L'art abstrait tire son nom du latin - Abstractus, qui signifie abstrait, c'est-à-dire non objectif. C'est l'un des domaines de l'art, qui consciemment renonce à l'image du monde réel et des objets du monde réel. Le canon principal de l'abstraction est l'expression de sentiments, d'émotions, d'expériences à l'aide d'images, de symboles, d'une combinaison sensuelle de couleurs. L'art abstrait n'est pas un style ou un genre distinct, mais plutôt une combinaison de divers mouvements artistiques, tels que l'Op Art, l'expressionnisme et d'autres. Il est né en tant qu'officiel, vraisemblablement, en 1910 en France, où il s'est développé vigoureusement jusqu'à ce qu'il ait conquis le monde entier. En outre, il convient de dire qu'il s'applique non seulement à la peinture, mais également à la sculpture, au design et même à l'architecture. Après la Seconde Guerre mondiale, ce style d'art s'est développé sous le nom de Tachisme, donc pour ceux qui ne connaissent pas, Tachisme et Art abstrait sont synonymes. En Russie, le développement de l'art abstrait a été entravé de toutes les manières possibles, et même à l'époque pouvoir communiste, a poursuivi l'une de ses manifestations, comme inappropriée à l'idéologie communiste.

Si vous avez besoin de soins pour votre appartement ou votre bureau, d-clean.ru fournira tous les services. Le nettoyage, le nettoyage à sec, le lavage des vitres et des encadrements de fenêtres vous épargneront des soucis quotidiens et prendront moins pour votre travail qu'une femme de ménage ordinaire.

expressionisme abstrait

L'expressionnisme abstrait tel que l'école de New York s'est développé en Amérique. Pendant la Seconde Guerre mondiale, presque tous les artistes d'avant-garde ont émigré en Amérique, dont André Breton, Salvador Dali et bien d'autres. Déjà là, en combinant leurs efforts, la soi-disant école de l'expressionnisme abstrait est en train de se créer. Ce genre de peinture caractérisé image rapide , en utilisant de gros pinceaux, souvent avec des traits ou des gouttes, tout cela est fait pour une chose - pour transmettre une sorte d'émotion ou une expression forte. Fondamentalement, l'expressionnisme abstrait se dessine sur de grandes toiles monumentales. Une portée aussi solide, et certaines toiles atteignant cinq mètres de long, excite l'imagination du spectateur. De nombreux artistes ont vu ce type d'art à leur manière, chacun avait son propre style. Par exemple, Gorki a ajouté à ses peintures des figures flottantes ou, comme on les appelait, des hybrides. Jackson Pollock a simplement étalé la toile sur le sol et pulvérisé de la peinture dessus. Par la suite, ce style s'appelait Dripping (dripping). Mark Rothko a peint sur ses toiles de grands plans colorés, laissant entre eux des zones non peintes, ce qui a suscité l'intérêt du spectateur et suscité l'imagination. Frank Stella a expérimenté les toiles elles-mêmes, coupant des angles ou les transformant en polygones. Ainsi, les expressionnistes abstraits ont atteint l'exact opposé de leur art et de l'art de la peinture traditionnelle.

L'abstractionnisme dans l'art

Art abstrait ou art non objectif. L'une des formes d'avant-garde apparues dans la première moitié du XXe siècle. Le principal critère de l'abstractionnisme était le renoncement et le rejet de l'image du monde réel, des choses et des événements réels. Les fondateurs de cette tendance intéressante étaient V. Kandinsky, P. Mondrian et K. Malevich. L'émergence de l'abstractionnisme dans l'art, qui viendra remplacer le réalisme ordinaire, a été prédite par Platon, et est apparue comme un certain schéma de la peinture ordinaire ennuyeuse et d'autres avant-gardes (surréalisme, dadaïsme). Et c'est arrivé. Ce genre se distingue souvent par une forte impulsivité, comme par des combinaisons de couleurs aléatoires.

Pour moi, le style de l'art abstrait est avant tout une confrontation avec la logique de la civilisation. Toute l'histoire de la civilisation du siècle dernier est construite sur des formules, des algorithmes, des principes, des équations et des règles. Cependant, il est dans la nature humaine de rechercher l'équilibre et l'harmonie. À cet égard, à l'aube du siècle de la révolution scientifique et technologique, un tel mouvement artistique apparaît qui n'obéit pas aux canons classiques du dessin, mais, au contraire, a pour objectif de donner la liberté à l'inconscient et au chaotique. , à première vue dépourvue de sens, mais donnant ainsi à une personne la possibilité de se libérer de l'influence des normes et des dogmes et de maintenir l'harmonie interne.

Abstractionnisme(du latin abstractus - éloigné, abstrait) est un courant très large de l'art du XXe siècle, qui a surgi au début des années 1910 dans plusieurs pays européens. L'abstractionnisme se caractérise par l'utilisation d'éléments exclusivement formels pour afficher la réalité, où l'imitation ou une représentation fidèle de la réalité n'était pas une fin en soi.

Les fondateurs de l'abstractionnisme sont les artistes russes et néerlandais Piet Mondrian, le français Robert Delaunay et le tchèque Frantisek Kupka. Leur méthode de dessin était basée sur le désir d '«harmonisation», la création de certaines combinaisons de couleurs et de formes géométriques afin d'évoquer diverses associations chez le contemplateur.

Dans l'abstractionnisme, deux directions claires peuvent être distinguées : l'abstraction géométrique, basée principalement sur des configurations clairement définies (Malevich, Mondrian), et l'abstraction lyrique, dans laquelle la composition s'organise à partir de formes fluides (Kandinsky). Il existe également dans l'abstractionnisme plusieurs autres grandes tendances indépendantes.

Cubisme- direction avant-gardiste dans beaux-Arts, né au début du XXe siècle et caractérisé par l'utilisation de formes géométriques au conditionnel emphatique, la volonté de "diviser" objets réels aux primitives stéréométriques.

Rayonisme (Luchisme)- un courant de l'art abstrait des années 1910, basé sur le décalage des spectres lumineux et de la transmission lumineuse. L'idée de l'émergence de formes à partir du "croisement des rayons réfléchis de divers objets" est caractéristique, puisqu'une personne ne perçoit en réalité pas l'objet lui-même, mais "la somme des rayons provenant de la source lumineuse, réfléchie par le objet."

néoplasticisme- désignation de la direction de l'art abstrait, qui existait en 1917-1928. en Hollande et artistes réunis autour de la revue "De Stijl" ("Style"). Caractérisé par des formes rectangulaires claires dans l'architecture et la peinture abstraite dans la disposition de grands plans rectangulaires, peints dans les couleurs primaires du spectre.

Orphisme- un courant de la peinture française des années 1910. Les artistes-orphistes ont cherché à exprimer la dynamique du mouvement et la musicalité des rythmes à l'aide de « régularités » de l'interpénétration des couleurs primaires du spectre et de l'intersection des surfaces curvilignes.

Suprématisme- une direction de l'art d'avant-garde, fondée dans les années 1910. Malevitch. Il a été exprimé dans des combinaisons de plans multicolores des contours géométriques les plus simples. La combinaison de multicolore formes géométriques forme des compositions suprématistes asymétriques équilibrées imprégnées de mouvement interne.

Tachisme- un courant de l'abstractionnisme d'Europe occidentale des années 1950 et 1960, le plus répandu aux États-Unis. C'est une peinture avec des taches qui ne recréent pas des images de la réalité, mais expriment l'activité inconsciente de l'artiste. Des traits, des lignes et des taches en tachisme sont appliqués sur la toile avec des mouvements rapides de la main sans plan prémédité.

expressionisme abstrait- le mouvement des artistes qui peignent rapidement et sur de grandes toiles, en utilisant des traits non géométriques, de gros pinceaux, faisant parfois couler de la peinture sur la toile, pour révéler pleinement les émotions. La méthode expressive de peinture ici est souvent aussi importante que la peinture elle-même.

Modèle de baril unique, William Morris

« Abstrait », également appelé « art non objectif », « non figuratif », « non figuratif », « abstraction géométrique » ou « art concret », est un terme générique assez vague pour tout objet de peinture ou de sculpture qui ne ne représentent pas des objets ou des scènes reconnaissables. Cependant, comme nous pouvons le voir, il n'y a pas de consensus clair sur la définition, les types ou la signification esthétique de l'art abstrait. Picasso pensait qu'une telle chose n'existait pas du tout, alors que certains historiens de l'art pensent que tout art est abstrait - car, par exemple, aucune peinture ne peut compter n'être autre chose qu'un résumé grossier de ce qu'elle voit de peintre. De plus, il existe une échelle mobile d'abstraction, du semi-abstrait au totalement abstrait. Ainsi, alors que la théorie est relativement claire - l'art abstrait est détaché de la réalité - la tâche pratique de séparer les œuvres abstraites des œuvres non abstraites peut être beaucoup plus problématique.

Quel est le concept de l'art abstrait ?

Commençons par un très un exemple simple. Prenez un mauvais dessin (non naturaliste) de quelque chose. L'exécution de l'image laisse à désirer, mais si ses couleurs sont belles, le dessin peut nous émerveiller. Cela montre comment une qualité formelle (la couleur) peut prendre le pas sur une qualité représentative (le dessin).
D'un autre côté, une peinture photoréaliste d'une maison, par exemple, peut montrer d'excellents graphismes, mais le sujet, la palette de couleurs et la composition générale peuvent être complètement ennuyeux.
La justification philosophique de l'évaluation de la valeur des qualités formelles artistiques découle de l'affirmation de Platon selon laquelle: "Les lignes droites et les cercles ... ne sont pas seulement beaux ... mais éternels et absolument beaux."

Convergence, Jackson Pollock, 1952

Essentiellement, le dicton de Platon signifie que les images non naturalistes (cercles, carrés, triangles, etc.) ont une beauté absolue et immuable. Ainsi, une peinture ne peut être jugée que pour sa ligne et sa couleur, elle n'a pas besoin de représenter un objet ou une scène naturelle. artiste français, lithographe et théoricien de l'art Maurice Denis (1870-1943) avait le même esprit lorsqu'il écrivait : « Rappelez-vous qu'un tableau est avant d'être un cheval de guerre ou une femme nue... essentiellement une surface plane recouverte de couleur recueillie dans un certain d'accord."

Frank Stella

Types d'art abstrait

Pour garder les choses simples, nous pouvons diviser l'art abstrait en six types principaux :

• Curviligne
• basé sur la couleur ou la lumière
• Géométrique
• Émotionnel ou intuitif
• Gestuel
• minimaliste

Certains de ces types sont moins abstraits que d'autres, mais ils impliquent tous la séparation de l'art de la réalité.

Art abstrait curviligne

Chèvrefeuille, William Morris, 1876

Ce type est fortement associé à l'art celtique, qui utilise une gamme de motifs abstraits comprenant des nœuds (les huit types principaux), des motifs entrelacés et des spirales (y compris le triskele ou le triskelion). Ces motifs n'ont pas été inventés par les Celtes, bien d'autres premières cultures ont utilisé ces ornements celtiques pendant des siècles. Cependant, il est juste de dire que les designers celtiques ont respiré nouvelle vie dans ces modèles, les rendant plus complexes et complexes. Ils sont revenus plus tard au 19ème siècle et étaient particulièrement évidents dans les couvertures de livres, les textiles, les papiers peints et les dessins de calicot comme ceux de William Morris (1834-96) et Arthur McMurdo (1851-1942). L'abstraction curviligne est également caractérisée par le concept "d'image infinie", une caractéristique répandue de l'art islamique.

Art abstrait basé sur la couleur ou la lumière

Nénuphar, Claude Monet

Ce type est illustré dans les travaux de Turner et Monet, qui utilisent la couleur (ou la lumière) de manière à séparer l'œuvre d'art de la réalité lorsque l'objet se dissout dans un tourbillon de pigment. Des exemples sont les peintures Nénuphar de Claude Monet (1840-1926), Talisman (1888, Musée d'Orsay, Paris), Paul Sérusier (1864-1927). Plusieurs des peintures expressionnistes de Kandinsky, peintes en son temps avec Der Blaue Reiter, sont très proches de l'abstraction. L'abstraction colorée réapparut à la fin des années 1940 et 1950 sous la forme de la peinture en couleur développée par Mark Rothko (1903-70) et Barnett Newman (1905-70). Dans les années 1950, une variété parallèle de peinture abstraite liée à la couleur émerge en France, connue sous le nom d'abstraction lyrique.

Talisman, Paul Sérusier

abstraction géométrique

Boogie Woogie à Broadway de Piet Mondrian, 1942

Ce type d'art abstrait intellectuel existe depuis 1908. Une première forme rudimentaire était le cubisme, en particulier le cubisme analytique, qui rejetait la perspective linéaire et l'illusion de profondeur spatiale dans la peinture pour se concentrer sur ses aspects bidimensionnels. L'abstraction géométrique est également connue sous le nom d'art concret et d'art sans objet. Comme on peut s'y attendre, il se caractérise par des images non naturalistes, généralement des formes géométriques telles que des cercles, des carrés, des triangles, des rectangles, etc. Dans un sens, sans aucune référence ou connexion au monde naturel, l'abstraction géométrique est la plus pure forme d'abstraction. On pourrait dire que l'art concret est à l'art abstrait ce que le véganisme est au végétarisme. L'abstraction géométrique est représentée par le Cercle noir (1913, Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg), peint par Kazimir Malevich (1878-1935) (le fondateur du suprématisme) ; Boogie Woogie à Broadway (1942, MoMA, New York) Piet Mondrian (1872-1944) (fondateur du néoplasticisme) ; et Composition VIII (The Cow) (1918, MoMA, New York) de Theo Van Dosburg (1883-1931) (fondateur de De Stijl and Elementarism). D'autres exemples incluent l'Appel à la place de Josef Albers (1888-1976) et l'Op-Art de Victor Vasarely (1906-1997).

Cercle noir, Kazimir Malevitch, 1920

Composition VIII, Théo Van Dosburg

Art abstrait émotionnel ou intuitif

Ce type d'art couvre une combinaison de styles, sujet commun qui est une tendance naturaliste. Ce naturalisme se manifeste dans les formes et les couleurs utilisées. Contrairement à l'abstraction géométrique, qui est presque anti-nature, l'abstraction intuitive représente souvent la nature, mais de manière moins représentative. Deux sources importantes pour ce type d'art abstrait sont : l'abstraction organique (également appelée abstraction biomorphique) et le surréalisme. Peut-être le plus artiste célèbre Mark Rothko (1938-70), d'origine russe, s'est spécialisé dans cette forme d'art. D'autres exemples incluent des peintures de Kandinsky telles que Composition No. 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) et Composition VII (1913, Galerie Tretiakov); Femme (1934, Collection privée) Joan Miró (1893-1983) et Divisibilité indéfinie (1942, Galerie d'art Allbright-Knox, Buffalo) Yves Tanguy (1900-55).

Divisibilité indéfinie, Yves Tanguy

Art abstrait de la gesticulation (gestuelle)

Sans titre, D. Pollock, 1949

Il s'agit d'une forme d'expressionnisme abstrait où le processus de création d'une peinture devient plus important que d'habitude. Par exemple, la peinture est appliquée d'une manière inhabituelle, les coups sont souvent très lâches et rapides. Parmi les représentants notables de la peinture d'enseignes américaine figurent Jackson Pollock (1912-56), inventeur de l'Action-Painting et sa femme, Lee Krasner (1908-84), qui l'a inspiré à inventer propre technologie, la soi-disant "peinture goutte à goutte" ; Willem de Kooning (1904-97), célèbre pour son travail dans la série Woman ; et Robert Motherwell (1912-1956). En Europe, cette forme est représentée par le groupe Cobra, notamment Karel Appel (1921-2006).

art abstrait minimaliste

Apprendre à dessiner, Ed Reinhardt, 1939

Ce type d'abstraction était une sorte d'art d'avant-garde, dépourvu de toutes références et associations extérieures. C'est ce que vous voyez - et rien d'autre. Il faut souvent Forme géométrique. Ce mouvement est dominé par les sculpteurs, bien qu'il comprenne également de grands artistes tels que Ed Reinhardt (1913-67), Frank Stella (né en 1936), dont les peintures sont à grande échelle et comprennent des groupes de formes et de couleurs ; Sean Scully (né en 1945) Artiste irlandais-américain dont les formes rectangulaires de couleur semblent imiter les formes monumentales des structures préhistoriques. Également Joe Baer (né en 1929), Ellsworth Kelly (1923-2015), Robert Mangold (né en 1937), Bryce Marden (né en 1938), Agnes Martin (1912-2004) et Robert Ryman (né en 1930).

Ellsworth Kelly

Frank Stella

Texte: Ksyusha Petrova

CETTE SEMAINE AU MUSEE JUIF ET AU CENTRE DE LA TOLERANCE termine l'exposition "Abstraction et image" de Gerhard Richter - la première exposition personnelle en Russie de l'un des plus influents et des plus chers artistes contemporains. Jusqu'à présent, l'exposition récemment prolongée de Raphaël et Caravage et de l'avant-garde géorgienne au Musée Pouchkine im. A. S. Pouchkine est en ligne, Richter peut être vu en compagnie confortable de quelques dizaines de visiteurs. Ce paradoxe est dû non seulement au fait que le Musée juif est bien inférieur en popularité au Musée Pouchkine ou à l'Ermitage, mais aussi au fait que beaucoup de gens sont encore sceptiques quant à l'art abstrait.

Même ceux qui connaissent le risque contemporain et comprennent bien l'importance du Carré noir pour la culture mondiale sont effrayés par « l'élitisme » et « l'inaccessibilité » de l'abstraction. On se moque des œuvres d'artistes à la mode, on s'émerveille des records d'enchères et on craint qu'il y ait un vide derrière la façade des termes d'histoire de l'art - après tout, la valeur artistique d'œuvres ressemblant à des gribouillis d'enfants suscite parfois des doutes chez les professionnels. En fait, l'aura "d'inaccessibilité" de l'art abstrait est facile à dissiper - dans cette instruction, nous avons essayé d'expliquer pourquoi l'abstraction est appelée "télévision bouddhiste" et de quel côté l'aborder.

Gérard Richter. 1er novembre/54. 2012

N'essayez pas de savoir
ce que l'artiste voulait dire

Dans les salles où sont accrochés les tableaux de la Renaissance, même un spectateur peu préparé trouvera ses repères: au moins il pourra facilement nommer ce qui est représenté sur l'image - des gens, des fruits ou la mer, quelles émotions les personnages expérience, y a-t-il une intrigue dans ce travail, lui sont-ils familiers des participants aux événements. Devant les toiles de Rothko, Pollock ou Malevitch, nous ne nous sentons pas si confiants - ils n'ont pas d'objet pour lequel vous pouvez attirer votre attention et en parler afin de savoir «ce que l'auteur voulait dire», comme à école. C'est la principale différence entre la peinture abstraite, ou non objective, et le figuratif, qui nous est plus familier : l'artiste abstrait ne cherche nullement à dépeindre le monde, il ne se fixe pas une telle tâche.

Si l'on regarde attentivement les deux derniers siècles de l'histoire de l'art occidental, on s'aperçoit que le rejet du sujet en peinture n'est pas un caprice d'une poignée de non-conformistes, mais une étape naturelle du développement. Au 19ème siècle, la photographie est apparue et les artistes ont été libérés de l'obligation de représenter le monde tel qu'il est: des portraits de parents et de chiens bien-aimés ont commencé à être réalisés dans un studio photo - cela s'est avéré plus rapide et moins cher que de commander une peinture à l'huile de un maître. Avec l'invention de la photographie, le besoin de copier méticuleusement ce que l'on voit pour le garder en mémoire a disparu.

← Jackson Pollock.
Chiffre abrégé. 1942

À milieu XIXe siècle, certains ont commencé à soupçonner que l'art réaliste était un piège. Les artistes maîtrisaient parfaitement les lois de la perspective et de la composition, apprenaient à représenter les hommes et les animaux avec une précision extraordinaire, acquéraient des matériaux adaptés, mais le résultat paraissait de moins en moins convaincant. Le monde a commencé à changer rapidement, les villes sont devenues plus grandes, l'industrialisation a commencé - dans ce contexte, des images réalistes de champs, de scènes de bataille et de modèles nus semblaient dépassées, séparées des expériences complexes de l'homme moderne.

Les impressionnistes, les post-impressionnistes, les fauvistes et les cubistes sont des artistes qui n'ont pas eu peur de réexaminer ce qui est important dans l'art : chacun de ces mouvements a utilisé l'expérience de la génération précédente, expérimentant la couleur et la forme. En conséquence, certains artistes sont arrivés à la conclusion que le contact entre l'auteur et le spectateur ne se fait pas par des projections de la réalité, mais par des lignes, des taches et des traits de peinture - c'est ainsi que l'art s'est débarrassé du besoin de représenter quoi que ce soit, offrant au spectateur de ressentir la joie sans nuage d'interagir avec la couleur, la forme, les lignes et la texture. Tout cela était parfaitement combiné avec de nouveaux enseignements philosophiques et religieux - en particulier la théosophie, et les locomotives de l'avant-garde russe Wassily Kandinsky et Kazimir Malevich ont développé les leurs systèmes philosophiques où la théorie de l'art est liée aux principes d'une société idéale.

Dans toute situation peu claire, utilisez une analyse formelle

Voici un cauchemar dans lequel chaque amoureux peut se retrouver art contemporain: imaginez que vous vous tenez devant une ravissante, comme il est écrit dans le guide, peinture d'Agnès Martin et vous ne sentez rien du tout. Rien que de l'irritation et une légère tristesse - non pas parce que l'image vous fait ressentir cela, mais parce que vous ne comprenez pas du tout ce qui est dessiné ici et où vous devez regarder (vous n'êtes même pas sûr que les conservateurs aient accroché l'œuvre au côté droit). Dans une telle situation, pressé d'aider analyse formelle, à partir duquel il vaut la peine de commencer à se familiariser avec toute œuvre d'art. Expirez et essayez de répondre à quelques questions d'enfants : qu'est-ce que je vois devant moi - une image ou une sculpture, un graphisme ou une peinture ? Avec quels matériaux et quand a-t-il été créé ? Comment décrire ces formes et ces lignes ? Comment interagissent-ils ? Sont-ils mobiles ou statiques ? Y a-t-il de la profondeur ici - quels éléments d'image sont au premier plan et lesquels sont à l'arrière-plan ?

← Barnet Newman. Sans titre. 1945

La prochaine étape est également assez simple : écoutez-vous et essayez de déterminer quelles émotions vous voyez. Ces triangles rouges sont-ils drôles ou dérangeants ? Est-ce que je me sens calme ou est-ce que l'image me presse? Question de sécurité: Est-ce que j'essaie de comprendre à quoi ça ressemble, ou est-ce que je laisse mon esprit interagir librement avec la couleur et la forme ?

N'oubliez pas que non seulement l'image est importante, mais aussi le cadre - ou son absence. Dans le cas du même Newman, Mondrian ou de "l'Amazone de l'avant-garde" Olga Rozanova, le rejet du cadre est un choix conscient de l'artiste, qui vous invite à rejeter les vieilles idées sur l'art et à repousser mentalement ses limites, aller littéralement au-delà.

Pour vous sentir plus en confiance, vous pouvez vous rappeler une classification simple des œuvres abstraites : elles sont généralement divisées en géométriques (Piet Mondrian, Ellsworth Kelly, Theo van Doesburg) et lyriques (Helen Frankenthaler, Gerhard Richter, Wassily Kandinsky).

Hélène Frankenthaler. Cerceau orange. 1965

Hélène Frankenthaler. solarium. 1964

Ne notez pas les "compétences en dessin"

"Mon enfant/chat/singe peut faire aussi bien" est une phrase qui se répète tous les jours dans tous les musées d'art moderne (peut-être ont-ils pensé à mettre un comptoir spécial quelque part). moyen facile répondre à une telle affirmation - renifler et rouler des yeux, se plaindre de la pauvreté spirituelle de ceux qui vous entourent, est complexe et plus productif - prendre la question au sérieux et essayer d'expliquer pourquoi la maîtrise des abstractionnistes devrait être évaluée différemment. Le grand sémiologue Roland Barthes a écrit un essai pénétrant sur l'apparente "enfance" des griffonnages de Cy Twombly, et notre contemporaine Susie Hodge a consacré un livre entier à ce sujet.

De nombreux artistes abstraits ont une formation classique et d'excellentes compétences dessin académique- c'est-à-dire qu'ils sont capables de dessiner un joli vase de fleurs, un coucher de soleil sur la mer ou un portrait, mais pour une raison quelconque, ils ne le veulent pas. Ils choisissent une expérience visuelle qui n'est pas chargée d'objectivité: les artistes, pour ainsi dire, facilitent la tâche du spectateur, ne lui permettant pas d'être distrait par les objets représentés dans l'image, et l'aident à s'immerger immédiatement dans une expérience émotionnelle .

← Cy Twombly. Sans titre. 1954

En 2011, les chercheurs ont décidé de tester si les peintures du genre de l'expressionnisme abstrait (la plupart des questions se posent sur cette direction de l'art abstrait) sont indiscernables des dessins de petits enfants, ainsi que de l'art des chimpanzés et des éléphants. On a demandé aux sujets de regarder des paires de photos et de déterminer lesquelles avaient été prises. artistes professionnels- dans 60 à 70 % des cas, les répondants ont choisi de « vraies » œuvres d'art. L'avantage est faible, mais statistiquement significatif - apparemment, dans les travaux des abstractionnistes, il y a vraiment quelque chose qui les distingue des dessins d'un chimpanzé intelligent. Une autre nouvelle étude a montré que les enfants eux-mêmes peuvent distinguer le travail des artistes abstraits des dessins d'enfants. Pour tester votre flair artistique, vous pouvez passer un test avec des conditions similaires sur BuzzFeed.

Rappelez-vous que tout art est abstrait.

Si votre cerveau est prêt pour une petite surcharge, considérez que tout art est intrinsèquement abstrait. La peinture figurative, qu'il s'agisse de la nature morte Garçon à la pipe de Picasso ou du Dernier jour de Pompéi de Bryullov, est une projection du monde en trois dimensions sur une toile plane, une imitation de la "réalité" que nous percevons par la vision. Il n'est pas non plus nécessaire de parler de l'objectivité de notre perception - après tout, les possibilités de la vision, de l'ouïe et des autres sens humains sont très limitées et nous ne pouvons pas les évaluer par nous-mêmes.

Marble David n'est pas un gars vivant, mais un morceau de pierre que Michel-Ange a façonné pour nous rappeler un homme (et nous avons une idée de ce à quoi ressemblent les hommes de notre expérience de la vie). Si vous vous approchez très près de la Gioconda, il vous semblera toujours que vous voyez sa peau délicate, presque vivante, un voile transparent et du brouillard au loin - mais c'est essentiellement une abstraction, juste Léonard de Vinci très minutieusement et pour un longtemps superposé des couches de peinture les unes sur les autres pour créer une illusion très subtile. Plus clairement, l'astuce d'exposition fonctionne avec les fauves et les pointillistes : si vous vous rapprochez du tableau de Pissarro, vous ne verrez pas le boulevard Montmartre et le coucher de soleil à Eragny, mais beaucoup de petits traits multicolores. L'essence illusoire de l'art est dédiée peinture célèbre René Magritte "Trahison des images": bien sûr, "ce n'est pas une pipe" - ce ne sont que des coups de peinture bien localisés sur la toile.

← Hélène Frankenthaler.
Népenthès. 1972

Les impressionnistes, dont nous ne doutons pas aujourd'hui de la compétence, furent les abstractionnistes de leur temps : Monet, Degas, Renoir et leurs amis furent accusés d'avoir abandonné image réaliste en faveur de la transmission des sentiments. Les traits "insouciants", visibles à l'œil nu, les compositions "étranges" et autres techniques progressives semblaient blasphématoires au public de l'époque. À fin XIX siècles, les impressionnistes furent gravement accusés d'« incapacité à dessiner », de vulgarité et de cynisme.

Les organisateurs du Salon de Paris ont dû accrocher l'Olympia de Manet pratiquement sous le plafond - trop nombreux étaient ceux qui voulaient cracher dessus ou percer la toile avec un parapluie. Cette situation est-elle très différente de l'incident de 1987 au Stedelijk Museum d'Amsterdam, lorsqu'un homme a attaqué le tableau "Qui a peur du rouge, du jaune et du bleu III" de l'artiste abstrait Barnett Newman avec un couteau ?

Marc Rothko. Sans titre. 1944-1946

Ne négligez pas le contexte

La meilleure façon de découvrir une œuvre d'art abstrait est de se tenir devant elle et de regarder et de regarder et de regarder. Certaines œuvres peuvent plonger le spectateur dans des expériences existentielles profondes ou une transe extatique - cela se produit le plus souvent avec les peintures de Mark Rothko et les objets d'Anish Kapoor, mais les œuvres peuvent également avoir un effet similaire. artistes inconnus. Bien que le contact émotionnel soit le plus important, vous ne devez pas refuser de lire les étiquettes et de vous familiariser avec le contexte historique : le titre ne vous aidera pas à comprendre le « sens » de l'œuvre, mais il peut conduire à des réflexions intéressantes. Même des titres secs comme "Composition n°2" et "Objet n°7" nous disent quelque chose : en donnant ce nom à son œuvre, l'auteur nous exhorte à abandonner la recherche de "sous-texte" ou de "symbolisme" et de se concentrer sur l'expérience spirituelle. .

← Iouri Zlotnikov. Composition n° 22. 1979

L'histoire de la création de l'œuvre est également importante : très probablement, si vous découvrez quand et dans quelles circonstances l'œuvre a été créée, vous y verrez quelque chose de nouveau. Après avoir lu la biographie de l'artiste, soigneusement préparée pour vous par les conservateurs du musée, demandez-vous quelle signification pouvait avoir cette œuvre dans ce pays et à l'époque où travaillait son auteur : le même « Carré noir » donne une tout autre impression. , si vous connaissez un peu les courants philosophiques et l'art du début du XXe siècle. Un autre exemple, moins connu, est la série Signal Systems du pionnier de l'abstraction russe d'après-guerre, Yuri Zlotnikov. Aujourd'hui, les cercles colorés sur une toile blanche ne semblent pas révolutionnaires - mais dans les années 1950, lorsque l'art officiel ressemblait à ceci, les abstractions de Zlotnikov étaient une véritable percée.

Ralentir

Il est toujours préférable de prêter attention à quelques œuvres que l'on aime plutôt que de galoper dans le musée en essayant d'en saisir l'immensité. Le professeur Jennifer Roberts de Harvard oblige ses étudiants à regarder une image pendant trois heures - bien sûr, personne n'exige une telle endurance de votre part, mais trente secondes ne suffisent clairement pas pour une peinture de Kandinsky. Dans son manifeste - une déclaration d'amour pour l'abstraction, le célèbre critique d'art Jerry Saltz qualifie les toiles hypnotiques de Rothko de "télévision bouddhiste" - il est entendu que l'on peut les regarder à l'infini.

Répétez-le à la maison

La meilleure façon de tester la pensée séditieuse « Je sais aussi bien dessiner », qui surgit parfois chez les critiques d'art professionnels, est de mener une expérience à la maison. Ce sera intéressant dans la situation opposée - si vous avez peur de peindre à cause de "l'incapacité à dessiner" ou du "manque de capacité". Ce n'est pas sans raison que les techniques abstraites sont le plus souvent utilisées en art-thérapie : elles permettent d'exprimer des sensations complexes pour lesquelles il est difficile de trouver des mots. Pour de nombreux artistes souffrant de contradictions internes et de leur propre incompatibilité avec monde extérieur, l'abstraction est devenue presque le seul moyen de se réconcilier avec la réalité (sauf pour la drogue et l'alcool, bien sûr).

Les œuvres abstraites peuvent être créées à l'aide de n'importe quel matériaux d'art- de l'aquarelle à l'écorce de chêne, vous êtes donc sûr de trouver une technique adaptée à vos goûts et à votre budget. Peut-être ne devriez-vous pas commencer par dégoulinant" - l'analyse du tableau de Mondrian "Composition avec du rouge, du bleu et du jaune" qui s'y trouve pour les plus petits n'a pas à rougir d'être lu par des adultes. Musée juif, ART4

L'abstractionnisme est un mouvement artistique relativement jeune. L'année 1910 est officiellement reconnue comme l'année de sa naissance, lorsque l'artiste Wassily Kandinsky expose la première toile dans une nouvelle technique, peinte à l'aquarelle.

Les représentants de l'art abstrait prennent des formes simples et complexes, des lignes, des plans comme base pour créer leurs propres chefs-d'œuvre et jouent avec la couleur. Ce qui se passe à la fin n'a rien à voir avec des objets réels. C'est un travail qui n'est accessible qu'au surconscient à travers le monde sensoriel de l'individu.

Pendant des décennies après l'apparition des premières œuvres de ce style, l'abstractionnisme a subi divers changements, activement introduits dans d'autres tendances d'avant-garde.

(Abstraction de Carol Hein)

Dans le cadre de l'abstractionnisme, les artistes créent de nombreuses peintures, sculptures et installations. Des éléments séparés ont été utilisés et continuent d'être mis en œuvre avec succès, y compris à l'intérieur des locaux modernes.

Aujourd'hui, la tendance abstraite dans l'art se divise en abstraction géométrique et lyrique. La direction géométrique de l'abstractionnisme se caractérise par des lignes strictes et claires, des états stables. L'abstraction lyrique se caractérise par une forme libre et la démonstration de la dynamique définie par le maître ou l'artiste.

L'art abstrait en peinture

C'est avec la peinture que l'abstractionnisme a commencé son développement. Sur toile et papier, il s'est révélé au monde par le jeu des couleurs et des lignes, recréant quelque chose qui n'avait pas d'analogue dans le monde réel des objets.

(...et une abstraction plus claire par Carol Hein)

Les brillants représentants de l'abstractionnisme sont :

• Kandinsky;
• Malevitch;
• Mondrian.

Plus tard, ils ont eu de nombreux adeptes, chacun apportant sa propre contribution artistique, appliquant de nouvelles techniques d'application de peintures et de nouveaux principes pour créer une composition abstraite.

(Vassily Vassilievitch Kandinsky "Composition IV")

Les fondateurs de la direction, créant leurs chefs-d'œuvre sur toile, se sont appuyés sur de nouvelles théories scientifiques et philosophiques. Par exemple, Kandinsky, justifiant ses propres créations artistiques, fait appel aux œuvres théosophiques de Blavatsky. Mondrian était un représentant du néoplasticisme et utilisait activement des lignes et des couleurs pures dans ses œuvres. Ses peintures ont été copiées à plusieurs reprises par de nombreux représentants du domaine de la peinture et de l'art. Malevitch était un ardent partisan de la théorie du suprématisme. La primauté dans l'art de la peinture a été donnée par le maître à la couleur.

(Kazimir Malevich "Composition de formes géométriques")

En général, l'abstractionnisme en peinture s'est avéré être une double direction pour les gens ordinaires. L'un considérait de telles œuvres comme des impasses, le second - ils admiraient sincèrement les idées que les artistes mettaient dans leurs créations.

Malgré le caractère aléatoire des lignes, des formes et des couleurs, les peintures et les œuvres d'art dans le style de l'abstraction créent une composition unique et perçue de manière holistique par le public.

Directions de l'abstractionnisme artistique

Les œuvres dans le style de l'abstractionnisme sont difficiles à classer clairement, car cette direction compte de nombreux adeptes, chacun ayant apporté sa propre vision au développement. En général, il peut être divisé selon le type de prédominance des lignes ou des techniques. A ce jour, il existe :

• abstraction des couleurs. Dans le cadre de ces œuvres, les artistes jouent avec les couleurs et les nuances, mettant l'accent dans les œuvres sur leur perception par l'esprit du spectateur ;
• l'abstractionnisme géométrique. Cette tendance a ses propres différences caractéristiques strictes. Ce sont des lignes et des formes claires, l'illusion de profondeur et perspectives linéaires. Les représentants de cette tendance sont Suprematis, néoplasticiens ;
• abstractionnisme expressif et tachisme. Dans ces branches, l'accent n'est pas mis sur les couleurs, les formes et les lignes, mais sur la technique d'application de la peinture, à travers laquelle la dynamique est définie, les émotions sont transmises et l'inconscient de l'artiste est reflété, travaillant sans aucun plan préalable ;
• art abstrait minimaliste. Cette tendance est plus proche de l'avant-garde. Son essence se résume à l'absence de références à des associations. Les lignes, les formes et les couleurs sont utilisées de manière concise et au minimum.

La naissance de l'abstractionnisme en tant que tendance dans l'art est le résultat des changements qui ont plané au début du siècle dernier, associés à de nombreuses nouvelles découvertes qui ont commencé à faire avancer l'humanité. Tout ce qui était nouveau et encore incompréhensible nécessitait la même explication et la même issue, y compris par l'art.