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L'étude a été soutenue par la Fondation russe des sciences humanitaires (RGNF, subvention 11-04-15069z).

CDU 82-21

Zakharov N.V. Productions de Hamlet sur la scène post-soviétique

annotation◊ L'article traite du rôle particulier du "Hamlet" de Shakespeare dans la culture russe. Les performances d'Hamlet en Russie dans les années 1990-2000 (P. Stein, Yu. Butusov, A. Titel, V. Fokin, V. Poplavsky) sont analysées.

Mots clés Mots-clés : Shakespeare, « Hamlet », culture russe, productions post-soviétiques.

Hamlet de Shakespeare a toujours joué un rôle particulier dans la culture russe. À partir du milieu du XVIIIe siècle, la tragédie de Shakespeare a trouvé une réponse particulière de la part des écrivains, puis des lecteurs et du public de théâtre. En jouant "Hamlet", chaque nouvelle génération est mise à l'épreuve par les questions maudites qu'elles posent dans leurs monologues. le protagoniste. Dans l'ensemble, l'histoire des productions post-soviétiques de tragédies shakespeariennes, y compris les productions de Hamlet, "est l'histoire des tentatives de transformer la tragédie en une farce tragique ironique". Bien entendu, la plupart des Hameaux des années 1990-2000 peuvent être considérés comme tels.

Le 10 octobre 1998, la première de "Hamlet" a eu lieu dans une mise en scène du célèbre metteur en scène allemand Peter Stein avec des acteurs russes (Hamlet - Yevgeny Mironov, Claudius - Alexander Feklistov, Gertrude - Irina Kupchenko, Polonius - Mikhail Filippov, Horatio - Alexei Zuev, Ophélie - Elena Zakharova). Cinq traductions de la pièce de Shakespeare ont été utilisées dans la performance de Stein, et une telle approche de compilation deviendra un signe certain pour la scène post-soviétique. La scène de la performance est transférée sur le ring de boxe. Hamlet entre simultanément dans un match de boxe avec le monde extérieur et lui-même. Comme il se doit dans une performance postmoderne, il y avait quelques allusions d'actualité. Mais étaient-ils si nécessaires à une meilleure compréhension du jeu éternel ? Une douzaine d'années plus tard, des trouvailles apparemment réussies sont perçues comme des sortes d'atavismes fictifs : Hamlet en couronne de bouffon, jouant du saxophone, Fortinbras en casque, camouflé et avec une mitrailleuse, etc. Premier acteur âgé "honoré" (V. Etush) avec du maquillage, vêtu d'une tenue de femme, et complètement humainement désolé.

Le spectacle a été très bien accueilli tant par le public que par les critiques de théâtre. Certains l'ont appelé très russe "avec nos éternelles" damnées "questions, avec d'éternels" garçons russes "", d'autres - "très allemand": "Même en colère, personne ne se permet d'être fou." Une chose est sûre, grâce à la capacité magistrale de transformation, l'interprétation du rôle de Hamlet a approuvé Yevgeny Mironov dans le statut d'acteur de théâtre de premier plan de sa génération.

Fin 2005, le réalisateur Y. Butusov, pour la première fois depuis de nombreuses années, a repris Hamlet au Moscow Théâtre d'art eux. A.P. Tchekhov. La performance a reçu une réponse mitigée du public et des critiques. Yu. Butusov a utilisé la première version de la traduction de Boris Pasternak, réalisée à la fin des années 30 sur ordre de Vs. Meyerhold. Dans la performance, Butusov a invité des acteurs talentueux qui se sont fait connaître en tant qu'interprètes de rôles dans des séries policières: Hamlet - Mikhail Trukhin ("Cops"), Claudius - Konstantin Khabensky ("Deadly Force"), Polonius - Mikhail Porechenkov ("Agent de la sécurité nationale" ). À la surprise de beaucoup, Butusov a retiré de la pièce Horatio, l'ami et camarade de classe de Hamlet à l'Université de Wittenberg. Dans la pièce, Horatio n'a pas tant de fonctions, mais c'est lui qui informe Hamlet de l'apparition d'un fantôme sur les murs d'Elseneur, il est chargé de s'occuper de la folle Ophélie (après laquelle elle se noie !), du prince meurt dans ses bras, il est chargé de transférer le pouvoir entre les mains de Fortinbras et de dire au monde la vérité sur ce qui s'est passé. De plus, c'est à lui qu'Hamlet adresse la phrase devenue un aphorisme dans la culture russe : « Il y a bien des choses dans le monde, ami Horatio, dont nos sages n'ont jamais rêvé » (traduit par N. Polevoy).

Dans son interprétation d'Hamlet, Butusov s'est passé de mettre en scène et de discuter des secrets et des mystères bien connus de la pièce, il trouve une explication simple à tout, sans recourir à l'ironie cynique sur l'œuvre classique. Sa performance a une structure discontinue, comprend beaucoup de sujets que, sans révéler, le réalisateur jette à mi-parcours. L'ironique Hamlet dans la version de Butusov se moque de la mort et de l'autre monde. Il bavarde à l'aise près du bateau devant le feu avec son vieux père, tandis que le prince shakespearien est engourdi d'horreur devant le Fantôme infernal. C'est une douce conversation entre père et fils, pas un dialogue avec la mort dans une atmosphère d'horreur sacrée. "Hamlet" de Shakespeare est construit sur une tentative de connaître le secret de la mort, "un sentiment de fragilité d'être avec son monde souterrain et avec le ciel". "Hamlet" de Butusov peut facilement se passer de tout cela. De la même manière, l'acteur Mikhail Trukhin, qui joue le rôle de Hamlet "avec un désespoir moqueur", crie: "Plus loin - silence". "La signification de son dernier cri : plus loin - le vide". Néanmoins, Butusov a réussi à proposer de nombreux détails intéressants et des situations amusantes, la plupart des téléspectateurs et des critiques étaient satisfaits de la performance spectaculaire et du jeu d'acteurs familiers.

La paraphrase lyrique de la tragédie de Shakespeare "Hamlet (danois) (russe) comédie" est réalisée de manière postmoderne. Le livret est basé sur une pièce parodique basée sur les motifs de Shakespeare par le dramaturge d'Ekaterinbourg A. Zastyrts « Hamlet. Comédie excentrique en cinq actes, la musique a été écrite par le compositeur de l'Oural V. Kobekin, la représentation a été dirigée par A. Titel au Musical Theatre. K.S. Stanislavsky et Vl. I. Nemirovitch-Danchenko (2008). Dans l'opéra, il n'y a presque pas d'allusions politiques d'actualité familières aux interprétations modernes de Shakespeare (à l'exception de la démonstration d'opposition commandée et payée par Laertes), l'absurdité règne sur la scène, un mélange de discours poétique, d'iambiques pompeux et d'invectives abstinentes. Et que peut-on attendre d'autre des réalisateurs qui ne se fixent pas la tâche hamletienne de « fixer la paupière disloquée », de « rétablir la connexion des temps », de déplacer l'accent de l'éternel « Être ou être ? » d'Hamlet. à une autre question : « Avoir ou être ? ». L'espace scénique du spectacle se transforme en cirque, où « le monde entier est un asile de fous, et le Danemark est une toilette dans un asile de fous » ! La question de savoir ce qu'est une «maison de fous» dans l'espace post-soviétique et où se trouvent les «toilettes» en elle devient une question rhétorique.

La première de "Hamlet" mis en scène par Valery Fokin (Théâtre Alexandrinsky - Théâtre dramatique académique d'État russe nommé d'après A. S. Pouchkine à Saint-Pétersbourg) a eu lieu en avril 2010. La performance est clairement hors du jeu postmoderne "hiérocomique", elle est d'actualité et politique. Dans la scénographie grotesque d'Alexandre Borovsky, la population du Danemark est composée de fans de football, l'action se déroule dans la structure complexe des tribunes d'un stade de football ; les allusions politiques sont pertinentes (une inauguration solennelle avec un salut et une liesse de la foule, des gardes en tenue de camouflage avec des chiens, une fosse où l'on jette des cadavres, une répétition avec des acteurs dans laquelle Hamlet donne une leçon de récitation à la manière de réciter de la poésie par Joseph Brodsky). Ils correspondent aux interprétations d'autres rôles de la pièce : le studieux errant Horatio, l'énergique athlète Laertes, le favori du public, le henpecped henpeced de la méchante Gertrude Claudius.

Dans la production de Fokine, c'est la reine qui inspire et organise le meurtre du père d'Hamlet. L'image de la monumentale Gertrude devient la clé de cette performance. Elle méprise les hommes et cache avec dégoût son roi-époux nouvellement créé sous sa jupe à son dangereux fils-prince, qu'elle à son tour essuie son nez avec dégoût; réalisant l'étendue de sa chute, elle renverse courageusement le bol de poison. Le super nerveux Hamlet de Dmitry Lysenkov est excité à la limite, hystérique, geignard. Soit il se précipite autour de la scène et de la salle, soit au contraire, il est apathique et dépressif. Non seulement il tue Polonius dans un violent accès de rage, mais il étripe littéralement le corps du vieil homme avec un couteau de cuisine et traîne furieusement son cadavre (poupée) autour de la scène.

Privé d'espoir, Hamlet maladif se révolte puérilement contre le principe autoritaire, il joue désespérément son spectacle permanent, plein d'amertume et de folie. Fokin a essayé de tracer les traits des Hamlets modernes avec leur désir effréné de vérité, le rejet des mensonges des pères, la réticence à poursuivre leur chemin. On a l'impression que Fokine sympathise avec eux, assumant la responsabilité parentale du fait que ces méchants garçons soient devenus comme ça. La performance de Fokine a donné une analyse impitoyable de l'état actuel de la société russe, a donné un portrait difficile de la jeunesse d'aujourd'hui, ou comme A.V. Bartoshevich l'a dit avec précision à ce sujet : « C'est le Hamlet de notre époque non-hamléenne. Le Hamlet que nous méritons. Le plus désespéré de tous."

L'adaptation dramatique de la pièce de Shakespeare par V. Levanov, qui a utilisé les traductions de N. A. Polevoy, M. M. Morozov, B. L. Pasternak, M. L. Lozinsky, donne au texte un sens non académique radical. L'adaptateur est loin de texte original, à la suite de quoi la tragi-comédie postmoderne de Fokine acquiert quelque part une nuance d'absurdité grotesque. Mais ce qui est impossible dans le texte classique ("l'Ophélie la plus sexy") fonctionne dans la pièce sur nos temps difficiles.

À la fin de la représentation, un adolescent bien peigné, propre, mais complètement indifférent, apparaît sur scène, qui remplacera le Hamlet frénétique et déchaîné. Le nouveau dirigeant ne sympathise pas avec les morts, ne pleure pas celui dont il a hérité du pouvoir, mais ordonne sèchement d'enlever les cadavres. Des militants obéissants exécutent sans délai l'ordre du nouveau propriétaire et les cadavres sont envoyés à la fosse. La modernisation du royaume danois a commencé.

"Hamlet" de Valery Fokin a largement brisé l'idée traditionnelle de la mise en scène des performances de Shakespeare, ce qui a provoqué une furieuse polémique sur l'incohérence de la production avec le texte de Shakespeare et les allusions à sujets communs contemporain politique russe. Il semble que "Hamlet" d'Alexandrinsky ait relancé le théâtre politique en Russie en 2010 : ""Hamlet" a de nouveau rempli sa mission habituelle - du moins pour la Russie - : être le miroir d'un moment historique, un instrument de connaissance de soi du destin national" . Et le chercheur y voit un intérêt pour le renouveau du théâtre politique en Russie. Cette conclusion est difficilement contestable, le Hameau post-soviétique hérite des traditions qui ont existé en Russie depuis son premier remake en 1748 par Alexandre Sumarokov.

Les tendances énumérées ci-dessus des productions modernes d'Hamlet concernaient généralement les représentations de troupes de théâtre bien connues, avec un soutien financier sérieux de l'État, des sponsors et des sources d'information. Pendant ce temps, il nous semble que des expériences non moins intéressantes, et souvent même des expériences plus audacieuses de productions shakespeariennes, se déroulent sur la scène souterraine des théâtres amateurs et semi-professionnels.

La production de V. Poplavsky a impliqué les artistes du studio de théâtre "Horizon" de la Maison des professeurs de la ville de Moscou V. Novikov, T. Andreeva, A. Kichik, K Muradyan, N. Takadzhan, I. Nagle, M. Dodzin. Ils « ont émerveillé tout le monde par leur incroyable capacité à prononcer un texte ancien, clairement conçu pour une récitation pathétique de haut vol, si naturellement, simplement et de manière pénétrante que le public a complètement perdu le sentiment de l'archaïsme de l'œuvre de Viskovatov. Au contraire, la beauté étonnante et frémissante de vie de ces vieux mots a été révélée. De plus, Poplavsky, qui a toujours un sens aigu de la théâtralité de toute œuvre littéraire, a exactement trouvé la scénographie de sa performance - graphiquement sobre, claire, comme si elle animait une page de livre.

De telles expériences archaïques, premières tentatives de réception de Shakespeare sur la scène russe sont assez rares. Il y a quelques années, les étudiants d'un lycée russe ont mis en scène une refonte d'Hamlet (1748) d'Alexander Sumarokov. Pendant ce temps, de telles expériences dramatiques à petit budget ont un potentiel très important et significatif. Ils offrent une occasion authentique de reproduire époque historique, alors que Shakespeare n'était pas encore devenu l'idole culturelle du théâtre et des lecteurs russes, ce qu'il est certainement aujourd'hui, était une innovation et ne correspondait pas toujours à l'original. De telles productions permettent au spectateur de ressentir le processus évolutif que la tragédie "Hamlet" a traversé dans la perception culturelle et esthétique russe.

En général, on peut conclure que les productions post-soviétiques de Hamlet n'ont pas dépassé les performances des années précédentes: le théâtre Maly (traduit par N. A. Polevoy, P. S. Mochalov dans le rôle-titre) et le théâtre Alexandrinsky (Hamlet - V. A. Karatygin ) ( les deux représentations en 1837); Théâtre d'art de Moscou (1911, traduit par A. I. Kroneberg, metteur en scène et directeur artistique E. G. Krag, dirigé par K. S. Stanislavsky et L. A. Sulerzhitsky, Hamlet - V. I. Kachalov); Théâtre Vakhtangov (1932, directeur et directeur artistique N. P. Akimov, Hamlet - A. I. Goryunov); Théâtre de Leningrad sous les bras. S. E. Radlova (1938, artiste V. V. Dmitriev, compositeur S. S. Prokofiev; Hamlet - D. M. Dudnikov, B. A. Smirnov); Leningradsky théâtre académique les dramatiser. A. S. Pouchkine (1954, dir. G. M. Kozintsev, directeur artistique N. I. Altman, directeur D. D. Chostakovitch, Hamlet - B. A. Freindlich), Théâtre académique de Moscou. Vl. Mayakovsky (1954, réalisé par N. P. Okhlopkov, traduit par M. L. Lozinsky, directeur artistique V. F. Ryndin, conception musicale - fragments de l'œuvre de P. I. Tchaïkovski, Hamlet - E. V. Samoilov, plus tard M. M. Kozakov, E. E. Martsevich) et le Théâtre Taganka (1971, dir . Yu. P. Lyubimov, par. B. L. Pasternak, art. D. L. Borovsky; Hamlet - V. S. Vysotsky) et d'autres. Néanmoins, même malgré le diagnostic du célèbre historien du théâtre A. V. Bartoshevich («notre temps, du moins en Russie, n'est pas pour cette pièce »), « Hamlet » continue de susciter invariablement l'intérêt du public russe, les metteurs en scène continuent de la mettre en scène, et tout acteur qui se respecte rêve de jouer le Prince de Danemark sur scène ou au cinéma. Le temps, les goûts publics, les réformes économiques et la conjoncture politique n'ont aucun pouvoir sur ce jeu éternel.

Bibliographe. la description: Zakharov N.V. Représentations de "Hamlet" sur la scène post-soviétique [Ressource électronique] // Portail d'information humanitaire "Connaissance. Entente. Compétence". 2011. N° 4 (juillet - août). URL : [archivé sur WebCite] (Accédé : jj.mm.aaaa).

date de réception: 15.07.2011.

Depuis plus de trois siècles et demi, Hamlet est sur scène. C'est la pièce la plus répertoire du théâtre mondial. Le premier interprète du rôle-titre était l'ami et collaborateur constant de Shakespeare au théâtre - Richard Burbage. Après lui, presque tous les acteurs exceptionnels d'Europe et d'Amérique ont joué ce rôle. Les annales du théâtre de chaque pays contiennent les noms d'interprètes célèbres du rôle du prince danois. La mise en scène d'une tragédie est presque toujours un événement dans la vie théâtrale.

L'interprétation scénique d'Hamlet a changé avec le développement du théâtre. L'histoire des productions tragiques est l'histoire de tous les styles et manières de scène qui ont surgi au cours du développement séculaire du théâtre mondial. Cependant, si instructif que soit un rappel de l'histoire scénique de la tragédie, nous ne pouvons pas en traiter ici. Notre tâche est plus modeste - nous nous limiterons aux questions les plus pertinentes pour le théâtre soviétique moderne.

Comment rapprocher la tragédie du spectateur de notre temps ? C'est une question qui a été dans l'esprit de nombreux réalisateurs, et parmi les solutions proposées, l'une était de déplacer l'action à un moment plus proche de nous. Le théâtre anglais moderne connaît plusieurs expériences de ce type, dont la production de Tyrone Guthrie au Old Vic Theatre de Londres en 1938 est particulièrement célèbre, lorsque la tragédie a été jouée en costumes modernes sur fond d'intérieur moderne. Le rôle de Hamlet a été joué par Alec Guinness.

"Hamlet" en costumes modernes semble à beaucoup n'être qu'un blasphème de Sa Grande Tragédie. En attendant, une expérience de ce genre n'est pas sans justification. Elle consiste dans le fait que la tragédie shakespearienne elle-même ne contient pas d'indications claires et inconditionnelles du moment de l'action. Son intrigue remonte au début du Moyen Âge, mais dans l'arrangement de Shakespeare, on retrouve de nombreux signes de la Renaissance, et parmi eux le fait qu'Hamlet, Horatio, Rosencrantz et Guildenstern soient quatre personnages est particulièrement important ! - A étudié à l'Université de Wittenberg.

Sur la scène du théâtre de Shakespeare, "Hamlet" était vêtu de costumes modernes, ni de coloration historique ni nationale, le théâtre de cette époque ne le savait presque pas. Aux XVIIe et XVIIIe siècles, la tragédie se jouait respectivement dans les costumes de leur époque. Des gravures anciennes nous ont conservé l'apparence de Betterton dans le rôle d'Hamlet - il était en perruque à boucles et en long caftan. Garrick jouait Hamlet en perruque natte nouée d'un ruban, dans un large caftan déboutonné, sous lequel on pouvait voir un long gilet, un pantalon jusqu'aux genoux, des bas noirs et des chaussures à boucles. Seuls les acteurs de l'époque romantique ont introduit au début du XIXe siècle une sorte de costume historique.

Ainsi, pour le public des XVIIe-XVIIIe siècles, il n'y avait pas une telle distance des personnages par rapport au présent qui se produit lorsque la représentation est conçue dans une couleur historique plus ou moins fidèlement reproduite. Mais il serait faux de croire que la modernité de la production s'accomplissait à l'époque par le truchement du costume et du décor. Shakespeare a ensuite été rapproché du spectateur d'une manière différente - en retravaillant et en ajustant le texte dans un esprit qui correspondait aux concepts de l'époque.

Le théâtre moderne connaît non seulement des cas de mise en scène d'une tragédie avec Hamlet en veste et pull, mais aussi des altérations du texte, qui avaient pour but de "moderniser" le contenu même de la pièce, comme ce fut le cas dans notre production de " Hamlet", interprété par N. Akimov au théâtre du nom d'Evg. Vakhtangov.

L'expérience montre cependant que cette façon de moderniser Shakespeare ne se justifie pas. Il ne rapproche pas, mais éloigne de nous la fameuse tragédie. Se référer à l'expérience des XVIIe-XVIIIe siècles est désormais illégal, car le spectateur moderne a un sens de l'historicisme, que le public de théâtre n'avait pas avant le XIXe siècle. Par conséquent, en regardant Hamlet en costumes modernes, le public est distrait du contenu de la tragédie, son attention est excessivement concentrée sur la conception extérieure de la performance et il a tout le temps l'impression que le costume est étranger aux images. Ils doivent s'habituer à l'apparence des personnages, alors que tout costume historique ou pseudo-historique dans la production d'une tragédie ne surprend pas et ne retient pas l'attention plus que nécessaire.

Habiller les personnages de "Hamlet" en costumes modernes ne se justifie pas d'un autre point de vue. Il réduit la tragédie au niveau du quotidien, même s'il s'agit d'un drame de palais. En attendant, il n'est guère besoin de prouver que la coloration Renaissance (voire médiévale) est plus conforme à l'esprit de l'action, aux passions et aux actions des héros. Tout spectateur moderne instruit comprend que la tragédie d'Hamlet dépasse le cadre du drame quotidien et s'associe à l'originalité de la Renaissance. Vêtu d'un costume moderne. Hamlet perd le titanisme qui lui est inhérent. Ce faisant, il ne devient nullement plus, mais moins d'un caractère universel.

Les images des héros titanesques de Shakespeare - dont l'un des premiers Hamlet - ont acquis pour nous le sens de mythes. Tout comme dans les temps anciens les images de dieux et de héros mythiques ont acquis une signification profondément généralisée pendant de nombreuses générations, les personnages de Shakespeare sont devenus pour nous une sorte de figures mythiques. Ils se distinguent des mythes antiques par l'absence d'auréole religieuse. Mais ils ont à nos yeux l'auréole de figures symboliques incarnant les manifestations les plus essentielles du caractère humain.

Hamlet est un grand mythe sur la souffrance de l'esprit humain, languissant sous l'emprise du mal. Peu importe à quel point ils essaient de changer le personnage du héros avec des interprétations inattendues, ils ne prendront jamais racine. Bien que la vision d'Hamlet en tant que personne à la volonté faible soit erronée, il y a encore mille fois plus de vérité en lui que chez le grand homme vif et sournois, qui a été joué dans la production d'Akimov par B. Goryunov. Personne ne croyait en lui, et non pas parce que l'acteur jouait de manière peu convaincante, mais parce qu'il ne jouait pas Hamlet, mais quelqu'un de complètement différent.

Cela ne signifie pas qu'il n'y a qu'un seul hameau. Comme toutes les images mythiques, elle peut être différente dans une certaine mesure. L'interprétation de l'image créée par Shakespeare permet des variations, mais dans certaines limites. Il est impossible d'ôter à Hamlet sa mélancolie, son penchant pour la réflexion, son honnête indignation contre le mal, sa recherche passionnée de la vérité, son indécision, son hésitation et, en même temps, son courage. Mais les proportions, les corrélations entre les traits individuels de sa personnalité peuvent être différentes. L'histoire scénique de l'image d'Hamlet nous révèle la variété des accents permis dans les limites de la tragédie créée par Shakespeare. Dans l'interprétation de Mochalov, Belinsky a été choqué par l'intolérance passionnée d'Hamlet pour le mal. Karatygin a souligné la rationalité du héros. Kachalov a montré le penseur. Mikhaïl Tchekhov exprime la confusion d'Hamlet et son impuissance face à l'avalanche de mal qui s'abat sur lui.

Quelles nouveautés le théâtre soviétique a-t-il apportées à l'interprétation de l'image du héros ? Ici, tout d'abord, nous devons revenir une fois de plus au Hamlet-Goryounov d'Akimov. Ce n'était certainement pas Hamlet de Shakespeare. Mais malgré tout son arbitraire, l'interprétation de N. Akimov sous une forme grossière, et je dirais même vulgaire, exprimait le désir de souligner le principe actif et volontaire du héros. Cette tendance est caractéristique de beaucoup, sinon de toutes, de nos interprétations de l'image. Les maîtres soviétiques de la scène, comme le public, regardent la tragédie d'Hamlet du haut de l'expérience historique du peuple qui a fait la plus grande des révolutions. Ils replacent la tragédie du héros dans la perspective de tout développement historique, et alors il devient évident que les tourments et les recherches d'Hamlet n'ont pas été vains. D'où la pénétration dans nos interprétations de la tragédie shakespearienne de ce qu'on peut appeler l'optimisme historique. Hamlet perd cette patine de pessimisme sans espoir, de scepticisme corrosif qui caractérisait cette image dans l'interprétation d'un certain nombre d'acteurs marquants de l'époque bourgeoise.

Ces nouveaux Hamlets, dépourvus de pessimisme, humanistes qui croyaient en l'avenir, étaient Dudnikov (Théâtre de Léningrad sous la direction de S. Radlov, 1938), A. Polyakov (Voronezh, mis en scène par V. Bebutov, 19 "), V. Vagarshyan (Erevan, 19" ), P. Molchanov (Vitebsk, mise en scène V. Bebutov, 1946). Ils pleuraient l'humanité, luttaient seuls, avec la certitude que la vérité et la bonté prévaudraient un jour et inspireraient tous les peuples à se battre pour un avenir meilleur.

Puis "Hamlet" a pendant un certain temps abandonné le répertoire de nos théâtres. À partir de 1954, une vague de nouvelles productions de la tragédie traverse les théâtres du pays. Les plus importantes d'entre elles étaient les représentations du théâtre dramatique Pouchkine Leningrad (dirigé par G. Kozintsev, Hamlet - B. Freindlich), du théâtre dramatique Mayakovsky de Moscou (dirigé par N. Okhlopkov, Hamlet - E. Samoilov), le théâtre nommé après Evg. Vakhtangov (réalisateur B. Zakhava, Hamlet - M. Astangov).

Tout d'abord, il faut dire à propos de ces productions qu'elles ne sont pas tant associées aux interprètes du rôle principal, mais aux réalisateurs. Ce n'était pas nouveau, car après Kachalov et Tchekhov, il n'y avait pas un seul interprète aussi grand du rôle d'Hamlet sur notre scène. Rendant hommage au talent des interprètes ultérieurs, il faut reconnaître que les metteurs en scène ont déjà joué un rôle décisif dans les productions d'Hamlet dans les années 1930. "Vakhtangov" Hamlet était, bien sûr, Hamlet de N. Akimov, car il a choisi Goryunov et a déterminé tous les éléments de l'interprétation de l'image. De la même manière, Dudnikov a joué le concept de S. Radlov, et A. Polyakov et P. Molchanov - l'interprétation de V. Bebutov. Mais, peut-être, dans aucune de ces productions, le réalisateur n'a-t-il autant éclipsé l'acteur que dans les productions de G. Kozintsev et N. Okhlopkov. La domination de la mise en scène est particulièrement perceptible chez N. Okhlopkov, qui remplace facilement plusieurs acteurs principaux dans son interprétation de la tragédie - les jeunes M. Kazakov et E. Martsevich ont remplacé le mature E. Samoilov. Seul M. Astangov a pris une place égale avec le réalisateur dans la nouvelle production de l'Evg. Vakhtangov. Cependant, ce dernier ne change rien à l'essentiel qu'il faut dire sur les récentes productions de la tragédie.

L'essentiel est qu'aucun des théâtres n'ait proposé un tel interprète du rôle de Hamlet, qui occuperait une place correspondant à celle remportée par les célèbres interprètes des rôles d'Othello - A. Ostuzhev, Khorava, Tkhapsaev, Papazyan, Khidoyatov et autres. Aucun acteur n'était capable de nous présenter Hamlet dans toutes ses dimensions tragiques. Cela doit être dit en toute franchise et acuité. Avec toutes les compétences individuelles des interprètes individuels, aucun d'entre eux n'a dépassé le niveau de conscience professionnelle. Même un maître de la scène tel que M. Astangov n'a pas dépassé ce niveau, bien qu'il ait l'avantage d'une prononciation particulièrement expressive du texte par rapport aux autres interprètes.

L'absence d'école de maîtrise tragique a eu un effet, qui a été causé par la disparition du genre tragique du répertoire des théâtres pendant plusieurs années (de nombreuses productions d'Othello et de Roméo et Juliette ne comptent pas, car elles ont répété les découvertes du théâtre des années 1930). La large diffusion du naturalisme dans les arts de la scène des années 1940 et du début des années 1950 a eu un effet. L'incompréhension du système de Stanislavsky, réduit à détailler de petites vérités psychologiques et ayant perdu le large caractère socio-philosophique que le système avait entre les mains de son créateur, a fait son effet. Pour Stanislavsky, toutes les techniques développées par lui ne comptaient que comme moyens, alors que pour ses épigones elles devenaient une fin en soi. Avec la prédominance de cette tendance dans les arts de la scène, de nombreux acteurs ont perdu la capacité de voir grand.

Dans ces conditions, il était naturel que des réalisateurs tels que G. Kozintsev et N. Okhlopkov entreprennent la mise en œuvre de nouvelles productions de Hamlet. Ils ont rendu à la tragédie sa grandeur. Mais cela n'a été réalisé que dans le cadre du concept général des performances. Les hameaux n'ont pas atteint une telle hauteur, bien que les réalisateurs les y aient tirés. N. Okhlopkov a même forcé Samoilov à escalader un rocher et à partir de là, il a diffusé que "la connexion des temps est tombée" et qu'il "est né pour la lier".

G. Kozintsev a laissé B. Freindlich travailler selon le "système", ce qu'il a fait de bonne foi. N. Okhlopkov a introduit des éléments de biomécanique dans le rôle de Hamlet (le monologue "Être ou ne pas être", "prononcé" plus avec les mains qu'avec les lèvres), et E. Samoilov n'a montré son tempérament que lorsqu'il s'est libéré de ces chaînes (la scène avec Gertrude). Les deux acteurs ont été très réprimés par la pompe de la production - sur fond de décors puissants, ils sont devenus trop petits. Dans le théâtre nommé d'après Evg. Le dessin de Vakhtangov était également lourd, mais M. Astangov a trouvé un moyen d'agrandir l'image: il a simplement quitté le cadre décoratif et s'est tenu au premier plan, où il a prononcé des monologues.

Kozintsev et Okhlopkov ont été emportés par le symbolisme, Zakhava a surchargé la scène avec des détails quotidiens inutiles. Tous les trois n'ont pas voulu donner suffisamment d'espace à l'acteur. Ils ont également encombré le spectateur, l'obligeant à regarder des dizaines de choses - en plus de l'acteur. Après tout cet amoncellement de treillis, de terrasses, d'escaliers, de tours, de colonnes, de garde-corps, de portails, j'avais envie de voir la méchante toile de Craig...

Le retour des théâtres à Hamlet n'était pas un caprice du répertoire. Le public soviétique a chaleureusement et avec intérêt accueilli la renaissance de la tragédie de Shakespeare sur notre scène, car cela correspondait à l'humeur du public dans le pays, qui s'était précipité dans une lutte décisive contre le mal et l'injustice dans notre vie. L'humanisme socialiste avait quelque chose de commun avec l'humanisme de Shakespeare, et c'est précisément cela qui a déterminé en particulier l'interprétation de G. Kozintsev et, dans une large mesure, l'interprétation de N. Okhlopkov. La production de B. Zakhava n'avait pas ce pathos. Il était tourné vers un passé lointain, était un modèle d'académisme et même l'habileté de M. Astangov, qui, comme son directeur, n'a pas résolu les problèmes modernes, mais les problèmes du début du XVIIe siècle, n'a pas pu la sauver.

Mais même G. Kozintsev et N. Okhlopkov n'ont pas complètement résolu la tâche qu'ils se sont fixée, car ils n'avaient pas le soutien d'un grand acteur tragique. Et cette question n'est en aucun cas "technique". Dans le concept de la tragédie de Shakespeare, la place la plus importante est occupée par le fait qu'Hamlet est une personne au sens le plus élevé du terme. C'est un humain. C'est l'Homme qui se dresse contre le monde des Claudiens, des Polonais, des Rosencrantiens et des Guildensterns. L'idée de l'Homme, comme nous avons essayé de le montrer, est centrale dans la tragédie. Son efficacité en tant qu'œuvre scénique ne peut être atteinte que lorsque le spectateur voit devant lui en pleine croissance Hamlet-Man. C'est l'idée principale de la tragédie. Il faut un acteur humain.

Notre théâtre a parfaitement appris à représenter la société, les types sociaux. Il avait les meilleurs exemples d'acteurs d'une grande individualité - Kachalov, Ostuzhev, Mikhoels. L'humanisme devient une réalité dans l'art lorsqu'il s'exprime dans les images de personnes exceptionnelles - pas des rois, pas des généraux, mais des gens ! Il est temps pour eux d'apparaître sur notre scène, ces titans en termes de puissance de pensée, de caractère et de polyvalence. L'art de Shakespeare devrait servir l'objectif d'éduquer ces personnes sur scène et dans l'auditorium. Notre réalité ouvre toutes les possibilités d'enrichissement spirituel mutuel des maîtres de théâtre et du public.

"Sourire canaille, maudit canaille !

Mes assiettes ! Je dois l'écrire

Que tu peux vivre avec le sourire, et avec le sourire

Soyez un scélérat; du moins au Danemark.

Et le premier à monter Hamlet sur la scène soviétique après The Great Sdeakh fut Okhlopkov, dont la performance lors de la saison 1954/55 devint la sensation numéro un.

Lors de la première, les artistes, comme d'habitude, ont appelé le réalisateur sur scène. Quand Okhlopkov est sorti, une ovation debout a commencé - oui, quoi ... je dois dire, plus tard, quand j'ai même été témoin de ses performances infructueuses, j'ai été étonné que cela se produise toujours! Dès qu'Okhlopkov, grand, grisonnant, beau, après la représentation, au cours de laquelle le public pouvait être perplexe, ennuyé et, en tout cas, ne montrer aucun enthousiasme, dès qu'il est apparu devant la salle - une standing ovation ! Comment peut-on l'expliquer? Premièrement, pour la majorité, il n'était pas seulement le metteur en scène d'une représentation particulière, mais Okhlopkov l'acteur du film : le camarade Vasily, le compagnon d'armes de Lénine dans la dilogie de Romm ; le héros archi-positif des films "L'histoire d'un vrai homme", "Loin de Moscou", l'un des héros du film d'Eisenstein "Alexander Nevsky". Et cette image collective s'est inclinée dans un costume élégant, cousu à la dernière mode par le meilleur tailleur de Moscou - Isaac Zatirka. Les médailles de lauréat de Staline brillaient sur le revers. Il ne sortait même pas, mais faisait les cent pas et à chaque fois, peu importe combien ils l'appelaient, il apparaissait d'une manière différente. La salle se mit à réagir violemment : « Okhlopkov, bravo !

La capacité de faire des arcs et de s'intégrer efficacement dans un tableau vivant est la deuxième raison de la jubilation du public. Avant la première, Nikolai Pavlovich a réservé environ une demi-heure, et parfois même plus, pour une répétition d'arcs. Il faut dire que cet élément en apparence anodin du spectacle - les saluts - révèle toujours d'une certaine manière la personnalité du metteur en scène.

Imaginez le dernier jour de répétition avant la première du soir. Les acteurs sont fatigués, nerveux, tout le monde ne va pas bien. Il n'y a aucune certitude de succès, et parfois un sentiment d'échec imminent. Et ici, le réalisateur, plus nerveux que les autres, devrait s'incliner. Seront-ils nécessaires ? Eh bien, une, deux, trois fois, notre auditoire poli appellera à coup sûr. Hélas, le temps est entré dans la légende où l'on pouvait huer, huer, lancer des tomates pourries ou applaudir pendant quarante minutes, les emporter hors du théâtre en cas de triomphe ! Tout en moyenne. "Que faire? Calcul, calcul, Horatio... Dès la commémoration, le froid s'est emparé de la table nuptiale !

Alors, il m'est arrivé de voir comment les arcs sont faits divers réalisateurs: Efremov, Volchek, Efros. Les années ont passé et j'ai moi-même commencé à "mettre des arcs" dans mes performances ...

Okhlopkov savait comment «vendre» les acteurs à un prix plus élevé, parfois chacun séparément, puis lui-même avec l'artiste, dramaturge, compositeur, chef d'orchestre I. Meerovich, qui était assis avec l'orchestre dans une fosse ou, comme dans la pièce «Hôtel Astoria », directement sur scène ! Mais ce n'est pas assez! Lorsque le rideau s'est fermé (il a également eu des performances avec un rideau), Okhlopkov, sentant le succès auprès du public, a commencé à improviser. "Dépêchez-vous, dépêchez-vous, les enfants!" - c'est à nous quand le rideau s'est fermé. "Tout le monde à moi, à moi, en cercle", a ordonné Nikolai Pavlovich, rayonnant, et a commencé à étreindre et embrasser quelqu'un. Lorsque le rideau s'est ouvert, le public a vu comment le père-commandant favorisait ses enfants. Les applaudissements sont plus forts. Et Nikolai Pavlovich, pris « par surprise », sourit gêné de son charmant sourire, bien connu de tout le monde au cinéma. Nous jouons avec le patron du mieux que nous pouvons. Ovation! Et tout le monde est content : le public, et nous, les acteurs aussi.

Et toujours, toujours un sentiment de succès formidable. Triomphe! Oh oui, Nikolai Pavlovich! Et puis, trois minutes plus tard, un visage sérieux et sévère. Appel aux morts :

Natasha! Répétition demain matin. Nous allons présenter Lylov. Kholodkov est terrible.

Mais Kholodkov ne s'en doute pas. Il est sûr que tout s'est bien passé: «lui-même», devant le public, l'a serré dans ses bras et l'a embrassé, et l'a même poussé vers la rampe - disent-ils, pourquoi êtes-vous gêné, allez-y, Kholodkov, inclinez-vous, c'est aujourd'hui ta journée, Kholodkov ...

Mais je le découvrirai pour tout le monde plus tard, lorsque j'entrerai au théâtre Mayakovsky à Okhlopkov.

En attendant, je suis dans la salle et j'applaudis Hamlet - Samoilov, le roi - Kirillov, la reine - Grigorieva, Ophélie - Anisimova (M. I. Babanova a été remplacée par Galya Anisimova après les deux ou trois premières représentations) et Laerta - Kholodkov . .. et, bien sûr, « Camarade Vasily, directeur de Hamlet, Okhlopkov !

Après la représentation, nous allons avec Vilenkin et discutons de ce que nous avons vu. Vitaly Yakovlevich, membre du Théâtre d'art de Moscou, fait l'éloge du "formaliste" Okhlopkov, s'émerveille de la performance remarquable de Samoilov et rappelle que Samoilov "aimait lui-même Nemirovich, et Nemirovich voulait même l'inviter au Théâtre d'art de Moscou. Cela signifie que Nemirovich a déjà vu quelque chose en lui. Théâtre d'art de Moscou pour Vitaly Yakovlevich avant tout !

Pour la première fois de ma vie, j'ai vu Hamlet sur scène et j'ai été émerveillé.

Paysage luxuriant de Ryndin, la fameuse porte, dans des cellules-compartiments dont l'action se déroulait parfois. D'immenses grilles en fer forgé s'ouvraient et se fermaient, et derrière elles apparaissaient, disons, un rocher sur lequel se tenait un acteur représentant l'ombre du père d'Hamlet, et son visage, casque à visière relevée, épée phosphorescente. Ou au même endroit, devant la porte, la chambre de Gertrude avec d'énormes piliers-lampes - ils se sont mariés, si je me souviens bien, avec la main tenant la torche (on les appelait en plaisantant "les figues de Rynda"). Les portes se sont rouvertes - derrière elles un cimetière ou un immense auvent rouge sur Claudius et Gertrude lors du duel entre Hamlet et Laertes. Lorsque Claudius s'enfuit d'Hamlet le poursuivant, le dais tomba sur Claudius, il "s'emmêla dans ses propres filets" et Hamlet versa de force dans sa bouche le contenu du gobelet dans lequel buvait la reine mère. « Tiens, espèce de bâtard ! Avalez votre poison !" Et d'interminables barres de métal de formes diverses sur toute la scène, sur lesquelles la foule indignée, courant après Laertes, sautait et s'y accrochait, arrêtée par le cri de la reine : « Back ! Faux, chiens danois ! Et tout cela était accompagné de puissantes explosions de l'orchestre avant et après les répliques. Comme, par exemple, dans la scène de "La souricière" : "Le roi se lève, le roi s'en va..." Explosion de musique !.. Hamlet, sautant sur le trône renversé :

"Le cerf a abattu des sifflements,

Et biche - il n'y a pas de chagrin.

Celui-là garde, celui-ci dort.

C'est ainsi que le monde fonctionne."

Explosion! "Sûrement qu'avec ça, Horatio, et avec une paire de roses de Provence sur mes chaussures, je n'aurais pas une place dans la troupe d'acteurs ?" Musique! Et des bars, des bars ... La phrase principale de l'explication d'Okhlopkov, publiée plus tard dans le magazine Theatre: «Le Danemark est une prison. Alors le monde entier est une prison. Oui, et, qui plus est, excellent, avec de nombreux donjons et cachots. Et le Danemark en fait partie.

Puis, lorsqu'ils ont vu la performance de Peter Brook, lorsque le chœur d'enthousiasme pour la performance d'Okhlopkov est rapidement passé du forte au piano, et parfois même au pianissimo, ils ont commencé à rire du littéralisme des moyens expressifs utilisés par Okhlopkov et Ryndin : « Le Danemark est une prison" - eh bien, c'est devenu des grilles.

Chaque légume a son heure. Cependant, un œuf coûte cher pour le jour du Christ. Par conséquent, je crois que je ne me tromperai pas si je dis vingt-quatre ans plus tard que pour le début des années 1950, la représentation d'Hamlet par Okhlopkov était un événement difficile à surestimer. Sans aucun doute, c'était une performance romantique, et E. V. Samoilov, un acteur mêlé à la levure d'Alexandrinka et à l'esthétique de Yu. M. Yuryev, s'inscrivait organiquement dans le cadre et les conditions du jeu mis en place par Okhlopkov et Ryndin.

Samoilov - Hamlet était très beau dans une longue perruque, inhabituellement plastique, déplacé presque comme un ballet. Lorsqu'il a couru sur scène au premier acte, en collant noir, en chemise de soie noire à larges manches, sur le pizzicato inquiétant de la musique de Tchaïkovski, il s'est enfui, et un manteau noir traînait derrière lui, ses grands yeux bleus étaient déjà pleine de larmes. Le public l'accueillit par des applaudissements. Samoilov - Hamlet était bon, il récitait de la poésie, il était capricieux. « Qu'est-ce que tu as de plus douloureux ? Le monde a décidé…” - mais ici il faut s'arrêter…

- Il y avait une myriade d'Hamlets, et en général, il semble que ce ne soit pas une pièce de théâtre, mais une machine à voyager dans le temps qui traverse les siècles, absorbant les traits des différents pays et époques. Il faut donc en quelque sorte se limiter : quel est le sort du prince du Danemark en Russie au XXe siècle ?

— La production la plus importante sur la scène russe au début du XXe siècle fut celle de l'Anglais Gordon Craig au Théâtre d'art de Moscou avec Vasily Ivanovitch Kachalov dans le rôle de Hamlet. Craig est très attiré par les abstractions philosophiques et il interprète Hamlet comme un monodrame, un genre qui fleurit dans les années 1910. Les événements et les vicissitudes de l'intrigue se déroulent dans l'âme du protagoniste, on voit tous les autres personnages à travers ses yeux, et, en substance, dans cette vision de Craig, seuls Hamlet et la mort sont réels. Kragovsky "Hamlet" - Dialogue de Hamlet avec la mort. Une de ses idées : mettre en scène "Être ou ne pas être" comme un monologue adressé à la figure de la Mort, présente sur scène. Mais rien n'en est sorti du tout.

- Pourquoi?

- Les acteurs du Théâtre d'Art n'étaient pas du tout enthousiastes à l'idée de jouer non pas Polonius et Ophélie, mais quelques serpents, grenouilles et autres reptiles de la sauvagine qu'Hamlet voit en eux. Et c'était la demi-teinte de la performance, car il s'est avéré assez difficile de faire jouer Vasily Vasilyevich Luzhsky une sorte de crapaud au lieu de Polonius. Ils ne se sentaient pas à l'aise dans les costumes conçus par Craig, censés faire allusion aux origines amphibiens-reptiles des personnages. En conséquence, le soir de la première de "Hamlet" au Art Theatre, dans le quartier, "The Bat" a joué une parodie de lui, et des poupées ont été réalisées sur scène, vêtues de costumes en métal jaunâtre qui faisaient allusion à écailles de serpent. Olga Knipper et Nikolai Massalitinov (Gertrude et Claudius) étaient impliqués, et l'un des personnages représentait une théière et l'autre un samovar.

C'est une représentation de 1911. Le prochain hameau russe légendaire est Mikhaïl Tchekhov, 1924.

- Nous le recontacterons. Regard vers l'avenir : ce qui se passe réellement ensuite est intéressant. Sur la scène moscovite, entre Hamlet de Mikhaïl Tchekhov et Hamlet de Nikolai Okhlopkov (1954), trente ans de silence absolu. Si vous ne tenez pas compte de "Hamlet", mis en scène par Nikolai Akimov en 1932, qui occupait une place très particulière. Le malheur d'Akimov était qu'il était en retard: il a mis en scène Hamlet comme il aurait dû l'être au moins cinq ans plus tôt - dans le style des années 1920, dans le style de l'avant-garde ironique, de la gaieté semi-comédie ouverte. La performance a tardé à sortir, elle est apparue en 1932, lorsque tout a basculé dans le pays.

- Il n'y avait pas de quoi rire.

« Il n'y a pas que ça. C'est juste que dans les années 1930, les classiques ne font plus l'objet d'un rejet parodique et ironique, ils entrent dans l'iconostase de la nouvelle culture soviétique. Et Shakespeare occupait une des places centrales de cette iconostase, car nous étions proclamés les héritiers directs à la fois de Shakespeare et de la Renaissance, comprise dans l'esprit soviétique optimiste. La performance d'Akimov a été perçue - non seulement par des artistes purement conservateurs ou purement avant-gardistes qui ont survécu aux années 1920, mais aussi par des critiques assez sérieux comme Pavel Alexandrovitch Markov - comme une profanation, une retraite et une profanation.

- Blasphème.

- Certainement. La performance a été attaquée à la fois de la droite et de la gauche. Parce que l'esprit du temps a changé. Entre-temps, dans un style très proche, Vsevolod Meyerhold allait mettre en scène Hamlet dans les années 1920.

- Mais je ne l'ai pas fait. Pas dans les années 1920, pas plus tard.

— Non, mais il a pensé à Hamlet toute sa vie. À partir de Penza, où Nikolai Rossov est arrivé à l'époque de la jeunesse du gymnase de Meyerhold, un acteur d'un niveau moyen, mais un gentleman très instruit. Néanmoins, Meyerhold a été complètement frappé par son école tout à fait ordinaire Hamlet - et, probablement, depuis lors, Hamlet a commencé à vivre quelque part près de lui. D'ailleurs, et avec son Treplev, qui cite Hamlet.

Immédiatement après la révolution, Meyerhold a voulu mettre en scène "Hamlet" dans l'altération de Mayakovsky, avec la participation éventuelle de Tsvetaeva. Des croquis de Vladimir Dmitriev des années 1920 ont survécu, représentant une sorte d'immense espace métallique d'où émanent les mêmes rayons métalliques. Mais rien n'est venu de ce plan.

En 1924, après avoir regardé Hamlet de Mikhaïl Tchekhov, Meyerhold était furieux que Tchekhov ait arrangé une sorte de détritus d'un autre monde.

Un mystique qui "tient fermement l'épée dans sa main pâle" - c'est ce que Pavel Alexandrovich Markov a dit à propos de Mikhail Chekhov, dont Hamlet absorbe les rayons provenant du Fantôme. Pour Tchekhov, le personnage principal était précisément le Fantôme, dont la volonté mystique que ce héros faible et en même temps super-masculin devait percevoir et accomplir comme une sorte de mission supérieure.

Meyerhold a déclaré que Tchekhov n'avait pas lu le document le plus important que chaque directeur de Hamlet devrait lire, à savoir Saxo la grammaire, et s'il l'avait lu, il aurait appris que Hamlet n'est pas une maladie pâle, mais un homme en bonne santé, essentiellement parlant, le bouffon qui sort dans la cour s'effondre en plumes, et ainsi, en plumes, chantant comme un coq, saute sur le lit de sa mère. En 1924, cela aurait été le Hamlet de Meyerhold, en tous points opposé à celui de Tchekhov.

Mais dans les années 1930, tout a changé.

Oui, et le changement qui s'est produit dans la culture soviétique était en fait un changement dans l'ensemble culture européenne. Vous pouvez expliquer cette rupture de différentes manières, c'est un appel général aux classiques et une tentative de retour à la tradition, pour y trouver le salut. Les Britanniques ont cherché le salut dans la tradition victorienne, qui a été crachée et piétinée par la génération ironique des années 1920, mais exactement la même chose a été faite sous diverses formes à travers l'Europe. Essentiellement, dans les années 1930, le mouvement de la culture était régi par des mécanismes et des schémas généraux. C'est juste que dans deux États totalitaires, ces schémas ont été poussés à un extrême terrible et grotesque. Mais, je le répète, les mécanismes généraux de différents pays, quelle que soit la structure politique, dominé. Ainsi, dans le théâtre soviétique, les années 1930 furent une véritable fête shakespearienne.

Mais sans Hamlet.

— Pas d'Hamlet. Mais 1935 : Othello - Ostuzhev, Lear - Mikhoels. Dans le même temps, les comédies de Shakespeare ont été tellement mises en scène et d'une manière qu'elles ne seront jamais mises en scène ni avant ni après - à la recherche du rayonnement de la Renaissance.

C'est la même chose en Allemagne, littéralement.

- Bien sûr, en Angleterre aussi... C'est pareil partout. Quant à "Hamlet", en Union soviétique, son sort était triste car le chef et enseignant avait une profonde aversion pour "Hamlet". Et, en fait, la pièce n'a pas été exactement interdite - c'est ridicule d'en parler, quelle interdiction peut être si nous sommes les seuls vrais héritiers de Shakespeare ! Au mépris de toutes les déformations bourgeoises ! Et pourtant... "Hamlet" était discrètement déconseillé. Tout le monde savait qu'il valait mieux ne pas toucher à cette pièce. Ainsi que "Macbeth", qui n'a pas marché du tout ni dans les années 1930 ni dans les années 1940. Tout est clair à propos de Macbeth, mais l'aversion de Staline pour Hamlet faisait partie de son aversion pour l'intelligentsia russe. Qui a toujours vu Hamlet en elle-même.

"Hamlet n'a pas été mis en scène depuis trente ans, mais les gens y pensent...

Oui, et Meyerhold poursuit ses rêves hamlétiens dans les années 1930, seuls ces rêves prennent un tout autre sens. Contrairement à de nombreux réalisateurs, Meyerhold aimait beaucoup parler de performances futures qui n'existaient pas encore. Et pour une raison quelconque, surtout, il aimait parler d'une scène dans Hamlet, qu'il avait inventée et qu'il avait déjà vue avant lui. C'était une rencontre entre Hamlet et un fantôme. Il l'a dit de différentes manières, mais quelque chose comme ça. Mer du Nord, sable blanc argenté froid, dunes, nous tournant le dos dans un manteau noir Hamlet, vers lui de cette mer de plomb froide, étirant difficilement ses jambes hors du sable, vient le Fantôme en armure d'argent. Froid, vent, morceaux de glace gelés dans la barbe du Fantôme. Le Silver Ghost dans la mer d'argent va vers le Hameau noir, va à terre. Hamlet enlève son manteau noir et se retrouve en armure d'argent. Il couvre son père d'un manteau, et ce geste de protection et une tentative de réchauffement - ils sont très importants ici. C'est comme ça qu'il a vu la scène, assez cinématographique. Certes, si dans sa jeunesse Meyerhold s'est évidemment associé à Hamlet, alors dans sa vieillesse il s'est associé au père de Hamlet, ce qui est compréhensible. Et, apparemment, donc, racontant tout cela lors de la répétition de "Boris Godunov", il a ajouté un détail comique afin de réduire le pathos de l'histoire. Il a dit que le vieux monsieur voulait écrire à cause du froid, et c'est pourquoi Hamlet lui a apporté un pot. Et puisque Meyerhold lui-même était une personne âgée et en mauvaise santé, je pense qu'il n'a pas tiré cela des manuels. En tout cas, c'était la demi-vision d'adieu d'Hamlet.

"Mais a-t-il au moins commencé à le mettre en scène ?"

- En 1936, il se décide néanmoins. Ce fut sa dernière visite à Paris, et de là, il se rendit dans le sud de la France chez Picasso. Le type de conversation qu'ils ont eu n'est pas très clair : aucune preuve n'a été conservée. Il est devenu très maladroit, Picasso a déménagé quelque part, il n'était pas à la hauteur de Meyerhold. Néanmoins, Meyerhold est venu à lui afin de le persuader d'être l'artiste de cette performance. La musique a été commandée à Chostakovitch, puisque Chostakovitch avait déjà écrit la musique du Hamlet d'Akimov, mais là, elle était complètement en contradiction avec l'ensemble de la représentation, car elle était tragique, et pour la version de Meyerhold, il faudrait simplement l'éditer.

En Union soviétique, le sort de "Hamlet" était triste en raison de la profonde hostilité que le chef et professeur avait pour la pièce. L'aversion de Staline pour Hamlet faisait partie de son aversion pour l'intelligentsia russe.

- Casting vedette. Scénographie de Picasso, musique de Chostakovitch...

— Oui, et il a commandé la traduction à Pasternak. La traduction de Hamlet par Pasternak est l'ordre de Meyerhold. Cela, me semble-t-il, se reflétait dans le vocabulaire. On ne sait pas exactement quand exactement il a parlé avec Pasternak, il y a des preuves que c'était en 1936. On ne sait pas très bien qui était censé jouer Hamlet pour lui. Peut-être, dans la version de 1936, pensait-il notamment à Zinaida Reich. Mais l'une des options était absolument magnifique : Erast Garin dans le rôle d'Hamlet. Cela pourrait être incroyablement intéressant. Et alors que le Meyerhold Theatre était déjà fermé, en 1939, il fut invité à Alexandrinka pour reprendre la "Mascarade". Meyerhold est arrivé à Leningrad, tout en réfléchissant à l'opportunité de mettre "Hamlet" dans l'Alexandrinka. Mais bientôt la fin de l'épopée Hamlet de Meyerhold, le dénouement tragique de toute sa vie est venu - en juin 1939, au même endroit, à Leningrad, il a été arrêté, et quelques mois plus tard, il a été abattu. Par souci d'exhaustivité, il convient de noter que dans dernières années Meyerhold a même voulu écrire un livre sur Hamlet, et il a aussi eu l'idée d'ouvrir un théâtre à Moscou où seul Hamlet serait joué dans différentes interprétations.

- Pendant ce temps, la traduction de Pasternak est restée sans propriétaire.

- La première version de la traduction de Pasternak, publiée en 1940 dans le magazine Znamya, a ensuite été reprise par Nemirovich-Danchenko pour la mise en scène.

Nemirovich pouvait faire beaucoup plus que n'importe quelle autre personne théâtrale de l'époque de Staline. Lui même "Hamlet" semble avoir été autorisé. Et le Théâtre d'art de Moscou avait déjà un contrat de traduction avec Anna Radlova. Mais alors Vitaly Yakovlevich Vilenkin, qui était ami avec Pasternak et travaillait au département littéraire du Théâtre d'art de Moscou, a apporté une traduction de Pasternak qui venait d'être publiée - ou peut-être même en manuscrit. Nemirovich, après l'avoir lu, a été très inspiré et a écrit une lettre à Radlova disant que, disent-ils, excusez-moi, chère Anna Dmitrievna, mais lorsqu'une traduction brillante apparaît à côté de votre traduction hautement professionnelle, nous sommes obligés de faire un choix. Malheureusement, cela a coïncidé avec la sortie article célèbre Chukovsky, où il n'a rien négligé des traductions de Radlov. Mais c'est une coïncidence accidentelle, car chaque personne, comparant ces deux traductions, sera d'accord avec Nemirovich.

Ainsi, la première version de la traduction de Pasternak est très différente de tout ce qui est venu plus tard de Pasternak lui-même, de ces options apparues à la suite d'une révision. La première version était bourrée de détails qui auraient probablement été très du goût de Meyerhold et, me semble-t-il, du théâtre Meyerhold et s'en sont inspirés. Mais c'est une supposition. En tout cas, la poésie de cette traduction était presque barbare d'une part et systématiquement russifiée d'autre part. Par exemple, Hamlet n'a pas dit "Ophelia, oh nymphe!", Mais "Ophelia est une joie!" Nemirovich était catégoriquement contre de telles choses, il a fait des remarques, et Pasternak a obéi docilement à ces remarques. La copie du réalisateur avec notes et retouches, théâtrale, a été conservée.

Mais un an plus tard, la guerre a commencé, Nemirovich, en tant que personne faisant partie du fonds d'or, a été envoyé dans le Caucase, mais ils ont deviné de l'envoyer à Naltchik à l'automne 1941, et au printemps 1942, le Les Allemands y envoyèrent leur frappe. Le sauvant, il fut transporté à Tbilissi - naturellement, il n'y avait pas de temps pour Hamlet, Nemirovich ne réussit à reprendre les répétitions qu'au début de 1943 et en avril, il mourut. De 1940 à 1943, il reste des transcriptions de répétitions étonnamment intéressantes. Nemirovich a rejeté la vision romantique et Renaissance de Shakespeare. "Je défie l'Othello d'Ostuzhev. Ils ont crié, ils ont menti et ils appellent cela le renouveau du romantisme" - c'est une citation. Il a vu Hamlet se transformer au Moyen Âge profond, quand il n'y a pas d'approvisionnement en eau, d'égouts, - ici, dit-il, quand ils liront la transcription, ils diront, le réalisateur est un naturaliste, il faut parler de philosophie, et il il s'agit d'égouts... Elseneur est un tel monde de pierres grises, de pierres, rude, septentrional. Des passions nues, des gens grossiers, et dans ce contexte l'homme du futur, Hamlet. À l'intérieur du théâtre d'art de Moscou, l'attitude envers la représentation était hostile et Nemirovich lui-même n'était pas sûr qu'il soit nécessaire de mettre en scène une pièce sur une personne sceptique pendant la guerre, alors que nous avons besoin de personnes héroïques et résolues.

Hamlet a été répété par Boris Livanov, bien qu'il rêvait de jouer Khmelev. Mais Nemirovich, avec tout son amour pour Khmelev, avait peur que Hamlet se révèle trop sombre et concentré, et il avait besoin d'une personne forte et puissante ... et pas seulement lui. Mais nous y reviendrons plus tard.

Alors, Livanov a répété. Lors d'une réception du Kremlin, il a approché Staline, et on sait avec certitude qu'ils ont eu une courte conversation sur Hamlet. Il existe deux versions de cette conversation, l'une courante, l'autre moins connue. Les deux viennent de Livanov, les deux sont différents. L'idée générale est la suivante : Livanov est allé voir Staline et a dit, disent-ils, Camarade Staline, vous avez probablement entendu dire que nous travaillons actuellement sur la tragédie de Shakespeare Hamlet, que nous conseilleriez-vous sur la façon de comprendre cette pièce. Le calcul semblait parfaitement exact. Quoi qu'en dise Staline, cela signifiait la réhabilitation posthume du prince de Danemark. La première version de l'histoire - une longue pause, une pipe à la bouche, a pensé le chef et ... a répondu à la question par une question: "Pensez-vous que le public soviétique a besoin de cette pièce?" La deuxième version, me semble-t-il, est plus plausible : le chef a répondu par une phrase proférée avec le plus profond mépris : « Mais il est faible ! "Non, non", a objecté Livanov, "nous le jouons fort." Voici les deux options. Et le spectacle n'est jamais sorti.

Dans l'impatience furieuse d'Hamlet-Vysotsky, il y avait la vérité, qui frappait simplement sur place. Et emporté, si tu veux, consolation et espérance

- Vous avez promis des détails sur le « fort Hamlet ».

- En 1936, Gustaf Grundgens joue Hamlet, en 1937 - Laurence Olivier. Et dans la façon dont ces deux artistes de pays aux systèmes sociaux différents jouaient Hamlet, il y avait quelque chose en commun. Tous deux jouaient un héros fort, un guerrier. On disait d'Olivier qu'il n'y avait pas trace d'Hamlétisme dans son Hamlet, que cet Hamlet aurait déchiré son oncle en deux avant que le Fantôme n'ait terminé son monologue. Mais la critique n'est pas juge ici. La critique est basée sur l'expérience antérieure des interprétations. Et le public a accepté ce Hamlet. Car l'époque était déjà à l'avant-guerre, en manque d'un Hamlet fort, militant mais non sans complexe d'Œdipe. Au fond, Olivier et Grundgens jouaient la même chose, car il fallait des héros et des guerriers des deux côtés du front, et cela unissait les cultures de pays qui semblaient opposés et incompatibles. Évidemment, il y a de telles lois du mouvement de l'art qui sont plus importantes que les contrastes politiques.

Au même moment, la théorie dite du "Hamlet fort" a été créée en Union soviétique. La guerre allait à l'encontre de la perception traditionnellement russe d'Hamlet comme symbole de la dualité tragique, comme symbole de l'intelligentsia russe. Tout sauf faiblesse ! Mais pas de mélancolie ! Certes, la théorie d'un Hamlet fort était si spéculative qu'elle n'a pas fonctionné au théâtre.

- Et par conséquent, à l'époque de Staline, Hamlet n'a presque jamais été mis en scène.

Mais quand vint l'ère post-stalinienne... Staline mourut en 1953, et en 1954 ils commencèrent à répéter Hamlet dans deux théâtres à la fois, à Leningrad et à Moscou. A Moscou, Nikolai Okhlopkov a répété au Théâtre Mayakovsky, à Leningrad au Théâtre Pouchkine - Grigory Kozintsev. Yevgeny Samoilov a joué pour Okhlopkov, Bruno Freindlich a joué pour Kozintsev. J'étais à l'une des premières représentations de "Hamlet" d'Okhlopkov et moi, un écolier, j'étais complètement ravi - comme d'ailleurs tout le public. Parce qu'un spectacle théâtral monumental est venu à la place de l'omhachivaniye général. Des constructions géantes, des portes immenses, rappelant les portes d'entrée. A cette époque, le passe-temps favori de l'intelligentsia moscovite devient les voyages en bateaux à vapeur : Moscou - Astrakhan, Moscou - Perm, et les moments où le bateau à vapeur franchit les écluses sont particulièrement excitants. Ainsi, le scénographe Ryndin, comme deux gouttes d'eau, a recréé le dessin de la passerelle dans ces portes forgées devant la scène, qui s'ouvrait sur la musique de Tchaïkovski. Et quelques grilles avec un rugissement et un claquement descendirent de la grille. Et Hamlet les a secoués pendant le monologue "Être ou ne pas être". Et un espace immense, plein de lumière et de couleurs. Et une perruque dorée sur la tête de Samoilov. Et une robe blanche avec des dorures à Babanova, qui a joué Ophélie, qui a été employée dans la première. Elle n'a joué que quelques fois, mais c'était terrible : déjà dodue, d'âge moyen, une telle boule blanche s'est déroulée sur scène. Et encore, une perruque dorée, et derrière elle venait une file de ses amies en robes blanches, avec des boucles dorées et des harpes.

- Horreur.

- Oui, après quelques années, cette performance a commencé à évoquer une attitude ironique. Mais alors, à la première, pas question. Nous étions tout simplement émerveillés par cette ampleur et cette théâtralité. Quant au sens, c'est assez intéressant. Okhlopkov lui-même a décrit comment le concept de la performance est né. Il est allé à Ruza en hiver pour penser à Hamlet. Et puis un jour, il s'est réveillé, comme il l'écrit lui-même, de ce qui lui était venu à l'esprit. C'est l'idée de la pièce : « Le Danemark est une prison » !

- Ça valait la peine d'aller à Ruza pour ça !

- Exactement. Cependant. Les barreaux qui cliquettent, les portes, les chaînes, tout devait évoquer la prison. Mais en même temps, l'espace lui-même se révélait plein d'un tel air et de telles couleurs qu'il était terriblement facile et agréable de respirer dans cette prison. Mais il y avait toujours un vrai sens, et je ne sais pas comment Okhlopkov s'en est rendu compte. Aussi étrange que cela puisse paraître, Hamlet d'Evgueni Samoilov était intérieurement très proche des collisions des premières pièces de Rozov. Samoilov avait déjà plus de 40 ans, mais en termes de sens, c'était Hamlet l'enfant, Hamlet l'enfant, semblable à l'Aiglon de Rostanov. Et il est clair qu'alors le très jeune Kozakov a joué le même rôle, immédiatement après avoir obtenu son diplôme de l'école de théâtre d'art de Moscou. Et quelques années plus tard, immédiatement après avoir obtenu son diplôme de l'école Shchepkinsky, Eduard Martsevich, alors un enfant parfait avec des peluches sur les joues, jouera. Ce Hamlet même - un enfant innocent qui essaie de maintenir la pureté dans le monde sale des adultes - est une collision très rose, par essence, et, peut-être, c'est pourquoi elle a touché certaines cordes spirituelles très importantes du public de la fin Années 1950 - début des années 1960. X.

Okhlopkov a montré sa performance à l'automne, en novembre 1954. Et fin 1955, Brook arrive avec son Hamlet. Avec Paul Scofield. C'était l'un des points les plus élevés leur union créatrice (et elle s'est terminée avec le grand "King Lear" en 1962). Je me souviens de la première impression de cette performance, et moi, un écolier de quatorze ans, je ne l'avais pas en faveur de Brook. Après le spectacle monumental d'Okhlopkov, festivement solennel, lyrique, la performance de Brook sembla d'abord grise, semi-incolore. Ils jouaient dans la même construction - une sorte d'arcs surbaissés suspendus au-dessus des gens, un monde grisâtre et noirâtre. Puis nous avons réalisé que c'était une prison.

- Pas de barres.

- Pas des bars, mais juste un monde dans lequel il est difficile de respirer. Ce qui a été réalisé non pas à travers des illustrations, mais à travers la conscience de soi des gens sur scène, à Elseneur. Scofield a joué sans aucune modernité, mais il a quand même joué un intellectuel moderne qui se soucie du problème de la violence. Est-il permis de tuer ?

Cette performance a joué un rôle énorme dans l'histoire de notre propre théâtre. Il comptait beaucoup pour le Sovremennik alors né, dont Kazakov et Efremov eux-mêmes ont parlé plus d'une fois. Ce n'étaient que des coïncidences stylistiques: ici et là-bas - le désir de se débarrasser de la récitation, de la beauté romantique. Mais il y avait aussi des liens importants au niveau du sens. "Hamlet" en 1955 était un prologue, plutôt inconscient, de ce qui s'est passé exactement six mois plus tard, lorsque "Look Back in Anger" a été joué à la Royal Court de Londres. Il y avait quelque chose dans Scofield's Hamlet - même si je vous assure que cela ne lui est pas venu à l'esprit - qui s'est avéré plus tard être chez le "jeune homme en colère" Jim Porter.

Quant au "Hamlet" de Leningrad de Kozintsev, il y avait aussi, peut-être dans une moindre mesure, parce que Kozintsev avait plus de goût, une telle joliesse romantique, qui s'exprimait notamment dans le finale. La performance de Kozintsev s'est terminée ainsi: Hamlet était mourant, puis soudain une lumière bleue éblouissante a inondé la scène, et sur fond d'un fond bleu éblouissant, la figure de Nike de Samothrace est apparue. Et le défunt Hamlet se levait, se mettait au premier plan de l'assistance et lisait le 74e sonnet : "Quand on m'enverra aux arrêts / Sans rançon, caution ni sursis, / Pas un bloc de pierre, pas une croix de sépulture / Ces lignes sera un monument pour moi." C'est-à-dire que tout est clair : Hamlet est mort, mais l'art est immortel, etc.

À la demande de Pasternak, Olga Freidenberg s'est ensuite rendue au spectacle, qui lui a écrit à quel point c'était terrible. Je pense qu'elle a exagéré: elle était une personne de fauteuil et ne connaissait probablement pas du tout le théâtre, mais sa cousine a demandé, elle y est allée - et a été horrifiée et désespérée. Eh bien, peut-être sans raison particulière.

Mais en général, bien sûr, il faut dire à propos du principal hameau de notre génération - à propos de Vysotsky.

- Smoktunovsky n'est-il pas notre principal hameau d'après-guerre ?

- Une histoire assez étrange est arrivée à Smoktunovsky, me semble-t-il. Entre Smoktunovsky et Kozintsev, non seulement un conflit a surgi, mais une profonde hostilité. Des décennies plus tard, cela m'a même touché, aussi ridicule soit-il. L'histoire était comme ça. A l'occasion du 30e anniversaire du film de Kozintsev, une fille de la BBC Radio est venue faire une émission - naturellement, dans le genre panégyrique. Elle a pris plusieurs interviews, dont moi. Mais ses principaux interlocuteurs étaient la veuve Kozintseva et Smoktunovsky. Et, à sa grande surprise, Smoktunovsky a dit quelque chose comme : peut-être que Kozintsev était un merveilleux érudit de Shakespeare, je ne peux pas juger ici, mais il n'était pas réalisateur, car il ne savait catégoriquement pas comment travailler avec un acteur, et - c'est un citation - "J'ai dû embaucher un réalisateur spécial" (c'est lui qui a "embauché" Rosa Sirota pour faire un rôle avec lui). Ensuite, la fille a deviné de jouer cette cassette à la veuve de Kozintsev, qui a dit, disent-ils, que voulez-vous de cet idiot. Lorsque la fille a apporté tout cela à Londres, le transfert a été mis de côté, car il ne convenait absolument pas à l'anniversaire. Mais quelques années plus tard, ils étaient toujours diffusés.

«Mais vous avez tout dit poliment là-bas.

- Absolument. Mais, il me semble, Smoktunovsky n'avait qu'une seule scène brillante - avec une flûte, et c'est la chose la plus importante de tout le rôle. Cette personne qui ne veut pas qu'on en fasse un instrument, et ne pas oublier l'intonation étonnante "mais tu ne peux pas me jouer-ah", et la voix qui tombe soudainement dans une sorte d'abîme - c'est cool la peau. C'est alors que vous vous êtes souvenu que cet acteur jouait brillamment Myshkin. Donc, après tout, pour ma génération, le Hamlet le plus important était Vysotsky - avec sa rébellion, avec sa rage, avec sa rébellion irraisonnée et sa réticence à peser le pour et le contre, ce qui vous conduit inévitablement dans ce que Pasternak appelle "la stérilité d'un mental". impasse." Si la haine est sacrée, alors Hamlet-Vysotsky avait justement ce cas rare. Et son soulèvement, contrairement à la logique et au bon sens, n'était pas seulement contre Claudius, mais contre l'univers entier, contre la mort, contre les forces surhumaines incarnées dans le célèbre rideau inventé par David Borovsky (les critiques ont écrit le mot "rideau" avec un lettre capitale). Et dans cette impatience furieuse, dans cette justesse d'impatience, il y avait cette vérité qui frappait simplement sur place. Et emporté, si vous voulez, consolation et espérance. Nous sommes en 1971 - des tanks en Tchécoslovaquie, des dissidents en prison. Le temps n'est pas si terrible, mais étouffant et honteux. Et cette explosion était une explosion de libération intérieure. Il était interdit de filmer les performances de Lyubimov, donc son "Hamlet" a laissé des cornes et des jambes, mais il existe une sorte d'enregistrement d'une répétition difficile, quelques minutes. Et il y a un endroit où Vysotsky lit "Être ou ne pas être", tout en faisant une sorte de fouetter, hacher des mouvements avec ses mains. Là, il ne s'agissait pas de philosophie, mais de cette douleur brûlante et de la fureur libératrice de la rébellion. Cela a fait écho dans notre génération, généralement plutôt silencieuse.

Entretien : Olga Fedyanina

Hameau à Moscou

Dans l'année anniversaire de Shakespeare, l'une des principales sensations de la saison théâtrale de Moscou a été Hamlet. Collage ”- dans une performance solo mise en scène par le Canadien Robert Lepage au Théâtre des Nations, tous les rôles sont confiés à un seul interprète, Yevgeny Mironov. En général, cette saison, Hamlet peut être vu sur cinq sites de Moscou.

Théâtre. M.N. Ermolova

Réalisateur - Valery Sarkisov, Hamlet - Alexander Petrov, première - décembre 2013

Théâtre des Nations

Metteur en scène - Robert Lepage, Hamlet - Yevgeny Mironov, création - décembre 2013

"Centre Gogol"

Réalisé par David Bobet, Hamlet de Filipp Avdeev, créé en novembre 2013

Théâtre "A la porte Nikitsky"

Réalisateur — Mark Rozovsky, Hamlet — Maxim Zausalin / Valery Tolkov, création — octobre 2013

Théâtre de l'armée russe

Metteur en scène — Boris Morozov, Hamlet — Nikolai Lazarev, création — octobre 2006