La biographie de Geisbrecht Leitens n'a été partiellement restaurée qu'au XXe siècle.
Venu de la ville d'Anvers. Au début, il était apprenti et a étudié les compétences artistiques sous la direction de l'artiste Jacques Vrolik, dont les peintures n'ont pas été retrouvées.
En 1611, il devient peintre et membre de la Guilde de Saint Luc à Anvers. Dès lors, il a le droit d'ouvrir son propre atelier dans la ville et d'accueillir des élèves en formation.
Les dernières années de sa vie sont mal documentées. Selon diverses sources, il mourut soit en 1643, soit avant 1656.
DANS fin XVI et au début du XVIIe siècle, un artiste anonyme travaillait aux Pays-Bas, conventionnellement appelé aujourd'hui le maître des paysages d'hiver, puisque la plupart de ses peintures représentent l'hiver. Il y a eu des tentatives pour l'identifier avec Denis Alslot , peintre paysagiste néerlandais peu connu. Mais une autre hypothèse est beaucoup plus plausible. L'un des tableaux du Maître des Paysages d'hiver porte un monogramme et une enseigne de la Guilde des Artistes d'Anvers gravés au dos. Ce monogramme permettait de considérer le maître anversois Geisbrecht Leitens (vers 1586 - vers 1656) comme l'auteur du tableau.
Le "Paysage d'hiver" de la collection Hermitage représente un coin de la nature hollandaise : des huttes sordides sous des arbres étendus, un sol couvert de glace et des personnages occupés travail quotidien. L'artiste a pu voir la beauté d'une soirée nuageuse ordinaire, lorsque les derniers rayons du soleil couchant deviennent roses près de l'horizon, les arbres projettent de longues ombres et des coups froids de la surface gelée de la terre. Le peintre a vu la beauté des branches couvertes de givre, entrelacées dans un motif complexe et enveloppées d'air givré.
Sans diviser le paysage en plans, comme le faisaient les artistes précédents, le maître des paysages d'hiver construit l'espace de l'image de manière naturelle et holistique, ce qui est facilité par la perspective aérienne habilement utilisée : les objets perdent leur clarté de contour et, pour ainsi dire, se dissolvent dans l'air humide à mesure qu'ils s'éloignent du premier plan.
Le problème de l'atmosphère, l'interaction de l'espace, de la lumière et de l'air - tout inquiétait l'artiste. Le ciel occupe plus de la moitié de l'image - le peintre a cherché à souligner sa relation avec la terre.
Les figures humaines qui peuplent le paysage sont inextricablement liées à la nature et en constituent la partie organique. Les points lumineux de leurs vêtements animent le ton monotone de l'image. Construisant la couleur sur une combinaison de tons délicats de gris bleuté et de rose, l'artiste a fait preuve d'une grande habileté dans la peinture. Il peint avec une fine couche de peinture liquide, utilisant parfois des glacis légers et transparents, parfois des traits épais lorsqu'il met en valeur des objets individuels. Parfois, un sol léger brille à travers la couche pittoresque.
Geisbrecht Leytens a anticipé à bien des égards les réalisations des artistes hollandais du XVIIe siècle, et pas seulement lui. Sans les fondations posées au XVIe siècle, le brillant épanouissement de l'art de l'époque suivante n'aurait pas été possible. Les artistes néerlandais ont commencé à développer des genres réalistes - portrait, vie quotidienne, paysage et nature morte - finalement formés au 17ème siècle. Ils ont créé les premiers portraits de groupe, anticipant l'épanouissement de ce genre dans les œuvres de Hals et Rembrandt, et ont obtenu un grand succès dans le dessin, la composition, la construction de l'espace et amélioré la technique de la peinture. Et surtout, ils se sont résolument tournés vers la réalité.
Nikolaï Nikolaïevitch Nikouline. "L'art des Pays-Bas aux XVe-XVIe siècles". Guide d'essai.
Dans l'exposition du Musée de Kiev, jusqu'à récemment, ce tableau était désigné comme l'œuvre d'un artiste inconnu du cercle de Pieter Brueghel l'Ancien. En raison de l'inaccessibilité totale de la littérature professionnelle étrangère, les employés du musée ne pouvaient pas connaître l'article du connaisseur néerlandais de la peinture Petrus Reelik, qui publia en 1942 un paysage d'hiver exquis de sa collection. Au verso de cette œuvre se trouvait un monogramme des lettres "G" et "L". Dans les listes des maîtres de la guilde des peintres anversois - la guilde de St. Luke, le chercheur a trouvé des informations sur l'artiste, dont les premières lettres du nom coïncidaient avec le monogramme. Ce nom est Geisbrecht Leitens. Compte tenu de la présence de peintures de style similaire dans les musées européens et les collections privées et des détails caractéristiques de l'écriture de l'auteur indiqués par V. Shchavinsky, P. Reelik a suggéré que le Maître des paysages d'hiver et Geisbrecht Leitens sont un seul et même artiste. La liste des œuvres authentiques du maître, le chercheur est passée des trois indiquées par Shchavinsky à dix-huit.
En 1973, obstiné recherches d'archives et l'analyse stylistique comparée a permis à la chercheuse allemande Edith Graindl de nommer quarante-quatre peintures fiables du mystérieux Maître des paysages d'hiver. Cependant, les faits de la biographie de Geisbrecht Leitens, que le chercheur a réussi à établir à cette époque, étaient extrêmement rares. L'artiste est né en 1586 à Anvers, a étudié et fait son apprentissage chez le peintre Jacques Vrolik, connu uniquement de nom. En 1611, Geisbrecht Leitens se qualifie comme artisan indépendant dans la guilde de St. Luke et de 1617 à 1627 avait plusieurs étudiants dans son propre studio. De plus, dans les archives de la guilde, l'artiste est mentionné comme capitaine de la garde civile. Pour une confiance finale dans l'identité du monogramme "G.L." et le maître anversois des paysages d'hiver, ces faits documentés ne suffisaient pas.
Ainsi, en 1988, dans la revue Die Kunst, la chercheuse allemande Ursula Herting a publié un tableau typique dans le style "Paysage d'hiver avec un fauconnier et un ruisseau gelé". L'oeuvre n'était plus signée d'un monogramme, mais nom et prénom artiste - Geisbrecht Leitens! Pendant ce temps, au musée de Kiev, où se trouve exactement la peinture de l'artiste, avec laquelle le nom de Geisbrecht Leitens a commencé à revenir de la non-existence, on ne savait rien de l'enquête sur l'histoire de l'art. En 2006, grâce à l'organisation internationale des chercheurs en art aux Pays-Bas (CODART), j'ai eu la chance de travailler dans l'une des archives d'art les plus célèbres d'Europe à La Haye. Ici, je me suis familiarisé avec les matériaux de cette longue enquête. Il s'est avéré, cependant, qu'aucun des collègues étrangers n'avait vu ou analysé le travail de Kiev. L'appartenance de ce tableau - non seulement sans signature, mais aussi sans monogramme - de Geisbrecht Leitens restait à prouver.
Jetons un coup d'oeil à notre Paysage d'hiver» plus attentivement : des arbres nus d'une forme bizarre, saupoudrés des premières neiges, figés dans un luxe de glace ; branches noueuses, enchevêtrées dans un labyrinthe aux milliers de virages... Il y a beaucoup d'oiseaux sur les branches. Ici, vous pouvez reconnaître des geais, des huppes, plusieurs pies. Un couple de martins-pêcheurs sur la branche inférieure semble attendre le moment où un paysan debout à proximité sur la glace perce un trou avec une perche et il sera possible de commencer la pêche sous-marine.
Dans la plupart des peintures hollandaises, ces poinçons ont déjà été perdus aujourd'hui en raison de nombreux rabotages de la base. Ainsi, les restaurateurs ont empêché la destruction du tableau par les coléoptères xylophages. Nous avons réussi à déchiffrer toutes les caractéristiques du "Paysage d'hiver".
Le premier - "deux palmes" - est brûlé avec une marque de fer, rouge vif, appartient à la guilde anversoise de St. Bows et certifie la qualité de la planche préparée pour la peinture. Le signe lui-même - «deux palmiers», qui fait partie des armoiries d'Anvers, est associé à une légende de longue date sur un géant qui a coupé les mains de ceux qui ne voulaient pas payer d'impôt en passant par la ville le long de l'Escaut. Selon l'étymologie populaire, c'est de là que vient le nom de la ville : Anvers (en néerlandais « hand vrepen ») - « main coupée ».
La deuxième marque - "château" - à l'étape suivante du contrôle de la guilde était déjà une confirmation de la qualité du travail de l'artiste. Par « qualité » dans ce cas, les inspecteurs entendaient uniquement les propriétés technologiques de la peinture et ne concernaient pas l'appréciation du niveau artistique de l'œuvre. La guilde a également emprunté le motif du "château" aux armoiries d'Anvers.
Le dernier, troisième, stigmate est « stylisé motif végétal» - réalisé à froid sur la planche - gaufré. Ce signe appartient personnellement au maître qui a réalisé la planche, et équivaut presque à une signature. Outre les éléments ornementaux, le poinçon porte les initiales de l'artisan. Il est également important que le tableau de Kiev possède un ensemble complet de poinçons, ce qui est assez rare et peut servir de référence par rapport à d'autres œuvres de Geisbrecht Leitens.
Par conséquent, il a fallu près de cent ans pour la révélation finale du mystère du "Paysage d'hiver" de la collection Shchavinsky ! Enfin, l'ancienne étiquette du musée Khanenko peut être changée. Au lieu de " Artiste inconnu cercle de Pieter Brueghel l'Ancien. Début du XVIIe siècle. il sera bientôt marqué : "Geisbrecht Leitens (1586-1646/56)".
Le peintre hollandais du XIXe siècle Andreas Schelfhout (16 février 1787, La Haye - 19 avril 1870, La Haye) était un graveur et lithographe connu pour ses paysages d'hiver. Son sujet de prédilection était l'hiver enneigé, des scènes de patinage sur la glace des canaux hollandais.
Les peintures d'Andreas Schelfhout se caractérisent par des couleurs vives et naturelles avec des traits riches dans la représentation des saisons. Parfois l'artiste peignait et paysages d'été, des scènes de mer, mais surtout il aimait les paysages d'hiver.
Andreas Schelfhout jusqu'à l'âge de 24 ans a travaillé pour son père, qui avait un studio pour la production et la vente de photographies. Après il a commencé à étudier la peinture avec l'artiste Joannes Breckenheimer (1772-1856). En 1815, Andreas expose son premier tableau avec un paysage d'hiver, qui remporte un succès sans précédent auprès des critiques d'art, ce qui marque le début d'une longue et brillante carrière d'artiste. En 1830, l'artiste visite une exposition de ses peintures à Paris et est également membre du PulchriStudio à La Haye. Andreas a collaboré activement avec d'autres artistes contemporains : PieterGerardusvanOs, Joseph Moerenhout et Jacobus Eeckhout, ce dernier a souvent ajouté ses personnages aux paysages de l'artiste. Andreas Schelfhout expose régulièrement à La Haye et Amsterdam. Beaucoup de ses élèves sont devenus artistes célèbres: Charles Leickert, Nicholas Roosenboom et Willem Troost. Il a également eu une grande influence sur le travail de l'un des précurseurs de l'impressionnisme - Johan Barthold Jongkind. L'œuvre d'Andreas Schelfhout est largement représentée dans de nombreux musées à travers le monde, dont le Rijksmuseum Amsterdam, le Teylers Museum, Haarlem, le Gemeentemusum, La Haye, et le Museum Boymans-van Beuningen, Rotterdam.
Scaters sur rivière gelée avec sapins Sun
Canal gelé près du soleil de la Meuse
Coucher de soleil amusant sur la glace
Paysage fluvial Soleil
Scaters chez Koek en Zopie
Se disperse par temps orageux Soleil
Éparpille sur le canal
S'éparpille sur une rivière gelée
S'éparpille avec des traîneaux Soleil
Route de campagne de voyageur en hiver Sun
paysage d'hiver
Paysage d'hiver Soleil
Marché d'hiver sur glace Soleil
Vue d'hiver avec bateau à glace Sun
Paysage d'hiver Soleil
Sur les murs d'une des salles galerie d'artà Berlin, plusieurs paysages d'hiver des "petits Hollandais" sont présentés. Peut-être qu'en été ou au printemps je ne m'attarderais pas autour de ces oeuvres, mais après le vent perçant de janvier avec une pluie battante, dont les murs de la galerie si bien protégés, ce sont les scènes d'hiver qui tombaient naturellement sur l'âme. Artistes XVII des siècles ont pu voir la beauté même là où elle est humide, humide, et la neige n'a que légèrement saupoudré la saleté de la route et l'herbe desséchée. Dans la peinture d'Art van der Neer, l'attention se porte sur le ciel couchant. Une lueur dorée se dispute avec des nuages de plomb, ses reflets animent la glace, et en suivant les patineurs, notre regard glisse vers l'horizon :
A proximité est accrochée une petite toile d'Isaac van Ostade. Ici aussi, un magnifique ciel rosé. Mais le mauvais temps s'est bel et bien dissipé, les gens se courbent sous le vent. Les bateaux sont gelés dans la glace. Ces deux paysages ont vu le jour au milieu du XVIIe siècle, tout comme les deux œuvres suivantes de Jan van Goyen.
L'un d'eux représente des divertissements d'hiver près de la taverne, l'autre montre du patin à glace sur un canal ou un lac gelé. L'artiste est fidèle à lui-même : il dépeint le plus commun : un paysage plat, de vieux arbres noueux, une banale taverne. Les gens sont habillés simplement, nous tournent le plus souvent le dos. Le premier paysage ne s'anime que ciel bleu regardant à travers les nuages.
Et sur le second, il n'y a même pas cela - tout est dans une brume brumeuse. C'est à propos de telles toiles que Johan Huizinga a écrit : « La dévotion naïve à l'artisanat permet au paysagiste de découvrir des possibilités inattendues, dans lesquelles il suit simplement la dextérité imparable de son pinceau. La transmission de l'étendue de l'espace et de la lumière diffuse ne vient d'aucune école. Les objets individuels sont soit nettement définis, soit immergés dans l'atmosphère de l'image dans son ensemble. Les artistes atteignent le sommet quand ils ne pensent pas du tout à certains grand modèle, montrent seulement leur habileté inouïe à dépeindre le quotidien, dans lequel ils trouvent des trésors de beauté, à peine conscients de tout. / J. Huizinga. Culture des Pays-Bas au XVIIe siècle. Érasme. Lettres choisies. Dessins. SPb., 2009, p.112/
Le patinage sur glace est un motif extrêmement courant dans la peinture hollandaise du XVIIe siècle. Certes, à Berlin, il n'y avait pas de peintures de l'artiste spécialisé dans ce sujet - Hendrik Averkamp. Voici son tableau de la collection du Rijksmuseum d'Amsterdam. Les gens de la patinoire sont élégamment habillés. Un drapeau ondulant est visible à gauche. Peut-être qu'une sorte de vacances est représentée.
http://www.rijksmuseum.nl/images/aria/sk/z/sk-a-3247.z
Sur cette toile, comme sur la photo du Musée Pouchkine im. A.S. Pouchkine, des gens de différentes classes se sont réunis sur la glace, s'amusant ou faisant leurs activités habituelles. Sur la photo de Moscou, au premier plan se trouve une dame masquée. Comment ne pas penser au sens caché ? « Dans la représentation de scènes de foule sur fond de paysage hivernal, auxquelles les gens participent âges différents et d'appartenance sociale, les interprétations moralisatrices et emblématiques sont déjà a priori assumées, notamment, comme une « patinoire de la vie », comme un glissement de personnes pleines de surprises et de dangers suite à une chance fantomatique et trompeuse » / Une image visible et sens caché. Allégories et emblèmes dans la peinture de Flandre et de Hollande dans la seconde moitié des XVIe-XVIIe siècles. M., 2004, p.2/
http://files.smallbay.ru/images9/avercamp_07.jpg
Parmi les patineurs, H. Averkamp met en scène un dandy en équilibre sur une jambe. Je suis tombé sur cette image lors d'une exposition à la Queen's Gallery de Londres. L'exposition était consacrée au "petit Hollandais". Il comportait non seulement des peintures, mais aussi des dessins. L'un des meilleurs était le croquis de H. Averkamp :
Mais revenons à Berlin. Vers la fin, deux autres paysages d'hiver, déjà sans aucune animation. Il s'agit d'une toile de Philips Wauwerman avec des pêcheurs, des paysans transportant du bois de chauffage et un pont en bois branlant.
Après avoir contemplé le paysage hivernal hollandais, vous pensez involontairement que nous avons encore plus de chance avec l'hiver. Et dans l'art russe, il n'y a pas seulement l'image de la gadoue hivernale de Vasiliev ou de Savrasov, mais aussi les journées ensoleillées et glaciales de Kustodiev.
Hollande. 17ème siècle Le pays connaît une prospérité sans précédent. Le soi-disant "âge d'or". À la fin du XVIe siècle, plusieurs provinces du pays ont obtenu leur indépendance vis-à-vis de l'Espagne.
Maintenant, les Pays-Bas protestants suivaient leur propre chemin. Et la Flandre catholique (aujourd'hui la Belgique) sous l'aile de l'Espagne - la sienne.
Dans la Hollande indépendante, presque personne n'avait besoin de peinture religieuse. L'Église protestante n'approuvait pas le luxe de la décoration. Mais cette circonstance « fait le jeu » de la peinture profane.
L'amour pour ce type d'art a réveillé littéralement chaque habitant. nouveau pays. Les Néerlandais voulaient voir leur propre vie sur les photos. Et les artistes sont allés volontiers à leur rencontre.
Jamais auparavant la réalité environnante n'a été autant dépeinte. Des gens ordinaires, des chambres ordinaires et le petit-déjeuner le plus ordinaire d'un citadin.
Le réalisme s'épanouit. Jusqu'au XXe siècle, il sera un digne concurrent de l'académisme avec ses nymphes et Déesses grecques.
Ces artistes sont appelés "petits" hollandais. Pourquoi? Les peintures étaient de petite taille, car elles ont été créées pour de petites maisons. Ainsi, presque toutes les peintures de Jan Vermeer ne mesurent pas plus d'un demi-mètre de haut.
Mais je préfère l'autre version. Aux Pays-Bas au 17ème siècle, il a vécu et travaillé Grand maître, le "grand" Hollandais. Et tous les autres étaient "petits" par rapport à lui.
Nous parlons, bien sûr, de Rembrandt. Commençons par lui.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandt. Autoportrait à 63 ans. 1669 nationale Galerie de Londres Rembrandt a eu la chance de vivre le plus large éventail d'émotions au cours de sa vie. Par conséquent, dans son premières œuvres tellement de plaisir et de bravade. Et tant de sentiments complexes - dans les derniers.
Le voici jeune et insouciant dans le tableau "Le fils prodigue dans la taverne". Sur ses genoux se trouve la femme bien-aimée de Saskia. C'est un artiste populaire. Les commandes affluent.
Rembrandt. Le fils prodigue dans la taverne. 1635 Galerie des Maîtres anciens, Dresde Mais tout cela disparaîtra dans une dizaine d'années. Saskia mourra de consomption. La popularité disparaîtra comme de la fumée. Grande maison avec une collection unique prendre pour dette.
Mais le même Rembrandt apparaîtra, qui restera pendant des siècles. Les sentiments nus des personnages. Leurs pensées les plus secrètes.
2. Frans Hals (1583-1666)
Frans Hals. Autoportrait. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York Frans Hals est l'un des les plus grands portraitistes de tous les temps. Par conséquent, je le classerais également parmi les "grands" Néerlandais.
En Hollande à cette époque, il était d'usage de commander des portraits de groupe. Il y avait donc beaucoup d'œuvres similaires représentant des personnes travaillant ensemble : des tireurs d'une même guilde, des médecins d'une même ville, gérant une maison de retraite.
Dans ce genre, Hals se démarque le plus. Après tout, la plupart de ces portraits ressemblaient à un jeu de cartes. Les gens s'assoient à table avec la même expression sur leurs visages et se contentent de regarder. Hals était différent.
Regardez son portrait de groupe « Arrows of the Guild of St. George".
Frans Hals. Flèches de la Guilde de St. George. 1627 Musée Frans Hals, Haarlem, Pays-Bas Ici, vous ne trouverez pas une seule répétition dans la posture ou l'expression du visage. En même temps, il n'y a pas de chaos ici. Il y a beaucoup de personnages, mais aucun ne semble superflu. Grâce à la disposition étonnamment correcte des chiffres.
Oui, et dans un seul portrait, Hals a surpassé de nombreux artistes. Ses modèles sont naturels. Les gens de la haute société dans ses peintures sont dépourvus de grandeur farfelue, et les modèles du bas n'ont pas l'air humiliés.
Et ses personnages sont très émotifs : ils sourient, rient, gesticulent. Comme, par exemple, ce "Gypsy" au regard narquois.
Frans Hals. Gitan. 1625-1630 Hals, comme Rembrandt, a terminé sa vie dans la pauvreté. Pour la même raison. Son réalisme allait à l'encontre des goûts des clients. Qui voulait embellir leur apparence. Hals n'a pas opté pour la flatterie pure et simple et a donc signé sa propre phrase - "Oblivion".
3. Gérard Terborch (1617-1681)
Gérard Terborch. Autoportrait. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, La Haye, Pays-Bas Terborch était un maître genre domestique. Des bourgeois riches et peu bourgeois parlent lentement, des dames lisent des lettres et une entremetteuse assiste à la cour. Deux ou trois personnages rapprochés.
C'est ce maître qui a développé les canons du genre domestique. Lequel sera ensuite emprunté par Jan Vermeer, Pieter de Hooch et bien d'autres "petits" hollandais.
Gérard Terborch. Un verre de limonade. années 1660. État de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg "Un verre de limonade" est l'un des oeuvres célébres Terborch. Cela montre un autre avantage de l'artiste. Incroyable image réaliste tissus d'habillement.
Terborch a et travail inhabituel. Ce qui en dit long sur sa volonté d'aller au-delà des exigences des clients.
Son "Grinder" montre la vie des habitants les plus pauvres de la Hollande. Nous sommes habitués à voir des cours confortables et des chambres propres sur les photos des "petits" hollandais. Mais Terborch a osé montrer la Hollande peu attrayante.
Gérard Terborch. Broyeur. 1653-1655 Musées d'État de Berlin Comme vous le comprenez, de tels travaux n'étaient pas demandés. Et ils sont rares même à Terborch.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jean Vermeer. Atelier d'artiste. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienne L'apparence de Jan Vermeer n'est pas connue avec certitude. Il est évident que dans le tableau "Atelier de l'artiste", il s'est représenté. Vrai de dos.
Par conséquent, il est surprenant qu'un nouveau fait de la vie du maître soit récemment devenu connu. Il est associé à son chef-d'œuvre "Rue de Delft".
Jean Vermeer. Rue de Delft. 1657 Musée d'Étatà Amsterdam Il s'est avéré que Vermeer a passé son enfance dans cette rue. La maison photographiée appartenait à sa tante. Elle y a élevé ses cinq enfants. Elle est peut-être assise sur le pas de la porte en train de coudre pendant que ses deux enfants jouent sur le trottoir. Vermeer lui-même vivait dans la maison d'en face.
Mais le plus souvent, il dépeint l'intérieur de ces maisons et leurs habitants. Il semblerait que les tracés des peintures soient très simples. Voici une jolie dame, une riche citadine, vérifiant le travail de sa balance.
Jean Vermeer. Femme avec des poids. 1662-1663 Galerie nationale d'art, Washington Comment Vermeer s'est-il démarqué parmi des milliers d'autres "petits" hollandais ?
Il était maître consommé Sveta. Dans le tableau "Femme aux écailles", la lumière enveloppe doucement le visage de l'héroïne, les tissus et les murs. Donner à l'image une spiritualité inconnue.
Et les compositions des peintures de Vermeer sont soigneusement vérifiées. Vous ne trouverez pas un seul détail supplémentaire. Il suffit d'en supprimer un, l'image «s'effondrera» et la magie s'en ira.
Tout cela n'a pas été facile pour Vermeer. Une telle qualité étonnante a nécessité un travail minutieux. Seulement 2-3 peintures par an. En conséquence, l'incapacité de nourrir la famille. Vermeer a également travaillé comme marchand d'art, vendant des œuvres d'autres artistes.
5. Pieter de Hooch (1629-1884)
Pierre de Hooch. Autoportrait. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam Hoch est souvent comparé à Vermeer. Ils ont travaillé en même temps, il y a même eu une période dans la même ville. Et dans un genre - ménage. À Hoch, nous voyons également une ou deux figures dans des cours ou des chambres hollandaises confortables.
portes ouvertes et les fenêtres rendent l'espace de ses peintures multicouche et divertissant. Et les personnages s'intègrent très harmonieusement dans cet espace. Comme, par exemple, dans son tableau "Serviteur avec une fille dans la cour".
Pierre de Hooch. Femme de ménage avec une fille dans la cour. 1658 Londres galerie nationale
Jusqu'au 20e siècle, Hoch était très apprécié. Mais peu de gens ont remarqué les quelques œuvres de son concurrent Vermeer.
Mais au XXe siècle, tout a changé. La gloire de Hoch s'est évanouie. Cependant, il est difficile de ne pas reconnaître ses réalisations en peinture. Peu de gens pourraient combiner l'environnement et les gens avec autant de compétence.
Pierre de Hooch. Joueurs de cartes dans la véranda. 1658 Royal Art Collection, Londres Veuillez noter que dans une maison modeste sur la toile "Card Players", il y a une image dans un cadre coûteux.
Cela montre une fois de plus à quel point la peinture était populaire parmi les Néerlandais ordinaires. Des images ornaient chaque maison : la maison d'un riche bourgeois, d'un modeste citadin et même d'un paysan.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jan Stan. Autoportrait au luth. années 1670 Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid Jan Steen est peut-être le "petit" Hollandais le plus joyeux. Mais aimant moraliser. Il a souvent représenté des tavernes ou des maisons pauvres dans lesquelles le vice se trouvait.
Ses personnages principaux sont des fêtards et des dames de petite vertu. Il voulait divertir le spectateur, mais implicitement le mettre en garde contre une vie vicieuse.
Jan Stan. Le chaos. 1663 Musée d'histoire de l'art, Vienne Stan a aussi des œuvres plus calmes. Comme, par exemple, "Toilette du matin". Mais ici aussi, l'artiste surprend le spectateur avec des détails trop francs. Il y a des traces de gomme à mâcher, et non un pot de chambre vide. Et d'une manière ou d'une autre, ce n'est pas du tout la façon dont le chien est allongé sur l'oreiller.
Jan Stan. Toilette du matin. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam Mais malgré toute la frivolité, les schémas de couleurs de Stan sont très professionnels. En cela, il a surpassé de nombreux "petits Néerlandais". Voyez comment le bas rouge se marie parfaitement avec la veste bleue et le tapis beige vif.
7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1882)
Portrait de Ruisdaël. Lithographie d'un livre du XIXe siècle.