CLASSICISME (du latin classicus - exemplaire), style et direction artistique dans la littérature, l'architecture et l'art des XVIIe - début XIXe siècles, le classicisme est successivement associé à la Renaissance ; occupait, avec le baroque, une place importante dans la culture du XVIIe siècle ; poursuit son développement au siècle des Lumières. L'origine et la diffusion du classicisme sont associées au renforcement de la monarchie absolue, à l'influence de la philosophie de R. Descartes, au développement des sciences exactes. La base de l'esthétique rationaliste du classicisme est le désir d'équilibre, de clarté, de logique d'expression artistique (largement perçue à partir de l'esthétique de la Renaissance) ; croyance en l'existence de règles universelles et éternelles non sujettes aux changements historiques créativité artistique, qui sont interprétés comme des compétences, des compétences et non comme une manifestation d'inspiration spontanée ou d'expression de soi.

Ayant perçu l'idée de créativité, qui remonte à Aristote, comme une imitation de la nature, les classiques ont compris la nature comme une norme idéale, qui s'était déjà incarnée dans les œuvres de maîtres et d'écrivains anciens : une orientation vers la « belle nature », transformées et ordonnées selon les lois inébranlables de l'art, assumaient ainsi l'imitation d'échantillons antiques et même la concurrence avec eux. Développant l'idée de l'art comme activité rationnelle fondée sur les éternelles catégories du « beau », de « l'expédient », etc., le classicisme, plus que d'autres courants artistiques, a contribué à l'émergence de l'esthétique comme science généralisante du beau.

Le concept central du classicisme - la plausibilité - n'impliquait pas une reproduction fidèle de la réalité empirique : le monde est recréé non pas tel qu'il est, mais tel qu'il devrait être. La préférence pour la norme universelle comme « due » à tout ce qui est privé, aléatoire, concret correspond à l'idéologie de l'État absolutiste exprimée par le classicisme, dans laquelle tout ce qui est personnel et privé est soumis à une volonté indiscutable. le pouvoir de l'État. Le classiciste n'a pas dépeint une personne spécifique et unique, mais une personne abstraite dans une situation de conflit moral universel et non historique; d'où l'orientation des classiques vers la mythologie antique comme incarnation de la connaissance universelle sur le monde et l'homme. L'idéal éthique du classicisme suppose, d'une part, la subordination du personnel au général, des passions au devoir, de la raison et de la résistance aux vicissitudes de la vie ; d'autre part - la retenue dans la manifestation des sentiments, le respect de la mesure, la pertinence, la capacité de plaire.

Le classicisme a strictement subordonné la créativité aux règles de la hiérarchie des genres. On distingue les genres «élevés» (par exemple, épique, tragédie, ode - en littérature; genre historique, religieux, mythologique, portrait - en peinture) et «bas» (satire, comédie, fable; nature morte en peinture), qui correspondent à un certain style, cercle de thèmes et de héros ; une délimitation claire du tragique et du comique, du sublime et du vil, de l'héroïque et du banal était prescrite.

A partir du milieu du XVIIIe siècle, le classicisme est progressivement remplacé par de nouvelles tendances - sentimentalisme, pré-romantisme, romantisme. Les traditions du classicisme de la fin du XIXe et du début du XXe siècle ont été ressuscitées dans le néoclassicisme.

Le terme « classicisme », qui renvoie à la notion de classiques (écrivains exemplaires), a été utilisé pour la première fois en 1818 par le critique italien G. Visconti. Il était largement utilisé dans les polémiques des classiques et des romantiques, et chez les romantiques (J. de Staël, V. Hugo, etc.) il avait une connotation négative : le classicisme et les classiques, imitant l'Antiquité, s'opposaient à une littérature romanesque novatrice. . Dans la critique littéraire et l'histoire de l'art, le concept de «classicisme» a commencé à être activement utilisé après les travaux de scientifiques de l'école d'histoire culturelle et de G. Wölfflin.

Des tendances stylistiques similaires au classicisme des XVIIe-XVIIIe siècles sont observées par certains scientifiques d'autres époques; dans ce cas, le concept de "classicisme" est interprété au sens large, désignant une constante stylistique périodiquement mise à jour à différentes étapes de l'histoire de l'art et de la littérature (par exemple, "classicisme ancien", "classicisme de la Renaissance").

N. T. Pakhsaryan.

Littérature. Les origines du classicisme littéraire se trouvent dans la poétique normative (Yu. Ts. Scaliger, L. Castelvetro, etc.) et dans la littérature italienne du XVIe siècle, où un système de genre a été créé, corrélé au système des styles de langue et orienté vers l'antique. échantillons. La plus haute floraison du classicisme est associée à la littérature française du XVIIe siècle. Le fondateur de la poétique du classicisme était F. Malherbe, qui réglait la langue littéraire sur la base du discours familier vivant; la réforme qu'il a réalisée a été obtenue par l'Académie française. Sous leur forme la plus complète, les principes du classicisme littéraire sont énoncés dans le traité « L'art poétique » de N. Boileau (1674), qui résume la pratique artistique de ses contemporains.

Les écrivains classiques traitent la littérature comme une mission importante de traduction en mots et de transmission au lecteur des exigences de la nature et de la raison, comme un moyen «d'enseigner tout en divertissant». La littérature du classicisme s'efforce d'exprimer clairement la pensée significative, le sens ("... le sens vit toujours dans ma création" - F. von Logau), elle refuse la sophistication stylistique, les embellissements rhétoriques. Les classiques ont préféré le laconicisme à la verbosité, la simplicité et la clarté à la complexité métaphorique, la décence à l'extravagance. Suivre les normes établies ne signifiait cependant pas que les classiques encourageaient le pédantisme et ignoraient le rôle de l'intuition artistique. Bien que les règles aient été présentées aux classiques comme un moyen de maintenir la liberté de création dans les limites de la raison, ils ont compris l'importance de la perspicacité intuitive, pardonnant au talent de s'écarter des règles, si cela était approprié et artistiquement efficace.

Les personnages des personnages du classicisme sont construits sur l'attribution d'un trait dominant, qui contribue à leur transformation en types universels universels. Les collisions préférées sont le choc du devoir et des sentiments, la lutte de la raison et de la passion. Au centre des œuvres des classiques se trouve une personnalité héroïque et en même temps une personne bien née qui s'efforce stoïquement de surmonter ses propres passions et affects, de les freiner ou du moins de les réaliser (comme les héros des tragédies de J. . Racine). Le « je pense, donc je suis » de Descartes joue le rôle non seulement d'un principe philosophique et intellectuel, mais aussi d'un principe éthique dans l'attitude des personnages du classicisme.

Au cœur de la théorie littéraire, le classicisme est un système hiérarchique de genres ; dilution analytique pour différents travaux, même mondes artistiques, les héros et les thèmes "hauts" et "bas" sont combinés avec le désir d'ennoblir les genres "bas"; par exemple, pour débarrasser la satire du grossier burlesque, la comédie des traits burlesques (la « haute comédie » de Molière).

La place principale dans la littérature du classicisme était occupée par le drame basé sur la règle des trois unités (voir La théorie des trois unités). La tragédie est devenue son genre phare, dont les plus hautes réalisations sont les œuvres de P. Corneille et J. Racine ; dans le premier, la tragédie acquiert un caractère héroïque, dans le second, un caractère lyrique. D'autres genres "élevés" jouent un rôle beaucoup moins important dans le processus littéraire (l'expérience infructueuse de J. Chaplin dans le genre du poème épique est ensuite parodiée par Voltaire ; des odes solennelles ont été écrites par F. Malherbe et N. Boileau). Parallèlement, les genres « bas » se développent de manière significative : le poème héroïco-comique et la satire (M. Renier, Boileau), la fable (J. de La Fontaine), la comédie. On cultive des genres de petite prose didactique - aphorismes (maximes), "caractères" (B. Pascal, F. de La Rochefoucauld, J. de La Bruyère) ; prose oratoire (J. B. Bossuet). Bien que la théorie du classicisme n'inclue pas le roman dans le système des genres digne d'une réflexion critique sérieuse, le chef-d'œuvre psychologique de M. M. Lafayette La princesse de Clèves (1678) est considéré comme un exemple de roman classique.

A la fin du XVIIe siècle, on assiste à un déclin du classicisme littéraire, cependant, intérêt archéologique pour l'Antiquité au XVIIIe siècle, fouilles d'Herculanum, Pompéi, création de I. I. Winkelman image parfaite L'antiquité grecque en tant que "noble simplicité et calme grandeur" a contribué à son nouvel essor au siècle des Lumières. Le principal représentant du nouveau classicisme était Voltaire, dans l'œuvre duquel le rationalisme, le culte de la raison servait à justifier non pas les normes de l'État absolutiste, mais le droit de l'individu à être libre des revendications de l'Église et de l'État. Le classicisme des Lumières, en interaction active avec d'autres courants littéraires de l'époque, ne s'appuie pas sur des "règles", mais plutôt sur le "goût éclairé" du public. Le recours à l'Antiquité devient une manière d'exprimer l'héroïsme de la Révolution française du XVIIIe siècle dans la poésie d'A. Chénier.

En France au XVIIe siècle, le classicisme s'est développé en un système artistique puissant et cohérent, et a eu un impact notable sur la littérature baroque. En Allemagne, le classicisme, ayant surgi comme un effort culturel conscient pour créer un "correct" et "parfait", digne des autres Littératures européennes l'école poétique (M. Opitz), au contraire, est noyée par le baroque, dont le style est plus conforme à l'époque tragique de la guerre de Trente Ans ; tentative tardive d'I. K. Gottsched dans les années 1730 et 1740 de diriger Littérature allemande sur le chemin des canons classiques a provoqué une vive controverse et a été généralement rejeté. Un phénomène esthétique indépendant est le classicisme de Weimar de JW Goethe et F. Schiller. Au Royaume-Uni, le classicisme précoce est associé aux travaux de J. Dryden ; son développement ultérieur s'est déroulé dans la lignée des Lumières (A. Pope, S. Johnson). À la fin du XVIIe siècle, le classicisme en Italie existait parallèlement au rococo et s'y mêlait parfois (par exemple, dans l'œuvre des poètes d'Arcadie - A. Zeno, P. Metastasio, P. Y. Martello, S. Maffei); Le classicisme des Lumières est représenté par l'œuvre de V. Alfieri.

En Russie, le classicisme s'installe dans les années 1730-1750 sous l'influence du classicisme d'Europe occidentale et des idées des Lumières ; cependant, il trace clairement le lien avec le baroque. Les traits distinctifs du classicisme russe sont le didactisme prononcé, l'orientation accusatrice, socialement critique, le pathétique national-patriotique, le recours à l'art populaire. L'un des premiers principes du classicisme a été transféré sur le sol russe par A. D. Kantemir. Dans ses satires, il suit I. Boileau, mais, créant des images généralisées vices humains adaptés à la réalité domestique. Kantemir a introduit de nouveaux genres poétiques dans la littérature russe : des transcriptions de psaumes, des fables, un poème héroïque (« Petrida », inachevé). Le premier exemple d'une ode élogieuse classique a été créé par VK Trediakovsky ("Ode solennelle sur la reddition de la ville de Gdansk", 1734), qui l'a accompagnée du théorique "Raisonnement sur l'ode en général" (qui ont tous deux suivi Boileau ). L'influence de la poétique baroque a marqué les odes de M. V. Lomonossov. Le classicisme russe le plus complet et le plus cohérent est représenté par le travail de A. P. Sumarokov. Après avoir esquissé les principales dispositions de la doctrine classiciste dans l'Épître sur la poésie (1747) écrite à l'imitation du traité de Boileau, Sumarokov a cherché à les suivre dans ses œuvres : tragédies orientées vers l'œuvre des classiques français du XVIIe siècle et la dramaturgie de Voltaire, mais s'adressant surtout aux événements de l'histoire nationale ; en partie - dans des comédies dont le modèle était l'œuvre de Molière; dans des satires, ainsi que des fables qui lui ont valu la gloire du "nord Lafontaine". Il a également développé le genre de la chanson, qui n'a pas été mentionné par Boileau, mais a été inclus par Sumarokov lui-même dans la liste des genres poétiques. Jusqu'à la fin du XVIIIe siècle, la classification des genres proposée par Lomonossov dans la préface des œuvres complètes de 1757 - «Sur l'utilité des livres d'église en langue russe», a conservé sa signification, qui a corrélé les trois styles de théorie avec des genres spécifiques, liant un poème héroïque, une ode, un discours solennel ; avec le milieu - tragédie, satire, élégie, églogue; avec bas - comédie, chanson, épigramme. Un exemple de poème héroïque a été créé par V. I. Maikov («Elisée ou le Bacchus irrité», 1771). La première épopée héroïque achevée fut Rossiyada de MM Kheraskov (1779). À la fin du XVIIIe siècle, les principes de la dramaturgie classique se sont manifestés dans les œuvres de N. P. Nikolev, Ya. B. Kniazhnin, V. V. Kapnist. Au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, le classicisme est progressivement remplacé par de nouvelles tendances du développement littéraire associées au pré-romantisme et au sentimentalisme, mais conserve son influence pendant un certain temps. Ses traditions peuvent être retracées dans les années 1800-20 dans l'œuvre des poètes Radichtchev (A. Kh. Vostokov, I. P. Pnin, V. V. Popugaev), dans la critique littéraire (A. F. Merzlyakov), dans le programme littéraire et esthétique et la pratique stylistique du genre du poètes décembristes, en premiers travaux A. S. Pouchkine.

A. P. Losenko. "Vladimir et Rogneda". 1770. Musée russe (Saint-Pétersbourg).

N. T. Pakhsaryan ; T. G. Yurchenko (classicisme en Russie).

Architecture et beaux-arts. Les tendances du classicisme dans l'art européen étaient déjà esquissées dans la 2e moitié du XVIe siècle en Italie - dans la théorie et la pratique architecturales d'A. Palladio, les traités théoriques de G. da Vignola, S. Serlio ; plus cohérente - dans les écrits de G. P. Bellori (XVIIe siècle), ainsi que dans les normes esthétiques des académiciens de l'école de Bologne. Cependant, au XVIIe siècle, le classicisme, qui s'est développé dans une interaction extrêmement polémique avec le baroque, n'est devenu dans la culture artistique française un système stylistique intégral que dans la culture artistique française. Le classicisme du XVIIIe au début du XIXe siècle s'est également formé principalement en France, qui est devenu un style paneuropéen (ce dernier est souvent appelé néoclassicisme dans l'histoire de l'art étranger). Les principes du rationalisme qui sous-tendent l'esthétique du classicisme ont déterminé la vision d'une œuvre d'art comme le fruit de la raison et de la logique, triomphant du chaos et de la fluidité de la vie sensuellement perçue. L'orientation vers un début raisonnable, vers des modèles durables a également déterminé les exigences normatives de l'esthétique du classicisme, la réglementation des règles artistiques, une hiérarchie stricte des genres dans les arts visuels (le genre "élevé" comprend des œuvres sur des sujets mythologiques et historiques, comme ainsi que "paysage idéal" et portrait d'apparat; à " bas" - nature morte, genre quotidien, etc.). Les activités des académies royales fondées à Paris - peinture et sculpture (1648) et architecture (1671) - ont contribué à la consolidation des doctrines théoriques du classicisme.

L'architecture du classicisme, contrairement au baroque avec son conflit dramatique de formes, l'interaction énergique du volume et de l'environnement spatial, est basée sur le principe d'harmonie et de complétude interne, à la fois dans un bâtiment séparé et dans un ensemble. Les traits caractéristiques de ce style sont le désir de clarté et d'unité de l'ensemble, de symétrie et d'équilibre, la certitude des formes plastiques et des intervalles spatiaux qui créent un rythme calme et solennel ; un système de dosage basé sur plusieurs rapports d'entiers (un seul module qui détermine les schémas de mise en forme). L'appel constant des maîtres du classicisme à l'héritage de l'architecture ancienne signifiait non seulement l'utilisation de ses motifs et éléments individuels, mais aussi la compréhension des lois générales de son architectonique. La base du langage architectural du classicisme était l'ordre architectural, les proportions et les formes plus proches de l'Antiquité que dans l'architecture des époques précédentes; dans les bâtiments, il est utilisé de telle manière qu'il n'obscurcit pas la structure globale du bâtiment, mais devient son accompagnement subtil et retenu. Les intérieurs du classicisme se caractérisent par la clarté des divisions spatiales, la douceur des couleurs. Utilisant largement les effets de perspective dans la peinture monumentale et décorative, les maîtres du classicisme ont fondamentalement séparé l'espace illusoire de l'espace réel.

Une place importante dans l'architecture du classicisme appartient aux problèmes d'urbanisme. Des projets de "villes idéales" sont en cours d'élaboration, nouveau genre résidence citadine absolutiste régulière (Versailles). Le classicisme s'efforce de perpétuer les traditions de l'Antiquité et de la Renaissance, en posant à la base de ses décisions le principe de proportionnalité à une personne et, en même temps, une échelle qui donne à l'image architecturale un son élevé et héroïque. Et bien que la splendeur rhétorique du décor de palais entre en conflit avec cette tendance dominante, la structure figurative stable du classicisme préserve l'unité du style, si diverses que soient ses modifications au cours du développement historique.

La formation du classicisme dans l'architecture française est associée aux travaux de J. Lemercier et F. Mansart. L'aspect des bâtiments et les techniques de construction ressemblent d'abord à l'architecture des châteaux du XVIe siècle ; un tournant décisif s'opère dans l'œuvre de L. Levo - tout d'abord dans la création de l'ensemble palais et parc de Vaux-le-Vicomte, avec une enfilade solennelle du palais lui-même, d'imposantes peintures murales de Ch. Lebrun et du l'expression la plus caractéristique de principes nouveaux - le parc en parterre régulier d'A. Le Nôtre. La façade orientale du Louvre, réalisée (depuis les années 1660) selon le plan de C. Perrault, est devenue l'œuvre programmatique de l'architecture du classicisme (il est caractéristique que les projets de JL Bernini et d'autres dans le style baroque aient été rejetés). Dans les années 1660, L. Levo, A. Le Nôtre et Ch. Lebrun commencent à créer un ensemble de Versailles, où les idées du classicisme s'expriment avec une complétude particulière. Dès 1678, la construction de Versailles est dirigée par J. Hardouin-Mansart ; selon ses plans, le palais a été considérablement agrandi (des ailes ont été ajoutées), la terrasse centrale a été transformée en galerie des miroirs - la partie la plus représentative de l'intérieur. Il a également construit le palais du Grand Trianon et d'autres bâtiments. L'ensemble de Versailles se caractérise par une intégrité stylistique rare : même les jets des fontaines ont été combinés en une forme statique, semblable à une colonne, et les arbres et arbustes ont été taillés sous forme de formes géométriques. La symbolique de l'ensemble est subordonnée à la glorification du "Roi Soleil" Louis XIV, mais sa base artistique et figurative était l'apothéose de la raison, transformant impérieusement les éléments naturels. Dans le même temps, la décoration accentuée des intérieurs justifie l'utilisation du terme stylistique de «classicisme baroque» par rapport à Versailles.

Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, de nouvelles techniques de planification ont été développées qui prévoyaient la connexion organique du développement urbain avec des éléments de l'environnement naturel, la création d'espaces ouverts qui se confondent spatialement avec la rue ou le talus, des solutions d'ensemble pour les éléments clés de la structure urbaine (place Louis le Grand, aujourd'hui Vendôme, et place de la Victoire ; l'ensemble architectural des Invalides, ensemble - J. Hardouin-Mansart), arcs de triomphe d'entrée (porte Saint-Denis dessinée par N. F. Blondel ; ensemble - en Paris).

Les traditions du classicisme en France du XVIIIe siècle n'ont presque pas été interrompues, mais dans la première moitié du siècle, le style rococo a prévalu. Au milieu du XVIIIe siècle, les principes du classicisme se transforment dans l'esprit de l'esthétique des Lumières. En architecture, l'appel au "naturel" a mis en avant l'exigence d'une justification constructive des éléments d'ordre de la composition, à l'intérieur - la nécessité de développer un aménagement flexible d'un immeuble résidentiel confortable. L'environnement paysager (paysage) est devenu l'environnement idéal pour la maison. Le développement rapide des connaissances sur l'Antiquité grecque et romaine (fouilles d'Herculanum, de Pompéi, etc.) a eu un impact considérable sur le classicisme du XVIIIe siècle ; Les travaux de J. I. Winkelmann, J. W. Goethe et F. Militsia ont apporté leur contribution à la théorie du classicisme. Dans le classicisme français du XVIIIe siècle, de nouveaux types architecturaux ont été définis : un hôtel particulier (« hôtel ») délicieusement intimiste, un bâtiment public de façade, espace ouvert, reliant les principales artères de la ville (place Louis XV, aujourd'hui place de la Concorde, à Paris, l'architecte J. A. Gabriel ; il a également construit le château du Petit Trianon dans le parc de Versailles, alliant la clarté harmonieuse des formes au raffinement lyrique du dessin ). J.J. Souflot a réalisé son projet de l'église Sainte-Geneviève à Paris, basé sur l'expérience de l'architecture classique.

À l'époque précédant la Révolution française du XVIIIe siècle, l'architecture manifeste une soif de simplicité sévère, une recherche audacieuse du géométrisme monumental d'une nouvelle architecture sans ordre (K. N. Ledoux, E. L. Bulle, J. J. Lekeux). Ces recherches (notées aussi par l'influence des gravures architecturales de G. B. Piranesi) ont servi de point de départ à la phase tardive du classicisme - l'Empire français (1er tiers du XIXe siècle), dans lequel se développe une magnifique représentativité (C. Percier , P.F.L. Fontaine, J.F. Chalgrin).

Le palladianisme anglais des XVIIe et XVIIIe siècles est à bien des égards apparenté au système du classicisme, et se confond souvent avec lui. L'orientation vers les classiques (non seulement vers les idées d'A. Palladio, mais aussi vers l'antiquité), l'expressivité stricte et restreinte de motifs plastiquement clairs est présente dans le travail d'I. Jones. Après le "grand incendie" de 1666, K. Wren a construit le plus grand bâtiment de Londres - la cathédrale Saint-Paul, ainsi que plus de 50 églises paroissiales, un certain nombre de bâtiments à Oxford, marqués par l'influence des solutions anciennes. De vastes plans d'urbanisme ont été réalisés au milieu du XVIIIe siècle dans le cadre du développement régulier de Bath (J. Wood the Elder et J. Wood the Younger), de Londres et d'Édimbourg (les frères Adam). Les bâtiments de W. Chambers, W. Kent, J. Payne sont associés à l'épanouissement des domaines de parcs de campagne. R. Adam s'est également inspiré de l'Antiquité romaine, mais sa version du classicisme prend une allure plus douce et plus lyrique. Le classicisme en Grande-Bretagne était la composante la plus importante du style dit géorgien. Au début du XIXe siècle, des éléments proches du style Empire apparaissent dans l'architecture anglaise (J. Soane, J. Nash).

Au XVIIe - début du XVIIIe siècle, le classicisme s'est formé dans l'architecture hollandaise (J. van Kampen, P. Post), ce qui en a donné une version particulièrement sobre. Les liens croisés avec le classicisme français et hollandais, ainsi qu'avec le baroque primitif, ont affecté la courte floraison du classicisme dans l'architecture de la Suède à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle (N. Tessin le Jeune). Au XVIIIe et au début du XIXe siècle, le classicisme s'impose également en Italie (G. Piermarini), en Espagne (J. de Villanueva), en Pologne (J. Kamsetzer, H. P. Aigner) et aux États-Unis (T. Jefferson, J. Hoban) . Les formes strictes du palladien F. W. Erdmansdorf, l'hellénisme « héroïque » de K. G. Langhans, D. et F. Gilly, et l'historicisme de L. von Klenze sont caractéristiques de l'architecture du classicisme allemand du XVIIIe - 1re moitié du XIXe siècle . Dans le travail de K. F. Shinkel, la monumentalité dure des images se conjugue avec la recherche de nouvelles solutions fonctionnelles.

Au milieu du XIXe siècle, le rôle prédominant du classicisme est réduit à néant ; il est remplacé par des styles historiques (voir aussi style néo-grec, éclectisme). Parallèlement, la tradition artistique du classicisme prend vie dans le néoclassicisme du XXe siècle.

Les beaux-arts du classicisme sont normatifs ; sa structure figurative est caractérisée par des signes clairs d'utopie sociale. L'iconographie du classicisme est dominée par les légendes anciennes, les actes héroïques, les intrigues historiques, c'est-à-dire l'intérêt pour le sort des communautés humaines, pour «l'anatomie du pouvoir». Non satisfaits d'un simple "portrait de la nature", les artistes du classicisme s'efforcent de s'élever au-dessus du concret, de l'individuel - jusqu'à l'universel signifiant. Les classiques ont défendu leur idée de la vérité artistique, qui ne coïncidait pas avec le naturalisme du Caravage ou du Petit Hollandais. Le monde des actes rationnels et des sentiments brillants dans l'art du classicisme s'est élevé au-dessus de la vie quotidienne imparfaite comme l'incarnation d'un rêve de l'harmonie souhaitée de l'être. L'orientation vers l'idéal noble a donné lieu au choix de la "belle nature". Le classicisme évite le désinvolte, le déviant, le grotesque, le grossier, le repoussant. La clarté tectonique de l'architecture classique correspond à une nette délimitation des plans en sculpture et en peinture. Le plastique du classicisme, en règle générale, est conçu pour un point de vue fixe, il se distingue par la douceur des formes. Le moment du mouvement dans les poses des personnages ne viole généralement pas leur isolement plastique et leur statuaire calme. Dans la peinture classique, les principaux éléments de la forme sont la ligne et le clair-obscur ; les couleurs locales révèlent clairement les objets et les plans de paysage, ce qui rapproche la composition spatiale du tableau de la composition de la scène.

Le fondateur et le plus grand maître du classicisme du XVIIe siècle était l'artiste français N. Poussin, dont les peintures sont marquées par la noblesse du contenu philosophique et éthique, l'harmonie de la structure rythmique et de la couleur.

Le "paysage idéal" (N. Poussin, C. Lorrain, G. Duguet), qui incarne le rêve des classicistes de "l'âge d'or" de l'humanité, est très développé dans la peinture du classicisme du XVIIe siècle. Les maîtres les plus significatifs du classicisme français en sculpture du XVIIe au début du XVIIIe siècle sont P. Puget (thème héroïque), F. Girardon (recherche d'harmonie et laconisme des formes). Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, les sculpteurs français se tournent à nouveau vers des thèmes socialement significatifs et des solutions monumentales (J. B. Pigalle, M. Clodion, E. M. Falcone, J. A. Houdon). Pathos civique et lyrisme se mêlent dans la peinture mythologique de J. M. Vienne, les paysages décoratifs de J. Robert. La peinture du classicisme dit révolutionnaire en France est représentée par les œuvres de J. L. David, dont les images historiques et portraitistes sont marquées par un drame courageux. Dans la période tardive du classicisme français, la peinture, malgré l'apparition de grands maîtres individuels (J. O. D. Ingres), dégénère en art apologétique officiel ou art de salon.

Rome est devenue le centre international du classicisme au XVIIIe - début du XIXe siècle, où la tradition académique dominait dans l'art avec une combinaison de noblesse des formes et d'idéalisation froide et abstraite, ce qui n'est pas rare pour l'académisme (peintres A. R. Mengs, J. A. Koch, V Camuccini, sculpteurs A. Kakova et B. Thorvaldsen). Dans l'art visuel du classicisme allemand, d'esprit contemplatif, se détachent les portraits d'A. et V. Tishbein, les caricatures mythologiques d'A. Ya. Karstens, l'art plastique d'I. G. Shadov, K. D. Raukh; en artisanat d'art - mobilier de D. Roentgen. En Grande-Bretagne, le classicisme du graphisme et de la sculpture de J. Flaxman sont proches, dans les arts et métiers - la céramique de J. Wedgwood et les maîtres de la manufacture de Derby.

A. R. Mengs. "Persée et Andromède". 1774-79. Ermitage (Saint-Pétersbourg).

L'âge d'or du classicisme en Russie remonte au dernier tiers du 18e - 1er tiers du 19e siècle, bien que déjà le début du 18e siècle ait été marqué par un appel créatif à l'expérience urbanistique du classicisme français (le principe de la symétrie -systèmes de planification axiale dans la construction de Saint-Pétersbourg). Le classicisme russe incarnait une nouvelle étape historique dans l'épanouissement de la culture laïque russe, sans précédent pour la Russie par son ampleur et sa plénitude idéologique. Le classicisme russe ancien en architecture (années 1760-70 ; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) conserve encore l'enrichissement plastique et la dynamique des formes caractéristiques du baroque et du rococo.

Les architectes de l'ère mature du classicisme (1770-90; V. I. Bazhenov, M. F. Kazakov, I. E. Starov) ont créé les types classiques du palais-domaine de la capitale et du bâtiment résidentiel confortable, qui sont devenus des modèles dans la construction extensive de domaines nobles de banlieue et dans le nouveau bâtiment avant des villes. L'art de l'ensemble dans les parcs de banlieue est une contribution majeure du classicisme russe à la culture artistique mondiale. La variante russe du palladianisme est née dans la construction de manoirs (N. A. Lvov) et un nouveau type de palais de chambre s'est développé (C. Cameron, J. Quarenghi). Une caractéristique du classicisme russe est l'ampleur sans précédent de la planification urbaine de l'État : des plans réguliers ont été élaborés pour plus de 400 villes, des ensembles des centres de Kaluga, Kostroma, Poltava, Tver, Yaroslavl, etc. ont été formés ; la pratique des plans de ville «réglementaires», en règle générale, a combiné successivement les principes du classicisme avec la structure de planification historiquement établie de la vieille ville russe. Le tournant du 18ème-19ème siècle a été marqué par les plus grandes réalisations de développement urbain dans les deux capitales. Un ensemble grandiose du centre de Saint-Pétersbourg a été formé (A. N. Voronikhin, A. D. Zakharov, J. F. Thomas de Thomon, plus tard K. I. Rossi). Sur d'autres principes d'urbanisme, le «Moscou classique» a été formé, qui a été construit pendant la période de sa restauration après l'incendie de 1812 avec de petites demeures aux intérieurs confortables. Les prémices de la régularité y sont systématiquement subordonnées à la liberté picturale générale de la structure spatiale de la ville. Les architectes les plus éminents du classicisme tardif de Moscou sont D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev. Les bâtiments du 1er tiers du 19ème siècle appartiennent au style Empire russe (parfois appelé classicisme d'Alexandre).

Dans les arts visuels, le développement du classicisme russe est étroitement lié à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg (fondée en 1757). La sculpture est représentée par une plasticité monumentale-décorative « héroïque », qui forme une synthèse finement pensée avec l'architecture, des monuments remplis de pathos civique, des pierres tombales imprégnées d'illumination élégiaque, une plasticité de chevalet (I.P. Prokofiev, F.G. Gordeev, M.I. Kozlovsky, I.P . Martos, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinovsky, S. S. Pimenov, I. I. Terebenev). En peinture, le classicisme s'est manifesté le plus clairement dans les œuvres du genre historique et mythologique (A. P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, début A. A. Ivanov, en scénographie - dans le travail de P. di G. Gonzago). Certaines caractéristiques du classicisme sont également inhérentes aux portraits sculpturaux de F. I. Shubin, à la peinture - portraits de D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky, paysages de F. M. Matveev. Dans l'art décoratif et appliqué du classicisme russe, la modélisation artistique et le décor sculpté dans l'architecture, les produits en bronze, la fonte, la porcelaine, le cristal, les meubles, les tissus damassés, etc., se distinguent.

A. I. Kaplun ; Yu. K. Zolotov (beaux-arts européens).

Théâtre. La formation du classicisme théâtral commence en France dans les années 1630. Le rôle déclencheur et organisateur de ce processus revient à la littérature, grâce à laquelle le théâtre s'impose parmi les "grands" arts. Les Français ont vu des échantillons d'art théâtral dans le "théâtre savant" italien de la Renaissance. Depuis le créateur de tendances et bien culturel Puisqu'il y avait une société de cour, le cérémonial et les festivités de la cour, les ballets et les réceptions de cérémonie ont également influencé le style de scène. Les principes du classicisme théâtral s'élaborent sur la scène parisienne : dans le théâtre "Mare" dirigé par G. Mondori (1634), dans le Palais-Cardinal construit par le Cardinal de Richelieu (1641, à partir de 1642 "Palais-Royal"), dont l'arrangement répondait aux hautes exigences de la technologie scénique italienne ; dans les années 1640, l'Hôtel de Bourgogne devient le lieu du classicisme théâtral. Le décor simultané est progressivement, vers le milieu du XVIIe siècle, remplacé par un décor pittoresque et uniforme en perspective (palais, temple, maison, etc.) ; un rideau est apparu, qui s'est levé et est tombé au début et à la fin de la représentation. La scène était encadrée comme un tableau. Le jeu se déroulait uniquement sur l'avant-scène ; la performance était centrée par plusieurs figures de personnages protagonistes. Une toile de fond architecturale, une scène d'action unique, une combinaison de plans d'action et picturaux, une mise en scène tridimensionnelle commune ont contribué à créer l'illusion de vraisemblance. Dans le classicisme scénique du XVIIe siècle, il y avait le concept du « quatrième mur ». « Il agit ainsi », écrit F. E. a'Aubignac à propos de l'acteur (« La pratique du théâtre », 1657), « comme si le public n'existait pas du tout : ses personnages agissent et parlent comme s'ils étaient vraiment des rois, et non Mondori et Belrose, comme s'ils étaient dans le palais d'Horace à Rome, et non dans l'hôtel de Bourgogne à Paris, et comme s'ils n'étaient vus et entendus que par ceux qui sont présents sur la scène (c'est-à-dire dans l'image représentée). lieu).

Dans la haute tragédie du classicisme (P. Corneille, J. Racine), la dynamique, le divertissement et les intrigues d'aventures des pièces d'A. Hardy (le répertoire de la première troupe française permanente de V. Leconte dans le 1er tiers du 17e siècle) ont été remplacés par une attention statique et approfondie tranquillité d'esprit héros, les motifs de son comportement. Le nouveau drame a nécessité des changements dans arts performants. L'acteur est devenu l'incarnation de l'idéal éthique et esthétique de l'époque, créant un portrait rapproché de son contemporain avec son jeu d'acteur; son costume, stylisé comme l'antiquité, correspondait à la mode moderne, la plastique obéissait aux exigences de la noblesse et de la grâce. L'acteur devait avoir le pathétique d'un orateur, le sens du rythme, la musicalité (pour la comédienne M. Chanmele, J. Racine inscrivait des notes sur les lignes du rôle), l'art du geste éloquent, le talent d'un danseur, même la force physique. La dramaturgie du classicisme contribua à l'émergence d'une école de récitation scénique, qui combinait l'ensemble des techniques scéniques (lecture, geste, mimiques) et devint le principal moyen d'expression de l'acteur français. A. Vitez appelait la récitation du XVIIe siècle « architecture prosodique ». La performance s'est construite dans l'interaction logique des monologues. Avec l'aide de la parole, la technique d'excitation de l'émotion et de son contrôle a été élaborée; le succès de l'exécution dépendait de la force de la voix, de sa sonorité, de son timbre, de la possession des couleurs et des intonations.

"Andromaque" de J. Racine à l'hôtel Bourgogne. Gravure de F. Chauveau. 1667.

La division des genres théâtraux en "haut" (tragédie à l'hôtel de Bourgogne) et "bas" (comédie au "Palais Royal" du temps de Molière), l'émergence des rôles fixe la structure hiérarchique du théâtre du classicisme. Restant dans les limites de la nature « ennoblie », le schéma de jeu et les contours de l'image sont déterminés par l'individualité des acteurs principaux : la manière de réciter de J. Floridor est plus naturelle que celle de la pose excessive de Belrose ; M. Chanmelet se caractérisait par une « récitation » sonore et mélodieuse, et Montfleury n'en connut pas d'égal dans les affects de la passion. Le concept qui s'est développé plus tard dans le canon du classicisme théâtral, qui consistait en des gestes standard (la surprise était représentée avec les mains levées au niveau des épaules et les paumes face au public ; le dégoût - avec la tête tournée vers la droite et les mains repoussant l'objet du mépris , etc.) , fait référence à l'ère du déclin et de la dégénérescence du style.

Au XVIIIe siècle, malgré le départ décisif du théâtre vers la démocratie éducative, les comédiens de la Comédie française A. Lecouvreur, M. Baron, A. L. Lequin, Dumesnil, Cleron, L. Préville développent le style du classicisme scénique selon les goûts. et exige l'ère. Ils se sont écartés des normes classiques de la récitation, ont réformé le costume et ont tenté de diriger la pièce, créant un ensemble d'acteurs. Au début du XIXe siècle, au plus fort de la lutte des romantiques avec la tradition du théâtre « de cour », F.J. Talma, M.J. » et style recherché. Les traditions du classicisme ont continué d'influencer la culture théâtrale de la France au tournant des XIXe et XXe siècles et même plus tard. La combinaison des styles du classicisme et de la modernité est caractéristique du jeu de J. Mounet-Sully, S. Bernard, B.C. Coquelin. Au XXe siècle, le théâtre du metteur en scène français se rapproche du théâtre européen, le style scénique perd sa spécificité nationale. Cependant, des développements importants dans Théâtre français Le XXe siècle est en corrélation avec les traditions du classicisme : performances de J. Copeau, J.L. Barrot, L. Jouvet, J. Vilard, expérimentations de Vitez avec les classiques du XVIIe siècle, productions de R. Planchon, J. Desart, etc.

Ayant perdu l'importance du style dominant en France au XVIIIe siècle, le classicisme a trouvé des successeurs dans d'autres pays européens. JW Goethe a constamment introduit les principes du classicisme dans le théâtre de Weimar dirigé par lui. L'actrice et entrepreneur F. K. Neuber et l'acteur K. Eckhoff en Allemagne, les acteurs anglais T. Betterton, J. Quinn, J. Kemble, S. Siddons ont propagé le classicisme, mais leurs efforts, malgré leurs réalisations créatives personnelles, se sont avérés inefficaces et, finalement, ont été rejetés. Le classicisme scénique est devenu l'objet d'une controverse paneuropéenne, et grâce aux théoriciens allemands, puis russes du théâtre, il a reçu la définition de "faux théâtre classique".

En Russie, le style classiciste s'est épanoui au début du XIXe siècle dans les travaux de A. S. Yakovlev et E. S. Semyonova, se manifestant plus tard dans les réalisations de la St. école de théâtre représenté par V. V. Samoilov (voir les Samoilov), V. A. Karatygin (voir les Karatygins), puis Yu. M. Yuriev.

E.I. Gorfunkel.

Musique. Le terme "classicisme" en relation avec la musique n'implique pas une orientation vers des échantillons anciens (seuls les monuments de la théorie musicale grecque antique étaient connus et étudiés), mais une série de réformes visant à mettre fin aux vestiges du style baroque dans Théâtre musical. Les tendances classiciste et baroque se mêlent de manière incohérente dans la tragédie musicale française de la 2ème moitié du 17ème - 1ère moitié du 18ème siècle (collaboration créative du librettiste F. Kino et du compositeur J. B. Lully, opéras et opéras-ballets de J. F. Rameau) et dans l'opéra seria italien, qui occupait une place prépondérante parmi les genres musicaux et dramatiques du XVIIIe siècle (en Italie, en Angleterre, en Autriche, en Allemagne, en Russie). L'apogée de la tragédie musicale française est survenue au début de la crise de l'absolutisme, lorsque les idéaux d'héroïsme et de citoyenneté de l'époque de la lutte pour l'État national ont été remplacés par l'esprit de fête et d'apparat officiel, une attirance pour le luxe et hédonisme raffiné. L'acuité du conflit de sentiment et de devoir typique du classicisme dans le contexte d'une intrigue mythologique ou chevaleresque-légendaire d'une tragédie musicale a diminué (surtout par rapport à la tragédie dans un théâtre dramatique). Aux normes du classicisme sont associées des exigences de pureté du genre (absence de comédie et d'épisodes quotidiens), d'unité d'action (souvent aussi de lieu et de temps), d'une composition « classique » en 5 actes (souvent avec un prologue). La place centrale dans le drame musical est occupée par le récitatif - un élément le plus proche de la logique verbale-conceptuelle rationaliste. Dans le domaine de l'intonation, les formules déclamatoires-pathétiques (interrogatives, impératives, etc.) associées à la parole humaine naturelle prédominent, tandis que les figures rhétoriques et symboliques caractéristiques de l'opéra baroque sont exclues. De vastes scènes de chorale et de ballet aux thèmes fantastiques et pastoraux-idylliques, une orientation générale vers le spectacle et le divertissement (qui finiront par devenir dominants) étaient plus conformes aux traditions du baroque qu'aux principes du classicisme.

Traditionnels pour l'Italie étaient la culture de la virtuosité du chant et le développement d'un élément décoratif inhérent au genre de l'opéra seria. Conformément aux exigences du classicisme mises en avant par certains représentants de l'Académie romaine "Arcadia", les librettistes italiens du nord du début du XVIIIe siècle (F. Silvani, G. Frigimelica-Roberti, A. Zeno, P. Pariati, A. Salvi, A. Piovene) ont été expulsés des épisodes comiques et quotidiens d'opéra sérieux, des motifs d'intrigue associés à l'intervention de forces surnaturelles ou fantastiques; le cercle des intrigues était limité aux questions historiques et historiques-légendaires, les questions morales et éthiques étaient mises en avant. Au centre du concept artistique des premiers opera seria se trouve une image héroïque exaltée d'un monarque, moins souvent un homme d'État, un courtisan, un héros épique, démontrant les qualités positives d'une personnalité idéale : sagesse, tolérance, générosité, dévouement au devoir, enthousiasme héroïque. La structure en 3 actes, traditionnelle pour l'opéra italien, a été préservée (les drames en 5 actes sont restés des expérimentations), mais le nombre d'acteurs a été réduit, les moyens expressifs intonatifs, les formes d'ouverture et d'air, et la structure des parties vocales ont été typifiées en musique. Le type de dramaturgie, entièrement subordonné aux tâches musicales, a été développé (à partir des années 1720) par P. Metastasio, dont le nom est associé à l'étape culminante de l'histoire de l'opera seria. Dans ses histoires, le pathos classiciste est sensiblement affaibli. La situation de conflit, en règle générale, surgit et s'aggrave en raison de la "délire" prolongée des principaux acteurs, et non en raison d'un véritable conflit d'intérêts ou de principes. Cependant, une prédilection particulière pour une expression idéalisée des sentiments, pour les nobles impulsions de l'âme humaine, bien que loin d'une stricte justification rationnelle, a assuré l'exceptionnelle popularité du livret de Metastasio pendant plus d'un demi-siècle.

Le point culminant du développement du classicisme musical du siècle des Lumières (dans les années 1760 et 70) fut la collaboration créative de K.V. Gluck et du librettiste R. Calcabidgi. Dans les opéras et les ballets de Gluck, les tendances classicistes s'expriment dans une attention accentuée aux questions éthiques, le développement d'idées sur l'héroïsme et la générosité (dans les drames musicaux de la période parisienne, dans un appel direct au thème du devoir et du sentiment). Les normes du classicisme correspondaient également à la pureté du genre, au désir d'une concentration maximale de l'action, réduite à presque une collision dramatique, à une sélection stricte des moyens d'expression en fonction des tâches d'une situation dramatique particulière, à la limitation maximale d'un élément décoratif, un virtuose débutant dans le chant. Le caractère éclairant de l'interprétation des images se reflétait dans l'imbrication des nobles qualités inhérentes aux héros classiques, avec le naturel et la liberté d'expression des sentiments, reflétant l'influence du sentimentalisme.

Dans les années 1780 et 1790, les tendances classiques révolutionnaires, reflétant les idéaux de la Révolution française du XVIIIe siècle, trouvent leur expression dans le théâtre musical français. Génétiquement lié à l'étape précédente et représenté principalement par la génération de compositeurs qui ont suivi la réforme gluckienne de l'opéra (E. Megul, L. Cherubini), le classicisme révolutionnaire a mis l'accent, tout d'abord, sur le pathos civique et tyrannique qui avait jusqu'alors caractérisé le tragédies de P. Corneille et de Voltaire. Contrairement aux œuvres des années 1760 et 70, dans lesquelles la résolution du conflit tragique était difficile à obtenir et nécessitait l'intervention de forces extérieures (la tradition du "deus ex machina" - le latin "Dieu de la machine"), pour le des années 1780 et 1790, un dénouement caractéristique s'opère par un acte héroïque (refus d'obéir, protestation, souvent acte de représailles, assassinat d'un tyran, etc.), qui crée un dénouement vif et efficace. Ce type de dramaturgie est à la base du genre de "l'opéra de sauvetage", qui apparaît dans les années 1790 à l'intersection des traditions de l'opéra classique et du drame philistin réaliste.

En Russie, dans le théâtre musical, les manifestations originales du classicisme sont rares (l'opéra «Cefal et Prokris» de F. Araya, le mélodrame «Orphée» de E. I. Fomin, la musique de O. A. Kozlovsky pour les tragédies de V. A. Ozerov, A. A. Shakhovsky et A.N. Gruzintseva).

En ce qui concerne l'opéra comique, ainsi que la musique instrumentale et vocale du XVIIIe siècle, non liée à l'action théâtrale, le terme «classicisme» est utilisé dans une large mesure de manière conditionnelle. Il est parfois utilisé au sens large pour désigner la phase initiale de l'ère classique-romantique, les styles galant et classique (voir l'article École classique de Vienne, Classiques en musique), notamment pour éviter le jugement (par exemple, lors de la traduction du Terme allemand "Klassik" ou dans l'expression "classicisme russe" appliqué à toute la musique russe de la 2e moitié du 18e - début du 19e siècles).

Au XIXe siècle, le classicisme dans le théâtre musical cède la place au romantisme, bien que certains traits de l'esthétique classiciste soient sporadiquement ravivés (par G. Spontini, G. Berlioz, S. I. Taneyev, etc.). Dans le classicisme du XXe siècle principes artistiques ressuscité dans le néoclassicisme.

PV Lutsker.

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Détails Catégorie : Une variété de styles et de tendances dans l'art et leurs caractéristiques Publié le 05/03/2015 10:28 Vues : 10467

"Classe!" - on parle de ce qui suscite notre admiration ou correspond à notre appréciation positive d'un objet ou d'un phénomène.
Traduit du latin, le mot classique et signifie "exemplaire".

Classicismeappelé style artistique et la direction esthétique dans la culture européenne des XVIIe-XIXe siècles.

Et comme échantillon ? Le classicisme a développé les canons selon lesquels toute œuvre d'art doit être construite. Canon est une certaine norme techniques artistiques ou des règles contraignantes à une époque particulière.
Le classicisme est une tendance stricte de l'art, il ne s'intéressait qu'à l'essentiel, à l'éternel, au typique, aux signes ou manifestations aléatoires qui n'intéressaient pas le classicisme.
En ce sens, le classicisme remplit les fonctions éducatives de l'art.

Bâtiments du Sénat et du Synode à Saint-Pétersbourg. Architecte C. Rossi
Est-ce bien ou mal quand il y a des canons dans l'art ? Quand on ne peut aimer que ça et rien d'autre ? Ne vous précipitez pas vers une conclusion négative ! Les canons ont permis de rationaliser le travail d'un certain type d'art, de donner une direction, de montrer des échantillons et de balayer tout ce qui est insignifiant et non profond.
Mais les canons ne peuvent pas être un guide éternel et immuable de la créativité - à un moment donné, ils deviennent obsolètes. C'est ce qui s'est passé au début du XXe siècle. dans les arts visuels et dans la musique : les normes qui s'étaient enracinées au cours de plusieurs siècles avaient perdu leur utilité et se disloquaient.
Cependant, nous avons déjà fait un bond en avant. Revenons au classicisme et regardons de plus près la hiérarchie des genres du classicisme. Nous dirons seulement que comme une certaine tendance, le classicisme s'est formé en France au XVIIe siècle. Une caractéristique du classicisme français était qu'il affirmait la personnalité d'une personne comme la plus haute valeur de l'être. À bien des égards, le classicisme s'appuie sur l'art ancien, y voyant un modèle esthétique idéal.

Hiérarchie des genres du classicisme

Dans le classicisme, une hiérarchie stricte des genres est établie, qui se divise en haut et en bas. Chaque genre a certaines caractéristiques, qui ne doivent pas être mélangées.
Considérez la hiérarchie des genres sur les exemples de divers types d'art.

Littérature

Nicolas Boileau est considéré comme le plus grand théoricien du classicisme, mais le fondateur est François Malherba, qui a réformé la langue et le vers français et développé des canons poétiques. N. Boileau a exprimé ses vues sur la théorie du classicisme dans le traité poétique "L'art poétique".

Buste de Nicolas Boileau par F. Girardon. Paris, Louvre
Dans la dramaturgie devait être respecté trois unités: l'unité de temps (l'action doit se dérouler dans une journée), l'unité de lieu (en un seul lieu) et l'unité d'action (il doit y avoir une seule histoire dans l'œuvre). Les tragédiens français Corneille et Racine sont devenus les principaux représentants du classicisme en dramaturgie. L'idée principale de leur travail était le conflit entre le devoir public et les passions personnelles.
Le but du classicisme est de changer le monde pour le mieux.

En Russie

En Russie, l'émergence et le développement du classicisme sont principalement associés au nom de M.V. Lomonosov.

M. V. Lomonossov au monument "1000e anniversaire de la Russie" à Veliky Novgorod. Sculpteurs M.O. Mikeshin, IN Schroeder, architecte V.A. Hartmann
Il procéda à une réforme du vers russe et développa la théorie des « trois calmes ».

"La théorie des trois calmes" M.V. Lomonossov

La doctrine des trois styles, c'est-à-dire La classification des styles en rhétorique et poétique, qui distingue les styles haut, moyen et bas (simple), est connue depuis longtemps. Il a été utilisé dans la littérature européenne romaine antique, médiévale et moderne.
Mais Lomonosov a utilisé la doctrine des trois styles pour construire un système stylistique Langue russe et littérature russe. Trois "styles" selon Lomonossov :
1. Haut - solennel, majestueux. Genres : ode, poèmes héroïques, tragédies.
2. Médium - élégies, drames, satires, églogues, compositions amicales.
3. Low - comédies, lettres, chansons, fables.
Le classicisme en Russie s'est développé sous l'influence des Lumières : les idées d'égalité et de justice. Par conséquent, dans le classicisme russe, une évaluation obligatoire de la réalité historique par l'auteur était généralement supposée. On le retrouve dans les comédies de D.I. Fonvizin, satires A.D. Cantemir, fables d'A.P. Sumarokova, I.I. Khemnitser, odes à M.V. Lomonossov, G.R. Derjavine.
À fin XVIII dans. la tendance à voir dans l'art la principale force de l'éducation humaine s'est intensifiée. À cet égard, une tendance littéraire se pose sentimentalisme, dans lequel le sentiment (et non la raison) a été déclaré la chose principale dans la nature humaine. L'écrivain français Jean-Jacques Rousseau a appelé à être plus proche de la nature et du naturel. Cet appel a été suivi par l'écrivain russe N.M. Karamzin - souvenons-nous de sa célèbre "Pauvre Lisa" !
Mais dans le sens du classicisme, des œuvres ont été créées au XIXe siècle. Par exemple, "Woe from Wit" d'A.S. Griboïedov. Bien que dans cette comédie il y ait déjà des éléments de romantisme et de réalisme.

Peinture

Puisque la définition du "classicisme" est traduite par "exemplaire", alors une sorte de modèle lui est naturel. Et les partisans du classicisme l'ont vu dans l'art ancien. C'était l'exemple le plus élevé. Il y avait aussi une dépendance à la tradition haute renaissance, qui a également vu un modèle dans l'Antiquité. L'art du classicisme reflétait les idées d'une structure harmonieuse de la société, mais reflétait les conflits de l'individu et de la société, l'idéal et la réalité, les sentiments et la raison, qui témoignent de la complexité de l'art du classicisme.
Les formes artistiques du classicisme se caractérisent par une organisation stricte, l'équilibre, la clarté et l'harmonie des images. L'intrigue doit se développer logiquement, la composition de l'intrigue doit être claire et équilibrée, le volume doit être clair, le rôle de la couleur doit être subordonné à l'aide du clair-obscur, l'utilisation de couleurs locales. Ainsi écrit, par exemple, N. Poussin.

Nicolas Poussin (1594-1665)

N. Poussin "Autoportrait" (1649)
Artiste français qui s'est tenu à l'origine de la peinture du classicisme. Presque toutes ses peintures sont basées sur des sujets historiques et mythologiques. Ses compositions sont toujours claires et rythmées.

N. Poussin "Danse sur la Musique du Temps" (vers 1638)
Le tableau représente une ronde allégorique de la Vie. Il encercle (de gauche à droite) : Plaisir, Assiduité, Richesse, Pauvreté. À côté de la statue en pierre à deux têtes du dieu romain Janus, un bébé est assis, soufflant des bulles de savon - un symbole de l'écoulement rapide vie humaine. Le jeune visage du Janus à deux visages est tourné vers l'avenir, tandis que le vieux visage est tourné vers le passé. Le vieil homme ailé à la barbe grise, sur la musique duquel tourne la ronde, est le Père Temps. A ses pieds est assis un bébé qui tient un sablier, rappelant le mouvement rapide du temps.
Le char du dieu solaire Apollon se précipite dans le ciel, accompagné des déesses des saisons. Aurore, la déesse de l'aube, vole devant le char, éparpillant des fleurs sur son chemin.

V. Borovikovsky «Portrait de G.R. Derjavine" (1795)

V. Borovikovsky «Portrait de G.R. Derzhavin, Galerie nationale Tretiakov
L'artiste a représenté dans le portrait un homme qu'il connaissait bien et dont il appréciait l'opinion. Il s'agit d'un portrait formel, traditionnel pour le classicisme. Derzhavin - sénateur, membre Académie russe, un homme d'État, cela est attesté par son uniforme et ses récompenses.
Mais en même temps, c'est un poète célèbre, passionné par la créativité, les idéaux éducatifs et la vie sociale. Ceci est indiqué par un bureau jonché de manuscrits; jeu d'encre de luxe; étagères avec des livres en arrière-plan.
L'image de G. R. Derzhavin est reconnaissable. Mais monde intérieur il n'est pas montré. Les idées de Rousseau, qui ont déjà été activement discutées dans la société, ne sont pas encore apparues dans l'œuvre de V. Borovikovsky, cela arrivera plus tard.
Dans le 19ème siècle La peinture du classicisme entre dans une période de crise et devient un frein au développement de l'art. Les artistes, préservant le langage du classicisme, commencent à se tourner vers des sujets romantiques. Parmi les artistes russes, c'est d'abord Karl Bryullov. Son travail est venu à une époque où les œuvres de forme classiques étaient remplies de l'esprit du romantisme, cette combinaison s'appelait l'académisme. Au milieu du XIXème siècle. la jeune génération attirée par le réalisme commence à se rebeller, représentée en France par le cercle Courbet, et en Russie par les Wanderers.

Sculpture

La sculpture de l'ère du classicisme considérait également l'Antiquité comme un modèle. Cela a été facilité, entre autres, par des fouilles archéologiques de villes anciennes, à la suite desquelles de nombreuses sculptures de l'hellénisme sont devenues connues.
Le classicisme a atteint sa plus haute incarnation dans les œuvres d'Antonio Canova.

Antonio Canova (1757-1822)

A. Canova "Autoportrait" (1792)
Sculpteur italien, représentant du classicisme dans la sculpture européenne. Les plus grandes collections de ses œuvres se trouvent au Louvre à Paris et à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.

A. Canova "Trois Grâces". Saint-Pétersbourg, Ermitage
Le groupe sculptural "Trois Grâces" fait référence à la dernière période de créativité d'Antonio Canova. Le sculpteur a incarné ses idées de beauté dans les images des grâces - des déesses anciennes personnifiant le charme et le charme féminins. La composition de cette sculpture est inhabituelle : les grâces se tiennent côte à côte, les deux visages extrêmes se font face (et non le spectateur) et la petite amie debout au centre. Les trois figures féminines élancées fusionnent dans une étreinte, elles sont unies par l'entrelacement des mains et un foulard tombant de la main de l'une des grâces. La composition de Canova est compacte et équilibrée.
En Russie, l'esthétique du classicisme comprend Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky, Ivan Martos.
Fédot Ivanovitch Choubine(1740-1805) travaille principalement le marbre, tournant parfois au bronze. La plupart de ses portraits sculpturaux se présentent sous la forme de bustes: bustes du vice-chancelier A. M. Golitsyn, du comte P. A. Rumyantsev-Zadunaisky, Potemkin-Tavrichesky, M. V. Lomonosov, Paul I, P. V. Zavadovsky, une statue des législateurs Catherine II et autres.

F. Shubin. Buste de Paul Ier
Shubin est également connu comme décorateur, il a créé 58 portraits historiques en marbre pour le palais de Chesme, 42 sculptures pour le palais de marbre, etc. Il était également sculpteur sur os de l'os sculpté de Kholmogory.
À l'ère du classicisme, les monuments publics se sont répandus, dans lesquels les prouesses militaires et la sagesse des hommes d'État étaient idéalisées. Mais en ancienne tradition il était d'usage de représenter des modèles nus, alors que les normes de la morale moderne au classicisme ne le permettaient pas. C'est pourquoi les personnages ont commencé à être représentés comme des dieux antiques nus: par exemple, Suvorov - sous la forme de Mars. Plus tard, ils ont commencé à être représentés dans des toges antiques.

Monument à Koutouzov à Saint-Pétersbourg devant la cathédrale de Kazan. Sculpteur B.I. Orlovsky, architecte K.A. Ton
Le classicisme Empire tardif est représenté par le sculpteur danois Bertel Thorvaldsen.

B. Thorvaldsen. Monument à Nicolas Copernic à Varsovie

Architecture

L'architecture du classicisme s'est également concentrée sur les formes de l'architecture ancienne comme normes d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. L'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité, devient la base du langage architectural du classicisme. Commande- un type de composition architecturale qui utilise certains éléments. Il comprend un système de proportions, prescrit la composition et la forme des éléments, ainsi que leur position relative. Le classicisme se caractérise par des compositions symétriques-axiales, la retenue de la décoration décorative et un système régulier d'urbanisme.

Le manoir d'Osterley Park à Londres. Architecte Robert Adam
En Russie, les représentants du classicisme en architecture étaient V.I. Bajenov, Karl Rossi, Andrey Voronikhin et Andrey Zakharov.

Carl Barthalomeo-Rossi (1775-1849) – architecte russe D'origine italienne, auteur de nombreux édifices et ensembles architecturaux à Saint-Pétersbourg et ses environs.
Les compétences exceptionnelles en matière d'architecture et d'urbanisme de Rossi s'incarnent dans les ensembles du palais Mikhailovsky avec le jardin et la place adjacents (1819-1825), Place du Palais avec un bâtiment voûté grandiose de l'état-major et un arc de triomphe (1819-1829), Place du Sénat avec les bâtiments du Sénat et du Synode (1829-1834), la place Alexandrinsky avec les bâtiments du théâtre Alexandrinsky (1827-1832), le nouveau bâtiment de la Bibliothèque publique impériale et deux longs bâtiments uniformes de la rue du Théâtre (aujourd'hui la rue de l'architecte Rossi).

Le bâtiment de l'état-major sur la place du palais

Musique

Le concept de classicisme en musique est associé aux travaux de Haydn, Mozart et Beethoven, appelés les classiques viennois. Ils ont donné la direction la poursuite du développement musique européenne.

Thomas Hardy "Portrait de Joseph Haydn" (1792)

Barbara Kraft "Portrait posthume de Wolfgang Amadeus Mozart" (1819)

Karl Stieler "Portrait de Ludwig van Beethoven" (1820)
L'esthétique du classicisme, fondée sur la confiance dans la rationalité et l'harmonie de l'ordre mondial, incarnait ces mêmes principes en musique. Cela lui était demandé: l'équilibre des parties de l'œuvre, la finition soignée des détails, le développement des principaux canons de la forme musicale. Durant cette période, la formation finale forme sonate, la composition classique des parties de la sonate et de la symphonie a été déterminée.
Bien sûr, le chemin de la musique vers le classicisme n'était pas simple et sans ambiguïté. Il y avait la première étape du classicisme - la Renaissance du XVIIe siècle. Certains musicologues considèrent même la période baroque comme une manifestation particulière du classicisme. Ainsi, les travaux d'I.S. Bach, G. Haendel, K. Gluck avec ses opéras réformistes. Mais les plus hautes réalisations du classicisme en musique sont néanmoins associées au travail de représentants du Viennois école classique: J. Haydn, W. A. ​​Mozart et L. van Beethoven.

Noter

Il faut distinguer les concepts "musique du classicisme" et "musique classique". Le concept de "musique classique" est beaucoup plus large. Il comprend non seulement la musique de la période de l'ère du classicisme, mais aussi la musique du passé en général, qui a résisté à l'épreuve du temps et est reconnue comme exemplaire.

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le style du classicisme s'est formé dans l'art russe. L'originalité du classicisme russe réside dans le fait que ses maîtres se sont tournés non seulement vers l'antiquité, mais aussi vers leur histoire natale, qu'ils ont recherché la simplicité, le naturel et l'humanité. Dans le classicisme, les idées d'un État absolutiste, qui ont remplacé la fragmentation féodale, ont trouvé leur incarnation artistique. L'absolutisme exprimait l'idée d'un pouvoir ferme, l'éternité du système absolutiste était promue.

Parmi les plus grands portraitistes russes de la seconde moitié du XVIIIe siècle, F. Rokotov était le plus original. Il était déjà un jeune homme largement connu comme un peintre habile et original. Son héritage créatif est important. Rokotov était déjà en 1760 un étudiant de l'Académie des Arts, et trois ans plus tard - son professeur puis académicien. Le service a détourné l'artiste de la créativité et les commandes officielles étaient un fardeau. En 1765, Rokotov quitta l'Académie des Arts et s'installa définitivement à Moscou. Commence alors une nouvelle période créative et très fructueuse de sa vie. Il est devenu un artiste de la noblesse éclairée de Moscou indépendant et parfois libre-penseur. Ses œuvres reflétaient le désir de la meilleure partie éclairée de la noblesse russe, caractéristique de l'époque, de suivre des normes morales élevées. L'artiste aimait représenter une personne sans environnement de parade, sans poser. Les personnages des portraits ultérieurs de Rokotov deviennent plus attrayants dans leur intellectualité et leur spiritualité. Rokotov utilise généralement un éclairage doux et concentre toute son attention sur les visages. Les gens dans ses portraits sourient presque toujours un peu, souvent intensément, parfois mystérieusement en regardant le spectateur. Ils sont unis par quelque chose en commun, une sorte d'humanité profonde et de chaleur spirituelle.

Au début du XIXe siècle, un grand classicisme apparaît. Caractéristique pour les peintres de cette époque était l'affirmation romantique de la beauté de l'unique, individuel, inhabituel, mais la plus haute réalisation de cette ère des beaux-arts en Russie peut être considérée non pas comme une peinture historique, mais comme un portrait (I. Argunov, A .Antropov, V. Borovikovsky, O. Kiprensky).

OA Kiprensky (1782-1836) a découvert non seulement de nouvelles qualités d'une personne, mais aussi de nouvelles possibilités de peinture. Chacun de ses portraits a sa propre structure picturale particulière. Certaines sont construites sur un fort contraste d'ombre et de lumière. Dans d'autres, le principal moyen pictural est un subtil dégradé de couleurs proches les unes des autres. Pour K.P. Bryullov (1799-1852) se caractérise par une fusion du classicisme académique avec le romantisme, la nouveauté des intrigues, l'effet théâtral de la plasticité et de l'éclairage, la complexité de la composition, la brillante virtuosité du pinceau. Le tableau "Le dernier jour de Pompéi" (1830-1833) était largement connu. La beauté sublime de l'homme et l'inévitabilité de sa mort se reflètent dans l'image dans une contradiction tragique. Le caractère romantique est également inhérent à la plupart des portraits de Bryullov.

8. "L'âge d'or" de la culture russe (littérature)

Le XIXe siècle est appelé «l'âge d'or» de la poésie russe et le siècle de la littérature russe à l'échelle mondiale. Il ne faut pas oublier que le saut littéraire qui s'est opéré au XIXe siècle a été préparé par tous les moyens. processus littéraire 17-18 siècles. Le XIXe siècle est l'époque de la formation de la langue littéraire russe, qui a pris forme en grande partie grâce à A.S. Pouchkine.

Mais le XIXe siècle a commencé avec l'apogée du sentimentalisme et la formation du romantisme. Ces tendances littéraires ont trouvé leur expression principalement dans la poésie. Œuvres poétiques des poètes E.A. Baratynsky, K.N. Batyushkova, V.A. Joukovski, A.A. Feta, D.V. Davydova, N.M. Yazykov. Créativité F.I. "L'âge d'or" de la poésie russe de Tyutchev était achevé. Cependant, la figure centrale de cette époque était Alexandre Sergueïevitch Pouchkine.

COMME. Pouchkine a commencé son ascension vers l'Olympe littéraire avec le poème "Ruslan et Lyudmila" en 1920. Et son roman en vers "Eugene Onegin" s'appelait une encyclopédie de la vie russe. Poèmes romantiques d'A.S. Pouchkine" Cavalier de bronze"(1833)", "La fontaine de Bakhchisaray", "Tsiganes" a ouvert l'ère du romantisme russe. De nombreux poètes et écrivains considéraient A. S. Pouchkine comme leur professeur et continuaient les traditions de création d'œuvres littéraires établies par lui. L'un de ces poètes était M.Yu. Lermontov. Son poème romantique "Mtsyri", l'histoire poétique "Demon", de nombreux poèmes romantiques sont connus. Fait intéressant, la poésie russe du XIXe siècle était étroitement liée à la vie sociale et politique du pays. Les poètes ont essayé de comprendre l'idée de leur objectif particulier. Le poète en Russie était considéré comme un conducteur de la vérité divine, un prophète. Les poètes ont exhorté les autorités à écouter leurs paroles. Des exemples frappants de la compréhension du rôle du poète et de son influence sur vie politique pays sont des poèmes d'A.S. Pouchkine "Prophète", ode "Liberté", "Le Poète et la Foule", un poème de M.Yu. Lermontov "Sur la mort d'un poète" et bien d'autres.

Parallèlement à la poésie, la prose a commencé à se développer. Les prosateurs du début du siècle ont été influencés par les romans historiques anglais de W. Scott, dont les traductions étaient très populaires. Le développement de la prose russe du XIXe siècle a commencé avec œuvres en prose COMME. Pouchkine et N.V. Gogol. Pouchkine, sous l'influence des romans historiques anglais, crée l'histoire " la fille du capitaine», où l'action se déroule sur fond d'événements historiques grandioses : lors de la rébellion de Pougatchev. COMME. Pouchkine a fait un travail formidable en explorant cette période historique. Ce travail était en grande partie de nature politique et s'adressait aux personnes au pouvoir.

Depuis le milieu du XIXe siècle, la formation de la littérature réaliste russe a lieu, qui se crée dans le contexte d'une situation sociopolitique tendue qui s'est développée en Russie sous le règne de Nicolas Ier. Une crise du système serf se prépare, et les contradictions entre les autorités et les gens du commun sont fortes. Il est nécessaire de créer une littérature réaliste qui réagisse fortement à la situation sociopolitique du pays. critique littéraire V.G. Belinsky marque une nouvelle tendance réaliste dans la littérature. Sa position est développée par N.A. Dobrolyubov, N.G. Tchernychevski. Un différend surgit entre occidentalistes et slavophiles sur les voies du développement historique de la Russie.

Les écrivains se tournent vers les problèmes socio-politiques de la réalité russe. Le genre du roman réaliste se développe. Leurs œuvres sont créées par I.S. Tourgueniev, F.M. Dostoïevski, L.N. Tolstoï, I.A. Gontcharov. Les problèmes socio-politiques et philosophiques prédominent. La littérature se distingue par un psychologisme particulier.

La fin du XIXe siècle est marquée par la formation de sentiments pré-révolutionnaires. La tradition réaliste commençait à s'estomper. Elle a été remplacée par la littérature dite décadente, dont les caractéristiques étaient le mysticisme, la religiosité, ainsi qu'une prémonition de changements dans la vie socio-politique du pays. Par la suite, la décadence s'est muée en symbolisme. Cela ouvre une nouvelle page dans l'histoire de la littérature russe.

9.Âge d'or" de la culture russe (peinture, musique)

peinture russe. En 1830, l'artiste russe Karl Pavlovich Bryullov a visité les fouilles de l'ancienne ville de Pompéi. Il marchait le long des trottoirs anciens, admirait les fresques, et cette nuit tragique d'août 79 après JC s'éleva dans son imagination. c'est-à-dire, lorsque la ville était couverte de cendres rouges et de pierre ponce du Vésuve éveillé. Trois ans plus tard, le tableau "Le dernier jour de Pompéi" effectue un voyage triomphal de l'Italie à la Russie.

Bryullov était en Italie lors d'un voyage d'affaires de l'Académie des Arts. Dans ce établissement d'enseignementétait bien formé dans la technique de la peinture et du dessin. Cependant, l'Académie s'est concentrée sans équivoque sur l'héritage antique et les thèmes héroïques. La peinture académique se caractérise par un paysage décoratif, la théâtralité de la composition globale. Scènes de Vie moderne, un paysage russe ordinaire ont été jugés indignes du pinceau de l'artiste. Le classicisme en peinture s'appelait académisme.

Deux remarquables portraitistes de leur époque - Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) et Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857) - nous ont laissé des portraits de Pouchkine. Le Pouchkine de Kiprensky a l'air solennel et romantique, dans un halo de gloire poétique. "Tu me flattes, Oresta," soupira Pouchkine en regardant la toile finie. Dans le portrait de Tropinine, le poète est charmant d'une manière chaleureuse. Une chaleur et un confort particuliers du vieux Moscou émanent des œuvres de Tropinine.

Le processus d'établissement de la culture musicale russe est allé dans différentes directions. L'œuvre des compositeurs du début du XIXème siècle. associé au théâtre. Les opéras de contes de fées Le Prince invisible et Ilya le Bogatyr, l'opéra patriotique Ivan Susanin de K. A. Kavos, la musique de O. A. Kozlovsky pour les tragédies de V. A. Ozerov, l'oratorio de S. A. Degtyarev "Minin and Pozharsky" ("Libération de Moscou") .

Rôle important les compositeurs A. A. Alyabyev, A. E. Varlamov, A. L. Gurilev, A. N. Verstovsky ont joué dans le développement de la romance russe. L'auteur du célèbre "Nightingale" sur les paroles de A. A. Delvig Alyabyev a introduit un courant romantique dans la musique vocale russe. Il a écrit des romans sur les paroles de Pouchkine ("Je t'aimais", "Awakening", "Winter Road", etc.). Varlamov a créé environ 200 romances et chansons basées sur des poèmes des poètes russes M. Yu. Lermontov, A. N. Pleshcheev, A. A. Fet, A. V. Koltsov et d'autres. chanson populaire, ses traits intonatifs et modaux. Le talent lyrique de Gurilev se révèle dans ses meilleures romances "Tu ne comprends pas ma tristesse", " Musique intérieure". Les traditions de fabulation et d'épopée sont inhérentes à l'opéra romantique de Verstovsky La tombe d'Askold.

Créativité de A.S. Pouchkine

L'œuvre de Pouchkine est un mouvement rapide, étroitement lié à son destin, à la vie socio-idéologique et littéraire de la Russie du premier tiers du XIXe siècle. Pouchkine n'a pas deux biographies - une biographie ordinaire et quotidienne et une biographie d'écrivain. Il est un exemple de l'unité de l'homme et du poète. La vie et la poésie fusionnaient avec lui en un tout. Les faits de la vie sont devenus chez Pouchkine les faits de la créativité. À son tour, la poésie a déterminé son destin.

Le véritable triomphe de la période de Pétersbourg a été l'ouvrage "Ruslan et Lyudmila", qui a été publié en 1820. Pouchkine a pris des intrigues, des personnages et quelques scènes d'autres histoires historiques et sources littéraires tout en réalisant vos créations. Les voyages dans le Caucase et la Crimée ont également apporté des résultats créatifs. En 1821, les Robber Brothers sont apparus et Prisonnier du Caucase". Les impressions de Crimée ont été véhiculées dans le poème "La fontaine de Bakhchisaray", daté de 1822. Et passer la nuit avec des gitans sur le chemin d'Odessa a inspiré Pouchkine pour créer le poème "Tsiganes" en 1824.

À la suite des expériences créatives et littéraires de Pouchkine, des histoires de contenu romantique ont été écrites, dont les meilleures sont considérées comme "La jeune femme paysanne", le roman poétique "Eugène Onegin" et "Le conte du tsar Saltan". Pendant son séjour à Moscou, en 1832, Pouchkine écrivit le célèbre roman "Dubrovsky", qui raconte l'arbitraire des propriétaires terriens, fait référence aux légendes de "Mermaids" et aux réalités de "The Bronze Horseman". Les contes de fées restent inchangés dans son travail: sur une princesse morte, sur un coq doré, etc. En 1835, les célèbres "Nuits égyptiennes" ont été publiées, et en 1836 - "La fille du capitaine", qui a apporté un succès incroyable à Pouchkine.

Analyse de l'histoire "La fille du capitaine" par A. S. Pouchkine

Le genre de l'œuvre est une histoire historique écrite sous forme de mémoires.

La base des événements historiques décrits dans l'histoire est le soulèvement dirigé par Emelyan Pugachev en 1773-1775.

Composition. L'intrigue raconte l'enfance et l'adolescence de Petrusha Grinev, la vie dans la famille parentale. Le point culminant de l'histoire est la prise par les rebelles de la forteresse de Belogorsk et l'exécution du capitaine Mironov et de sa femme.

Le deuxième point culminant est l'apparition de Grinev dans la forteresse capturée pour sauver Masha. Le dénouement est la nouvelle du pardon de Grinev par l'impératrice. L'histoire se termine par un petit épilogue, bien qu'il ne soit pas indiqué qu'il s'agisse d'un épilogue.

Dessiné dans l'histoire image lumineuse soulèvement populaire spontané. Pouchkine mentionne certaines des raisons du soulèvement, dessine une composition nationale et sociale diversifiée des participants au mouvement. Les gens de l'histoire ne sont pas une masse sans visage dirigée par leur chef, ce sont des personnalités diverses unies par un objectif précis : les Bachkir mutilés, les Khlopusha, les Cosaques, les paysans et bien d'autres qui se sont levés sous la bannière de Pougatchev.

Images de base. Dessinant l'image du vieil homme Grinev, Pouchkine pose le problème de l'éducation et de l'éducation des jeunes. L'auteur n'idéalise pas la famille Grinev : le chef de famille est prompt à prendre des décisions et à punir, instable dans la recherche de la vérité. La sympathie est causée par son fils Peter, dans des circonstances difficiles, alors qu'il était encore très jeune, honorablement fidèle à sa parole. Sincère, décent, fidèle au serment, pas effrayé face au danger et à un tribunal militaire, il évoque un sentiment de respect.

Classicisme(fr. classicisme, de lat. classique- exemplaire) - un style artistique et une tendance esthétique dans l'art européen des XVIIe-XIXe siècles.

Le classicisme est basé sur les idées du rationalisme, qui se sont formées simultanément avec les mêmes idées dans la philosophie de Descartes. Œuvre de fiction, du point de vue du classicisme, doit être construit sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même. Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il cherche à ne reconnaître que les traits typologiques essentiels, en écartant les traits individuels aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Le classicisme reprend de nombreuses règles et canons de l'art ancien (Aristote, Horace).

Le classicisme établit une hiérarchie stricte des genres, qui se divisent en haut (ode, tragédie, épopée) et bas (comédie, satire, fable). Chaque genre a des caractéristiques strictement définies, dont le mélange n'est pas autorisé.

Comme une certaine direction, il a été formé en France au 17ème siècle. Le classicisme français a affirmé la personnalité d'une personne comme la plus haute valeur de l'être, la libérant de l'influence religieuse et ecclésiale.

Peinture

Intérêt pour l'art la Grèce ancienne et Rome s'est manifestée à la Renaissance qui, après des siècles de Moyen Âge, s'est tournée vers les formes, les motifs et les intrigues de l'Antiquité. Le plus grand théoricien de la Renaissance, Leon Batista Alberti, remonte au XVe siècle. exprimaient des idées qui préfiguraient certains principes du classicisme et se manifestaient pleinement dans la fresque de Raphaël "L'École d'Athènes" (1511).

La systématisation et la consolidation des réalisations des grands artistes de la Renaissance, en particulier les florentins dirigés par Raphaël et son élève Giulio Romano, constituaient le programme de l'école de Bologne de la fin du XVIe siècle, dont les représentants les plus caractéristiques étaient les frères Carracci. Dans leur influente Académie des Arts, les Bolonais ont prêché que le chemin vers les sommets de l'art passait par une étude scrupuleuse de l'héritage de Raphaël et de Michel-Ange, imitant leur maîtrise de la ligne et de la composition.

Au début du XVIIe siècle, de jeunes étrangers affluent à Rome pour se familiariser avec l'héritage de l'Antiquité et de la Renaissance. La place la plus importante parmi eux était occupée par le Français Nicolas Poussin, dans ses peintures, principalement sur les thèmes de l'antiquité et de la mythologie antiques, qui a donné des exemples inégalés de composition géométriquement précise et de corrélation réfléchie des groupes de couleurs. Un autre Français, Claude Lorrain, dans ses paysages archaïques des environs de la "ville éternelle", a rationalisé les images de la nature en les harmonisant avec la lumière du soleil couchant et en introduisant des scènes architecturales particulières.

Le normativisme froid d'esprit de Poussin a gagné l'approbation de la cour de Versailles et a été poursuivi par des peintres de cour comme Lebrun, qui ont vu dans la peinture classique le langage artistique idéal pour louer l'état absolutiste du "roi soleil". Bien que les clients privés préfèrent diverses possibilités Baroque et rococo, la monarchie française a maintenu le classicisme à flot en finançant des institutions académiques telles que l'École des beaux-arts. Le prix de Rome offrait aux étudiants les plus talentueux la possibilité de visiter Rome pour une connaissance directe des grandes œuvres de l'Antiquité.

La découverte de la « véritable » peinture ancienne lors des fouilles de Pompéi, la déification de l'Antiquité par le critique d'art allemand Winkelmann, et le culte de Raphaël prêché par l'artiste Mengs, qui lui était proche en termes de vues, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle a insufflé un nouveau souffle au classicisme (dans la littérature occidentale, cette étape est appelée néoclassicisme). Le plus grand représentant du « nouveau classicisme » était Jacques-Louis David ; son langage artistique extrêmement laconique et dramatique a servi avec un égal succès à promouvoir les idéaux de la Révolution française («Mort de Marat») et du Premier Empire («Dédicace de l'empereur Napoléon Ier»).

Au XIXe siècle, la peinture du classicisme entre dans une période de crise et devient un frein au développement de l'art, non seulement en France, mais aussi dans d'autres pays. Ingres a poursuivi avec succès la ligne artistique de David, tout en conservant le langage du classicisme dans ses œuvres, il s'est souvent tourné vers des intrigues romantiques à saveur orientale («bains turcs»); son travail de portrait est marqué par une subtile idéalisation du modèle. Des artistes d'autres pays (comme, par exemple, Karl Bryullov) ont également imprégné des œuvres de forme classique de l'esprit du romantisme; cette combinaison s'appelle l'académisme. De nombreuses académies d'art lui ont servi de vivier. Au milieu du XIXe siècle, la jeune génération tournée vers le réalisme, représentée en France par le cercle Courbet, et en Russie par les Wanderers, se révolte contre le conservatisme de l'establishment académique.

Architecture

La principale caractéristique de l'architecture du classicisme était l'appel aux formes de l'architecture ancienne comme norme d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. L'architecture du classicisme dans son ensemble se caractérise par la régularité de la planification et la clarté de la forme volumétrique. L'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité, devient la base du langage architectural du classicisme. Le classicisme se caractérise par des compositions axiales symétriques, une décoration décorative sobre et un système régulier d'urbanisme.

Le langage architectural du classicisme a été formulé à la fin de la Renaissance par le grand maître vénitien Palladio et son disciple Scamozzi. Les Vénitiens ont tellement absolutisé les principes de l'architecture des temples anciens qu'ils les ont appliqués même dans la construction d'hôtels particuliers tels que Villa Capra. Inigo Jones a amené le palladianisme au nord de l'Angleterre, où les architectes palladiens locaux ont suivi les préceptes de Palladio avec plus ou moins de fidélité jusqu'au milieu du XVIIIe siècle.

À cette époque, la «crème fouettée» du baroque tardif et du rococo avait commencé à s'accumuler parmi les intellectuels d'Europe continentale. Né par les architectes romains Bernini et Borromini, le baroque s'est éclairci en rococo, un style à prédominance de chambre mettant l'accent sur la décoration intérieure et les arts et l'artisanat. Pour résoudre les grands problèmes urbains, cette esthétique était de peu d'utilité. Déjà sous Louis XV (1715-1774) des ensembles d'urbanisme de style « roman antique » se construisaient à Paris, comme la place de la Concorde (architecte Jacques-Ange Gabriel) et l'église Saint-Sulpice, et sous Louis XVI (1774-92) un "laconicisme noble" similaire devient déjà la principale tendance architecturale.

Les intérieurs les plus significatifs dans le style du classicisme ont été conçus par l'Ecossais Robert Adam, qui est revenu dans son pays natal de Rome en 1758. Il a été très impressionné à la fois par les recherches archéologiques des scientifiques italiens et par les fantasmes architecturaux de Piranèse. Dans l'interprétation d'Adam, le classicisme était un style à peine inférieur au rococo en termes de sophistication des intérieurs, ce qui lui a valu une popularité non seulement parmi les cercles démocratiques de la société, mais aussi parmi l'aristocratie. Comme ses collègues français, Adam prône un rejet total des détails dépourvus de fonction constructive.

Le Français Jacques-Germain Soufflot, lors de la construction de l'église Sainte-Geneviève à Paris, a démontré la capacité du classicisme à organiser de vastes espaces urbains. La grandeur massive de ses créations préfigurait la mégalomanie de l'Empire napoléonien et du classicisme tardif. En Russie, Bajenov allait dans le même sens que Soufflet. Les Français Claude-Nicolas Ledoux et Etienne-Louis Boulet vont encore plus loin dans le développement d'un style visionnaire radical mettant l'accent sur la géométrisation abstraite des formes. Dans la France révolutionnaire, le pathétique civique ascétique de leurs projets était de peu d'utilité ; L'innovation de Ledoux n'a été pleinement appréciée que par les modernistes du XXe siècle.

Les architectes de la France napoléonienne se sont inspirés des images majestueuses de la gloire militaire laissées par la Rome impériale, comme l'arc de triomphe de Septime Sévère et la colonne Trajane. Par ordre de Napoléon, ces images ont été transférées à Paris sous la forme arc de Triomphe Colonne Carruzel et Vendôme. En ce qui concerne les monuments de grandeur militaire de l'époque des guerres napoléoniennes, le terme "style impérial" - style Empire est utilisé. En Russie, Karl Rossi, Andrey Voronikhin et Andrey Zakharov se sont révélés être des maîtres exceptionnels du style Empire. En Grande-Bretagne, l'Empire correspond à ce qu'on appelle. "Style Régence" (le plus grand représentant est John Nash).

L'esthétique du classicisme favorise les grands projets d'urbanisme et conduit à ordonner le développement urbain à l'échelle de villes entières. En Russie, presque toutes les villes de province et de nombreux comtés ont été replanifiées conformément aux principes du rationalisme classique. Des villes telles que Saint-Pétersbourg, Helsinki, Varsovie, Dublin, Édimbourg et bien d'autres se sont transformées en véritables musées à ciel ouvert du classicisme. Dans tout l'espace de Minusinsk à Philadelphie, un seul langage architectural, remontant à Palladio, dominait. La construction ordinaire a été réalisée conformément aux albums de projets standards.

Dans la période qui suit les guerres napoléoniennes, le classicisme doit s'accommoder d'un éclectisme aux couleurs romantiques, notamment avec le retour de l'intérêt pour le Moyen Âge et la vogue du néo-gothique architectural. En lien avec les découvertes de Champollion, les motifs égyptiens gagnent en popularité. L'intérêt pour l'architecture romaine antique est remplacé par le respect de tout ce qui est grec ancien («néo-grec»), qui était particulièrement prononcé en Allemagne et aux États-Unis. Les architectes allemands Leo von Klenze et Karl Friedrich Schinkel construisent respectivement Munich et Berlin avec des musées grandioses et d'autres bâtiments publiques dans l'esprit du Parthénon. En France, la pureté du classicisme se dilue de libres emprunts au répertoire architectural de la Renaissance et du baroque (voir Beaus-Arts).

38. Culture artistique de l'Europe au siècle des Lumières.

Siècle des Lumières- une des époques clés de l'histoire de la culture européenne, associée au développement de la science, de la philosophie et pensée publique. Ce mouvement intellectuel était basé sur le rationalisme et la libre pensée. Parti d'Angleterre, ce mouvement s'est étendu à la France, l'Allemagne, la Russie et d'autres pays européens. Les Lumières françaises, qui sont devenues les « maîtres des pensées », ont été particulièrement influentes. Les principes des Lumières étaient à la base de la Déclaration d'indépendance américaine et de la Déclaration française des droits de l'homme et du citoyen. Le mouvement intellectuel et philosophique de cette époque a eu une grande influence sur les changements ultérieurs dans l'éthique et la vie sociale de l'Europe et de l'Amérique, la lutte pour l'indépendance nationale des colonies américaines des pays européens, l'abolition de l'esclavage et la formation de l'humanité. droits. De plus, elle ébranla l'autorité de l'aristocratie et l'influence de l'Église sur la vie sociale, intellectuelle et culturelle.

En fait terme éducation est venu au russe, ainsi qu'à l'anglais ( L'illumination) et l'allemand ( Zeitalter der Aufklärung) du français ( siècle des lumières) et fait principalement référence au courant philosophique du XVIIIe siècle. En même temps, ce n'est pas le nom d'une certaine école philosophique, car les opinions des philosophes des Lumières différaient souvent considérablement les unes des autres et se contredisaient. Par conséquent, l'illumination est considérée moins comme un complexe d'idées que comme une certaine direction de la pensée philosophique. La philosophie des Lumières était basée sur la critique des institutions traditionnelles, des coutumes et de la morale qui existaient à cette époque.

Les Lumières sont un mouvement social, esthétique, idéologique et culturel dans les pays d'Amérique et d'Europe, associé à des changements dans les conditions de vie qui se sont développés sous l'influence de l'effondrement du féodal et de la formation de rapports capitalistes dans l'économie. Cadre historique - 1689-1789.

Les conditions préalables et les causes profondes de l'évolution esthétique dans la société étaient des changements dans la science, la politique, l'idéologie, la culture et l'art. La culture au siècle des Lumières s'est battue pour le triomphe du "royaume de la raison", principalement grâce au développement de la science. Sa base devait être le principe de "l'égalité naturelle", avec les principes de liberté politique et d'égalité civile qui en découlent.

Les Lumières étaient de fervents matérialistes et idéalistes qui reconnaissaient l'esprit comme la base de la connaissance et du comportement humain. Les courants philosophiques de la pensée sociale dans la culture des Lumières représentaient une sorte d'unité, qui s'exprimait dans des objectifs et des idéaux - liberté, tolérance religieuse, prospérité et bonheur, renoncement à la violence, libre-pensée, ainsi qu'un regard critique sur toute autorité .

savoir scientifique, jusque-là réservée à un cercle restreint de scientifiques, se répand bien au-delà des laboratoires et des universités. La science devient progressivement un sujet de discussion parmi les personnalités culturelles, qui exposent populairement les dernières réalisations de la philosophie et de la science.

Des personnes célèbres Les époques des Lumières sont venues de différents domaines et classes: de l'aristocratie et des nobles, se terminant par les employés des complexes commerciaux et industriels. Dans chacun des pays, la culture de l'époque des Lumières portait l'empreinte de l'identité nationale.

Après les révolutions et guerre civile aux 17-18 siècles, les contradictions de la société se sont aplanies, le parlementarisme s'est développé, ce qui a conduit au renforcement de la lutte politique dans le domaine juridique. L'Église ne s'oppose pas aux Lumières et correspond même dans une certaine mesure à son idéal de tolérance religieuse. Tout cela a contribué au développement rapide de la culture. Un équilibre a été maintenu entre les valeurs traditionnelles, dont l'Église était la gardienne, et celles, singulièrement novatrices, portées par la culture des Lumières.

La culture artistique du XVIIIe siècle est une période de démantèlement du système artistique qui s'est érigé depuis des siècles : une attitude sceptique et ironique envers tout ce qui était auparavant considéré comme choisi et sublime. Pour la première fois, les possibilités de liberté d'observation et de créativité s'ouvrent devant les artistes. La culture des Lumières a utilisé les formes stylistiques des classiques, reflétant avec leur aide un contenu complètement nouveau.

L'art de l'Europe au XVIIIe siècle conjuguait deux principes opposés : le classicisme, c'est-à-dire la subordination d'une personne à un système, et le romantisme. Dans la culture des différents peuples, les classiques et le romantisme formaient une sorte de synthèse ou existaient dans toutes sortes de mélanges et de combinaisons.

Un nouveau départ dans la culture des Lumières fut aussi l'émergence de courants qui n'avaient pas leur propre forme stylistique et ne ressentaient pas le besoin de la générer. L'un des courants les plus importants était, tout d'abord, le sentimentalisme, qui reflétait pleinement les idées des Lumières sur la bonté et la pureté de la nature humaine, qui ont été perdues avec «l'état naturel» de la société, lors de sa séparation progressive de la nature. Le sentimentalisme, tout d'abord, s'adressait au monde intérieur, intime et personnel des pensées et des sentiments humains, et ne nécessitait donc aucune fioriture stylistique particulière. Le sentimentalisme était proche du romantisme : la personne « naturelle », chantée par lui, vit constamment la tragédie d'une collision avec les forces de la nature et de la société, avec la vie elle-même, qui lui prépare de grands chocs. Leur pressentiment imprègne toute la culture des Lumières.

Le processus de déplacement de la religion dans l'art par les laïcs est un trait caractéristique de la culture des Lumières. L'architecture laïque au XVIIIe siècle, pour la première fois d'une longue histoire, prend le pas sur le religieux dans toute l'Europe. Peinture de genre, qui reflétait les observations quotidiennes des artistes sur la vie de personnes réelles dans le monde réel, est largement diffusée dans les pays européens, et tend même parfois à occuper une place prédominante. La place du portrait d'apparat, si populaire dans le passé, est occupée par un portrait intime, et dans la peinture de paysage apparaît un «paysage d'ambiance», représenté par des artistes tels que Gainsborough, Guardi, Watteau.

Un trait caractéristique de la culture des Lumières est l'attention croissante portée à l'esquisse, non seulement parmi les artistes eux-mêmes, mais même parmi les critiques et les historiens de l'art. La perception individuelle, les humeurs, reflétées dans les croquis, ont parfois un effet émotionnel et esthétique supérieur à une œuvre entièrement finie. La gravure et le dessin sont valorisés au-dessus des peintures car ils établissent un lien plus prononcé entre le spectateur et l'artiste. Les goûts et les préférences de l'époque ont changé les exigences mêmes de la couleur des peintures. Les artistes du XVIIIe siècle intensifient la perception décorative de la couleur dans leurs œuvres, les peintures commencent à décorer le lieu dans lequel elles se trouvent.

La culture des Lumières, incarnée dans l'architecture et la peinture du rococo, était principalement destinée à créer du confort pour la personne qui apprécierait ces œuvres. Les petites pièces n'ont pas l'air bondées grâce à l'illusion d'un "espace de jeu", qui est obtenue par les architectes et les artistes grâce à l'utilisation de divers moyens artistiques: ornements, miroirs, panneaux, couleurs spéciales, etc. Ce style est devenu populaire dans les foyers pauvres, dans lesquels il a apporté l'esprit de confort et de convivialité sans pompe excessive ni luxe.

Un autre trait distinctif de la culture des Lumières était l'affichage des sensations et des plaisirs humains - spirituels et physiques - par des moyens artistiques. À partir du 18ème siècle. le public et les critiques exigent nouvelle peinture, la musique et le théâtre sont plus « agréables » ou « sensuels ».

Dans des conflits sans fin entre eux, les théories modernes des droits de l'homme sont nées, en tant que citoyen indépendant et partie de la société civile, la démocratie dans l'état de droit, l'éthique de l'individualisme et une économie de marché.

Le temps des économistes, des philosophes, des sociologues et des écrivains des Lumières est venu remplacer la vieille idéologie, la féodalité.

Culture du Siècle des Lumières.

Con. 17 – début 18ème siècle A reçu le nom "Age of Enlightenment" ou "Age of Reason"

Cette période commence en Angleterre en 1689. Puis il est distribué en France et en Allemagne. Et cette ère se termine avec la Grande Révolution française en 1789.

Signes du Siècle des Lumières :

· L'idée de l'égalité de tous devant la loi, devant les autres, la société.

La victoire de la raison. Les éclaireurs voyaient se débarrasser de tous les troubles sociaux dans la diffusion des connaissances. Ils considéraient que leur tâche était de diffuser les connaissances, d'enseigner aux gens ordinaires.

· Optimisme historique. Les représentants de cette époque croyaient en la possibilité de changer une personne pour le mieux, en créant une société juste.

Dans la vie politique, économique et culturelle, il y a eu un processus d'abandon des relations féodales et de formation du capitalisme.

Le siècle des Lumières a été une période de développement rapide de la philosophie et de l'esprit. to-ry Philosophe anglais éminent 2e étage. 17ème siècle était John Locke. Dans ses écrits, le programme anglais a été formulé. Éclaircissement. Il croyait qu'une personne a trois droits fondamentaux : à la vie, à la liberté, à la propriété.

Les Lumières françaises sont représentées par :

Bal Louis Montère. Il a vivement critiqué l'absolutisme et le despotisme et les a opposés aux idéaux de liberté politique.

· Voltaire a travaillé dans différents genres : tragédie, histoire. essais, philosophe. romans, traités et articles politiques. Il s'oppose à l'église et au cléricalisme, ridiculise la morale de la société féodale, l'absolutisme.

· Jean-Jacques Rousseau - l'enseignement se réduisait à l'exigence de sortir la société d'un état de corruption générale des mœurs. Il voyait une issue dans l'éducation morale, l'égalité matérielle et politique. Il croyait que la morale dépendait de la politique et de l'ordre social.

Denis Diderot était une figure marquante des Lumières françaises. Il a dirigé la publication de l'encyclopédie en 35 volumes " Dictionnaire sciences, arts et métiers. C'était un ensemble complet de connaissances sur le monde qui l'entourait. Il a été publié de 1751 à 1772. Les Lumières allemandes se sont formées sous l'influence du philosophe Christian Wulff. Il a combiné le culte de la raison avec un profond respect pour la religion chrétienne. La particularité des Lumières allemandes est que l'initiative de diffuser de nouvelles idées est venue du roi Frédéric le Grand.

Emmanuel Kant, professeur à l'Université de Königsberg, était un éminent représentant des Lumières allemandes. Il a formé les principes de la libération morale et intellectuelle de l'homme. Il a étayé les formes juridiques et les méthodes de lutte pour changer l'État. et un ordre social qui présupposait une voie de réformes progressives excluant la violence.

L'ère des Lumières a été un tournant dans le développement spirituel de l'Europe. Les Lumières ont créé un nouveau système de valeurs, adressé à une personne et indépendant de son appartenance sociale. Ce système est devenu la base de la civilisation de l'Europe occidentale. Les éclaireurs accordaient une grande attention à l'art. Parce qu'ils y voyaient un important moyen d'éducation.

L'art d'Europe occidentale du XVIIIe siècle est représenté par les courants suivants : classicisme, sentimentalisme, réalisme.

Au tournant des 17-18 siècles. il y a aussi des changements culturels. centre culturel du 18ème siècle. La France devient.

Au 18ème siècle changement d'attitude envers divers types arts. La peinture cède la place à la musique.

Pour le 18ème siècle L'activité des luthiers célèbres suivants est comptabilisée : Shati, Stradivali, Guarneri.

Pour le 18ème siècle Témoigne des activités des musiciens suivants : Italien (Vivaldi), apogée École de Vienne(Haydn, Mozart), Ecole allemande (Beethoven, Bach).

L'opéra a été réformé par le compositeur Gluck.

Les principaux genres de la littérature des Lumières étaient les roianas satiriques et domestiques, conte philosophique et drame.

Les écrivains des Lumières ont tenté de rapprocher la littérature de la vie et, par la littérature, de transformer les mœurs sociales.

La littérature allemande est représentée par Friedrich Schiller (drames historiques): "The Arlian Maiden", "William Tell", "Mary Stuart".

A cette époque, le développement d'une direction réaliste a commencé: Jonathan Swift ("Les Voyages de Gulliver"), Daniel Defoe ("Robinson Crusoe").

De nombreux représentants des Lumières, menés par Denis Diderot, se prononcent contre l'art raffiné du Rococo. Ils réclamaient un art qui refléterait vraiment la vie et aurait un effet bénéfique sur la société.

La direction principale était le classicisme, qui à la veille de Vel. La Révolution française s'est manifestée sous la forme d'un classicisme dit révolutionnaire. Le chef de cette direction était le Français. l'artiste Jean-Louis David. Ses toiles les plus célèbres sont : sur une trame antique (« Le Serment d'Horace »), de manière réaliste (« Le Meurtre de Marat »).

A cette époque, la direction réaliste en peinture de Jean-Baptiste Chardin se développe. Il peint des natures mortes tableaux de genre illustrant la vie domestique.

Un éminent artiste espagnol était 18-19 siècle. François Goya. Il était un peintre de cour, mais ses peintures se distinguaient par une caractérisation pointue et gratesque. Les plus célèbres sont les gravures (estampes) de Goya, appelées Caprices.

Etienne Maurice Falcone était un sculpteur français exceptionnel. Il dirige la manufacture de porcelaine de Sèvres. Il a créé de petits plastiques à partir de biscuit (pas de porcelaine émaillée). Il est l'auteur du Cavalier de bronze.

Le sentimentalisme est né dans le cadre des Lumières. Ses partisans croyaient qu'il n'était pas possible de surmonter les catastrophes sociales et de transformer la société par l'illumination et la rééducation, et les sentimentalistes tournent leur attention vers les sentiments des gens. Ils évaluent une personne par sa capacité à expérimenter sincèrement et profondément.

Les héros des œuvres étaient des gens banals. Le genre principal de la littérature est le roman en lettres. Les romans de Richardson et Fielding sont très populaires.

Les écrivains sentimentalistes accordaient une grande attention au paysage.

Éminent artiste français cette direction était Jean Baptiste Greza, et en Angleterre - Thomas Gainsborough. Ils peignent des portraits féminins, des tableaux de genre.

Couleur européenne 19ème siècle

Événements historiques au début. 19ème siècle Ils ont été associés aux campagnes militaires de Napoléon 1er. Après le renversement de Napoléon, une monarchie constitutionnelle a été créée en France. En 1848, à la suite de la révolution, le roi bourgeois Louis Philippe Bourbon est renversé. En 1871, un soulèvement a eu lieu à Paris, à la suite duquel la Commune de Paris a été créée. Après la défaite de la commune, une forme de gouvernement républicain s'instaure, qui prend peu à peu une allure moderne.

Au 2ème étage. 19ème siècle L'Autriche a perdu sa position de grande puissance. Cependant, en 1868, par accord avec la Hongrie, un seul État d'Autriche-Hongrie a été formé.