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NÉOIMPRESSIONNISME (du néo-impressionnisme français) - une tendance de la peinture apparue en France vers 1885. Les plus grands représentants de ce courant sont J. Seurat et P. Signac, créateurs technique artistique divisionnisme. Les néo-impressionnistes français et leurs successeurs ont poursuivi la tradition de l'impressionnisme tardif. Utilisant la technique de la décomposition des tons en couleurs pures, ils tentent d'appliquer les découvertes faites dans le domaine de l'optique à l'art. En même temps, ils ont essayé de s'éloigner de la fragmentation et de l'aléatoire caractéristiques des impressionnistes, ils se sont efforcés d'une création plate-décorative de paysages et de peintures sur panneaux à plusieurs figures. Le mélange optique des tons purs du spectre effectué par eux conduisait, d'une part, à une sensation de lumière blanche éblouissante, et d'autre part, à une couleur blanchâtre fanée.

NÉOCLASSICISME , néoclassique - terme désignant diverses tendances artistiques apparues après le classicisme du XVIIe siècle, se concentrant sur les exemples classiques de l'art de la Grèce antique, de la Rome antique et de la Renaissance et visant à en faire un critère art contemporain. Le plus souvent, le terme "néoclassicisme" est utilisé pour désigner le courant au sein du style Art nouveau, le fonctionnalisme précoce et l'avant-garde précoce du premier quart du XXe siècle.

NUANCER(nuance française) - identique à l'ombre.

VOLUME(Volume anglais, français, allemand Umfang, Volumen) - en peinture, dotation illusoire d'objets et de figures des qualités d'un corps physique situé dans l'espace à l'aide du modelage, du clair-obscur, de la ligne, de l'élaboration plastique des formes et de la perspective. Le problème du transfert de volume peut être résolu de différentes manières : d'un rejet complet de celui-ci (une image plate des post-impressionnistes) à sa reproduction presque réelle à l'aide d'effets stéréoscopiques.

COULEURS PRIMAIRES - des couleurs jaunes, rouges, bleues qui ne peuvent pas être obtenues en mélangeant d'autres couleurs, mais les mélanger entre elles ou avec des couleurs supplémentaires permet de reproduire les couleurs naturelles du monde environnant.

TEINTE, nuance (nuance française, teinte anglaise, allemand Schattierung) - une légère différence dans une couleur ou un ton clair et ombré. Un système de nuances soigneusement conçu contribue à la création d'une couleur picturale riche et à une élaboration fine de la modélisation de la lumière et de l'ombre.

PALETTE(palette française) - un ensemble de couleurs utilisées par l'artiste lors de la création d'une peinture.

PANO(Panneau français) - une peinture qui sert à décorer un mur, le plafond d'une structure architecturale, réalisée sur toile à l'huile ou à la détrempe à l'extérieur de l'endroit qui lui est destiné.

PASTEL(pastel français, pastel italien, pâtes - pâte) - crayons de couleur sans monture moulés à partir de poudre de peinture, ainsi que peinture et dessin avec eux.
Ils écrivent au pastel sur la surface rugueuse du papier, du carton, de la toile apprêtée, etc. Et ils commencent avec des crayons durs et finissent avec des crayons mous. La poudre colorée est ombragée avec les doigts ou un mélange spécial.
Les œuvres réalisées avec des pastels se distinguent par une surface mate veloutée de la couche picturale, une couleur sonore et pure, une douceur des couleurs qui conservent longtemps leur fraîcheur d'origine. Parmi les impressionnistes, E. Degas se distingue par sa passion pour le pastel.

PASTOSITÉ (de l'italien pasto-so - pâteux) - une technique artistique, exprimée dans l'épaississement de la couche de peinture résultant de l'application de traits épais directement sur le sol ou sur des couches déjà séchées.
La pastosité se manifeste dans le relief, les irrégularités de la couche picturale, dans un trait plastique et sert à souligner le côté matériel du sujet et à donner du dynamisme à la composition.

PAYSAGE(Paysage français, paysage anglais, Landschaft allemand) - un genre d'art ou ses œuvres individuelles montrant la nature et l'environnement humain. Selon ce sur quoi l'attention de l'artiste est concentrée et la nature de l'image, on distingue un paysage rural, urbain, architectural, industriel, les images de l'élément eau - mer (marina) et paysages fluviaux - appartiennent à une variété particulière de paysage. De plus, le paysage peut être historique, montrant l'apparition de la Terre dans le passé ou reflétant les lois éternelles du développement de la nature - et fantastique, basé sur l'imagination de l'artiste. Le paysage cosmique, ou astral, s'est répandu - un espace étoilé réellement vu de la Terre ou inventé, ainsi que des images de planètes et d'autres objets spatiaux. À partir du XVIe siècle. le paysage se constitue en un genre indépendant et ses principales variétés apparaissent : paysage lyrique, héroïque, documentaire. Ceci est lié au travail d'artistes tels que P. Brueghel aux Pays-Bas, A. Altdorfer en Allemagne, P. Rubens en Flandre, J. van Goyen, Rembrandt, J. van Ruisdael en Hollande, N. Poussin, C. Lorrain en France, F. Guardi en Italie.
La principale conquête du XIXème siècle. dans le domaine du paysage - plein air - a conduit à l'émergence de l'impressionnisme (les Français E. Manet, C. Monet, O. Renoir), qui a ouvert de nouvelles possibilités dans le transfert d'espace, les changements dans l'environnement lumineux et aérien, et des couleurs complexes. Principaux peintres paysagistes de la fin du XIX - début du XX siècle. (P. Cezanne, V. Van Gogh, A. Matisse en France, M. S. Saryan en Arménie, A. I. Kuindzhi, N. K. Roerich en Russie) tentent de résoudre des problèmes philosophiques complexes, élargissent les qualités émotionnelles et associatives de la peinture de paysage.

PLÉNIÈRE(Plein air français, lettres, plein air) - le transfert en peinture des changements survenus dans la nature dans des conditions naturelles, sous l'influence de la lumière du soleil, de l'air et des phénomènes atmosphériques.
La peinture en plein air, contrairement au travail en atelier, s'intéresse à l'étude de l'environnement, des reflets, des changements de couleurs, des transitions, des nuances, des ombres observées à l'air libre. Ses principales caractéristiques sont une couleur claire, une couleur rayonnante pure, une sensation d'environnement léger et aérien, etc.

contour(de l'allemand abriß - dessin, contour) - les contours linéaires de la figure ou de l'objet représenté.

accent- la technique consistant à souligner avec la couleur, la lumière, une ligne ou l'emplacement dans l'espace d'une certaine figure, d'un visage, d'un objet, d'un détail d'image, qui nécessite une attention particulière pour le spectateur.

aérographe- un dispositif de pulvérisation fine de peinture à l'air comprimé lors de son application sur du papier, du tissu, etc.

baguette(de la baguette française, lit. bâton) - une planche en bois ou en plastique pour fabriquer des cadres et décorer les murs.

valer(du français valeur - valeur, dignité) - une nuance de ton, exprimant (par rapport à d'autres nuances) toute quantité de lumière et d'ombre.

vernissage(du vernissage français, littéralement - vernissage) - la grande ouverture de l'exposition, à laquelle participent des personnes spécialement invitées: artistes, critiques, personnes associées à l'art, etc.

scratch(du français grattage, de gratter - gratter, gratter) - une façon de faire un dessin en grattant du papier ou du carton recouvert d'encre sur de la cire avec un stylo ou un instrument pointu.

amorçage(de l'allemand grund - base) - une fine couche d'une composition spéciale appliquée sur la base afin de donner à sa surface les propriétés de couleur ou de texture souhaitées par l'artiste et limiter l'absorption excessive classeur.

déformation- une technique artistique qui valorise l'expressivité de l'image, consistant à modifier la forme visible de l'image.

décoratif- un ensemble de propriétés artistiques qui renforcent le rôle émotionnel-expressif et artistique-organisateur des beaux-arts.

diptyque(du grec diptychos - double, plié en deux) - deux tableaux reliés par une seule idée.

détaillant- Étude attentive des détails de l'image.

reproduction- en restauration - renforcer un support abîmé ou délabré d'un tableau en le collant sur un autre support. Habituellement, la duplication est utilisée dans le domaine de la peinture à l'huile.

genre(du genre français, du genre latin - genre, espèce) - une division interne historiquement établie dans tous les types d'art.

flétrissement- changements dans la couche de peinture, à cause desquels une partie de la surface de l'image ou de l'étude devient mate, perd la brillance et la sonorité des couleurs.

œillet- techniques picturales de superposition multicouche de peintures utilisées dans la représentation de la peau humaine, de son visage et d'autres parties nues du corps.

coloration(de l'italien colorito, de la couleur latine - couleur, coloration) - un système de corrélations de tons de couleur qui forme une certaine unité et est une incarnation esthétique de la diversité colorée de la réalité.

collage(du collage français, littéralement - collage) - une technique technique dans beaux-Arts, en collant sur n'importe quelle base des matériaux qui en diffèrent par la couleur et la texture.

composition(du latin compositio - compilation) - la construction d'une œuvre d'art, en raison de son contenu et de son caractère. La composition est l'élément le plus important de la forme artistique, donnant unité et intégrité à l'œuvre.

contreposte(de l'italien contrapposto - ci-contre) - une réception d'image dans laquelle la position d'une partie du corps est contrastée avec la position d'une autre partie.

lettre de corpus- accueil technique en ; travailler avec de l'huile, de la détrempe et d'autres peintures appliquées dans une couche compacte et opaque.

coroplastie- production de figurines féminines en terre cuite, cire, plâtre, etc.

craquelé(de la craquelure française - une petite fissure) - une fissure dans la couche de peinture des peintures.

crépiter(du français craquelé) - un réseau de fines fissures sur la surface émaillée des produits céramiques, créées pour un effet décoratif.

glaçage(de l'allemand lasierung - revêtement de glaçure) - une technique de peinture qui consiste à appliquer de très fines couches de peintures transparentes et translucides sur une couche de peinture séchée.

lustres- une fine pellicule transparente appliquée sur la surface émaillée des produits en porcelaine et en faïence pour leur donner un éclat métallique irisé après cuisson.

couteau à palette(de l'italien mestichino - spatule) - un outil en acier flexible sous la forme d'un couteau ou d'une spatule. Un couteau à palette est utilisé par les artistes pour nettoyer une palette ou pour enlever partiellement la peinture humide d'une peinture. De plus, un couteau à palette est utilisé à la place d'un pinceau pour appliquer de la peinture en une couche uniforme ou un trait en relief sur l'image.

miniature- une œuvre d'art, caractérisée par la petite taille et la subtilité des techniques artistiques.

la modélisation(du français. modeleur - sculpter) - le transfert du relief, la forme des objets représentés et des figures dans les conditions d'un éclairage particulier. Sur la figure, la modélisation est réalisée par clair-obscur, en tenant compte du changement de perspective dans les formes.

chevalet(de l'allemand, plus utilisé malbrett - étagère à peinture) - une machine à peindre en bois ou en métal, sur laquelle une civière avec toile, carton ou planche est fixée à différentes hauteurs et avec différentes pentes.

monochrome(du grec mono - un et chroma - couleur) - la monochromaticité des œuvres d'art et d'artisanat, de la sculpture et de l'architecture.

Peinture sur structures architecturales et autres bases fixes. Les principales techniques de peinture monumentale sont la fresque, la mosaïque, le vitrail. La peinture monumentale est le type de peinture le plus ancien, connu dès le Paléolithique (peintures rupestres, etc.). En raison de leur longévité, les œuvres de la peinture monumentale sont restées de presque toutes les cultures.

maulstick(de l'allemand Maßstab) - un bâton en bois avec lequel la main droite du peintre est soutenue tout en travaillant sur les détails fins de l'image.

esquisser- une œuvre de peinture, de dessin ou de sculpture de petite taille, couramment et rapidement exécutée par l'artiste.

nuancer(du français nuance - ombre) - une nuance de couleur très subtile ou une très légère transition de la lumière à l'ombre.

obscure(du lat. obscurans - sombre) - une chambre sombre connue du Moyen Âge avec un trou miniature. La camera obscura est capable de projeter une image miniature inversée des objets vers lesquels le trou pointe sur le mur. La camera obscura était utilisée par les artistes du 18ème siècle lors de la préparation de croquis.

la base- toile, carton, contreplaqué, carton, papier, soie, etc., sur lesquels un apprêt et une couche de peinture de peinture sont appliqués.

palette(de la palette française) - 1) une petite planche de bois mince pour mélanger les peintures; 2) la nature des combinaisons de couleurs typiques pour un tableau donné, pour les œuvres d'un artiste donné, ou école d'art.

panneau(du français panneau - avion, du latin pannus - un morceau de tissu) - 1) une partie du mur, mise en valeur par un cadre (cadre en stuc, ruban ornemental, etc.) et remplie d'une peinture ou d'une image sculpturale; 2) peintures de grandes tailles sur toile, remplissant l'espace (généralement dans les murs).

panorama(du grec pan - tout et horama - un spectacle) - 1) une forme d'art synthétique conçue pour créer une illusion visuelle, l'effet d'être présent à l'événement représenté ; 2) une bande-image circulaire et un plan de sujet situé devant.

passe-partout(du français passe-partout) - un cadre en carton pour le dessin, la gravure, la photographie, l'aquarelle ou la gravure.

pâleur(de l'italien pastoso - pâteux) - la qualité de la couche de peinture, qui se produit en raison de l'application inégale d'une pâte de peinture épaisse sur le sol.

perspective(du point de vue français, du latin perspicio - je vois clairement) - un système pour représenter des corps tridimensionnels sur un plan, transmettant leur propre structure spatiale et leur emplacement dans l'espace, y compris la distance de l'observateur.

pinacothèque(du grec pinax - image et theke - réceptacle) - une collection de peintures, une galerie d'art.

Pinax(du grec pinax - image) - peinture de chevalet grec ancien sur des planches.

Arts plastiques- types d'art dont les œuvres : existent dans l'espace, ne changent pas et ne se développent pas dans le temps ; avoir un caractère substantiel ; effectué en traitant du matériel matériel; perçu par le public directement et visuellement.

Plastique(du grec plastikos - malléable, plastique) - la qualité inhérente à la sculpture, l'expressivité artistique d'une forme tridimensionnelle.

plein air(du français plein air, littéralement - plein air) - 1) le transfert dans l'image de toute la richesse des changements de couleur dus à l'exposition au soleil et à l'atmosphère environnante; 2) peinture extérieure.

sous-couche- la phase préparatoire du travail sur l'image, réalisée dans la technique de la peinture à l'huile multicouche.

tendeur- un cadre rectangulaire en bois, sur lequel est tendue une toile, sur laquelle est ensuite inscrite une image. L'image finie sur une civière est insérée dans une baguette.

polychrome(du grec poly - plusieurs et chroa - couleur) - multicolore (au moins 2 couleurs) d'œuvres d'art et d'artisanat, de sculpture et d'architecture.

pénombre- élément clair-obscur ; dégradé de clair-obscur à la surface d'un objet, occupant une position intermédiaire entre la lumière et l'ombre profonde.

réception- traits distinctifs de la créativité artistique, reflétant l'individualité de l'artiste, son style.

profil(du profil français, du profil italien - contour) - une vue latérale d'une personne ou d'un objet.

se brouiller- une technique de travail au pinceau avec une utilisation abondante d'eau, qui permet d'obtenir des effets picturaux complexes et riches dans les dessins à la sépia, à l'encre, à l'aquarelle, etc.

angle(du français raccourci - réduction, raccourcissement) - une réduction en perspective des objets représentés. Il est utilisé pour la transmission la plus efficace du mouvement et de l'espace.

ombres- en frottant sur une feuille de papier des lignes et des traits tracés au crayon, à la sanguine, au pastel, etc. L'ombrage se fait avec une plume, un élastique, de la mie de pain ou un doigt.

plumage- un bâton court en papier ou en daim avec des extrémités effilées pour frotter un trait dans une tache lors du dessin avec des pastels et d'autres matériaux doux.

réplique(du français réplique - impression, répétition) - la copie de l'auteur d'une œuvre d'art, qui diffère de l'original par sa taille ou par des détails individuels de l'image.

retoucher(du français retouche, de retoucheur - peindre, retoucher) - correction d'images.

réflexe(du latin reflexus - tourné, retourné, réfléchi) - en peinture (moins souvent en graphisme) - un reflet de la couleur et de la lumière d'un objet qui se produit lorsque cet objet est éclairé par un reflet des objets environnants (objets voisins, ciel, etc.).

rythme- une caractéristique de la construction compositionnelle des œuvres, qui est une alternance ou une répétition de toutes les parties. Le rythme améliore l'expressivité de l'image artistique.

prise(de la rosette française, littéralement - une rosette) - un motif ornemental sous la forme d'une fleur épanouie stylisée (par exemple, une rose).

Matériel préparé galerie d'art Art Saint-Pétersbourg
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Voici une brève interprétation des termes techniques, noms et expressions les plus couramment utilisés dans la littérature sur les beaux-arts, dans les catalogues d'expositions d'art, dans les programmes, méthodologies et aides à l'enseignement la faculté.

Les mots du répertoire sont classés par ordre alphabétique. Si dans le texte expliquant tel ou tel terme, il y a un mot tapé en décharge, cela signifie que vous trouverez son explication pour la lettre correspondante de l'alphabet. Les mots étrangers sont suivis entre parenthèses de la langue (abrégé, par exemple : allemand allemand, français français, latin latin, etc.) dont ils sont issus.

ABRIS(Dessin allemand) contours linéaires de la figure ou de l'objet représenté. Identique au contour.

AUTOPORTRAIT(Grec lui-même) un portrait dans lequel l'artiste se représente. Dans ce cas, le créateur de l'œuvre et le modèle (voir) sont réunis en une seule personne (voir Portrait).

ACCENT(lat. stress) dans les arts visuels, la technique consistant à souligner avec la couleur, la lumière, la ligne ou l'emplacement dans l'espace d'une figure, d'un visage, d'un objet, d'un détail d'image auquel le spectateur doit accorder une attention particulière.

ALLA PRIMA(lat. de la première fois) une technique artistique en peinture, consistant dans le fait que l'image est peinte sans enregistrement préalable ni sous-couche.

ANATOMIE PLASTIQUE une branche de l'anatomie qui étudie les proportions du corps humain, la dépendance des formes externes du corps à leur structure interne et les changements qui se produisent à la suite du mouvement. L'attention principale dans A. p. est attirée sur la structure du squelette et des muscles du corps, sur les caractéristiques de la connexion des os et des muscles.

ANIMALISME(lat. animal) représentation d'animaux dans l'art.

PEINTRE ANIMAL un artiste travaillant dans ce genre.

VISAGE COMPLET voir affronter.

APPLICATION(lat. pièce jointe) une image composée de morceaux de papier ou de tissu multicolores, collés ou cousus sur du papier, de la toile, etc. A. La méthode même d'exécution de ces travaux est également appelée.

ASYMÉTRIE voir Symétrie.

COULEURS ACHROMATIQUE voir Couleurs chromatiques.

BLIK(aspect allemand) élément de clair-obscur (voir). La tache la plus claire sur une surface éclairée, principalement brillante ou brillante. Habituellement, cette tache diffère extrêmement fortement dans sa luminosité de la tonalité générale de l'objet.

VALER(fr. valeur, dignité) un concept associé en peinture à la luminosité (voir) de la couleur. Ce terme fait généralement référence aux transitions les plus subtiles du clair-obscur (demi-teintes), qui sont déterminées par des conditions d'éclairage spécifiques et l'environnement aérien.

OPTION(lat. changeant) la répétition par l'auteur de l'œuvre ou de l'une de ses parties (détails) avec quelques modifications. Y compris : modifications apportées à la composition ou à la palette de couleurs de l'image, ou aux gestes et postures des personnes représentées ; dans le décor d'un modèle vivant ou d'objets ; un changement de point de vue sur tel ou tel objet, etc. Dans la composition de l'intrigue, il y a aussi un changement complet de l'image tout en conservant le même contenu. Dans toutes les conditions, la variante suppose la présence d'une similitude avec l'original (voir) dans une certaine mesure.

VITRAIL(fr. verre). Peinture sur verre avec des peintures transparentes ou un tableau (composition, ornement) composé de morceaux de verre multicolores, attachés avec une reliure en métal (généralement du plomb). Les vitraux, l'un des types d'art monumental et décoratif, servent principalement à remplir les ouvertures des fenêtres et des portes.

L'effet artistique est créé par les rayons lumineux pénétrant le verre. Ils donnent une luminosité accrue aux couleurs et provoquent un jeu de couleurs et des reflets lumineux à l'intérieur. Ces propriétés décoratives des vitraux étaient appréciées au Moyen Âge, principalement dans la conception des cathédrales gothiques. L'art du vitrail occupait une grande place dans l'architecture soviétique, principalement dans les pays baltes. Dans l'art contemporain, non seulement les combinaisons de couleurs sont utilisées, mais aussi la texture du verre.

PERSPECTIVE AÉRIENNE voir perspective.

COULEURS les principales relations de tons de couleurs (voir) qui prévalent dans cette œuvre et déterminent la nature de sa solution picturale (par exemple, le tableau est peint dans des couleurs froides, etc.).

HARMONIE(harmonie grecque, unité, cohérence des parties) dans les arts visuels : combinaisons de formes ou de couleurs, ou la relation des parties de l'image qui ont la plus grande cohérence et, par conséquent, sont les plus favorables à la perception visuelle.

PRINCIPAL POINT DE FUITE voir perspective.

HORIZON voir perspective.

GRAVURE(fr. découpé). Un des types de graphisme (voir), qui permet d'obtenir des impressions d'œuvres d'art réalisées sur un matériau solide (bois, métal, linoléum, etc.). Il existe de nombreux types de gravure. Une gravure est une gravure dans laquelle tout le processus de sa production est réalisé par l'artiste du début à la fin de sa propre main. Parallèlement à cela, il existe des gravures dans lesquelles le dessin et ses gravures sont réalisés par différents maîtres. Distinguez la gravure sur chevalet de la gravure sur livre. Deux principaux types de gravure convexe Et avancé. Dans la gravure convexe, la surface de la planche à graver autour du dessin recouverte de peinture est coupée. Les zones qui restent non peintes sur l'impression sont découpées. Dans une gravure en profondeur, les évidements de la planche sont remplis de peinture, réalisée de différentes manières (grattage, découpe, gravure). Dans la technique de gravure, des fraises spéciales sont utilisées.

Types de gravure convexe.

1) Gravure sur bois (gravure sur bois). Il y a des gravures longitudinales et d'extrémité dans le sens des fibres du bois. La gravure finale offre de grandes possibilités, elle est plus pratique pour la technique de gravure. 2) La gravure sur linoléum (linogravure) en termes de technique d'exécution est proche de la gravure sur bois, mais plus que cette dernière, elle utilise l'expressivité des grandes taches. Types de gravure en profondeur : 1) La gravure incisive est l'une des plus courantes. Elle est réalisée avec des fraises en acier, le plus souvent sur du cuivre. Donne la possibilité de transmettre des transitions en clair-obscur. Le plus souvent utilisé pour la reproduction. 3) Eau-forte (fr. vodka forte). Une impression d'une œuvre d'art réalisée sur une planche recouverte d'un vernis spécial. L'image est obtenue en grattant le vernis et en gravant à l'acide. La technique de gravure vous permet d'obtenir une grande facilité et une grande liberté de trait dans le dessin. La gravure en couleur se fait à partir de plusieurs planches, sur chacune desquelles une peinture spécifique est appliquée.

Une gravure est également appelée un travail séparé réalisé dans l'une de ces techniques indiquées.

ARTS GRAPHIQUES(descriptif grec) un type de beaux-arts. Il se caractérise par la prédominance des lignes et des traits, l'utilisation de contrastes de blanc et de noir et une moindre utilisation de la couleur qu'en peinture. G. comprend le dessin proprement dit et divers types de ses reproductions imprimées (gravure (voir), lithographie (voir), etc.).

Selon le contenu et le but, la gravure est divisée en: chevalet (non associé à un texte littéraire) dessin de chevalet, gravure (voir), estampe populaire; croquis préparatoire (voir), croquis croquis; illustration de livres et de magazines-journaux; certificats appliqués, timbres, étiquettes, publicités, etc. ; technique-G. industriel, associé au travail des designers.

GRISAILLE(fr.) technique de performance et travail réalisé avec un seul pinceau (principalement noir ou brun); l'image est créée sur la base de relations tonales (tons plus ou moins clairs).

ART ET ARTS APPLIQUES une forme d'art. Moyens artistiques et D. p. et. sont généralement subordonnés à la destination pratique de l'objet et sont dus aux caractéristiques du matériau et de la technologie. Cet art est plus conventionnel que, par exemple, peinture de chevalet. D. p. et. est étroitement liée à la vie du peuple, elle se caractérise donc par l'utilisation des traditions folkloriques.

DÉTAILS attention méticuleuse aux détails (voir) images. Selon la tâche que l'artiste se fixe et sa manière créative, le degré de détail peut être différent.

DÉTAIL(fr. détail): 1) élément ; 2) un détail qui clarifie les caractéristiques de l'image ; 3) une partie moins importante des travaux ; 4) fragment (voir).

DÉFORMATION(lat.) changer la forme visible dans l'image. D. dans l'art est souvent utilisé comme une technique artistique qui améliore l'expressivité de l'image. Il est largement utilisé dans la caricature (voir), mais se retrouve également dans la peinture de chevalet et la sculpture.

CONCEPTION(concepteur) voir Esthétique technique.

DYNAMIQUE(pouvoir grec) dans les arts visuels : mouvement, manque de repos. Ici, ce n'est pas toujours une image de mouvement - une action physique, qui est un mouvement dans l'espace, mais aussi la dynamique interne (dynamique) de l'image, tant chez les êtres vivants que chez les objets inanimés. D. est atteint par une solution compositionnelle, une interprétation des formes et un mode d'exécution (la nature d'un trait, d'un trait, etc.).

GENRE(fr. genus) un concept qui unit des œuvres sur la base de la similitude des thèmes. Les œuvres d'un Zh. reflètent un certain domaine de la vie humaine ou de la nature. Dans les arts visuels (principalement en peinture), une distinction est faite entre la peinture : nature morte, peinture d'intérieur, peinture de paysage, peinture de portrait et peinture d'intrigue (peinture occasionnelle, peinture d'histoire, peinture de bataille, etc.).

PEINTURE l'un des principaux types de beaux-arts. Les œuvres de Zh. sont réalisées sur le plan de la toile, du carton, du papier, etc. avec divers matériaux colorés. Un rôle décisif dans la peinture en tant que médium artistique est joué par la couleur, qui permet de donner le plus complet, en comparaison avec d'autres types d'art, un reflet figuratif du monde objectif.

Selon les matériaux colorés utilisés, la peinture se subdivise en : aquarelle - peintures à l'eau ; huile Zh.; détrempe; peintures à la cire encaustiques; peinture sèche pastel; peinture à la colle, gouache, etc.

Selon leur objectif, Zh. chevalet (voir), monumental (voir. Fresque) et décoratives et appliquées (cf. panneau).

STRICTEMENT dans la peinture, des changements dans la couche de peinture, à la suite desquels une partie de la surface de l'image ou de l'esquisse devient mate, perdent la brillance et la sonorité des couleurs. G. Il résulte d'un manque de liant dans la peinture - huile qui a imbibé le sol, ou d'une dilution excessive des peintures avec un solvant, ainsi que de l'application de peintures sur une couche de peinture qui n'est pas complètement sèche.

INTÉGRALITÉ une telle étape du travail sur l'œuvre, lorsque la plus grande complétude de l'incarnation de l'idée créative est atteinte, ou, dans un sens plus étroit, lorsqu'une certaine tâche picturale est achevée.

IDÉE(concept grec, représentation) l'idée principale de l'œuvre, qui détermine son contenu et sa structure figurative, exprimée sous la forme appropriée.

BEAUX-ARTS peinture, graphisme (voir), sculpture. Ils comprennent également les arts décoratifs et appliqués (voir). Tous reflètent la réalité dans des images visuelles visuelles. Moi et. parfois appelés spatiaux, car ils recréent des formes visibles dans l'espace réel ou conditionnel. Contrairement aux arts temporels (musique, théâtre, cinéma), dans lesquels l'action se développe dans le temps, dans les œuvres de I. et. dans chaque cas, il est possible de représenter un seul moment spécifique. Depuis l'Antiquité, les artistes ont cherché à dépasser les limites de I. et. à cet égard (par exemple, représenter plusieurs épisodes de la vie d'une personne sur une même image en même temps). Cela inclut également les «marques» dans les icônes, les triptyques, montrant divers moments d'un mouvement dans plusieurs figures, ou le dynamisme (voir) de la construction compositionnelle. Avec une habileté suffisante, l'artiste parvient, même en transmettant un instant, à donner une idée de ce qui s'est passé avant et de ce qui se passera plus tard. Dans chacun des types Et. et. il y a des moyens artistiques inhérents à lui seul (voir).

ILLUSION(lat. illusion) la similitude de l'image avec la nature, à la limite d'une illusion d'optique. Parfois utilisé comme dispositif artistique. Par exemple, dans les peintures monumentales des plafonds et des murs pour créer l'impression d'une plus grande profondeur d'espace ou d'une plus grande taille de la pièce. Souvent, la nature illusoire se manifeste par un transfert inhabituellement précis des qualités matérielles des objets. En raison de la nature illusoire, l'expressivité artistique de l'œuvre et la profondeur de son contenu peuvent être perdues. Cela se produit dans les cas où, dans un travail suffisamment sérieux et profond dans la conception, le désir de similitude externe obscurcit l'essentiel.

ILLUSTRATION(lat.) un reflet superficiel, superficiel ou unilatéral de la réalité dans l'art, le transfert de caractéristiques purement externes d'un phénomène sans pénétrer dans son essence. I. se pose également dans le cas où les caractéristiques de l'intrigue choisies par l'artiste ne peuvent pas être pleinement transmises au moyen des beaux-arts, ou ces moyens et techniques artistiques ne correspondent pas de manière adéquate à la divulgation du sujet.

LIVRE D'ILLUSTRATIONS une sorte d'art graphique (voir), incarnant les images d'une œuvre littéraire, son contenu. I. to. fait également partie de la conception du livre, ses caractéristiques sont donc déterminées non seulement par le contenu du livre, mais également par des qualités externes : format de page, police de caractères, etc.

CARICATURE(Exagérer en italien) représentation délibérément exagérée ou déformée de tout trait caractéristique d'une personne, d'un objet ou d'un événement. K. sert à ridiculiser et à exposer les phénomènes négatifs de la réalité. Puissante arme de critique, elle revêt une grande importance sociale et politique.

PEINTURE une peinture, indépendante par but. Pour arriver à divers genres (voir). Contrairement à une étude (voir), une image peut refléter la réalité avec la plus grande profondeur, sous une forme complète et réfléchie en général et dans les détails.

CÉRAMIQUE(Argile grecque, poterie). Objets d'art et d'artisanat, sculptures et objets utilitaires en terre cuite de différentes qualités et différents traitements. L'argile, le matériau principal de la céramique, possède de hautes qualités plastiques, grâce auxquelles elle est utilisée dans la sculpture sur chevalet et le petit plastique. La céramique comprend la porcelaine, la faïence, la terre cuite, etc. Majolica - produits en argile vernissée.

Les céramiques, émaillées, peintes, peintes (peinture sous glaçure et sur glaçure) se distinguent par de grands mérites décoratifs et d'excellentes possibilités coloristiques.

La céramique ne sert pas seulement à décorer les intérieurs, c'est un matériau architectural et de construction indispensable et un moyen de conception décorative d'un bâtiment. Au cours des dernières décennies, il a été de plus en plus utilisé dans l'architecture soviétique.

COLORITÉ(lat. couleur) une caractéristique de la couleur et de la structure tonale de l'œuvre. K. reflète les propriétés de couleur du monde réel, mais seules celles qui correspondent à une certaine image artistique sont sélectionnées. K. dans le travail est généralement une combinaison de couleurs qui a une certaine unité. Dans un sens plus étroit, K est compris comme l'harmonie et la beauté des combinaisons de couleurs, ainsi que la richesse des nuances de couleurs. Selon la palette de couleurs qui y prévaut, il peut être froid, chaud, clair, rougeâtre, verdâtre, etc. K. affecte les sentiments du spectateur, crée une ambiance dans l'image et sert de moyen important de caractéristiques figuratives et psychologiques .

COMPOSITION(lat. composition, connexion) la construction d'une œuvre, la cohérence de ses parties, correspondant à son contenu. Dans la solution compositionnelle d'une œuvre, le choix du meilleur point de vue sur le représenté, la sélection et la mise en scène d'un modèle vivant ou d'objets revêtent une grande importance.

La construction compositionnelle comprend le placement d'une image dans l'espace (en trois dimensions en sculpture, sur un plan en peinture et en graphisme).

Le travail sur la composition se poursuit de l'idée initiale à l'achèvement de l'œuvre. Ce sont la recherche des voies et moyens de créer une image artistique, la recherche de la meilleure incarnation de l'intention de l'artiste.

Celles-ci incluent: la clarification du centre, le nœud K. et la subordination d'autres parties plus secondaires de l'œuvre à celui-ci; unification de parties distinctes de l'œuvre dans une unité harmonique; subordination et regroupement afin d'atteindre l'expressivité et l'intégrité plastique de l'œuvre.

Le travail sur K. consiste aussi à choisir un thème, à développer une intrigue, à trouver le format et la taille d'une œuvre, à construire une perspective, à coordonner les échelles et les proportions, et dans le schéma tonal et chromatique d'une œuvre.

CONCEPTION(lat.) dans les arts visuels : l'essence, trait caractéristique de la structure de toute forme dans la nature et dans l'image, suggérant l'interconnexion des parties dans leur ensemble et leur relation.

CONTRASTE(fr. différence nette, contraire) dans les arts visuels, une technique artistique répandue, qui est une comparaison de toutes les qualités opposées, contribuant à leur renforcement. Couleur et tonalité K. La couleur K. consiste généralement à comparer des couleurs supplémentaires ou des couleurs qui diffèrent les unes des autres par leur luminosité.

Tonal K. juxtaposition de lumière et d'obscurité. Dans la construction compositionnelle, K. sert de technique, grâce à laquelle l'essentiel est souligné plus fortement et une plus grande expressivité et netteté de la caractérisation des images est obtenue.

CIRCUIT voir contour.

BODY PAINTING peinture, faite de traits denses et épais : ses couches colorées sont opaques et ont souvent une texture en relief (voir).

FORMES DE FORME voir La modélisation.

PERSPECTIVE LINÉAIRE voir perspective.

LITHOGRAPHIE une méthode d'impression dans laquelle les impressions d'une forme d'impression plate (sans relief) (pierre calcaire) sont transférées sous pression sur du papier. Le dessin est appliqué à l'encre grasse (pinceau, stylo) ou au crayon lithographique et, avant l'impression, il est soumis à un traitement chimique, recouvert d'eau et de peinture.

L. Inventé en Allemagne par A. Zenefelder en 1798. E. Delacroix, O. Daumier, V. Serov et le graphisme soviétique G. Vereisky, V. Lebedev, E. Kibrik.

COULEUR LOCALE(fr. local) 1) une couleur caractéristique de la couleur d'un objet donné. L.c. change constamment quelque peu sous l'influence de l'éclairage, de l'air, des couleurs environnantes, etc.; 2) couleur en peinture, prise dans les grands rapports principaux avec les couleurs voisines, sans identification détaillée des nuances de couleur.

DIFFAMER une trace de pinceau avec de la peinture laissée sur un support (toile, carton, etc.). La technique de la peinture avec des traits est très diversifiée et dépend du style individuel de l'artiste, de la tâche qu'il se fixe, des caractéristiques et des propriétés du matériau dans lequel il travaille.

SIMULATION(italien pour guérir) dans la pratique artistique: le transfert de relief (voir), la forme des objets représentés et des figures dans les conditions d'un éclairage particulier. Dans la figure, M. est réalisé dans le ton (clair-obscur) (voir), et le changement de perspective dans les formes est également pris en compte. En peinture, la forme est modelée par la couleur, car ici le côté tonal et coloré sont inextricablement liés. En sculpture, le moulage fait référence au processus même de sculpture et de traitement de formes tridimensionnelles.

Le degré de M. est déterminé par le contenu de l'œuvre et l'intention de l'artiste.

MODÈLE(fr. objet, sujet de l'image) principalement nature vivante, principalement une personne.

MOSAÏQUE(fr.) un des types de peinture monumentale. L'image est composée de nombreux morceaux multicolores de pierres naturelles, de verre coloré (smalt), de carreaux de céramique et d'autres matériaux solides, étroitement ajustés les uns aux autres et fixés à la base (mur, plafond, etc.) à l'aide d'un mastic spécial, ciment et autres substances liantes.

Les particules de mosaïque sont sélectionnées par couleur et ton conformément à l'idée (croquis) de l'artiste. La mosaïque prend en compte les effets qui se produisent à distance en raison du mélange optique des couleurs des particules individuelles et de la position des cubes de mosaïque à une inclinaison par rapport à la source lumineuse et les uns aux autres.

En plus de la mosaïque, qui est composée de petites particules, pour la plupart de la même taille - la mosaïque byzantine, il en existe un autre type - la mosaïque florentine. Dans celui-ci, l'image est généralement composée de morceaux plus gros, le plus souvent de pierres naturelles. Ces pièces sont découpées en fonction des parties du dessin sur lesquelles l'œuvre est réalisée, et ont une forme et une taille différentes.

La mosaïque est également appelée un travail séparé réalisé dans cette technique.

Une qualité importante de la mosaïque n'est pas seulement ses possibilités décoratives, mais le fait qu'elle ne perd pas sa force de couleur d'origine au fil des siècles. Très répandue dans l'Antiquité (en Grèce antique et à Rome) et au Moyen Âge (à Byzance), la technique de la mosaïque prend de plus en plus d'importance dans l'art moderne dans la conception des édifices.

MONOCHROME(grec) unicolore. Cm. Grisaille.

MOTIF(fr.) : 1) un objet de la nature choisi par l'artiste pour l'image, le plus souvent un paysage. M. intrigue, moment déterminant, couleur et solution picturale-plastique d'une image ou d'une étude; 2) dans les arts et l'artisanat, l'élément principal d'une composition ornementale, qui peut être répété plusieurs fois.

MULAGE(fr.) un moulage exact tiré directement de la nature ou de toute œuvre sculpturale. Des masques en cire peinte (ou en papier mâché) de fruits, de légumes et d'autres objets sont parfois utilisés comme aides visuelles.

PERSPECTIVE D'OBSERVATION voir perspective.

FOND NEUTRE voir Arrière-plan.

NUANCER(fr.) une nuance de couleur très fine ou une transition très facile de la lumière à l'ombre, etc.; voir Hué.

IMAGE(artistique) une forme de réflexion des phénomènes de la réalité dans l'art, une forme de reproduction artistique de la réalité. Dans les arts visuels, O. est une expression visuelle sensuellement concrète d'une idée (voir).

Réaliste image artistique implique toujours la généralisation, soulignant les aspects les plus essentiels de la vie. A travers cette typification, l'artiste révèle la vérité et le sens, la régularité intérieure des phénomènes de la vie.

ORIGINAL(lat. le même que l'original) 1) dans les arts visuels : une œuvre qui est une création créative de l'artiste ; 2) toute œuvre d'art à partir de laquelle une copie a été faite.

ORNEMENT(lat. décoration) un motif, généralement distingué par un arrangement rythmique (voir Rythme) des mêmes motifs décoratifs (voir), qui est créé en traitant et en stylisant des images de divers objets du monde réel ou à partir de combinaisons de formes géométriques. O. peut être fabriqué selon différentes techniques. Il sert toujours de décoration pour des objets, des intérieurs, etc.

RELATION la relation des éléments d'image qui existe en nature et est utilisée dans la création d'œuvres. Par exemple, visualisation des couleurs et des nuances (en peinture), tons de luminosité différente (visualisation tonale dans un dessin), visualisation des tailles et des formes des objets (proportions), visualisation spatiale, etc. méthode de comparaison.

Les lunettes ton sur ton et de couleur peuvent être contrastées, nettes ou légères et nuancées. De plus, certains éléments pris dans O. s'avèrent toujours s'influencer mutuellement dans une certaine mesure, puisqu'ils sont perçus en fonction les uns des autres. Par exemple, pratiquement les caractéristiques de couleur et de ton ne sont perçues que lorsqu'elles sont considérées en O. avec d'autres couleurs ou tons, et non isolément de l'environnement.

Toute la variété des caractéristiques et des propriétés du monde objectif est transmise dans les arts visuels à l'aide de O. Cependant, l'artiste n'est pas en mesure de respecter pleinement la nature en couleur et en tonalité O., de la transmettre de manière adéquate, littéralement, puisque ses moyens artistiques sont plus limités que les phénomènes de la nature. Par exemple, le lait de chaux et le papier blanc ne peuvent jamais transmettre avec précision la puissance de la lumière du soleil. Mais, en observant les rapports corrects et proportionnels dans les limites disponibles, il est possible de rendre l'image suffisamment convaincante et réaliste.

TEINTE 1) un changement, parfois à peine perceptible, de la couleur de la nature sous l'influence de son environnement ; 2) une légère différence de couleurs en termes de rapport d'ouverture, de saturation, de tonalité de couleur (voir). Par exemple, la couleur rouge du kraplak a une teinte plus froide et celle du cinabre une teinte plus chaude, etc.; 3) la différence de n'importe quelle couleur lors de sa transition du froid au chaud et vice versa.

PALETTE(italien) 1) une planche, le plus souvent en bois, sur laquelle l'artiste étale et mélange les peintures ; 2) la nature des combinaisons de couleurs typiques pour une peinture donnée, pour les œuvres d'un artiste ou d'une école d'art donnée. On dit : une palette riche, une palette fanée, une palette monotone.

PANO(fr.) 1) Une œuvre de peinture ou de sculpture (bas-relief) à caractère décoratif. Il est destiné à un emplacement précis et permanent à l'intérieur ou sur la façade d'un bâtiment. Le panneau sert généralement à décorer les murs, les plafonds, etc. Le lien étroit avec l'architecture rapproche le panneau de la peinture monumentale. Mais contrairement à ce dernier, le panneau est peint sur une toile fixée sur un châssis comme une peinture de chevalet ordinaire. La forme du panneau est soumise à la forme de l'endroit choisi pour lui. 2) Un panneau est aussi appelé une partie plane du mur dépourvue d'image, délimitée du reste de sa surface et encadrée par une bordure (sculpturale ou picturale). 3) Des panneaux et des panneaux temporaires sont créés, qui servent à décorer les rues de la ville pendant les vacances.

PASTOSITÉ(Italien pâteux) réception de l'écriture picturale, lorsque la peinture est appliquée en traits épais et en relief. Utilisé dans la peinture à l'huile et à la détrempe.

PERSPECTIVE(fr.) 1) un changement apparent de la forme et de la taille des objets et de leur couleur à distance ; 2) une science qui étudie les caractéristiques et les schémas de perception par l'œil humain des formes situées dans l'espace, et établit les lois de l'image de ces formes sur un plan. L'utilisation des lois de P. aide à représenter les objets tels que nous les voyons dans l'espace réel. Selon la tâche que l'artiste se fixe, diverses utilisations de la perspective sont possibles. Il peut être utilisé de manière créative comme l'un des moyens artistiques (voir), améliorant l'expressivité des images (angles (voir), déformations (voir), etc.).

Linear P. détermine les distorsions optiques des formes des objets, leurs tailles et leurs proportions, causées par leur contraction de perspective. Dans la pratique artistique, le soi-disant P. observateur est répandu, c'est-à-dire l'image "à l'œil" de toutes sortes de changements dans la forme des objets.

Les termes principaux et les plus importants de P. incluent: la ligne d'horizon est une ligne droite imaginaire, conditionnellement située dans l'espace au niveau des yeux de l'observateur; point de vue l'endroit où se trouve l'œil qui dessine; point de fuite central un point situé sur la ligne d'horizon directement en face des yeux de l'observateur ; angle de vue (voir "Perspective" en annexe).

P. aérien détermine le changement de couleur, de forme et de degré d'éclairage des objets qui se produit lorsque la nature s'éloigne des yeux de l'observateur, en raison d'une augmentation de l'espace lumière-air entre l'observateur et l'objet.

PLANS D'ESPACE 1) lors de l'observation de la nature, des sections d'espace conditionnellement divisées situées à différentes distances de l'observateur; 2) parties de l'image, différentes en degré d'éloignement dans la profondeur de l'espace qui y est représenté. Habituellement, il y a plusieurs plans : premier, deuxième, troisième ou avant, milieu, loin. Leur nombre peut être différent et dépend de l'objet représenté et de l'idée créative; 3) lors de la modélisation (voir) de la forme, les parties de la forme, différemment situées dans l'espace, sont appelées plans.

PLASTIQUE(Sculpture grecque) -1) l'art de mouler des formes dans le dessin, la peinture et la sculpture ; 2) expressivité des techniques de peinture, sens artistique, liberté et facilité à travailler avec un pinceau en peinture; 3) l'expressivité de la forme dans la sculpture et dans les représentations graphiques et picturales ; 4) identique à la sculpture. P. comprend le plus souvent des œuvres de sculpture en matières plastiques souples argile, cire, pâte à modeler, etc. P. est également appelée la technique de travail de ces matériaux.

PLASTIQUE dans des œuvres de différents types d'art: beauté particulière, intégrité, subtilité et expressivité du modelage et de la palette de couleurs des formes, richesse des transitions de couleurs et de tons, ainsi que l'interconnexion harmonique et l'expressivité des masses, des formes, de leurs lignes et silhouettes (voir) dans la composition.

PLÉNIÈRE(fr. plein air) travail à l'air libre, dans des conditions naturelles, et non dans les murs de l'atelier. Le terme P. est généralement utilisé en relation avec le paysage, ainsi que pour désigner des œuvres de tout type de peinture, se distinguant par la variété et la complexité des relations de couleurs et de tons et transmettant bien l'environnement lumineux et aérien.

PÉNOMBRE un des éléments du clair-obscur (voir). P., tant dans la nature que dans les œuvres d'art, est un dégradé de clair-obscur à la surface d'un objet, intermédiaire entre la lumière et l'ombre profonde.

DEMI-TON ton de transition entre deux tons adjacents à faible contraste dans la partie éclairée du sujet, Dans les œuvres d'art: un moyen d'expressivité de l'image artistique. L'utilisation de P. favorise une plus grande subtilité du modelage (voir) des formes, une plus grande douceur des transitions ton sur ton.

PORTRAIT(fr.) un genre des beaux-arts, ainsi qu'une œuvre dédiée à l'image d'une certaine personne ou de plusieurs personnes (couple, groupe P., etc.).

PROPORTION(lat.) mesure des parties, le rapport des tailles des parties les unes aux autres et au tout. Dans les arts visuels, les P. sont divers. L'artiste traite de différents types de peinture qui déterminent non seulement la construction des formes des figures et des objets, mais aussi la construction compositionnelle des œuvres. Cela comprend la recherche du format de plan de feuille approprié, le rapport des tailles d'image à l'arrière-plan, le rapport des masses, des groupements, des formes entre elles, etc.

ARTS DE L'ESPACE voir Beaux-Arts.

PROFIL(fr.) au sens large : la vue de tout être vivant ou objet en position latérale.

ANGLE(fr.) réduction de perspective des formes vivantes et objectives, les modifiant de manière significative apparence. R. tient au point de vue de la nature (vue d'en haut, d'en bas, de près, etc.), ainsi qu'à la position même de la nature dans l'espace.

RELIEF(fr.) type de sculpture. Contrairement à la sculpture ronde, le volume du R. dépasse partiellement du plan. Il existe différents types de relief : le bas-relief ("ba" en français - bas), dans lequel les figures dépassent du plan de pas plus de la moitié de leur volume ; haut-relief ("go" en français haut), dans lequel les personnages peuvent presque complètement dépasser du plan; en profondeur, ou ancre, dans laquelle l'image est enfoncée profondément dans le plan, sous sa surface.

Image en relief modelage vigoureux d'une forme tridimensionnelle en ton ou en couleur. Voir Modélisation.

RÉFLEXE(lat. réflexion) 1) en peignant une nuance de couleur d'un objet plus fortement éclairé sur la surface qui lui est adjacente. La couleur R. résulte de la réflexion des rayons lumineux des objets environnants. Par exemple, une draperie rouge peut donner un reflet rougeâtre sur la surface d'un pot brun à côté ; 2) dans la figure, la réflexion de la lumière de la surface d'un objet dans la partie ombragée d'un autre.

RYTHME(grec) une des caractéristiques de la construction compositionnelle des œuvres. Le type le plus simple de R. est une alternance ou répétition uniforme de toutes les parties (objets, formes, éléments de motif, couleurs, etc.); se manifeste le plus souvent dans le monumental, l'artisanat et l'architecture.

Dans les œuvres de peinture, de graphisme et de sculpture, la manifestation de R. est plus complexe. Ici, il contribue souvent à la création d'une certaine ambiance dans l'image, grâce à lui, une plus grande intégrité et cohérence des parties de la composition est obtenue et son impact sur le spectateur est renforcé.

R. se manifeste souvent par des variantes (voir) de gestes, de mouvements et de groupements compositionnels de figures, par des répétitions et des variantes de taches lumineuses et colorées, ainsi qu'en alternance lorsque de plus grandes parties de l'image sont placées dans l'espace, qui sont des éléments significatifs de la composition.

LUMIÈRE dans les arts visuels, l'élément de clair-obscur (voir). Tant dans la nature que dans les œuvres d'art, le terme est utilisé pour désigner les parties les plus éclairées de la surface.

PUISSANCE LÉGÈRE un terme lié au clair-obscur (voir). En peinture, le degré de saturation des couleurs avec la lumière, le degré comparatif de luminosité d'une couleur par rapport à d'autres tons de couleur adjacents. Dans un graphique, le degré de légèreté d'un ton par rapport à un autre, situé à côté.

clair-obscur gradation de la lumière et de l'obscurité, le rapport de la lumière et de l'ombre sur la forme. S. est l'un des moyens de construction compositionnelle et d'expression de l'idée de l'œuvre. Grâce à S., les traits plastiques de la nature sont perçus visuellement et transmis dans l'œuvre. Dans la nature, la nature de S. dépend des caractéristiques, de la forme et du matériau de l'objet. Dans les œuvres d'art, S. est soumis à une solution tonale générale.

Gradations de clair-obscur : lumière, ombre, pénombre, reflet, surbrillance (voir).

SESSION(fr.) temps consacré à une occupation quelconque, la période de travail continu de l'artiste sur une œuvre. Ce travail peut se dérouler sur différentes périodes de temps, prendre un nombre d'heures différent. Un artiste peut passer une, deux ou plusieurs séances pour achever une œuvre.

SILHOUETTE(fr.) les grandes lignes d'une figure ou d'un objet en nature. Dans les œuvres d'art : une sorte de figures ou d'objets dans lesquels leur forme est perçue sans détails et une tridimensionnalité prononcée, ou même semble complètement plate (une tache solide sur un fond sombre ou clair). Ainsi, la silhouette devient une figure placée en contre-jour. S. sont également appelés toutes les images sombres de profil dans les graphiques.

SYMÉTRIE(proportionnalité grecque) une telle structure d'un objet ou composition d'une œuvre dans laquelle des parties (ou objets) homogènes sont parallèles les unes aux autres, à la même distance de l'axe central de tout objet qui occupe une position centrale par rapport à elles.

Une composition similaire se retrouve souvent dans les arts et l'artisanat. En peinture et en sculpture, parfois trop stricte (ne correspondant pas au caractère vivant de l'image) S. peut rendre des œuvres sèches et ennuyeuses.

La violation de la structure symétrique des objets caractérisés par la présence de S. est appelée asymétrie.

CHEVALET ART le nom vient de la machine sur laquelle les œuvres sont créées (la machine pour le sculpteur, le chevalet pour le peintre). Les travaux de S.i. ont toujours leur propre sens. Leurs caractéristiques idéologiques et artistiques ne dépendent pas du milieu dans lequel elles se situent. Contrairement aux œuvres d'art monumental et décoratif, elles ne sont pas destinées à un lieu précis (intérieur, dans l'espace) ou à des fins décoratives. À cet égard, lors de leur création, des moyens artistiques légèrement différents sont utilisés. Par exemple, un rendu plus subtil et détaillé des relations de couleurs et de tons est souvent donné (qv) et une caractérisation psychologique plus complexe et plus élaborée des personnages.

STATIQUE(grec debout) par opposition à dynamisme (voir) un état de repos, d'immobilité. S. peut correspondre à l'idée de la solution figurative de l'œuvre. Mais parfois, S. est causé par l'incapacité de l'artiste à transmettre le mouvement, à donner une image plus expressive. Dans les œuvres d'art, S. n'est pas toujours figé. Par exemple, une posture statique en soi, caractéristique d'une figure debout : incliner les épaules et les hanches (parties supérieure et inférieure du corps) dans des directions opposées (le soi-disant contraposto), ne raidit pas la figure humaine et n'a aucune rythme linéaire moins riche qu'une figure en mouvement.

STYLE(fr.) 1) la communauté des caractéristiques idéologiques et artistiques des œuvres de différents types d'art d'une certaine époque. L'émergence et le changement de S. sont déterminés par le cours du développement historique de la société humaine, mais en même temps, il peut y avoir plusieurs styles hétérogènes ou même opposés (par exemple, le classicisme et le baroque); 2) la particularité nationale de l'art (style chinois, style mauresque, etc.) ; 3) le concept de S. définit parfois des caractéristiques artistiques spécifiques individuelles d'œuvres d'art ou de monuments de la culture matérielle (par exemple, S. à figures noires dans la peinture grecque) ; 4) ils parlent également de S. d'un groupe d'artistes ou d'un artiste, si leur travail se distingue par des traits individuels brillants.

PARCELLE(fr.) 1) dans une image d'intrigue : un événement ou un phénomène spécifique représenté dans une œuvre. Un même thème peut être véhiculé dans un ensemble de S. Dans les arts visuels, les intrigues sont avant tout des œuvres de genres quotidiens, historiques et de combat ; 2) dans un sens plus large, on entend par S. tout objet de la nature vivante ou du monde objectif, pris pour l'image, y compris un objet unique. Souvent, S. remplace le concept de motif (voir), qui est à la base de l'œuvre (surtout le paysage).

PROCESSUS CRÉATIF(créativité) le processus de création d'une œuvre d'art, de la naissance d'une idée figurative à son incarnation, le processus de traduction des observations de la réalité en une image artistique. Dans les arts visuels, la créativité de l'artiste consiste toujours à créer une œuvre sous des formes directement visibles. Dans le travail de chaque artiste, il y a beaucoup d'individus, propres à lui seul. Cependant, il y a quelques modèles généraux ici. Habituellement, le travail commence par une recherche compositionnelle d'une solution visuelle et la sélection du matériel. Après cette période préparatoire, l'artiste achève le travail sur l'œuvre. Il arrive que l'artiste, même au stade final de l'œuvre, apporte des modifications et des modifications importantes à l'œuvre, ou même recommence à chercher une incarnation plus réussie de l'idée créative.

SUJET(grec) l'éventail des phénomènes choisis par l'artiste pour dépeindre et révéler l'idée de son œuvre.

OMBREélément de clair-obscur (voir), les zones les plus faiblement éclairées de la nature et de l'image. Distinguer T. propre et tombant. T., appartenant à l'objet lui-même, est appelé propre. Le placement de ces lampes sur sa surface est déterminé par la forme de l'objet donné et la direction de la source lumineuse. La chute est T., projetée par le corps sur les objets environnants.

COULEUR CHAUDE voir Couleur.

ESTHÉTIQUE TECHNIQUE(VOIR ESTHÉTIQUE) le domaine de la créativité artistique associée à la conception et à la production de produits industriels. Dans ce processus créatif, les artistes concepteurs (voir Designers) co-rédigent avec des ingénieurs concepteurs et des technologues.

TON(fr.) le degré de légèreté inhérent à la couleur d'un objet en nature et d'une œuvre d'art. Le ton dépend de l'intensité de la couleur et de sa luminosité (voir).

1) T. dans le dessin, le dessin est généralement unicolore (monochrome), par conséquent, T. est l'un des principaux moyens artistiques. À l'aide des relations de divers t., le volume de la forme, la position dans l'espace et l'éclairage des objets sont transmis. T. traduit également la différence de légèreté des objets, qui est due dans la nature à la variété de leur couleur et de leur matière.

2) T. en peinture, ce concept signifie le rapport d'ouverture (voir) de la couleur, ainsi que la saturation de la couleur (voir). En peinture, les relations entre la couleur et la lumière et l'ombre sont inextricablement liées. Il ne faut pas confondre le concept de T. avec le concept de nuance (voir) et de tonalité de couleur (voir), qui déterminent d'autres qualités de couleur. Des couleurs différentes en T. (clarté) peuvent avoir la même nuance de couleur, par exemple, une couleur bleu-vert peut être plus foncée ou plus claire, mais sa nuance reste la même.

3) Couleur T. une des qualités de couleur (voir).

4) Couleur générale T. de l'œuvre ce terme coïncide dans sa signification avec les concepts de gamme de couleurs (voir) et de tonalité (voir).

5) Tonalité générale en clair-obscur de l'œuvre voir Tonalité.

6) Dans la vie de tous les jours, T. est utilisé pour désigner la couleur des peintures (T. bleu, T. vert peinture, etc.).

7) Dans un sens plus large, dans le discours de tous les jours, le ton remplace souvent les concepts de couleur (voir), d'ombre (voir), de palette de couleurs (voir), de couleur (voir).

CLÉ un certain rapport de couleurs ou de tons caractéristique d'une œuvre donnée, une de ses caractéristiques artistiques. Dans l'annexe T., il est défini par le degré de contraste (voir) les tons sombres et clairs. En peinture, le concept de couleur a la même signification que le jeu de couleurs (voir), car il détermine les caractéristiques de la structure de couleur de l'œuvre, ainsi que les nuances de couleur (voir).

TORSE(Italien) torse humain.

POINT DE FUITE voir perspectives.

TEXTURE(lat. traitement) 1) caractéristiques matériau, surface des objets dans la nature et leur représentation dans les œuvres d'art (par exemple, la surface brillante d'un bocal en verre dans la nature ou dans une image);

2) caractéristiques du traitement du matériau dans lequel l'œuvre est réalisée, ainsi que les qualités caractéristiques de ce matériau (par exemple, le F. d'une peinture est la nature de la couche de peinture, les traits. Il peut être lisse, rugueux, en relief, etc.; en sculpture la nature du traitement de la pierre, du bois, etc.). F. L'œuvre dépend en grande partie des propriétés du matériau utilisé par l'artiste, des caractéristiques de la nature qu'il représente, ainsi que de la tâche et du mode d'exécution. L'écriture individuelle de l'artiste, sa "main", se manifeste dans les beaux-arts de ses œuvres. F. est l'un des moyens artistiques qui contribuent à l'impact émotionnel de l'œuvre.

SAF(fr.) vue de face.

FIXER, FIXER OU FIXER(fr.) fixant le motif avec des composés spéciaux pour lui donner une meilleure conservation.

ARRIÈRE-PLAN(fr. bas, partie profonde) dans la nature et dans une œuvre d'art tout environnement derrière un objet situé plus près, le fond de l'image. Dans les œuvres d'art, le fond peut être neutre, dépourvu d'images ou inclure des images (pictural).

FORMER(lat.) 1) apparence, contour. En ce sens, F. présuppose la présence de la tridimensionnalité, un dessin clair et proportionné ; 2) dans les arts visuels, F. fait référence aux caractéristiques volumétriques-plastiques d'un objet; 3) dans tous les types d'art - moyens artistiques qui servent à créer une image, à révéler le contenu d'une œuvre (voir Contenu et forme). Dans le processus de création (voir), ils trouvent la forme qui convient le mieux à l'idée. Dans toute forme d'art, la forme détermine en grande partie la valeur artistique de l'œuvre. Dans les arts visuels, la photographie artistique est une construction compositionnelle, une unité de moyens et de techniques mise en œuvre dans un matériau artistique et incarnant une conception idéologique et artistique (voir Contenu et Forme).

FORMAT(fr.) la forme du plan sur lequel l'image est faite (rectangulaire, ovale, rond-rond, etc.). Cela est dû à ses contours généraux et au rapport hauteur / largeur. Le choix de F. dépend du contenu et de l'humeur exprimée dans l'œuvre. F. les peintures doivent toujours correspondre à la composition de l'image. Il est essentiel pour la structure figurative de l'œuvre.

FRAGMENT(lat. fragment, fragment) partie du travail d'un vestige existant ou survivant du défunt.

FRESQUE(Italien frais). L'un des principaux types de peinture monumentale (voir). Le liant des peintures est ici une solution aqueuse de chaux ou d'eau. En combinaison avec la substance de plâtre sur le mur (plafond), ils forment une couche de peinture durable. La technique de la fresque est très complexe, car elle ne permet pas de corrections en cours de travail. Ce n'est que plus tard qu'ils sont introduits avec de la détrempe. Lorsqu'il travaille sur une fresque, l'artiste doit également tenir compte d'un certain éclaircissement des couleurs lorsqu'elles sèchent. La fresque est peinte en plusieurs parties, chacune étant réalisée en une seule séance. Ses parties individuelles sont exécutées sur carton (carton en ce cas matériel auxiliaire destiné à la copie), dont le dessin, la composition et la taille sont parfaitement compatibles avec l'œuvre future.

Il existe les types de fresques suivants :

1) peinture sur plâtre humide avec correction à la détrempe ("une fresque"); 2) peinture sur plâtre humide sans corrections ("buon fresco"); 3) peinture sur plâtre sec ("a secco"); 4) peinture caséine-chaux. Ce dernier est le plus durable et vous permet de diversifier le mode de performance plus que d'autres. qualité précieuse Cette technique fait qu'elle est moins sensible aux variations de l'atmosphère que les autres. Par conséquent, il est souvent utilisé pour les travaux extérieurs.

COULEUR FROIDE voir Couleur.

MOYENS ARTISTIQUES tous les éléments figuratifs et techniques artistiques que l'artiste utilise pour exprimer le contenu de l'œuvre. Ceux-ci incluent: composition, perspective, proportions, clair-obscur, couleur, trait, texture (voir), etc.

COULEURS CHROMATIQUES Couleurs (grecques) qui ont une qualité spéciale (ton de couleur voir) qui les distingue les unes des autres. X. c. les couleurs du spectre solaire créées par la réfraction du rayon solaire (rouge, jaune, etc.). Classiquement, les couleurs du spectre sont situées sur la "roue chromatique". Cette échelle de couleurs contient un grand nombre de transitions des couleurs froides aux couleurs chaudes (voir Couleur). Couleurs achromatiques blanc, gris, noir. Ils sont dépourvus de tonalité de couleur et ne diffèrent que par la luminosité (légèreté).

COULEUR l'un des principaux moyens artistiques en peinture (voir). L'image du monde objectif, diverses propriétés et caractéristiques de la nature dans la peinture sont transmises par la relation des couleurs et des nuances de couleurs. Les principales qualités de la couleur sont : la tonalité de couleur, une caractéristique de la couleur qui la distingue des autres couleurs du spectre (le rouge, le bleu, le vert et d'autres couleurs ont des tonalités de couleur différentes) ; luminosité C. la capacité de l'un ou l'autre C. à réfléchir les rayons lumineux. Il existe des couleurs plus claires et plus foncées; saturation (intensité) C. la quantité d'une certaine tonalité de couleur dans un C donné. La saturation de la peinture C. peut changer en la diluant avec de l'eau (à l'aquarelle) ou en y ajoutant du blanc dans la peinture à l'huile ou à la gouache.

Dans la pratique picturale, toute couleur est toujours considérée par rapport aux couleurs qui l'entourent, avec lesquelles elle est en interaction. Cette dépendance est basée sur le rapport des couleurs et des nuances froides et chaudes. L'idée de couleur froide dans la nature et dans les œuvres d'art est généralement associée à la couleur de la glace, de la neige, du lilas, de la couleur colombe des nuages ​​orageux, etc., et de la chaleur - à la couleur du feu, de la lumière du soleil, etc. Les grandes relations de couleurs et de nuances complémentaires ont également une signification en peinture. Ces couleurs et nuances, prises en comparaison, se renforcent mutuellement. Les couleurs supplémentaires incluent les paires de couleurs suivantes : rouge et vert gazon, jaune citron et violet, orange et bleu. Ces mêmes C. contrastent les uns avec les autres. Les contrastes de couleurs supplémentaires, froides et chaudes font partie intégrante de la palette de couleurs des peintures, servant à une plus véridique.

C. l'un des moyens les plus importants de créer une image artistique. La force de l'influence de la couleur sur les sentiments d'une personne, la capacité des différentes couleurs à influencer son humeur de différentes manières, jouent un rôle crucial dans la peinture. Ici C. est un élément de la composition de l'œuvre. Non seulement la répartition des couleurs et de la lumière dans l'image, mais également la sélection des couleurs aident à exprimer plus clairement le contenu de l'œuvre, à créer une certaine ambiance. De plus, la couleur dans la peinture a également une signification esthétique. Une image avec ses couleurs, la beauté de la couleur doit évoquer un sentiment de plaisir esthétique chez le spectateur. Cette qualité est possédée par les œuvres de peintres de différentes époques.

ÉCLORE(Allemand) l'un des moyens visuels d'un dessin. Chaque Sh. est une ligne tracée d'un seul mouvement de la main. Les méthodes de travail de Sh. sont variées. Sh. sont utilisés dans différentes forces, longueurs et fréquences, posés dans différentes directions. En même temps, selon la nature du travail, sh. peut ressembler à des lignes séparées ou se fondre en un point continu.

EXPRESSION(expression latine) expressivité accrue d'une œuvre d'art. E. est atteint par la totalité des moyens artistiques et dépend également du mode d'exécution, de la nature du travail de l'artiste dans un matériau particulier. Dans un sens plus étroit, c'est la manifestation du tempérament de l'artiste dans son style créatif, dans la texture, le dessin et la palette de couleurs de l'œuvre.

ESQUISSER(fr.) une esquisse préparatoire à une œuvre, reflétant la recherche de la meilleure incarnation d'une idée créative. E. peut être fabriqué selon différentes techniques. En travaillant sur une peinture, une sculpture, etc., l'artiste crée généralement plusieurs E. De son point de vue, il utilise les plus performants à l'avenir, développant et complétant la solution précédemment trouvée. Dans e., l'image peut être considérablement développée (voir détails).

ESQUISSER rapidité d'exécution et généralisation importante des détails de l'image. E. peut être dicté par l'intention artistique, mais il peut aussi se manifester comme un défaut dans l'œuvre. Dans ce cas, E. est compris comme une clarté insuffisante dans le transfert de contenu, dans l'expression de la conception idéologique et artistique, des peintures et de la négligence dans l'exécution.

ESTHÉTIQUE(grec) la science de la beauté dans la vie et l'art.

E. étudie les fondements et les modèles de la créativité artistique, la relation de l'art à la réalité, le rôle de l'art dans vie publique. Au sens large, esthétique beau, beau.

ÉTUDE(fr. étude) travail fait à partir de la nature. Assez souvent E. a une valeur indépendante. Parfois, c'est un exercice dans lequel l'artiste améliore ses compétences professionnelles et maîtrise une représentation plus profonde et plus véridique de la nature. E. Ils servent également de matériel auxiliaire et préparatoire à la création d'œuvres. Avec l'aide d'E., l'artiste concrétise l'idée de l'œuvre, qui était à l'origine plus généralisée, élabore les détails, etc.

contour - contours linéaires de la figure représentée, son contour.

Art abstrait - l'une des tendances formalistes des arts visuels, apparue à la fin du XIXe - début du XXe siècle. Les abstractionnistes ont refusé de représenter des objets et des phénomènes du monde objectif (d'où un autre nom pour l'abstractionnisme - l'art non objectif). Leur travail est une tentative d'exprimer leurs sentiments et leurs pensées à travers des combinaisons de couleurs de taches ou de lignes, sans représenter d'objets et d'objets réels. Les abstractionnistes ont abandonné le dessin, la perspective, la couleur et tous les autres moyens du langage visuel de l'art de la peinture. Ils ont ainsi violé les fondements professionnels de la peinture, détruit ses véritables possibilités artistiques. L'abstractionnisme défigure les goûts esthétiques des gens, les éloigne de la compréhension de la beauté de la nature et de la vie.

Adaptation - la propriété de l'œil à s'adapter à certaines conditions d'éclairage. Il y a des adaptations à la lumière, à l'obscurité et aussi à la couleur. La particularité de ce dernier réside dans l'adaptabilité de l'œil à ne pas remarquer la couleur de l'éclairage sur les objets.

Dans des conditions crépusculaires et en général en cas de faible luminosité dans l'œil, les terminaisons nerveuses (photorécepteurs) appelées bâtonnets sont les plus sensibles à la lumière. Avec leur aide, l'œil perçoit des dégradés de noir et de blanc. En cas de forte lumière pendant la journée, d'autres photorécepteurs sont plus sensibles - les cônes, à l'aide desquels la couleur est perçue. Avec l'adaptation à la lumière, la sensibilité de la vision diminue et avec l'adaptation à l'obscurité, elle augmente. Lorsque l'œil s'adapte à l'obscurité, on commence à bien distinguer les détails du paysage. En raison de la sensibilité accrue de l'œil à l'obscurité par temps nuageux et au crépuscule, l'artiste novice perd de vue le niveau d'éclairage général, qui dans ces conditions est beaucoup plus faible que par temps ensoleillé ou gris clair. Au crépuscule, les objets lumineux ne lui paraissent pas réduits en luminosité dans la mesure où l'éclairement est devenu inférieur à l'éclairement diurne précédent. Il remarque également mal les relations tonales plus étroites caractéristiques du crépuscule et d'un jour gris. De plus, malgré l'assombrissement, l'artiste novice distingue dans la nature (ou les ombres) des dégradés de lumière et d'ombre très subtils sur les objets et permet un panachage et une fragmentation excessifs. Ainsi, au début, il n'est pas en mesure d'évaluer et de transmettre avec précision ces changements réels de luminosité et de couleur qui se produisent dans la nature.

L'adaptation est basée sur divers changements qui se produisent dans notre œil lorsque l'intensité lumineuse change. Ainsi, par exemple, pendant la journée, la pupille diminue de 1 à 2 mm, à la suite de quoi peu de lumière passe dans l'œil. Dans l'obscurité, il se dilate de 8 à 10 mm, laissant entrer beaucoup de lumière. Sachant que l'aire de la pupille est proportionnelle au carré du diamètre, on peut établir que si la pupille double de taille, alors la quantité de lumière transmise par celle-ci augmente quatre fois; si la pupille est agrandie quatre fois, la quantité de lumière transmise par celle-ci augmente de 16 fois. C'est en partie la raison pour laquelle on distingue les principaux rapports lumineux au crépuscule. Le réflexe pupillaire à la lumière et à l'obscurité compense donc dans une certaine mesure la diminution de l'éclairement.

Académisme - un terme évaluatif qui fait référence aux tendances de l'art, dont les représentants sont entièrement orientés vers les autorités artistiques établies, croient que le progrès de l'art moderne n'est pas en relation vivante avec la vie, mais dans son plus proche rapprochement avec les idéaux et les formes d'art du passé époques, et défendent absolue, indépendante du lieu et du temps, la norme de la beauté. Historiquement, l'académisme est associé aux activités des académies qui ont formé de jeunes artistes dans l'esprit de suivre sans raison les modèles de l'art de l'Antiquité et de la Renaissance italienne. Originaire pour la première fois de l'Académie de Bologne au XVIe siècle, ce courant s'est largement développé dans les académies des temps suivants ; il était caractéristique de l'Académie russe des arts au XIXe siècle, ce qui provoqua une lutte avec l'académie des artistes réalistes avancés. Canonisant les méthodes et les intrigues classicistes, l'académisme a isolé l'art de la modernité, le déclarant « bas », « bas », indigne du « grand » art.

Le concept d'académisme ne peut être identifié à toutes les activités des académies d'art du passé. Il y avait beaucoup de vertus dans le système d'éducation académique. S'appuyant notamment sur une longue tradition, haute culture le dessin, qui était l'un des plus forceséducation académique.

Peintures à l'aquarelle - adhésif à l'eau à partir de pigments finement broyés mélangés à de la gomme, de la dextrine, de la glycérine, parfois avec du miel ou du sirop de sucre ; sont produits secs - sous forme de tuiles, semi-humides - dans des tasses en porcelaine ou semi-liquides - dans des tubes.

L'aquarelle peut être écrite sur du papier sec ou humide immédiatement, en couleur, et vous pouvez travailler avec des glacis, affinant progressivement les relations de couleur de la nature. Il faut savoir que l'aquarelle ne tolère pas les corrections, la torture, les nombreux enregistrements répétés avec des peintures mixtes.

Souvent, les peintres utilisent la technique de l'aquarelle en combinaison avec d'autres matériaux : gouache, détrempe, fusain. Cependant, dans ce cas, les principales qualités de la peinture à l'aquarelle sont perdues - saturation, transparence, pureté et fraîcheur, c'est-à-dire exactement ce qui distingue l'aquarelle de toute autre technique.

Accent - la technique consistant à souligner la ligne, le ton ou la couleur de tout objet expressif, les détails de l'image sur lesquels il est nécessaire d'attirer l'attention du spectateur.

Alla prima - une technique d'aquarelle ou de peinture à l'huile, consistant dans le fait qu'un croquis ou une image est écrit sans inscription préalable et sous-couche, parfois en une seule fois, en une seule séance.

Peintre animalier - un artiste qui a principalement consacré son travail à la représentation d'animaux.

couleurs achromatiques - blanc, gris, noir ; ne diffèrent que par la légèreté et sont dépourvues de tonalité de couleur. En revanche, il existe des couleurs chromatiques qui ont une nuance de couleur de luminosité et de saturation différentes.

éblouissement - un élément de clair-obscur, l'endroit le plus lumineux sur la surface éclairée (principalement brillante) d'un objet. Avec un changement de point de vue, l'éblouissement change d'emplacement sur la forme de l'objet.

Valer - un terme de pratique artistique qui définit le côté qualitatif d'un ton distinct, principalement clair et ombré, dans sa relation avec les tons environnants. Dans la peinture réaliste, les propriétés matérielles du monde objectif se transmettent principalement par des relations de tons objectivement régulières. Mais pour reproduire de manière vivante et holistique la matérialité, la plasticité et la couleur d'un objet dans un certain état d'éclairage et dans un certain environnement, l'artiste doit atteindre une très grande précision et expressivité dans les rapports de tons; richesse, subtilité des rapports de transitions conduisant à l'expressivité de la peinture, et sont la principale caractéristique de valer. Les plus grands maîtres des XVII-XIX siècles. - comme Velasquez, Rembrandt, Chardin, Repin - la peinture est toujours riche en valérie.

vision pittoresque - vision et compréhension des relations de couleur de la nature, en tenant compte de l'influence de l'environnement et de l'état général d'éclairage, caractéristique de la nature au moment de son image. À la suite d'une telle vision, la véracité des relations entre la lumière et la couleur, la richesse des nuances chaudes et froides, leur unité et leur harmonie de couleurs apparaissent dans l'esquisse, transmettant la nature avec toute la trépidation de la vie. Dans ce cas, on parle du pittoresque d'une étude ou d'un tableau.

Vision artistique - la capacité de donner l'évaluation esthétique nécessaire des qualités inhérentes à la nature. Avant de représenter la nature, l'artiste voit déjà dans ses traits principaux une solution picturale figurative, prenant en compte un certain matériau.

vitrail - la peinture sur verre avec des peintures transparentes ou un ornement composé de morceaux de verre multicolores, fixés avec une reliure métallique, sert à remplir les ouvertures des fenêtres et des portes. Les rayons de lumière pénétrant à travers le verre acquièrent une luminosité accrue et forment un jeu de reflets de couleur à l'intérieur.

perspective aérienne - modifications apparentes de certaines caractéristiques des objets sous l'influence de l'air et de l'espace. Tous les objets proches sont perçus clairement, avec de nombreux détails et textures, et les objets distants sont perçus de manière généralisée, sans détails. Les contours des objets proches semblent nets et les objets éloignés semblent doux. À grande distance, les objets clairs apparaissent plus sombres et les objets sombres apparaissent plus clairs. Tous les objets proches ont un clair-obscur contrasté et semblent volumineux, tous les objets éloignés ont un clair-obscur peu prononcé et semblent plats. Les couleurs de tous les objets éloignés deviennent moins saturées en raison de la brume d'air et acquièrent la couleur de cette brume - bleu, laiteux pâle ou violet. Tous les objets proches semblent être multicolores et les objets distants semblent être de la même couleur. L'artiste prend en compte tous ces changements afin de rendre compte de l'espace et de l'état d'éclairage - qualités importantes de la peinture en plein air.

Perception visuelle - le processus de réflexion des objets et des phénomènes de la réalité dans toute la variété de leurs propriétés qui affectent directement les organes de la vision. Outre les sensations visuelles, la perception implique également une expérience passée de connaissances et d'idées sur un sujet particulier. Comprendre, comprendre l'essence du perçu n'est possible que si les objets et phénomènes observés sont comparés à ceux déjà vus (une perception visuelle constante et constante). À cela, il convient d'ajouter que la perception visuelle s'accompagne de sentiments associatifs, un sens de la beauté, qui sont associés à l'expérience personnelle des expériences sensorielles de l'impact de l'environnement.

Couleur gamma - les couleurs qui prédominent dans cette œuvre et déterminent la nature de son système de couleurs. Ils disent : une gamme de nuances de couleurs froides, chaudes, pâles, etc.

Harmonie - communication, proportionnalité, cohérence. Dans les arts visuels - une combinaison de formes, la relation des parties ou des couleurs. En peinture, c'est la correspondance des détails à l'ensemble, non seulement en taille, mais aussi en couleur (unité de couleur, gamme de nuances apparentées). La source de l'harmonie réside dans les modèles de changements de couleur des objets naturels sous l'influence de la force et de la composition spectrale de l'éclairage. L'harmonie de la structure chromatique d'une étude ou d'un tableau dépend également de la physiologie et de la psychologie de la perception visuelle de la lumière et des qualités chromatiques du monde objectif (interaction contrastée des couleurs, phénomène de halo, etc.).

Gravure- reproduction imprimée d'un dessin découpé ou gravé sur une planche de bois (gravure sur bois), linoléum (linogravure), plaque de métal (gravure), pierre (lithographie), etc. Une caractéristique d'une gravure est la possibilité de sa reproduction : à partir d'une planche gravé par un artiste, imprimez un grand nombre d'estampes multicolores (estampes). Selon la nature du traitement de la forme d'impression (planches ou plaques) et le mode d'impression, on distingue les gravures convexes et en profondeur.

Arts graphiques - un des types de beaux-arts, proche de la peinture en termes de contenu et de forme, mais ayant ses propres tâches et possibilités artistiques. Contrairement à la peinture, le principal moyen visuel du graphisme est un dessin monochromatique (c'est-à-dire une ligne, un clair-obscur); le rôle de la couleur y reste relativement limité. Du côté des moyens techniques, le graphisme inclut le dessin au sens propre du terme dans toutes ses variétés. En règle générale, les œuvres graphiques sont réalisées sur papier et d'autres matériaux sont parfois utilisés.

Selon le but et le contenu, les graphiques sont divisés en graphiques de chevalet, qui comprennent des œuvres de signification indépendante (qui ne nécessitent pas un lien indispensable avec un texte littéraire pour révéler leur contenu et ne se limitent pas à un objectif pratique restreint et strictement défini), graphiques de livres, qui forment une unité idéologique et artistique avec un texte littéraire ou d'accompagnement et en même temps destinés à la conception décorative et artistique d'un livre, un livre d'affiches, qui est le type d'art le plus répandu, conçu pour réaliser des actions politiques , propagande, production artistique ou tâches appliquées (étiquettes, lettres, timbres-poste, etc.) par des moyens artistiques.

Grisaille - image en peinture noir et blanc (ou monochrome, par exemple, marron); Il est souvent utilisé pour des travaux auxiliaires lors de l'exécution de sous-couches ou de croquis, ainsi qu'à des fins pédagogiques lors de la maîtrise des techniques d'image tonale réalisées à l'aquarelle ou à l'huile. L'image est créée sur la base uniquement des rapports tonals (légèreté) des sujets du décor naturel.

Amorçage - une fine couche d'une composition spéciale (colle, huile, émulsion) appliquée sur toile ou carton afin de donner à leur surface les propriétés de couleur et de texture souhaitées et limiter l'absorption excessive du liant (huile). Si vous travaillez avec des peintures à l'huile sur une base non apprêtée (par exemple, une toile), les peintures ne se déposent pas, elles sèchent, l'huile de la peinture est absorbée par le tissu, détruisant la toile et la couche de peinture. Selon la composition du liant, on distingue les salissures : huile, colle, émulsion, synthétique. Par couleur - teinté et coloré. L'apprêt se compose généralement de 3 éléments : une fine couche d'adhésif recouvrant toute la surface de la toile avec un film (c'est-à-dire l'encollage), et plusieurs couches de peinture d'apprêt, dont une fine couche finale. Encollage - une fine couche de colle (menuiserie, caséine ou gélatine) - protège la toile de la pénétration de peinture primaire ou d'huile dans le tissu ou sur l'envers de la toile, lie fermement les couches suivantes de terre à la toile. La peinture d'apprêt nivelle la surface de la toile, crée la couleur nécessaire (généralement blanche) et fournit une forte connexion de la couche de peinture avec l'apprêt.

Apprêt - en technologie de la peinture : procédé d'application d'un apprêt sur une surface destinée à être peinte.

Gouache - peinture à base d'eau avec un grand pouvoir couvrant. Les peintures s'éclaircissent rapidement après séchage et une expérience considérable est nécessaire pour prévoir le degré de changement de leur ton et de leur couleur. Ils écrivent à la gouache sur papier, carton, contreplaqué. Les œuvres ont une surface veloutée mate.

Détails - étude minutieuse des détails de la forme des objets dans l'image. Selon la tâche que l'artiste se fixe, le degré de détail peut être différent.

Couleurs supplémentaires - deux couleurs qui donnent du blanc lorsqu'elles sont mélangées optiquement (rouge et vert bleuté, orange et cyan, jaune et bleu, violet et jaune verdâtre, vert et magenta). Lorsque ces couples de couleurs complémentaires sont mélangés mécaniquement, des nuances à saturation réduite sont obtenues. Les couleurs complémentaires sont souvent appelées contrastantes.

Genre - division interne historiquement établie dans tous les types d'art; le type d'une œuvre d'art dans l'unité des propriétés spécifiques de sa forme et de son contenu. Le concept de "genre" généralise les traits caractéristiques d'un vaste groupe d'œuvres de toute époque, nation ou art mondial en général. Dans chaque forme d'art, le système des genres se compose à sa manière. Dans les arts visuels - sur la base du sujet de l'image (portrait, nature morte, paysage, peinture historique et de bataille), et parfois de la nature de l'image (caricature, dessin animé).

Peinture - l'un des principaux types de beaux-arts. Véritable transfert de l'aspect extérieur d'un objet, ses caractéristiques extérieures sont également possibles par des moyens graphiques - par ligne et ton. Mais seule la peinture peut transmettre toutes les couleurs inhabituellement diverses du monde environnant.

Selon la technique d'exécution, la peinture se divise en huile, détrempe, fresque, cire, mosaïque, vitrail, aquarelle, gouache, pastel. Ces noms ont été tirés du liant ou des moyens matériels et techniques utilisés. Le but et le contenu d'une peinture nécessitent le choix de tels moyens visuels, à l'aide desquels il est possible d'exprimer le plus pleinement l'intention idéologique et créative de l'artiste.

Par genre, la peinture est divisée en chevalet, monumentale, décorative, théâtrale et décorative, miniature.

Peinture décorative n'a pas de signification indépendante et sert de décoration de l'extérieur et de l'intérieur des bâtiments sous la forme de panneaux colorés, qui, avec une image réaliste, créent l'illusion d'une «percée» du mur, une augmentation de la taille de la pièce , ou, au contraire, des formes délibérément aplaties visuellement, pour ainsi dire, étroites, ferment l'espace. Motifs, guirlandes, guirlandes et autres types de décors qui ornent les œuvres de peinture et de sculpture monumentales, relient tous les éléments de l'intérieur, en soulignant la beauté, leur cohérence avec l'architecture. Les choses sont également décorées de peinture décorative: coffrets, coffrets, plateaux, coffres, etc. Ses thèmes et ses formes sont subordonnés à la destination des choses.

Peinture miniature reçu grand développement au Moyen Age, avant l'invention de l'imprimerie. Les livres manuscrits étaient décorés des plus belles coiffes, fins, illustrations détaillées et miniatures. Les artistes russes de la première moitié du XIXe siècle ont habilement utilisé la technique picturale des miniatures pour créer de petits portraits (principalement à l'aquarelle). Les couleurs pures et profondes des aquarelles, leurs combinaisons exquises, la finesse de la peinture distinguent ces portraits.

Peinture monumentale - un type particulier de peintures à grande échelle, décorant les murs et les plafonds des structures architecturales (fresque, mosaïque, panneau). Elle révèle le contenu des grands phénomènes sociaux qui ont eu un impact positif sur le développement de la société, les glorifie et les perpétue. La hauteur du contenu de la peinture monumentale, la taille importante de ses œuvres, le rapport à l'architecture exigent de grandes masses de couleur, une stricte simplicité et un laconisme de composition, une clarté des silhouettes et une généralisation de la forme plastique.

peinture de chevalet - le nom vient de la machine (chevalet) sur laquelle l'image est créée. Comme base matérielle, on utilise du bois, du carton, du papier, mais le plus souvent de la toile tendue sur une civière. L'image est insérée dans le cadre et est perçue comme une œuvre d'art indépendante, indépendante de l'environnement. À cet égard, pour créer des œuvres de peinture de chevalet, des moyens artistiques légèrement différents sont utilisés, des relations de couleurs et de tons plus subtiles et détaillées sont données, et une description psychologique plus complexe et détaillée des personnages est donnée.

Peinture théâtrale et décorative - décors, costumes, maquillages, accessoires, réalisés d'après les croquis de l'artiste ; aider à approfondir le contenu de la pièce. Les conditions théâtrales particulières de la perception de la peinture imposent de prendre en compte la multiplicité des points de vue des publics, leur plus grand éloignement, l'impact des éclairages artificiels et des reflets colorés. Le décor donne une idée du lieu et du moment de l'action, active la perception du spectateur de ce qui se passe sur la scène. Dans les croquis de costumes et de maquillage, l'artiste de théâtre s'efforce d'exprimer avec netteté le caractère individuel des personnages, leur statut social, le style de l'époque et bien plus encore.

Peinture académique - peinture, faite à des fins éducatives.

peinture sur humide - technique de la peinture à l'huile et à l'aquarelle. Lorsque vous travaillez avec de l'huile, il est nécessaire de terminer le travail avant que les peintures ne sèchent et d'exclure les étapes telles que la sous-peinture, le glaçage et le réenregistrement. La peinture sur humide présente des avantages bien connus - la fraîcheur de la couche de peinture, une bonne conservation et la relative simplicité de la technique.

A l'aquarelle, avant de commencer à travailler sur du papier brut, humidifier uniformément avec de l'eau. Lorsque l'eau est absorbée par le papier et sèche un peu (après 2-3 minutes), ils commencent à écrire ; des coups de peinture, posés sur une surface humide, se brouillent, se confondent, créent des transitions douces. Ainsi, vous pouvez obtenir de la douceur dans le transfert des contours des objets de légèreté et de spatialité de l'image.

flétrissement - modifications indésirables de la couche de séchage de la peinture, à cause desquelles la peinture perd sa fraîcheur, perd son éclat, la sonorité des couleurs, s'assombrit, devient noirâtre. La cause du flétrissement est une réduction excessive de la peinture de l'huile de liaison absorbée par l'apprêt ou la couche de peinture sous-jacente, ainsi que l'application de peintures sur une couche précédente de peintures à l'huile non complètement séchée.

Complétude .- une telle étape dans le travail sur une étude ou une image lorsque la plus grande complétude de l'incarnation de l'idée créative est atteinte, ou lorsqu'une certaine tâche picturale est terminée.

Peintures de base "pétrissage" - préparation préliminaire sur la palette d'un mélange de peintures correspondant aux relations fondamentales de tonalité et de couleur des objets de la nature (paysage). Au cours du travail, diverses variations de nuances sont introduites dans ces mélanges de base, de nouvelles couleurs sont versées. Cependant, les couleurs des objets principaux préparés sur la palette ne vous permettent pas de tomber dans une coloration excessive, ne vous permettent pas de perdre le caractère des relations de couleurs principales. A l'aquarelle, ces "pétrissages" de référence se font dans des coupelles séparées.

Esquisser - un dessin d'après nature, réalisé principalement en dehors de l'atelier afin de collecter de la matière pour un travail plus important, dans un but d'exercice, parfois dans un but particulier (par exemple, sur les instructions d'un journal, d'un magazine). Contrairement à un croquis similaire en termes de moyens techniques, l'exécution d'un croquis peut être très détaillée.

Idéalisation dans l'art - déviation de la vérité de la vie due à l'embellissement intentionnel ou involontaire par l'artiste du sujet de l'image. L'idéalisation se manifeste généralement dans l'exagération et l'absolutisation du principe positif comme une sorte de perfection ultime, supposée déjà atteinte ; en aplanissant les contradictions et les conflits de la vie ; dans l'incarnation d'un idéal abstrait de survie, etc. L'idéalisation signifie toujours une rupture avec les principes du réalisme et, d'une manière ou d'une autre, s'avère liée à l'idéologie des classes réactionnaires, qui sont enclines à loin d'une image fidèle de la vie et remplacer l'étude de la réalité par des idées subjectivement embellies à son sujet.

Il faut distinguer de l'idéalisation le reflet dans l'art réaliste d'un certain idéal de vie socialement progressiste, qui, étant un aspect important du contenu idéologique de toute image artistique réaliste, peut parfois être le principe déterminant dans la solution artistique de l'image. .

Idée de peinture - l'idée principale de l'œuvre, qui détermine son contenu et sa structure figurative, exprimée sous la forme appropriée.

Illusoire - similitude de l'image avec la nature; à la limite de l'illusion d'optique. En raison de la nature illusoire, l'expressivité artistique de l'œuvre et la profondeur de son contenu peuvent être perdues si, dans l'image, le désir de similitude externe obscurcit l'essentiel - son intention.

Impressionnisme - une tendance dans l'art du dernier tiers du XIXe - début du XXe siècle, dont les représentants se sont efforcés de capturer le plus naturellement et le plus impartialement possible le monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre leurs impressions éphémères. L'impressionnisme est né dans les années 1860. dans la peinture française. E. Manet, O. Renoir, E. Degas ont apporté fraîcheur et immédiateté de la perception de la vie dans l'art, l'image de l'instant, comme si mouvements et situations aléatoires, déséquilibre apparent, fragmentation de la composition, points de vue, angles, coupes inattendus de chiffres. Dans les années 1870-80. formé l'impressionnisme dans le paysage français. K. Monet, K. Pizarro, A. Sisley ont développé un système de plein air cohérent. Outre les peintres, des sculpteurs (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy) s'intéressent au mouvement instantané, une forme fluide.

L'impressionnisme a développé les principes réalistes de l'art, mais le travail de ses adeptes a souvent montré un écart par rapport à l'étude des phénomènes fondamentaux de la réalité sociale, les qualités constantes et stables du monde matériel. Cette direction de la créativité a conduit les impressionnistes tardifs au formalisme.

Intérieur - vue intérieure de la chambre. L'image de l'intérieur nécessite une connaissance approfondie de la perspective. Dans le même temps, il est important de trouver un endroit à partir duquel vous pouvez composer l'image de manière plus intéressante. L'image finie de l'intérieur, en plus d'une composition intéressante, d'une construction en perspective correcte, du placement des objets dans l'espace, devrait donner une idée de l'éclairage.

Peinture - une œuvre de peinture de chevalet, incarnant fidèlement l'intention de l'artiste, se distinguant par l'importance du contenu, la véracité et l'exhaustivité de la forme artistique. L'image est le résultat d'observations et de réflexions à long terme de l'artiste sur la vie. Il est précédé d'esquisses, d'esquisses, d'études, d'esquisses, dans lesquelles l'artiste capture des phénomènes individuels de la vie, rassemble des matériaux pour une future peinture et recherche la base de sa composition et de sa couleur. En créant une image, l'artiste s'appuie sur la nature, en procède à la fois dans le plan général et dans les détails individuels. Dans ce processus, l'observation, l'imagination et la conception jouent un rôle important. L'image à sa manière porte un certain concept idéologique et figuratif, et les formes d'expression sont visuellement authentiques. Chaque détail, chaque partie est corrélé au tout, chaque élément exprime une image. Les tendances formalistes décadentes se caractérisent par une crise de l'image thématique de l'intrigue, le rejet des questions idéologiques importantes et le psychologisme. Non seulement l'intrigue est expulsée des peintures, mais il y a aussi une rupture avec l'image sujet en général. Selon la forme de l'image, le tableau devient inutile, abstrait.

Peintures adhésives - des peintures sèches produites en poudre et mélangées par l'artiste lui-même avec de l'eau de colle. Bien broyés, ils sont parfois utilisés par les artistes dans la conception d'originaux de reproduction comme substituts aux peintures à la gouache. Le plus souvent, ils exécutent des décors de théâtre.

kliatchka - une sorte de gomme molle, utilisée dans les cas où vous avez besoin d'éclaircir le ton de l'ombre en dessins au crayon. Le bourrin est doux et se pétrit facilement avec les doigts ; ils n'effacent pas le crayon avec, mais le pressent légèrement contre les parties du dessin qui s'éclaircissent : le graphite colle au bourrin et est retenu par lui après qu'il a été retiré du papier. Si les zones éclaircies sont très petites, le bourrin prend l'apparence d'un cône pointu.

Klyachka peut être fait comme suit. La gomme ordinaire est placée dans de l'essence pendant deux ou trois jours (éventuellement dans du kérosène), puis elle est conservée encore deux jours. Après cela, le caoutchouc ramolli est malaxé avec de la farine de pomme de terre (amidon), la farine doit être prise par pincées et la viscosité du bourrin doit être ajustée en quantité.

coloration (étude ou peinture) - la nature de la relation de tous les éléments de couleur de l'image, son système de couleurs. Son principal avantage est la richesse et la cohérence des couleurs qui correspondent à la nature elle-même, véhiculant, en unité avec le clair-obscur, les propriétés du sujet et l'état d'illumination du moment représenté. La couleur de l'étude est déterminée par: 1) la cohérence des relations de couleur proportionnelles à la nature, en tenant compte de la tonalité générale et de l'état de couleur de l'éclairage, 2) la richesse et la variété des réflexions lumière-air et environnement du sujet, 3) l'interaction contrastée des nuances chaudes et froides, 4) l'influence de la couleur de l'éclairage, qui unit les couleurs de la nature, les rend subordonnées et liées.

Un reflet fidèle de l'état des conditions d'éclairage réelles a un impact sur les sentiments du spectateur, crée une ambiance et provoque des expériences esthétiques appropriées.

pinceaux . Les pinceaux sont kolinsky, écureuil, poils. Les pinceaux à poils sont conçus pour fonctionner avec des peintures à l'huile, mais peuvent être utilisés pour peindre avec des peintures à la détrempe et à la gouache. Les pinceaux écureuil et kolinsky sont utilisés à l'aquarelle. La forme est plate et ronde. La taille du pinceau est indiquée par un chiffre. Les nombres de brosses plates et de cannelures correspondent à leur largeur en millimètres, et les nombres de brosses rondes correspondent à leur diamètre (également exprimé en millimètres).

Après avoir travaillé avec des peintures à l'huile, les pinceaux sont lavés à l'eau tiède et au savon. Ne lavez pas les pinceaux à l'acétone : cela abîmerait les cheveux. Laver les pinceaux aquarelle après le travail eau propre. En aucun cas, vous ne devez laisser sécher les pinceaux, surtout après avoir travaillé avec des peintures à l'huile, mettez les pinceaux dans le pot avec les cheveux vers le bas, car les cheveux sont déformés. La brosse lavée doit être enveloppée dans du papier, elle conservera alors sa forme.

Composition - construction d'un croquis ou d'une image, coordination de ses parties. Avec une image naturelle : sélection et mise en scène des objets, choix du meilleur point de vue, éclairage, détermination du format et de la taille de la toile, identification du centre de composition, subordination des parties secondaires de l'œuvre. Lors de la création d'une image: choisir un thème, développer une intrigue, trouver le format et la taille d'une œuvre, caractériser les personnages, leur relation les uns aux autres, les postures, les mouvements et les gestes, l'expressivité des visages, l'utilisation des contrastes et des rythmes - tout ce sont les éléments constitutifs de la construction compositionnelle du tableau, au service de la meilleure réalisation de la vision de l'artiste. Dans une telle composition, tout est pris en compte : les masses d'objets et leurs silhouettes, le rythme avec lequel ils sont posés sur la toile, la perspective, une ligne d'horizon imaginaire et un point de vue sur le dépeint, la couleur de l'image , le regroupement des personnages, le sens de leurs vues, le sens de la ligne de perspective réduction des objets, répartition des clairs-obscurs, poses et gestes, etc.

Constance de la perception visuelle - la tendance à percevoir un objet, sa taille, sa forme, sa légèreté, sa couleur comme stables et inchangées, quels que soient les changements qui s'y produisent (éloignement du spectateur, changement d'éclairage, influences environnementales, etc.) - Constance de la taille - la tendance à percevoir la taille d'un objet comme constante, malgré le changement de distance. En règle générale, les dessinateurs novices ne remarquent pas les changements de perspective.

Constance de la forme - la tendance à percevoir la forme réelle, même si l'objet est tourné de sorte que son image sur la rétine diffère de la forme réelle. (Par exemple, une feuille de papier carrée posée sur une table apparaît carrée même si sa projection sur la rétine n'est pas carrée.)

Constance de la luminance - la tendance à percevoir la luminosité d'un objet comme constante malgré les changements d'éclairement ; dépend principalement du rapport constant de l'intensité de la lumière réfléchie à la fois par l'objet et son environnement.

Constance des couleurs - la tendance à percevoir la couleur de l'objet (sa couleur locale) quelles que soient les conditions d'éclairage changeantes, sa force et sa composition spectrale (jour, soir, artificiel).

En raison du phénomène de constance, la perception et la transmission en peinture d'objets et de phénomènes exactement tels qu'ils apparaissent à l'œil dans des conditions d'éclairage spécifiques, dans un environnement spécifique et à une certaine distance, présentent une certaine difficulté au début de la formation. Un artiste novice, bien qu'il sache que la couleur change en fonction des conditions d'éclairage, la voit inchangée et n'ose pas, par exemple, écrire les arbres de couleur verte dans les rayons du soleil couchant comme rougeâtre ou écrire le ciel bleu en un rose-ocre complexe, comme cela se produit au coucher du soleil.

Il semble à un peintre inexpérimenté qu'un objet blanc est blanc dans toutes ses parties, un objet sombre est sombre. Pendant ce temps, dans un cadre naturel, la surface d'un objet sombre face à la lumière réfléchira plus de rayons lumineux que la partie ombrée d'un objet blanc, et donc l'ombre d'un objet blanc sera plus sombre que la partie claire d'un objet sombre.

Alors qu'il travaille sur une esquisse de paysage, un peintre inexpérimenté ne remarque pas à quel point le crépuscule arrive, bien que l'éclairage ait considérablement diminué.

Les objets environnants peuvent être éclairés par une lumière de composition spectrale différente, ce qui modifie la composition spectrale de la lumière réfléchie par les objets. Cependant, l'œil d'un artiste novice ne remarque même pas ce changement de couleur.

La constance de la perception peut augmenter et s'intensifier pour de nombreuses raisons. Plus l'éclairage chromatique est fort, et plus la distance à laquelle l'objet est observé est grande, plus la manifestation de la constance est faible. La capacité de la surface d'un objet à réfléchir fortement les rayons lumineux contribue également à une perception constante : les objets de couleur claire montrent plus sensiblement l'influence de la couleur de l'éclairage. Les adaptations lumineuses et chromatiques renforcent la constance de la perception. En observant le paysage hivernal par temps nuageux, vous ne pouvez voir que des nuances grisâtres complexes. Si vous regardez le même motif hivernal depuis la fenêtre d'une pièce éclairée à l'électricité, le paysage à l'extérieur de la fenêtre sera perçu comme intensément bleuté. Si vous quittez la pièce à ciel ouvert, après quelques minutes, le ton bleu du paysage disparaîtra. De même, une constance nulle chez les téléspectateurs apparaît sous un éclairage coloré. scène de théâtre; après que l'éclairage électrique chaud de la salle s'estompe, le rideau s'ouvre et le spectateur admire la scène d'hiver, le clair de lune ou d'autres conditions d'éclairage.

Grâce à la pratique, l'artiste acquiert la capacité de remarquer dans la nature les changements de couleur d'un objet dus à l'environnement et à l'éclairage, voit et restitue toute la richesse et la diversité du monde extérieur, de nombreux dégradés de couleurs. En conséquence, l'éclairage apparaît convaincant sur la toile, la couleur semble compliquée et enrichie par l'environnement et l'éclairage. De nombreux artistes et professeurs ont exécuté des exercices spéciaux, créant modèles visuels comprendre les caractéristiques coloristiques des différents états d'éclairage. K.. Monet, par exemple, a écrit une série d'études représentant le même objet (meule de foin), et a ainsi étudié le changement de couleur sous différentes conditions d'éclairage dans la nature. Pour développer une perception constante, N. N. Krymov a placé un cube blanc, peint d'un côté avec de la peinture noire, et l'a éclairé de ce côté avec une lampe puissante, laissant le côté blanc dans l'ombre. En même temps, ses élèves étaient convaincus que la face noire et éclairée du cube était plus claire que la face blanche, qui était dans l'ombre. Krymov a suggéré aux étudiants d'écrire un petit écran d'accordéon en carton, dont les plans étaient peints de différentes couleurs et éclairés de deux côtés: d'un côté - une lampe électrique, de l'autre - la lumière du jour. Les rayons de la lampe étaient dirigés vers des zones peintes avec des couleurs froides, tandis que les couleurs chaudes étaient tournées vers la lumière du jour. Les étudiants étaient convaincus que les conditions d'éclairage changeaient considérablement les couleurs du sujet, et étaient ainsi libérés de la perception constante des couleurs.

Un peintre débutant doit se débarrasser de la constance de la perception et être capable de percevoir la forme d'un objet, sa légèreté et sa couleur, en raison de l'environnement lumineux, de l'éclairage et de l'espace.

Conception - aux beaux-arts, l'essentiel, trait caractéristique de la structure de la forme, suggérant un rapport naturel entre les parties de la forme, ses proportions.

Contraste - 1) une nette différence, l'opposé de deux grandeurs : taille, couleur (clair et foncé, chaud et froid, saturé et neutre), mouvement, etc. ; 2) luminosité et contraste chromatique - un phénomène dans lequel la différence perçue est bien supérieure à la base physique. Sur un fond clair, la couleur de l'objet apparaît plus sombre ; sur un fond sombre, la couleur apparaît plus claire. Le contraste de lumière est le plus clairement triplé à la frontière des surfaces sombres et claires. Le contraste chromatique est un changement de teinte et de saturation sous l'influence des couleurs environnantes (contraste simultané) ou sous l'influence des couleurs précédemment observées (contraste séquentiel). Par exemple : le vert à côté du rouge augmente sa saturation. La couleur grise sur fond rouge acquiert une teinte verdâtre. Le contraste chromatique est plus fort lorsque les couleurs en interaction sont à peu près égales en luminosité.

copier - le processus d'obtention de copies d'un dessin ou d'un dessin ; peut se faire de différentes manières : en perforant, traçant, pressant, redessinant à la lumière, redessinant le long de la grille, ainsi qu'à l'aide d'un pantographe et d'un épidiascope.

perforation - une méthode de copie sans changement d'échelle: l'original est placé sur une feuille de papier vierge et, à l'aide d'une aiguille fine, tous les points caractéristiques du dessin ou du dessin sont piqués, à travers lesquels des traits de crayon sont ensuite tracés sur le papier piqué .

Tracé - un moyen de copier sans changer l'échelle. Du papier calque est appliqué sur l'original, sur lequel une image est dessinée avec un crayon ou de l'encre; la surface de travail du papier calque doit d'abord être dégraissée - essuyée avec de la poudre de craie ou du carbonate de magnésium.

Pressant - un mode de copie sans changement d'échelle : du papier transfert à sec est placé sous l'original ou sa copie sur papier calque ; Une aiguille pointue est entraînée le long des lignes de l'image originale, grâce à quoi l'image traduite est imprimée sur une feuille de papier vierge. Le verso de l'original (papier calque) peut être frotté crayon doux, auquel cas l'image transférée est plus nette.

Redessiner à la lumière - un moyen de copier sans changer l'échelle. L'original est placé sur du verre et recouvert de papier propre ou de papier calque; derrière la vitre se trouve une source lumineuse (lumière du jour ou électrique); les lignes de l'original translucide traversant le papier sont encerclées au crayon. Il existe des copieurs spéciaux adaptés à cet effet.

Redessiner la grille - une méthode de copie avec un éventuel changement d'échelle (agrandissement ou réduction d'une image) à l'aide d'une grille de coordonnées réalisée sur l'original et d'une feuille de papier vierge. L'image est dessinée "par cellules". Les cellules sont carrées ou rectangulaires. Le redessin par cellules est très laborieux et ne peut restituer les lignes de l'original avec une précision irréprochable, puisqu'il se fait à l'œil et à la main.

Corps (pâteux) pose de peintures - exécution d'une étude ou d'un tableau avec une couche de peinture à l'huile dense, opaque, relativement épaisse, souvent avec une texture en relief.

Kroki - un croquis rapide de la nature, moins souvent une fixation rapide d'une idée de composition sous la forme d'un dessin. Le terme "crocs" est de peu d'utilité ; au sens général, il est proche du terme plus large "esquisse".

Gravure sur bois - la gravure sur bois, principale variété technique de la gravure convexe, la plus ancienne technique de gravure en général. Les gravures sur bois sont réalisées en découpant sur une planche, généralement en poirier, en bois de hêtre, les parties de la gravure appliquées dessus, qui doivent rester blanches. Dans une gravure longitudinale ou sur tranche, les fibres de la planche sont parallèles à sa surface, et le travail s'effectue principalement avec des couteaux pointus. Les possibilités de cette technique sont relativement étroites, mais les difficultés sont importantes (puisque la résistance du matériau fibreux au couteau est inégale dans différentes directions). La gravure de fin est réalisée sur une planche avec une fibre perpendiculaire à la surface ; son outil principal, le graveur, permet des techniques très fines et variées.

Contrairement à tout type de gravure en taille-douce, les gravures sur bois peuvent être imprimées avec la composition sur une presse à imprimer conventionnelle et sont donc souvent utilisées dans l'illustration de livres.

Chanceux . Les artistes vernissent les fonds pour éviter qu'ils ne pénètrent l'huile des peintures, introduisent des vernis dans le liant de la peinture, les appliquent sur la couche de peinture durcie avant de poursuivre les travaux (pour une meilleure adhérence des couches) et, enfin, vernissent les œuvres finies. En même temps, le vernis améliore la saturation des couleurs. Le film de laque protège l'image du contact direct avec les gaz atmosphériques nocifs, la poussière et la suie dans l'air. Les vernis entrant dans la composition de la peinture à l'huile contribuent à son séchage plus uniforme et plus rapide, et les couches de peinture se lient mieux au sol et entre elles. Il vaut mieux recouvrir les toiles de vernis à l'essence de térébenthine que de vernis à l'huile (alors elles foncent moins). Laque-fixateur fixe les oeuvres réalisées au fusain, sanguine, pastels, aquarelles.

Modéliser une forme avec de la couleur - le processus de modélisation d'un objet, révélant son volume et sa matière avec des nuances de couleurs, en tenant compte de leurs changements de luminosité et de saturation.

glaçage - une des méthodes de technique de peinture, qui consiste à appliquer de très fines couches de peintures durables et translucides sur une couche dense séchée d'autres peintures. Cela permet d'obtenir une légèreté particulière, une sonorité de couleurs, qui est le résultat de leur mélange optique.

Linogravure - gravure sur linoléum, sorte de gravure convexe. En termes de technique et de moyens artistiques, la linogravure ressemble à la gravure sur bois et, dans l'impression, elle n'en diffère souvent que par l'absence de détails fins.

Lithographie - largement utilisé dans les beaux-arts technique graphique associé au travail d'une pierre (calcaire dense) ou d'une plaque métallique la remplaçant (zinc, aluminium).

L'artiste exécute la lithographie en dessinant sur la surface granuleuse ou lisse de la pierre avec un crayon lithographique gras et une encre spéciale. Suite à la gravure de la pierre à l'acide (agissant sur la surface non recouverte de graisse), le motif est lavé : en retour, une encre d'imprimerie est appliquée, qui ne colle que sur les particules non gravées de la pierre, correspondant exactement au motif. La peinture est roulée avec un rouleau sur une pierre humidifiée; l'impression se fait sur une machine spéciale.

couleur locale - la couleur caractéristique d'un objet donné (sa couleur) et n'ayant subi aucune modification. En réalité, cela ne se produit pas. La couleur de l'objet change constamment quelque peu sous l'influence de la force et de la couleur de l'éclairage, de l'environnement, de l'éloignement spatial, et elle n'est plus appelée locale, mais conditionnée. Parfois une couleur locale est comprise non pas comme une couleur sujet, mais comme une tache uniforme d'une couleur conditionnée, prise en relation basique avec les couleurs voisines, sans faire apparaître une mosaïque de reflets colorés, sans nuances de ces taches principales.

Manière - par rapport à la pratique artistique : le caractère ou la méthode d'exécution en tant que caractéristique purement technique (par exemple, "manière large").

Dans l'histoire de l'art, le terme "manière" désigne parfois les propriétés générales performances caractéristiques d'un artiste ou d'une école d'art à une certaine période de développement créatif (par exemple, "la manière tardive de Titien").

Manérité - dans la pratique artistique : propriétés d'approche et d'exécution, dénuées de simplicité et de naturel, conduisant à des résultats prétentieux, farfelus ou conditionnels. Le plus souvent, le maniérisme est appelé prédilection pour une manière extérieurement spectaculaire et savante et toutes sortes de techniques artistiques biaisées, la gravitation vers la stylisation. L'expression extrême du maniérisme est donnée par la pratique formaliste de l'art bourgeois contemporain.

Peinture à l'huile - colorants mélangés à de l'huile végétale : graines de lin (essentiellement), pavot ou noix ; les peintures à l'huile dues à l'exposition à la lumière et à l'air durcissent progressivement. De nombreux supports (toile, bois, carton) sont préalablement apprêtés pour être travaillés avec des peintures à l'huile. L'apprêt le plus couramment utilisé est le suivant: le matériau est recouvert de colle de menuiserie liquide et, lorsqu'il sèche, frotté avec de la pierre ponce, puis enduit de poudre de craie fine mélangée à de l'eau de colle jusqu'à la consistance d'une crème sure. Pour nettoyer les pinceaux, ils sont lavés au kérosène, à la térébenthine ou à l'essence, et enfin à l'eau tiède avec du savon, en pressant la peinture de la racine du pinceau, après quoi ils sont rincés à l'eau claire.

Matérialité objets représentés est transmise principalement par la nature du clair-obscur. Articles composés de différents matériaux, ont leurs dégradés caractéristiques de clair-obscur. Un objet cylindrique en gypse a des transitions douces de la lumière à travers la pénombre, l'ombre et le réflexe. Un récipient cylindrique en verre n'a pas de dégradés prononcés de clair-obscur. Sur sa forme, que des reflets et des réflexes. Les objets métalliques se caractérisent également principalement par l'éblouissement et les reflets. Si vous transmettez la nature du clair-obscur dans la figure, les objets auront l'air matériels. Une autre condition, encore plus importante, dont dépend la représentation des qualités matérielles des objets, est la cohérence dans le dessin ou l'étude picturale des relations tonales et chromatiques entre les objets proportionnelles à la nature. Lorsque nous percevons les qualités matérielles des objets, notre conscience s'appuie principalement sur leurs relations tonales et chromatiques (différences). Par conséquent, si la nature des relations de clair-obscur, de tons et de couleurs est véhiculée selon l'image visuelle de la nature, nous obtenons une image fidèle des qualités matérielles des objets de nature morte ou des objets de paysage.

Peinture en couches - le type technique le plus important de la peinture à l'huile, nécessitant la division du travail en plusieurs étapes successives (sous-couche, calage, glacis), séparées par des pauses pour le séchage complet de la peinture. Lors de la réalisation d'une grande composition thématique, ainsi que lors de travaux de longue durée en général, la peinture multicouche est la seule technique de peinture à l'huile à part entière. Jusqu'au milieu du XIXème siècle. tous les grands artistes progressistes du passé ont utilisé cette technique comme principale. Plus tard, les impressionnistes et leurs successeurs l'abandonnèrent.

D'un point de vue technologique étroit, sans rapport avec la technique des maîtres anciens, le concept de peinture multicouche ne peut correspondre qu'à l'inscription sur une couche picturale séchée (sans sous-peinture ni glacis).

La modélisation - dans les arts visuels: le transfert des propriétés volumétriques-plastiques et spatiales du monde objectif à travers des dégradés de lumière et d'ombre (peinture, graphisme) ou la plasticité correspondante des formes tridimensionnelles (sculpture, en particulier relief). Le modelage s'effectue généralement en tenant compte de la perspective, en peinture également, à l'aide de dégradés de couleurs inextricablement liés au clair-obscur. Les tâches du modelage ne se limitent pas à une simple reproduction du monde objectif : participant aux caractéristiques idéologiques et figuratives de l'objet, il généralise, valorise et révèle la caractéristique la plus essentielle.

Modernisme - une désignation générale des directions de l'art et de la littérature de la fin des XIX-XX siècles. (Cubisme, Dadaïsme, Surréalisme, Futurisme, Expressionnisme, Art abstrait, etc.). Les principales caractéristiques du modernisme sont: le déni du rôle cognitif et social de l'art, son idéologie, sa nationalité, la substitution de l'art à toutes sortes de trucs, la déformation complète ou l'ignorance des traditions professionnelles du patrimoine artistique réaliste.

Mosaïque - un type technique spécial de peinture monumentale, basé sur l'utilisation de solides multicolores - smalt, pierres naturelles colorées, émaux colorés sur argile cuite, etc. comme matériau artistique principal. L'image est composée de morceaux de tels matériaux, bien ajustés les uns aux autres, renforcés avec du ciment ou du mastic spécial puis polis. Selon la méthode de la pose dite directe, la mosaïque est exécutée de la face avant - à l'endroit qui lui est destiné (mur, voûte, etc.) ou sur une dalle séparée, qui est ensuite encastrée dans le mur. Avec le jeu inversé, les pièces colorées ne sont visibles par l'artiste que de dos, car elles sont collées avec la face avant sur un revêtement mince temporaire (retiré après le transfert de la mosaïque au mur). La première de ces méthodes est relativement complexe et chronophage, mais plus parfaite d'un point de vue artistique.

Chevalet - une machine (d'où la définition de "peinture de chevalet"), nécessaire à l'artiste pour maintenir l'inclinaison souhaitée du tableau pendant le travail. La principale exigence pour un chevalet est la stabilité.

Monotype - une technique graphique particulière associée au processus d'impression, mais nettement différente de tout type de gravure par l'absence totale d'influences mécaniques ou techniques sur la surface de la planche. Les peintures sont appliquées à la main sur une surface lisse, suivies d'une impression sur la machine. L'impression qui en résulte est unique et inimitable.

Mmonumentalité dans les œuvres de la peinture de chevalet est due à la signification sociale du thème de la peinture, à son pathétique héroïque, à la profondeur et à la force de l'incarnation des idées dans les images correspondantes - simples, strictes, majestueuses et expressives.

croquis en couleur - une étude de petite taille, exécutée avec fluidité et rapidité. Le but principal d'un tel croquis est d'acquérir la capacité de percevoir pleinement la nature, de trouver et de transmettre les relations de couleur correctes de ses principaux objets. On sait que la structure picturale à part entière de l'image est déterminée par le transfert proportionnel des différences entre les principales taches de couleur de la nature. Sans cela, aucune étude minutieuse des détails, des reflets, des mosaïques de nuances de couleurs ne conduira à une image picturale à part entière.

Nationalité - le lien de l'art avec le peuple, la conditionnalité des phénomènes artistiques par la vie, la lutte, les idées, les sentiments et les aspirations des masses, l'expression dans l'art de leurs intérêts et de leur psychologie. Un des principes de base du réalisme socialiste.

Nature - dans la pratique des beaux-arts, ce sont tous les phénomènes naturels, objets et objets que l'artiste représente, en observant directement comme modèle. De la nature, en règle générale, seuls un croquis, un croquis, un croquis, un portrait et parfois un paysage sont réalisés.

Naturalisme - dans les arts visuels, elle s'exprime à l'écart des grandes généralisations, des principes idéologiques et conduit à une méthode de copie purement externe de tout ce qui se trouve dans le champ de vision. Les peintres débutants pensent aussi parfois qu'une représentation fiable de la nature dans le transfert de ses qualités tridimensionnelles, matérielles et spatiales est le but absolu des beaux-arts. Bien sûr, il faut maîtriser les beaux-arts, les techniques techniques de maîtrise picturale. Cependant, il est tout aussi important de développer simultanément la capacité de voir la réalité à travers les yeux d'un artiste. L'image pittoresque n'est pas le reflet miroir de la nature. « La peinture », disait I. I. Levitan, « n'est pas un protocole, mais une explication de la nature par la peinture ». Le peintre sélectionne et généralise dans la diversité colorée de la nature les éléments qui peuvent transmettre de manière expressive le design idéologique et figuratif. Il essaie de révéler l'essence du représenté, montre ce qui l'excitait. Cela montre la personnalité de l'artiste, sa vision du monde, ainsi que son goût et son expérience pratique dans l'utilisation de matériaux et de techniques colorés.

Nature morte - l'un des genres des beaux-arts dédiés à la reproduction d'articles ménagers, de fruits, de légumes, de fleurs, etc. La tâche de l'artiste représentant une nature morte au moyen de la peinture est de transmettre la beauté coloristique des objets entourant une personne, leur essence volumineuse et matérielle, et aussi pour exprimer leur attitude envers le représenté. L'image d'une nature morte est particulièrement utile dans la pratique pédagogique pour maîtriser les compétences en peinture. Dans une nature morte, l'artiste comprend les lois de l'harmonie des couleurs, acquiert la compétence technique de la modélisation picturale de la forme.

Généralisation artistique - la capacité de l'artiste à connaître la réalité objective, révélant l'essentiel, l'essentiel dans les objets et les phénomènes à travers la comparaison, l'analyse et la synthèse. Une œuvre d'art est le résultat de l'expressivité du général, tout en conservant toute l'originalité de l'image visuelle concrète.

Dans un sens professionnel étroit, la généralisation est la dernière étape du processus de dessin ou de peinture d'après nature, après l'étude détaillée de la forme. À ce stade du travail, les détails sont résumés afin de créer une image holistique de la nature basée sur sa perception visuelle intégrale.

Image artistique - une forme spécifique de réflexion de la réalité sous une forme concrète-sensorielle perçue visuellement. La création d'une image artistique est étroitement liée à la sélection des plus caractéristiques, à la mise en valeur des aspects essentiels d'un objet ou d'un phénomène dans les limites de l'unicité individuelle de ces objets et phénomènes. On sait que la conscience humaine reflète non seulement l'image visuelle objective d'un objet ou d'un phénomène, mais aussi les qualités émotionnelles de sa perception. Par conséquent, l'image artistique en peinture contient non seulement les caractéristiques réelles de l'objet représenté, mais également sa signification sensuelle et émotionnelle. Chaque image est à la fois un reflet fidèle de la réalité objective et une expression des sentiments esthétiques de l'artiste, de son attitude individuelle et émotionnelle vis-à-vis de la représentation, de ses goûts et de son style.

Perspective inversée - une technique erronée de dessin en perspective, dont l'essence est que les lignes parallèles et horizontales dans l'espace de l'image sont représentées non pas convergentes, mais divergentes; trouvé assez souvent dans la peinture d'icônes anciennes, en raison de l'ignorance des artistes règles élémentaires construction de perspective (dans certains cas, une violation délibérée des règles de construction de perspective est autorisée).

Ton général et état naturel de la couleur - le résultat de différentes puissances d'éclairage. Afin de transmettre l'état d'éclairage différent (le matin, l'après-midi, le soir ou un jour gris), lors de la construction du système de couleurs de l'esquisse, les couleurs claires et vives de la palette ne sont pas toujours utilisées. Dans certains cas, l'artiste construit une relation dans une gamme réduite de luminosité et de force de couleur (jour gris, chambre noire), dans d'autres cas, des couleurs claires et vives (par exemple, une journée ensoleillée). Ainsi, l'artiste maintient les relations de tons et de couleurs de l'étude dans différentes gammes de tons et de couleurs (échelles). Cela contribue à la transmission de l'état d'éclairement, qui est particulièrement important dans la peinture de paysage, puisque c'est cet état qui détermine son impact émotionnel (voir l'échelle tonale et chromatique de l'image).

Volume - l'image de la tridimensionnalité de la forme sur le plan. Elle est réalisée principalement par la construction correcte, constructive et prometteuse du sujet. Un autre moyen important de transmettre le volume sur un plan est la gradation de la lumière et de l'ombre, exprimée en couleur: surbrillance, lumière, pénombre, ombre propre et incidente, réflexe. L'image du volume sur le plan pictural est également facilitée par la direction du trait ou des hachures, leur mouvement dans le sens de la forme (sur des surfaces planes elles sont droites et parallèles, sur des surfaces cylindriques et sphériques elles sont arquées).

Halo - un phénomène également appelé « irradiation » ; se produit à la suite de la diffusion de la lumière vive dans un liquide transparent qui remplit le globe oculaire. En raison de l'augmentation de la sensibilité de l'œil dans l'obscurité, celui-ci réagit fortement lors de l'observation de sources lumineuses vives (un feu ou une lampe allumée). Pendant la journée, ils ne semblent pas brillants, mais au crépuscule ou la nuit, ils peuvent aveugler les yeux. Les yeux ne perçoivent presque pas la couleur des sources lumineuses vives, mais le halo autour des corps lumineux ou des objets fortement éclairés a une couleur plus prononcée. La flamme d'une bougie semble presque blanche et le halo qui l'entoure est jaune. Une forte surbrillance sur une surface brillante apparaît blanche, et le halo qui l'entoure prend propriété de couleur Source de lumière. Les troncs d'arbres minces contre le ciel sont complètement enveloppés d'un halo, c'est-à-dire qu'ils ont l'air bleus et sur le fond d'un coucher de soleil jaune - orange ou rouge. Lorsque le halo est transmis dans l'image, l'œil perçoit les objets comme lumineux (une bougie, des fenêtres lumineuses jour et nuit, des étoiles dans le ciel, etc.). Représentés sans auréole, compagnon indispensable de la lumière vive, le tronc d'arbre et sa couronne ressemblent à une application dure sur un ciel clair, les étoiles sans auréole donnent l'impression de taches de peinture pulvérisées sur un fond sombre, des reflets brillants sans auréole sur le fond d'une cruche ressemblent à des taches claires.

La base - dans la technologie de la peinture: le matériau sur lequel l'apprêt et la couche de peinture de l'image sont appliqués. Le type de support le plus courant est la toile, le bois (c'était le support le plus courant dans l'Antiquité, le Moyen Âge et la Renaissance), le carton, le papier, le métal, le verre, le linoléum, etc. sont moins utilisés. (par exemple, fresque, aquarelle et etc.) la base est utilisée sans préparation spéciale.

blanchissage - 1) technique de l'aquarelle utilisant de la peinture ou de l'encre très liquide. Pour peindre une zone relativement grande dans un ton clair, ils la colorent avec de la peinture pendant environ '/ * un verre d'eau, laissent la peinture se déposer (il est préférable de la filtrer plus tard) et prennent la «solution» avec un pinceau d'en haut , sans toucher le fond du verre ; 2) recevoir une clarification de la peinture ou la retirer du papier avec un pinceau trempé dans de l'eau propre et recueillir la peinture imbibée avec du papier buvard (la procédure est répétée plusieurs fois).

Relations de couleur - les différences d'objets par la luminosité et la couleur : ce qui est plus clair dans la nature, ce qui est plus foncé, plus les différences de couleur et sa saturation.

Teinte (nuance) - une petite différence souvent à peine perceptible dans la couleur, la luminosité ou la saturation des couleurs.

Gravure - l'eau-forte à l'aiguille ou au trait, variété technique largement utilisée de gravure en profondeur sur métal. Travaillez à l'eau-forte en grattant le fond de gravure avec des aiguilles spéciales, généralement en technique de dessin au trait libre. La durée inégale de la gravure des détails de l'image avec des acides entraîne des différences dans la force et la richesse du trait. La technique de gravure se caractérise par une relative simplicité et une grande souplesse.

sensation visuelle - le résultat de l'interaction de l'énergie rayonnante avec l'organe de la vision et la perception de cette interaction par la conscience. En conséquence, une personne reçoit une variété de sensations de lumière et de couleur, de riches dégradés de couleurs qui caractérisent la forme des objets et des phénomènes naturels dans diverses conditions d'éclairage, d'environnement et d'espace.

Palette - 1) une petite planche mince de forme quadrangulaire ou ovale, sur laquelle l'artiste mélange les peintures tout en travaillant ; 2) une liste exacte des couleurs utilisées par tel ou tel artiste dans sa pratique créative.

Panorama - une toile à peindre en forme de ruban circulaire fermé. Divers faux objets réels sont placés sur la toile devant l'image picturale, ce qui crée l'illusion d'une transition directe de l'espace réel du premier plan dans l'espace pictural de l'image. Le panorama est situé dans une salle d'images spécialement construite pour lui avec une plate-forme d'observation centrale, généralement obscurcie. Contrairement à un panorama, un diorama est une image pittoresque sous la forme d'un ruban semi-circulaire incurvé.

Les panoramas créés par l'artiste F. A. Rubo "Défense de Sébastopol" (1902-1904) et "Bataille de Borodino" (1911) sont encore des exemples inégalés.

Pastel - des crayons de couleur sans bords, fabriqués à partir de peinture en poudre. Ils sont obtenus en mélangeant de la poudre de peinture avec un adhésif (colle de cerise, dextrine, gélatine, caséine). Travail au pastel sur papier, carton ou toile. Les peintures sont appliquées avec des traits, comme dans un dessin, ou frottées avec des doigts avec un ombrage, ce qui vous permet d'obtenir les nuances colorées les plus fines et les transitions de couleurs les plus délicates, une surface veloutée mate. Lorsque vous travaillez avec du pastel, les couches de peinture peuvent être facilement retirées ou superposées, car elles sont librement grattées du sol. Les œuvres réalisées au pastel sont généralement fixées avec une solution spéciale.

Pastosité - 1) dans la technique de la peinture à l'huile : une épaisseur importante de la couche picturale utilisée comme support artistique. Agissant comme une caractéristique technique, la pastosité reste toujours perceptible à l'œil et se manifeste par une certaine irrégularité de la couche picturale, par un «coup de relief», etc. Au sens étroit et purement technologique, peinture en couche épaisse à surface lisse est parfois appelé pâteux, dans lequel la pastosité peut ne pas être perceptible (body painting). 2) une propriété particulière de la plasticité du matériau de peinture, qui permet à la peinture à l'huile non diluée de conserver complètement la forme que lui donne le pinceau.

Paysage - vue, image de n'importe quelle zone ; en peinture et en graphisme, un genre et une œuvre à part entière dans laquelle le sujet principal de l'image est la nature. Vues souvent représentées sur les villes et les complexes architecturaux (paysage architectural), vues sur la mer (marina).

Variégation (fractionnalité) de l'image - défauts dans un dessin ou un croquis, qui sont obtenus lorsqu'un artiste novice dessine ou peint la nature par parties, "à bout portant". En conséquence, la forme des objets est surchargée de détails, leurs contours sont nets, de nombreux objets et leurs surfaces ont le même ton et la même force de couleur. Cela se produit parce qu'un artiste inexpérimenté, bien qu'il ait comparé des objets par ton et couleur, les a regardés alternativement, séparément. Lorsqu'un artiste développe l'habileté de la vision simultanée (intégrale) et de la comparaison des objets selon trois propriétés de couleur (couleur, luminosité, saturation), la diversité tonale de l'image disparaît.

Plans d'aménagement - des zones spatiales conventionnellement divisées situées à différentes distances de l'observateur. Plusieurs plans se distinguent sur la photo : premier, deuxième, troisième, ou avant, milieu, arrière. L'espace sur le plan de la toile ou du papier est véhiculé principalement par la construction correcte de la perspective. Si des objets ou des volumes sur des plans d'espace sont dessinés sans un strict respect de leurs changements de perspective, la solution de couleur ne fera pas grand-chose pour représenter l'espace. La nature du trait contribue également à la transmission des qualités spatiales de l'image (sur la figure - la nature du trait). La technique d'ombrage des objets de premier plan est plus définie, rigide et dense. Un frottis de peinture est plus pâteux, en relief, fractionné. Les plans lointains sont transmis avec un trait plus doux, une fine couche de peinture.

Plastique - l'harmonie, l'expressivité et la souplesse des formes, des lignes, remarquées par l'artiste dans la nature représentée.

Peinture en plein air - peinture en plein air. Les changements dans les couleurs de la nature sous l'influence de la lumière et de l'air ont une signification active dans l'écriture d'un croquis en plein air. Une attention particulière doit être portée à l'état général de la tonalité et de la couleur (selon l'intensité et la couleur de l'éclairage) et au phénomène de perspective aérienne. Le moment déterminant de la peinture en plein air est la cohérence de l'échelle de tons et de couleurs lors de la construction des relations de tons et de couleurs de l'étude (voir l'échelle de tons et de couleurs de l'image):

Sous-couche - la phase préparatoire du travail sur l'image, réalisée dans la technique de la peinture à l'huile. La sous-couche est généralement réalisée avec une fine couche de peinture et peut être monochromatique ou multicolore.

Tendeur. La toile sur laquelle l'artiste peint un tableau est tendue sur un châssis. Son but est de maintenir la toile tendue. Ceci est assuré par une fixation non rigide des planches de bois du faux-châssis. Avec une fixation aveugle des coins de la civière, il est difficile de corriger l'affaissement de la toile dû à l'humidité. Sur les lattes du faux-châssis, des biseaux sont réalisés dirigés vers l'intérieur du faux-châssis. Sinon, aux points de contact entre la toile et les nervures intérieures de la civière, la toile est déformée et les nervures intérieures de la civière apparaissent dessus. Les faux-châssis de grandes tailles sont réalisés avec une croix, ce qui les protège des distorsions diagonales et des déviations des lattes.

Pénombre - un des dégradés de clair-obscur à la surface d'un objet tridimensionnel, intermédiaire entre la lumière et l'ombre (tant dans la nature que dans l'image).

Portrait - une image qui capture l'apparence d'une personne en particulier, ses caractéristiques individuelles. L'art du portrait exige que, parallèlement à la ressemblance extérieure, l'apparence d'une personne reflète ses intérêts spirituels, son statut social et les caractéristiques typiques de l'époque à laquelle elle appartient. L'attitude personnelle de l'artiste envers les personnes représentées, sa vision du monde, l'empreinte de sa manière créative doivent également être présentes dans le portrait.

Primitivisme - une des tendances formalistes des arts visuels. Elle se caractérise par un rejet complet des acquis du réalisme afin d'imiter les formes d'art des époques dites primitives (tribus primitives), empruntant délibérément les traits des dessins d'enfants, etc.

Inscription - dans la technique de la peinture à l'huile, étape principale dans l'exécution d'une grande toile, qui suit la sous-couche, précédant l'émaillage. Le nombre d'inscriptions dépend de l'avancement du travail de l'artiste ; chacun d'eux se termine par un séchage complet de la peinture. Dans un sens large et imprécis du terme, la sous-couche, ainsi que tout traitement d'une toile déjà finie ou de sa partie, est parfois appelée enregistrement.

proportion - le rapport des tailles des objets ou de leurs parties entre elles et au tout. Dans un dessin ou une peinture, ces relations sont exprimées en proportion, c'est-à-dire similaires, réduites ou augmentées du même nombre de fois. Le respect des proportions est d'une importance décisive, car elles sont le trait le plus caractéristique du sujet et constituent la base d'une image véridique et expressive.

Proportionnalité des relations - la loi de la peinture réaliste, qui détermine la relation de chaque tache de couleur claire de l'étude avec les autres, proportionnelle à l'image visuelle de la nature, condition importante pour une représentation véridique et holistique de la réalité. Notre perception visuelle et notre reconnaissance de la forme, de la couleur, de la matière des objets, de l'état d'éclairage sont basées sur leurs relations tonales et chromatiques. Les caractéristiques de ton et de couleur ne sont pas visuellement perçues isolément, mais en fonction de l'environnement, ainsi que d'autres tons et couleurs. Par conséquent, l'artiste reproduit les différences de tons et de couleurs de la nature sur le croquis, ainsi que les dimensions en perspective des objets, par la méthode de la correspondance proportionnelle entre l'image et l'image visuelle de la nature. Cela permet d'atteindre l'état d'éclairage de l'étude, la véritable modélisation de la forme tridimensionnelle, de la matérialité, de la profondeur spatiale et d'autres qualités picturales de l'image.

Le processus de peinture d'après nature implique un ordre spécial de travail au début, au milieu et à la fin. Ce processus va du général à l'élaboration détaillée de la forme et se termine par une généralisation - mettant en évidence le principal et lui subordonnant le secondaire. En peignant à ces stades, les tâches spécifiques suivantes sont résolues: 1) trouver la relation des principales taches de couleur, en tenant compte de la tonalité et de l'état de couleur de l'éclairage (sa force et sa composition spectrale), 2) "étirer" la tonalité de couleur dans les relations de base trouvées, modélisation des couleurs de la forme tridimensionnelle des objets individuels , 3) ​​au stade de la généralisation - adoucissant les contours nets des objets, étouffant ou améliorant le ton et la couleur des objets individuels, mettant en évidence le principal, subordonnant le secondaire à celle-ci. En fin de compte, toute l'image picturale est amenée à l'intégrité et à l'unité, à l'impression que la vision reçoit en voyant la nature dans son ensemble.

Diluants . Pour les aquarelles et les peintures à la gouache, le seul diluant est l'eau. Pour diluer les peintures à l'huile, on utilise des compositions d'origine térébenthine (pinène n°4) ou des produits pétroliers mélangés à de l'alcool ou de l'huile de lin (diluants n°1, 2). L'ajout, par exemple, de pinène à la peinture à l'huile contribue à leur séchage rapide. De plus, afin d'assurer une meilleure adhérence des couches de peinture, la surface durcie de la couche de peinture est essuyée avec du pinène avant réenregistrement.

Angle - réduction perspective de la forme d'un objet, entraînant une modification de ses contours habituels ; contractions fortement prononcées qui se produisent lorsqu'un objet est observé d'en haut ou d'en bas.

Cadre. L'image créée par l'artiste a un cadre. Il complète la composition, lui donne une unité, dirige l'attention du spectateur sur l'œuvre elle-même. Le plus souvent, le cadre a une forme rectangulaire, parfois ronde ou ovale. Souvent, les lattes du cadre ont des profils minces, comme des marches descendant vers l'image elle-même. Ils aident l'œil du spectateur à s'immerger plus facilement dans le monde du représenté. Les artistes traitent le cadre comme une partie essentielle de la composition de la peinture et le peignent dans des couleurs claires et foncées de différentes nuances. Il existe des cadres avec de riches motifs en plastique, des ornements floraux ou géométriques conventionnels.

Le réalisme - une méthode de créativité artistique basée sur une connaissance profonde de la vie et une réflexion figurative de son essence et de sa beauté. Le réalisme en peinture est basé sur la représentation de la vie dans les formes de la vie elle-même. L'artiste étudie constamment la vie avec un crayon et un pinceau à la main et maîtrise parfaitement l'art de la représentation véridique d'objets et d'objets de la réalité. Sans connaissance organique et généralisation de la vie, d'une part, et la capacité d'incarner tout cela dans une image visuelle concrète, d'autre part, l'image artistique dans l'image se transforme en un schéma dépourvu de la persuasion de la vie.

réalisme socialiste - la méthode de l'art socialiste, visant à une réflexion véridique et historiquement concrète de la réalité dans son développement révolutionnaire aux fins de l'éducation idéologique et esthétique du peuple dans l'esprit du socialisme et du communisme.

Réflexe - réflexion lumineuse ou colorée qui se produit sur la forme à la suite de la réflexion des rayons lumineux des objets environnants. Les couleurs de tous les objets sont interconnectées par des reflets. Plus la différence de luminosité et de couleur entre deux objets adjacents est grande, plus les reflets sont perceptibles. Sur les surfaces rugueuses et mates, ils sont plus faibles, sur les surfaces lisses, ils sont plus visibles et plus distincts. Sur les surfaces polies, elles sont particulièrement nettes (dans ce cas, elles sont renforcées par la réflexion spéculaire).

Dessin -1) reproduction à part entière du monde objectif: modélisation volumétrique-spatiale, proportions correctes, expression véridique, caractère clairement exprimé, etc. C'est la base d'une représentation réaliste de la réalité en général - par tous les moyens et techniques techniques. L'enseignement du dessin est une partie essentielle de la formation professionnelle d'un peintre, d'un graphiste et d'un sculpteur ; 2) une sorte de graphisme artistique basé sur des moyens techniques et des capacités de dessin. Contrairement à la peinture, le dessin s'effectue principalement avec une matière colorante solide (crayon, fusain, sanguine, etc.), en règle générale, au moyen d'un trait et d'une ligne, avec le rôle auxiliaire de la couleur ; 3) un travail séparé du type de graphique correspondant.

Rythme et rythme - la répétition de certains éléments de composition de l'œuvre, leur proportionnalité particulière, aboutissant à une cohérence harmonieuse et régulière de l'ensemble. Le rythme peut se manifester par des contrastes et des correspondances de groupements de figures, d'objets, de lignes, de mouvements, de taches noires et blanches et de couleurs, de plans d'espace, etc.

Lumière - un élément de dégradés de lumière et d'ombre, sert à désigner la partie éclairée de la surface des objets.

Légèreté (ton) - le degré comparatif de différence avec l'obscurité : plus on s'éloigne de l'obscurité, plus la luminosité de la couleur est grande.

Ouverture - le degré de légèreté du sujet, son ton. L'ouverture dépend de la présence d'autres tons (voisins), ainsi que de la couleur des objets.

Clair-obscur - des gradations régulières de lumière et d'obscurité sur la forme volumétrique d'un objet, grâce auxquelles, tant dans la nature que dans le dessin, des propriétés objectives telles que le volume et la matière sont perçues par l'œil. Les principales gradations du clair-obscur: surbrillance, lumière, pénombre, ombre propre, réflexe, ombre tombante.

propriétés de couleur - ton ou nuance de couleur: rouge, bleu, jaune, jaune-vert, luminosité et saturation (le degré de sa différence avec le gris, c'est-à-dire le degré de proximité avec une couleur spectrale pure). Dans le processus de peinture, ces trois propriétés sont utilisées pour comparer les couleurs d'une production naturelle, trouver leurs différences de couleur et sont transférées à l'esquisse dans des relations proportionnelles.

Classeur - il s'agit d'un astringent (colle, huile, chaux éteinte, jaune d'œuf de poule), à ​​l'aide duquel les particules de pigment sont interconnectées et fixées à la surface du sol, formant une couche de peinture. Les types de peinture - fresque, peinture à l'huile, détrempe - diffèrent précisément par la composition du liant, bien que le pigment soit généralement le même.

Silhouette - une image plane monochrome sombre sur fond clair. personne, animal ou objet. Le terme vient du nom du ministre français des Finances du XVIIIe siècle. E. de Silhouette, caricaturé sous la forme d'un profil d'ombre.

Symbole. - une image qui exprime de manière allégorique un concept large ou une idée abstraite. Dans le cas où la connexion d'un symbole avec le concept qu'il exprime résulte d'une similitude significative interne, d'une relation entre l'objet représenté et sa signification allégorique, l'utilisation d'un symbole devient appropriée et possible dans les beaux-arts réalistes. Un symbole est utilisé lorsqu'ils veulent exprimer un concept large et englobant sous une forme concise et concise.

Contenu et forme dans l'art - des catégories inextricablement liées et interdépendantes, dont l'une indique ce qui est exactement reflété et exprimé dans l'œuvre (contenu), et la seconde indique comment, par quels moyens cela est réalisé (forme). Le rôle principal et déterminant appartient au contenu. Il devient un certain phénomène de la vie, réalisé et compris esthétiquement par l'artiste dans le processus de création. La catégorie de forme artistique dans les arts visuels comprend : l'intrigue, la composition, le type, le dessin, le système de couleurs, le volume, la spatialité, la construction d'ombre et de lumière, etc. Il convient de noter que les mérites artistiques d'une œuvre dépendent directement de la façon dont formé l'artiste utilise des formes d'expression. Sans maîtrise pratique de la culture de l'utilisation de la couleur, il est impossible d'exprimer le contenu figuratif au moyen de la peinture dans un certain matériau.

Comparaison - une méthode pour déterminer les proportions, les relations de tons et de couleurs, etc. Les propriétés et les qualités sont connues par notre conscience par comparaison. Comprendre la nature de la forme d'un objet, déterminer son ton et sa couleur n'est possible qu'en comparaison avec d'autres objets. Afin de représenter fidèlement la nature, l'artiste doit créer sur le croquis des différences proportionnelles à la nature dans les objets de taille, de ton et de couleur. Ce n'est que par la méthode de la comparaison (avec une perception intégrale de la nature) qu'il est possible de déterminer dans la nature les relations de couleur entre les objets, de les transmettre sur toile ou papier.

Stylisation - 1) imitation intentionnelle d'un style artistique, caractéristique de tout auteur, genre, tendance, art et culture d'un certain milieu social, nationalité, époque. Implique généralement une interprétation libre du contenu et du style de l'art qui a servi de prototype; 2) dans les arts visuels et principalement dans les arts décoratifs, le design, la généralisation des figures et des objets représentés à l'aide de techniques conditionnelles ; la stylisation est surtout caractéristique de l'ornement, où elle fait de l'objet de l'image le motif du motif.

Style - 1) la communauté des caractéristiques idéologiques et artistiques des œuvres d'art d'une certaine époque. L'émergence et le changement de styles sont déterminés par le cours du développement historique de la société (par exemple, le classicisme, le baroque, etc.); 2) caractéristique nationale de l'art (style chinois, mauresque, etc.). Ils parlent également du style d'un groupe d'artistes ou d'un artiste, si leur travail se distingue par des traits individuels brillants.

Pinceau sec - en peinture et en graphisme, une technique auxiliaire consistant à travailler avec des pinceaux durs faiblement saturés de peinture. En tant que technique indépendante, le pinceau sec est principalement utilisé dans les arts décoratifs.

Sfumato - en peinture et en graphisme, terme associé à la peinture de la Renaissance italienne à partir de Léonard de Vinci et signifiant la douceur de l'exécution, l'insaisissabilité des contours des objets résultant d'une certaine démarche artistique.

Parcelle - 1) un événement ou un phénomène spécifique représenté dans l'image. Un seul et même thème peut être révélé dans une variété d'intrigues; 2) parfois l'intrigue est comprise comme tout objet de la nature vivante ou du monde objectif, pris pour l'image. Souvent, l'intrigue remplace la notion de motif, qui est à la base d'une œuvre (surtout d'un paysage).

Processus créatif (créativité) - le processus de création d'une œuvre d'art, de la naissance d'une idée figurative à son incarnation, le processus de traduction des observations de la réalité en une image artistique. En peinture, la créativité consiste à créer une œuvre sous des formes visibles directement authentiques.

Sujet - l'éventail des phénomènes choisis par l'artiste pour dépeindre et révéler l'idée de l'œuvre.

peintures à la détrempe - peintures à l'eau à base de poudres sèches mélangées à du jaune d'œuf dilué avec de l'eau de colle. Actuellement, des peintures semi-liquides sont également fabriquées, enfermées dans des tubes et préparées sur le jaune, l'œuf entier ou l'émulsion d'huile végétale avec de l'œuf et de la colle. Les peintures à la détrempe peuvent être écrites en épaisseur, comme des huiles, et fines, comme des aquarelles, en les diluant avec de l'eau. Ils sèchent plus lentement que la gouache. L'inconvénient est la différence de nuances de peinture brute et séchée. Les peintures peintes à la détrempe ont une surface mate, elles sont donc parfois recouvertes d'un vernis spécial qui élimine cette matité.

Ombre - un élément de clair-obscur, les zones les moins éclairées de la nature et de l'image. Il y a des ombres propres et tombantes. Les ombres qui appartiennent à l'objet lui-même sont appelées ombres propres. Les ombres descendantes sont des ombres projetées par le corps sur les objets environnants.

Couleurs chaudes et froides . Les couleurs chaudes sont conditionnellement associées à la couleur du feu, du soleil, des objets chauds : rouge, rouge-orange, jaune-vert. Les couleurs froides sont associées à la couleur de l'eau, de la glace et d'autres objets froids : vert-bleu, bleu, bleu-bleu, bleu-violet. Ces qualités de couleur sont relatives et dépendent de la localisation d'une autre couleur à proximité. L'outremer, par exemple, est froid en soi, à côté du bleu de Prusse, il sera chaud, et le rouge moucheté apparaîtra plus froid que le rouge cinabre.

Dans l'apparence des couleurs de la nature visible, les nuances chaudes et froides sont toujours présentes. Cette chaleur-froide des nuances repose principalement sur des contrastes de couleurs naturelles dans la lumière et dans l'ombre. Dans la nature, il arrive souvent que les couleurs des objets soient froides et leurs ombres chaudes, et vice versa. La perception visuelle dite de contraste des couleurs contribue également au phénomène de froideur : de la présence d'une couleur chaude dans la nature perçue, l'impression d'une couleur froide surgit sur la rétine, bien que ce ne soit pas le cas dans la nature. Le chaud-froid en peinture est un phénomène naturel et une qualité intégrale de la représentation picturale d'une étude de la nature ou d'un tableau.

Technique - dans le domaine de l'art : un ensemble de compétences et de techniques particulières à travers lesquelles une œuvre d'art est exécutée. Le concept de "technique" au sens étroit du terme correspond généralement au résultat direct et immédiat du travail de l'artiste avec un matériau et un outil spéciaux, la capacité d'utiliser les possibilités artistiques de ce matériau; dans un sens plus large, ce concept recouvre également les éléments correspondants de nature picturale - le transfert de la matérialité des objets, la modélisation des formes tridimensionnelles, la modélisation des relations spatiales, etc. Tous les moyens techniques, sans exception, doivent conduire à un bien -résultat artistique connu, au moins modeste.

Les moyens techniques de l'art ne restent pas neutres par rapport au contenu. Les principales caractéristiques de la technique réaliste tiennent avant tout à sa subordination à la structure idéologique et figurative de l'œuvre.

Jtechniques de peinture - voir peinture à l'huile, aquarelle, gouache, détrempe, peinture à la colle, pastel, encaustique, fresque, mosaïque.

Ton (sans accompagner le mot "couleur") - dans la terminologie des artistes équivaut au concept de légèreté de couleur (peinture). Toute couleur chromatique ou achromatique peut avoir une luminosité différente. Vous pouvez dire à propos du ton dans la même couleur, par exemple le rouge: "ton clair de peinture rouge" ou "ton foncé de peinture". Parfois, le terme "ton" est utilisé en relation avec la couleur, par exemple, "le ton doré du panneau", "le ton brun de l'image". Les artistes utilisent souvent le terme "légèreté" ou "ouverture" de couleur au lieu du terme "ton" de couleur.

Clé - un terme désignant les caractéristiques externes de la couleur ou du clair-obscur dans les œuvres de peinture et de graphisme. Il est plus courant en ce qui concerne la couleur et coïncide avec le terme "gamme de couleurs".

Échelle de tons et de couleurs de l'image . Le transfert des rapports de tons et de couleurs proportionnels à la nature peut être effectué dans différentes gammes de luminosité et de saturation des couleurs de la palette. Cela dépend de l'état général de la force de l'illumination de la nature et de son éloignement du peintre. L'artiste peut prendre les objets de couleur les plus clairs et les plus saturés de la nature sur une étude soit dans toute la force des couleurs claires et vives de la palette, soit seulement dans la moitié de leurs possibilités. C'est ainsi que l'échelle de tons et de couleurs de l'image est maintenue, dans laquelle les relations de tons et de couleurs des objets de production naturelle sont reflétées.

ton image - une image avec différentes transitions tonales de la lumière à l'ombre, c'est-à-dire avec des zones qui ont des intensités de tonalité différentes. Un exemple typique d'image tonale est une photographie, une huile ou dessin aquarelle en une seule couleur (grisaille), ainsi qu'un dessin au crayon réalisé par ombrage.

relations de ton . Reconnaissance de la forme volumétrique des objets, leur matériau se produit dans notre esprit sur la base de la perception visuelle de leurs relations lumineuses. Par conséquent, l'artiste doit reproduire les rapports de luminosité du dessin par la méthode de la similitude. Au moyen de dégradés de clair-obscur sur une forme volumétrique et du transfert de relations tonales proportionnelles à la nature entre la couleur (matière) des objets, l'artiste réalise un véritable modelage volumétrique de la forme, de l'expression de la matérialité, de la profondeur spatiale et de l'état de enluminure (dessin ton sur ton, peinture en grisaille).

Texture - traits caractéristiques de la surface des objets constitués de divers matériaux à la fois dans la nature et dans l'image (relief de la couche de peinture des traits). La texture peut être lisse, rugueuse, en relief. La texture de la lettre dépend en grande partie des propriétés du matériau coloré, des caractéristiques de l'objet de la nature que l'artiste représente, ainsi que de la tâche et du matériau d'exécution. En aquarelle, la texture dépend en grande partie de la surface du papier. La texture de la lettre révèle l'écriture individuelle de l'artiste.

Fas (plein visage) - face avant, vue de face. Ce terme indique que le modèle (la tête d'une personne ou d'un objet) est situé frontalement, parallèlement au plan de l'image.

Arrière-plan - tout support ou plan derrière l'objet image.

Former - 1) apparence, contour ; implique la présence de volume, de construction, de proportion; 2) aux beaux-arts Forme d'art- ce sont des moyens artistiques qui servent à créer une image, révéler le contenu (voir contenu et forme).

Formalisme - la désignation générale de nombreuses écoles et tendances *> 1X anti-réalistes dans les arts visuels : cubisme, futurisme, constructivisme, surréalisme, suprématisme, purisme, dadaïsme, abstractionnisme, pop art, etc. Toutes ces variétés de formalisme reposent sur le séparation non naturelle de la forme d'art du contenu, sur la reconnaissance de l'indépendance et de l'indépendance de la forme, prétendant à tort créer des œuvres d'art à travers diverses combinaisons de lignes ou de couleurs «propres». L'image formaliste déforme grossièrement la réalité, perd la capacité de connaître le monde au sens figuré et se transforme parfois en expériences charlatanes dénuées de sens.

Format - la forme du plan sur lequel l'image est réalisée. Cela est dû aux contours généraux de la nature, au rapport hauteur / largeur. Le choix du format dépend du contenu et convient à la composition de l'image. Pour le système figuratif, le format est essentiel.

Fresque - la variété technique la plus importante de la peinture monumentale, utilisant la chaux comme liant principal.

Couleur en peinture. La couleur en général est la propriété des objets à provoquer une certaine sensation visuelle en fonction de la composition spectrale des rayons réfléchis. Dans la vie de tous les jours, chaque élément ou objet est affecté à quelqu'un couleur spécifique. Cette couleur est dite objective ou locale (l'herbe est verte, le ciel est bleu, l'eau de mer est bleue, etc.). Chez les peintres débutants, en règle générale, la vision objective de la couleur prévaut, ce qui conduit à une coloration amateur. Au sens pictural, un objet ne peut être correctement représenté que si ce n'est pas la couleur de l'objet qui est véhiculée, mais la couleur modifiée par l'éclairage et l'environnement. La couleur du sujet change à mesure que l'intensité de la lumière augmente et diminue. Elle varie également de la composition spectrale de l'illumination. L'environnement dans lequel se trouve l'objet reflète également les rayons de couleur qui, ayant touché la surface d'autres objets, forment sur eux des reflets de couleur. La couleur change également de l'interaction de contraste. Ainsi, la couleur d'un objet est toujours une mosaïque composée de couleurs et de taches de lumière et d'ombre (réflexes et reflets), et dans ce cas elle est dite non objective, mais conditionnée. C'est cette couleur qui est l'un des principaux moyens visuels de la peinture réaliste.

Il est généralement admis que la couleur elle-même peut avoir un certain effet sur une personne. Parfois, ils pensent que les couleurs sombres et claires créent une ambiance joyeuse. le gris et le noir provoquent un sentiment d'abattement, etc. En psychologie, des recherches et des expérimentations sont menées sur ce sujet, mais certains schémas en la matière n'ont pas encore été identifiés. Le peintre n'utilise pas les valeurs de couleur ci-dessus. Il n'a pas de règle générale pour l'impact émotionnel de la couleur à « différentes occasions ». Il n'est pas du tout nécessaire de résoudre une image de couleur sombre ou sévère si son thème est tragique ou triste, et les couleurs vives ne sont pas nécessaires pour des intrigues joyeuses. Par exemple, les intrigues des peintures de Surikov "Menchikov à Berezovo" et "Boyar Morozova" sont consacrées au destin tragique de personnes de forte volonté et de conviction. Les tons sombres prédominent dans la coloration de la première image. La deuxième image est construite sur de riches combinaisons de couleurs de peinture en plein air d'un paysage d'hiver, de vêtements lumineux de la foule, de coloration festive de "tapis". La nature de la parcelle naturelle, l'état d'éclairage déterminait la couleur de ces œuvres. Ainsi, la couleur de l'image est créée par un système de relations de couleurs visant à représenter les conditions et conditions de la vie réelle. La couleur est un moyen de représenter la forme volumétrique d'un objet, sa matérialité, ses qualités spatiales, l'état coloristique d'illumination de la nature, et ce n'est qu'en révélant ainsi le contenu sémantique de l'image qu'elle a l'impact émotionnel nécessaire.

Unité de couleur et affinité des couleurs. La couleur de l'éclairage, sa composition spectrale, affecte de manière appropriée les différentes couleurs des objets et des objets de la nature, les subordonne à une certaine gamme. Le résultat est une unité coloristique de couleurs. Un reflet fidèle de ces qualités rend une étude d'après nature particulièrement véridique et harmonieuse en termes de peinture.

Relations de couleur - différences de couleurs naturelles en termes de teinte (teinte), de luminosité et de saturation. Dans la nature, la couleur est toujours perçue en relation avec les couleurs qui l'entourent, avec lesquelles elle est en étroite interaction et dépendance. Par conséquent, les relations de couleur de l'étude doivent être transmises proportionnellement aux relations de couleur de la nature. C'est la loi de la transposition coloristique des couleurs de la nature visible dans la gamme de couleurs de la palette, elle est déterminée par la psychophysiologie de notre perception visuelle et de notre pensée.

Intégrité des images - le résultat du travail à partir de la nature par la méthode des relations (comparaisons) avec une vision intégrale de la nature, à la suite de quoi l'artiste se débarrasse des défauts d'un dessin ou d'une esquisse tels que la fragmentation et la panachure.

Intégrité de la perception - la capacité de l'artiste à voir les objets de la production naturelle en même temps, tous à la fois. Ce n'est que grâce à la perception visuelle intégrale qu'il est possible de déterminer correctement les proportions d'objets, les relations de ton et de couleur et d'atteindre l'intégrité de l'image d'une production naturelle. L'intégrité de la perception est la capacité professionnelle de voir et le « réglage de l'œil » de l'artiste.

Il existe un certain nombre de conseils sur la façon de percevoir pratiquement la nature dans son ensemble: 1) au moment de l'observation, lors de la détermination des relations de couleur, louchez ou "dissolvez" vos yeux sur toute la nature, 2) P. P. Chistyakov a conseillé "mentalement d'avoir devant vous, pour ainsi dire, du verre plat, cela donne des relations », 3) R. Falk, pour l'intégrité de la vision, a recommandé de découper un trou rectangulaire (2X1 cm) dans un morceau de carton et de regarder la nature dans l'avion de cette fenêtre (l'œil reçoit un système pictural holistique des principales relations chromatiques de la nature, semblable à une mosaïque de pierres précieuses) ; 4) vous pouvez également percevoir la nature dans son ensemble et comprendre ses relations de couleur à l'aide d'un «miroir noir» (si vous peignez sur un côté d'un verre transparent avec de la peinture noire, vous obtiendrez un miroir dans lequel, en plein soleil , vous pouvez voir les objets du paysage avec une luminosité réduite.Dans un tel miroir, les objets sont réfléchis dans le même plan sous une forme réduite, ils peuvent tous être vus en même temps.Cela vous permettra de capturer plus précisément les relations de tons et de couleurs de nature).

Extérieur (par opposition à l'intérieur) - une représentation de l'extérieur d'un bâtiment.

Encaustique La peinture à la cire est une sorte de technique de peinture, peu utilisée actuellement, basée sur l'utilisation de la cire comme liant. La meilleure méthode de peinture à la cire en termes de résultats et de durabilité est l'encaustique antique. Ses avantages résident dans les qualités exceptionnelles d'une cire spécialement préparée, qui n'est presque pas affectée par le temps ou l'humidité, ne se fissure jamais et conserve sa couleur inchangée.

Esquisser - une esquisse préparatoire d'une étude ou d'un tableau. Dans le processus de travail à partir de la nature, des croquis sont utilisés comme matériel auxiliaire; ils développent des options pour des compositions d'une feuille de papier ou d'une toile. Les croquis sont réalisés à la fois sous forme de croquis rapides au crayon et dans le matériau.

Étude - une image auxiliaire de taille limitée, réalisée à partir de la nature en vue de son étude minutieuse. Grâce au croquis, l'artiste améliore ses compétences professionnelles. L'objectif principal du travail d'étude reste toujours une incarnation vraie et vivante de l'idée picturale, la création d'une image. Dans l'art réaliste, l'étude joue toujours un rôle de soutien.

Étude est le résultat d'une réévaluation du rôle de l'étude, il conduit inévitablement à l'appauvrissement du contenu idéologique et figuratif. Il est généralement admis que l'étude est née de l'impressionnisme, qui limite l'activité de l'artiste à un travail superficiel d'après nature, remplaçant une image par une étude.

Effet Purkyne - modification de la luminosité relative des couleurs lorsque l'éclairage est augmenté ou diminué. Par exemple, pendant la journée, la luminosité relative du rouge et du jaune semble forte, et au crépuscule - vert et fleurs bleues. Le point ici est que pendant la journée, sous un éclairage normal, notre œil voit à travers certaines cellules de la rétine de l'œil, les soi-disant cônes, et sous une lumière très faible déjà à travers d'autres - des bâtonnets. Les cônes sont plus sensibles au jaune et au rouge, tandis que les bâtonnets sont plus sensibles au bleu-vert. Même Léonard de Vinci a remarqué : « Le vert et le bleu intensifient leurs couleurs à mi-ombre, et le rouge et le jaune gagnent en couleur dans les endroits les plus éclairés.

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Abstractionnisme- le courant oderniste dans l'art du XXe siècle, qui a fondamentalement abandonné la représentation d'objets réels en peinture, sculpture et graphisme.

Les œuvres d'art abstrait reposent uniquement sur des éléments formels : ligne, tache de couleur, configuration abstraite. Il y a l'abstractionnisme géométrique et lyrique.
Abstractionnisme
Gegenstandslose kunst
lat. Abstractus - abstrait

avant-garde- Un ensemble d'entreprises expérimentales, modernistes, résolument insolites, exploratoires de l'art du XXe siècle.
Les tendances d'avant-garde sont : le fauvisme, le cubisme, le futurisme, l'expressionnisme, l'abstractionnisme, le surréalisme, l'actionnisme, le pop art, l'art conceptuel.
fr.Avant-garde - détachement avancé

Aquarelle- Peinture, pour la fabrication de laquelle on utilise des liants hydrosolubles, comme la gomme arabique. En règle générale, l'aquarelle est dissoute dans l'eau jusqu'à un état transparent et appliquée sur du papier en larges taches, appelées lavis. La surface non peinte du papier blanc donne une impression de translucidité, et les taches d'aquarelle coulant les unes sur les autres créent des dégradés de tons (John Marin). L'aquarelle sèche rapidement et est compacte, c'est pourquoi elle est traditionnellement utilisée comme technique de dessin en plein air.

peinture aquarelle- Ce sont des peintures avec de la colle végétale comme liant. Ils se distinguent par un broyage extrêmement fin du pigment et un pourcentage important d'adhésifs (miel, sucre, glycérine sont ajoutés à la colle). L'aquarelle arrive
- solide (en tuiles)
- semi-doux (dans des tasses en céramique)
- souple (en tubes).

technique de l'aquarelle- Technique de peinture à l'aquarelle. Habituellement, l'aquarelle est réalisée sur papier avec des pinceaux à cheveux ronds, en dissolvant les peintures avec de l'eau. Les propriétés caractéristiques de la peinture à l'aquarelle sont la transparence et la douceur de la couche de peinture la plus fine.

La peinture aquarelle permet de créer différents types de dessins :
- transparent, à base d'émaux, sans utilisation de blanc, et
- revêtement, à l'aide de badigeon (technique de coque).

La principale propriété distinctive de l'aquarelle est la transparence de la peinture, à travers laquelle la texture du papier transparaît.

Dans le même temps, l'artiste utilise l'expressivité des lavis et des stries, ce qui crée l'effet d'inquiétude, de légèreté et de légèreté de l'image.

Il existe plusieurs méthodes de technique de l'aquarelle:
"dessin à l'aquarelle" - la combinaison d'une couche légère et transparente avec un dessin au crayon ou au stylo
"Aquarelle italienne" - travail sur papier sec, appliqué au pinceau dessin de contour et le développement de ses ombres
"Aquarelle anglaise" - travail sur papier brut, pour lequel un tissu ou une flanelle est placé sous le papier, une gomme est utilisée. Le papier est étiré sur une civière et humidifié par le bas avec de la vapeur chaude. Cette méthode donne de la profondeur à l'aquarelle et crée une sensation de lumière du soleil et de perspective aérienne.

Aquatinte- Inventé en France au milieu du 18ème siècle pour reproduire le dessin ton sur ton à l'encre en gravure. Avec cette technique, la planche chauffée est uniformément recouverte d'une poudre résineuse dont les grains individuels adhèrent au métal chaud et les uns aux autres. Lors de la gravure, l'acide ne pénètre que dans les pores entre les poudres, laissant une marque sur le panneau sous la forme d'une masse de dépressions individuelles en pointillés. Les endroits qui devraient être plus sombres sur l'impression sont gravés plus longtemps, les endroits clairs sont recouverts de vernis liquide après une gravure à court terme. L'aquatinte donne 500 à 1000 tirages.

Peinture acrylique, acrylique- Teinture synthétique, utilisée pour la première fois dans les années 1940, combinant les propriétés de l'huile et de l'aquarelle, permettant d'obtenir différents effets - du lavis transparent au trait pâteux.

Empire- Le style du classicisme tardif dans l'architecture et les arts appliqués d'Europe occidentale, pour lequel :
- des formes architecturales strictes sont caractéristiques : ordres dorique et toscan ; Et
- un appel aux formes décoratives égyptiennes antiques : trophées de guerre, sphinx ailés, etc.
fr.Empire - empire

anti-art- On pense que ce terme, désignant de nouvelles formes révolutionnaires d'art, a été utilisé pour la première fois vers 1914 par Marcel Duchamp. Un exemple d'anti-art est l'inscription obscène qu'il a faite et la moustache ajoutée à la reproduction du tableau de Mona Lisa de Léonard avant Vinci. Le terme comprend également la plupart des expériences anarchistes des dadaïstes. Par la suite, le terme a été utilisé par les conceptualistes des années 1960 pour désigner le travail d'artistes qui ont abandonné la pratique traditionnelle de l'art, ou du moins la création d'œuvres destinées à la vente. L'exposition de John Baldessari, qui présentait les cendres de toiles brûlées, était perçue comme une manifestation typique de l'anti-art.

Art brut, art brut- Le terme français Art Brut, inventé par Jean Dubuffet, se traduit par l'art brut, mais est souvent appliqué à l'art des étrangers. Il est utilisé pour désigner l'art créé par des auteurs non professionnels, mais associé à l'environnement artistique - enfants, malades mentaux ou criminels (Alfred Wallis, Adolf Wölfli). On pense parfois que cet art exprime des sentiments de manière plus authentique et directe que de nombreuses œuvres de musée.

Assemblage- L'inclusion de matériaux tridimensionnels non artistiques et d'objets trouvés dans l'œuvre d'art, issus de la technique du collage. L'assemblage est enraciné dans l'art du début du XXe siècle, lorsque Pablo Picasso a commencé à utiliser de vrais objets dans les constructions kufistes - par exemple, il a ajouté une vraie cuillère à sa sculpture pleine d'esprit Un verre d'absinthe. L'un des exemples les plus anciens et les plus célèbres d'assemblage était la roue de bicyclette de Marcel Duchamp sur un tabouret, qu'il appelait le terme ready-made. Plus tard, les dadaïstes et les surréalistes ont construit leur art sur d'étonnantes juxtapositions d'objets et d'images sans rapport. La technique d'assemblage est devenue particulièrement populaire à la fin des années 1950, lorsque des artistes comme Armand et Jim Dine ont largement incorporé des matériaux étrangers, y compris de la nourriture et des déchets divers, dans la peinture et la sculpture. La diffusion de l'assemblage au XXe siècle témoigne de la croissance d'attitudes rebelles envers les techniques artistiques traditionnelles.

aérographe- Un dispositif de pulvérisation fine de peinture avec de l'air comprimé lors de son application sur du papier, du tissu, etc. A. de différentes tailles et conceptions est utilisé pour peindre des tissus, dans la fabrication de décors de théâtre et d'affiches murales grand format, pour la retouche photographique négatifs, tirages photographiques et illustrations, etc.

Aérographie- La technique de la peinture à l'aérographe sur un pochoir. L'aérographe est utilisé : - pour la décoration des céramiques ; - dans la peinture d'étoffes et de décors de théâtre ; - dans le graphisme des livres ; - dans la production d'affiches grand format. Pochoir pour aérographe : - réalisé sous la forme d'une plaque de feuille de plomb ou de carton avec des trous qui reproduisent le motif ; et - est placé sur la surface de l'objet.