LITTÉRATURE DU 19ÈME SIÈCLE

La période de plus grande stabilisation au XIXe siècle tombe sur les années 1820-1860. Dans sa forme mature, le processus littéraire du XIXe siècle représente l'unité et la lutte de deux systèmes artistiques polaires - le romantisme et le réalisme. En même temps, il faut tenir compte du fait que ce la dernière Epoque dans "l'arc de trois siècles" de la culture du New Age (si l'on tient compte de l'orientation eurocentrique) 1 .

Par conséquent, dans littérature XIX dans. révèlent nécessairement non seulement de nouvelles tendances (représentées par le romantisme et le réalisme), mais aussi des traits de l'art du passé (principalement du classicisme) et du futur (les premières manifestations des tendances modernistes et l'émergence de la "culture de masse").

La naissance de la littérature mondiale. En 1827, le secrétaire de Goethe, Eckermann, nota la parole du grand écrivain allemand que "la littérature mondiale est née" ( Weltlittérature). Goethe n'a pas dit qu'il existait déjà, il n'a noté que le moment du début de sa formation. C'était une perspicacité profonde. Dans le 19ème siècle La littérature perd sa régionalité et commence à interagir plus étroitement les unes avec les autres. Sous l'influence de la littérature européenne, la littérature russe a commencé à se développer rapidement au siècle précédent et au XIXe siècle. il devient progressivement l'un des leaders mondiaux. Le destin aussi Littérature américaine: le travail de F. Cooper, E. A. Poe, G. Melville, N. Hawthorne, G. Longfellow, G. Beecher Stowe, F. Bret Garth, W. Whitman commence à influencer puissamment les écrivains européens, trouve des millions de ses lecteurs dans tous dans le monde. Les Européens commencent à se familiariser avec les trésors de l'Orient poésie classique et prose. À leur tour, les œuvres des écrivains européens gagnent un lectorat de plus en plus large en Asie, en Amérique latine et en Australie. Il y a une situation définie par le terme "universalité".

LE ROMANTISME

Actuellement, le romantisme dans sa forme la plus générale est considéré comme l'un des plus grands courants de la littérature de la fin du XVIII - 1er moitié du XIX dans. avec sa méthode et son style artistiques inhérents, et parfois comme la première phase du modernisme (avec une large compréhension du modernisme).

Genèse du terme "romantisme". Le critique littéraire français F. Baldansperger a découvert le mot "romantique" dans une source de 1650 (c'est la plus ancienne source trouvée). Le sens du mot au XVIIe siècle. - "imaginaire", "fantastique". Il remonte à l'utilisation médiévale des mots "romance" (une chanson espagnole lyrique et héroïque) et "roman" (un poème épique sur les chevaliers), qui désignaient à l'origine des œuvres dans l'une des langues romanes, et non en latin, et a ensuite reçu un sens plus général - "narration avec imagination". Au XVIIIe siècle. "romantique" signifie tout ce qui est inhabituel, mystérieux ou autrement associé à l'antiquité médiévale. Voici l'emploi caractéristique de ce mot par Rousseau dans Les Promenades d'un rêveur solitaire (1777-1778, publié en 1782) : « Les rives du lac de Bienne sont plus sauvages et plus romantiques que les rives du lac Léman : à Bienne, forêts et les rochers s'approchent très près de l'eau ». A la fin du XVIIIème siècle. Les romantiques allemands, les frères Schlegel, mettaient en avant l'opposition des notions de "romantique" - "classique", elle fut reprise et diffusée dans toute l'Europe par Germaine de Staël dans le traité "De l'Allemagne" (1810, publié à Londres en 1813). C'est ainsi que se forme le concept de "romantisme" comme terme de la théorie de l'art.

Significations littéraires du terme. Le mot "romantisme" peut définir le type de créativité réalisé dans de telles relations systèmes artistiques comme le baroque, le pré-romantisme, le romantisme, le symbolisme, etc. Il y a une idée répandue du romantisme comme un style qui différent voler haut koy euh sur rationnel awn, culte ^ k zotique rouage^1_f_a nastique, la gravité à vous qui transmettez réalité dynamique nouvelles, contre l'éloquence des passions humaines. Une idée détaillée du romantisme en tant que style a été développée dans la musicologie et la théorie de la peinture. Pour l'approche historique et théorique de la critique littéraire, les significations du terme "romantisme" sont particulièrement importantes car direction artistique, mouvement.

esthétique du romantisme. Au cœur de la vision romantique du monde se trouve " dualité romantique»- un sentiment d'écart profond entre l'idéal et la réalité. En même temps, les romantiques comprennent à la fois l'idéal et la réalité d'une manière nouvelle par rapport aux classiques. Les classiques ont une conque idéale ret et est disponible pour la mise en œuvre, d'ailleurs, il a déjà été incarné dans l'art ancien, qui mu donc et sl monte ^odrazà ^ jusqu'à quand approche et dea1gu7| 1lya "1 idéal romantique est quelque chose d'éternel, d'infini, d'absolu, de beau, de parfait, à la fois" mystérieux et souvent incompréhensible. La réalité, au contraire, est éphémère, limitée, concrète, laide. L'idée de la nature transitoire de la réalité a joué un rôle décisif dans la formation du principe de l'historicisme romantique. Surmonter le fossé entre l'idéal et la réalité est possible dans l'art, ce qui détermine son rôle particulier dans l'esprit des romantiques. C'est en cela que le romantisme acquiert l'universalisme, qui permet de combiner le plus ordinaire, le concret avec des idéaux abstraits.

A. V. Schlegel a écrit : « Avant, nous glorifiions exclusivement la nature, mais maintenant nous glorifions l'idéal. On oublie trop souvent que ces choses sont étroitement liées, qu'en art la nature doit être idéale, et l'idéal doit être naturel. Mais, sans doute, c'est l'idéal qui prime pour les romantiques : « L'ART n'a toujours besoin d'être créé qu'en relation avec l'IDEAL-SHSHSHCHCHSKOTE » (A. deVina1) « L'art n'est pas une image de la réalité, mais une recherche de l'idéal vérité » (Georges Sand).

Typique de la méthode artistique romantique, la typification par l'exclusif et l'absolu reflétait une nouvelle compréhension de l'homme comme un petit univers, un microcosme, une attention particulière Rome ntik vo à et nd l'individualité, àâme humaineTsak "caillot_ contradictoires dans pensées, passions, désirs- d'où le développement du principe du psychologisme romantique. Ro les mantiks voient Dans la douche e soja humain dîner pas deux pôles - "ange" et "bête" I" (V. Hugo), notant l'unicité de la typification classique par "caractères". Novalis a écrit à ce sujet : « La diversité est nécessaire dans la représentation des gens. Si seulement il n'y avait pas de poupées - pas les soi-disant "personnages", - un monde vivant, bizarre, incohérent et hétéroclite (mythologie des anciens).

Opposer le poète à la foule, le héros à la foule, à l'individu ma - à une société qui ne le comprend pas et le persécute - ha ra élément clé de la littérature romantique.

Dans l'esthétique du romantisme, un rôle important est joué par la thèse selon laquelle Validité b^)mmos1 £ G Le lin est impérissable. Puisque toute nouvelle forme de réalité est perçue - " comme une nouvelle tentative de réaliser l'idéal absolu, alors le slogan est mis à la base de leur esthétique du romantisme : ce qui est nouveau est beau.

Mais la réalité est basse et conservatrice. D'où un autre slogan : irrjfiKrja^TOjro^^rro ne correspond pas à la réalité, fantastique^ Novalis écrit : « Il me semble que je peux mieux exprimer l'état de mon âme dans un conte de fées. Tout est un conte de fées."

Fantaisie asie utv ep est attendu non seulement dans l'objet, mais et dans la structure du travail. La romance se développe ils créent des genres fantastiques, détruisent la pureté classiciste des genres, mêlant dans des combinaisons bizarres le tragique et le comique, le sublime et l'ordinaire, le réel et le fabuleux sur la base du contraste - l'une des principales caractéristiques du style romantique. Combler le fossé entre l'idéal et la réalité de la romance est censé se faire avec l'aide de l'art. Pour résoudre ce problème, les romantiques allemands ont développé un remède universel - l'ironie romantique (voir la section "Romantisme allemand").

Le romantisme comme mouvement littéraire. Le romantisme semble être l'une des tendances les plus importantes de la culture mondiale, qui s'est développée de manière particulièrement intensive à la fin du XVIIIe et dans la première moitié du XIXe siècle. en Europe et en Amérique du Nord.

Étapes de développement du romantisme. Le romantisme comme direction apparaît à la fin du XVIIIe siècle. dans plusieurs pays à la fois. Presque simultanément, les romantiques d'Iéna en Allemagne, Chateaubriand et de Staël en France, et les représentants de l'école du lac en Angleterre publièrent des manifestes esthétiques, des traités qui marquèrent la naissance du romantisme.

Sous sa forme la plus générale, on peut parler de trois étapes du développement du romantisme dans la culture mondiale, en corrélant le romantisme précoce avec fin XVIII - début XIX siècle, se sont développées des formes de romantisme - "des ~ 20 - 40 du XIX siècle, romantisme tardif - avec la période après les révolutions européennes de 1848, dont la défaite a détruit de nombreuses illusions utopiques qui constituaient le terreau du romantisme. Mais dans rapport à diverses manifestations nationales du romantisme, ainsi qu'à différents genres, types, types d'art, cette périodisation schématique est de peu d'utilité.

En Allemagne, déjà au premier stade du développement du romantisme, dans l'œuvre des romantiques d'Iéna (Novalis, Wakenroder, les frères Schlegel, Tieck), la maturité de la pensée affecte, un peu système complet genres romantiques qui embrassent la prose, la poésie, la dramaturgie. La deuxième étape, liée aux activités des romantiques de Heidelberg, arrive très vite, ce qui s'explique par le réveil identité nationale pendant l'occupation napoléonienne de l'Allemagne. C'est à cette époque que les contes de fées des frères Grimm, le recueil d'Arnim et Brentano "Le cor magique du garçon" ont été publiés - preuve éclatante de l'attrait des romantiques pour le folklore pays natal. Dans les années 20 du XIXème siècle. avec la mort d'Hoffmann et le passage du jeune Heine au réalisme, le romantisme allemand perd ses positions acquises.

En Angleterre, le romantisme, préparé par les acquis du pré-romantisme, se développe également rapidement, notamment dans la poésie. Après Wordsworth, Coleridge, Southey, Scott, les grands poètes anglais Byron et Shelley entrent dans la littérature. La création par Walter Scott du genre du roman historique a été d'une grande importance. Avec la mort de Shelley (1822), Byron (1824), Scott (1832), le romantisme anglais passe au second plan. L'œuvre de Scott témoigne de la proximité particulière du romantisme et du réalisme dans littérature anglaise. Cette spécificité est caractéristique de l'œuvre des réalistes anglais, notamment de Dickens, dont les romans readiétiques ont conservé des éléments significatifs de la poétique romantique.

En France, où les origines du romantisme sont Germain de Staël, Chateaubriand, Senancourt, Constant, un système assez complet de genres romantiques ne prend forme qu'au début des années 1830, c'est-à-dire au moment où le romantisme s'est pratiquement épuisé en Allemagne. et l'Angleterre. Sens spécial pour les romantiques français, il y avait une lutte pour un nouveau drame, puisque les classiques occupaient les positions les plus fortes du théâtre. Hugo est devenu le plus grand réformateur du drame. À partir des années 1820, il dirige également la réforme de la poésie et de la prose. George Sand et Musset, Vigny et Sainte-Beuve, Lamartine et Dumas ont contribué au développement du courant romantique.

En Pologne, les premières disputes sur le romantisme remontent aux années 1810, mais en tant que tendance, le romantisme s'installe dans les années 1820 avec l'avènement d'Adam Mickiewicz dans la littérature et conserve sa place de leader.

Une large étude du travail des romantiques aux États-Unis (Irving, Cooper, Poe, Melville), en Italie (Leopardi, Manzoni, Fosco-lo), en Espagne (Larra, Espronceda, Zorrilla), au Danemark (Elenschläger), en Autriche (Lenau) , la Hongrie (Vörösmarty , Petofi) et un certain nombre d'autres pays, entrepris récemment, attirant du matériel histoire littéraire Le romantisme russe a permis aux chercheurs de conclure sur l'hétérogénéité du développement de cette tendance, la différence de ses manifestations nationales en fonction des conditions préalables à son émergence, du degré de développement littéraire de divers pays, ainsi que d'élargir le cadre chronologique de le romantisme.

L'idée de types nationaux de romantisme 1 a été avancée. Le type "classique" comprend l'art romantique d'Angleterre, d'Allemagne, de France. Le romantisme en Italie et en Espagne se distingue en un type différent : ici le lent développement bourgeois des pays se conjugue avec la tradition littéraire la plus riche. Un type particulier est le romantisme des pays menant une lutte de libération nationale ; il acquiert une tonalité révolutionnaire-démocratique (Pologne, Hongrie). Dans un certain nombre de pays à développement bourgeois lent, le romantisme a résolu les problèmes d'éducation (par exemple, en Finlande, où le poème épique d'Elias Lönrot (1802-1884) "Kalevala" (1ère édition 1835, 2ème édition 1849) est apparu sur la base du folklore carélien-finlandais recueilli par lui). La question des types de romantisme reste insuffisamment étudiée.

i Encore moins de clarté dans l'étude des courants du romantisme. Ainsi, on peut parler des courants lyriques-philosophiques et historico-picturaux dans le romantisme français, du courant folklorique dans le romantisme allemand, etc., des courants idéologiques, philosophiques dans le romantisme. Mais la typologie des courants n'a pas encore été élaborée.

Le romantisme comme mouvement littéraire. Dans un certain nombre de pays, à un certain stade de développement, le romantisme n'a pas encore été séparé des autres courants. Avec une approche historico-théorique, il devient nécessaire de désigner une telle situation littéraire par un terme spécial. Le concept de "mouvement littéraire" est de plus en plus utilisé. Un tel mouvement se produit lorsqu'il est nécessaire de changer la direction dominante ; parfois très éléments dissemblables, la base de l'association devient une volonté unique de vaincre un ennemi commun. La spécificité du mouvement romantique s'exprime très clairement en France, où les positions du classicisme sont particulièrement fortes. Ici, dans les années 1820, des écrivains d'orientations esthétiques différentes se retrouvent dans un même mouvement romantique : romantique (Hugo, Vigny, Lamartine), réaliste (Stendhal, Mérimée), préromantique (Pic-serekur, Janin, le jeune Balzac), etc. .

Le romantisme comme style artistique. Les romantiques ont développé un style particulier basé sur le contraste et "caractérisé par une émotivité accrue. Afin d'éveiller, de capter les sentiments des lecteurs, ils ont largement utilisé à la fois les moyens de la littérature et les moyens d'autres formes d'art. Le domaine de la littérature comprend : combiner différents genres dans une même œuvre ; n inhabituel nye, des héros exceptionnels, dotés d'une riche vie spirituelle, affective ; des histoires dynamiques jusqu'à celles de détective et d'aventure ; la composition est fragmentaire (absence de préhistoire, sélection des événements culminants les plus brillants du flux séquentiel) ou rétrospective (comme dans un roman policier : d'abord un événement, puis une révélation progressive de ses causes), ou ludique (une combinaison de deux intrigues, comme dans "Vues quotidiennes de Cat Murr" d'Hoffmann, etc.) ; caractéristiques du langage artistique (saturation d'épithètes lumineuses et émotionnelles, métaphores, comparaisons, intonation exclamative, etc.); symbolisme romantique (images faisant allusion à l'existence d'un autre monde idéal, comme le symbole d'une fleur bleue chez Heinrich von Ofterdingen de Novalis). Les écrivains romantiques empruntent les moyens d'autres types d'art : à la musique - la musicalité des images, la composition, le rythme, les moyens de transmettre l'humeur ; en peinture - pittoresque (attention à la couleur, jeu d'ombre et de lumière, simultané, c'est-à-dire simultané, contraste, luminosité et symbolisme des détails); au théâtre - la nudité du conflit, la théâtralité, le mélodrame; l'opéra a de la monumentalité et de l'enchantement ; le ballet a de l'artificialité, l'importance de la posture et du geste. Dans le style romantique, le rôle du folklore est grand, qui a fourni des exemples de mythologie nationale, non orientés vers l'antiquité. Les romantiques ont développé une idée de saveur locale et historique, qui gravite vers l'exotisme - mettant l'accent sur tout ce qui est inhabituel, non caractéristique du mode de vie moderne. Dans le cadre du style romantique général, des styles nationaux, régionaux et individuels se sont développés.

ROMANTISME ANGLAIS

fond esthétique romantisme anglais il y avait une déception dans le classicisme et réalisme des lumières en tant que systèmes artistiques basés sur la philosophie des Lumières. Ils n'ont pas entièrement révélé monde intérieur l'homme, les lois de l'histoire humaine, appréhendées d'une manière nouvelle à la lumière de la Révolution française. Les bases du romantisme en Angleterre ont été posées par William Blake(1757-1827), mais le romantisme a été reconnu plus tard.

La première étape du romantisme anglais. "L'école du lac" La première étape du romantisme anglais (1793-1812) est associée aux activités de l'école du lac. Il comprenait William Motsworth(1770-1850), Samuel Taylor Coleridge(1772-1834), Robert Southey(1774-1843). Ils vivaient au pays des lacs, on les appelait donc leucistes (de l'anglais. Lac- Lac). Les trois poètes ont soutenu la Révolution française dans leur jeunesse. Mais déjà en 1794, ils s'éloignaient de ces positions. En 1796, Wordsworth et Coleridge se rencontrent pour la première fois. Ils sont unis par leur déception face à la révolution, ils ont peur du monde bourgeois. Les poètes créent un recueil de « Ballades lyriques » (1798). Le succès de cette collection a marqué le début du romantisme anglais en tant que mouvement littéraire. La préface de Wordsworth à la deuxième édition de Lyric Ballads (1800) est devenue le manifeste du romantisme anglais. Wordsworth formule les tâches des auteurs comme suit : "Ainsi, la tâche principale de ces poèmes était de sélectionner des cas et des situations parmi Vie courante et de les raconter ou de les décrire, en utilisant toujours, autant que possible, le langage ordinaire, et en même temps en les colorant avec les couleurs de l'imagination, grâce auxquelles les choses ordinaires apparaîtraient sous une forme inhabituelle ; enfin - et c'est l'essentiel - de rendre ces cas et situations intéressants, révélant en eux avec véracité, mais pas délibérément, les lois fondamentales de notre nature..."

Wordsworth apporte une grande contribution à la poésie anglaise en ce qu'il rompt avec les conventions du langage poétique du XVIIIe siècle. La révolution accomplie par Wordsworth et Coleridge a été décrite par A.S. Pouchkine comme suit : « Dans la littérature adulte, le temps vient où les esprits, ennuyés par les œuvres d'art monotones, limités par le cercle de la langue convenue et choisie, se tournent vers de nouvelles fictions folkloriques et à une langue vernaculaire étrange, d'abord méprisable... alors maintenant Wordsworth et Coleridge ont emporté l'opinion de beaucoup » (« On the Poetic Syllabus », 1828).

Wordsworth cherche à pénétrer dans la psychologie du paysan. Les enfants paysans conservent un naturel particulier des sentiments, croit le poète.

Sa ballade "We are seven" raconte l'histoire d'une fillette de huit ans. Elle est naïvement sûre qu'il y a sept enfants dans leur famille, sans se rendre compte que deux d'entre eux sont morts. Le poète voit une profondeur mystique dans ses réponses. La fille devine intuitivement l'immortalité de l'âme.

Mais la ville, la civilisation prive les enfants d'attachements naturels. Dans la ballade "Poor Susanna", le chant d'une grive rappelle à la jeune Susanna "la terre natale - sur le versant des montagnes, un paradis fleuri". Mais "la vision disparaît bientôt." Qu'est-ce qui attend la fille dans la ville? - « Un sac avec un bâton, oui une croix de cuivre, // Oui, la mendicité, oui des grèves de la faim, // Oui, un cri diabolique : « Va-t'en, voleur... »

Coleridge emprunte un chemin légèrement différent dans Lyrical Ballads. Si Wordsworth a écrit sur le caractère inhabituel de l'ordinaire, alors Coleridge a écrit sur des événements romantiques exceptionnels. Plus œuvre célèbre Coleridge est devenu la ballade "The Tale of the Old Sailor". Un vieux marin arrête un jeune homme pressé à un festin et lui raconte son histoire extraordinaire. Au cours d'un de ses voyages, un marin a tué un albatros, un oiseau qui porte bonheur aux navires. Et des ennuis vinrent sur son navire: l'eau manqua, tous les marins moururent et le marin resta seul parmi les cadavres. Puis il s'est rendu compte que la cause du malheur était sa mauvaise action, et il a élevé au ciel prière de repentance. Le vent a immédiatement soufflé, le navire a atterri au sol. Non seulement la vie, mais aussi l'âme du marin a été sauvée.

Le héros de Coleridge, d'abord dépourvu de commencement spirituel, dans sa souffrance commence à y voir clair. Il apprend l'existence d'un autre monde supérieur. Une conscience éveillée lui révèle valeurs morales. Cette idéal romantique teinté de mysticisme.

Un peu à l'écart de Wordsworth et Coleridge se dresse Robert Southey. Au départ, il était fasciné par les idées de la Révolution française, qui se reflétaient dans sa tragédie Wat Tyler (1794, publ. 1817) sur le chef d'un soulèvement médiéval en Angleterre. Mais plus tard, il s'éloigne du révolutionnaire, devient un apologiste de la doctrine nationaliste gouvernementale (le livre "La vie de Nelson", 1813), pour laquelle il est favorisé par les autorités. En 1813, Southey reçut le titre de poète officiel. L'esprit libre de Byron a plus d'une fois ridiculisé cette loyauté politique et le conservatisme littéraire de Southey. Les flèches de la satire de Byron ont atteint leur but, et la gloire de Southey s'est estompée aux yeux de la postérité. Mais du vivant du poète, ses poèmes sont célèbres : "Talaba le Destructeur" (1801), basé sur des légendes arabes (un exemple d'orientalisme romantique dans la poésie anglaise), "Madoc" (1805) sur la découverte de l'Amérique par un des princes gallois XII c., "La malédiction de Kehama" (1810), dont l'intrigue est tirée de la mythologie indienne, "Roderick, le dernier des Goths" (1818) sur la conquête arabe de l'Espagne en VII dans.

Les ballades de Southey étaient particulièrement populaires, parmi lesquelles se détache la ballade "Le jugement de Dieu sur l'évêque" (1799), superbement traduite en russe par V. A. Zhukovsky. L'évêque, qui a condamné le peuple affamé de sa terre à brûler pour se débarrasser de bouches supplémentaires, a lui-même été mangé par des souris - telle est la punition de Dieu pour le scélérat. Dans la ballade, on sent de la sympathie pour les défavorisés, de la haine pour les riches, du mépris pour les ecclésiastiques. Le rythme montant de la ballade est merveilleusement construit, traduisant l'approche de souris auxquelles il n'y a pas d'échappatoire.

Ainsi, les poètes de « l'école du lac » se caractérisent par des recherches esthétiques audacieuses, un intérêt pour leur histoire natale, une stylisation des formes art folklorique et en même temps des opinions politiques et philosophiques conservatrices. Les représentants de la "Lake School" ont réformé la poésie anglaise, préparé l'arrivée de la prochaine génération de romantiques dans la littérature - Byron, Shelley, Keats. La deuxième étape du romantisme anglais. Cette part couvre 1812-1832. (depuis la sortie je et II chansons du Pèlerinage de Childe Harold de Byron jusqu'à la mort de Walter Scott). Les principales réalisations de la période sont associées aux noms de Byron, Shelley, Scott, Keats. Dans le poème de Byron Childe Harold's Pilgrimage, l'idée de liberté pour tous les peuples a été exprimée, non seulement le droit, mais aussi le devoir de chaque peuple de se battre pour l'indépendance et la liberté de la tyrannie a été affirmé. Pour la première fois, un type de personnage romantique a été créé, appelé " Héros byronique". La deuxième réalisation remarquable de la période est l'émergence du genre roman historique, dont le créateur était Walter Scott.

Au début de la deuxième période, un cercle de romantiques londoniens s'était enfin formé. Le cercle prônait les droits de l'individu, pour des réformes progressistes. Valeur la plus élevée parmi les œuvres des romantiques londoniens figurent des poèmes et des poèmes de John Keats(1795-1821). Il a développé la tradition du grand poète écossais XVIIIème dans. Robert Burns. Keith transmet dans ses poèmes un sentiment de joie éclatante au contact de la nature, il affirme : « La poésie de la terre ne connaît pas la mort » (sonnet « The Grasshopper and the Cricket », 1816). Dans ses poèmes ("Endymion", 1818, "Hyperion", 1820), la passion inhérente aux romantiques mythologie grecque antique et l'histoire (par opposition à la fascination classique Rome antique). Les critiques conservateurs ont fermement condamné la poésie novatrice de Keats. Le poète malade et méconnu dut partir pour l'Italie. Keith est mort très jeune. Et l'année suivante, Shelley est mort, le grand poète anglais qui, avec Byron, a défini le visage de la poésie romantique anglaise de cette époque.

Shelly. Percy Bysshe Shelley (1792-1822) est né dans une famille aristocratique et a étudié à l'Université d'Oxford mais a été expulsé pour avoir publié The Necessity of Atheism (1811). Plus tard, le poète a été contraint de quitter l'Angleterre. Tout en vivant en Italie, Shelley est fortement influencée par Byron, qui vivait également en Italie à l'époque. Shelley est morte dans une tempête en mer.

Shelley était principalement un poète lyrique. Ses paroles sont caractère philosophique. Shelley voit la vérité dans la beauté spirituelle (poème "Hymn to Intellectual Beauty"). Le poète nie le Dieu biblique, il croit que Dieu est la nature, dans laquelle règnent les principes de Nécessité et de Variabilité (le poème "Variabilité"). L'amour en tant qu'expression de la beauté dans la nature est l'idée principale des paroles d'amour de Shelley ("Wedding Song", "To Jane", etc.). La beauté du monde, de l'homme et de ses créations s'affirme également dans les poèmes consacrés au thème de l'art (« Sonnet to Byron », « Music », « Milton's Spirit »). Parmi les poèmes de Shelley, il existe de nombreux ouvrages sur des sujets politiques ("To the Lord Chancellor", "To the Men of England", etc.). Dans le poème "Ozymandias" (1818), le poète, utilisant la forme d'une allégorie, montre que tout despote sera oublié par l'humanité.

le plus brillamment réflexion philosophique la vie personnelle et sociale dans les images de la nature est donnée dans le poème "Ode au vent d'ouest" (1819, publ. 1820). Le vent d'ouest est le symbole d'un grand changement. Le poète attend le renouveau du vent, il veut se débarrasser de sa « paix feinte » pour transmettre la parole poétique aux gens. Le poème combine les principaux thèmes de la poésie de Shelley : la nature, le but du poète dans le monde, la tension des sentiments, la prévision d'une puissante transformation révolutionnaire de la vie. Le genre classique de l'ode acquiert un caractère lyrique et romantique. L'idée de variabilité organise la composition, la sélection images artistiques, moyens linguistiques. Utilisant les techniques de personnification et de réification, Shelley exprime l'idée du poème : le poète, comme le vent d'ouest, doit apporter tempête et renouveau.

Le principe lyrique-philosophique domine également dans les grandes œuvres poétiques de Shelley - les poèmes "Queen Mab" (1813), "The Rise of Islam" (1818), dans les drames "Prometheus Freed" (1819, publ. 1820), "Cenci " (1819).

"Prométhée libéré". C'est l'une des œuvres les plus importantes du poète. En termes de genre, c'est un poème philosophique ; en termes de forme, c'est un drame, où les moyens sont utilisés. théâtre antique. Shelley lui-même a défini le genre de l'œuvre comme "drame lyrique". Le lyrisme se manifeste principalement dans l'interprétation subjective de l'auteur de l'intrigue. Shelley change les événements de l'ancien mythe grec sur Prométhée, qui se termine par la réconciliation de Prométhée avec Zeus : "... J'étais contre un résultat aussi misérable que la réconciliation d'un combattant pour l'humanité avec son oppresseur", a écrit le poète dans la préface du drame. Shelley fait de Prométhée le héros parfait qui est puni par les dieux pour avoir aidé les gens contre leur gré. Dans le drame de Shelley, la souffrance de Prométhée est remplacée par le triomphe de sa libération. Au troisième acte, la créature fantastique Démogorgon apparaît. Il renverse Zeus en déclarant: "Il n'y a pas de retour pour la tyrannie du ciel, et il n'y a plus de successeur pour vous." Prométhée est libéré - le monde entier est libéré. À la fin du drame, une image de l'avenir surgit : une personne est libre de « la dissension des nations, des classes et des clans ».

Walter Scott. Walter Scott (1771 - 1832), selon V. G. Belinsky, a créé Roman historique. Il est né en Ecosse, à Edimbourg. Sans terminer ses études universitaires, le futur écrivain, sous la direction de son père, se prépare à une carrière en droit. Ayant reçu le titre d'avocat, Scott a pris une position forte dans la société.

Le choc ressenti par les "Chants d'Ossian" - un canular pré-romantique basé sur la tradition de J. MacPherson Folklore écossais Le culte de l'antiquité nationale né en Écosse incita Scott à créer des ballades, en particulier la ballade "Ivan's Evening" (1800, traduite par V.A. Zhukovsky en 1824 - "Smalholm Castle"), rassemblant et publiant des ballades folkloriques écossaises ("Songs Scottish border" en 3 volumes, 1802-1803). Poèmes basés sur des histoires de la vie médiévale(« La chanson du dernier ménestrel », 1805 ; « Marmion », 1808) lui apporta une grande popularité. Contrairement aux Leukistes, Skop n'a pas idéalisé le Moyen Âge, mais au contraire a souligné la cruauté de cette époque, et l'attirance pré-romantique pour le «terrible» a été combinée dans ses œuvres avec une «couleur locale» romantique. Déjà poète reconnu, W. Scott publie anonymement son premier roman historique, Waverley (1814). Seulement cinq ans avant sa mort, l'écrivain a commencé à signer des romans avec son propre nom (jusqu'en 1827, ils ont été publiés comme des œuvres de "l'auteur de Waverley"). En 1816, Waverley a été traduit en français - à cette époque, la principale langue de communication interethnique, et une véritable renommée mondiale est venue à W. Scott. Parmi les romans historiques de l'écrivain figurent The Puritans (1816), Rob Roy (ISIS), Ivanhoe (1820), Quentin Dorward (1823). En Russie, les romans Sk<Я та знали уже в 1820-е годы. Отсюда утверждение в русском созна­нии имени автора в старинной французской форме - Вальтер Скотт (правильнее было бы Уолтер Скотт).

Walter Scott a établi le principe de l'historicisme dans la littérature, remplaçant les intrigues historiques comme «leçons de morale» par une étude artistique des lois du processus historique, a créé les premiers exemples du genre du roman historique basé sur ce principe. Dès 1830, AS Pouchkine écrivait : « L'action de V. Scott est palpable dans toutes les branches de la littérature moderne » (« Histoire du peuple russe : Article II »).

George Noel Gordon Byron (1788-1824) - le plus grand poète romantique. Son apport à la littérature est déterminé, d'une part, par la signification de ses œuvres et de ses images, et d'autre part, par le développement de nouveaux genres littéraires (poème épique lyrique, drame à mystère philosophique, roman en vers, etc.), l'innovation dans divers domaines de poétique, enfin, participation au combat littéraire de son temps.

La personnalité du poète. Byron est né en 1788 à Londres dans une famille aristocratique. Fier depuis l'enfance il est apparenté à la famille royale des Stuarts, braves ancêtres dont le seul nom faisait jadis peur. Le château de la famille Byron, qui a duré sept siècles, a gardé les traces de l'ancienne grandeur de la famille, entourant le bébé d'une atmosphère de mystère. Le château a été hérité par Byron à l'âge de 10 ans avec le titre de seigneur, ce qui lui a permis d'entrer à la Chambre des lords du Parlement anglais et de s'engager dans des activités politiques après avoir atteint l'âge de la majorité. Mais c'est le titre de seigneur qui humilie profondément Byron. Le poète n'était pas assez riche pour mener une vie conforme à ce titre. Même le jour de sa majorité, habituellement célébré en grande pompe, il devait le passer seul. Un discours au Parlement en défense des Luddites - des travailleurs qui, en désespoir de cause, cassaient des machines, dans lequel ils voyaient la cause du chômage, comme les deux autres discours, n'a pas été soutenu par les Lords, et Byron était convaincu que le Parlement était "un sans espoir ... refuge d'ennui et de bavardage persistant ".

Les caractéristiques du jeune Byron sont la fierté et l'indépendance. Et c'est précisément à cause de l'orgueil qu'il subit une humiliation constante. La noblesse coexiste avec la pauvreté ; une place au parlement - avec l'incapacité de changer des lois cruelles; beauté saisissante - avec un défaut physique qui a permis à sa fille bien-aimée de l'appeler un "garçon boiteux"; amour pour sa mère - avec résistance à sa tyrannie domestique ... Byron essaie de s'établir dans le monde qui l'entoure, d'y prendre une place digne. Même avec un handicap physique, il se bat par la natation, l'escrime.

Mais ni les succès séculaires, ni les premiers aperçus de gloire ne satisfont le poète. Le fossé entre lui et la société laïque se creuse de plus en plus. Byron trouve une issue dans l'idée de liberté. Il a permis de révéler l'essence de la personnalité avec la plus grande complétude. Byron est un homme exceptionnel, un homme de génie, qui a non seulement chanté l'héroïsme des peuples qui ont pris part à la lutte de libération, mais y a également participé lui-même. Il s'apparente aux héros romantiques exceptionnels de ses œuvres, mais, comme eux, Byron a exprimé par sa vie l'esprit de toute une génération, l'esprit du romantisme. L'idée de liberté a joué un rôle énorme non seulement dans la formation de la personnalité de Byron, mais aussi dans son travail. Il change son contenu à différentes étapes de la créativité. Mais la liberté apparaît toujours chez Byron comme l'essence de l'idéal romantique et comme la mesure éthique de l'homme et du monde.

perspective esthétique. Dans sa jeunesse, Byron s'est familiarisé avec le travail des Lumières anglaises et françaises. Sous leur influence, l'esthétique du poète se forme, basée sur l'idée éclairée de la raison. Byron est proche du classicisme, son poète préféré est le classiciste Alexander Pope. Byron a écrit : « La plus grande force de Pope est qu'il est un poète éthique (...), et, à mon avis, une telle poésie est la plus haute sorte de poésie en général, car elle réalise en vers ce que les plus grands génies ont cherché à réaliser en prose."

Cependant, ces jugements de Byron ne l'opposent pas aux romantiques, puisque la «raison» et le «principe éthique» servent à exprimer la présence active dans l'œuvre de l'artiste lui-même. Son rôle se manifeste chez Byron non seulement dans la puissance du principe lyrique, mais aussi dans l'universalisme - en comparant l'individuel et l'universel, le destin de l'homme à la vie de l'univers, ce qui conduit au titanisme des images, au maximalisme - un programme éthique sans compromis, à partir duquel la négation de la réalité acquiert un caractère universel. Ces traits font de Byron un romantique. D'autres caractéristiques romantiques de l'œuvre du poète sont un sens aigu de l'incompatibilité tragique de l'idéal et de la réalité, l'individualisme, l'opposition de la nature comme incarnation d'un beau et grand tout au monde corrompu des gens.

Dans ses dernières œuvres (notamment dans Don Juan), le poète aborde l'esthétique de l'art réaliste.

La première période de l'œuvre de Byron. 1806-1816 - c'est l'époque de la formation de la vision du monde de Byron, de son style d'écriture, l'époque des premiers grands succès littéraires, le début de sa renommée mondiale. Dans les premiers recueils de poèmes, le poète n'a pas encore surmonté l'influence des classiques, des sentimentalistes et des premiers romantiques. Mais déjà dans le recueil Heures de loisirs (1807), surgit le thème d'une rupture avec la société laïque, frappée d'hypocrisie. Le héros lyrique aspire à la nature, à une vie remplie de luttes, c'est-à-dire à une vie authentique et convenable. La divulgation de l'idée de liberté en tant que vie propre en unité avec la nature atteint sa plus grande force dans le poème "Je veux être un enfant libre ..." Byron lui-même commence par l'émergence de cette idée.

La collection Leisure Hours a reçu des critiques négatives dans la presse. Byron a répondu à l'un d'eux avec le poème satirique English Bards and Scottish Reviewers (1809). Dans la forme, c'est un poème classique dans l'esprit d'A. Pope. Cependant, la critique des poètes de "l'école du lac" contenue dans le poème est loin du point de vue classiciste sur les tâches de la littérature : Byron appelle à refléter la réalité sans fioriture, à lutter pour la vérité de la vie. La satire "English Bards and Scottish Reviewers" est considérée comme le premier manifeste, bien qu'incomplet, des soi-disant "Progressive Romantics" en Angleterre.

En 1809-1811. Byron visite le Portugal, l'Espagne, la Grèce, l'Albanie, la Turquie, Malte. Les impressions de voyage ont formé la base des deux premières chansons du poème lyrique-épique "Childe Harold's Pilgrimage", publié en 1812 et ont apporté une grande renommée au poète.

L'action des premiers chants du poème se déroule au Portugal, en Espagne, en Grèce et en Albanie.

Dans les 1er et 2e chants de "Childe Harold", la liberté est comprise dans un sens large et étroit. Au sens large, la liberté est la libération de peuples entiers des esclaves. Dans la 1ère chanson de Childe Harold, Byron montre que l'Espagne, capturée par les Français, ne peut être libérée que par le peuple lui-même. Le tyran humilie la dignité du peuple, et seuls un rêve honteux, la paresse, l'humilité du peuple lui permettent de rester au pouvoir. L'asservissement des autres peuples ne profite qu'à quelques tyrans. Mais c'est tout le peuple esclavagiste qui porte le blâme. Le plus souvent, pour révéler la culpabilité nationale, Byron prend l'exemple de l'Angleterre, mais aussi de la France et de la Turquie. Au sens étroit, la liberté pour Byron est la liberté d'un individu. La liberté dans les deux sens est inhérente au héros du poème - Childe Harold.

Childe Harold représente la première incarnation de tout un type littéraire appelé le héros byronique. Voici ses traits : satiété précoce de la vie, maladie de l'esprit ; perte de connexion avec le monde extérieur; un terrible sentiment de solitude; égocentrisme (le héros n'éprouve aucun remords pour ses propres méfaits, ne se condamne jamais, se considère toujours comme juste). Ainsi, un héros dégagé de la société est malheureux, mais l'indépendance lui est plus chère que la paix, le confort, voire le bonheur. Le héros Byronic est intransigeant, il n'y a pas d'hypocrisie en lui, car les liens avec une société dans laquelle l'hypocrisie est un mode de vie sont rompus. Un seul lien humain est reconnu par le poète comme possible pour son héros libre, non hypocrite et solitaire - un sentiment de grand amour, devenant une passion dévorante.

L'image de Childe Harold entretient un rapport complexe avec l'image de l'auteur, véritable héros lyrique : soit elles existent séparément, soit elles se confondent. "Un personnage fictif a été introduit dans le poème afin de relier ses parties séparées ...", a écrit Byron à propos de Childe Harold. Au début du poème, l'attitude de l'auteur envers le héros est proche de la satire : c'est « un étranger à l'honneur comme à la honte », « un fainéant corrompu par la paresse ». Et seules la «maladie de l'esprit et du cœur», la «douleur sourde», la capacité de réfléchir sur la fausseté du monde, qui découle de la satiété, rendent Childe Harold intéressant pour le poète.

La composition du poème est basée sur de nouveaux principes romantiques. Le noyau clair est perdu. Ce ne sont pas les événements de la vie du héros, mais son déplacement dans l'espace, se déplaçant d'un pays à l'autre, déterminent la délimitation des parties. En même temps, le héros ne s'attarde nulle part, pas un seul phénomène ne le saisit, dans aucun pays la lutte pour l'indépendance ne l'excite pour qu'il y reste et y participe.

Mais dans le poème il y a des appels : « Aux armes, Espagnols ! Vengeance, vengeance ! (1ère chanson); ou : « Ô Grèce ! Lève-toi pour te battre ! // L'esclave doit gagner sa propre liberté ! (2ème chanson). Évidemment, ce sont les mots de l'auteur lui-même. Ainsi, la composition comporte deux couches : épique, liée au parcours de Childe Harold, et lyrique, liée à la pensée de l'auteur. La synthèse des couches épiques et lyriques, caractéristique du poème, donne une complexité particulière à la composition : il n'est pas toujours possible de déterminer exactement à qui appartiennent les pensées lyriques - le héros ou l'auteur. Le début lyrique est introduit dans le poème par les images de la nature, et surtout par l'image de la mer, qui devient le symbole de l'élément libre incontrôlable et indépendant.

Byron utilise la " strophe Spencer ", qui se compose de neuf lignes avec un système complexe de rimes. Dans une telle strophe, il y a une place pour le développement de la pensée, sa divulgation sous différents angles et sa synthèse.

Quelques années plus tard, Byron écrit une suite du poème : le 3e chant (1817, en Suisse) et le 4e chant (1818, en Italie).

Dans la 3e chanson, le poète fait référence au tournant de l'histoire européenne - la chute de Napoléon. Childe Harold visite le site de la bataille de Waterloo, et l'auteur reflète que dans cette bataille, Napoléon et ses adversaires victorieux n'ont pas défendu la liberté, mais la tyrannie. A cet égard, le thème du Grand Révolution française qui a présenté Napoléon comme un défenseur de la liberté. Byron apprécie hautement les activités des éclaireurs Voltaire et Rousseau, qui ont idéologiquement préparé la révolution.

Dans la 4ème chanson, ce thème est repris. Le problème principal ici est le rôle du poète et de l'art dans la lutte pour la liberté des peuples. Dans cette partie, l'image de Childe Harold, étrangère aux grands événements historiques et aux intérêts populaires, quitte enfin le poème. Au centre - l'image de l'auteur. Le poète se compare à une goutte qui s'est déversée dans la mer, à un nageur apparenté à l'élément marin. Cette métaphore devient compréhensible si l'on considère que l'image de la mer incarne le peuple qui lutte depuis des siècles pour la liberté. L'image de l'auteur dans le poème est donc l'image d'un poète-citoyen qui a le droit de s'exclamer : « Mais j'ai vécu, et je n'ai pas vécu en vain !

Du vivant de Byron, la plupart des lecteurs ne pouvaient pas apprécier cette position du poète. Parmi ceux qui ont compris ses vues, il y a Pouchkine, Lermontov. L'image du Childe Harold solitaire et fier était la plus populaire. De nombreuses personnes laïques ont commencé à imiter son comportement, ont été embrassées par l'état d'esprit de Childe Harold, qui s'appelait "Byronism".

Après les 1er et 2e chants du Pèlerinage de Childe Harold, Byron crée six poèmes intitulés Oriental Tales. L'appel à l'Orient était caractéristique des romantiques : il leur révélait un autre type de beauté par rapport à l'ancien idéal gréco-romain, qui guidait les classiques. L'Orient pour les romantiques est un lieu où les passions font rage, où les despotes étouffent la liberté, recourant à la ruse et à la cruauté orientales, et le héros romantique placé dans ce monde révèle plus vivement son amour de la liberté dans une collision avec la tyrannie. Dans les trois premiers poèmes (Gyaur, 1813 ; La Fiancée d'Abydos, 1813 ; Corsaire, 1814), l'image du héros byronien acquiert de nouveaux traits. Contrairement à Childe Harold, le héros-observateur qui s'est retiré de la lutte avec la société, les héros de ces poèmes sont des gens d'action, de protestation active. Leur passé et leur avenir sont entourés de mystère, mais certains événements les ont forcés à rompre avec leur terre natale. Gyaur - un Italien qui s'est retrouvé en Turquie (Gyaur en turc - "Gentile"); le héros de la "mariée d'Abydos" Selim, élevé par son oncle - le pacha traître qui a tué son père - en quête de liberté, devient le chef des pirates. Le poème "Le Corsaire" raconte l'histoire du mystérieux chef des voleurs de mer - corsaires - Conrad. Il n'y a pas de grandeur extérieure dans son apparence («il est mince et pas un géant de taille»), cependant, il est capable de subjuguer n'importe qui, et son regard «brûle de feu» celui qui ose lire le secret de Conrad l'âme de ses yeux. Mais "en regardant vers le haut, par des mains tremblantes, ... par des tremblements, par des soupirs sans fin, ... par des pas incertains" il est aisé de comprendre que la paix de l'âme lui est inconnue. On ne peut que deviner ce qui a conduit Conrad chez les corsaires : il « Il était trop fier pour traîner sa vie dans la résignation, / Et trop dur pour tomber devant le fort dans la boue. // Par ses propres vertus, // Il était voué à être victime de calomnies. La composition fragmentaire caractéristique des poèmes de Byron nous permet de ne reconnaître que des épisodes individuels de la vie du héros : tentative de capture de la ville de Seid Pacha, captivité et évasion. De retour sur l'île des corsaires, Conrad retrouve sa bien-aimée Medora morte et disparaît.

Byron voit Conrad à la fois comme un héros et un méchant. Il admire la force de caractère de Conrad, mais réalise objectivement l'impossibilité de gagner un solitaire dans une bataille avec le monde entier. Le poète met l'accent sur le sentiment lumineux du "héros byronique" - l'amour. Sans elle, un tel héros ne peut être imaginé. C'est pourquoi tout le poème se termine par la mort de Medora.

Période suisse. L'amour de Byron pour la liberté provoque le mécontentement de la haute société anglaise. Sa rupture avec sa femme a été utilisée pour faire campagne contre le poète. En 1816, Byron partit pour la Suisse. Sa déception devient en effet universelle. Une telle déception complète des romantiques est généralement appelée "chagrin du monde". »

"Manfred". Le poème dramatique symbolique et philosophique Manfred (1817) a été écrit en Suisse.

Manfred, qui comprenait "toute la sagesse terrestre", est profondément déçu. La souffrance de Manfred, son « chagrin du monde » est inextricablement lié à la solitude qu'il a lui-même choisie. L'égocentrisme de Manfred atteint le niveau ultime, il se considère au-dessus de tout au monde, il veut une liberté complète et absolue. Mais son égocentrisme porte le malheur à tous ceux qui l'aiment. Il a tué Astarté, qui l'aimait. Avec sa mort, le dernier lien avec le monde est coupé. Et, n'étant pas réconcilié avec Dieu, comme l'exigeait le prêtre, Manfred meurt avec un joyeux sentiment de délivrance des affres de la conscience.

La poétique de "Manfred" se caractérise par la synthèse des moyens artistiques : la fusion des principes musicaux et picturaux, des idées philosophiques avec la confession.

Au contraire, dans les images-personnages de « Manfred » et autres œuvres dramatiques de Byron, le principe analytique domine. A. S. Pouchkine a ainsi révélé cette qualité qui était la leur: «En fin de compte, il a compris, créé et décrit un seul personnage (à savoir le sien), tout, à l'exception de quelques bouffonneries satiriques dispersées dans ses créations, il a attribué à ce sombre, puissant visage, si mystérieusement captivant. Lorsqu'il a commencé à composer sa tragédie, il a distribué à chaque personnage l'une des composantes de ce caractère sombre et fort, et a ainsi fragmenté sa création majestueuse en plusieurs visages petits et insignifiants » (article « Sur les drames de Byron »). Pouchkine a opposé le caractère unilatéral des personnages de Byron à la variété des personnages de Shakespeare. Mais il faut se rappeler que Manfred n'est pas tant une tragédie de caractère qu'une tragédie de l'idée d'absolu. Le héros titanesque est infiniment plus malheureux que l'homme ordinaire ; le pouvoir absolu fait du souverain un esclave ; la pleine connaissance révèle l'infinité du mal dans le monde ; l'immortalité se transforme en tourment, en torture, une soif de mort surgit chez une personne - ce sont quelques-unes des idées tragiques de Manfred. Le principal est que la liberté absolue illumine la vie d'une personne avec un objectif merveilleux, mais sa réalisation détruit l'humanité en elle, la conduit à la «chagrin du monde».

Et pourtant, Manfred conserve sa liberté jusqu'au bout, défiant à la fois l'église et les forces d'un autre monde au bord de la mort.

Période italienne. Après avoir déménagé en Italie, Byron participe au mouvement des Carbonari - des patriotes italiens qui ont créé des organisations secrètes pour lutter pour la libération du nord de l'Italie de la domination autrichienne. La période italienne (1817 - 1823) est l'apogée de l'œuvre de Byron. Ayant participé à la lutte des Italiens pour la liberté du pays, le poète écrit des œuvres pleines d'idées révolutionnaires. Les héros de ces œuvres glorifient les joies de la vie, recherchant la lutte.

Les poèmes satiriques de Byron de cette période sont devenus l'exemple le plus frappant de la poésie politique du romantisme anglais. Le poème The Vision of Judgment (1822) ridiculise le poète leukiste Southey , qui possède le poème The Vision of Judgment , qui chante le défunt roi anglais George III , dépeint l'ascension de son âme au paradis. Byron écrit une parodie de ce poème.

George III n'est pas autorisé à entrer au paradis. Puis Southey prend sa défense avec son poème. Mais elle est si médiocre que tout le monde s'éparpille. Profitant de la tourmente, le roi se rend au paradis. Les poètes réactionnaires deviennent inévitablement complices des politiciens réactionnaires - c'est l'idée du poème.

"Caïn". "Caïn" (1821) - le summum de la dramaturgie de Byron. L'intrigue est basée sur la légende biblique du fils du premier homme Adam Cain, qui a tué son frère Abel. Une telle intrigue était typique du théâtre médiéval, alors Byron a qualifié "Caïn" de mystère. Mais il n'y a pas de religiosité dans le drame. Killer Cain devient ici un véritable héros romantique. L'individualisme titanesque de Caïn lui fait défier Dieu lui-même, et le meurtre d'Abel, servilement obéissant à Dieu, est une forme terrible de protestation contre la cruauté de Dieu, qui exige pour lui-même des sacrifices sanglants.

Les idées de combat contre Dieu sont également incarnées dans l'image de Lucifer - le plus beau des anges, qui s'est rebellé contre Dieu, a été jeté en enfer et a reçu le nom de Satan. Lucifer initie Caïn aux secrets de l'univers, il désigne la source du mal dans le monde - c'est Dieu lui-même avec son désir de tyrannie, avec sa soif de culte universel.

Les héros ne peuvent pas gagner dans le combat contre la divinité toute-puissante. Mais une personne gagne en liberté en résistant au mal, la victoire spirituelle est la sienne. C'est l'idée principale de l'œuvre.

"Don Juan". "Don Giovanni" (1817-1823) est la plus grande œuvre de Byron. Il est resté inachevé (16 chansons ont été écrites et le début de la 17ème). "Don Juan" s'appelle un poème, mais en termes de genre il est si différent des autres poèmes de Byron qu'il est plus correct de voir dans "Don Juan" le premier exemple d'un "roman en vers" (comme "Eugène Onéguine" de Pouchkine "). "Don Juan" n'est pas l'histoire d'un seul héros, c'est aussi une "encyclopédie de la vie". Fragmentation, fragmentation de la composition des "récits orientaux", l'atmosphère de mystère cède la place à l'étude des relations de cause à effet. Pour la première fois, Byron étudie en détail l'environnement dans lequel s'est déroulée l'enfance du héros, le processus de formation du personnage. Don Juan est un héros tiré d'une légende espagnole sur la punition d'un athée et séducteur de nombreuses femmes. Cette légende dans diverses interprétations était souvent utilisée par les romantiques, par exemple Hoffmann. Mais dans Byron, il est dépourvu d'auréole romantique (à l'exception de l'histoire de son amour pour Hyde, la fille d'un pirate). Il se retrouve souvent dans des situations cocasses (par exemple, il se retrouve dans un harem en tant que concubine du sultan turc), pour une carrière il peut sacrifier son honneur et ses sentiments (une fois en Russie, Don Juan devient le favori de l'impératrice Catherine II ). Mais parmi les caractéristiques de son personnage, l'amour romantique de la liberté demeure. C'est pourquoi Byron a voulu terminer le poème par un épisode de la participation de Don Giovanni à la Révolution française du XVIIIe siècle.

Don Juan, tout en maintenant un lien avec le romantisme, ouvre en même temps l'histoire du réalisme critique anglais.

Au début du poème, le héros, qui a perdu son exclusivité romantique de caractère, c'est-à-dire le titanisme, passion unique dévorante, pouvoir mystérieux sur les hommes, préserve l'exclusivité du destin. D'où ses aventures insolites dans des contrées lointaines, des dangers, des hauts et des bas - le principe même du voyage continu. Dans les dernières chansons, où Don Juan se retrouve en Angleterre en tant qu'envoyé de Catherine II, l'exclusivité de l'environnement, les circonstances de la vie du héros, disparaissent. Don Juan dans le château de Lord Henry Amondeville rencontre des secrets romantiques et des horreurs, mais tous ces secrets sont inventés par des aristocrates ennuyés. Le fantôme du moine noir, effrayant Don Juan, s'avère être la comtesse Fitz-Falk, qui tente d'attirer un jeune homme dans son réseau.

Le poème est écrit en octaves (strophe de 8 vers avec rime abababcc). Les deux derniers vers de l'octave, rimés, contiennent la conclusion, le résultat de la strophe, qui rend le langage du poème aphoristique. Le monologue de l'auteur est soit poétiquement sublime, soit ironique. Les digressions de l'auteur sont surtout saturées de pensées, de réflexions dont le thème principal est toujours la liberté.

Byron en Grèce. Le désir de participer à la lutte de libération nationale, sur laquelle Byron a tant écrit, le conduit en Grèce (1823-1824). Il dirige un détachement de rebelles grecs et albanais combattant l'oppression turque. La vie du poète se termine tragiquement : il meurt d'une fièvre. Le deuil a été déclaré en Grèce. Les Grecs considèrent aujourd'hui Byron comme leur héros national.

Dans les poèmes créés par Byron en Grèce, la pensée de la liberté et de la responsabilité personnelle résonne. Voici un court poème "D'un journal à Céphalonie", où ces réflexions sont exprimées avec une force particulière :

Sommeil mort perturbé - puis-je dormir? Les tyrans écrasent le monde - vais-je céder ? La moisson est mûre - dois-je hésiter à récolter ? Sur le lit - gazon pointu; Je ne dors pas; A mes oreilles, ce jour-là, la trompette chante, Son cœur résonne...

(Traduit par A. Blok)

Byron a eu un impact énorme sur la littérature. Tous les grands écrivains anglais des époques suivantes ont subi son influence. A. S. Pouchkine aimait lire Byron. Il a appelé Byron "le souverain des pensées", a noté que la vie et l'œuvre du grand poète anglais ont influencé des générations entières de lecteurs.

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Le romantisme dans l'art anglais apparaît déjà au début des années 70 du XVIIIe siècle.
L'impulsion immédiate pour l'émergence d'humeurs pré-romantiques et romantiques dans la société anglaise a été la révolution agraire-industrielle qui a commencé à la fin des années 50 du 18ème siècle, ceci, selon F. Engels, "révolution silencieuse", ainsi que la guerre des États nord-américains pour l'indépendance (1773 -1778).
La révolution agraire-industrielle a provoqué, d'une part, la croissance effrénée de grands centres industriels, d'immenses villes industrielles avec une population active de plusieurs millions, qui a changé le visage du pays au-delà de toute reconnaissance ; d'autre part, la révolution agraire-industrielle a provoqué des désastres sociaux criants dans le pays, l'appauvrissement et la ruine définitive des campagnes, la transformation de la population rurale en pauvres indigents qui ont été contraints de reconstituer l'armée de prolétaires au chômage dans le villes; toute une classe de laboureurs libres, les soi-disant yeomen, dont les mains ont mené à bien la révolution bourgeoise anglaise du XVIIe siècle, disparaît complètement de la surface de la terre vers 1760. Des transformations sociales colossales - la disparition de certaines classes de la population et la création de nouvelles classes - les classes de prolétaires industriels et agricoles - ont entraîné une augmentation de la criminalité, de la famine, de la prostitution, une augmentation de l'oppression nationale et religieuse en Irlande, en Ecosse, au Pays de Galles et en les colonies, ce qui, à son tour, a provoqué des troubles et des émeutes parmi les travailleurs d'Angleterre, les agriculteurs d'Écosse et d'Irlande, dans les colonies et les protectorats.
À partir des années 60 et 70 du XVIIIe siècle, les premiers soulèvements de la classe ouvrière anglaise ont commencé, qui étaient encore inorganisés, de nature immature, mais qui étaient d'une grande importance pour le développement de tendances avancées dans la pensée et la littérature sociales anglaises.
En fin de compte, le mouvement ouvrier doit son émergence à l'enseignement alors avancé des grands socialistes utopistes de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle (Robert Owen en Angleterre, Charles Fourier, Mably Saint-Simon et d'autres en France), qui avait une impact énorme non seulement sur les écrivains -romantiques, mais aussi sur les réalistes critiques des années 30 et 40 du XIXe siècle.
Dans les profondeurs de la classe ouvrière, au début des années 90 du XVIIIe siècle, un «parti démocrate» est né, dirigé par des républicains et des philosophes révolutionnaires issus de la petite bourgeoisie. Le plus important des dirigeants de ce parti était le cordonnier londonien Thomas Paine, le grand révolutionnaire américain et anglais qui dirigea la soi-disant "London Correspondence Society", créée initialement pour la correspondance avec les révolutionnaires français, puis rassembla autour de lui l'avant-garde de forces démocratiques dans tout le pays, publiant ses riches périodiques. A l'instar de la société de Londres, environ 300 sociétés similaires ont vu le jour dans tout le pays. A Édimbourg, la société des républicains écossais s'appelait le "Convent".
Les événements turbulents de la Révolution américaine (1773-1778) et de la Grande Révolution bourgeoise française (1789-1794) multiplièrent l'activité des masses populaires britanniques ; la défaite de ces révolutions, l'effondrement des « brillantes promesses des Lumières », qui promettaient au monde après le renversement du régime féodal « l'égalité éternelle, la liberté, la fraternité et l'harmonie dans vie publique”, a suscité le pessimisme et le désespoir chez plusieurs générations de démocrates européens, a créé le terrain pour l'émergence d'un courant élégiaque-romantique dans l'art.
Guillaume Blake (1757-1827). Le représentant le plus éminent du premier romantisme anglais était William Blake. William Blake a vécu une longue vie remplie d'un travail titanesque inlassable. Cette vie est un exemple de courage héroïque, de fidélité à ses convictions révolutionnaires et d'honnêteté sans compromis.
Comme R. Burns, Blake a découvert très tôt que la société dans laquelle il est né et a vécu est criminelle, hypocrite, qu'elle encourage l'art mort et sans vie, et que tout artiste vraiment doué, s'il veut seulement rester un artiste créateur, ne n'a pas le droit de supporter cette société, sa religion, sa philosophie, son droit, ses pratiques commerciales, etc., mais est obligé de s'y opposer, de nier toutes les institutions de cette société, de faire une guerre continue contre son art officiel. "Le génie est en colère, remarque Blake. Les tigres de la colère sont plus sages que les bourrins de l'enseignement."
Ayant fait la découverte vingt ans avant Hegel que la société bourgeoise est hostile à l'art, s'appuyant dans cette opinion sur tout le cours antérieur du développement de la littérature et de l'art anglais depuis Shakespeare, Fielding et jusqu'à et y compris les écrivains sentimentaux, Blake a activement combattu avec son travail contre l'art officiel - comme en peinture (contre le classiciste Reynolds), et en poésie - contre Dryden, Pope et les poètes de la cour. Et si Berne, ayant payé d'une mort prématurée son exploit poétique, a réussi à dire de nombreuses vérités amères aux yeux de l'Angleterre possessive, proclamant une rupture complète entre l'art avancé et la moralité et la religion de la Grande-Bretagne bourgeoise, alors Blake ne pourrait pas percer. les cordons de l'Académie des Arts et la censure littéraire de Londres. De plus, après 1793, le gouvernement britannique, effrayé par la croissance du mouvement ouvrier et démocratique, introduisit la Terreur blanche et réprima brutalement tout écrivain et artiste épris de liberté. Dans la langue des révolutionnaires puritains de 1649, Blake écrivit dans son journal pendant la Terreur blanche en Angleterre : « Défendre la Bible dans un vrai 1794 aurait été équivalent à un suicide.
Gagner sa vie comme artisan-copiste exploité par des camarades plus prospères et médiocres, Blake a créé de manière désintéressée pour l'avenir pendant ses heures libres de revenus, pleinement conscient que de son vivant il était voué à la tragédie de l'obscurité et de la non-reconnaissance. "Mon cœur est plein de ce qui est à venir", écrit-il dans un journal de 1805. En effet, ses brillantes réalisations en tant que poète et graphiste sont passées sans laisser de trace pour ses contemporains. Mais son génie a fécondé plus tard la littérature anglo-américaine. Il ne serait pas exagéré de dire que ses idées et ses réalisations ont contribué en partie à la formation de talents aussi exceptionnels que William Morris, Bernard Shaw, Walt Whitman, Meredith, T. Hardy, Longfellow, E. Dickenson, R. Frost, K. Sandburg et bien d'autres. les autres
De l'avis unanime des historiens de l'art et des grands artistes, il est aussi le père du graphisme du livre anglais moderne.
William Blake est né à Londres, fils d'un marchand pauvre. Guillaume avait trois frères. L'aîné, James, devint plus tard marchand, il poursuivit l'œuvre de son père. Le favori de la famille - le frère John, fêtard joyeux et insouciant - s'enrôle dans les troupes coloniales et meurt loin de sa patrie ; deux jeunes frères - William et Robert - ont été liés par des liens de tendre amitié toute leur vie (jusqu'à la mort prématurée de Robert en 1789).
Dès l'enfance, William s'est distingué par la rêverie, son imagination lui a peint des images lumineuses de belles créatures ressemblant à des anges qui lui ont parlé dans le jardin, dans la chambre, dans un rêve. Il a raconté à sa mère des vols vers un monde montagneux, où il était entouré de belles fées en robes blanches, elles lui ont raconté et chanté les exploits et la bravoure des héros, des terres lointaines, une petite fille dont la tête était décorée d'une couronne de fleurs sauvages.
Remarquant l'extraordinaire pouvoir d'imagination de son fils, la mère décida qu'il devait étudier l'art. Le père, qui voulait d'abord enseigner un métier à son fils cadet, ne résista pas au désir de la mère, et ainsi, William Blake dès l'âge de 10 ans devint apprenti graveur.
La vie de Blake n'est pas riche en événements. Au début, étudiant assidu des classiques qui dominaient au milieu du XVIIIe siècle, cependant, déjà en 1777, il fit une découverte inattendue que "là où il y a un calcul monétaire, l'art ne peut pas exister". L'énergie furieuse, l'intransigeance, puis la guerre ouverte contre la religion officielle et l'art classique rendirent ses œuvres inacceptables soit pour l'académie royale des arts, soit pour publication. Fervent partisan de Thomas Paine, continuateur des traditions révolutionnaires des puritains de gauche du XVIIe siècle, qui ont habillé leurs revendications de justice sociale et d'égalité sous la forme d'hérésie religieuse, Blake a dû garder ses croyances secrètes à l'ère de la réaction, sinon il aurait à partager le sort des démocrates des années 90 exilés aux travaux forcés en Nouvelle-Guyane, en Australie, dans les mines, ou pendus, emprisonnés ou asile d'aliénés à vie, etc.
Blake a passé toute sa vie à Londres, subsistant avec des revenus plus que modestes en tant que copiste, ne recevant qu'occasionnellement des commandes pour des œuvres originales. Une seule et unique fois, Blake et sa femme Catherine se sont rendus en province, où le riche et dignitaire propriétaire terrien-philanthrope Hayley lui a fourni une petite maison avec un jardin. Cependant, cette joyeuse retraite de l'artiste fut bientôt interrompue par une querelle avec un patron arrogant et une attaque contre son jardin et sa maison par un soldat en maraude, et ce soldat, du nom de Scofield, calomnia si habilement Blake (qui défendit courageusement son jardin de l'intrusion d'un voleur) devant la cour royale que le poète a menacé d'emprisonnement pour trahison au roi et à la patrie ; Blake n'a été sauvé des graves conséquences de la calomnie de Blake que par l'intervention de son patron, le propriétaire foncier Hayley, qui a été élu juge du district.
Jusqu'au dernier jour de sa vie, Blake n'a pas lâché la plume et le ciseau et est décédé à l'âge de 70 ans, oublié par toutes ces quelques personnes qui l'ont connu et soutenu dans sa jeunesse. Sa femme Catherine Blake, après la mort de son mari, a tenté en vain de trouver un éditeur et de publier les œuvres du grand artiste. Après sa mort, l'exécuteur testamentaire de Blake, le sectaire Tatham - hypocrite et obscurantiste - a détruit de nombreuses gravures brillantes, lettres, journaux intimes et poèmes qui ont horrifié cette personne à l'esprit étroit par leur contenu "blasphématoire".
Il a déjà été dit plus haut que Blake est le premier grand romantique anglais. Dans son œuvre, pour la première fois dans la littérature anglaise, une hostilité irréconciliable à l'égard de la société bourgeoise se reflétait de manière si impitoyable et si aiguë. Les plaintes sentimentales, caractéristiques de la poésie des années 50 du XVIIIe siècle, ont finalement cédé la place à la condamnation rageuse et à l'appel héroïque à "prendre d'assaut le ciel".
Malgré le cryptage symbolique, l'imagerie biblique révolutionnaire que Blake a héritée de la révolution de 1649, on sent clairement la nationalité de la poésie "idéale" de Blake, sa proximité idéologique et artistique avec la "vraie" poésie de R. Burns.
Tout comme Berne a accueilli la Révolution française dans "l'arbre de la liberté", Blake a répondu aux événements révolutionnaires de l'époque en créant des œuvres romantiques révolutionnaires - la ballade "King Gwyn" (une réponse à la Révolution américaine), les poèmes "America ", "Europe" et d'autres travaux.
Dans la ballade traduite en russe par S. Ya. Marshak - "King Gwyn" (1782), V. Blake a fait ce que Byron (en 1812) et Shelley (en 1813) ont fait trente ans après lui, qui - un à Childe Harold, et l'autre dans Queen Mab - encore une fois (complètement indépendamment de Blake) a créé une image collective d'un peuple rebelle, qui a eu un impact énorme sur l'ensemble du développement ultérieur de l'anglais et Littérature européenne.
Dans la traduction de S. Ya. Marshak, le pas chassé de la révolution, qui se retrouve dans les poèmes de Blake, est parfaitement transmis :

Il y a une foule d'enfants et de femmes
De villages et villages
Et leur gémissement ressemble à de la rage
Un jour d'hiver de fer.
Leur gémissement ressemble au hurlement d'un loup,
En réponse, la terre bourdonne.
Les gens se dirigent
Roi Tyran.
Les nouvelles se précipitent de tour en tour
Dans tout le grand pays :
"Vos adversaires sont innombrables,
Prépare-toi, Gwyn, pour la guerre !"
Le fermier a quitté la charrue
Travailleur - marteau,
Le berger a changé sa flûte
Sur le cor de combat...

Et si Berne parle du pouvoir inquiétant des "voleurs héréditaires", alors Blake décrit en quelques mots l'horrible pauvreté des masses, qui a complètement épuisé la patience du peuple et conduit le pays à la révolution :

Dans les possessions de la pauvreté de Gwyn
Volé pour savoir
Le dernier mouton - et ça
J'ai essayé de choisir.
La terre mince ne se nourrit pas
Enfants et épouses malades
A bas le roi tyran
Qu'il quitte le trône !

Si R. Berne se cantonne dans son "Arbre de la Liberté" à de brillantes prophéties :

Mais je crois: le jour viendra, -
Et il n'est pas loin, -
Quand les feuilles de la canopée magique
Répandre sur nous
Oubliez l'esclavage et voulez
Peuples et terres, frère,
Et les gens vivront en harmonie
Quelle famille amicale, mon frère!

Maintenant, Blake dresse un tableau grandiose de la révolution européenne à venir ; il dit que la victoire reviendra au peuple à un prix élevé - au prix d'innombrables victimes et destructions :

Le moment est venu - et convenu
Deux ennemis jurés
Et la cavalerie décolle
Neige lâche.
La terre entière tremble
Du bruit des pas.
Le sang humain arrose les champs
Et elle n'a pas de rivages.
Faim et besoin de voler
Au-dessus d'un tas de cadavres.
Combien de chagrin et de travail
Pour ceux qui ont survécu !
Fatigué du dieu sanglant de la guerre,
Il est ivre de sang.
Sentir la vapeur des champs du pays
S'élever comme la brume...

Cependant, Burns et Blake ont la même appréciation des perspectives de la lutte révolutionnaire du peuple : tous deux prédisent le triomphe final des forces de la raison et du progrès, tous deux croient à l'avènement d'une grande ère d'égalité sociale et de fraternité entre les peuples. , dans la défaite de la réaction :

Le jour viendra et l'heure sonnera
Quand l'esprit et l'honneur
La terre entière aura un tour
Restez à la première place.
..........
je peux te prédire
Quel sera le jour
Quand autour Tous les gens deviendront frères !
(Burns. "Pauvreté honnête")

Pas deux étoiles à queue
sont entrés en collision les uns avec les autres,
Dispersant les étoiles comme des fruits
D'un bol bleu.
Ce Gordred, le géant des montagnes,
Marcher sur les corps
A dépassé l'ennemi - et Gwyn s'est effondré,
Coupé en deux.
Son armée est partie
Qui pourrait - laissé en vie,
Et qui est resté - là-dessus
L'aigle hirsute s'assit.
Et des rivières de neige sanglante des champs
Se précipita dans l'océan
Faire le deuil des fils
Géant sans sommeil.
(Blake.)

Déjà ici, dans son premier recueil de poèmes, l'attirance de Blake pour le titanisme des images, pour montrer l'action sur des étendues géographiques illimitées - parmi les montagnes, les mers, les océans, les déserts et des continents entiers, se fait sentir. Parfois, les titans de Blake s'entassent sur une seule planète et éclatent dans l'espace...
Le pouvoir gigantesque du peuple dans la ballade à l'étude est personnifié à l'image du Géant Gordred, qui est né près des montagnes norvégiennes (Blake destine sa ballade à l'impression, et donc il déplace la scène en Norvège avec sa nature sauvage ; le les forces de la tyrannie féodale apparaissent ici sous la forme du roi de Norvège - le tyran Gwin).
Par la suite, cette collision (le héros est le fils de la Terre) sera appréhendée par Shelley et Byron. Indépendamment de Blake, ils ont créé plusieurs images des titans - les fils de la Terre, luttant pour la cause du peuple. Comme vous le savez, le développement original de ce thème appartient aux écrivains grecs, qui l'ont emprunté aux mythes. Dans les mythes grecs anciens, la Terre est le peuple qui a donné naissance aux héros, les soutenant dans les moments difficiles de la vie (le mythe d'Antey). Shelley, variant librement le thème de la littérature grecque antique, fait de son Prométhée le fils de la Terre (le peuple), ce qui le soutient et l'inspire dans une lutte inégale avec Zeus.
Blake a Gordred comme fils préféré de la Terre. Lui, sans fermer les yeux jour et nuit, veille aux intérêts du peuple.
Trois grandes révolutions ont fécondé l'œuvre de Blake : la révolution démocratique bourgeoise anglaise du XVIIe siècle, la révolution américaine de 1777-1782 et la grande révolution démocratique bourgeoise française de 1789-1794.
Un siècle et demi de tempêtes révolutionnaires en Europe et en Amérique ont trouvé leur expression symbolique dans les nobles et majestueux poèmes prophétiques épiques et lyriques épiques de Blake. Des poèmes tels que "La Révolution française", "L'Amérique", "L'Europe", "Les Remparts, ou les Quatre Zoas" et bien d'autres. etc., reflètent le cours des révolutions qui ont détruit non seulement le système économique et politique de l'ancienne société, mais aussi les fondements superstructurels et idéologiques qui avaient été établis pendant des siècles - le système philosophique métaphysique, la jurisprudence féodale, la morale, l'éthique , esthétique, idéologie.
Les révolutions dans la vie de la société européenne et américaine s'accompagnent d'une révolution dans le domaine de l'art et de l'esthétique. L'idée du but et du but de l'art, le rôle de l'artiste dans la vie de la société et les tâches auxquelles est confronté l'art progressiste ont radicalement changé. Blake, déjà au début de sa carrière, se tourne vers la dialectique, vers l'idée du développement par la contradiction et la suppression de cette contradiction.
Selon la théorie de Blake, la vie de chacun, tout comme la vie de la société dans son ensemble, comporte trois étapes : l'Innocence (ou la première étape), l'Expérience (ou la deuxième étape) et la Sagesse (ou la troisième étape). Le premier recueil de poèmes de Blake s'appelle "Songs of Innocence". Cette collection est dominée par des couleurs vives, un ton joyeux et optimiste. Les poèmes du recueil se distinguent par la simplicité et la clarté de la forme, une sorte de transparence cristalline et de mélodie. Selon Swinburne, les couplets des "Songs of Innocence" sont remplis de "l'odeur d'avril".
La première étape du développement correspond à l'enfance (à la fois de chaque individu et du nouvel ordre social qui remplace l'ancien système). Par conséquent, le thème des poèmes, leur humeur est une petite enfance et une petite enfance sans nuages ​​et sereines. Selon le poète, un enfant est un symbole de pureté spirituelle et de sérénité. L'enfant est entouré de "miséricorde universelle" et "d'amour". Il est étranger aux passions fatales : individualisme, envie, intérêt personnel, etc. ; mais en même temps cette existence sereine est éphémère et n'est pas un idéal éthique : l'enfant ne comprend pas le chagrin, le doute ; le travail de pensée curieux et agité lui est inaccessible, c'est pourquoi le monde de ses joies est un monde conditionnel, poético-philosophique, dont le poète a besoin pour indiquer le premier stade de développement.
Le livre "Songs of Innocence" est équipé d'illustrations originales de l'auteur, qui complètent à bien des égards le symbolisme de ses images. L'un des premiers poèmes s'appelle "Joy-Child". Le bébé (le héros de ce poème) est assis sur les genoux de sa mère, ils sont dans une tasse d'une énorme fleur rose orangé. Au-dessus d'eux s'étend un ciel bleu ensoleillé. Le jeune berger joue de la flûte et parle paisiblement avec les agneaux blancs comme neige nichés à ses pieds. Le vert émeraude des pelouses et la floraison éclatante des bleuets dans le seigle complètent le tableau de la sérénité de ce monde lumineux. Toutes ces vignettes et économiseurs d'écran magistralement écrits aident à recréer l'atmosphère d'attente joyeuse d'un bonheur futur, d'un destin futur extraordinaire. Alors Joy-child dit :

Je n'ai que deux jours.
je n'ai pas
Pour l'instant, le nom.
- Comment vais-je vous appeler?
- Je suis content d'être en vie.
Joie - alors appelle-moi !
Ma joie -
Seulement deux jours -
La joie m'est donnée par le destin.
Regardant ma joie
Je chante:
La joie soit avec vous !

La même ambiance d'insouciance et de sérénité enfantine est créée par le célèbre poème "The Fly" (qu'Arthur et Gemma ont aimé dans leur enfance - les héros du roman de Voynich "The Gadfly"), transféré plus tard par l'auteur à la collection suivante :

petite mouche,
ton paradis d'été
brossé à la main
Je ne sais pas.
Je suis aussi une mouche :
Mon petit âge
Et qu'es-tu, une mouche,
Pas un humain ?
Ici je joue
je vis pendant
je suis aveugle
La main va agiter.
S'il y a du pouvoir dans la pensée,
Et la vie et la lumière
Et il y a une tombe
Où il n'y a pas de pensée
Alors laisse-moi mourir
Ou je vivrai
bonne mouche
je m'appelle !

Déjà dans ce premier recueil de poésie de Blake (le deuxième d'affilée après "Fragments poétiques"), les caractéristiques de ses futures utopies romantiques ressortent : l'incarnation de l'idée abstraite de Bien et de Progrès dans la version biblique et révolutionnaire-puritaine système d'images. Les lions couchés calmement à côté des agneaux, le berger avec une flûte, touché par la vue de son troupeau, le moucheron insouciant - tout cela rappelle les légendes et les fables des poètes puritains du temps de Cromwell. En même temps, déjà dans ces premiers poèmes, le battement agité du cœur d'un romantique est perceptible: parmi toutes ces idylles, non, non, et une plainte amère sur la cruauté et l'injustice qui règnent tout autour percera; de l'image de la nature printanière jubilatoire, le poète passe à montrer le monde intérieur de ses héros lyriques, qui est étranger à la complaisance et représente un contraste saisissant avec l'harmonie jubilatoire environnante de la vie des bergères et des villageois idylliques. Tel est, par exemple, le poème "Chant de la fleur de la forêt":

entre les feuilles vertes
J'ai erré au printemps
Là, il a chanté sa chanson
Fleur de la forêt :
- Comme j'ai dormi doucement
Dans le noir, dans le silence
Murmure d'anxiété
Il est à moitié endormi.
Devant l'aube
Je me suis réveillé lumineux
Mais la lumière me rend amer
Le ressentiment rencontré...

Ainsi, la clarté cristalline de la forme du vers de Dryden, Pop et Burns est toujours observée ici, mais leur humeur lumineuse est progressivement remplacée par l'amertume, un sentiment de ressentiment immérité, etc., c'est-à-dire par cet éternel, "rien désir insatiable » (In G. Belinsky), cette humeur complexe, qui est une expression de chagrin, de déception et « d'exagération capricieuse de son propre désespoir » (Shelley), qui est caractéristique des romantiques d'une époque ultérieure.
Burns se caractérise par une perception héroïque-optimiste d'événements même profondément tragiques. Cela s'explique par son lien de sang avec les gens, avec sa vie, avec sa vision du monde. Voici, par exemple, une description du comportement héroïque de MacPherson avant son exécution :

Tellement amusant, désespéré
Il est allé à la potence
Pour la dernière fois, pour la dernière danse, McPherson a commencé ...

La même humeur héroïque-optimiste caractérise les premiers poèmes et poèmes de Blake, mais il existe également une différence notable par rapport à la tradition poétique du XVIIIe siècle: avec la tradition héroïque-folk, le tissu poétique de Blake comprend souvent le motif d'une tristesse sans espoir.
Quant à la forme du vers de Blake, si dans les paroles il utilise des mètres traditionnels, alors dans les poèmes il agit comme un innovateur - la révolution l'a inspiré à rechercher de nouvelles formes, et il les a vraiment trouvées : le vers libre et souvent arythmique de Blake a ensuite été perçu et développé de manière créative W. Whitman et W. Morris.
Blake a été un innovateur et un pionnier dans la création d'une nouvelle méthode de création, d'une nouvelle esthétique romantique, et en cela, il a sans aucun doute dépassé les écoles d'art et de littérature d'autres pays européens de 20 à 25 ans.
En plus du poème "Song of the Forest Flower" cité ci-dessus, il existe d'autres poèmes dans le recueil "Songs of Innocence" qui témoignent de la formation progressive d'une nouvelle méthode et d'un éloignement progressif de l'esthétique et de la pratique artistique de Dryden et le classicisme de Pop.
Ainsi, le poème ludique pour enfants "Dream" est plein d'anxiété cachée. L'introduction du recueil rappelle les premiers poèmes du romantique allemand Heinrich Heine (du "Livre des chansons"). Sur un nuage, un berger jouant de la flûte a vu un bébé assis dans un berceau magique. Le petit ordonne au poète-berger :

Cher voyageur, prenez votre temps.
Peux-tu me jouer une chanson ?
J'ai joué de tout mon coeur
Et puis il a rejoué.
.........
- Écris-le pour tout le monde, chanteur,
Qu'est-ce que tu as chanté pour moi !
- cria enfin le garçon,
Et fondu dans l'éclat du jour...

Un autre poème du recueil - "Crystal Hall" s'éloigne encore plus des règles du classicisme ; cela rappelle aussi un peu "l'Introduction au Livre des Cantiques" de H. Heine :

J'ai rêvé de boucles et de roses
Et les lèvres des proches des discours douloureux ...
Tout est parti... il ne reste que ça
Que pourrais-je traduire en sons captivants...
("Introduction au 1er Livre de Cantiques.")

Celui de Blake :

Sur une vague libre j'ai erré,
Et la jeune fille fut emmenée captive,
Elle m'a emmené en enfer
De quatre murs de cristal.
La salle brillait, mais à l'intérieur
J'y ai vu un monde différent,
Il y avait une petite nuit
Avec une merveilleuse petite lune...

Il s'agit clairement ici de la manière romantique de se référer aux événements et aux situations surnaturelles. Comme Byron et Shelley, Blake n'est jamais suffisamment déconnecté de la réalité pour "planer dans l'air bleu". Son fantasme est toujours une "image élargie et approfondie de la vérité": aucun schéma coloré de "poésie idéale" n'a pu lui faire oublier le monde réel, la patrie, le peuple souffrant:

Une autre Angleterre était
Encore inconnu pour moi
Et le nouveau Londres sur le fleuve
Et la nouvelle Tour dans le ciel.
Pas la même fille avec moi
Et tout transparent, dans les rayons,
Ils étaient trois - l'un dans l'autre,
Oh, douce et incompréhensible peur !
Et leur triple sourire
J'ai été éclairé par le soleil
Et mon baiser bienheureux
Retourné trois fois
I au plus intime des trois
Il tendit les bras - une chose pour elle.
Et soudain mon palais s'est effondré,
L'enfant pleure devant moi.
Il est allongé sur le sol et sa mère
Penché sur lui en larmes
Et, revenant au monde à nouveau,
Je pleure, nous sommes tourmentés par le chagrin.

Non moins dramatique est un court poème sur un petit garçon noir qui devrait recevoir la même affection et la même attention, selon le poète, que n'importe quel bébé blanc.
Le poème "Little Black Boy" n'est que le début d'un grand thème anticolonial dans les poèmes et les gravures de Blake. Le rêve d'un enfant né en esclavage sur la liberté exprime l'une des principales pensées, l'un des principaux leitmotivs de toute l'œuvre de Blake : toutes les personnes nées avant la révolution sont des esclaves du roi, des seigneurs et des capitalistes. Au sujet du despotisme royal, Blake s'exprimait très clairement pendant les années de la révolution : « Le tyran est le pire des maux et la cause de tous les autres. (Notes en marge du livre de Bacon. Collected works, p. 402, Keynes ed., LNY, 1957.)
Dans Poetic Sketches and Songs of Innocence, il n'y a toujours pas de grandes généralisations sociales, des images de l'arbitraire sauvage et de la pauvreté stupéfiante des ouvriers des usines anglaises de l'ère de la révolution industrielle. Dans le monde serein, ensoleillé et printanier de ces poèmes, les gémissements de personnes torturées et estropiées n'éclatent qu'occasionnellement ("Chimney Sweep", "Little Black Boy"). Mais en eux-mêmes, dans leur forme innovante, les vers des deux premiers recueils de poésie de Blake étaient un défi pour un puissant combattant qui est entré dans l'arène littéraire « pour construire et se venger ». La texture pathétique passionnée, émotionnelle et sensuelle des vers de Blake avec sa tradition véritablement folklorique, souvent folklorique, a détruit la poétique rationnellement froide du classicisme. Même une œuvre aussi innocente, apparemment à première vue, que "Jeudi Saint" était un défi audacieux à la tradition d'A. Pop :

Les gars traversent la ville deux de suite,
En habit vert, rouge, bleu,
...........
Que d'enfants - tes fleurs, la capitale,
Ils sont assis sur une rangée - et leurs visages brillent.

Et il est tout à fait inacceptable pour la poétique stricte et rationnelle de Boileau, Dryden, A. Pope et Blair que l'introduction dans le langage de la poésie de l'humour populaire grossier et la description des affaires et des préoccupations quotidiennes des paysans et des ouvriers (ce qui se retrouve également dans Burns) dans de nombreux poèmes lyriques de "Poetic Sketches" et Songs of Innocence. Ainsi, dans l'esprit des paroles d'amour de Burns, le poème "Vous ne pouvez pas exprimer avec un mot ..." est écrit plein d'humour doux :

Les mots ne peuvent exprimer
Tout l'amour pour mon bien-aimé:
Le vent se déplace en glissant
Silencieux et invisible.
J'ai dit, j'ai tout dit
Ce qui était caché dans l'âme
Ah, mon amour est en larmes,
Elle est partie dans la peur.
Et un instant plus tard
Le voyageur de passage
Calme, insinuant, plaisantant
Il a pris possession de sa bien-aimée.

Des images de la fête nationale sont recréées dans le joyeux poème "The Laughing Song". Dans le vocabulaire de cet ouvrage, il y a beaucoup de mots du vernaculaire, beaucoup de mots et d'expressions courants introduits par Blake avec beaucoup de courage.
Blake, comme Byron et Pouchkine, aime tordre les sujets religieux, les saturer de contenus nouveaux, révolutionnaires, espérant ainsi être le plus accessible possible aux lecteurs de son époque, nourris de textes religieux. Ce sont ses aphorismes et dictons de la collection "Proverbes de l'enfer", "Le mariage du ciel et de l'enfer" et quelques autres.
Ces proverbes étaient censés être des armes mortelles entre les mains des opposants à la religion officielle, et ce n'est pas la faute de Blake s'ils n'ont pas été utiles aux combattants de l'ère de la révolution industrielle.
« Une loi égale pour les loups et les agneaux », lisons-nous dans les proverbes de l'Enfer, « vol et vol ».
"Aimez vos amis - écrasez vos ennemis."
« Si tu as été touché à la joue gauche, réponds à ton ennemi avec la même mesure », etc.
Les versets du recueil L'Evangile éternel sont imprégnés d'"hérésie" puritaine révolutionnaire :

Le Christ que j'honore
Hostile à votre Christ.
Avec un nez crochu ton Christ,
Et le mien, comme moi, est légèrement retroussé.
Le vôtre est l'ami de tous sans distinction,
Et mon aveugle lit des paraboles.
Que considérez-vous comme le jardin d'Eden -
J'appellerai ça l'enfer absolu.
Nous regardons la bible toute la journée :
Je vois la lumière - tu vois l'ombre...
(« Évangile éternel. »)

Blake essaie d'humaniser l'image du Christ, de lui enlever cette couronne d'épines de souffrance et de pardon incompréhensibles, qui lui a été placée par les savants laquais des riches - les pères de l'église au cours des premiers siècles de la chronologie chrétienne. L'image du Christ dessinée par Blake ressemble plutôt à un révolutionnaire puritain, et il faut dire que son Christ est proche de l'esprit du christianisme primitif, qui, comme le souligne V. I. Lénine, durant les 250 premières années de son existence fut le plus révolutionnaire enseignement des esclaves rebelles de l'Empire romain, et le but ultime de cette doctrine était l'expropriation complète des propriétaires d'esclaves - les grands propriétaires terriens.

Le Christ était-il si doux ?
Dans ce qu'il est visible - telle est la question.
Pendant trois jours, ils ont cherché leur mère et leur père.
Quand l'ont-ils trouvé, Christ
Les mots ont été prononcés :
- Je ne te connais pas. Je suis née
Les paternels accomplissent la loi.
Quand le riche pharisien
Apparaissant en secret des gens,
J'ai commencé à consulter le Christ,
Christ inscrit au fer
Il a des conseils dans son cœur.
Renaître au monde.
Le Christ était fier, confiant, strict.
Personne ne pouvait l'acheter.
C'est le seul moyen au monde
Afin de ne pas avoir d'intérêt personnel dans le réseau.
Trahir des amis tout en aimant des ennemis ?
Non, ce n'est pas le conseil du Christ.
Il a prêché la courtoisie
Respect, douceur, mais pas flatterie !
Il porte triomphalement sa croix.
C'est pourquoi Christ a été exécuté...

Du point de vue des paysans révolutionnaires yeoman du 17ème siècle, Dieu et le fils de Dieu ont été calomniés par les riches et ceux au pouvoir. Le dieu des riches et des forts est un despote cupide, cruel et sanguinaire, créé à l'image et à la ressemblance d'un tyran terrestre. Son fils, en revanche, est un modèle d'humilité surnaturelle - une figure fictive et absurde, pratique pour couvrir l'intérêt personnel et l'égoïsme des exploiteurs de toutes nuances sous un masque de douceur et de pardon. C'est ce Christ de l'Évangile officiellement approuvé et enseigné à l'école et à l'église que Blake fait la satire dans son Évangile éternel :

Antéchrist flattant Jésus
Pourrait répondre à tous les goûts.
Ne révolteraient pas les synagogues,
N'a pas poussé les commerçants au-dessus du seuil,
Et, doux, comme un âne apprivoisé,
Caïphe, il a reçu miséricorde.
Dieu n'a pas écrit sur sa tablette,
Pour nous humilier...
m'humilier,
Vous humiliez le dieu !
(« Évangile éternel. »)

Ainsi, dans cette glorification de l'« hérésie » plébéienne, nous rencontrons un leitmotiv très caractéristique de tout romantisme progressiste : une condamnation féroce de l'humilité, une servilité humiliante, un manque de volonté servile. La soumission signifie, selon les romantiques révolutionnaires, la mort de l'individu, la renaissance de l'individu consiste à éveiller en elle la conscience de ses droits humains et la nécessité de se battre pour eux. Les romantiques progressistes de cette époque sont entrés dans une lutte mortelle pour les âmes des personnes ayant une religion, qui cherchaient par tous les moyens à instiller la peur et l'obéissance servile dans les esprits et les cœurs. "Seul est digne de la vie et de la liberté celui qui chaque jour se bat pour elles!" écrit Goethe.
« Je ne veux m'incliner devant personne ! Caïn de Byron s'exclame fièrement. Les âmes des héros de Shelley "les violeurs n'ont pas le pouvoir de prendre possession".
Contrairement aux romantiques progressistes et révolutionnaires, le romantisme conservateur proclame comme son idéal éthique le principal postulat du christianisme sur la nécessité et les avantages de la patience. En même temps, naturellement, l'impossibilité d'atteindre le bonheur «dans ce monde» pour une personne a été proclamée. Au lieu du bonheur, le romantisme réactionnaire offre les consolations de la religion, au lieu de la vie et de l'action, les douces paroles des prêtres, qui complètent et renforcent le pouvoir des despotes couronnés de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle.
"Le meilleur sort dans cette vie est la foi en la providence", déclare l'un des héros du romantique conservateur russe Joukovski. Le héros de Chateaubriand Chactas et son autre héros René, ayant perdu leur bonheur personnel, trouvent consolation et oubli dans le catholicisme et l'activité missionnaire, etc.
Contrairement au romantisme élégiaque-conservateur et réactionnaire, le romantisme révolutionnaire nie la religion.
- Toi, l'ami! - Blake s'exclame - Inclinez-vous devant votre humanité - toutes les autres divinités sont des mensonges !
Il a déjà été dit plus haut que l'un des principaux mérites des romantiques progressistes dans le domaine de l'esthétique est le déni de l'importance de la religion pour l'art et pour la vie sociale des gens. Poursuivant les traditions des grands artistes et esthétiques du passé - Boccace, Rabelais, Shakespeare, Voltaire, Diderot, Lessing, les poètes Digger, Swift et Fielding, Berne, Blake, Byron, Shelley et Keith ont libéré l'art anglais du dogme religieux mortel qui a laissé son empreinte indélébile sur l'art du sentimentalisme anglais et, comme Goethe en Allemagne et Pouchkine en Russie, a ouvert la voie aux conquêtes du réalisme critique du milieu du siècle.
Comme Goethe, Byron et Shelley, Blake est un poète-philosophe. Il a compris que la vie sociale de son temps était complexe et diversifiée, et que les canons bruts et simples de l'esthétique du classicisme n'étaient pas capables d'exprimer sa dialectique complexe. Il a appelé les artistes

Voir l'éternité en un instant
Un monde immense - dans un grain de sable,
En une seule poignée - l'infini,
Et le ciel est dans une coupe de fleur,

Blake enseigne dans ses Songs of Innocence :

Joie, tristesse - deux modèles
Dans les tissus fins de la divinité...
Peut être tracé dans le chagrin
Bonheur fil de soie;
C'est comme ça que ça a toujours été
Ça devrait être comme cela:
Joie mêlée de tristesse
Nous sommes destinés à savoir
Rappelez-vous ceci - n'oubliez pas -
Et ouvrir la voie à la Vérité...

Comme Shakespeare et Burns - ses grands compatriotes, Blake pensait constamment aux gens, à leur vie, à leur destin. Dans ses œuvres, il y a des scènes vivantes de la vie populaire, telles que des descriptions du travail sur le terrain, de la vie, des coutumes. Voici son poème "La chanson du rire":

A l'heure où les feuilles bruissent en riant,
Et la clé rit, serpente parmi les pierres,
Et nous rions, excitant la distance, nous
Et les collines nous envoient une réponse en riant,
Et rit le seigle et l'orge enivré,
Et la sauterelle est heureuse de rire toute la journée,
Et au loin on dirait le brouhaha des oiseaux,
"Hahaha! Ha ha ! - rires retentissants des filles,
Et à l'ombre des branchages la table est mise pour tout le monde,
Et, en riant, une noix craque entre les dents, -
Viens à cette heure sans crainte de péché,
Riez de bon cœur : « Ho-ho-ho ! Ha ha !"

La défaite de la Révolution française de 1789-1794, les guerres interminables et l'ère sombre de la restauration de 1815-1830 ont été durement éprouvées par tous les peuples progressistes d'Europe. L'amertume et la perplexité, la déception et le chagrin étaient universels.
Le dernier (troisième) recueil de paroles de Blake, Songs of Experience, est un cri de désespoir.
L'expérience de la défaite, acquise au prix du sang et de la mort des meilleurs fils du peuple, a été dure et a donné à réfléchir : désormais Blake ne voit plus que le « désert de Londres » ; la cité de la pieuvre géante lui apparaît comme une arène de tourments quotidiens inouïs pour des millions d'ouvriers qui travaillent jour et nuit dans les "usines enfumées de Satan", leur donnant leur sang et leur cerveau. Au lieu de rires joyeux et insouciants, le poète n'entend que les pleurs d'enfants affamés et les malédictions d'infirmes et de prostituées au chômage. Ainsi, dans le poème "Jeudi saint", il est dit de la "mendicité de la riche nation anglaise", qui affame les enfants des travailleurs, tuant ainsi leur lendemain, leur espoir pour l'avenir :

Pourquoi cette fête est-elle sacrée ?
Quand une terre riche est si
Enfants nés dans la mendicité
Se nourrit d'une main gourmande ?
Qu'est-ce que c'est - des chansons ou des gémissements -
Se précipitant vers le ciel, tremblant ?
Affamé qui pleure de tous les côtés
Oh, comme mon pays est pauvre !

Dans le tissu poétique complexe des poèmes philosophiques de Blake, ainsi que les images de titans mythiques (Orc, Los, etc.) combattant dans les cieux avec les esprits du mal (Uraizen) pour la liberté de l'humanité, il y a de nombreuses lignes du so -appelée "véritable poésie", dans laquelle les conflits réels de son époque mouvementée. Voici les lignes dans lesquelles la guerre est condamnée :

L'épée parle de la mort dans un champ militaire,
Faucille - a parlé de la vie,
Mais à ta volonté cruelle
L'épée de la faucille n'a pas maîtrisé.

Non moins réelles sont les lignes amères dans lesquelles Blake condamne les ministres malthusiens qui proclamaient qu'en Angleterre il faut faire mourir le plus de pauvres possible :

Si Tom est devenu pâle, s'il est devenu jaune
De la privation, du travail et de la faim,
Vous dites - bah, oui, lui, comme un sanglier, est en bonne santé ...
Si les enfants tombent malades, laissez-les mourir,
Sur Terre et sans eux, nous sommes tellement à l'étroit !
Si Tom demande du pain, envoyez-le en prison !
Qu'il y écoute les fables des prêtres - après tout, il
Sans travail il est dangereux de se promener en ville :
Peut-être oubliera-t-il le respect et la peur...

Blake est mort dans l'obscurité. Les livres de ses poèmes, qu'il a lui-même décorés de ses étonnants dessins et gravures, ont été en partie perdus, en partie dispersés dans le monde entier. À partir des années 50-60 du XIXe siècle, l'intérêt pour son travail s'est manifesté en Angleterre, puis en Amérique. En 1957, par décision du Conseil mondial de la paix, le 200e anniversaire de la naissance de William Blake, le poète-prophète, qui a légué à l'humanité ses rêves audacieux d'égalité sociale, de fraternité éternelle des peuples, a été solennellement célébré :

Je veux obtenir la flèche de mes rêves !
Donnez-moi une lance ! Arc d'or !
Dépliez, nuages ​​! je volerai
Sur un char de feu !
Je ne succomberai pas à la lutte mentale
Et je ne mettrai pas l'épée en sommeil, fatigué,
Jusqu'à ce que Jérusalem se lève
Parmi les herbes luxuriantes anglaises !

"Jérusalem est appelée liberté parmi les enfants d'Albion", explique Blake le symbolisme de la dernière ligne. Ces poèmes sont devenus l'hymne révolutionnaire de son peuple natal.
"L'école du lac". Dans les années 90 du XVIIIe siècle, avec des représentants du romantisme progressiste, des romantiques conservateurs sont apparus - Wordsworth, Coleridge et Southey. Ces trois poètes ont formé la soi-disant "école du lac" de la poésie romantique (en anglais - leukistes). Ce nom a été donné parce que tous les trois ont vécu longtemps dans une région pittoresque - Cumberland - regorgeant de lacs (en anglais lake - lake).
La préface de la deuxième édition du recueil de ballades lyriques (1800) de Wordsworth et Coleridge est essentiellement le premier manifeste du romantisme anglais.
Dans cette préface, pour la première fois, de nouveaux principes de créativité littéraire sont proclamés, qui vont à l'encontre des règles du classicisme. Elle mettait en avant l'exigence de décrire non seulement les grands événements de l'histoire, mais aussi la vie quotidienne des petites gens ; dépeignent non seulement les prouesses civiles, mais aussi le monde intérieur d'une personne, les contradictions de son âme. Les poètes de «l'école du lac» ont élevé Shakespeare au bouclier, opposant la réflexion diverse de la vie dans ses œuvres aux canons artificiels des classiques, qui ont privé la littérature de son identité nationale. L'un des points centraux du programme esthétique des leikistes était la demande de développer les traditions artistiques de la poésie populaire. Tout cela a enrichi les possibilités de la littérature, permis de refléter plus en profondeur les contradictions de la réalité.
Dans le même temps, s'élevant contre le progrès capitaliste qui, même à un stade précoce de son développement, provoquait d'innombrables catastrophes et détruisait des traditions et des coutumes séculaires, les leukistes s'opposaient à ce progrès par des images idéalisées du village précapitaliste. , le Moyen Âge : ils idéalisaient le travail d'un artisan médiéval et la vie de la paysannerie patriarcale, qui leur paraissait légère et joyeuse, pleine de créativité artistique sous forme de chants, de danses et d'artisanat. Ils opposaient cette vie à la dure vie des ouvriers de l'industrie, tout en niant complètement le rôle positif du progrès technique, appelant le gouvernement à interdire la construction de chemins de fer, d'usines, etc.
Ainsi, les Leukistes ont regardé en arrière; ils regrettaient ce qui était déjà irrévocablement passé dans le passé. Cela a finalement déterminé la nature réactionnaire de leur vision du monde, qui se manifeste particulièrement clairement dans la deuxième période de leur travail, quand, après la défaite de la Révolution française et la répression des soulèvements en Irlande, la domination de la réaction est venue. La vision du monde réactionnaire des leikistes rendait impossible l'achèvement du travail qu'ils avaient commencé pour renouveler la poésie anglaise et la rapprocher des exigences de la vie. Par exemple, l'exigence de simplicité et de langage populaire de Wordsworth l'a finalement conduit à la limitation des moyens linguistiques et stylistiques et à la sélection unilatérale du vocabulaire poétique, au rejet des traditions réalistes créées dans la poésie anglaise par des écrivains aussi remarquables que Spencer, Milton, Burns et autres.
Les Leikistes sont venus prêcher l'humilité chrétienne et chanter la sagesse de la "providence divine". Ainsi, par exemple, le reflet des phénomènes complexes de la vie sociale à l'époque de la révolution industrielle dans l'œuvre de Coleridge se revêt sous la forme de symboles religieux et mystiques. Cependant, les poètes de «l'école du lac» ont pour la première fois formulé le plus clairement les caractéristiques de la nouvelle méthode romantique et ont mis fin à la domination de la poétique classique dans la littérature anglaise, et c'est leur mérite incontestable.
William Wordsworth (1770-1850). Le grand poète de la période du romantisme est le plus ancien des représentants de "l'école du lac" William Wordsworth.
Wordsworth est entré dans l'histoire de la littérature anglaise comme un merveilleux parolier de la nature, un chanteur de la Révolution française de 1789-1794, un innovateur qui a hardiment introduit le langage familier et commun dans la poésie.
William Wordsworth est né dans l'un des comtés de l'ouest de l'Angleterre, dans la famille d'un notaire. Il est devenu orphelin tôt; avec sa sœur cadette Dorothy, le garçon a été élevé par des parents; les impressions d'enfance du futur poète étaient sombres.
Après avoir obtenu son diplôme à l'âge de 17 ans, W. Wordsworth est entré à l'Université de Cambridge. Au cours de ses années d'études, il commence à travailler sérieusement sur lui-même, essayant de trouver sa propre voie dans la littérature.
Un voyage de vacances d'été en Suisse était d'une grande importance pour Wordsworth, où il a parcouru plusieurs cantons, puis visité les régions voisines de la France.
La beauté majestueuse du paysage montagneux a littéralement choqué le jeune homme. Il devient adepte des idées de Rousseau, prétend que la nature ennoblit et « guérit » l'âme humaine, tandis que la ville industrielle, avec son égoïsme et son bousculade éternelle, la tue. "L'amour de la nature", dira plus tard Wordsworth, "nous apprend à aimer l'homme".
Ces mêmes premières humeurs pré-romantiques et romantiques ont ensuite reçu une expression profonde et complète dans l'œuvre mature du poète.
Les premiers recueils de poèmes de Wordsworth - "Evening Walk" et "Picturesque Sketches" ne furent publiés qu'en 1793. Les images de l'Angleterre rurale, ses modestes ouvriers, dessinées par le poète novice, n'attirèrent cependant pas l'attention du public. Cela est dû principalement au fait que Wordsworth apparaît dans ces ouvrages comme un étudiant, comme un adepte de la poésie des sentimentalistes anglais du XVIIIe siècle - Thomson, Gray, Shenstone, pré-romantiques - MacPherson et Chatterton.
La fidélité aux idéaux de l'aile modérée des Lumières anglaises (Defoe, Richardson, Lillo, Thomson, Goldsmith, etc.) s'est reflétée dans de nombreuses œuvres de feu Wordsworth: des œuvres ultérieures comme "Peter Bell" et "The Walk" , ainsi que certaines des ballades lyriques. En cela, la crise créative a trouvé son expression, à laquelle le poète est venu à l'ère du triomphe de la réaction.
Mais même dans sa prime jeunesse, et tout au long de sa vie, on observe chez Wordsworth une attitude contradictoire vis-à-vis de l'idée religieuse de "sage non-intervention" dans "la lutte et les luttes de la vie". Le fait est que dans ses années d'études, Wordsworth a souvent succombé au noble pathos de "l'indignation publique", sans lequel le travail de tout artiste honnête est inconcevable.
Cette indignation est née dans l'esprit du poète anglais sous l'influence d'événements sociaux turbulents - la lutte spontanée de la classe ouvrière de cette époque, qui s'est en partie exprimée dans les activités des orateurs, des propagandistes et des poètes des "sociétés correspondantes" (couvrant toute la Grande-Bretagne dans les années 90 du 18e siècle avec un réseau dense), ainsi que les poèmes et les lettres du grand poète populaire d'Écosse, Robert Burns. Selon sa sœur et amie Dorothy Wordsworth, il connaissait par cœur presque toutes les œuvres de Burns disponibles à cette époque.
Dans le poème "Sur la tombe de Robert Burns", Wordsworth admet que "le barde de Calédonie" "a enseigné à un jeune inexpérimenté le grand art de construire un trône d'or de vers sur le sol de la modeste vérité quotidienne".
La force et la tendresse de la forme poétique de Burns ont captivé Wordsworth pour toujours. Il a organiquement accepté la demande de Burns pour la simplicité et le naturel des vers, son mépris ironique pour tout ce qui est surnaturel. Plus tard (vers 1815), Wordsworth passa sous la bannière de l'église anglaise officielle ; a commencé à soutenir le gouvernement le plus réactionnaire (George IV), mais même alors, il a condamné Robert Southey pour sa "prédilection absurde" pour "la diablerie et toutes sortes de sorcellerie". Dans sa jeunesse, Wordsworth a chanté le grand exploit poétique de Burns, son courage en tant que grand citoyen de sa malheureuse patrie d'Écosse.
Il n'a jamais réussi à s'élever à une compréhension vraiment globale de la signification de l'esthétique révolutionnaire de Burns. Néanmoins, Wordsworth a balayé toutes les calomnies qui ont été utilisées pour noircir le nom de Burns par des "pirates d'argent à louer" au début du XIXe siècle. Et cela en soi était déjà un grand exploit civil, car Berne était répréhensible pour la clique dirigeante de Grande-Bretagne. Contrairement à de faux critiques de Burns comme le célèbre journaliste Gifford, comme le Prof. Moser, Cunningham et d'autres, qui ont tenté de diffamer Burns comme prétendument immoral, Wordsworth a écrit :
"... je tremble et timide devant toi,
Esprit grand, inflexible et fier ... »(« Sur la tombe de Robert Burns »).
Il regrette profondément de ne pas avoir personnellement connu le « génie rayonnant de la Calédonie ». Impressionné par les discours incendiaires des orateurs des « sociétés correspondantes » et la poésie enflammée de Robert Burns, Wordsworth se rend dans le Paris révolutionnaire pour observer personnellement les exploits des « héros de la vérité ». L'influence de la Révolution française sur la formation de l'idéologie et de la vision du monde du poète anglais a été décisive : peu importe combien Wordsworth a « péché » plus tard, abandonnant l'une après l'autre ses positions de démocrate sous l'influence de la réaction et de l'obscurantisme sacerdotal, profond vers le bas, il a toujours été fidèle aux idées de Liberté, d'Egalité, de Fraternité inscrites sur les bannières de la grande révolution. Et cela l'a protégé de la mort définitive en tant que personne créative.
La communication avec les meilleurs représentants du Paris révolutionnaire a aidé Wordsworth à comprendre la nature injuste et perfide des dirigeants de la «perfide Grande-Bretagne». De retour, Wordsworth réprimande (dans une lettre ouverte) l'évêque réactionnaire Watson, qui exigeait dans son sermon que les ouvriers et les paysans d'Angleterre portent humblement le joug de l'exploitation : boisson toxique. Face à lui, on ne peut être consolé que par le fait que le peuple peut, quand il le souhaite, briser la coupe en miettes sur le sol.
Impressionné par la Révolution française et l'indignation publique provoquée par la Terreur blanche déclenchée en Angleterre par le gouvernement Pitt (mortellement effrayé par les actions des républicains britanniques), Wordsworth a créé l'une de ses œuvres les plus remarquables - le poème "Guilt and Sorrow, or un incident sur la steppe de Salisbury" (1792-1793).
Par le pathétique violent de l'indignation, par l'amertume et la force du déni de la réalité anglaise de l'ère de la révolution industrielle, par le chagrin des vies ruinées dont le poème est rempli, il peut être comparé à de tels chefs-d'œuvre de Shelley comme "La mascarade de l'anarchie" ou avec "Ode aux auteurs du projet de loi sur la peine de mort pour les travailleurs" Byron.
Bien que nulle part dans le poème ne retentisse un appel ouvert à la révolution, néanmoins, les événements tragiques et les destins tragiques dessinés par le poète lui-même amènent le lecteur à conclure que ce monde est vraiment mauvais, sa loi est cruelle (Wordsworth), et si alors, alors un tel monde ne mérite que la destruction.
Déjà les premières strophes du poème nous introduisent dans l'atmosphère de solitude et de désespoir qui entoure un voyageur errant sur des routes désertes. Il traverse le désert de Salisbury, qui était autrefois un paradis fleuri. Un propriétaire terrien cruel et égoïste - un noble seigneur - a chassé les paysans de plusieurs grands villages par la force et a transformé la terre florissante en un pâturage terne et sans fin, sur lequel des troupeaux de moutons à fines toisons devraient paître.
Un voyageur traversant un village désert, dévasté, devant un hôtel délabré, marche en haillons, presque pieds nus ; personne ne l'accueillera gentiment sur le pas de la porte, ne lui offrira une nuitée avec ragoût pour « un sou de cuivre ». La nuit approche, le tonnerre gronde au loin, les vents "font rage et se heurtent comme des guerriers dans des batailles sanglantes". Un voyageur fatigué et épuisé cherche un abri plus ou moins fiable pour la nuit et au moins une âme vivante avec qui échanger quelques mots afin d'alléger le terrible fardeau de la solitude.
Cependant, une personne vainement tourmentée jette autour d'elle des regards inquisiteurs, frissonnant, ajoutant un pas à chaque nouveau coup de tonnerre : tout autour n'est que de sombres ruines ; au lieu d'une voix humaine vivante, il n'entend qu'un terrible grincement sourd - c'est le vent qui balance le cadavre d'un pendu enchaîné à la potence - le monde entier apparaît au voyageur fatigué comme un élément hostile continu, il a "peur pour rencontrer des gens », les maisons vides « ouvrent leurs fenêtres et leurs portes sombres, comme les mâchoires d'un cercueil... ».
Le paysan - le héros du poème de Wordsworth - est victime d'une loi cruelle et injuste : lui, un jeune homme bon enfant et naïf, a été recruté de force dans la flotte par des recruteurs royaux.
Dans la Royal Navy, il a beaucoup souffert des traitements inhumains des officiers, des coups des maîtres d'équipage, de la faim et du froid, des épreuves de la guerre. Et quand est venu le temps pour lui de se retirer de la flotte, l'officier-trésorier a frauduleusement lésé le marin, et il a perdu les misérables sous qui lui étaient dus et avec lesquels il voulait aider sa famille, qui mourait de pauvreté.
Se retrouvant sur le rivage sans un sou en poche, le marin, poussé au dernier degré du désespoir, commet un meurtre non loin de chez lui, espérant utiliser l'argent de son compagnon au hasard. Cependant, le mort s'est avéré être un pauvre homme aussi amer que le marin lui-même. Ému par un sentiment d'horreur et de remords, le marin a en quelque sorte caché le cadavre dans les buissons et, n'osant pas franchir le seuil de sa maison, s'est précipité - vers l'inconnu.
Le sombre désespoir est maintenant son lot, à l'avenir il ne voit aucun port, pas un seul espoir "n'éclaire son âme fatiguée". Le destin du marin était très typique de l'ère de la révolution industrielle, lorsque, selon le prédécesseur de Wordsworth, Robert Burns, souvent "... un voyou, ayant atteint le pouvoir, arrachait, comme des pousses de mauvaises herbes du sol, des familles pauvres .. ." (Burns. "Deux chiens" ).
Non moins typique est le sort de la veuve d'un soldat, qu'un marin rencontre accidentellement (ils s'installent ensemble pour la nuit dans la soi-disant maison des morts - une cabane de berger abandonnée). Elle était la fille d'un fermier prospère qui savait assurer un revenu modeste à sa famille. Il a même appris à sa fille à lire et à écrire; la jeune fille aimait lire des livres qu'elle trouvait à la maison et chez les voisins, aidait son père à travailler dans le jardin et autour de la maison, faisait pousser des fleurs et jouait avec ses pairs sur la pittoresque rive du fleuve.
Dès que la fille avait 20 ans, le bien-être modeste, qui était assuré par le dur labeur incessant des paysans, a pris fin: le cruel propriétaire a chassé le fermier et sa fille de leurs maisons. Une dernière fois, « tourmenté par une cruelle tristesse, le père regarda la maison de ses ancêtres, le clocher de l'église où il s'était marié dans sa jeunesse, le cimetière où se trouvait la tombe de sa femme et où il espérait pour finalement trouver la paix lui-même (ayant auparavant donné sa fille en mariage et amené dans la maison le beau-travailleur).
Wordsworth dépeint habilement dans plusieurs de ses poèmes l'effondrement de la voie agricole séculaire, la ruine et la désolation du village, le triomphe des grands propriétaires terriens, des seigneurs et des usuriers.
La jeune fille trouve bientôt son bonheur infidèle dans le mariage avec un homme jeune et fort qui a fait beaucoup d'argent avec son métier. Cependant, la guerre cruelle et inattendue a éclaté, privée de pain, puis la vie de trois bébés mignons, les enfants de la fille du fermier, puis a également emmené son mari.
Épuisée et malade, elle s'est mêlée à une grande foule de sans-abri comme elle, s'enfonçant de plus en plus dans le bas de la société. Son dernier refuge avant de rencontrer le marin était une joyeuse "bande de voleurs gitans". S'étant raconté leurs histoires et soulageant ainsi l'âme, le marin et le soldat poursuivent leur voyage sans fin. Mais sur ce chemin, un nouveau chagrin attendait le marin - il rencontra de façon inattendue sa femme mourante, qui lui raconta la triste histoire de la mort de leur famille : la communauté les accusa d'avoir tué un vagabond retrouvé mort près de leur hutte (en fait, son mari l'a tué).
La femme du marin meurt dans ses bras, et lui-même meurt sur la potence.
Montrant la tragédie du sort des ouvriers agricoles souffrant de l'arbitraire des riches seigneurs et de la loi, devenue un outil obéissant entre les mains des riches fraudeurs, Wordsworth souligne avec une force particulière ce qui, selon lui, est le plus terrible, la dégradation morale des travailleurs défavorisés et déclassés. Le marin et le soldat - des gens forts et gentils - sous l'influence du chagrin, de la souffrance et de la pauvreté se sont dégradés moralement, devenant capables de causer le mal. Et, selon l'auteur, les ordres et les institutions sociales que le système bourgeois affirme sont à blâmer pour cela.
Après que Bonaparte, étranglant tous les acquis de la démocratie française, se soit déclaré Premier Consul, Wordsworth a connu un drame spirituel causé en lui par une déception passagère (mais profonde) de la révolution et de ses méthodes. Déception dans les résultats finaux de la Révolution française de 1789-1794. a donné naissance au romantisme dans sa vision du monde et sa méthode créative.
Désormais, il ne partage plus les convictions de Thomas Paine et de ses amis républicains français sur la nécessité d'une transformation révolutionnaire de la société, mais s'appuie sur la "victoire pacifique du bien et de la justice sociale", c'est-à-dire partage le point de vue des grands socialistes utopistes. , ses contemporains Robert Owen, Charles Fourier et Saint-Simon. Cependant, il partait toujours de la conviction que les institutions sociales existantes et l'Église anglicane sont des institutions nuisibles et antipopulaires et, en tant que telles, doivent finalement être éliminées. Cela a permis au poète anglais de créer (jusqu'en 1815 environ) ses œuvres les plus importantes, qui ont été incluses dans le fonds d'or de la littérature anglaise moderne.
Dans ses écrits, publiés entre 1796 et 1815, il s'impose comme le plus grand parolier de la poésie anglaise et mondiale. Les romantiques de la jeune génération - Byron et Shelley - lui doivent beaucoup.
Parmi les chefs-d'œuvre de Wordsworth, tout d'abord, il faut noter le cycle lyrique "Lucy" (1799) ; « Coucou » (1804-1807) ; « Ode sur la compréhension de l'essence de l'immortalité » (1802-1807) ; cycle "Voyage à travers l'Ecosse" (1807); sonnet "Belle soirée, tranquille et libre" (1807); "Ne méprise pas le sonnet, critique" (1827) (approuvé par A. S. Pouchkine).
Les appréciations portées sur Wordsworth par ses contemporains - les poètes révolutionnaires - Byron et Shelley, sont peut-être trop sévères et donc largement injustes (voir "Peter Bell III" de Shelley, "Préface" au "Don Juan" de Byron). Bien sûr, les grands poètes et révolutionnaires étaient irrités par la position publique de Wordsworth, qui (après 1807) se rapprochait progressivement d'une alliance avec le gouvernement anglais réactionnaire de George IV.
Cependant, même pendant cette période très triste de sa vie, la muse du romantique plus âgé a répondu constamment et avec sensibilité aux souffrances du peuple, le poète a trouvé le courage de continuer à attaquer avec colère non seulement «l'usurpateur étranger» - Napoléon Ier, mais aussi punir par l'épée de sa satire les cintres domestiques et les exploiteurs. Ainsi, par exemple, Wordsworth a été le premier artiste majeur en Angleterre, qui (avec Germaine de Staël) a dénoncé le "prédateur ambitieux" - Bonaparte dans des œuvres telles que dans le sonnet "To Toussaint Luverture" (1803); dans le poème "A la mort de la République vénitienne" (1802-1807); "Sur la suppression de l'indépendance de la Suisse" (1807); "Sentiments insultés du Tyrolien" (1815); "Indignation d'un noble espagnol" (1810); "Sentiments d'un noble Biscaye aux funérailles des victimes du despotisme" (1810) ; "Guérillas espagnoles" (1811); "Les exploits des vaillants patriotes russes" (1812-1813), etc.
En même temps, il n'a pas épargné les bisons de la réaction domestique, qui ont inondé les champs verdoyants de "l'île d'Émeraude" du sang des paysans irlandais ("In Defence of the Irish Peasants", 1804-1807) ; accueilli les combattants contre "l'escroquerie la plus honteuse de l'histoire de l'Angleterre" - le commerce des nègres ("En l'honneur de l'auteur du "Bill of Punishment for Negro Traders", 1807); condamna sévèrement la trahison des Britanniques à Cintra (traité et poème sur Cintra, 1815) ; a exposé la trahison des diplomates britanniques au Moyen-Orient ("Liberté de la Grèce", 1815).
Dans le sonnet n° 13, le poète écrit sur l'injustice sociale, qui est un produit du système de propriété privée. "Nous ne vivons que pour le spectacle ... nous considérons que le plus riche (et le plus criminel) est le tout premier citoyen ... nous sommes habitués à vénérer sans réfléchir l'avide d'argent, à suivre servilement lâchement l'exemple du vol et de l'extorsion ... ”
Dans Sonnet n° 5, il s'exclame : « L'Angleterre est un marécage puant et stagnant... »
"L'Angleterre est toujours prête à s'opposer de toutes ses forces à toute transformation démocratique en Grèce, en Egypte, en Inde, en Afrique." "... Oh, Angleterre, lourd est le fardeau de tes péchés contre les nations du monde !"
Dans le cycle des "Sonnets dédiés à la liberté", Wordsworth pleure la mort de ses brillants espoirs et idéaux, générés par la tempête révolutionnaire à Paris. Avec tristesse et contrition du cœur, il parle de ce temps irrévocable où « la fidélité était fiancée à la liberté naissante ». Mais en même temps, Wordsworth n'est pas sans bornes dans le désespoir.
Contrairement à d'autres représentants de "l'école du lac" (Cole Ridge, Southey), il garde toujours la conviction qu'à la fin les peuples gagneront, que Bonaparte n'est qu'un "salaud pathétique", un traître et un dégénéré qui a abusé de ceux qui croyaient en lui des masses, mais impuissantes à changer le cours de l'histoire. Quand la démocratie populaire l'emportera, Wordsworth ne le sait pas. Très probablement, pensait-il, ce sera au-delà de la vie de sa génération, mais ce sera certainement le cas. « Heureux celui qui, indifférent au pape, au consul et au roi, peut mesurer la profondeur de son âme pour connaître le sort d'une personne et vivre dans l'espérance ! (Sonnet n° 5). Wordsworth a transmis cette confiance dans la victoire finale des forces de la démocratie et du peuple à Byron et Shelley, qui ont lu avec enthousiasme ses paroles politiques en 1806-1811.
La méthode romantique de Wordsworth a trouvé son expression la plus complète dans deux de ses œuvres remarquables - dans le cycle lyrique "Lucy" et dans la collection "Lyrical Ballads".
Dans le cycle lyrique "Lucy", Wordsworth comprend de manière romantique la mort de ses rêves éclairants d'harmonie et de bonheur universels, qu'il incarne à l'image d'une paysanne pure et touchante, Lucy.
Comme c'est souvent le cas chez d'autres grands romantiques de l'époque (Byron, Hugo, Heine) - pleine de "charme et de charme inexplicables", la belle image féminine de l'héroïne est chargée d'un sens philosophique caché; pleurant la mort de Lucy, Wordsworth nous a raconté comment les gens sont devenus seuls dans un monde post-révolutionnaire hostile, comment ils souffrent de leur désunion, incapables de la surmonter. (Le même thème sonnera très fort plus tard dans The Old Sailor de Coleridge et Manfred de Byron.)

Violette s'est cachée dans les bois,
Sous la pierre, à peine visible.
Une étoile scintillait dans le ciel
Seul, toujours seul...

Beauty Lucy est un symbole de la liberté et de la démocratie anglaises.
Ayant quitté son pays natal pendant longtemps, le poète se souvient de la jeune fille dans un pays étranger - la liberté, qui a apporté le bonheur dans sa patrie. Mais pendant son absence quelque chose de terrible et d'irréparable s'est produit. Et le poète, qui se trouve dans un pays étranger, ressentit soudain une nostalgie inexprimable, confinant au désespoir.

L'angoisse a rempli mon cœur,
« Et si Lucy mourait ? -
J'ai dit la première fois...

Un terrible pressentiment ne trompe pas le chanteur.

Lucy est partie, et à partir de là
Alors le monde a changé...

La mort des rêves d'harmonie des Lumières, l'effondrement des idéaux de la grande révolution ont plongé plusieurs générations de démocrates dans un profond désespoir au début du XIXe siècle. Ce désespoir, la mélancolie de la solitude, généré par l'insupportable oppression de la réaction, a été exprimé par Wordsworth, Coleridge, et après eux Byron et Shelley dans de nombreuses œuvres romantiques.
Une impression indélébile non seulement sur le public anglais, mais dans toute l'Europe a été faite par le recueil de poèmes "Lyrical Ballads", ainsi que par la préface de la deuxième édition de ces ballades (1800), qui est essentiellement le premier manifeste du romantisme anglais .
Les co-auteurs (Wordsworth et Coleridge) se sont répartis les rôles comme suit : Wordsworth devait décrire la vie, le mode de vie et les opinions des paysans ordinaires dans les formes de la vie réelle ; quant à Coleridge, il devait écrire sous les formes de la poésie idéale, c'est-à-dire exprimer la vérité de la vie dans des images mythologiques fabuleuses et des situations insolites.
Dans sa préface à la deuxième édition des ballades lyriques, Wordsworth a annoncé que les co-auteurs ont agi en tant qu'innovateurs et expérimentateurs. Et, en effet, l'introduction de la langue parlée des paysans des comtés du nord et de l'ouest de l'Angleterre, l'intérêt pour la vie et la souffrance des travailleurs, la représentation de leur morale et un sens direct de la nature ont marqué la naissance de l'école romantique. en Angleterre, qui a proclamé la nature (c'est-à-dire la réalité réelle) comme sujet principal de l'art et a porté un coup mortel à la poésie du classicisme, qui en Angleterre était remarquable par sa ténacité étonnante et a continué d'exister même après la mort de Burns.
En substance, Wordsworth a développé ce grand travail de réforme et de renouvellement de la langue et des thèmes de la grande poésie britannique, que Berne a commencé avec son travail et a finalement achevé Byron (en partie Shelley). Les « ballades lyriques » de Wordsworth et Coleridge sont une étape importante dans cette grande lutte littéraire nationale pour un nouvel art ; pour un appel audacieux à la vie et à la vie des paysans, Wordsworth a été salué par le critique démocrate anglais William Hazlyit, les ballades ont été aimées et très appréciées par Shelley et Walter Scott. A. S. Pouchkine, qui a suivi de près les progrès de la littérature étrangère, a également noté que «... Dans la littérature adulte, le moment vient où les esprits, ennuyés par des œuvres d'art monotones, limités par le cercle du langage conventionnel, se tournent vers de nouvelles fictions folkloriques et à un vernaculaire étrange, méprisable au premier abord. Alors maintenant, Wordsworth et Coleridge ont emporté l'opinion de beaucoup ... Les œuvres des poètes anglais sont pleines de sentiments profonds et de pensées poétiques, exprimées dans la langue d'un honnête roturier.
Ce n'est pas pour rien que le plus grand critique anglais Ralph Fox parle dans son livre The Novel and the People de la "claire vigilance" de nombre des ballades lyriques de Wordsworth.
Cependant, tout n'est pas égal dans la collection de Wordsworth ; l'exigence de simplicité et de naturel est parfois incarnée sans succès par le poète dans des images artistiques (à la suite de quoi, par exemple, un tel poème ridiculisé par Byron dans sa satire "Bards and Reviewers" est apparu comme "The Idiot Boy").
À ce stade de son développement créatif, Wordsworth était fortement gêné par l'idée du christianisme, la croyance en l'au-delà, qui l'obligeait parfois à créer des poèmes aussi humblement hypocrites que "Nous sommes sept".
Cependant, le principal avantage des poèmes de Wordsworth, pour ainsi dire, son esprit, était différent: le poète dépeint fidèlement la souffrance mentale des représentants de la classe paysanne, détruite par la révolution industrielle. Le poète a peint avec de vraies couleurs une image dramatique d'un monde agricole mourant, déjà familier de son poème précédent "Culpabilité et chagrin". Le secret de la vitalité et de la profondeur de son art, ses images poétiques est dans la fidélité à la réalité, la vérité de la vie.
Avant que le lecteur ne passe une série d'images de personnes démunies, se plaignant amèrement de leur sort et se demandant pourquoi elles ont subi le « châtiment de la providence ». Ce qui était nouveau (par rapport à la poésie de Gray, Thomson, Goldsmith), c'est que les personnages de Wordsworth parlaient dans leur langage simple habituel, qu'ils racontaient l'histoire de leurs ennuis et de leurs malheurs aussi simplement et naturellement que cela n'était caractéristique que des fermiers de Burns. Telle est l'histoire "Le dernier du troupeau".
Le poète a rencontré un paysan âgé avec un mouton dans les bras, qui, versant des larmes amères, a parlé des tourments qu'il vivait: il avait un petit troupeau de moutons et le paysan était heureux d'avoir six enfants en bonne santé. Lui, ne ménageant aucun effort, travaillait dans la bergerie et dans son champ, procurant à la famille un modeste revenu.
Mais ensuite une année de vaches maigres est arrivée et certains des moutons ont dû être vendus afin d'acheter du pain pour les enfants. Certains moutons sont morts de la maladie. Il ne restait qu'une douzaine de moutons. Puis un petit agneau a dû être abattu dans l'hiver affamé, suivi du tour du vieux mouton, et enfin, le dernier agneau est porté dans les bras du père de famille, qui ne sait pas de quoi il va nourrir ses famille nombreuse demain, qu'adviendra-t-il de ses enfants s'il meurt subitement de chagrin et d'épuisement des forces... « Le pire, monsieur, dit le paysan au poète, c'est que dans mon cœur pendant les années de prospérité là-bas était tellement d'amour pour mes enfants ... et maintenant? Maintenant, il n'y a qu'un seul souci en lui, et il reste peu d'amour ... "
La grande pauvreté, écrasant le paysan de son fardeau, le prive de chaleur humaine, d'amour pour les petits qui lui étaient chers auparavant.
L'héroïne du poème "Wanderer", la fille d'un fermier; se souvient comment un homme riche "vole son lopin de terre arable" à son père.
Son père se comporte comme un stoïcien religieux : il encourage sa fille à s'en remettre à la volonté de Dieu, à affermir sa foi par la prière. Mais la fille proteste intérieurement contre l'injustice de ce dieu paysan, indifférent à la souffrance des paysans, pacifique des « riches criminels ».
Une fois dans une grande ville industrielle, une jeune paysanne se retrouve en quelque sorte dans un désert de pierre : « parmi les nombreuses maisons qu'elle erre sans abri... au milieu de mille tables regorgeant de nourriture, elle reste affamée ».
Oui, les autorités n'ont pas offert un large choix aux agriculteurs ruinés, ceux qui ne pouvaient pas être embauchés comme ouvrier agricole chez un propriétaire terrien ou des ouvriers d'usine ne pouvaient que mendier, se débrouiller tant bien que mal avec des petits boulots, ou voler et voler, pour lesquels ils étaient censé être pendu, incendié, exilé dans des colonies tropicales où sévissait la fièvre jaune.
Avec une grande habileté, recourant habilement à une simple intonation familière, le poète dessine la solitude d'une mère, à moitié folle de chagrin et de larmes pour un enfant perdu ("Turn"); le désespoir et la colère impuissante d'une vieillesse décrépite, vouée à une existence à moitié affamée ("Grandmother Blake et Harry Gill") ; les pleurs d'enfants affamés, le chagrin de jeunes filles qui ont perdu leur courage habituel d'hommes adultes, versant des larmes amères à un carrefour. Parfois le poète suit ceux des renégats qui sont allés dans la grande ville, vers l'inconnu. La ballade "The Dreams of Poor Susanna" raconte l'histoire d'une paysanne languissant dans le "désert de pierre" de Londres. Le chant d'une grive apprivoisée, entendu par hasard par une jeune fille dans la rue, la plonge dans un état d'extase enthousiaste : elle est complètement livrée aux souvenirs de son village natal. Au lieu d'une rangée de maisons ternes et monotones, son imagination dessine pour elle des jardins fleuris, une colline, un ruisseau, des prés d'eau, la maison de son père immergée dans la floraison blanche des pommiers.
Mais la vision disparaît aussi vite qu'elle est apparue ; un ruisseau, une colline, un jardin, une maison se dissolvent dans la brume matinale.
La joie provoquée par la vision du passé Le bonheur et l'indépendance sont remplacés par un désespoir muet à la vue des façades grises et monotones d'une ville immense et indifférente - une pieuvre, avec une cruauté indifférente suçant le sang et la vitalité de ses victimes sans défense, des dizaines de des milliers apparaissant sur ses places et ses avenues à la recherche de travail et de pain. Susanna est vouée à languir dans la ville-prison, comme un oiseau en cage qui l'a accidentellement enchantée par son chant.
Dans ses "Lyrical Ballads", Wordsworth apparaît comme un poète aux cœurs simples, comme un chanteur de beauté spirituelle, de "valeur imperceptible" et d'honneur des travailleurs.
La poétisation de la vie et du travail du paysan et de l'ouvrier dans les œuvres des romantiques, le rejet du héros littéraire des époques précédentes, l'aristocrate et le fils d'un riche bourgeois, préparent peu à peu une révolution dans le roman du milieu du XIXe siècle, le genre le plus important de la littérature européenne. L'essence de cette révolution était précisément la création d'images positives du paysan et de l'ouvrier, dans une attitude critique envers la vie des classes possédantes.
Ralph Fox dans son livre The Novel and the People, parlant de l'importance de la Révolution socialiste d'Octobre pour la créativité artistique de nombreux écrivains, se réfère à l'exemple de Wordsworth, qui a également été inspiré toute sa vie par ces idées, ces impressions qu'il connu à Paris en 1792-1794. "Wordsworth a ressenti", écrit Fox, "comment la même force motrice renforce l'imagination de ses contemporains avec les jus vivifiants de la Révolution française. "C'était merveilleux de vivre ce matin lumineux", et la grandeur de ce matin lui a donné pour la première fois la vigilance claire des "Ballades lyriques". Cette vigilance de la vue s'est quelque peu affaiblie à Wordsworth au cours des fastidieuses années de lutte qui ont suivi...".
Wordsworth reflète le plus clairement cette influence dans le roman en vers Prélude, publié à titre posthume en 1850. Le roman se compose de 14 livres. Il a été écrit en vers anglais pentamètre blanc, le mètre préféré de Shakespeare, Milton, Blake et de nombreux autres poètes anglais des 17e et 18e siècles. Le roman a un sous-titre: "La croissance de la conscience poétique - un poème autobiographique." Dans une brève introduction à cette œuvre poétique politique et philosophique, il est rapporté que Wordsworth a commencé à travailler sur le roman dès 1799 et l'a terminé sous une forme approximative en 1805, et dans les années suivantes de sa vie, il a complété, développé et édité les livres. qui l'a composé. Par la suite, Wordsworth a élargi son plan: "Prelude" était censé ouvrir deux autres œuvres majeures - "Walk" et "The Hermit". "En ce qui concerne la majeure partie de la promenade", écrit Wordsworth, "le prélude, selon l'intention de l'auteur, aurait dû être traité approximativement comme l'un des portiques se rapporte à l'ensemble de la masse de la cathédrale gothique", l'auteur a réussi à compléter la promenade"; quant à L'Ermite, le poète n'a créé qu'une ébauche du premier livre et des plans pour le deuxième et le troisième.
Certains lettrés reprochent à juste titre à Wordsworth le fait qu'il y ait dans The Walk des passages didactiques, que des questions de théologie et de morale religieuse y soient abordées. Tout cela est vrai. Mais il ne faut pas oublier non plus que dans le Prélude et la Promenade trouvent leur expression les pensées les plus intimes du poète, que l'évolution de ses vues esthétiques et socio-politiques s'y reflète, qu'en même temps les deux romans regorgent de véritables belles pages poétiques. Pas étonnant qu'un critique aussi sévère que John Keats appelle "The Walk" parmi les "quelques-unes des créations les plus brillantes du siècle".
Les plus importants du "Prélude" sont le neuvième ("Rester en France"), le dixième ("Rester en France" - suite) et le onzième livre ("La France"). Il exprime les sympathies et les idéaux démocratiques que l'auteur a formés à la suite de l'observation directe des événements de 1792-1794.
Malgré le flou des idéaux sociaux et la compréhension inévitablement limitée des tâches et des objectifs du parti jacobin, Wordsworth en est venu à l'incarnation « héroïque et révolutionnaire » de la réalité dans son épopée poétique. L'énorme puissance créatrice des traditions révolutionnaires du grand peuple français a contribué à la naissance d'un poète de premier ordre. Quant au caractère abstrait de ses idées sociales et de ses idéaux politiques, pour le romantique des années 90 du 18ème siècle et des années 10, 20 et même 30 du 19ème siècle, cette aspiration démocratique abstraite, indignation et protestation contre la monarchie et la brutalité policière . C'était une époque où la lutte entre le travail et le capital était reléguée au second plan par la lutte entre les partis progressistes libéraux et radicaux, d'une part, et le despotisme féodal et semi-féodal, d'autre part. L'écrivain, qui aimait sincèrement la Liberté, l'Homme, la Vertu, etc., s'est immédiatement placé aux premiers rangs des combattants contre les "États policiers" et a donc rempli honnêtement et consciencieusement son devoir envers le peuple.
Comme le souligne F. Engels, non seulement pour le premier tiers du XIXe siècle, mais aussi pour les années 60-70, l'exigence d'une république était le slogan et l'idéal politique des ouvriers avancés d'Angleterre et d'Europe. Les chartistes en Angleterre et les héros des batailles de barricades à Paris et en Silésie dans les années 30, 48, 60 et même 70 du XIXe siècle étaient des républicains.
Ainsi, nous pouvons conclure que, dans l'ensemble, les idéaux politiques de Wordsworth ont été avancés et même progressistes tout au long de sa vie, bien que non révolutionnaires, comme ceux de Shelley, Byron, Petofi.
Au début du neuvième livre du Prélude, Wordsworth raconte comment, ayant vécu plus d'un an à Londres, il a beaucoup travaillé sur lui-même, lu beaucoup, visité des musées, des expositions, essayant de s'améliorer le plus possible afin de pour créer une œuvre littéraire significative.
Le poète attachait une importance particulière à la pureté des pensées et à l'honnêteté sans compromis qui le caractérisaient dans sa jeunesse.C'est de cette période de sa vie que Shelley parle dans son sonnet :

Tu étais l'étoile qui montrait le chemin dans l'océan orageux...
Dans une pauvreté honorable tu as chanté
Et appelé
Ces chants à la vérité, à la liberté...
("À Boardsworth")

Pureté des pensées, amour de la vérité, de la liberté et de l'homme - c'est d'abord ce qui distingue l'auteur du "Prélude" et ce qui caractérise ses traits distinctifs les plus importants en tant qu'artiste-créateur. Le désir d'appartenir à la classe la plus élevée et privilégiée, selon lui, entraîne le plus souvent la défaite ou la mort du talent. Ce thème, à peine esquissé dans le roman de Wordsworth, reçoit ensuite un puissant développement dans l'œuvre des romantiques tardifs et des réalistes critiques des années 30 et 40 du XIXe siècle.
"J'étais irrésistiblement attiré par Paris", dit Wordsworth dans son Prélude, son récit poétique des jours turbulents de la révolution de 1789. Aveuglé et choqué, le jeune Anglais arpente les rues de Paris, écoutant avec avidité les discours enflammés des Parisiens, accompagne toutes les manifestations venues du faubourg Saint-Antoine et de Montmartre jusqu'au Palais Saint-Germain. Il assiste aux séances de la Convention, écoute les discours des Jacobins (livre IX, vers 49) et sans doute les applaudit sauvagement. Bien que dans le texte du roman il n'y ait aucune indication directe du comportement du poète lors des débats à la Convention, mais un peu plus bas l'auteur exprime ses sentiments dans une magnifique phrase révolutionnaire-symbolique :

J'ai vu : la puissance de la Révolution,
Comme un navire au mouillage sous le souffle d'une tempête
Tendu...

L'image du navire révolutionnaire, qui résiste fièrement aux tempêtes violentes, se retrouve d'ailleurs dans l'œuvre de Radichtchev. Déjà pendant la période de la mort de la dictature jacobine, déplorant l'effondrement des idéaux de tout le XVIIIe siècle, Radichtchev écrivait dans son ode "Liberté":

Espoir, liberté et joie portant le navire
Dévoré en un instant un tourbillon de fureur...

Sur la place large et spacieuse où se dressait la Bastille, Wordsworth "s'assit sur un tas de bûches dans les rayons de l'aube" et ramassa un caillou du sol - un fragment du mur de la forteresse - en souvenir des morts despotisme.
Évidemment, en éditant le texte du neuvième livre après 1805, Wordsworth, après une glorification enthousiaste de la Révolution et de ses mesures, insère plusieurs phrases fausses à caractère protecteur. Telle, par exemple, la phrase : « Toutes ces choses pour moi... ne représentaient pourtant pas un intérêt vital » (lignes 106-107). Il y a beaucoup de réserves similaires, apparemment destinées à la Société pour l'éradication du vice, dans le Prélude. Mais, bien sûr, ils ne sont pas décisifs pour apprécier les mérites de ce merveilleux roman dans son ensemble. A Wordsworth, l'auteur du « Prélude », il est tout à fait possible d'attribuer les vers d'A. Blok :

Pardonnez la morosité - est-ce
Moteur caché de celui-ci ?
C'était un enfant du Bien et de la Lumière,
Il est tout - Triomphe de la Liberté !

Une telle opinion peut être étayée, je pense, par les vers suivants du poète lui-même dès le début du neuvième livre :

Mais la première rafale orageuse passa,
Et la main puissante de la violence s'est reposée;
Parmi les gens riches de naissance,
Et les ministres élus de la couronne
Il y a eu une longue conversation sur un long combat
Le bien et le mal dans ce monde cruel...
Mais le vide et l'absurdité de ces discours
M'ennuyer bientôt, j'ai percé
Dans le vaste monde extérieur - est devenu un patriote;
J'ai donné tout mon cœur au peuple,
Je lui ai dédié mon amour...
(Livre 9, lignes 106-124)

"Prelude" - un récit héroïque lyrique et épique, rappelant les poèmes révolutionnaires et romantiques de Byron et Shelley - "Le prisonnier de Chillon", "Childe Harold", "Queen Mab", "The Rise of Islam", "Prince Atanaz ", etc.; il n'y a pas trace ici de ces poèmes de salon ou odes sucrées que Southey et Wordsworth ont fournis dans les années 1920 et 1930 et qui (par fragments) sont maintenant inclus dans de nombreuses anthologies stockées sur les étagères des bibliothèques scolaires et universitaires des pays anglophones.
Dans le "Prélude", nous rencontrons les traits de genre caractéristiques de ce récit poétique passionné, excité et riche en paroles (avec des éléments de classicisme révolutionnaire, avec un appel aux images de héros antiques), qui étaient aimés par Blake, Berne, André Chenier , Hugo, Mickiewicz, Petofi, Byron, Shelley, Solomos et bien d'autres poètes romantiques. Les poèmes de ce genre se caractérisent par la présence d'une image collective d'un peuple révolutionnaire (par exemple, chez Byron in Childe Harold - Guerillas, Italian and Greek rebels; in Shelley in The Rise of Islam - English republicans; in Blake in Prophetic Poems et dans Le Roi Guine" - paysans et artisans rebelles).
Un véritable étalage du camp de la contre-révolution, la création de l'image d'un héros révolutionnaire, une esquisse claire de l'idéal social et esthétique - tout ce qui caractérise les poèmes de Blake, Byron, Hugo, Petofi, Shelley - on retrouve dans le Prélude de Wordsworth.
L'effet purificateur de la grande révolution a inspiré le poète : rejetant les dogmes absurdes et puritains de la scolastique, « tous les déchets et les chiffons de la mascarade », hérités de l'ignoble poésie du cimetière de Blair, Wordsworth a chanté avec inspiration au nom du « grand avenir de l'Angleterre, la France et toute l'humanité " :
... C'était vraiment une grande heure,
Quand le timide s'enhardit soudain, -
Et les passions, l'excitation, la lutte
Dans les opinions a été menée ouvertement par tous,
Sous chaque toit où le monde était
régnait. La terre elle-même semblait
Soudain illuminé sous mes pieds
Et souvent je disais alors à haute voix,
Et puis souvent répété :
"Oh, quel défi pour toute l'histoire -
Passé et tout futur !
(Livre 9, lignes 161-175.)

Shelley a qualifié la Révolution française de 1789-1794 d'événement le plus significatif de son temps et a constamment exhorté Byron à créer une œuvre digne de cette « plus grande des révolutions ». Ses propres poèmes et poèmes, dédiés à la France dans les années 90 du XVIIIe siècle, coïncident dans leur sujet avec les poèmes du Prélude. Les images des révolutionnaires Laon, Athanase, les républicains de Queen Mab rappellent à bien des égards l'image héroïque du brave républicain Michel Bopy, créée par Wordsworth. De plus, en termes de beauté du vers blanc, le Prélude n'est inférieur ni aux poèmes de la reine Mab, ni aux strophes du prince Athanase ou de Rosalinde et Hélène.
La critique communiste et progressiste (Fox, Barbusse, Rolland) des années 20-30 du XXe siècle a pointé à plusieurs reprises le créateur du Prélude comme un exemple d'une réflexion honnête sur l'art du peuple révolutionnaire héroïque par un écrivain aux tendances démocrates et démocratiques modérées. même des opinions conservatrices. Et c'est un rétablissement de la justice, puisqu'au XIXe siècle la critique littéraire réactionnaire a qualifié Wordsworth de "poète religieux", dont l'étude est hautement souhaitable dans les écoles à des fins d'éducation religieuse.
Une analyse approfondie du Prélude sape fondamentalement ce point de vue, basé sur les "sonnets ecclésiastiques" de Wordsworth, à condition que ses poèmes comme "Guilt and Sorrow" soient des "péchés de jeunesse". Il est impossible de déclarer un artiste "principalement un poète religieux" qui a attaqué les défenseurs de la Foi, du Roi et de l'Ordre avec tant de violence et de conviction, comme Wordsworth l'a fait dans le Prélude, qui a également maudit le gouvernement de George III pour avoir déclenché une sale guerre. contre la France révolutionnaire. Wordsworth nous dessine deux camps : le camp des émigrés contre-révolutionnaires et le camp du peuple révolutionnaire armé.
Sa sympathie et sa sympathie sont invariablement du côté du peuple, du peuple de l'avenir - les républicains de 1793. Au début, le poète essaie de parler de manière impartiale des conspirateurs contre-révolutionnaires, soulignant et soulignant même les jolis traits de certains de leur:

Groupe des Officiers du Roi,
Blottis maintenant dans des appartements,
J'ai tenu compagnie plusieurs fois...
Il y avait ceux qui avaient été dans des batailles
braves soldats; majorité
Appartenant à la noblesse de naissance,
L'aristocratie française...

C'est ainsi que se détermine la composition de classe des conspirateurs qui ont conçu le sale boulot de la Restauration :

Différence
En âge, en caractère, rien
Ils n'ont pas gêné d'être tous en même temps,
Et dans chaque cœur une passion nichée :
Détruire les fondations de la révolution...
Seule cette pensée était un délice,
On a donné de la joie et de l'espoir -
Personne ne pensait que le malheur et la mort
Car chacun d'eux pourrait se retourner
Cette conspiration secrète...
(Livre 9, lignes 125-150.)

Wordsworth vient aussi dans le Prélude à la reconnaissance que le peuple est le sujet et l'objet de l'histoire. Décrivant le cortège triomphal des milices armées de province à travers Paris, il crée alors une image épique du défenseur des acquis de la révolution, le général Michel Bopi, héros des batailles des bords de Loire. L'exploit créatif de Wordsworth est d'autant plus important que Michel Bopi est une vraie personne, il était en grande amitié avec le poète. Cependant, il serait faux de supposer que l'image de Bopi est une photographie d'un général. C'est une image généralisée des défenseurs héroïques de la jeune république révolutionnaire en général. L'image de Bopi pourrait bien être placée à côté de héros tels que Prince Atanaz, Laon, Lionel dans Shelley, comme Wallace et Bruce dans Burns, Cromwell et Robin des Bois dans Scott, Enjolras et Gauvin dans Hugo, Larivinier et Paul Arsène dans George Sand. Wordsworth, qui évitait les conspirateurs, était attiré par cet homme exceptionnellement brillant avec toutes les fibres de son âme :

Parmi les anciens officiers du roi
J'en ai distingué un seul : il était
Rejeté par son environnement en tant que patriote,
Partisan de la Révolution. Plus modeste
Il n'y avait pas d'homme au monde
Réactif, plus gentil et plus doux ...
C'était un passionné inspirant:
Les coups cruels et menaçants du destin,
Semblait purifier cette âme
Et tempéré; il ne s'est pas fâché
Mais, comme une fleur dans les prairies alpines,
Semblait atteindre la lumière du soleil
Encore plus forte...

Héros de Wordsworth

Né aristocrate
Issu d'une ancienne famille illustre,
Mais il s'est entièrement consacré
Servir les pauvres, comme si
Il était lié avec eux par une chaîne invisible !
Il appréciait et respectait l'homme
Pour sa fierté et sa dignité.
Esclaves insidieux et aigris
Il ne les a pas méprisés, il ne les a pas vengés du mal,
Mais il les a traités avec une participation évidente,
Pardonner les insultes, essayer de se réveiller
Amour en eux pour la Patrie, pour la Liberté, pour l'Homme..,
(Livre 9, lignes 288-300.)

Il semble que ces lignes n'aient pas été écrites par Wordsworth, mais par Shelley, caractérisant l'un de ses héros radieux, qui étaient également faits d'un tel matériau que "les violeurs n'avaient pas le pouvoir de prendre possession de leurs âmes" ("Atanaz"), et qui, comme leur créateur lui-même, étaient des enfants prodigues de la classe aristocratique, servaient de manière désintéressée la cause des pauvres, la cause de la révolution, se distinguaient par la modestie, la pureté spirituelle, l'intégrité de caractère, la détermination, possédaient l'intrépidité d'un héros, décès.
La caractérisation que Byron Shelley a donnée comme "le meilleur, le plus humble et le plus parfait des gens" vient involontairement à l'esprit à la lecture des lignes dans lesquelles Wordsworth caractérise les qualités spirituelles de son héros. Le vrai Bopi était loin d'être aussi parfait que l'image d'un révolutionnaire créée par le poète dans le neuvième livre du Prélude :

Il peut sembler un peu vaniteux,
Mais ce n'est qu'à première vue;
En fait, il était loin de la vanité,
Comme les étoiles sont loin des montagnes de la terre ;
Il se distinguait par la bienveillance
Et il a créé une atmosphère de bonheur
Et la joie. Énergie bouillonnante
Tout s'est accompli ; Fraternité et liberté
Il a défendu et glorifié avant tout ;
Il faisait partie d'un grand
Progrès...
(Livre 9, lignes 360-371)

Ainsi, Wordsworth met l'accent sur la typicité de son héros, ce qui le rend encore plus significatif, encore plus significatif artistiquement.
Révélant le monde des intérêts spirituels de Bopey, Wordsworth raconte les conversations qu'il aurait eues avec Michel Bopey :

Combien de fois dans le silence de la nuit
Nous avons discuté du pouvoir dans l'État,
De la restructuration sage et utile,
De la valeur antique, des droits du peuple,
Us et coutumes d'autrefois,
À propos du nouveau, conquérir la routine
Dans de violents orages révolutionnaires...
À propos de l'arrogance et de la magnificence
Peu de naissances sélectionnées et graves
L'anarchie des travailleurs;
Il n'arrêtait pas d'y penser
Et à l'époque c'était beaucoup plus propre, mieux
Et il pouvait juger plus profondément et avec plus de vérité,
Le plus tard, plongé dans le bourbier de la vie
Et ayant appris à supporter le mal...
Nous étions occupés de la sagesse de nos ancêtres,
que nous avons trouvé dans les livres
Et avec l'ardeur de la jeunesse, ils ont donné vie ...
(Livre 9, lignes 308-328.)

Cette histoire sur les conversations de deux amis rappelle beaucoup la conversation entre Julian et Maddallo du poème du même nom de Shelley :

je me suis disputé avec lui
A propos de la vie, de la nature humaine...
... J'ai objecté: "Il nous reste à savoir, -
Et qui veut, peut le savoir, -
Quelle est la force des chaînes séculaires...
Où notre esprit, comme dans une crypte souterraine,
Il est tourmenté, et nous n'avons plus rien à respirer...
Peut-être, comme une paille, des fers.
Nous savons que de ce qui nous écrase,
Nous avons perdu beaucoup de choses maintenant..."

La caractéristique essentielle de la littérature avancée du premier tiers du XIXe siècle était son pathos anti-monarchiste. Shelley rêve que le "mot peste - roi" disparaîtra à jamais de la vie quotidienne des peuples. Byron a écrit:

Les tyrans sont faussement vénérés par nous
Des rois donnés par Dieu...

La tyrannie, qui parcourt comme un fil rouge toute l'œuvre des poètes romantiques, a été empruntée aux éclaireurs français et allemands. Ainsi, dans la "Princesse babylonienne" de Voltaire, nous rencontrons des malédictions furieuses et des moqueries des monarques : "Malheureusement, ceux qui ont le pouvoir et les couronnes ont envoyé des hordes d'assassins pour piller... les tribus et tacher de sang les terres de leurs pères. Ces tueurs étaient appelés des héros. Le vol s'appelait la gloire ... "
La cruauté, le manque de scrupules et la trahison des personnes couronnées sont illustrés dans des poèmes, des drames et des ballades de Byron, Hugo, Heine, Petofi, Lermontov, Ryleev et d'autres. Dans Wordsworth, dans le neuvième livre, nous trouvons également des lignes de condamnation et de démystification du régime monarchique. Ces lignes enflammées ont été écrites secrètement par la même main qui a écrit des louanges rimées sans vie pour les journaux Tori à l'occasion du jour du nom ou de l'anniversaire des princesses et des princes. Au fond, Wordsworth n'a jamais été d'accord avec le principe du pouvoir illimité d'un seul homme :

Plus
Nous avons aimé (je dirai maintenant ouvertement)
L'insignifiance et la vulgarité des rois
Et leurs arrière-cours imaginent. Par flatterie
La route y est pavée par le méchant
Criminel, plus le scélérat est stupide - plus il est élevé
Il est élevé, où le talent et l'honneur
Ne vaut rien, vide, froid,
Monde sinistre, cruel et vain,
Où est la vérité et les sentiments sincères
Avec une moquerie maléfique, avec une moquerie, ils rejettent ...
(Livre 9, p. 340-350.)

Le Bien et le Mal y sont intimement liés,
Et la soif de sang avide dans l'emprise
Terres étrangères leurs cliques se combinent
Avec la terreur et la violence dans la terre paternelle...
(Livre 9, lignes 351-354.)

À partir de là, il devient clair que le pouvoir caché de colère et d'indignation qui a éclaté du poète lorsqu'un mouvement de libération nationale a éclaté dans les pays d'Europe et que les punisseurs l'ont brutalement réprimé.
Malgré l'humilité visible et l'acceptation de la réaction, le cœur du poète a toujours appartenu à ceux qui se sont battus pour la liberté et l'égalité - pour les slogans proclamés par la Convention et qui sont restés à jamais proches du cœur de Wordsworth.
Samuel Taylor Coleridge (1772-1834). Samuel Taylor Coleridge était le deuxième poète talentueux de la Lake School. Alors qu'il était encore étudiant à l'Université d'Oxford, il rencontra le poète Southey, le troisième poète lacustre. Ils étaient fascinés par les idées de la Révolution française et les opinions sociales de Godwin. Influencés par les enseignements de ce dernier, les deux poètes décidèrent de partir pour les forêts vierges d'Amérique et d'y créer la communauté Pantisokratia, pour les membres de laquelle l'oppression de l'État et de la propriété privée devait être détruite. Cependant, ces plans de jeunesse n'ont jamais été destinés à se réaliser.
En 1798, Coleridge publie Lyric Ballads with Wordsworth. Coleridge est ensuite allé en Allemagne, où il a étudié la philosophie idéaliste à l'Université de Göttingen, ce qui a eu une grande influence sur la nature de son travail. Comme Wordsworth, Coleridge était radical dans sa jeunesse ; il a condamné la terreur que le gouvernement Pitt a menée en Irlande. Il répond à la Révolution française avec l'ode « La chute de la Bastille » (1789) ; il pleura la mort prématurée du brillant jeune Poate Chatterton.
Mais en 1794, Coleridge écrit (avec Southey) la tragédie La Chute de Robespierre, dans laquelle il maudit les chefs des Jacobins et justifie le coup d'État contre-révolutionnaire thermidorien. Après cela, Coleridge s'est éloigné des idéaux de la démocratie et des Lumières. Parmi les œuvres matures de Coleridge, incluses dans les "Lyrical Ballads", il convient de s'attarder sur le "Old Sailor" - une ballade en sept parties. Cette œuvre est très caractéristique de la seconde période de l'œuvre du poète. La ballade contient des épisodes et des sketches vivants. Telle est, par exemple, l'image du départ d'un brick à voile pour un long voyage :

Ils font du bruit dans la foule - la corde grince,
Le drapeau est hissé sur le mât.
Et nous naviguons, voici la maison du père,
Voici l'église, voici le phare.

Cependant, ce travail est basé sur l'idée réactionnaire qu'une personne doit se soumettre docilement à «l'impénétrable providence du Seigneur», que le monde est contrôlé par des forces mystérieuses, auxquelles résister est un péché. Il y a beaucoup de mysticisme, de symbolisme romantique complexe, de descriptions de miracles ; la réalité dans la ballade est combinée avec la fantaisie de la manière la plus bizarre.
L'histoire commence par le fait qu'un homme se précipitant au festin de noces est retenu par un vieux marin qui commence à raconter l'histoire d'un voyage oublié. L'invité s'échappe tout le temps, il se précipite au son de la musique et de l'amusement venant des fenêtres, mais le regard magique du vieil homme l'arrête, il est obligé d'écouter l'histoire de la façon dont un marin cruel a tué un albatros assis sur la poupe du navire dans la mer - un oiseau prophétique qui apporte - selon la légende des marins, le bonheur. Pour cela, Dieu punit les méchants : tous ses camarades moururent, et lui seul, tourmenté par la soif et tourmenté par le remords, resta vivant sur un navire mort, qui se figea immobile au milieu d'un océan sans vie. Le marin choqué tomba à genoux, ses lèvres rugueuses se mirent à prononcer les mots d'une prière, et, comme par un coup de baguette magique, le charme fut dissipé. Un vent frais a soufflé les voiles et le navire s'est rapidement précipité vers la côte. Après avoir écouté cette histoire, l'invité au mariage oublie qu'il est allé s'amuser au festin de noces, son âme est plongée dans « la contemplation du divin ».
Cependant, il convient de noter que, malgré la faiblesse de l'idée principale de l'œuvre (sermon d'humilité), la ballade possède un certain nombre de vertus poétiques. Coleridge apparaît dans la ballade comme un grand artiste de la mer. Les expériences du héros sont également magistralement décrites, la dialectique de son âme est profondément révélée.
Les vers de Coleridge se distinguent par leur sonorité et leur expressivité. Un connaisseur aussi strict que Byron fait l'éloge du travail de Coleridge. Il tenta même de faire imprimer le poème "Christabel" et d'apporter une aide matérielle à son auteur, alors dans le besoin.
"Christabel" est l'un des succès créatifs de Coleridge. L'action du poème est attribuée au Moyen Âge. La belle et courageuse fille Christabel entre dans un combat avec sa belle-mère, la sorcière Geraldine, qui cherche à gagner le cœur de son père, le chevalier Leolin. Utilisant les traditions du soi-disant "roman gothique", Coleridge peint des images fantastiques d'un château médiéval plein d'horreurs mystérieuses d'une forêt enchantée, etc. Le poète allait montrer à la fin de ce poème resté inachevé comment la pieuse Christabel vainc la perfide et perfide Géraldine. Ainsi, ici aussi, tout comme dans Le Vieux Marin, l'idée de la piété chrétienne triomphe.
Dans une autre de ses œuvres - dans un fragment inachevé de "Kubly Khan" (1816) - Coleridge vient à l'approbation de l'art irrationnel. La description du palais et des jardins luxueux du tout-puissant despote oriental Kubla Khan est pleine de symboles vagues, qui sont encore compliqués par de vagues allusions et omissions.
Robert Southey (1774-1843). Le troisième des poètes lacustres, Robert Southey, était le fils d'un marchand de Bristol. Il a étudié à l'Université d'Oxford, où il aimait les idées de Godwin et des républicains français. Jeune homme, Southey est devenu un écrivain radical. Il proteste contre l'oppression féodale et l'arbitraire royal :

Et qui répondra à la nation
Que la cour a gaspillé des millions
Pendant que le pauvre sèche de faim ?

Southey a également protesté contre les institutions capitalistes, s'est rebellé contre la politique militariste du gouvernement, a salué la Révolution française ("Jeanne d'Arc"). Cependant, à l'âge adulte, Southey est devenu un réactionnaire. Contrairement à Wordsworth et Coleridge, qui ont conservé de la sympathie pour le peuple à la fin (Coleridge, par exemple, condamnait les massacres de patriotes irlandais, Wordsworth pleurait le sort du paysan anglais), Southey appelait à l'exécution d'ouvriers, vantait sans vergogne les guerres de rapine, écrivait des odes et des poèmes dans lesquels il glorifiait le roi et ses ministres.
Shelley, qui est venu rendre visite à Southey chez lui à Caswick en 1811, a noté avec chagrin que Southey était devenu un Berkeleian, un partisan du gouvernement et un ardent prédicateur du christianisme. Après sa défection, Southey a reçu du roi le titre honorifique de poète lauréat de la cour, pour lequel il a été à plusieurs reprises soumis au ridicule caustique de Byron. Southey a rappelé avec honte les "péchés de jeunesse" - ses œuvres telles que "Les plaintes des pauvres" et "La bataille de Blenheim", dans lesquelles il condamnait les inégalités sociales et la guerre. Lorsqu'en 1816 l'un des radicaux publia son poème "Wat Tyler", qui décrit l'exploit du chef du peuple, qui souleva les masses contre les seigneurs féodaux, Southey engagea une action en justice contre lui. De grands poèmes, des ballades, des descriptions de la vie des têtes couronnées constituent l'héritage ultérieur de Southey. Ses ballades sont un pastiche de la poésie médiévale. L'imitation était la raison de leur faible talent artistique.
Byron a impitoyablement dénoncé le poète lauréat pour sa trahison du radicalisme et sa servilité honteuse envers la clique dirigeante dans des œuvres telles que la préface de Don Juan et The Vision of Judgment, une parodie du propre poème de Southey du même nom. Ce dernier, cependant, ne resta pas non plus endetté. En réponse aux critiques cinglantes du Libéral de Byron, il publia un sale tract - Anti-libéral, où il appelait Byron et Shelley rien de plus que des "poètes sataniques" ; il triompha violemment lorsqu'il apprit la mort de Byron.
La deuxième période, plus mûre, de l'histoire du romantisme anglais commence au tout début des années 1910 avec l'apparition sur la scène littéraire des romantiques révolutionnaires - Byron et Shelley, ainsi que du poète Keats, qui leur est proche dans la l'esprit de son travail. Idéologiquement, ces écrivains étaient associés à l'aile gauche du Parti républicain démocrate, qui exprimait les intérêts des masses ouvrières des grands centres industriels d'Angleterre et de la paysannerie irlandaise à l'esprit révolutionnaire ; il a combattu sous la bannière des idées révolutionnaires-démocratiques élaborées pendant un demi-siècle de lutte acharnée entre l'opposition ouvrière britannique et l'héroïque parti révolutionnaire Irishmen United. Byron et surtout Shelley ont reflété dans leur travail l'état d'esprit des millions de masses prolétariennes et semi-prolétariennes de la ville et de la campagne, qui se sont battues héroïquement pour la législation du travail, pour les syndicats, pour le renversement de la monarchie, l'éradication des restes du féodalisme, pour la renaissance d'une Irlande indépendante et libre.

Le romantisme anglais du XIXe siècle dans la littérature

En Angleterre, contrairement à l'Allemagne, le romantisme n'a pas pris conscience de lui-même pendant longtemps, même si des tendances romantiques y sont apparues dès le XVIIIe siècle. (auto-évaluation ironique, anti-rationalisme, idée "d'originalité", "d'insolite", "d'incompréhensibilité", d'attirance pour l'antiquité).
Simultanément avec les Grands Français en Angleterre, il y avait sa propre révolution, beaucoup plus calme, mais non moins tragique - la révolution industrielle. "la vieille Angleterre aimable" (la vieille, bonne Angleterre), "l'Angleterre des bois verts" (l'Angleterre des temps de la forêt verte) est morte, "l'atelier du monde" (l'atelier du monde) est né. L'Angleterre a commencé à construire une société de démocratie bourgeoise au XVIIIe siècle.Ayant reçu des droits égaux à ceux des aristocrates, les bourgeois se sont précipités à l'assaut de la société.Les aristocrates ne pouvaient pas rivaliser avec eux en termes d'ingéniosité, d'efficacité, de ruse.En conséquence, pour Par exemple, Lord Byron, par manque de fonds, a été contraint de vendre son propre domaine familial, que ses ancêtres ont reçu une récompense pour le service de la Grande-Bretagne.Et le noble, élevé selon les lois de l'honneur tribal, dans un simple paysan , descendant de yeomen libres, se sentait impuissant face à une nouvelle force. Le romantisme anglais s'est développé sur la base de la confusion des gens de la pensée artistique devant le monde de la prospérité bourgeoise.
Le romantisme anglais est classiquement divisé en trois générations : les plus anciennes (Blake, Wordsworth, Coleridge, Southey, Scott) ; moyenne (Byron, Shelley, Keats); plus jeune (Carlyle).
William Blake a prédit le développement du romantisme pendant près de vingt ans, de son vivant il était connu d'une petite poignée d'admirateurs, son travail a été apprécié plus tard. L'œuvre de Blake est considérée comme romantique pour le fait qu'elle ressent constamment la résistance du temps. Le graveur et poète a créé son propre monde. Son travail rappelle les rêves éveillés, et Blake y a cru sincèrement toute sa vie : il voit des oiseaux dorés sur les arbres, a des conversations avec Socrate, Dante, le Christ. Profondément religieux, Blake a constamment essayé de rapprocher le ciel et la terre, de voir le céleste dans l'ordinaire. "En un instant, voir l'éternité et le ciel - des fleurs épanouies", - c'est ainsi que le poète a formulé son propre credo. Ses œuvres ("Chants d'innocence" (1789), "Chants d'expérience" (1794), "Le Mariage du ciel et de l'enfer" (1790), "Le Livre d'Urizen" (1794), "Jérusalim ou l'Incarnation de the Giant Albion" (1804), "Abel's Reason" (1821) démontrent l'aliénation absolue de Blake à la science avancée de son temps. Pour lui, la "fiabilité" de Bacon est la pire de toutes les tromperies, et Newton apparaît dans l'œuvre de Blake comme un symbole du mal. Le poète lui compara le monde moderne à une merveilleuse église, à laquelle il monta en serpent sale et l'ayant pollué ("j'ai vu le temple..."). Quinze ans après la mort du poète, il fut ouvert par "pré-Raphaé si vous", des artistes qui ont essayé de rendre l'art à l'époque "pré-Raphaël". Ils travaillaient selon les lois de l'artisanat ancien, et Blake, avec son affirmation de la lascivité de parler des "ténèbres de le Moyen Âge", qui, selon lui, n'existait pas vraiment, avec son immersion dans la spiritualité absolue et la production de livres de ses propres mains, sans l'aide de machines, était perçue au niveau du prophète. siècle Blake bien sûr les symbolistes canonisés.
Les noms de Wordsworth et de Coleridge sont souvent étouffés côte à côte, car ils sont des représentants de la soi-disant "école du lac" ("leukisti"). William Wordsworth est né dans le nord de l'Angleterre, à Cumberland, où il a vécu la majeure partie de sa vie. Cumberland est appelé le "pays des lacs". Le domaine de Wordsworth s'y trouvait, où il offrait refuge à ses amis poètes, c'est pourquoi ils ont commencé à les appeler "leucistes". Wordsworth est considéré en Angleterre comme l'un des plus grands poètes, sinon le plus important. Il est un partisan du paysage anglais, calme et confortable. En 1798, Wordsworth, en collaboration avec Coleridge, publie le recueil Lyrical Ballads. La collection s'est ouverte avec le poème de Coleridge "The Tale of the Old Sailor", une histoire mystérieuse sur la revanche de la nature sur ceux qui ne la respectent pas. Samuel Taylor Coleridge a commencé à prendre de l'opium à l'âge de dix-neuf ans (un divertissement assez courant chez les romantiques à l'esprit bohème), ce qui a considérablement raccourci son parcours créatif. Mais "The Old Sailor" est resté dans l'histoire de la littérature mondiale. Depuis l'Antiquité, les marins ont respecté les albatros, de beaux oiseaux qui ne se posent presque jamais au sol. On pense qu'ils sont habités par les âmes de personnes décédées en mer. Par conséquent, les albatros ne peuvent pas être tués. Mais le vieux marin a raconté à un passant moderne : quand il était jeune, juste pour un divertissement stupide, il a tué un de ces oiseaux qui accompagnaient leur navire. Et puis les membres de l'équipage ont commencé à mourir un à un, d'abord lors d'une tempête, puis de soif lors d'une accalmie. Et seulement pour blâmer la tragédie, les esprits de la nature sont restés en vie, et maintenant il erre dans la ville, un vieil homme paralysé par l'alcool et la folie, et raconte aux gens l'erreur qui a ruiné sa vie, mais personne ne l'écoute. Les esprits de la nature l'ont condamné à la vie dans la mort, les remords de la conscience torturent le vieux marin avec de lourdes visions de mort et les malédictions de mort de ses camarades. Cette personne ne vit pas, mais existe sous le poids d'une lourde peine. Les vers ciselés du poème agissent magnétiquement sur le lecteur. Shelley s'est évanoui quand il a entendu cette poésie pour la première fois. Robert Southey, un autre porte-parole de Leukism, a eu une brillante carrière publique. Lui, ainsi que Wordsworth, a été nommé poète de la cour. Plus tard, dans Don Juan, Byron soumettra les Leukistes au sarcasme pour leur position contemplative et apolitique. Bien qu'il soit impossible de reconnaître l'exactitude absolue de Byron. Par exemple, à Southey se trouve la ballade "Bleikhemsky battle", qui est une présentation ironique de l'histoire de l'État. Les petits-enfants ont trouvé un crâne sur le terrain où la bataille a eu lieu, et ils demandent à leur grand-père de vous dire à quoi ressemblait la fameuse bataille de Blahem ? Après tout, il est écrit dans les manuels qu'il s'agit d'une page glorieuse de l'histoire de l'anglais. Grand-père est ruiné: sa mémoire a conservé des images terribles et inhumaines, et à l'école, ils n'enseignent que la première page des événements historiques.
Walter Scott, baronnet écossais (de son vrai nom - Duke of Buckle), est issu d'un patronyme inscrit dans les annales historiques. Toute la vie de Scott a été consacrée à l'histoire : il a collectionné le folklore écossais historique, les manuscrits et les antiquités. Scott est venu à la littérature assez tard, à l'âge de trente-trois ans. En 1805, il publie ses "Scottish Border Songs". Qui a reçu à la fois le folklore et les ballades d'auteur. Et à quarante-deux ans, l'écrivain présente pour la première fois ses romans historiques au public. Parmi ses prédécesseurs dans ce domaine, Scott a cité de nombreux auteurs de romans "gothiques" et "antiques", il a été particulièrement fasciné par les livres de Mary Edgeworth, qui a consacré son travail à la représentation de l'histoire irlandaise. Mais Scott cherchait sa propre voie. Les "romans gothiques" ne le satisfaisaient pas d'un mysticisme excessivement captieux, "antique" - incompréhensible pour le lecteur moderne. Après une longue recherche, Scott a réussi à créer une structure universelle du roman historique, redistribuant le réel et le fictif de manière à montrer que ce n'est pas la vie des personnages historiques, mais le mouvement constant de l'histoire, qui ne peut être arrêté par l'une des personnalités exceptionnelles, est un véritable objet digne de l'attention de l'artiste. Le point de vue de Scott sur le développement de la société humaine est appelé providentialiste (du latin Providence - la volonté de Dieu). Ici, Scott suit Shakespeare. Les chroniques historiques de Shakespeare comprenaient l'histoire nationale, mais au niveau de "l'histoire des rois", Scott a transféré les personnages historiques au plan de l'arrière-plan, et au premier plan des événements le retrait des personnages fictifs, qui sont influencés par les conflits entre l'antiquité et la nouveauté, le changement d'époques. De cette façon, Scott a montré que le peuple est la force fracassante de l'histoire, c'est la vie du peuple qui est l'objet principal de la recherche artistique de Scott. Son antiquité n'est jamais floue, brumeuse, fantastique. Scott est absolument précis dans la représentation des réalités historiques, on pense donc qu'il a développé le phénomène de la couleur historique, c'est-à-dire magistralement montré l'originalité d'une certaine époque. Autre détail : les prédécesseurs de Scott ont dépeint l'histoire pour l'histoire, ont démontré leur savoir exceptionnel et ont ainsi enrichi le savoir des lecteurs, mais pour le savoir lui-même. Ce n'est pas le cas de Scott : il connaît l'ère historique en détail, mais la relie toujours aux problèmes modernes, montrant comment ces problèmes trouvent leur solution dans le passé. Scott s'intéresse particulièrement au « problème écossais », il lui dédie les romans « Waverley » (1814), « Rob Roy » (1818), « Puritains » (1816). Le roman "Ivanhoe" (1819) a été créé sur le matériau de l'histoire anglaise, mais son problème central concerne toujours la "question écossaise". L'Ecosse et l'Angleterre ont évolué vers l'unification pendant plusieurs siècles et se sont finalement unies au 18ème siècle. Mais l'association n'a pas satisfait les anciens clans écossais et ils ont commencé à se battre. Les Britanniques ont réprimé un soulèvement après l'autre. C'est devenu clair: la petite Ecosse économiquement sous-développée ne pouvait pas résister à la puissante Angleterre industrialisée par la force des armes. Et donc Scott a pris une position de conciliation. Il a consacré un certain nombre de romans à l'établissement d'une coexistence pacifique entre les Écossais et les Anglais, montrant la lutte entre l'Écosse et l'Angleterre à différentes époques historiques et terminant toujours ses romans par un mariage romantique et symbolique, le mariage d'un gars et d'une fille. de deux camps en guerre. Les personnages principaux, ainsi que la traditionnelle fin heureuse, incarnent toujours l'idéal moral de l'auteur et correspondent aux particularités du subjectivisme romantique. Scott n'a jamais caché ses sympathies : Rob Roy (Scottish Robin Hood), inspire le respect de l'auteur, capte par son courage débridé et sa soif de liberté. Mais Scott admet simultanément: les anciennes coutumes des montagnards sont sauvages, et peu importe à quel point il aime lui-même tout ce qui est écossais, la liberté rampante est vouée à l'échec. Dans le roman "Ivanhoé", on voit aussi que les affections de l'auteur sont données aux Saxons, qui souffrent sous le joug des seigneurs féodaux normands avides, mais l'unité nationale est inévitable, après des siècles, sur le site de deux camps en guerre, le seul Une nation anglaise surgira qui absorbera des éléments des cultures saxonne et normande. La structure universelle du roman historique créée par Scott a été reprise dans de nombreux pays (Hugo, Cooper, Kulish, etc.), et pas seulement par le roman historique. Le roman est toujours historique, parce qu'il comprend des événements qui, au moins pour quelques années, mais sont loin du présent, et parce qu'un roman réaliste perçoit une personne sur fond de mouvement de l'histoire (Stendhal, Balzac, Tolstoï). Par conséquent, Scott est considéré comme l'un des créateurs du genre moderne du roman.
Lorsque Byron Scott est apparu à l'horizon de la poésie anglaise, il a cessé d'écrire de la poésie, reconnaissant que cela n'avait aucun sens de le faire dans le contexte de quelqu'un qui était si généreusement doté d'un don poétique de la nature. George Gordon Byron au niveau mondial est considéré comme la plus grande figure du romantisme anglais. "Poète de l'orgueil" l'appelait Pouchkine. Beau, mais tordu sur une jambe, Byron aurait personnellement incarné ses héros majestueux, mais moralement paralysés. Ses premiers poèmes ont été compilés dans le recueil Leisure Hours (1807), dans lequel un étudiant de l'université de Cambridge exprimait son attitude envers la modernité (« Parents' house, you came to ruin... »), et démontrait, en tout cas - en mots, une attitude frivole envers la poésie. Peut-être que le don poétique a frappé les contemporains, peut-être - une vision dédaigneuse de l'humanité, mais la collection a provoqué un certain nombre de critiques négatives de la part de l'ancienne génération de romantiques (en particulier des "leucistes"). Le jeune poète répond par un essai polémique dans lequel il exprime sa propre compréhension de la place de l'artiste dans la société. English Bards and Scottish Reviewers (1809) est une satire poétique et sarcastique sur l'état de la littérature anglaise à l'époque romantique. La position contemplative des « leucistes » lui semble ridicule, leur détachement de la réalité est criminel. Il appelle les satiristes du XVIIIe siècle ses maîtres. - Swift (qui est considéré comme un génie fou en Angleterre), Fielding, déclare son appartenance au culte des Lumières de la Raison. Bien que l'œuvre de Byron ait certainement été de nature romantique, cela est démontré par sa réticence à voir son Angleterre contemporaine, dans laquelle son ancienne et glorieuse famille comptait désormais peu. De nouvelles valeurs sont apparues, dont la principale était l'argent.
"Il était tout pour la réalité", a déclaré l'ami et biographe de Byron, T. Moore. Mais ces mots doivent être compris en tenant compte de l'aspect suivant : pour quel type de réalité ? Byron ne voulait pas voir la réalité du quotidien, mouvementée. Il était attiré par la réalité romantique, d'autant plus que, contrairement à d'autres romantiques qui chantaient des châteaux fictifs et des voyages fictifs en Orient, Byron avait son propre château ancestral et se rendait vraiment à Sunrise. Le voyage du jeune poète au Portugal, en Espagne, dans les îles de Malte, en Albanie, en Turquie, en Grèce était considéré par les contemporains comme une folie. Personne ne croyait que le seigneur rentrerait chez lui. Mais il revint, se glorifiant en prenant d'assaut les Dardanelles, qui, comme l'ancien héros Léandre, traversèrent à la nage. Byron n'a pas seulement écrit de la poésie, il a vécu poétiquement. En témoigne sa position politique. Ayant hérité d'un siège à la Chambre des Lords, le poète a commencé par défendre les luddites, ouvriers du textile qui cassaient des fortunes pour tenter d'empêcher les licenciements. Le Parlement a examiné un projet de loi (projet de loi) sur l'introduction de la peine de mort pour les luddites. Byron, à la fois au parlement et dans la poésie, a conseillé à l'État de pendre les ouvriers avec des bas de laine. Aux yeux du monde entier : dans l'Angleterre industrielle, la machine qui produit des bas vaut bien plus que la vie humaine. En 1828, Byron publie les deux premières chansons de "Childe Harold's Pilgrimage" et gagne en popularité. Le poème qui a donné vie au genre lyrique-épique a été créé sur la base d'un carnet de voyage, auquel Byron a apporté ses impressions au cours de ses voyages. Fictif, déçu de la vie, Childe Harold apparaît au début de l'ouvrage et titubant l'imaginaire avec sa cape noire et son écharpe purement anglaise. Mais l'auteur le met bientôt de côté et commence à s'adresser aux lecteurs à la première personne. Ainsi, la ligne épique (errances d'Harold) croise la ligne lyrique (digressions de l'auteur). En conséquence, le genre du poème lyrique-épique apparaît. De 1813 à 1816, Byron a publié un certain nombre de fragments de poèmes, qui ont reçu le nom de "Eastern" ("Gyaur", "Abydoska Bride", "Corsair", "Siege of Corinth", "Lara"). En eux apparaît un phénomène tel que le "héros byronique", étroitement lié à ce qu'on appelle le "byronisme". Le "byronisme" est un phénomène non uniforme. Il incarne le désir de liberté absolue, repoussé par tout ce qui est associé au mode de vie traditionnel de l'humanité. Le héros de Byron défie la morale traditionnelle, la religion, et donc le "byronisme" est souvent identifié au démonisme. Ce phénomène est attrayant et en même temps terrible. Le « byronisme » attire avec un courage désespéré, au mépris de tout danger, même mortel, et repousse l'individualisme. "Vous ne voulez que la liberté pour vous-même", a déclaré Pouchkine dans le poème "Tsiganes", et a ainsi prononcé une phrase sur ce phénomène. Byron n'est pas très respecté à la maison. Les Britanniques voient en cette personne extrêmement douée avant tout une force destructrice, cruelle et dangereuse. Byron et ses héros ne jouent pas seulement leur propre vie, ils sacrifient leur propre "moi" et la vie des autres, transformant l'existence d'êtres chers en une souffrance insupportable. Mais le héros byronien lui-même souffre, il ne peut trouver refuge parmi les gens ordinaires et reste seul pour toujours. La poésie de Byron "Gloomy Soul" a acquis le sens d'un symbole de "la douleur du monde". Byron ne pleure pas seulement à cause de l'imperfection de son monde contemporain ou à cause de la tragédie de son propre destin. Son angoisse prend un sens universel : le monde, selon lui, est bâti injustement, parce qu'un Dieu injuste l'a bâti. Par conséquent, le héros Caïn, caractéristique de Byron, choisit comme guide non pas Dieu, mais Lucifer, qui était autrefois un ange, mais n'était pas d'accord avec le pouvoir absolu de Dieu et a décidé de se rebeller (le drame poétique "Caïn").
Après la publication de "Childe Harold", ainsi que de nombreux poèmes, Byron devient l'idole de la jeunesse. Les gens de l'art se rassemblent autour de lui et deviennent rapidement victimes de la cruauté et de l'égoïsme du poète. Après un divorce très médiatisé de sa femme (l'une des femmes les plus éduquées de l'époque, Anabela Milbank), qui accusait le poète d'une relation criminelle avec sa sœur (inceste), Byron a été contraint de quitter sa patrie pour toujours. Dans une année difficile pour le poète en 1816, Walter Scott prit inopinément sa défense, qui tenta d'expliquer aux Britanniques indignés que le comportement du poète était "une étrange coïncidence de qualités qui portent le nom de tempérament poétique". En 1816 -1818. Byron vit en Suisse, où il crée Stanzas to Augusta, The Prisoner of Chillon, et termine le Pèlerinage de Childe Harold. Le poème dramatique "Manfred" apparaît dans les Alpes suisses, le poème historique "Mazepa" commence, "Don Juan" commence. La poésie de feu Byron frappe par sa simplicité, son naturel, la libre expression du tempérament poétique. Il semble au lecteur que l'auteur "respire simplement de poésie", les créant littéralement "sur le pouce". Apparemment, il transmet simplement ses propres pensées, qui naissent de la nature sous la forme de lignes poétiques. Jusqu'à la fin de sa vie, Byron a déménagé d'un pays à l'autre. « Les braves trouveront un foyer n'importe où », aimait-il à répéter. En Italie, le poète rejoint les Carbonari, les combattants italiens pour l'indépendance de l'Autriche, mais son combat n'est pas sérieux, expérimental. Byron était et reste un seigneur, et jouait plutôt le rôle d'un révolutionnaire. En mai 1823, Byron s'installe en Grèce, où il prend part à un soulèvement de patriotes contre le joug turc. Il a généreusement financé les soulèvements, fournissant aux rebelles le massacre, et en même temps a écrit "Don Giovanni", qui est resté inachevé. Le 19 avril 1824, Lord Byron mourut dans la ville de Missolonga dans des circonstances peu claires (l'information longtemps donnée dans les manuels soviétiques et relative à une mort héroïque dans un camp rebelle n'est plus confirmée).
Le poème "Don Juan" peut être considéré comme le testament spirituel de Byron. On l'appelle l'encyclopédie poétique de l'Europe de la fin du XVIIIe au début du XIXe siècle. Les lecteurs passent devant des événements historiques et des personnages historiques, et tout cela sert de toile de fond aux aventures de Don Juan impuissant (Byron change radicalement l'image traditionnelle). Tant le héros lui-même (et il est en partie autobiographique), que les "grands gens" qui se rencontrent sur son chemin comique, ne provoquent que de l'ironie chez l'auteur. Le seigneur n'a pas pardonné aux célèbres Anglais, pour lesquels la communauté anglaise lui a refusé une sépulture honorifique (à l'abbaye de Westminster). Les poumons du poète ont été enterrés à Missolonga et le corps dans l'église de la ville de Geknoll, située sur la terre ancestrale du poète.
"Les Anglais peuvent penser à Byron ce qu'ils veulent, mais ils n'ont pas produit un autre poète de ce genre", a déclaré Goethe, qui a interprété la personnalité créatrice de Byron dans Faust à l'image d'Eufurion, le fils de Faust et d'Hélène la Belle. Eufurion est né pour l'art pur, mais n'a pas voulu exister dans des conditions artificielles, plongeant dans le domaine de la réalité, ce qui l'a tué. Le succès de l'héritage de Byron au niveau mondial est bien plus important que chez nous. Ce poète haïssait le "troupeau humain", s'opposait à "l'obéissance servile", niait cyniquement toute relique humaine, et tout de même - il ne pouvait que susciter le respect, du moins pour la franchise absolue de son œuvre, qui allait de la révolte passionnée à une révolte absolument attitude indifférente au monde à travers le vide de l'âme.
En 1816, Byron rencontre Shelley en Suisse, et leur amitié devient un fait littéraire. Tous les mémorialistes et biographes de Shelley l'admettent: c'était un homme d'un attrait inévitable qui, par la puissance de son charme, transformait littéralement les gens en ses propres affaires. Mais une telle transformation se terminait généralement tragiquement. Percy Bysshe Shelley est issu d'une famille noble et très influente. Mais le milieu aristocratique a rompu tout lien avec lui. Alors qu'il était encore à l'école, le futur poète a acquis une réputation de fou pour son attitude blasphématoire envers Dieu. L'Université Shelley a été expulsée pour la brochure "La nécessité de l'athéisme". Après la rupture définitive avec ses parents, le poète mena une vie errante, créa quelque chose comme sa propre société, composée principalement de filles amoureuses de lui, dont il épousa l'une, la fille d'un aubergiste. Shelley se considérait comme un révolutionnaire, parlait lors de rassemblements ouvriers, mais en réalité il s'intéressait peu à la vie des gens ordinaires. C'était plus un acte d'art. Des conséquences importantes ont eu une connaissance de William Godwin, un romantique révolutionnaire, avec la fille de laquelle, l'écrivain Mary Godwin, Shelley a pris un nouveau mariage. Son ex-femme, ainsi que sa sœur Mary Godwin, se sont suicidées. Le tribunal a privé Shelley du droit d'élever des enfants, la société anglaise l'a forcé à quitter sa patrie. Le jeune couple a traîné en Europe pendant un certain temps et en 1822, après une tempête, le cadavre de Percy Bysshe Shelley a été retrouvé au large des côtes italiennes. Le yacht est resté indemne. Sa mort est restée un mystère. Il existe une version selon laquelle Shelley avait une relation secrète avec des passeurs, qui l'ont envoyé dans un autre monde. La critique littéraire soviétique a couronné Shelley avec respect pour ses convictions révolutionnaires, ne remarquant pas les tendances destructrices de son travail. Le monde traite le poète avec plus de prudence, bien qu'il reconnaisse son talent incontestable.
L'héritage de Shelley absorbe des paroles, des poèmes, des drames poétiques, un traité de poésie, une correspondance considérable, des journaux intimes, des pamphlets politiques, des études philosophiques. Le drame poétique "Prométhée déchaîné" (1819) est particulièrement célèbre, dans lequel l'histoire humaine est présentée comme un processus de suppression progressive de l'initiative, d'effacement de la volonté, de suppression du courage. Le Prométhée libéré quitte les montagnes du Caucase et se dissout prétendument à l'image de l'Humanité. Prométhée libéré, selon l'auteur, est cette nouvelle humanité, éclairée et élevée à un nouveau niveau de développement. " Ode to the West Wind ", ainsi que " Prometheus Unchained ", démontrent les tendances nihilistes qui sont généralement caractéristiques du travail de Shelley.
En 1818, l'épouse de Shelley, Mary Godwin, publie la dystopie technique Frankenstein, dans laquelle elle met le "Prométhée moderne" au premier plan. Un scientifique talentueux a découvert le secret de la matière vivante et a pensé qu'il avait rendu l'humanité heureuse. Ayant créé un homme artificiel, il se sent comme un vainqueur de la nature, mais d'autres événements prouvent que l'humanité «éclairée» et rationnellement réglée est un monstre et qu'un scientifique brillant est fou.
Un livre de poèmes de John Keats a été trouvé dans la poche morte de Shelley. John Keats venait d'une famille londonienne bourgeoise apparemment prospère, sur laquelle le rock était censé être chargé. Keats était encore adolescent lorsque ses parents sont morts : son père a été tué en tombant de cheval, sa mère est morte de la tuberculose. Le frère aîné la suivit bientôt et le cadet, John, n'eut pas le temps de vivre une vie poétique à part entière en raison d'une maladie familiale. En 1820, les admirateurs du poète collectent de l'argent et envoient le poète en Italie, où il meurt en 1821. Keats a été enterré dans le même cimetière que Shelley. Le « poète de la beauté », comme on l'appelle, a laissé des sonnets, des odes, des ballades et des poèmes. Les attitudes envers l'héritage de Keats ont été différentes dans la vie, et elles sont différentes maintenant. Contrairement à la poésie aristocratique de Byron et Shelley, le style de Keats démontre clairement les caractéristiques de la soi-disant «école de poésie philistine». Keats étonne avec un certain rôle, mais pas banal, mais assez original. Keats était attiré par l'antiquité, la culture du livre, qu'il ne connaissait pas bien, car il n'avait pas d'éducation classique. Par conséquent, ses œuvres contiennent de nombreuses erreurs factuelles, mais cette curiosité ne fait que rendre son travail attrayant. La vie de Keats n'a pas été marquée par de nombreux événements intéressants, et donc la lecture de l'Iliade, le chant d'un grillon, le chant d'un rossignol, la visite de la maison de Burns, la réception d'une lettre d'un ami, même des changements d'humeur et de temps, deviennent des raisons pour Keats de créer de la poésie. Le poète lui-même a qualifié son travail de "plutôt une tentative folle qu'un acte accompli", mais le monde l'apprécie toujours. Keats croyait que la poésie devait s'abandonner aux souvenirs », prévoyant ainsi le développement ultérieur de la poésie, à la fois symbolique et moderne.
La prose du romantisme anglais est représentée par les noms de Maturin, Lem, Hezlitt, Lendor, de Quincey, Carlyle. Elle gravite vers le mystérieux. Des vampires, des châteaux médiévaux, de mystérieux inconnus, des voyageurs, des fantômes, de terribles secrets de famille apparaissent constamment sur les pages d'un roman romantique anglais, et tout cela sur fond de simples détails quotidiens et d'un psychologisme motivé. C'est-à-dire qu'il y a une continuation des traditions du "roman gothique", né au XVIIIe siècle, et la naissance d'un nouvel art - l'art du réalisme classique.

1. L'originalité et les grandes étapes du romantisme anglais.

2. Innovation des poètes de l'Ecole du Lac.

3. Walter Scott et son roman historique.

1. Le romantisme anglais apparaît comme un phénomène original, dû aux spécificités de la vie anglaise.

La particularité du romantisme anglais en cela :

1) Les tendances romantiques sont apparues tôt, précédées d'une longue période de pré-romantisme (ses composantes : roman gothique, poésie sentimentale, intérêt pour l'histoire nationale et le folklore)

2) La Révolution française et la révolution industrielle se sont reflétées dans la double perception de la réalité : d'une part, l'espoir d'un avenir meilleur, d'autre part, un sentiment de développement social catastrophique, la nostalgie de la « bonne vieille Angleterre ».

3) Passion pour la culture spirituelle nationale, le folklore paysan (dans l'œuvre des romantiques plus âgés) ; appel à la vie des travailleurs et protection de leurs intérêts (dans le travail des jeunes romantiques).

4) Un intérêt particulier pour la vie de la nature, une conscience de son rôle dans la vie humaine.

5) Thèmes de l'Orient et du Sud, errances lointaines comme reflet des conquêtes coloniales.

6) L'utilisation d'images et de thèmes bibliques chrétiens, un appel à l'Ancien Testament, son interprétation par John Milton ("Paradise Lost" - la perception de l'image de Satan en tant que premier théomachiste).

7) Le héros est concentré sur ses propres sentiments, insatisfait de la réalité, un égoïste, un vagabond, un souffrant, un rebelle.

8) La prédominance des paroles et des formes épiques lyriques sur l'épopée et le drame.

Étapes de développement du romantisme anglais:

1) Premier romantisme anglais. L'œuvre de W. Blake : révolutionnisme politique, rejet du dogme de la religion traditionnelle, fabrication de mythes, poétique des contrastes, images d'enfants ("Songs of Innocence", "Songs of Experience").

Blake est le premier poète urbain, vous mémorisez un de ses poèmes "Londres", qui dresse un sombre tableau de la vie londonienne. L'œuvre la plus célèbre est les cycles "Songs of Innocence" et "Songs of Experience", reflétant l'incohérence de l'âme humaine. "Songs of Innocence" incarne le bon côté de la vie et la réaction d'une personne à celle-ci, le ton émotionnel de "Songs of Experience" est négatif. Un certain nombre de poèmes de ces cycles portent le même nom, ils sont liés au niveau des phrases et des lignes individuelles, mais ils représentent différents aspects de la conscience - un enfant, attendant des miracles du monde, et un adulte, rempli de désespoir (Lire "Enfant-joie" et "Enfant - chagrin"). Blake apparaît d'abord des images poétiques d'enfants perdus et retrouvés, contraints de travailler dès leur plus jeune âge ("Le petit ramoneur"). Le salut est Dieu, mais Blake crée une image de son propre Seigneur aimable et miséricordieux en niant le Dieu de l'église traditionnelle (Lire "Une conversation entre un père spirituel et un laïc").

2) L'ancienne génération de romantiques anglais: William Wordsworth, Samuel Coleridge, Robert Southey - poètes de "l'école du lac" et W. Scott. Connexion avec le sentimentalisme, le culte du naturel et la fascination pour la fantaisie.

3) La jeune génération de romantiques ( 15-25 ans de moins que le premier): George Byron, Percy Shelley, John Keats. Insoumission, drame, passion pour la poésie, l'antiquité et la philosophie.

2. L'œuvre des poètes, plus tard réunis sous le nom de l'École du Lac (en raison de la résidence dans le Lake District - Lake District)(années 90 du XVIIIe siècle), se fait connaître grâce à la collection publiée en 1798 - "Lyrical Ballads" de W. Wordsworth et S. Coleridge. La préface de la deuxième édition du recueil, écrite par Wordsworth, est devenue le manifeste théorique du romantisme anglais. Le recueil trace la voie d'une rupture avec le classicisme, proclame la démocratisation de la problématique, l'élargissement de l'éventail poétique et l'innovation de la versification.

Selon l'auteur du recueil, les poèmes de Wordsworth recréaient des choses simples, des personnes, des événements, en les poétisant à l'aide de l'imagination. (un champ de jonquilles - une foule de danseurs, un buisson d'épines sur un petit monticule - une mère sur la tombe de son enfant), et les poèmes de Coleridge incarnaient quelque chose de fantastique et de surnaturel dans un mot ordinaire. Wordsworth a élargi le spectre thématique et de genre de la poésie (messages, élégies, sonnets), Coleridge a mis l'accent sur le surréel, le miraculeux, a exprimé des problèmes universels sous les formes de la fantaisie et de l'allégorie ("The Tale of the Old Sailor" - où le thème du crime de l'homme contre la nature et de sa punition par des forces d'un autre monde a été développé), un trait distinctif de sa poésie est une combinaison d'images réelles et fantastiques (Feu, Famine et Massacre, présentés sous les traits de trois sorcières Macbeth).

Robert Southey a développé le genre ballade, combinant les intrigues des ballades folkloriques avec la didactique.

3. Walter Scott (1771-1832) - traducteur, journaliste, collectionneur de folklore, auteur de poèmes romantiques et de ballades, a acquis au cours de sa vie une grande renommée en tant qu'auteur de romans ("Scottish Wizard").

Passion pour le folklore (surtout écossais en termes de dépendance vis-à-vis de l'Angleterre - Renaissance écossaise) a coïncidé avec la tendance générale de la littérature romantique européenne et s'est reflétée dans la collection de folklore. Le résultat est la collection "Songs of the Scottish Border" (1802-1803), contenant non seulement les textes des ballades folkloriques, mais aussi un commentaire sur celles-ci.

Scott crée également ses propres œuvres très populaires : le poème dramatique "The Song of the Last Minstrel", le poème "Lady of the Lake", etc. Ces œuvres se reflètent dans les travaux ultérieurs de Scott (chant du Moyen Âge, éléments de fantasy, ballade, compréhension de personnages historiques, saveur nationale).

Mais après la sortie de la première chanson du Pèlerinage de Childe Harold de Byron, Scott abandonne la poésie.

1814 Premier roman historique de Waverley (publié anonymement en raison de l'incertitude de Scott quant à son succès). Lui apporta une telle notoriété qu'il signa longtemps d'autres romans "l'auteur de Waverley". C'est devenu sa marque de fabrique.

Les romans historiques de Scott : romans du cycle écossais (jusqu'en 1820) et romans se déroulant dans l'Europe médiévale (le cycle s'ouvre avec Ivanhoé). Autres romans notables : Rob Roy, Quentin Dorward, Les Puritains.

L'intérêt des romantiques pour l'histoire a été causé par les événements sociaux de la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle: la Personnalité s'est sentie partie prenante du cours général de l'histoire, du progrès et a cherché à comprendre les principes de son mouvement, à comprendre le passé et à en tirer des conclusions. à propos du futur.

L'histoire est perçue par Scott comme une clé de la connaissance de la modernité ; ce concept définit les œuvres historiques de presque tous les romantiques.

Selon Scott, l'histoire se développe selon des lois particulières : la société traverse des périodes de cruauté et évolue progressivement vers un état plus moral, en s'efforçant d'atteindre le bien (morale chrétienne). Ces périodes de cruauté sont associées à la lutte des peuples conquis avec les conquérants (Saxons et Normands à Ivanhoé). À la suite de ces conflits historiques, chaque étape ultérieure du développement réconcilie les parties belligérantes et rend la société plus parfaite. Dans la perception de Scott de l'histoire, des idées éclairantes se font sentir - l'objectivité et la foi dans le progrès.

La caractéristique de Scott est une compréhension du rôle du peuple dans l'histoire. Il relie non seulement la vie d'un hôtelier à l'histoire, mais introduit également des images de personnes du peuple (défenseurs publics (Robin Hood, Rob Roy)) dans des romans, qu'il tire souvent de chroniques historiques, de légendes folkloriques, créant des images vives. . En même temps, Scott n'idéalise pas les gens, tirant les qualités positives et négatives des gens du peuple, qu'il perçoit non pas comme une masse, mais comme des individus séparés.

Périodes du processus littéraire à l'ère du romantisme. Romantisme en Angleterre

Aux origines du romantisme anglais se trouvent d'excellents auteurs comme William Wordsworth et Samuel Taylor Coleridge. Ils vivaient dans le nord de l'Angleterre, où les paysages regorgent de lacs pittoresques, c'est pourquoi on les appelle les représentants de "l'école des lacs".

Un petit aparté est le travail de l'excellent poète et graphiste William Blake. Il fut l'un des premiers à nier activement les traditions du classicisme, non seulement en littérature, mais aussi en peinture. Malheureusement, ses créations n'ont pas été reconnues par ses contemporains, elles n'ont été appréciées qu'à la fin du 19ème siècle. Les recueils les plus significatifs de ses poèmes sont les Chants d'innocence, publiés en 1789, et les Chants d'expérience, publiés en 1794. Ces poèmes, plus tragiques que lyriques, dépeignent la vie d'une grande ville engloutie par le capitalisme. Le poète défend la destruction du monde bourgeois détesté. Alors que ses œuvres à grande échelle, telles que "Livres prophétiques", sont remplies d'optimisme historique et de foi en la victoire des forces du bien sur les forces du mal.

Depuis 1812, une nouvelle génération de poètes romantiques est arrivée en Angleterre. Parmi eux figurent J. Byron, P. B. Shelley, J. Keith, après leur mort dans les années 20. 19ème siècle le romantisme cesse d'être la tendance principale de la littérature anglaise et tombe en décadence. Et en 1832, à la mort de W. Scott, le romantisme disparaît complètement, laissant place à d'autres courants littéraires.

Samuel Taylor Coleridge

Samuel Taylor Coleridge est né le 21 octobre 1772 à Ottery St. Mary, dixième enfant de son père, qui a été pasteur. À l'âge de 9 ans, il a été envoyé dans une école de Londres, où il a passé toute son enfance et s'est lié d'amitié avec le célèbre Charles Lamb. Après avoir quitté l'école, il entre à Cambridge, où il étudie la littérature classique et la philosophie, mais il est expulsé de l'université pour ne pas soutenir les idées républicaines. Inspiré par les idées de la Grande Révolution, il publia avec son ami Robert Southey la revue The Guardian, donna des conférences à Bristol sur des sujets politiques et écrivit en 1789 le poème "The Bastille Falling".

Un peu plus tard, il est soudainement désillusionné par les idées révolutionnaires et entre au service militaire, n'étant libéré qu'un mois plus tard. Des amis l'aident à retourner à l'université, dont il sort diplômé en 1794, et la même année, avec R. Southey, crée la tragédie La Chute de Robespierre, où il condamne activement la révolution - la terreur napoléonienne.

Des amis sont finalement déçus par la "vieille Europe" et décident de déménager en Amérique. Cependant, faute d'argent, le voyage échoue et ils déménagent à Bristol, où ils épousent les deux sœurs Fricker. Afin de gagner de l'argent pour la famille, S. Coleridge donne des conférences publiques, publie un journal, mais tout cela n'apporte pas de satisfaction matérielle. Le poète se lance tête baissée dans la poésie, dans laquelle son sort et la situation difficile de la famille sont clairement lus. Tous ces troubles de la vie, ainsi que l'apparition de la maladie, ont fait naître chez le poète une passion pour l'opium. Il déménage dans le village d'Alfoxden, où il devient le voisin de W. Wordsworth, faisant des promenades et des conversations quotidiennes avec lui. Au cours de cette période, il a écrit des poèmes tels que "The Old Sailor", "Christabel", le recueil "Lyrical Ballads", qui est devenu plus tard le manifeste du romantisme classique anglais. Cependant, cet essor créatif a duré un peu plus de deux ans.

L'année suivante, les deux poètes traversent les lacs d'Angleterre, d'où S. Coleridge puise la beauté de sa terre natale, qui se reflète dans ses œuvres ultérieures.

Il s'installe avec sa famille sur les lacs anglais à côté de R. Southey et W. Wordsworth. C'est ce quartier qui a donné le nom "école du lac". La santé du poète se détériore peu à peu, et même après un voyage chez le P. Malte, qui était censée être curative, il en revient encore plus malade. Son addiction à l'opium affaiblit son activité intellectuelle. Pendant les années de maladie, il est devenu une personne très religieuse, s'est éloigné de sa famille et a commencé à vivre séparément et à écrire de nombreux ouvrages sur des sujets philosophiques et religieux. Le poète est mort en 1834 à Londres.

L'idée principale de l'œuvre romantique de S. Coleridge est l'idée du rôle principal de l'imagination dans la pratique littéraire. C'est elle qui est présentée au poète comme une force vivifiante capable de modifier les sentiments et les images, ainsi que d'unir le disparate en un tout. Selon les mots du poète lui-même, "l'imagination recrée le monde".

Dans son travail littéraire, S. Coleridge crée des exemples d'œuvres orientées vers le romantisme avec une caractéristique caractéristique de cette époque - un mouvement du fragmenté vers l'ensemble. Cependant, il ne le fait pas par transitions douces, mais par sauts, à travers la fantaisie poétique, la conjecture et l'intuition littéraire. Ces œuvres, qui semblent avoir une structure fragmentaire, saturée de symboles complexes et d'étranges images romantiques, incluent : "Christabel", "Kubla Khan", "The Old Sailor", etc.

The Old Sailor est une ballade écrite dans le style du Moyen Âge, qui retrace clairement le thème du problème religieux séculaire - le péché et son expiation. Le vieux marin tue l'Albatros blanc avec une flèche, qui était le compagnon préféré et talisman de l'équipe, car il portait chance lors de longs voyages. Albatros dans ce travail joue le rôle d'un symbole de bonté, de pureté et de philanthropie. Par cet acte cruel, le vieux marin condamne à mort ses amis et coéquipiers. Le navire commence à dériver le long des vagues de l'océan sans fin. La mort et sa compagne la vie passent devant le navire naufragé dans un dirigeable.

Bouche rouge, or jaune

De terribles brûlures du regard :

La peau blanche fait peur

C'est la vie après la mort, l'esprit de la nuit,

Ce qui glace le coeur...

Le marin éprouve des souffrances insupportables non pas tant de la soif, de la faim et du soleil brûlant, mais des affres de sa propre conscience pour l'oiseau tué. Et pour son acte perfide, pour le mépris des intérêts de la majorité, il est puni par une douloureuse solitude :

Seul, seul, toujours seul

Un jour et une nuit.

Les tourments du marin s'arrêtent lorsqu'il admire la beauté et la grandeur de l'océan sans fin, à ce moment le charme est dissipé et le navire atteint la terre. Le protagoniste commence à errer dans le pays et raconte son histoire aux passants comme une leçon.

L'un des critiques littéraires écrira plus tard : « De nouveaux aspects tragiques des destinées humaines, annoncés par l'effondrement de la Révolution française et le renforcement du domaine prosaïque et mercantile des « libertés » égoïstes et bourgeoises. Le thème de la désunion fatale, l'incapacité à communiquer avec les gens, la solitude inéluctable de l'individu, cette terrifiante vie et dans la mort que l'existence s'est avérée être pour beaucoup - c'est ce que Coleridge a réussi à montrer dans The Old Sailor and his autres travaux.

William Wordsworth

William Wordsworth - un poète romantique anglais exceptionnel, est né le 7 avril 1770 à Cockermouth et était le deuxième des cinq enfants de D. Wordsworth. Diplômé de l'école classique anglaise, il en sort enrichi de connaissances dans le domaine de la philologie, des mathématiques et de la poésie anglaise. En 1787, il entre à l'université de Cambridge, où il étudie la littérature anglaise et italienne.

Plus tard, il a beaucoup voyagé en Allemagne, en France et en Suisse, acquérant de nouvelles impressions sur la Révolution française et enrichissant sa connaissance des langues étrangères. Sa sœur Dorothea l'accompagne dans ses voyages. En 1802, il épouse Mary Hudchinson. Reçoit une bonne fortune d'un montant de 8 000 livres, laissée par les héritiers de l'employeur de son père, qui de son vivant a refusé de payer la dette au père de William. Depuis 1815, à la fin des guerres napoléoniennes, William a parcouru l'Europe à plusieurs reprises, accompagné de sa femme et de ses cinq enfants.

Les 20 dernières années de la vie du poète sont assombries par la maladie de sa sœur bien-aimée et la mort de sa fille unique bien-aimée (1847). W. Wordsworth est décédé à Redel Mount le 23 avril 1850.

W. Wordsworth dans son travail a toujours essayé de présenter des choses simples sous un jour ordinaire, ce qui le distinguait de manière frappante de S. Coleridge, qui saturait ses œuvres de fantaisie et de mysticisme. Ses Lyric Ballads, en particulier leur deuxième édition, devinrent par la suite le manifeste de tout le romantisme anglais du XIXe siècle.

W. Wordsworth a écrit sur un sujet complètement nouveau, qui n'était auparavant reconnu par aucune des personnes créatives dans aucune des directions, car il était considéré comme vil, inesthétique et indigne de la plume de l'écrivain. Ayant fait une révolution dans la littérature anglaise, il a placé les pensées, les sentiments et le destin des paysans au centre de son œuvre, car eux seuls, à son avis, représentaient la valeur sociale - à la fois morale et esthétique.

W. Wordsworth était une sorte de révolutionnaire littéraire, son slogan était : "La poésie pour tout le monde - par conséquent, sa langue devrait être accessible aux personnes de toutes les classes". Il s'est rebellé contre la poésie habituelle des classiques, s'opposant activement à la division conditionnelle des genres littéraires en genres supérieurs et inférieurs, et a également critiqué les poètes de salon qui ont tenté, en utilisant les règles du style élevé, de limiter la portée de la poésie au cercle de "quelques privilégiés". L'objectif de Wordsworth était d'abandonner complètement la description de la vie de la haute société des dames et des messieurs et de reprendre l'histoire de la vie des gens ordinaires qui vivent et travaillent en unité avec la nature de génération en génération. Afin de donner vie à cette idée, il était nécessaire de créer une nouvelle méthode, de composer de nouveaux principes esthétiques de la littérature de genre et d'utiliser des moyens stylistiques et linguistiques complètement différents. Voici des citations de ses mémoires : « Les poètes écrivent non seulement pour les poètes, mais aussi pour les gens*. "Je me suis fixé pour objectif ... d'appliquer le langage même qui appartient à tous les peuples *. Dans ses œuvres immortelles, W. Wordsworth dessine des images ordinaires, assez terrestres et réelles pour les lecteurs, il essaie de ne pas utiliser de métaphores complexes afin de simplifier son travail et de le rendre accessible au public. Dans ses poèmes, il idéalise de plus en plus la nature patriarcale de la vie du village, apprécie la religiosité et la tranquillité des paysans. Bien que, d'autre part, il ait tout un cycle de poèmes dans lesquels il décrit le déclin et la destruction du patriarcat, qu'il appréciait beaucoup, la mort de la propriété paysanne aux mains des grands propriétaires terriens et des seigneurs féodaux. Il décrit tout le chagrin de la ruine des familles paysannes, vouées à une existence pauvre et au vagabondage dans les grandes villes.

Si l'on compare la poésie de W. Wordsworth avec les œuvres de ses prédécesseurs - les classiques et les sentimentalistes, on peut dire que Wordsworth a réussi à mettre dans la bouche de ses héros - agriculteurs, pêcheurs, soldats, marins, ouvriers - des histoires sur son troubles, errances et errances si simples, inhérentes seulement à leur vernaculaire. Toutes ces histoires sont racontées simplement et naturellement, et en même temps elles transmettent toute la profondeur des expériences et des vrais sentiments de ces gens simples. Avant Wordsworth, seul C. L. Berne y était parvenu. Dans les ballades de Wordsworth, des paroles profondes, un sens raffiné de la nature sont visibles, il utilise des formes poétiques simples et compréhensibles pour exprimer ses idées. Par exemple, dans la ballade "The Dreams of Poor Susanna", il s'agit d'une fille qui est venue de son village natal à Londres. La grande ville l'effraie, la remplit d'horreur et de nostalgie de sa terre natale, quand soudain elle entend le chant d'une grive. Ce son familier l'amène dans un état de bonheur absolu et retourne en enfance, elle voit sa maison, un jardin fleuri, un ruisseau, des prairies d'eau et des pâturages. Cependant, la vision disparaît à nouveau et elle se retrouve à nouveau dans une rue de Londres parmi le même type de maisons grises, n'attendant pour elle que "un sac avec un bâton, et une croix de cuivre, et la mendicité, et une grève de la faim*. C'est dans ce poème que se révèle tout le talent de Wordsworth pour présenter le phénomène le plus ordinaire sous forme d'images magiques uniquement avec l'aide de l'imagination. Ceci est accessible à tout le monde, mais tout le monde ne peut pas y parvenir sans l'aide de la poésie.

Wordsworth déplore le sort des paysans, que toute une classe sociale, les petits propriétaires-fermiers libres, si chers à l'auteur avec leurs coutumes et traditions patriarcales, soit détruite. Le romantisme de Wordsworth est qu'il ne comprend pas l'irréversibilité du processus de destruction et de disparition des petits propriétaires sous la menace de la révolution industrielle. Il ne comprend sincèrement pas l'inutilité de ses tentatives d'influencer la conscience et la prudence des industriels et du gouvernement. Après tout, il a envoyé à plusieurs reprises de nombreuses lettres aux puissants de ce monde, dans lesquelles il demandait de ne pas construire de chemins de fer sur le site des villages et de ne pas établir d'usines dans la région des lacs.

Le poète, avec toute son œuvre, essaie de transmettre aux lecteurs l'incompréhensibilité et la beauté du monde qui l'entoure. Par exemple, dans le poème "Coucou", il parle de sa rencontre avec un oiseau forestier, donnant à cette occasion ordinaire un certain mystère et mystère :

Mystère pour moi...

Ô oiseau mystérieux !

Le monde autour,

dans lequel nous vivons

Une vision m'apparaît soudain.

C'est votre maison magique.

Traduction de S. Ya. Marshak

Les poètes romantiques ont toujours cru que les enfants sont plus sensibles au monde subtil, qu'ils ressentent un lien avec les forces d'un autre monde. Ceci est bien exprimé dans le poème "Nous sommes sept", où une simple villageoise de huit ans, lorsqu'un voyageur lui demande combien de frères et sœurs elle a, répond "nous sommes sept", ne percevant pas son frère et sa sœur décédés. comme irrémédiablement perdu par elle.

En 1799, W. Wordsworth a créé un cycle de poèmes "Lucy", qui comprenait trois poèmes : "Amour passionné", "Elle s'est cachée dans les forêts" et "J'étais dans un pays étranger pendant longtemps". Sous une forme romantique, le poète tente de nous transmettre le processus de compréhension de la mort de ses propres rêves de jeunesse, inspirés de l'ère des Lumières précédente, qui parle d'harmonie et de bonheur dans le monde entier. Il incarne ses rêves et ses espoirs dans l'image pure et lumineuse de la fille Lucy, dont la mort nous montre à quel point les contemporains de l'auteur sont devenus seuls et comment ils souffrent de leur désunion, ne pouvant pas la surmonter.

Oubliant, pensai-je dans un rêve,

Qu'en est-il des années en cours

Au-dessus de celui qui m'est le plus cher,

A partir de maintenant, il n'y a plus de courant.

Elle est dans le berceau de la tombe

Destiné à jamais

Avec les montagnes, la mer et l'herbe

Tourner ensemble.

Traduction de S. Ya. Marshak

Les œuvres lyriques de W. Wordsworth sont devenues la scène principale de la lutte littéraire pour une nouvelle direction de l'art. Son travail a été très apprécié dans toute l'Europe et en Russie par des auteurs éminents tels que W. Scott, P. B. Shelley.

« Dans la littérature adulte, vient le temps où les esprits, ennuyés par les œuvres d'art monotones, le cercle restreint de la langue convenue et choisie, se tournent vers de nouvelles fictions folkloriques et vers d'étranges vernaculaires, d'abord méprisables.

Alors maintenant, Wordsworth, Coleridge ont emporté les opinions de beaucoup ... Les œuvres des poètes anglais ... sont pleines de sentiments profonds et de pensées poétiques, exprimées dans la langue d'un honnête roturier.

A. S. Pouchkine appréciait hautement l'œuvre lyrique de W. Wordsworth et disait que * loin du monde vain, il puise l'idéal de la Nature.

Tout au long de sa vie, W. Wordsworth a écrit le poème autobiographique "Prelude", dont le brouillon a été achevé en 1804. Il l'a régulièrement réécrit, en ajoutant de nouveaux détails et intrigues. Cependant, il n'a été publié qu'après la mort du poète en 1850. Le protagoniste du poème est plutôt une image lyrique généralisée, un romantique qui, au début de sa vie, croit fermement au brillant avenir de la révolution, puis perd la foi.

W. Wordsworth a joué un rôle important dans le développement du romantisme anglais et américain. Il a posé la théorie de la responsabilité morale de tous les écrivains envers le peuple, envers les personnes qui lisent leurs œuvres, estimant que les poètes et les écrivains sont des enseignants, des mentors, des législateurs des normes et des ordres sociaux. C'est en cela qu'il a vu le pouvoir social de l'art.