée de fleurs et l'ont conduite à l'hôtel aux flambeaux. Cet amour du public restera avec l'actrice pour toujours.

Une telle attitude obligeait à répondre aux espoirs que la jeune génération plaçait sur son favori. Et c'était difficile à égaler - le répertoire se composait principalement de vaudeville et de mélodrame. Néanmoins, sur dix à douze rôles joués par l'actrice à chaque saison, plusieurs sont tombés parmi ceux qui ont permis au talent de Yermolova de sonner pleinement. Elle a joué dans les pièces de Shakespeare - Hero ("Much Ado About Nothing"), Ophelia, Juliet, Lady Anna ("King Richard III"); et des pièces de Lope de Vega, Calderon, Molière. Dans "Urnels Acoustes", K. Gutskova a joué le rôle de Judith, dans "Faust" de Goethe - dans le rôle de Marguerite. Dans sa prestation-bénéfice en 1881, Yermolova a joué Gulnara dans la pièce de A. Gualtieri "Le Corse", qui à bien des égards a continué le thème de Laurencia. Dans les cercles officiels, la pièce s'appelait d'abord critique acerbe, et puis il était interdit non seulement de le jouer et de l'imprimer, mais aussi de le mentionner dans l'impression.

Un succès vraiment triomphal est tombé sur le sort de l'actrice dans les pièces de Schiller, qui était proche d'elle dans la pureté. pathétique tragique, noblesse des idées, haute intensité des passions. Depuis 1878, Yermolova rêvait de jouer La Pucelle d'Orléans dans la traduction de Joukovski, après avoir obtenu la suppression de l'interdiction de censure de la pièce. Mais elle n'a réussi à réaliser ce rêve qu'en 1884.

Yuzhin a rappelé avec quelle concentration Yermolova avait déjà dirigé les premières répétitions, avec quel détachement de tout ce qui se passait autour, immergé même pas dans le processus de création d'une image scénique, mais dans le processus de fusion interne, «d'identification complète» avec Joanna. Et pendant la représentation, son immersion dans les pensées de l'héroïne a littéralement fasciné le public, et ils ont cru en l'authenticité de ce destin choisi et tragique.

L'incarnation de l'esprit héroïque du peuple est devenue le thème principal de l'image. Au premier acte, lorsque Joanna, s'adressant au roi d'Angleterre et à ses sujets par l'intermédiaire d'un héraut, les appela «les fléaux de mon pays», la puissance avec laquelle l'actrice prononça ces mots fit rappeler à Yuzhin Salvini, avec qui il jouait Othello, et affirment que "le plus grand tragédien de notre temps n'a pas eu un seul moment égal à celui d'Ermolov dans cette phrase".

Dans la scène finale, lorsque Joanna en prison, les chaînes aux mains, a entendu les cris des ennemis qui s'approchaient, elle a soudainement brisé les chaînes et s'est précipitée là où les troupes françaises se battaient. Et un miracle s'est produit - avec Joanna en tête, ils ont gagné. Elle est morte au combat - pas sur le bûcher, comme nous le savons par la biographie de Jeanne d'Arc - elle est morte, après avoir accompli un autre exploit pour la gloire de sa patrie et apporté la libération à son peuple. La puissance de l'impulsion inspirante de Yermolova était si grande qu'à chaque représentation l'actrice faisait oublier à mille spectateurs les accessoires et croire à la vérité du miracle qui s'opérait sous leurs yeux.

Yermolova a joué La Pucelle d'Orléans pendant seize ans et a considéré jouer le rôle de Joanna "son seul mérite pour la société russe".

En février 1886, Yermolova a mis Mary Stuart de Schiller dans son spectacle-bénéfice et a créé un autre chef-d'œuvre de scène. Elizabeth dans la pièce a été jouée par Fedotova, c'est pourquoi la lutte entre les deux reines a pris une ampleur particulière. Le public a été particulièrement choqué par la scène de la rencontre du monologue de Mary et Elizabeth et Yermolova, à propos de laquelle Yuryev a écrit que "ce n'était même plus la" vérité de la scène ", mais la" vérité "- le sommet des hauteurs". Se condamnant à mort, coupant tous les chemins du salut, Maria Yermolova a triomphé ici comme une femme et une reine.

Quelle que soit l'actrice qui joue, sa performance combine toujours ce début éternellement féminin et rebelle - un énorme potentiel spirituel et un maximalisme moral, une haute dignité humaine, une rébellion courageuse et un sacrifice. Dans une de ses lettres à M. I. Tchaïkovski, Ermolova a écrit qu'elle aimait la vie, "tout ce qu'elle a de bon". Et elle savait voir ce "bon" dans chacune de ses héroïnes, ce n'est pas un hasard si on l'appelait l'avocate de ses rôles.

Yermolova était extrêmement attentive aux œuvres de ses contemporains et jouait même dans des pièces faibles si elle y trouvait une pensée ou une intonation vivante. Sans oublier des auteurs comme Ostrovsky, dans les pièces desquels elle a joué une vingtaine de rôles au cours de la vie du dramaturge. Le dramaturge lui-même a répété plusieurs rôles avec elle - Eulalia dans Slaves, Spring dans The Snow Maiden, Negin dans Talents et Admirers. Ostrovsky, non sans fierté, a écrit: "Je suis professeur pour Fedotova et Yermolova."

Parmi les nombreux rôles joués dans ses pièces, Katerina et Negina, Evlalia et Yulia Tugina («La dernière victime»), Vera Filippovna («Le cœur n'est pas une pierre») et Kruchinina («Coupable sans culpabilité») appartiennent au plus haut réalisations de la scène russe. Il y avait aussi des rôles que Yermolova a essayés, mais n'a pas pu jouer. Ainsi, elle a été forcée d'abandonner le rôle de Barabosheva dans la comédie "La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur", avouant franchement à Yuzhin: "Le rôle ne m'est donné d'aucun côté." C'est naturel. Ermolova n'était pas une artiste de tous les jours et des rôles tels que Barabosheva ne correspondaient pas à sa personnalité. Elle était plus proche d'un autre Ostrovsky - un chanteur difficile part féminine et chanteur de théâtre, Ostrovsky est poétique, lyrique, psychologiquement subtil. Là où Yermolova a trouvé une issue à la tragédie, comme à Katerina, l'occasion de révéler le drame intérieur ou de s'opposer au monde des aspirations nobles et désintéressées de ses frères provinciaux - acteurs de la "forêt" humaine philistine, elle n'a pas seulement réalisé le plus grand succès, mais a également contribué aux images d'Ostrovsky cette note passionnée et frémissante qui a transformé ses œuvres.

Inégalée dans l'histoire de la scène d'Ostrovsky, Yermolova a interprété le rôle de Negina dans "Talents and Admirers" - une jeune actrice provinciale, "une colombe blanche dans un troupeau noir de tours", comme le dit l'un des personnages de la pièce. . À Negina-Yermolova, il y avait une préoccupation absolue pour l'art, un détachement de tout ce qui est mesquin dans la vie quotidienne. Par conséquent, elle n'a pas immédiatement compris le véritable sens des propositions de Dulebov, les lamentations méticuleuses de la mère, les allusions de Smelskaya. Negina vivait dans son propre monde, le rationalisme sobre et le calcul lui étaient tout à fait inhabituels, elle ne savait pas résister à la vulgarité. En acceptant l'offre de Velikatov, avec son aide, elle a sauvé la chose la plus somnolente en elle-même - l'art. Yermolova elle-même était proche de la préoccupation de la créativité, du sentiment d'être choisie et de la capacité de se sacrifier au nom de l'art. Elle a chanté et affirmé cela à Negina.

Dans Wolves and Sheep, l'actrice a joué Kupavina, se transformant soudainement en une créature au cœur simple, peu sophistiquée et irréfléchie. Dans Les Esclaves, son Evlampia a dramatiquement vécu le drame de la déception du «héros», le drame du vide précoce.Dans Le dernier sacrifice, Yermolova a joué avec une grande force le premier amour de la vie de Yulia Tugina, le sacrifice au nom de l'amour et de la libération de l'esclavage de ses sentiments.

De retour sur scène en 1908, elle interprète le rôle de Kruchinina dans la pièce Coupable sans culpabilité. Elle n'a pas joué le premier acte, elle est apparue immédiatement dans le second, où le thème principal de Kruchinina a commencé - la tragédie de sa mère. Ce thème s'imposera plus tard dans son travail.

Le 2 mai 1920, l'anniversaire d'un demi-siècle de l'activité scénique de l'actrice a été célébré. À l'initiative de V. I. Lénine, un nouveau titre a été approuvé - Artiste du peuple, qui a été le premier à être reçu par Yermolova. C'était une reconnaissance non seulement de son talent, mais aussi intérêt public son art.

K. S. Stanislavsky, qui a appelé l'actrice " symphonie héroïque scène russe », a écrit Yermolova:« Votre influence ennoblissante est irrésistible. Il a élevé des générations. Et s'ils me demandaient où j'avais fait mes études, je répondrais : au Théâtre Maly, avec Yermolova et ses associés.

À la fin du XVIIIe siècle, la place sous l'actuel théâtre Maly à Teatralny proezd, 1 occupaient les rives de la rivière Neglinnaya, qui a finalement été comblée et enfermée dans un tuyau souterrain. La bande étroite a été construite avec des maisons privées qui appartenaient à trois propriétaires.

En 1818, lorsque le plan d'aménagement de la place du théâtre fut approuvé, un marchand de Serpukhov V.V. Vargin a acheté ces parcelles complètement.

En 1824 quand ensemble architectural La place du théâtre a été achevée, V.V. Vargin s'est vu proposer de louer la maison au trésor pour l'installation d'un théâtre. Le marchand a non seulement accepté, mais a également investi d'énormes sommes d'argent pour la reconstruction du bâtiment. Les travaux ont été réalisés directement sous la direction et la conception de l'architecte O.I. Beauvais.

Il est intéressant de savoir que V.V. Vargin, fournisseur de l'armée pendant la guerre avec Napoléon, visite Paris en 1814. Le Palais Royal et le théâtre qui s'y trouve ont plongé dans l'âme d'un marchand qui voulait créer quelque chose de similaire à Moscou.

V.V. Vargin a contribué de manière significative à la création de l'apparence de la place du théâtre, en étroite collaboration avec l'architecte Beauvais, bien qu'il ne soit pas l'auteur de ce projet grandiose.

De l'histoire du Théâtre Maly

Le 14 octobre 1824, la troupe impériale donne sa première représentation au Théâtre Maly. Ainsi, il a ouvert sa salle aux amateurs de théâtre trois mois plus tôt que le théâtre Bolchoï voisin.

Look moderne de l'ensemble du bâtiment est quelque peu différente de la structure d'origine, dans laquelle il n'y avait qu'un seul, le sud, un risalit dans lequel se trouvait l'entrée principale. Le bâtiment ressemblait plus à une maison privée qu'à une institution théâtrale.

En 1832, la direction des théâtres impériaux rachète le bâtiment à V.V. Vargin pour 158 mille roubles.

Et maintenant à propos de l'appel des temps et des vols en Russie !...

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Histoire du Théâtre Académique d'Etat Maly

Petit théâtre - le plus ancien théâtre Russie. Sa troupe a été créée à l'Université de Moscou en 1756, immédiatement après le célèbre décret de l'impératrice Elizaveta Petrovna, qui a marqué la naissance d'un théâtre professionnel dans notre pays : « Nous avons maintenant ordonné la création d'un théâtre russe pour présenter des comédies et des tragédies. ...” Le célèbre poète et dramaturge M.M. .Kheraskov a dirigé le Théâtre russe libre de l'université. Ses artistes étaient des élèves du gymnase universitaire.

Sur la base de l'université, le théâtre dramatique Petrovsky a été créé. Au cours de ces années, la troupe de théâtre a été reconstituée avec des acteurs de théâtres serfs. Mais le bâtiment a brûlé en 1805 et la troupe s'est retrouvée sans scène. Cependant, déjà l'année suivante, 1806, la direction des théâtres impériaux a été formée à Moscou. Les artistes de l'ancien Petrovsky y sont entrés au service. La nouvelle troupe du Théâtre impérial de Moscou s'est produite sur différentes scènes, jusqu'à ce que, finalement, la direction des Théâtres impériaux commence à mettre en œuvre l'idée de l'architecte Beauvais : la construction d'un centre théâtral à Moscou.

Ainsi, «l'ancêtre» du théâtre Maly était le théâtre de l'Université de Moscou. Mais pas à cause de cela, Maly s'appelait la «deuxième université», mais à cause de l'influence qu'elle avait sur la culture russe, sur les esprits, sur l'humeur de la société. Le Théâtre Maly a été l'un des centres les plus importants de la vie spirituelle de la Russie depuis sa fondation.

En 1824, Beauvais reconstruisit le manoir du marchand Vargin pour le théâtre, et la partie dramatique de la troupe moscovite du Théâtre impérial reçut son propre bâtiment sur la place Petrovskaya (aujourd'hui Teatralnaya) et son propre nom - le Théâtre Maly.

«Moskovskie Vedomosti» a publié une annonce concernant la première représentation au Maly: «La direction du théâtre impérial de Moscou annonce par ce biais que mardi prochain, le 14 octobre de cette année, une représentation sera donnée au nouveau théâtre Maly, dans la maison de Vargin , sur la place Petrovsky, pour l'ouvrir.th, à savoir: une nouvelle ouverture compositions. A.N. Verstovsky, plus tard pour la deuxième fois : Lily Narbonskaya, ou le vœu du chevalier, un nouveau ballet-spectacle dramatique chevaleresque... »

Au début, le mot "petit" n'était même pas en majuscule - après tout, cela s'explique simplement par la taille du bâtiment, qui était petite par rapport au théâtre Bolchoï voisin, destiné aux spectacles de ballet et d'opéra. Mais bientôt les mots "Big" et "Small" sont devenus des noms propres, et maintenant ils sont entendus en russe dans tous les pays du monde. Jusqu'en 1824, les troupes de ballet-opéra et de théâtre du Théâtre impérial de Moscou constituaient un tout : un même artiste pouvait participer à des spectacles de toutes sortes. Pendant longtemps, les théâtres étaient reliés même par un passage souterrain. L'interpénétration des genres se poursuit également.

Même pendant la vie d'A.S. Pouchkine, Maly a créé des versions scéniques de trois œuvres du poète: «Ruslan et Lyudmila» (1825), «La fontaine de Bakhchisarai» (1827) et «Gypsy» (1832). De la dramaturgie étrangère, le théâtre a privilégié les œuvres de Shakespeare et de Schiller. Cependant, à côté des pièces sérieuses, il y avait aussi un répertoire « léger » au Théâtre Maly : mélodrames et vaudevilles. Un événement important dans la vie de Maly a été la mise en scène de la comédie Woe from Wit d'AS Griboïedov. En 1830, la censure n'autorisa que certaines scènes de la pièce à être présentées, et en 1831, le théâtre théâtral de Moscou vit la pièce dans son intégralité pour la première fois. Deux grands maîtres de la scène moscovite ont participé à la représentation - Shchepkin dans le rôle de Famusov et Mochalov dans le rôle de Chatsky. Une étape tout aussi importante dans vie créative Le théâtre Maly a mis en scène des pièces de N.V. Gogol. Moi même grand écrivain, espérant une lecture précise de sa pièce "L'inspecteur général" au théâtre Maly, a écrit une lettre à M.S. Shchepkin, où il lui a donné des conseils pour la mise en scène. Le théâtre a également créé une mise en scène de "Dead Souls", puis mis en scène "Marriage" et "Players" de N.V. Gogol, et "Players" a vu le jour pour la première fois. I.S. Tourgueniev a beaucoup apprécié l'art du théâtre Maly. Surtout pour Maly et son coryphée - M.S. Shchepkin - il a créé ses pièces "The Bachelor" et "The Freeloader". La célèbre comédie "Krechinsky's Wedding" de A.V. Sukhovo-Kobylin a été présentée pour la première fois sur scène au théâtre Maly.

Le célèbre écrivain I.A. Goncharov, s'adressant à A. Ostrovsky, a écrit: «Ce n'est qu'après vous que nous, les Russes, pouvons fièrement dire:« Nous avons notre propre théâtre national russe. En toute justice, il devrait s'appeler "Théâtre d'Ostrovsky". Aujourd'hui, Ostrovsky et le théâtre Maly sont des noms inséparables l'un de l'autre. Le grand dramaturge a écrit 48 pièces, et toutes ont été mises en scène dans le Maly. Ostrovsky a créé des pièces spécialement pour Maly et les a toujours lues aux acteurs lui-même. De plus, il organisait des répétitions avec les acteurs, déterminant l'interprétation et la nature de la représentation des pièces. De nombreuses œuvres ont été écrites par Ostrovsky pour des spectacles-bénéfices, à la demande de l'un ou l'autre acteur du Théâtre Maly.

Même pendant la vie du dramaturge, Maly a commencé à s'appeler la "Maison d'Ostrovsky". Le monument au grand dramaturge est installé à l'entrée du théâtre. Et quels que soient les changements qui se produisent dans le théâtre et dans la société, les pièces d'Ostrovsky ont conservé et conservent leur position de leader dans le Maly. Il y a un siècle et demi, une alliance a été conclue, indissoluble à ce jour : Ostrovsky a fondé son propre théâtre, le Théâtre Maly - son dramaturge.

Au tournant des XIXe et XXe siècles, la base du répertoire du Théâtre Maly continuait d'être les œuvres de classiques russes et étrangers. Dans le même temps, l'intérêt du public pour l'art du théâtre Maly est resté exceptionnellement élevé - par exemple, la pièce «La Pucelle d'Orléans» de F. Schiller avec la grande Yermolova en rôle principal est monté sur scène pendant 18 ans, et 9 ans après la première, il a été transféré sur la scène du Théâtre Bolchoï, car le Maly n'accueillait pas tous ceux qui voulaient le voir. Il arrivait aussi qu'au contraire, des spectacles d'opéra et de ballet aient été mis en scène dans le Maly. C'est ici, à la demande de P.I. Tchaïkovski, qu'a eu lieu la première de l'opéra "Eugene Onegin".

La génération actuelle d'artistes et de directeurs du Théâtre Maly se distingue par son adhésion à ses riches traditions et s'appuie sur l'expérience de ses prédécesseurs. Aujourd'hui, comme toujours, le répertoire du théâtre est basé sur des pièces de A.N. Ostrovsky: "Wolves and Sheep", "Il n'y avait pas de sou, mais soudain Altyn", "Forest", "Mad Money", "Labor Bread", "Own People - comptons!" Autrefois, le théâtre ne pouvait pas trouver un langage commun avec A.P. Chekhov - pendant la vie de l'écrivain, seuls ses drôles de vaudevilles sont apparus sur la scène du théâtre Maly. Cependant, aujourd'hui, les représentations basées sur les grandes pièces de Tchekhov occupent une place importante dans la vie du théâtre : "La Cerisaie", "Oncle Vania", "La Mouette". Une sorte de «carte de visite» du Théâtre Maly était la trilogie dramatique d'A.K. Tolstoï, racontant l'histoire de l'État russe: «Tsar Jean le Terrible», «Tsar Fyodor Ioannovich», «Tsar Boris». Dans les performances d'A.K. Tolstoï sonne la musique de G.V. Sviridov, que le grand compositeur a écrite spécifiquement pour le théâtre Maly. Le théâtre ne prive pas son attention du théâtre et des classiques étrangers - dans son répertoire, il y a des pièces de F. Schiller, A. Strindberg, E. Skrib.

Le théâtre est dirigé par le directeur artistique - Artiste du peuple de l'URSS Yu.M. Solomin - et PDG- Artiste du peuple de l'URSS V.I.Korshunov. La troupe de théâtre compte de nombreux artistes célèbres, aimés du peuple - Artiste du peuple de l'URSS E.V. Samoilov, Artiste du peuple URSS E.A. Bystritskaya, Les artistes du peuple Russie T.P. Pankova, A.I. Kochetkov, I.V. Muravieva, A.Ya.Mikhailov, Yu.I. Kayurov, V.P. Pavlov, E.E. continuent. La troupe du théâtre compte plus de 100 personnes et le nombre total de travailleurs du théâtre est supérieur à 700. Le Maly - le seul de tous les théâtres dramatiques du pays - a conservé sa composition vocale et dramatique, son chœur et sa petite symphonie orchestre. L'orchestre est composé de musiciens du plus haut niveau professionnel, lauréats de concours internationaux.

En octobre 1995, une succursale du théâtre Maly a été ouverte après des réparations dans la rue Bolshaya Ordynka. Si seuls des classiques sont présentés sur la scène principale du Maly Theatre, la branche est censée être une plate-forme expérimentale où les classiques coexisteront avec de nouveaux pour l'équipe la plus ancienne formes - par exemple, une comédie musicale de A. Kolker basée sur la pièce de A.V. Sukhovo-Kobylin "Krechinsky's Wedding" y a récemment été mise en scène.

La vie créative du théâtre est extrêmement active et fructueuse. À chaque saison, Maly sort 4 à 5 nouvelles performances et supprime certains des anciens titres de son répertoire. La géographie des tournées du théâtre est également vaste - ces dernières années, il a visité l'Allemagne, la France, le Japon, Israël, la Grèce, Chypre, la Pologne, la République tchèque, la Slovaquie, la Hongrie, la Bulgarie, la Mongolie, la Corée du Sud et d'autres pays. Le Théâtre Maly en est l'initiateur et organise régulièrement le Festival panrusse Ostrovsky dans la Maison Ostrovsky. Ce festival remplit une noble mission de soutien à la province théâtrale russe, toujours riche en talents. Des théâtres de différentes villes et régions de Russie présentent leurs productions basées sur les pièces du grand dramaturge sur la scène du Théâtre Maly. Récemment, un autre forum théâtral est né - le Festival international des théâtres nationaux. L'idée de le tenir à nouveau appartenait à Maly. Dans le cadre de ce festival, des théâtres du monde entier présentent leurs représentations traditionnelles créées dans le respect de l'art national sur la plus ancienne scène dramatique de Moscou.

Par décret du président de la Russie, le théâtre Maly a reçu le statut de trésor national. Maly a été inclus dans la liste des objets culturels particulièrement précieux du pays, avec le théâtre Bolchoï, la galerie Tretiakov, l'Ermitage.