Chefs-d'œuvre de l'architecture japonaise Pendant des siècles, les palais et les temples du Japon ont été construits dans le style chinois, mais l'architecture nationale du Japon a un aspect caractéristique. L'une des plus anciennes structures architecturales du Japon est le monastère bouddhiste Horyuji dans la ville de Nara, la première capitale de l'État japonais. Le complexe de palais, créé dans les meilleures traditions de l'architecture chinoise, est un phénomène unique. Pendant des siècles, les palais et les temples du Japon ont été construits dans le style chinois, mais l'architecture nationale du Japon a un aspect caractéristique. L'une des plus anciennes structures architecturales du Japon est le monastère bouddhiste Horyuji dans la ville de Nara, la première capitale de l'État japonais. Le complexe de palais, créé dans les meilleures traditions de l'architecture chinoise, est un phénomène unique. Monastère Horyuji. 607 Nara. Monastère Horyuji. 607 Nara.
Particulièrement remarquables sont le Golden Hall et la pagode, qui forment la base du monastère. Le Golden Hall en plan est un bâtiment rectangulaire de deux étages, reposant sur une fondation en pierre et soutenu par 26 colonnes. Deux toits massifs de tuiles bleu-gris incurvés soulignent le caractère solennel du bâtiment. Monastère Horyuji. 607 Nara. Monastère Horyuji. 607 Nara. Golden Hall et Pagode. Golden Hall et Pagode.
Le pavillon d'or de Kyoto, exemple classique de l'architecture japonaise exquise, est devenu un véritable chef-d'œuvre de l'architecture japonaise. Le pavillon doit son nom inhabituel à un toit à trois niveaux aux bords légèrement relevés, autrefois recouvert de feuilles de feuilles d'or. Les architectes ont soigneusement étudié la disposition et l'emplacement du bâtiment. Il s'élève au bord d'un petit lac sur des piliers légers, des colonnes, se reflétant dans l'eau avec toute la richesse des lignes courbes, des murs sculptés et des corniches à motifs. Le pavillon d'or de Kyoto, exemple classique de l'architecture japonaise exquise, est devenu un véritable chef-d'œuvre de l'architecture japonaise. Le pavillon doit son nom inhabituel à un toit à trois niveaux aux bords légèrement relevés, autrefois recouvert de feuilles de feuilles d'or. Les architectes ont soigneusement étudié la disposition et l'emplacement du bâtiment. Il s'élève au bord d'un petit lac sur des piliers légers, des colonnes, se reflétant dans l'eau avec toute la richesse des lignes courbes, des murs sculptés et des corniches à motifs. Pavillon d'or. 16e siècle Kyoto. Pavillon d'or. 16e siècle Kyoto.
Pavillon d'or. 16e siècle Kyoto. L'arrière-plan est une végétation luxuriante à feuilles persistantes. Les murs du temple sont peints en couleur dorée, de sorte que dans les rayons du soleil éblouissant reflétés dans la surface miroir du lac, c'est une vue d'une beauté inhabituelle. L'arrière-plan est une végétation luxuriante à feuilles persistantes. Les murs du temple sont peints en couleur dorée, de sorte que dans les rayons du soleil éblouissant reflétés dans la surface miroir du lac, c'est une vue d'une beauté inhabituelle.
Pendant les guerres intestines et la lutte pour l'unification du pays, des structures défensives ont commencé à être érigées. Ce ne sont plus les temples et les monastères qui jouent un rôle de premier plan dans l'architecture, mais des châteaux d'une taille et d'une splendeur sans précédent, entourés de plusieurs anneaux de puissantes murailles défensives, et de tours de guet s'élevant victorieusement vers le ciel. Pendant les guerres intestines et la lutte pour l'unification du pays, des structures défensives ont commencé à être érigées. Ce ne sont plus les temples et les monastères qui jouent un rôle de premier plan dans l'architecture, mais des châteaux d'une taille et d'une splendeur sans précédent, entourés de plusieurs anneaux de puissantes murailles défensives, et de tours de guet s'élevant victorieusement vers le ciel. L'un des châteaux les plus pittoresques de cette époque est le château de Himeji près de la ville de Kobe. Les tours et les murs blancs comme neige du château, s'élevant au-dessus de la maçonnerie puissante, lui ont donné un autre nom - le château du héron blanc. L'un des châteaux les plus pittoresques de cette époque est le château de Himeji près de la ville de Kobe. Les tours et les murs blancs comme neige du château, s'élevant au-dessus de la maçonnerie puissante, lui ont donné un autre nom - le château du héron blanc. Château de Himeji - 1609 Château de Kobe Himeji - 1609 Kobé
Château de Himeji - 1609 Kobé
Château de Himeji - 1609 Kobé. Château de Himeji - 1609 Kobé. Le château de Himeji est un complexe immense et complexe de structures architecturales avec de nombreux labyrinthes, passages secrets et bâtiments à l'intérieur des murs. Le château de Himeji est un complexe immense et complexe de structures architecturales avec de nombreux labyrinthes, passages secrets et bâtiments à l'intérieur des murs.
Château de Himeji - 1609 Château de Kobe Himeji - 1609 Kobe Plus de dix portes de conceptions diverses ont dû être franchies pour accéder à la tour centrale - la citadelle principale du château. Plus de dix portes de conceptions diverses ont dû être franchies pour accéder à la tour centrale - la citadelle principale du château.
Escalier du château de Himeji Kobé. Escalier du château de Himeji Kobé.
L'art des jardins et des parcs du Japon Les origines de l'art des jardins et des parcs du Japon remontent à l'Antiquité, lorsque les gens adoraient l'eau, les rochers, les montagnes, les pierres... L'eau dans la vision japonaise est un miroir du monde, l'incarnation de la paix , qui apparaît comme un jeu sans fin de réflexions. L'eau est l'incarnation de la fluidité, du changement et de la transformation de la vie. Les origines de l'art paysagiste japonais remontent à l'antiquité, quand les gens adoraient l'eau, les rochers, les montagnes, les pierres... L'eau dans la vision japonaise est un miroir du monde, l'incarnation de la paix, qui apparaît comme un jeu de reflets sans fin. . L'eau est l'incarnation de la fluidité, du changement et de la transformation de la vie. Le jardin du monastère de Sambo. 16e siècle Le jardin du monastère de Sambo. 16e siècle
Les pierres étaient considérées comme créées à partir de "l'énergie la plus pure du ciel et de la terre". Faire entrer des pierres dans le jardin et les disposer correctement, c'est introduire un cycle d'énergie dans l'espace du jardin, incarnant l'idée du monde en miniature. Les pierres sont des messagères de l'éternel, évoquant des pensées du passé. Dans les pierres, ils appréciaient le jeu des couleurs, les motifs, les veines à la surface, la présence de vides, la capacité à émettre un son lorsqu'on les frappait avec un bâton de fer. Les pierres étaient considérées comme créées à partir de "l'énergie la plus pure du ciel et de la terre". Faire entrer des pierres dans le jardin et les disposer correctement, c'est introduire un cycle d'énergie dans l'espace du jardin, incarnant l'idée du monde en miniature. Les pierres sont des messagères de l'éternel, évoquant des pensées du passé. Dans les pierres, ils appréciaient le jeu des couleurs, les motifs, les veines à la surface, la présence de vides, la capacité à émettre un son lorsqu'on les frappait avec un bâton de fer. Jardin daisen-in. Kyoto. 16e siècle Jardin daisen-in. Kyoto. 16e siècle
Les maîtres japonais ont apporté leur contribution unique au développement de l'art du jardinage. Commençant à créer un jardin, l'artiste a d'abord choisi son type : un jardin arboré, une rocaille ou un jardin d'eau. Les maîtres japonais ont apporté leur contribution unique au développement de l'art du jardinage. Commençant à créer un jardin, l'artiste a d'abord choisi son type : un jardin arboré, un jardin de rocaille ou un jardin d'eau.Jardin Daisen-in du monastère Daitokuji
Dans le jardin arboré, les principaux accents sémantiques sont des arbres astucieusement disposés de diverses espèces. Dans le jardin d'eau, le rôle principal est joué par l'eau, présentée dans toutes ses manifestations changeantes (mares calmes et étangs, sources et ruisseaux, cascades et ruissellements). La beauté de l'eau est complétée par la beauté du bois vivant et de la pierre morte. Dans le jardin arboré, les principaux accents sémantiques sont des arbres astucieusement disposés de diverses espèces. Dans le jardin d'eau, le rôle principal est joué par l'eau, présentée dans toutes ses manifestations changeantes (mares calmes et étangs, sources et ruisseaux, cascades et ruissellements). La beauté de l'eau est complétée par la beauté du bois vivant et de la pierre morte. Pavillon d'argent.15ème siècle. Pavillon d'argent.15ème siècle.
Il n'y a pas de montagnes, pas d'eau, pas d'arbres, pas une seule fleur dans le célèbre jardin de roche Ryanji à Kyoto ("Jardin plat"). Il n'y a rien en lui qui change, grandit et s'estompe, est exposé au temps. Tout ici crée une atmosphère d'approfondissement philosophique, concentre une personne sur l'essentiel - sur l'expérience de l'espace. Mais ce caractère statique externe est, en fait, changeant et conditionnel. Le jardin change à chaque instant, il est unique à différents moments de la journée et de l'année. Il n'y a pas de montagnes, pas d'eau, pas d'arbres, pas une seule fleur dans le célèbre jardin de roche Ryanji à Kyoto ("Jardin plat"). Il n'y a rien en lui qui change, grandit et s'estompe, est exposé au temps. Tout ici crée une atmosphère d'approfondissement philosophique, concentre une personne sur l'essentiel - sur l'expérience de l'espace. Mais ce caractère statique externe est, en fait, changeant et conditionnel. Le jardin change à chaque instant, il est unique à différents moments de la journée et de l'année. Rocaille de Ryanji. 16e siècle Kyoto. Rocaille de Ryanji. 16e siècle Kyoto.
Rocaille de Ryanji. 16e siècle Jardin de rocaille de Kyoto Reanji. 16e siècle Kyoto Quinze gros rochers d'origine montagnarde et sable marin léger - ce sont tous les composants de ce jardin insolite. Les pierres sont entourées de mousse vert foncé et disposées en groupes sur une petite surface. Quinze grosses pierres d'origine montagnarde et sable marin léger, voilà toutes les composantes de ce jardin insolite. Les pierres sont entourées de mousse vert foncé et disposées en groupes sur une petite surface.
Aux IX - X siècles. la peinture profane est apparue au Japon - Yamato-e , qui se développa dans les palais de la noblesse. Artistes peintresYamato-epeint sur soie et papier avec des couleurs vives avec ajout d'or, paysages, scènes de cour, fleurs. Peintures sous la formedéfilements horizontaux - emakimono vue sur la table,défilements verticaux - kakimono décoraient les murs des pièces de devant. Souvent les peintres ont aussi illustré les romans célèbres de leurs contemporains.
Aux XIIe - XIVe siècles. dans les monastères bouddhistes, les moines-artistes ont commencé à peindre des images sur papier avec de l'encre , utilisant toute la richesse de ses nuances, du gris argenté au noir.Artiste Toba Shozo(seconde moitié du XIIe siècle)sur de longs rouleaux, il racontait les tours des grenouilles, des lièvres et des singes. Représentant allégoriquement des moines et des laïcs sous l'apparence d'animaux, il ridiculisait la cupidité et la stupidité des moines.
Artiste Toyo Oda, ou alorsSesshu(XVème siècle), écrivait la nature à différents moments de l'année. Ses parchemins ont survécu"Paysage d'hiver", "Automne", "Quatre saisons"et un certain nombre d'autres peintures.
En même temps, l'apparitionun portrait populaire en peinture. Les artistes ont peint de tels portraits de commandants célèbres - les dirigeants du Japon. Portrait de l'artisteFujiwara Takanobu représente un chef militaireMinamoto Yerimotodans des vêtements sombres, assis par terre selon la coutume japonaise. Son corps est comme lié par un tissu dur. L'artiste a concentré toute son attention sur un visage sévère et arrogant, créant l'image d'une personne cruelle et dominatrice.
Aux XVIIe - XIXe siècles. le commerce et l'artisanat se développent dans les villes. Pour la population urbaine, les artistes produisaientgravures , qui ont été imprimés en grande quantité à partir de planches de bois sur du papier fin. La demande était très forte : désormais, au lieu d'une image de défilement coûteuse et parfois inaccessible, chacun pouvait acheter une gravure élégante et compréhensible. Et les héros des gravures sont déjà différents. Ce sont des acteurs et des geishas, des couples amoureux, des artisans au travail. Souvent, les artistes ont également créé des gravures surimono festives et très élégantes, où étaient inscrits des vers avec un souhait de bonheur. Les estampes japonaises colorées sont reconnues dans le monde entier. Graveur de renomUtamaro (1753—1806) célèbre pour ses représentations de jeunes femmes et d'artistesHokusaï (1760—1849) etHiroshige (1797—1858) - leurs paysages. Dédié son travail aux images d'acteursShyaraku (XVIIIème siècle). Il les a montrés dans une variété de rôles, souvent avec des visages déformés par la souffrance et la colère.
Gravures de Hokusai.
Pluie blanche sous la montagne
Première moitié du XIXe siècle
Hokusai est né en 1760 à Edo. Il a créé environ 30 000 dessins et gravures. Les œuvres les meilleures et les plus importantes de Hokusai étaient une série de paysages. Déjà un vieil homme, Hokusai écrivait : « À l'âge de 6 ans, j'ai essayé de rendre correctement les formes des objets. Pendant un demi-siècle, j'ai exécuté beaucoup de peintures, mais jusqu'à l'âge de 70 ans, je n'ai rien fait de significatif.
SculptureLa sculpture est la plus ancienne forme d'art au Japon. Commençant par ère Jomon divers produits en céramique (plats), les idoles d'argile sont également connues dogu .
À L'ère Kofun placé sur les tombes haniwa - sculptures brûlées argile , d'abord des formes cylindriques simples, puis plus complexes - sous la forme de personnes, d'animaux ou d'oiseaux.
L'histoire de la sculpture au Japon est associée à l'apparition dans le pays bouddhisme . La sculpture japonaise traditionnelle est le plus souvent des statues de concepts religieux bouddhistes ( tathagata , bodhisattva etc.) L'une des sculptures les plus anciennes du Japon est une statue de Bouddha en bois Amitabha dans le temple Zenko-ji . À Période Nara Les statues bouddhistes ont été créées par des sculpteurs d'État. À Période Kamakura fleuri école Kay , dont l'éminent représentant était Unkei . Le bouddhisme a eu une forte influence sur le développement de l'art japonais. De nombreuses œuvres représentent l'image du Bouddha, de sorte que de nombreuses statues et sculptures du Bouddha ont été créées dans les temples. Ils étaient faits de métal, de bois et de pierre. Ce n'est que quelque temps plus tard que sont apparus des artisans qui ont commencé à faire des sculptures de portraits profanes, mais avec le temps, leur besoin a disparu, de sorte que de plus en plus souvent, des reliefs sculpturaux avec des sculptures profondes ont commencé à être utilisés pour décorer des bâtiments.
Le matériau principal des sculptures (comme dans l'architecture japonaise) a été utilisé bois . Les statues étaient souvent couvertes vernis , doré ou aux couleurs vives. Également utilisé comme matériau pour les statues bronze ou d'autres métaux.
Au 8ème siècle, avec le renforcement des temples et l'expansion de leurs intérêts, l'aspect de la sculpture bouddhiste a également changé. Le nombre de statues augmente, la technique de leur fabrication se complique. Une place importante avec les statues de divinités supérieures a commencé à être donnée dans le temple aux figures de demi-dieux - protecteurs et gardiens des pays du monde. Ils étaient généralement faits d'argile aux couleurs vives et dotés d'une position particulière de postures et de gestes. Ce sont les statues des rois - gardiens du monastèreT o d a i d z i. Les statues des divinités supérieures deviennent également différentes. Les proportions sont devenues plus correctes, les expressions faciales plus terrestres.
Aux XIIe - XIVe siècles. avec des statues de divinités bouddhistes, et souvent à leur place, des portraits véridiques de moines, de guerriers et de nobles dignitaires apparaissaient dans les temples. Dans la sévérité des visages de ces personnages assis en pleine réflexion ou debout, en bois et peints, et parfois même vêtus de vêtements naturels, les sculpteurs japonais ont transmis une immense force intérieure. Dans ces créations, les maîtres japonais ont failli révéler les profondeurs du monde intérieur de l'homme.
La sculpture miniature japonaise de netsuke est connue dans le monde entier. Son objectif principal est de jouer le rôle d'un porte-clés - un pendentif. A l'aide de netsuke, des sacs à main, des pochettes, des boîtes à parfums ou à médicaments étaient attachés à la ceinture du vêtement kimono traditionnel japonais.Chaque figurine avait un trou pour une ficelle, sur laquelle les objets nécessaires étaient suspendus, car les vêtements à l'époque n'avaient pas de poches. Les figurines Netsuke représentaient des personnages profanes, des dieux, des démons ou divers objets ayant une signification secrète particulière, par exemple un souhait de bonheur familial. Les netsuke sont en bois, en ivoire, en céramique ou en métal.L'art du netsuke, comme l'art de sculpter des masques de théâtre, est un phénomène national traditionnel de la culture japonaise. Les netsuke sont des images pleine expression de personnes, d'animaux, d'oiseaux, de fleurs, de plantes, d'objets individuels, plus souvent que de petites boîtes plates, habilement décorées de sculptures à motifs.
Le flux de nouveaux thèmes artistiques vers le Japon s'est reflété dans la création d'images monumentales et glorifiées. C'est ce que le principalsanctuaire du monastère T o da i d z i - 16 m statue de bronzeB u d d y - R u s i n s. L'énorme figure de la divinité est une véritable merveille du monde. Elle a uni toutes sortes d'art - moulage, chasse, forgeage.
Artisanat japonaisLa fabrication d'armes blanches fut élevée au rang d'art au Japon, amenant à la perfection la fabrication du sabre de samouraï. Épées, poignards, montures pour épées, éléments de munitions de combat servaient de sorte de bijoux masculins, indiquant l'appartenance à une classe, ils étaient donc fabriqués par des artisans qualifiés, décorés de pierres précieuses et de sculptures. Parmi les métiers traditionnels du Japon figurent également la fabrication de céramiques, de laques, de tissages et de gravures sur bois. Les potiers japonais peignent la poterie traditionnelle avec divers motifs et glaçures.
Au 1er millénaire av. e. comprennent des récipients asymétriques, d'une exécution magnifique, moulés en argile grise, bleue, rosée et décorés de motifs en relief en forme de corde. Par conséquent, les navires(et toute cette période)appeléjômon("corde"). On pense qu'ils ont servi d'offrandes sacrificielles.
Aux XVIIe - XIXe siècles. Les nombreux produits artistiques du Japon ont acquis une renommée mondiale. La céramique du Japon frappe par le naturel et la variabilité des motifs. On y remarque toujours la main d'un maître, qui sait donner à chaque objet une beauté et une surprise uniques, une douceur des formes et une plasticité. Porcelaine, broderie, sculpture sur ivoire, figures et vases en bronze, les émaux sont aussi très colorés et pittoresques. Mais les produits en laque noire et dorée, extraite de la résine de l'arbre à laque et teintée, étaient particulièrement célèbres. célèbreétait maître laqueur Ogata Korin (1658 - 1716), qui a créé un certain nombre de magnifiques boîtes de laque et de peintures sur paravents.
Musique et théâtre. Ressemble à musique japonaise pour le théâtre kabuki. Prof: Cette musique que vous venez d'entendre est connue et aimée de tous les Japonais. Il peut accompagner des représentations théâtrales
L'un des premiers types de théâtre était théâtre mais - "talent, compétence", établi en XIV - 15ème siècle , les acteurs ont joué dans des masques et des costumes luxueux. Le théâtre est considéré comme un drame "masqué", mais les masques (o-mote) ne sont portés que par le site et le waki. image féminine), des acteurs jouant des rôles féminins.A Kyoto, deuxième capitale du Japon, se dresse un monument au célèbre Okuni, considéré comme le fondateur du théâtre Kabuki. Le mot « kabuki » est un nom dérivé du verbe « kabuku », qui signifie littéralement « dévier ». De nombreuses coutumes du théâtre Kabuki sont encore vivantes aujourd'hui - par exemple, une amende infligée à un acteur qui a fait une sorte d'erreur sur scène. Le délinquant doit traiter chaque acteur qui était occupé dans l'épisode avec un bol de nouilles. Si la scène était grande, la sanction était grave. Au-delà du théâtre mais et le kabuki existetraditionnel Théâtre de marionnettes bunraku . Certains dramaturges, par exemple, Chikamatsu Monzaemon a écrit des pièces pour bunraku, qui ont ensuite été mises en scène sur la "grande scène" - en kabuki.
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La culture japonaise est un phénomène original unique non seulement dans le contexte de la culture mondiale, mais aussi dans un certain nombre d'autres cultures orientales. Il n'a cessé de se développer depuis les Xe-XIe siècles. Du XVIIe siècle jusqu'au milieu du XIXe siècle, le Japon était pratiquement fermé aux étrangers (les liaisons n'étaient maintenues qu'avec les Pays-Bas et la Chine). Pendant cette période d'isolement au Japon, une identité nationale s'est développée de manière créative. Et lorsque, après plusieurs siècles, la culture traditionnelle la plus riche du Japon s'est finalement ouverte au monde, elle a eu une forte influence sur le développement ultérieur de la peinture, du théâtre et de la littérature européens. La civilisation japonaise s'est formée à la suite de contacts ethniques complexes et multitemporels. La culture japonaise, contrairement à l'indienne et à la chinoise, venait de naître au tournant du Moyen Âge, elle se caractérisait donc par un dynamisme accru et une sensibilité particulière à la perception des influences étrangères.
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Dans la mythologie japonaise, les épouses divines : Izanagi et Izanami étaient considérées comme les ancêtres de tout ce qui existe. D'eux est venue une triade de grands dieux : Amaterasu - la déesse du Soleil, Tsukiyomi - la déesse de la Lune Susanoo - le dieu de la tempête et du vent. Selon les idées des anciens Japonais, les divinités n'avaient pas une apparence humanoïde ou animale, mais étaient incarnées dans la nature elle-même - dans le Soleil, la Lune, les montagnes et les rochers, les rivières et les cascades, les arbres et les herbes, qui étaient vénérés comme des esprits kami ("kami" en traduction du japonais signifie "vent divin"). Cette déification de la nature sous-tend la religion nationale japonaise, appelée shintoïsme (du japonais "Shinto" - "la voie des dieux").
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Selon le Kojiki, le plus ancien monument de la langue et de la littérature japonaises, la déesse du soleil Amaterasu a donné à son petit-fils le prince Ninigi, l'ancêtre déifié des Japonais, le miroir sacré Yata et lui a dit : « Regarde ce miroir comme tu me regardes. .” Elle lui a donné ce miroir avec l'épée sacrée Murakumo et le collier de jaspe sacré Yasakani. Ces trois symboles du peuple japonais, de la culture japonaise et de l'État japonais ont été transmis depuis des temps immémoriaux de génération en génération en tant que race de relais sacrée de bravoure, de savoir et d'art.
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Dans l'histoire de la culture et de l'art japonais, on peut distinguer trois courants profonds encore vivants, trois dimensions de la spiritualité japonaise, s'interpénétrant et s'enrichissant mutuellement : le shinto (« la voie des divinités célestes ») est la religion païenne populaire des Japonais. ; Le zen est la tendance la plus influente du bouddhisme au Japon (le zen est à la fois une doctrine et un mode de vie, semblable au christianisme et à l'islam médiévaux) ; bushido ("voie du guerrier") - l'esthétique du samouraï, l'art de l'épée et de la mort.
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Le jaspe est le plus ancien symbole des idées shinto, qui est basé sur le culte des ancêtres. Le miroir, symbole de pureté, d'impartialité et d'approfondissement de soi, exprime au mieux les idées du zen. L'épée ("l'âme d'un samouraï", comme dit un ancien proverbe japonais) est le symbole du Bushido. Ces trois courants de la culture et de l'art japonais ne peuvent bien entendu pas être isolés dans leur forme pure. En même temps, ils déterminent dans une certaine mesure la séquence de développement de la culture japonaise.
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Le plus ancien de tous, déjà aux IIIe-VIIe siècles, un complexe idéologique et artistique associé au shintoïsme s'est formé. Il a été dominant à l'époque de la formation de l'État de Yamato, a conservé ses positions pendant la période de la première pénétration du bouddhisme et a finalement pratiquement fusionné avec lui (VIIIe siècle). Ces premiers siècles passent, pour ainsi dire, sous le signe du jaspe. Puis, puisant leurs racines dans l'ère guerrière du Yamato, mûrissant peu à peu, elles apparaissent au tournant des XIIe-XIIIe siècles comme un système idéologique et artistique établi, l'éthique et l'esthétique du bushido : la culture sous le signe du sabre. Depuis le XIIIe siècle, il a poursuivi son développement en étroite interaction et interpénétration avec les enseignements bouddhistes Mahayana du Zen. Entrelacés à la fois dans des manifestations idéologiques et purement artistiques, le Zen et le Bushido ont déterminé la culture nationale japonaise presque jusqu'à notre XXIe siècle.
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Les plus anciens monuments d'art au Japon appartiennent à la période néolithique (VIIIe siècle - milieu du 1er millénaire av. J.-C.) : plats en céramique au magnifique décor moulé, figures stylisées d'idoles, masques anthropomorphes. À la fin du néolithique - au début du début de l'âge du fer (Ve siècle av. J.-C. - IVe siècle apr. par des piliers au-dessus de la terre. Aux premiers siècles de notre ère, avec l'implantation de la religion shinto, les principaux sanctuaires du Japon à Ise et Izumo (550) furent érigés dans les vastes territoires couverts de galets entourés de clôtures, comme des greniers. Avec la simplicité et la clarté de leurs conceptions, ils ont jeté les bases de la tradition de l'architecture japonaise. La céramique domestique a gagné en clarté de forme et en rigueur de motifs géométriques, et les épées rituelles en bronze, les miroirs et les cloches se sont généralisés. Aux IVe-VIe siècles, avec la formation de l'État de Yamato (au centre de l'île de Honshu), des tumulus grandioses de souverains ont été construits. Figurines en argile à but magique ("khaniva") - guerriers, prêtres, dames de la cour, animaux, etc., situés à leur surface. - se distinguent par l'immédiateté vivante des expressions faciales et des gestes.
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La période du Moyen Âge, qui a duré plus de mille ans (VI-XIX siècles), a été la plus fructueuse pour l'art japonais. Un événement significatif dans le développement de la culture japonaise a été la connaissance de la foi bouddhiste à la fin du 5ème siècle. Avec l'écriture et la culture continentale raffinée apportée par les moines bouddhistes, la nouvelle religion marqua le début des contacts du Japon avec le reste du monde asiatique.
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Avec la diffusion du bouddhisme, une construction intensive de monastères bouddhistes a commencé, remontant aux modèles coréens et chinois. Le plus célèbre était Horyuji (fin VIe - début VIIe siècles) - un petit complexe de temples situé à l'extérieur de la ville de Nara, lieu de concentration des monuments les plus importants du bouddhisme japonais, ainsi que des plus anciens bâtiments en bois du monde. L'ensemble du temple comprenait: une pagode à plusieurs niveaux, le temple principal - un kondo (Golden Hall), une salle pour les sermons, un dépôt de sutras bouddhistes, des habitations de moines et d'autres bâtiments. Les bâtiments du temple étaient situés sur une zone rectangulaire entourée de deux rangées de murs avec des portes. Les bâtiments ont été érigés sur la base d'une structure à crémaillère et poutres. Des colonnes et des consoles peintes de laque rouge soutenaient un toit massif en tuiles, à un ou deux niveaux, incurvé sur les bords. Le "miracle de beauté" de l'ensemble Horyuji réside dans l'étonnant équilibre et l'harmonie de deux bâtiments de formes différentes - un temple avec sa lumière, comme des toits flottants et une pagode dirigée vers le haut, se terminant par une flèche à neuf anneaux - un symbole des sphères célestes bouddhiques.
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Un autre phénomène significatif de la sculpture japonaise de cette période sont les figures de moines méditant ou priant, avec un réalisme pénétrant et accentué véhiculant non seulement leurs traits physiques, mais aussi l'extase spirituelle et la concentration priante.
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L'événement principal de l'architecture des XII-XIII siècles. était la restauration des bâtiments de l'ancienne capitale de Heijo (Nara moderne), détruits et incendiés pendant les guerres intestines. Ainsi, en 1199, la Grande Porte Sud de l'ensemble Todaiji a été réédifiée et le Daibutsuden (Salle du Grand Bouddha) a été restauré.
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La cérémonie du thé (chado), les "jardins rocheux" philosophiques, les réflexions courtes et volumineuses en trois lignes (haïku) - tout est cultivé sous le signe de l'approfondissement et de la perspicacité, sous le signe du miroir. C'est ainsi que s'achève la course de relais millénaire de la culture japonaise de l'art japonais, « programmé » dans le mythe antique des trois trésors.
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L'ikebana est l'art traditionnel japonais de l'arrangement floral. Littéralement, ikebana signifie "fleurs qui vivent". Dans l'art européen, la composition d'un bouquet démontre l'habileté de la personne qui l'a créé, tandis que les créateurs d'ikebana cherchent à y révéler non pas leurs passions et leurs goûts, non leur individualité, mais l'essence naturelle des plantes présentées dans l'ikebana , le sens profond de leurs combinaisons et de leur arrangement - la composition dans son ensemble. Par ailleurs, les Européens recherchent pour la plupart le faste, l'élégance, la richesse des couleurs, tandis que les maîtres japonais de l'ikebana recherchent une rigueur extrême, voire une concision dans la forme, se limitant parfois à deux ou trois branches et accordant une attention particulière aux plus simples et aux plus modestes. végétaux. Cette forme d'art, originaire de l'Inde et pénétrée au Japon avec le bouddhisme de Chine, s'est répandue dans ce pays et a commencé à jouer un rôle important dans la vie culturelle de sa société.
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C'est au Japon que l'ikebana, ayant dépassé le rite rituel consistant à offrir des fleurs symboliquement significatives au Bouddha, ainsi qu'aux ancêtres vénérés, est devenu un type d'art particulier qui a été largement introduit dans diverses sphères de la vie publique. La simplicité comme signe d'originalité et la singularité comme signe d'ensemble, tel est le credo des véritables artistes ikebana. Leurs créations rappellent en ce sens la poésie haiku japonaise : elles se distinguent par la même brièveté, profondeur et perfection. L'art de l'ikebana dans le Japon moderne est l'un des plus populaires, il est reconnu comme un symbole d'identité nationale et comme l'incarnation d'un goût artistique élevé, reconnu dans le monde entier.
Le Japon à la fin du XIXe siècle des architectes des États-Unis et d'Europe ont travaillé. L'Anglais W. Barton a construit en 1890 une "Tour qui atteint les nuages" de 12 étages - Ryonkaku. Le bâtiment mesurait 67 m de haut, selon la conception - une tour à 8 angles en brique rouge, les deux étages supérieurs étaient en bois. Le premier bâtiment du Japon équipé d'un ascenseur électrique. L'Anglais W. Barton a construit en 1890 une "Tour qui atteint les nuages" de 12 étages - Ryonkaku. Le bâtiment mesurait 67 m de haut, selon la conception - une tour à 8 angles en brique rouge, les deux étages supérieurs étaient en bois. Le premier bâtiment du Japon équipé d'un ascenseur électrique.
La direction principale de l'architecture japonaise de la 2e moitié du 20e siècle. MÉTABOLISME (grec : changement de métabolisme) est une direction de l'architecture et de l'urbanisme apparue dans les années 1960. et représentée principalement par les œuvres des architectes japonais K. Tange, K. Kikutake, K. Kurosawa… Une tendance de l'architecture et de l'urbanisme apparue dans les années 1960. et représenté principalement par les œuvres des architectes japonais K. Tange, K. Kikutake, K. Kurosawa et d'autres.
Kisho Mayokawa. Metropolitan Festival Hall dans le parc d'Ueno, Tokyo
Tange Kenzo. Monument aux victimes du bombardement atomique d'Hiroshima
La nouvelle tour de Tokyo est la plus haute du monde Auteurs du projet : architecte Tadao Ando ; sculpteur Kiichi Sumikawa.
Le yoga se caractérise par la peinture à l'huile de chevalet sur toile. Parmi les premiers artistes de yoga figurent Kawakami Togai () et Takahashi Yuichi (), qui ont commencé à s'engager dans la peinture européenne avant même la restauration Meiji.
1876 - Une école occidentale des arts est créée au State College of Engineering. Plusieurs Italiens ont été invités à y enseigner. L'un d'eux Antonio Fontanesi () a eu un impact significatif sur le monde artistique du Japon.
Après 1882, la peinture de yoga n'était plus autorisée à entrer dans les expositions d'État de la ville - la Society of Meiji Art a été fondée, qui comprenait des artistes réalistes revenus d'Europe.
Kuroda Seiki (Maïko) IMPRESSIONNISME JAPONAIS
Maruki Toshiko et Maruki Iri (Prix Nobel de la Paix) "La Bombe Atomique", "La Bombe Atomique", TENDANCES MODERNES DE LA PEINTURE JAPONAISE
Le leader incontesté est Takeuchi Seiho (). Takeuchi Seiho, avec deux autres maîtres éminents : Kikuchi Homon () et Yamamoto Shunkyo () - a déterminé la direction du développement de l'école nihonga de Kyoto.
Une tendance distincte dans le nihonga est l'école Bundzinga - peinture de personnes instruites, ou Nanga - peinture du sud. Le représentant le plus brillant est Tomioka Tessai ().
2. La génération intermédiaire d'Ito Shinsui (), Hashimoto Meiji (), Yamaguchi Hosun () et d'autres - incarnait les idéaux du nihonga dans des styles traditionnellement assaisonnés.
3. La jeune génération croyait que les anciennes formes et techniques du nihonga ne permettaient pas de transmettre les réalités de la vie moderne. Les associations de jeunesse naissantes sont devenues le centre de développements et d'expérimentations innovantes, ont contribué au renouveau du nihonga à la fin du XXe siècle. Représentants : Azami Takako (né en 1964).
