Renaissance (Renaissance). Italie. XV-XVI siècles. capitalisme primitif. Le pays est gouverné par de riches banquiers. Ils s'intéressent à l'art et à la science.

Les riches et les puissants rassemblent les talentueux et les sages autour d'eux. Poètes, philosophes, peintres et sculpteurs ont des conversations quotidiennes avec leurs mécènes. À un moment donné, il a semblé que le peuple était gouverné par des sages, comme le voulait Platon.

Rappelez-vous les anciens Romains et Grecs. Ils ont également construit une société de citoyens libres, où la valeur principale est la personne (sans compter les esclaves, bien sûr).

La Renaissance ne se contente pas de copier l'art des civilisations anciennes. Ceci est un mélange. Mythologie et christianisme. Réalisme de la nature et sincérité des images. Beauté physique et spirituelle.

Ce n'était qu'un éclair. Période Haute Renaissance- c'est environ 30 ans! Des années 1490 à 1527 Dès le début de l'épanouissement de la créativité de Léonard. Avant le sac de Rome.

Le mirage d'un monde idéal s'est rapidement estompé. L'Italie était trop fragile. Elle fut bientôt asservie par un autre dictateur.

Pourtant, ces 30 ans ont déterminé les grands traits de la peinture européenne pour les 500 ans à venir ! Jusqu'à .

Réalisme des images. Anthropocentrisme (lorsque le centre du monde est l'homme). Perspective linéaire. Peinture à l'huile. Portrait. Paysage…

Incroyablement, au cours de ces 30 années, plusieurs maîtres brillants ont travaillé en même temps. À d'autres moments, ils naissent un tous les 1000 ans.

Léonard, Michel-Ange, Raphaël et Titien sont les titans de la Renaissance. Mais il est impossible de ne pas mentionner leurs deux prédécesseurs : Giotto et Masaccio. Sans quoi il n'y aurait pas de Renaissance.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto de Bondogni. Fragment du tableau "Cinq Maîtres de la Renaissance Florentine". Début du XVIe siècle. .

XIVe siècle. Proto-Renaissance. Son personnage principal est Giotto. C'est un maître qui à lui seul a révolutionné l'art. 200 ans avant la Haute Renaissance. Sans lui, l'ère dont l'humanité est si fière ne serait guère venue.

Avant Giotto, il y avait des icônes et des fresques. Ils ont été créés selon les canons byzantins. Des visages au lieu de visages. chiffres plats. Inadéquation proportionnelle. Au lieu d'un paysage - un fond doré. Comme, par exemple, sur cette icône.

Guido de Sienne. Adoration des Mages. 1275-1280 Altenbourg, Musée Lindenau, Allemagne.

Et soudain apparaissent les fresques de Giotto. Sur eux figures en trois dimensions. Visages de gens nobles. Vieux et jeune. Triste. Triste. Surpris. Divers.

Fresques de Giotto dans l'église des Scrovegni à Padoue (1302-1305). A gauche : Lamentation du Christ. Milieu : Baiser de Judas (détail). À droite : Annonciation de sainte Anne (mère de Marie), fragment.

La principale création de Giotto est un cycle de ses fresques dans la chapelle des Scrovegni à Padoue. Lorsque cette église s'est ouverte aux paroissiens, des foules de gens y ont afflué. Ils n'ont jamais vu ça.

Après tout, Giotto a fait quelque chose d'inédit. Il a traduit histoires bibliques dans un langage simple et compréhensible. Et ils sont devenus beaucoup plus accessibles aux gens ordinaires.

Giotto. Adoration des Mages. 1303-1305 Fresque de la chapelle des Scrovegni à Padoue, Italie.

C'est ce qui caractérisera de nombreux maîtres de la Renaissance. Laconisme des images. Vivez les émotions des personnages. Le réalisme.

En savoir plus sur les fresques du maître dans l'article.

Giotto était admiré. Mais son innovation n'a pas été développée davantage. La mode du gothique international arrive en Italie.

Ce n'est qu'après 100 ans qu'un digne successeur de Giotto apparaîtra.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportrait (fragment de la fresque « Saint Pierre en chaire »). 1425-1427 La chapelle Brancacci à Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Début du XVe siècle. La soi-disant Première Renaissance. Un autre innovateur entre en scène.

Masaccio a été le premier artiste à utiliser la perspective linéaire. Il a été conçu par son ami l'architecte Brunelleschi. Maintenant, le monde représenté est devenu similaire au monde réel. L'architecture des jouets appartient au passé.

Masaccio. Saint Pierre guérit avec son ombre. 1425-1427 La chapelle Brancacci à Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Il a adopté le réalisme de Giotto. Cependant, contrairement à son prédécesseur, il connaissait déjà bien l'anatomie.

Au lieu de personnages en blocs, Giotto est un peuple magnifiquement bâti. Tout comme les anciens Grecs.

Masaccio. Baptême des néophytes. 1426-1427 Chapelle Brancacci, église Santa Maria del Carmine à Florence, Italie.
Masaccio. Exil du Paradis. 1426-1427 Fresque de la chapelle Brancacci, Santa Maria del Carmine, Florence, Italie.

Masaccio a vécu une courte vie. Il est mort, comme son père, de façon inattendue. A 27 ans.

Cependant, il avait de nombreux adeptes. Les maîtres des générations suivantes se sont rendus à la chapelle Brancacci pour apprendre de ses fresques.

Ainsi l'innovation de Masaccio a été reprise par tous les grands artistes de la Haute Renaissance.

3. Léonard de Vinci (1452-1519)

Léonard de Vinci. Autoportrait. 1512 Bibliothèque royale de Turin, Italie.

Léonard de Vinci est l'un des titans de la Renaissance. Il a grandement influencé le développement de la peinture.

C'est da Vinci qui a élevé le statut de l'artiste lui-même. Grâce à lui, les représentants de cette profession ne sont plus seulement des artisans. Ce sont les créateurs et les aristocrates de l'esprit.

Leonardo a fait une percée principalement dans le portrait.

Il pensait que rien ne devait détourner l'attention de l'image principale. L'œil ne doit pas errer d'un détail à l'autre. Il est donc apparu portraits célèbres. Concis. Harmonieux.

Léonard de Vinci. Dame à l'hermine. 1489-1490 Musée Chertoryski, Cracovie.

La principale innovation de Léonard est qu'il a trouvé un moyen de rendre les images... vivantes.

Avant lui, les personnages des portraits ressemblaient à des mannequins. Les lignes étaient claires. Tous les détails sont soigneusement dessinés. Un dessin peint ne peut pas être vivant.

Leonardo a inventé la méthode sfumato. Il a flouté les lignes. Fait la transition de la lumière à l'ombre très douce. Ses personnages semblent être couverts d'une brume à peine perceptible. Les personnages ont pris vie.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Sfumato entrera dans le vocabulaire actif de tous les grands artistes du futur.

Souvent, il y a une opinion que Leonardo, bien sûr, un génie, mais ne savait pas comment mettre fin à quoi que ce soit. Et il n'a souvent pas fini de peindre. Et beaucoup de ses projets sont restés sur papier (d'ailleurs, en 24 volumes). En général, il a été jeté dans la médecine, puis dans la musique. Même l'art de servir à une époque était friand.

Cependant, pensez par vous-même. 19 tableaux - et lui - le plus grand artiste tous les temps et tous les peuples. Et quelqu'un n'est même pas proche de la grandeur en écrivant 6 000 toiles dans sa vie. Évidemment, qui a une plus grande efficacité.

À propos d'elle-même peinture célèbre lire l'assistant dans l'article.

4. Michel-Ange (1475-1564)

Danièle de Volterra. Michel-Ange (détail). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michel-Ange se considérait comme un sculpteur. Mais il était un maître universel. Comme ses autres collègues de la Renaissance. Dès lors, son héritage pictural n'en est pas moins grandiose.

Il est reconnaissable principalement par des caractères physiquement développés. Il a dépeint un homme parfait en qui la beauté physique signifie la beauté spirituelle.

Par conséquent, tous ses personnages sont si musclés, robustes. Même les femmes et les personnes âgées.

Michel-Ange. Fragments de la fresque du Jugement dernier dans la Chapelle Sixtine, Vatican.

Michel-Ange a souvent peint le personnage nu. Et puis j'ai ajouté des vêtements par dessus. Pour rendre le corps aussi gaufré que possible.

Il peint seul le plafond de la Chapelle Sixtine. Bien que ce soit quelques centaines de chiffres! Il n'a même laissé personne frotter la peinture. Oui, il était peu sociable. Il avait une personnalité dure et querelleuse. Mais surtout, il était mécontent de… lui-même.

Michel-Ange. Fragment de la fresque "Création d'Adam". 1511 La Chapelle Sixtine, Vatican.

Michel-Ange a vécu une longue vie. A survécu au déclin de la Renaissance. Pour lui, ce fut une tragédie personnelle. Ses œuvres ultérieures sont pleines de tristesse et de chagrin.

Fais juste manière créative Michel-Ange est unique. Ses premières œuvres sont l'éloge du héros humain. Libre et courageux. À meilleures traditions La Grèce ancienne. Comme son David.

À dernières années la vie sont des images tragiques. Une pierre volontairement grossièrement taillée. Comme si devant nous se trouvaient des monuments aux victimes du fascisme du XXe siècle. Regardez sa "Pieta".

Sculptures de Michel-Ange à l'Académie beaux-Artsà Florence. À gauche : David. 1504 À droite : Pietà de Palestrina. 1555

Comment est-ce possible? Un artiste a traversé toutes les étapes de l'art de la Renaissance au XXe siècle en une seule vie. Que feront les prochaines générations ? Trace ton propre chemin. Sachant que la barre a été placée très haut.

5. Raphaël (1483-1520)

. 1506 Galerie des Offices, Florence, Italie.

Raphaël n'a jamais été oublié. Son génie a toujours été reconnu : de son vivant comme après sa mort.

Ses personnages sont dotés d'une beauté sensuelle et lyrique. C'est lui qui est à juste titre considéré comme le plus beau images féminines jamais créé. La beauté extérieure reflète la beauté spirituelle des héroïnes. Leur douceur. Leur sacrifice.

Raphaël. . 1513 Galerie des Maîtres anciens, Dresde, Allemagne.

Les mots célèbres "La beauté sauvera le monde" Fiodor Dostoïevski a dit précisément à propos. C'était sa photo préférée.

Cependant, les images sensuelles ne sont pas le seul point fort de Raphaël. Il réfléchit très attentivement à la composition de ses tableaux. Il était un architecte inégalé dans la peinture. De plus, il a toujours trouvé la solution la plus simple et la plus harmonieuse dans l'organisation de l'espace. Il semble qu'il ne peut en être autrement.

Raphaël. école d'Athènes. 1509-1511 Fresque dans les salles du Palais apostolique, Vatican.

Rafael n'a vécu que 37 ans. Il est mort subitement. Des rhumes attrapés et des erreurs médicales. Mais son héritage ne peut être surestimé. De nombreux artistes ont idolâtré ce maître. Et ils ont multiplié ses images sensuelles dans des milliers de leurs toiles..

Titien était un coloriste hors pair. Il a aussi beaucoup expérimenté la composition. En général, il était un innovateur audacieux.

Pour un tel éclat de talent, tout le monde l'aimait. Appelé "le roi des peintres et le peintre des rois".

En parlant de Titien, je veux mettre un point d'exclamation après chaque phrase. Après tout, c'est lui qui a donné de la dynamique à la peinture. Pathétique. Enthousiasme. Couleur vive. Eclat de couleurs.

Titien. Ascension de Marie. 1515-1518 Église de Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venise.

Vers la fin de sa vie, il a développé une technique d'écriture inhabituelle. Les traits sont rapides et épais. La peinture était appliquée soit au pinceau, soit avec les doigts. De là - les images sont encore plus vivantes, respirantes. Et les intrigues sont encore plus dynamiques et dramatiques.

Titien. Tarquin et Lucrèce. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, Angleterre.

Cela ne vous rappelle rien ? Bien sûr, c'est une technique. Et technique artistes du 19ème siècle : Barbizon et. Titien, comme Michel-Ange, traversera 500 ans de peinture en une seule vie. C'est pourquoi il est un génie.

Lisez à propos du célèbre chef-d'œuvre du maître dans l'article.

Les artistes de la Renaissance sont les détenteurs d'un grand savoir. Pour laisser un tel héritage, il a fallu beaucoup étudier. Dans le domaine de l'histoire, de l'astrologie, de la physique, etc.

Par conséquent, chacune de leurs images nous fait réfléchir. Pourquoi est-il affiché ? Quel est le message crypté ici ?

Ils ne se trompent presque jamais. Parce qu'ils ont bien réfléchi à leur futur travail. Ils ont utilisé tout le bagage de leur savoir.

Ils étaient plus que des artistes. C'étaient des philosophes. Ils nous expliquaient le monde à travers la peinture.

C'est pourquoi ils seront toujours profondément intéressants pour nous.

Contrairement à l'Italie, la Renaissance est arrivée plus tard en France, en Allemagne et aux Pays-Bas. Les traditions médiévales ont cédé la place à la nouveauté, donc, dans l'art Renaissance du Nord, limité au premier tiers des XV-XVI siècles, l'attitude mystique et le style gothique combinés aux tendances classiques de la nouvelle époque. Dans les œuvres des artistes de la Renaissance du Nord, plus nettement que dans la peinture des Italiens, un intérêt pour la personnalité humaine et son environnement s'est manifesté. L'idée de l'harmonie divine s'y exprimait très clairement ; la religiosité est perceptible jusque dans les moindres détails des tableaux des maîtres français, allemands et hollandais : il semble qu'ils déifient chaque feuille d'un arbre et chaque brin d'herbe au sol. L'un des traits caractéristiques de la peinture de la Renaissance nordique est le naturalisme. Insistant sur les traits individuels, les artistes donnent aux personnages bibliques une ressemblance avec les modèles. Ceci est caractéristique des œuvres de H. Baldung Green, J. van Eyck et A. Durer, qui ont cherché à combiner le naturalisme et l'expressivité gothiques avec l'idéalisation du classicisme. Dans les œuvres de nombreux artistes, le naturalisme a parfois pris des formes grossières, voire répugnantes. Une autre caractéristique de l'art de cette période est l'expressivité. Les figures humaines dans les peintures sont très dynamiques, souvent leurs proportions sont déformées. L'expression et la tension sont également caractéristiques du paysage entourant les héros, les drapés et les vêtements. Le mysticisme et le détachement inhérents à la peinture des maîtres de l'Europe du Nord se conjuguent avec des éléments de spécificité : les artistes habillent les personnages de vêtements modernes, notant soigneusement leurs détails. Les fondateurs de la Renaissance du Nord sont considérés comme les frères peintres hollandais Jan van Eyck et Hubert van Eyck, Rogier van der Weyden, Hans Memling, qui ont travaillé au XVe siècle. Un peu plus tard, leurs idées et leur technique de peinture ont été reprises par des artistes allemands. Dans son style, la peinture de la Renaissance du Nord est hétérogène: aux Pays-Bas, elle se distinguait par les traits du panthéisme et du naturalisme, en Allemagne, elle était caractérisée par le spiritisme mystique (ce qui est particulièrement visible dans l'œuvre de M. Grunewald) et en France - sensationnalisme.

La spécificité du développement du style artistique des Pays-Bas à la Renaissance. La Renaissance nordique est une période du développement culturel des pays situés au nord des Alpes - Pays-Bas, Allemagne, France dans le 1er tiers des XVe-XVIe siècles. Sév. La renaissance est née sous l'influence de l'Italie. L'art gothique était le sol sur lequel le Ser. Renaissance. En Europe du Nord en plein essor nouvelle culture la plus grande influence n'était pas l'héritage antique, mais le christianisme. Comme mercredi. Pendant des siècles, et plus tard, les artistes ont compris que Dieu est en principe indescriptible. On croyait que l'image de Dieu est le plus clairement imprimée dans le monde environnant. Par conséquent, le sujet d'attention de l'artiste nord-européen de la Renaissance est devenu le ciel et la lumière du soleil, l'eau et les pierres, les plantes et les animaux, l'homme lui-même, sa demeure. L'art nord-européen a interprété la place de l'homme dans l'univers différemment de l'art italien. Dans l'art italien, une personne dotée de possibilités créatives illimitées, capable de transformer le monde, était considérée comme le centre de l'univers. Dans l'art de Sev. En Europe, l'homme n'est pas le summum de la création, mais seulement l'un des nombreux témoignages de la toute-puissance du Créateur. Pour eux, une personne est à la fois belle et majestueuse, mais pas plus qu'une pierre ou un brin d'herbe.

Renaissance du Nord - les images n'étaient pas dotées d'harmonie (comme en Italie), mais copiaient les moindres détails au naturalisme. Les hottes de la Renaissance du Nord se souciaient peu de la beauté corps humain, pour eux, l'expressivité gothique, la violation de la proportion des figures, les plis des vêtements en mouvement agité, les muscles et les veines du cou étaient plus expressifs. L'art de cette époque était stylistiquement hétérogène et se manifestait de différentes manières aux Pays-Bas, en Allemagne et en France.

De nouvelles caractéristiques de l'art de la Renaissance sont apparues aux Pays-Bas. Ce pays était l'un des pays industrialisés les plus riches d'Europe. Il a son propre idéal de personne - clair, sobre, professionnel. Des connexions étendues ont permis de percevoir rapidement de nouvelles directions. Les artistes ont copié chaque brin d'herbe de leur paysage, les moindres détails de la vie quotidienne, ils ont vu la beauté de tout cela. Dans l'art néerlandais, les caractéristiques du folklore, de la fantaisie, du grotesque et de la satire aiguë sont fortes, mais sa principale caractéristique est un sens profond de l'identité nationale de la vie, formes folkloriques la culture, le mode de vie, les mœurs, les types, ainsi que l'affichage des contrastes sociaux dans la vie des différentes couches de la société. Le style Renaissance aux Pays-Bas a été découvert par Jan van Eyck. Une des oeuvres les plus étonnantes Retable de Gand. Il s'agit d'un pli à deux niveaux, pour 26 tableaux. Les peintures qui composent l'autel sont regroupées en 2 cycles picturaux : quotidien (peinture sur l'extérieur des portes de l'autel, accessible au spectateur lorsque l'autel est fermé) et festif (intérieur). L'image de la vie quotidienne est instantanément remplacée par le spectacle d'un paradis terrestre. C'est la glorification de la beauté de la vie terrestre. Ici, vous pouvez voir des observations de la nature, des figures et des objets en volume et poids tridimensionnels. Dans une autre image, les mondes terrestre et céleste se rencontrent face à face - "Madonna of Chancellor Rolin". Batya Van Eyck a ouvert peinture à l'huile. Le contenu réaliste de l'art de Jan van Eyck s'est manifesté dans le genre du portrait. Pour la première fois en Europe, un portrait jumelé a été créé "Portrait de l'Arnolfine" sur le fond du salon. Les traits d'un caractère individuel sont transmis en copiant les moindres détails de la vie quotidienne, des vêtements, des personnages. L'image d'une personne entourée de choses concrètes. Le transfert de perspective et d'ambiance aérienne est véhiculé à l'aide d'un miroir dans lequel ils se reflètent, approfondissant l'espace.

Rogier Van der Weyden a adopté des éléments d'une représentation réaliste de la réalité de son professeur Jan Van Eyck, mais est resté sous l'influence du gothique. sur la photo "Descente de croix" reflète son propre style expressif. Signes de ce style: une ligne de silhouette, des contours linéaires clairs, de grandes taches de couleur planes lumineuses et un riche décor ornemental. Weiden n'était pas attiré par la diversité du monde. Il se concentrait sur la personne, la voyait comme une source de beauté et de perfection spirituelle. Alors entourant une personne il restitue l'environnement sans scrupule, c'est le fond. Mais l'ornement et les détails sont scrupuleusement écrits dans l'esprit du naturalisme hollandais. Par exemple, un retable "Adoration des mages"à Munich. Le thème est religieux, mais en raison de l'extrême réalisme du transfert des personnages, il a acquis une sonorité profane. Par conséquent, cela ressemble à une scène de genre. Les portraits créés par l'artiste se distinguent par l'attention portée monde complexe les sentiments et les humeurs humaines.

La seconde moitié du XVe siècle est marquée par des conflits politiques et religieux. A cette époque, Hieronymus Bosch travaillait. Son travail se distingue dans l'art des Pays-Bas. Sa peinture est empreinte d'un profond pessimisme. Dans son œuvre, un lien avec les croyances populaires et le folklore se dégage, une envie de bas, de laid, de satire sociale, habillée d'une forme allégorique, religieuse ou fantasmagorique lugubre, se révèle plus clairement. Il a pénétré les profondeurs de la psyché humaine. Il a conservé l'appréciation médiévale dévastatrice de l'homme que tous les artistes de la Renaissance néerlandaise ont abandonnée. Dans son œuvre, il fustige les vices des velléitaires, impuissants, embourbés dans les péchés de l'humanité. Bosch vivait dans son propre monde effrayant. L'intrigue de ses peintures montrait les phénomènes négatifs de la vie. L'existence terrestre des gens est pécheresse, pour cela il y aura un Jugement Dernier. L'image de la pègre a pris des proportions grandioses . "Jardin les plaisirs », « Le Jugement dernier », « Chariot de foin ». Dans ses compositions il n'y a pas de centre, pas de main acteur de cinéma. L'espace est rempli de nombreuses figures et objets: des reptiles exagérés, des crapauds, des araignées, des parties de différentes créatures et objets y sont connectés. Le but de la composition de Bosch est l'édification morale. Même dans les peintures de tous les jours, Bosch donne une faible estimation de l'humanité. Il est le fondateur peinture de genre. "Porter la croix", "Nef des fous", "Fils prodigue"- ici les gens sont porteurs du mal et de la folie. Son travail se caractérise par un lien avec les traditions folkloriques. L'artiste a introduit des motifs de paysage et de genre dans ses peintures. Bosch a peint avec des couleurs bleues, roses et émeraudes transparentes, créant des combinaisons de couleurs délicates.

Un nouvel essor de la peinture néerlandaise commence au XVIe siècle. Elle s'accompagne de quêtes variées, d'une rupture douloureuse avec les anciennes traditions, d'une lutte entre de nouveaux courants artistiques. Cela a conduit au rejet des traditions artistiques du XVe siècle, les artistes se sont tournés vers un reflet plus direct de la réalité, la modernité. Dans la peinture néerlandaise, la source de l'art populaire réaliste s'est renforcée. Vers le milieu du XVIe siècle. non seulement la nature de la peinture religieuse change, mais les thèmes consacrés à la vie s'affirment de plus en plus populace- paysans, pauvres, vagabonds, mendiants - un genre monumental de la vie quotidienne, des natures mortes, des portraits individuels et de groupe se développe. Le « réalisme grotesque » avec ses intrigues de conte de fées caractéristiques et ses motifs folkloriques atteint une floraison particulière.

L'apogée de la Renaissance néerlandaise était Pieter Brueghel l'Ancien, on peut l'appeler un chanteur de foule. Il a été surnommé Muzhitsky pour son amour des thèmes folkloriques. Les peintures montrent le mode de vie et les coutumes de leur peuple au milieu du XVIe siècle. Son art a grandi sur les traditions hollandaises et folklore. "Proverbes hollandais", "Jeux d'enfants" reflète l'activité insensée active des gens. Ils vivent selon les lois du "monde inversé" insensé. Les peintures de Brueghel n'ont pas été créées pour les paysans, elles sont pour les connaisseurs. Il n'a pas peint pour bâtiments publiques, des églises. L'esprit sombre de cette époque (oppression et exécution par les Espagnols) se reflétait dans les peintures "Mad Greta" et "Le triomphe de la mort". Le développement du genre paysage est associé à son nom. Il dépeint de nombreuses petites figures dans les vastes étendues de la nature. Compositions de fonctionnalités - vue d'en haut ( "Paysage d'hiver", "Chasseurs dans la neige",« La Chute d'Icare", "Jeux d'enfants"). Le paysage et la peinture de genre de Brueghel sont ses réflexions philosophiques. Créé une série Saisons" où il dépeint pour la première fois une activité humaine utile et significative. L'homme fait partie intégrante de la nature, en dépend et recherche l'harmonie avec elle. À la fin de sa vie, Brueghel peint un tableau "Aveugle"- une illustration de la parabole évangélique des aveugles. La cécité symbolise ici le destin aveugle. L'artiste sous la forme d'infirmes symbolise l'image de l'humanité, physiquement et spirituellement aveugle.

Avec son œuvre, Brueghel complète la recherche des peintres hollandais des XVe-XVIe siècles. En même temps, il ouvre la voie à l'art du XVIIe siècle, l'art de Rubens et de Rembrandt.

Fin du travail -

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Thème 31. Les beaux-arts russes au tournant des XIXe et XXe siècles arts visuels le genre social et domestique s'affirme. E

Diversité dans le développement de l'art domestique dans la seconde moitié du XXe siècle
En 1947, l'Académie des arts de l'URSS a été créée, et dans les années 1950. dans le domaine des beaux-arts, un système rigide d'enseignement et de production a été mis en place. Le futur artiste devait passer par une série d'épreuves obligatoires

L'art à la Renaissance était la principale forme d'activité spirituelle. Elle est devenue pour les gens de la Renaissance ce que la religion était au Moyen Âge, dans les temps modernes la science et la technologie. Pas étonnant qu'on ait défendu l'idée que la personne idéale devrait être un artiste. Il n'y avait presque pas de gens indifférents à l'art. Une œuvre d'art qui exprime le plus pleinement à la fois l'idéal d'un monde harmonieusement organisé et la place de l'homme en son sein. Toutes les formes d'art sont subordonnées à cette tâche à des degrés divers.

Jalons et genres littéraires Les époques de la Renaissance sont associées à l'évolution des concepts humanistes dans les périodes du début, de la haute et de la fin de la Renaissance. La littérature du début de la Renaissance se caractérise par une nouvelle, surtout comique (Bocaccio), d'orientation anti-féodale, glorifiant une personnalité entreprenante et exempte de préjugés. La Haute Renaissance est marquée par l'aube d'un poème héroïque : en Italie - de L. Pulci, F. Berni, en Espagne - de L. Camões, dont l'intrigue aventureuse et chevaleresque poétise l'idée Renaissance d'un homme né pour de grandes actes. L'épopée originale de la Haute Renaissance, une image complète de la société et de ses idéaux héroïques sous forme de conte de fées folklorique et de philosophico-comique, était l'œuvre de Rabelais "Gargantua et Pantagruel". À la fin de la Renaissance, caractérisée par une crise du concept d'humanisme et la création d'une société bourgeoise émergente prosaïque, les genres pastoraux du roman et du drame se sont développés. Le plus haut essor de la fin de la Renaissance sont les drames de Shakespeare et les romans de Cervantès, basés sur des conflits tragiques ou tragi-comiques entre une personnalité héroïque et un système de vie sociale indigne.

Le contenu humaniste progressiste de la culture de la Renaissance s'exprimait vivement dans arts du théâtre, connu un impact significatif du drame antique. Il se caractérise par un intérêt pour le monde intérieur d'une personne dotée de traits d'une individualité puissante. Caractéristiques distinctives art théâtral La Renaissance a été le développement des traditions de l'art populaire, du pathos qui affirme la vie, une combinaison audacieuse d'éléments tragiques et comiques, poétiques et bouffons. Tel est le théâtre d'Italie, d'Espagne, d'Angleterre. la plus haute réalisation Théâtre italienétait la commedia dell'arte d'improvisation (XVIe siècle). Le plus grand théâtre florissant de la Renaissance atteint dans les œuvres de Shakespeare.

A la Renaissance, professionnelle musique perd le caractère d'art purement religieux et est influencé par la musique folklorique, imprégnée d'une nouvelle vision du monde humaniste. Divers genres d'art musical profane apparaissent - frottala et villanella en Italie, villancico en Espagne, ballade en Angleterre, madrigal, qui est originaire d'Italie, mais s'est répandu. Les aspirations humanistes laïques pénètrent également la musique culte. De nouveaux genres de musique instrumentale émergent et des écoles nationales d'interprétation au luth et à l'orgue voient le jour. La Renaissance s'achève avec l'émergence de nouveaux genres musicaux - chansons solistes,

oratorios, opéras.

Cependant, l'idéal esthétique et artistique de la Renaissance s'exprime le plus pleinement architecture, sculpture, peinture. Notez que dans le système des arts pendant cette période il y a un mouvement

accents. L'architecture a cessé d'être le « chef d'orchestre » de l'orchestre des arts. La peinture vient au premier plan. Et ce n'est pas un hasard. L'art de la Renaissance cherchait à connaître et à montrer le monde réel, sa beauté, sa richesse, sa diversité. Et la peinture à cet égard avait plus d'opportunités que les autres arts. Notre compatriote, remarquable connaisseur de la Renaissance italienne P. Muratov l'écrivait ainsi : « L'humanité n'a jamais été aussi insouciante par rapport à la cause des choses et n'a jamais été aussi sensible à leurs phénomènes. Le monde est donné à l'homme, et comme c'est un petit monde, tout y est précieux, chaque mouvement de notre corps, chaque volute d'une feuille de vigne, chaque perle d'un vêtement de femme. Pour un œil d'artiste, il n'y avait rien de petit et d'insignifiant dans le spectacle de la vie. Tout était pour lui le sujet de la connaissance »(Muratov P. Images de l'Italie. - M., 1994. P.

En d'autres termes, la soif de savoir, qui caractérise tant la personnalité de la Renaissance, s'est d'abord traduite par la forme du savoir artistique. Mais dans un effort pour refléter au mieux toutes les formes naturelles, l'artiste se tourne vers la connaissance scientifique. Le lien étroit entre la science et l'art est un trait caractéristique de la culture de la Renaissance. poursuivre créativité artistique, les artistes sont passés par la perspective - dans le domaine de l'optique et de la physique, par des problèmes de proportions - dans l'anatomie et les mathématiques, etc. Cela a conduit les maîtres de la Renaissance à identifier même la science et l'art. De plus, certains d'entre eux, comme Léonard de Vinci, considéraient l'art comme la science la plus importante, car l'art fournit la représentation la plus précise et la plus parfaite de la vie. L'union de la science et de l'art a aidé l'art à résoudre de nombreux problèmes visuels très importants. Un nouveau système de vision artistique du monde se développe, basé sur la confiance dans les perceptions sensorielles humaines, principalement visuelles. Représenter comme on le voit est le principe initial des artistes de la Renaissance. Et nous ne voyons pas les choses isolément, mais en unité avec l'environnement où elles se trouvent. L'environnement est spatial ; les objets, situés dans l'espace, sont vus en abréviations.

Les artistes de la Renaissance développent des principes, découvrent les lois de la perspective linéaire directe. Les créateurs de la théorie de la perspective étaient Brunelleschi, Masaccio, Alberti, Léonard de Vinci. Avec une construction en perspective, l'image entière se transforme en une sorte de fenêtre à travers laquelle nous regardons le monde. L'espace se développe en profondeur en douceur, coulant imperceptiblement d'un plan à l'autre. L'ouverture de perspective avait importance: elle a contribué à élargir la gamme des phénomènes représentés, pour inclure l'espace, le paysage, l'architecture dans la peinture.

La combinaison d'un scientifique et d'un artiste en une seule personne, en une seule personnalité créative était possible à la Renaissance et deviendra impossible plus tard. Les maîtres de la Renaissance sont souvent appelés "titan-

mi", se référant à leur polyvalence. "C'était une époque qui avait besoin de titans et a donné naissance en termes de force de pensée, de passion et de caractère, en termes de polyvalence et d'érudition", a écrit F. Engels (Marx K., EngelsF.-Soch-.T.20. S 346).

Léonard de Vinci (1452-1519) était un peintre, sculpteur, architecte, écrivain, musicien, théoricien de l'art, ingénieur militaire, inventeur, mathématicien, anatomiste et botaniste. Il a exploré presque tous les domaines des sciences naturelles, prévu beaucoup de choses auxquelles on n'avait pas encore pensé à cette époque. Lorsqu'ils ont commencé à analyser ses manuscrits et ses innombrables dessins, ils ont découvert les découvertes de la mécanique du XIXème siècle. Vasari a écrit avec admiration à propos de Léonard de Vinci: "... Il y avait tellement de talent en lui et ce talent était tel que peu importe les difficultés vers lesquelles son esprit se tournait, il les résolvait avec facilité... Ses pensées et son audace étaient toujours royales et généreux, et la gloire de son nom a tellement grandi qu'il a été apprécié non seulement à son époque, mais aussi après sa mort »(George Vasari. Vies des peintres, sculpteurs et architectes les plus célèbres de la Renaissance.-S. -Pb., 1992.S.197).

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) - un autre grand maître de la Renaissance, une personne polyvalente et polyvalente: sculpteur, architecte, artiste, poète. La poésie était la plus jeune des muses de Michel-Ange. Plus de 200 d'entre eux nous sont parvenus.

poèmes.

Raphaël Santi (1483-1520) est non seulement un artiste talentueux, mais aussi un artiste polyvalent : architecte et muraliste, portraitiste et décorateur.

Albrecht Durer (1471-1528) - le fondateur et le plus grand représentant de la Renaissance allemande, "le nord de Léonard de Vinci", a créé plusieurs dizaines de peintures, plus d'une centaine de gravures, environ 250 gravures sur bois, plusieurs centaines de dessins, aquarelles. Dürer était également un théoricien de l'art, le premier en Allemagne à créer un ouvrage sur la perspective et à écrire Quatre livres sur les proportions. Ces exemples pourraient être poursuivis. Ainsi, l'universalité, la polyvalence, le talent créatif étaient un trait caractéristique des maîtres de la Renaissance.

3.1 Renaissance italienne

La culture de la Renaissance est née en Italie. Chronologiquement, la Renaissance italienne est généralement divisée en 4 étapes : Proto-Renaissance (Pré-Renaissance) - la seconde moitié des XIII-XIV siècles ; début de la Renaissance - XVe siècle; Haute Renaissance - la fin du XVe siècle. - premier tiers du XVIe siècle ; Renaissance postérieure - fin XVI dans.

La Proto-Renaissance était une préparation à la Renaissance, elle était étroitement liée au Moyen Âge, aux traditions romanes, gothiques, byzantines. Et même dans le travail des artistes-nouveaux-

Tori, il n'est pas facile de tracer une ligne claire séparant l'ancien du nouveau. Démarrer nouvelle ère associé au nom de Giotto di Bondone (1266 - 1337). Les artistes de la Renaissance le considéraient comme un réformateur de la peinture. Giotto a décrit le chemin parcouru par son développement: la croissance de moments réalistes, le remplissage de formes religieuses avec un contenu profane, la transition progressive des images plates vers la tridimensionnelle et le relief.

Les plus grands maîtres du début de la Renaissance - F. Brunelleschi (1377-1446), Donatello (1386-1466), Verrocchio (1436-1488), Masaccio (1401-1428), Mantegna (1431-1506), S. Botticelli (1444 -1510) . La peinture de cette période fait une impression sculpturale, les figures dans les peintures des artistes ressemblent à des statues. Et ce n'est pas un hasard. Les maîtres de la première Renaissance ont cherché à restaurer l'objectivité du monde, qui avait presque disparu dans peinture médiévale, mettant l'accent sur le volume, la plasticité, la clarté de la forme. Les problèmes de couleur sont passés au second plan. Les artistes du XVe siècle découvrent les lois de la perspective et construisent des compositions complexes à plusieurs figures. Cependant, ils sont principalement limités perspective linéaire et ne remarquent presque pas l'environnement aérien. Et les arrière-plans architecturaux de leurs peintures ressemblent un peu à un plan.

À la Haute Renaissance, le géométrisme inhérent à la Première Renaissance ne s'arrête pas, mais s'approfondit même. Mais quelque chose de nouveau s'y ajoute: la spiritualité, le psychologisme, le désir de transmettre le monde intérieur d'une personne, ses sentiments, ses humeurs, ses états, son caractère, son tempérament. Une perspective aérienne se développe, la matérialité des formes s'obtient non seulement par le volume et la plasticité, mais aussi par le clair-obscur. L'art de la Haute Renaissance s'exprime le plus pleinement par trois artistes: Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange. Ils représentent les principales valeurs de la Renaissance italienne : Intelligence, Harmonie et Puissance.

Le terme Renaissance tardive est généralement appliqué à la Renaissance vénitienne. Seule Venise pendant cette période (seconde moitié du XVIe siècle) est restée indépendante, le reste des principautés italiennes a perdu son indépendance politique. La Renaissance à Venise avait ses propres caractéristiques. Elle s'intéressait peu à la recherche scientifique et aux fouilles d'antiquités anciennes. Sa Renaissance a d'autres origines. Venise a longtemps entretenu des liens commerciaux étroits avec Byzance, l'Orient arabe, commerçait avec l'Inde. Après avoir retravaillé à la fois gothique et traditions orientales, Venise a développé son propre style particulier, qui se caractérise par la brillance, peinture romantique. Pour les Vénitiens, les problèmes de couleur viennent au premier plan, la matérialité de l'image est obtenue par des dégradés de couleurs. Le plus large Maîtres vénitiens Haute et fin de la Renaissance - c'est Giorgione (1477-1510), Titien (1477-1576), Véronèse (1528-1588), Tintoret (1518-1594).

3.2. Renaissance du Nord

Il avait un caractère particulier renaissance du nord(Allemagne, Pays-Bas, France). La Renaissance du Nord est en retard sur l'italienne d'un siècle entier et commence lorsque l'Italie entre dans la phase la plus élevée de son développement. Dans l'art de la Renaissance nordique, il y a plus une vision du monde médiévale, un sentiment religieux, un symbolisme, c'est plus conventionnel dans la forme, plus archaïque, moins familier avec l'Antiquité.

La base philosophique de la Renaissance du Nord était le panthéisme. Le panthéisme, sans nier directement l'existence de Dieu, le dissout dans la nature, dote la nature d'attributs divins, tels que l'éternité, l'infini, l'infini. Puisque les panthéistes croyaient que dans chaque particule du monde il y a une particule de Dieu, ils ont conclu : chaque morceau de la nature est digne d'une image. De telles représentations conduisent à l'émergence du paysage comme genre indépendant. Les artistes allemands - maîtres du paysage A. Dürer, A. Altdorfer, L. Cranach ont représenté la majesté, la puissance, la beauté de la nature, ont transmis sa spiritualité.

Le deuxième genre qui s'est développé dans l'art de la Renaissance septentrionale est portrait. Un portrait indépendant, non associé à un culte religieux, est né en Allemagne dans le dernier tiers du XVe siècle. L'ère de Dürer (1490-1530) fut l'époque de son apogée remarquable. Il convient de noter que le portrait allemand diffère du portrait de la Renaissance italienne. Les artistes italiens dans leur culte de l'homme ont créé l'idéal de la beauté. Les artistes allemands étaient indifférents à la beauté, pour eux l'essentiel était de transmettre le caractère, d'atteindre l'expressivité émotionnelle de l'image, parfois au détriment de l'idéal, au détriment de la beauté. Cela reflète peut-être les échos de "l'esthétique du laid" typique du Moyen Âge, où la beauté spirituelle pouvait être cachée dans une apparence laide. Dans la Renaissance italienne, le côté esthétique est venu au premier plan, au nord - le côté éthique. Les plus grands maîtres du portrait en Allemagne sont A. Durer, G. Holbein Jr., aux Pays-Bas - Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, en France - J. Fouquet, J. Clouet, F. Clouet.

Le troisième genre qui a émergé et s'est développé principalement aux Pays-Bas est image de ménage. Le plus grand maître de la peinture de genre est Pieter Brueghel l'Ancien. Il a peint des scènes authentiques de la vie paysanne, et il a même placé des scènes bibliques dans le cadre rural des Pays-Bas à cette époque. Les artistes hollandais se distinguaient par leur extraordinaire virtuosité dans l'écriture, où le moindre détail était dépeint avec un soin extrême. Une telle image est très excitante pour le spectateur : plus vous la regardez, plus vous y trouvez des choses intéressantes.

En donnant une description comparative de la Renaissance italienne et nordique, une autre différence significative entre elles doit être soulignée. La Renaissance italienne se caractérise par le désir de restaurer la culture antique, le désir d'émancipation, la libération des dogmes de l'Église et l'éducation laïque. Dans la Renaissance nordique, la place principale était occupée par les questions d'amélioration religieuse, de renouvellement de l'Église catholique et de ses enseignements. L'humanisme nordique a conduit à la Réforme et au protestantisme.

LITTÉRATURE

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La peinture de la Renaissance est le fonds d'or non seulement de l'art européen, mais aussi mondial. La période de la Renaissance a remplacé le Moyen Âge sombre, subordonné à la moelle des os aux canons de l'église, et a précédé les Lumières et le Nouvel Âge qui ont suivi.

Calculer la durée de la période dépend du pays. L'ère de l'épanouissement culturel, comme on l'appelle communément, a commencé en Italie au XIVe siècle, puis s'est propagée à travers l'Europe et a atteint son apogée à la fin du XVe siècle. Les historiens se divisent Période donnée dans l'art en quatre étapes : Proto-Renaissance, début, haute et fin de la Renaissance. D'une valeur et d'un intérêt particulier est, bien sûr, peinture italienne de la Renaissance, mais ne perdons pas de vue les maîtres français, allemands, hollandais. C'est à leur sujet dans le contexte des périodes de la Renaissance que l'article discutera plus loin.

Proto-Renaissance

La période Proto-Renaissance a duré à partir de la seconde moitié du XIIIe siècle. au 14ème siècle Elle est étroitement liée au Moyen Âge, à la fin de laquelle elle est née. La Proto-Renaissance est le précurseur de la Renaissance et combine les traditions byzantine, romane et gothique. Tout d'abord, les tendances de la nouvelle ère sont apparues dans la sculpture, puis seulement dans la peinture. Ce dernier était représenté par deux écoles de Sienne et de Florence.

La figure principale de l'époque est le peintre et architecte Giotto di Bondone. Le représentant de l'école florentine de peinture est devenu un réformateur. Il a décrit le chemin le long duquel il s'est développé. Les caractéristiques de la peinture de la Renaissance trouvent leur origine précisément dans cette période. Il est généralement admis que Giotto a réussi à dépasser dans ses œuvres le style de peinture d'icônes commun à Byzance et à l'Italie. Il a créé l'espace non pas en deux dimensions, mais en trois dimensions, en utilisant le clair-obscur pour créer l'illusion de profondeur. Sur la photo se trouve le tableau "Baiser de Judas".

Les représentants de l'école florentine se sont tenus aux origines de la Renaissance et ont tout fait pour sortir la peinture de la longue stagnation médiévale.

La période Proto-Renaissance a été divisée en deux parties : avant et après sa mort. Jusqu'en 1337, les maîtres les plus brillants travaillent et les découvertes les plus importantes ont lieu. Après l'Italie couvre l'épidémie de peste.

Peinture de la Renaissance : en bref sur la première période

La Première Renaissance couvre une période de 80 ans : de 1420 à 1500. A cette époque, elle ne se départit pas encore complètement des traditions passées et est encore associée à l'art du Moyen Âge. Cependant, le souffle des nouvelles tendances se fait déjà sentir, les maîtres commencent à se tourner plus souvent vers les éléments de l'antiquité classique. En fin de compte, les artistes abandonnent complètement le style médiéval et commencent à utiliser avec audace les meilleurs exemples de la culture ancienne. Notez que le processus a été plutôt lent, étape par étape.

D'éminents représentants du début de la Renaissance

L'œuvre de l'artiste italien Piero dela Francesca appartient entièrement à la période du début de la Renaissance. Ses œuvres se distinguent par la noblesse, la beauté majestueuse et l'harmonie, la justesse de la perspective, les couleurs douces remplies de lumière. Dans les dernières années de sa vie, en plus de la peinture, il a étudié les mathématiques en profondeur et a même écrit deux de ses propres traités. Un autre étudiant était célèbre peintre, Luca Signorelli, et le style se reflète dans le travail de nombreux maîtres ombriens. Sur la photo ci-dessus, un fragment d'une fresque de l'église San Francesco à Arezzo "L'histoire de la reine de Saba".

Domenico Ghirlandaio est un autre représentant éminent de l'école florentine de la peinture de la Renaissance. période au début. Il fut le fondateur d'une célèbre dynastie artistique et le chef de l'atelier où débuta le jeune Michel-Ange. Ghirlandaio était un maître célèbre et couronné de succès, engagé non seulement dans les peintures à fresque (chapelle Tornabuoni, Sixtine), mais aussi dans la peinture de chevalet ("Adoration des mages", "Nativité", "Vieil homme avec son petit-fils", "Portrait de Giovanna Tornabuoni » - sur la photo ci-dessous).

Haute Renaissance

Cette période, au cours de laquelle il y a eu un magnifique développement de style, tombe sur les années 1500-1527. A cette époque, le centre de l'art italien s'installe à Rome depuis Florence. Cela est dû à l'ascension au trône papal de l'ambitieux et entreprenant Jules II, qui attira à sa cour les meilleurs artistes d'Italie. Rome est devenue quelque chose comme Athènes à l'époque de Périclès et a connu une ascension incroyable et un boom de la construction. En même temps, il y a une harmonie entre les branches de l'art : la sculpture, l'architecture et la peinture. La Renaissance les a réunis. Ils semblent aller de pair, se compléter et interagir.

L'Antiquité est étudiée de manière plus approfondie pendant la Haute Renaissance et reproduite avec un maximum d'exactitude, de rigueur et de cohérence. La dignité et la tranquillité remplacent la beauté coquette et les traditions médiévales sont complètement oubliées. L'apogée de la Renaissance est marquée par le travail de trois des plus grands maîtres italiens: Rafael Santi (le tableau "Donna Velata" sur l'image ci-dessus), Michel-Ange et Léonard de Vinci ("Mona Lisa" - sur la première photo).

Renaissance tardive

La Renaissance tardive couvre la période en Italie des années 1530 aux années 1590-1620. Les critiques d'art et les historiens réduisent les œuvres de cette époque à un dénominateur commun avec un haut degré de conventionnalité. L'Europe du Sud était sous l'influence de la Contre-Réforme qui y triomphait, qui percevait avec beaucoup d'appréhension toute libre-pensée, y compris la résurrection des idéaux de l'Antiquité.

Florence a vu la domination du maniérisme, caractérisé par des couleurs artificielles et des lignes brisées. Cependant, à Parme, où Correggio a travaillé, il n'a obtenu qu'après la mort du maître. La peinture vénitienne de la Renaissance de la période tardive a eu son propre chemin de développement. Palladio et Titien, qui y travaillèrent jusque dans les années 1570, en sont les plus brillants représentants. Leur travail n'avait rien à voir avec les nouvelles tendances à Rome et Florence.

Renaissance du Nord

Ce terme est utilisé pour caractériser la Renaissance dans toute l'Europe, qui était en dehors de l'Italie en général et en particulier dans les pays germanophones. Il a un certain nombre de fonctionnalités. La Renaissance du Nord n'est pas homogène et se caractérise dans chaque pays par des traits spécifiques. Les historiens de l'art le divisent en plusieurs domaines : français, allemand, néerlandais, espagnol, polonais, anglais, etc.

Le réveil de l'Europe s'est fait de deux manières : le développement et la diffusion d'une vision humaniste laïque du monde, et le développement des idées de renouveau traditions religieuses. Les deux se touchaient, se confondaient parfois, mais étaient en même temps antagonistes. L'Italie a choisi la première voie et l'Europe du Nord la seconde.

L'art du nord, y compris la peinture, n'a pratiquement pas été influencé par la Renaissance jusqu'en 1450. À partir de 1500, il s'est répandu sur tout le continent, mais à certains endroits, l'influence du gothique tardif a été préservée jusqu'à l'apparition du baroque.

La Renaissance septentrionale se caractérise par une influence importante du style gothique, une attention moins portée à l'étude de l'Antiquité et de l'anatomie humaine, et une technique d'écriture détaillée et méticuleuse. La Réforme a exercé sur lui une influence idéologique importante.

Renaissance nordique française

La peinture la plus proche de l'italien est la peinture française. La Renaissance pour la culture de la France a été une étape importante. A cette époque, la monarchie et les relations bourgeoises se renforçaient activement, les idées religieuses du Moyen Âge s'effacent au profit de tendances humanistes. Représentants : François Quesnel, Jean Fouquet (en photo un fragment du diptyque du maître de Melun), Jean Cluz, Jean Goujon, Marc Duval, François Clouet.

Renaissance nordique allemande et hollandaise

Des œuvres exceptionnelles de la Renaissance du Nord ont été créées par des maîtres allemands et flamands-néerlandais. La religion jouait encore un rôle important dans ces pays, et elle a fortement influencé la peinture. La Renaissance s'est déroulée aux Pays-Bas et en Allemagne d'une manière différente. Contrairement au travail des maîtres italiens, les artistes de ces pays n'ont pas mis l'homme au centre de l'univers. Pendant presque tout le XVe siècle. ils l'ont peint dans le style gothique : léger et éthéré. Les représentants les plus éminents de la Renaissance néerlandaise sont Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Kampen, Hugo van der Goes, allemand - Albert Dürer, Lucas Cranach l'Ancien, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Sur la photo, l'autoportrait d'A. Dürer, 1498

Malgré le fait que les œuvres des maîtres du Nord diffèrent considérablement des œuvres des peintres italiens, elles sont en tout cas reconnues comme des expositions inestimables des beaux-arts.

La peinture de la Renaissance, comme toute culture en général, se caractérise par un caractère laïc, humaniste et dit anthropocentriste, ou, en d'autres termes, un intérêt primordial pour l'homme et ses activités. Pendant cette période, il y a eu une véritable floraison d'intérêt pour l'art ancien, et il y a eu un renouveau de celui-ci. L'époque a donné au monde toute une galaxie de brillants sculpteurs, architectes, écrivains, poètes et artistes. Jamais auparavant ni depuis, l'épanouissement culturel n'a été aussi répandu.