Malgré la spécialisation développée, le XVIIe siècle de la peinture russe est devenu le siècle de l'art et non de la contrefaçon artisanale. Des peintres d'icônes exceptionnels vivaient à Moscou. Ils ont été enregistrés dans le département de la Chambre des Icônes de l'Ordre des Icônes.

Simvon Ouchakov. Sauveur non fait à la main.

À la fin du XVIIe siècle, ils ont commencé à travailler comme maîtres de la boutique d'icônes de l'Armurerie. Au début du XVIIe siècle, Procope Chirin obtient un grand succès. Chirin était originaire de Novgorod. Ses icônes sont faites de couleurs douces, les figures sont soulignées le long du contour avec une bordure dorée, blanchies à la chaux avec la plus belle aide.

Un autre peintre russe remarquable du XVIIe siècle était Nazariy Savin. Savin préférait les figures aux proportions allongées, aux épaules étroites et aux longues barbes. Dans les années 30 du XVIIe siècle, Savin dirigea un groupe de peintres d'icônes qui écrivit la fête de la deesis et les rites prophétiques pour l'iconostase de l'église de la Déposition de la Robe de la Vierge et du Kremlin de Moscou.

Ivan 4 Vassilievitch le Terrible.

Au milieu du XVIIe siècle, de grands travaux sont menés pour restaurer les anciennes peintures murales. Les nouvelles peintures murales de la cathédrale de l'Assomption à Moscou, conservant le schéma de la précédente, ont été réalisées en dès que possible. Ivan Panssein a supervisé les travaux. Les artistes sous sa direction ont écrit 249 compositions complexes et 2066 visages.

Au 17ème siècle, la peinture russe va se démarquer d'un désir particulier des artistes, le désir image réaliste la personne. En Russie, un phénomène tel que la peinture profane commence à se répandre. Les peintres laïques du XVIIe siècle représentaient des rois, des généraux et des boyards. Au XVIIe siècle, dans la culture de la Russie, y compris dans la peinture, un processus de «sécularisation» a eu lieu. De plus en plus de motifs profanes pénètrent dans la vie de la société russe. La Russie s'est engagée sur une nouvelle voie, au seuil nouvelle ère son histoire.

En peinture, les traditions établies de l'écriture ont été préservées dans une plus large mesure. Le conseil d'église de 1667 réglementait strictement les thèmes et les images, la charte du tsar Alexei Mikhailovich exigeait la même chose. Des analyses ont été écrites de lui:

A condamné avec zèle tout écart par rapport aux canons dans la représentation des saints idéologues des Vieux Croyants Avvakum.

Les activités des peintres étaient dirigées par l'Armurerie du Kremlin, devenue au XVIIe siècle. le centre artistique du pays, où les meilleurs maîtres étaient attirés.

Pendant 30 ans, l'entreprise de peinture a été dirigée par Simon Ouchakov (1626-1686). caractéristique sa créativité était un vif intérêt pour la représentation du visage humain. Sous sa main, des visages ascétiques acquièrent des traits vivants. Il s'agit de l'icône "Sauveur non fait à la main".

Son autre travail est largement connu - "Planter l'arbre de l'État panrusse". Dans le contexte de la cathédrale de la Dormition, les figures d'Ivan Kalita et du métropolite Pierre sont placées, arrosant un grand arbre, sur les branches duquel sont fixés des médaillons avec des portraits de princes et de rois. Sur le côté gauche de la photo se trouve Alexei Mikhailovich, à droite - sa femme avec des enfants. Toutes les images sont des portraits. Le pinceau d'Ushakov appartient également à l'icône "Trinity", sur laquelle apparaissent des détails réalistes. Simon Ouchakov a eu une grande influence sur le développement de la peinture russe.

Un phénomène remarquable dans l'art russe du XVIIe siècle. est devenu l'école des maîtres de Yaroslavl. L'église traditionnelle et les scènes bibliques sur leurs fresques commencent à être représentées dans les images de la vie russe familière. Les miracles des saints s'effacent devant les phénomènes ordinaires. La composition "Récolte" de l'église d'Elie le Prophète, ainsi que les fresques de l'église de Jean-Baptiste sont particulièrement caractéristiques. Les peintres de Yaroslavl ont également été parmi les "pionniers" dans le développement du paysage.

Un autre exemple d'un genre profane qui reflétait un intérêt pour la personnalité humaine était la diffusion de l'écriture "parsun" - les images de portrait. Si dans la première moitié du siècle, les "parsuns" étaient encore exécutés dans une pure tradition de peinture d'icônes (images d'Ivan IV, M. Skopin-Shuisky),

puis dans le second, ils ont commencé à prendre un caractère plus réaliste ("parsins" des tsars Alexei Mikhailovich, Fyodor Alekseevich, l'intendant G.P. Godunov).

Mikhail Fedorovich, tsar, le premier de la dynastie Romanov.

Parsun du dernier Rurikovich dans la lignée masculine - le fils d'Ivan le Terrible.

Patriarche Nikon

Patriarche Nikon sous le tsar Alexei Mikhailovich.

Natalya Kirillovna Naryshkina, la deuxième épouse du tsar Alexei Mikhailovich et une autre de ses parsuna

Narychkine.

Patriarche Nikon avec les frères du Monastère de la Résurrection

Portrait de l'intendant I.I. Chemodanov. Années 1690.

BG

Evdokia Lopukhina - l'épouse de Peter Alekseevich

Portrait de l'intendant F.I. Verigin. Années 1690.

Portrait de groupe des participants de l'ambassade de Russie en Angleterre, 1662.

Marfa Vasilievna Sobakina

Wedekind Johann. Portrait du tsar Mikhaïl Fedorovitch.

Le XVIIe siècle avait sens spécial former cultures nationales nouvelle heure. A cette époque, le processus de localisation des grandes écoles d'art, dont l'originalité a été déterminée à la fois par les conditions du développement historique et par la tradition artistique qui s'est développée dans chaque pays - Italie, Flandre, Hollande, Espagne, France. Cela permet de considérer le XVIIe siècle comme nouvelle étape dans l'histoire de l'art. L'identité nationale n'excluait cependant pas les traits communs. Développant à bien des égards les traditions de la Renaissance, les artistes du XVIIe siècle ont considérablement élargi l'éventail de leurs intérêts et approfondi l'éventail cognitif de l'art.

Comparé à la Renaissance, l'art du XVIIe siècle est plus complexe, contradictoire dans son contenu et formes d'art. La perception poétique holistique du monde, caractéristique de la Renaissance, est détruite, l'idéal d'harmonie et de clarté est inaccessible. Mais l'image de l'homme reste au centre de l'attention de l'artiste. Les titans, chantés dans les œuvres d'art de la Renaissance, ont laissé place à une personne consciente de sa dépendance vis-à-vis de l'environnement social et des lois objectives de l'être. Son incarnation devient plus concrète, émotionnelle et psychologiquement complexe. Il révèle une variété et une richesse infinies monde intérieur, plus lumineux et plus défini traits nationaux montrant sa place dans la société. La vie réelle est révélée par les artistes du XVIIe siècle dans une variété de collisions et de conflits dramatiques, de situations grotesques-satiriques et comiques. En littérature, c'est l'apogée de la tragédie et de la comédie (Shakespeare, Lope de Vega, Calderon, Corneille, Racine, Molière).

La culture artistique du XVIIe siècle reflète la complexité de l'époque qui a préparé la victoire du système capitaliste dans les pays économiquement développés d'Europe. Au début du XVIIe siècle, des gains révolutionnaires étaient en cours en Hollande, le premier pays capitaliste d'Europe. En Angleterre, la révolution bourgeoise de 1640-1660 se déroule à l'échelle paneuropéenne. En France, un modèle classique d'État absolutiste se dessine. Servant les intérêts de la noblesse féodale, l'absolutisme français a assuré l'essor de la bourgeoisie par sa politique protectionniste. Cependant, la féodalité était encore forte. L'Espagne, qui au XVIe siècle était la puissance la plus puissante du monde, est devenue l'un des États réactionnaires arriérés d'Europe. En Italie et en Allemagne, tout en maintenant la fragmentation féodale, une petite puissance princière se forme ; despotisme. Même en Angleterre, la bourgeoisie partage le pouvoir avec l'aristocratie terrienne.

Dans la lutte pour une voie progressive de développement des États européens rôle important joué des mouvements populaires. Manifestation populace contre l'oppression absolutiste et la prédation de l'ère de l'accumulation primitive était le contenu principal vie publique 17ème siècle. Le développement de la culture à un degré ou à un autre en fut affecté. Les discours des penseurs progressistes contre le féodalisme étaient associés à la critique de l'Église catholique, ce qui renforce à nouveau son influence et enchaîne la pensée sociale.

En même temps, l'essor général de l'économie dans les pays avancés de l'Europe, l'épanouissement de la manufacture et du commerce créèrent le terrain pour le progrès des sciences exactes et naturelles. Les grandes découvertes de Galilée, Kepler, Newton, Leibniz, Descartes en mathématiques, astronomie, physique, philosophie ont contribué à l'établissement des idées matérialistes (Bacon, Hobbes, Locke, Spinoza), à l'expansion et à l'approfondissement des idées sur la nature et l'univers. Alors que pour les scientifiques de la Renaissance, l'établissement de schémas de phénomènes reposait sur l'observation expérimentale d'un seul individu, les penseurs du XVIIe siècle procédaient dans leur théories scientifiquesà partir de systèmes intégraux et de visions du monde. Une perception plus holistique et plus profonde de la réalité s'affirme également dans le travail des artistes. Reçoit une nouvelle interprétation du concept de synthèse des arts.

Des types d'art séparés, ainsi que des œuvres individuelles, perdent leur isolement et tendent à s'unir les uns aux autres. Les bâtiments sont organiquement inclus dans l'espace de la rue, de la place, du parc. La sculpture devient dynamique, envahit l'architecture et l'espace des jardins. La peinture décorative avec des effets d'espace et de perspective complète ce qui est inhérent à l'intérieur architectural. Le désir d'un large affichage de la réalité a conduit au XVIIe siècle à une variété de formes de genre. DANS beaux-Artsà côté des genres mythologiques et bibliques traditionnels, les genres profanes gagnent une place indépendante : genre quotidien, paysage, portrait, nature morte.

Les relations complexes et la lutte des forces sociales donnent lieu à une variété de tendances artistiques et idéologiques. Contrairement aux périodes historiques précédentes, où l'art se développait dans le cadre de grands styles homogènes ( Style romain, Gothique, Renaissance), le XVIIe siècle se caractérise par deux grands styles - le baroque et le classicisme, dont les éléments s'expriment clairement dans l'architecture et dans une nouvelle compréhension de la synthèse des arts. L'art baroque révèle l'essence de la vie dans le mouvement et la lutte de forces élémentaires aléatoires et variables. Dans les manifestations extrêmes, l'art baroque en vient à l'irrationalisme, au mysticisme, affecte l'imagination et les sentiments du spectateur avec une tension dramatique, l'expression des formes. Les événements sont interprétés de manière grandiose, les artistes préfèrent dépeindre des scènes de tourment, d'extase ou des panégyriques d'exploits, de triomphes.

La base de l'art du classicisme est un principe rationnel. Beau du point de vue du classicisme n'est que ce qui est ordonné, raisonnable, harmonieux. Les héros du classicisme subordonnent leurs sentiments au contrôle de l'esprit, ils sont sobres et majestueux. La théorie du classicisme justifie la division en genres hauts et bas. Dans l'art du classicisme, l'unité est atteinte en reliant et en faisant correspondre toutes les parties du tout, qui conservent cependant leur sens indépendant. Le baroque et le classicisme se caractérisent tous deux par un désir de généralisation, mais les maîtres baroques gravitent vers des masses dynamiques, des ensembles complexes et étendus. Souvent, les caractéristiques de ces deux grands styles s'entremêlent dans l'art d'un pays et même dans l'œuvre d'un même artiste, ce qui donne lieu à des contradictions.

Parallèlement au baroque et au classicisme, un reflet réaliste plus direct et puissant de la vie, exempt d'éléments stylistiques, apparaît dans les arts visuels. La direction réaliste est une étape importante dans l'évolution de l'Occident Art européen. Ses manifestations sont exceptionnellement variées et vives, à la fois dans diverses écoles nationales et parmi les maîtres individuels. Les plus grands maîtres du réalisme appartiennent au XVIIe siècle - Caravaggio, Velazquez, Rembrandt, Hals, Vermeer de Delft. Au XVIIe siècle, les écoles nationales dans l'art desquelles les résultats créatifs les plus élevés ont été obtenus sont apparues au premier plan. L'Italie, l'Espagne, la Flandre, la Hollande, la France deviennent rapidement des centres artistiques influents. Dans d'autres pays européens - Angleterre, Allemagne, Autriche, République tchèque, Pologne, Danemark culture artistique conserve l'empreinte des propriétés locales et des relations avec la tradition des époques précédentes.

Peinture européenne du XVIIe siècle suit la Renaissance. Qu'en est-il de événements historiques, puis dans ce le temps court passage du féodalisme au capitalisme, croissance économique des pays européens. En raison de la forte saturation des événements sociaux, Thème principal la peinture est l'image d'une personne dans une situation réelle de tous les jours. Mais les sujets religieux de la Renaissance restent toujours forts. Il n'y a pas de style unique en peinture. Les artistes essaient et expérimentent. Les tendances les plus importantes sont le baroque et le classicisme. L'art italien a une grande influence. Il se caractérise par les grandes personnalités de Velazquez, Rembrandt, Poussin, Caravaggio, Rubens, Bernini.

La plus grande percée dans la peinture a eu lieu dans la première moitié du XVIIe siècle, au début des années 1960. La seconde moitié du XVIIe siècle est l'époque du tournant. L'influence de la politique a eu un impact sur les peintres. Mais Rome devient une sorte de centre artistique. Jeune et déjà artistes expérimentés venez-y soit pour vous former, soit pour de nouvelles expériences.

Au 17ème siècle, un autre événement non négligeable eut lieu. L'art de la peinture, pour ainsi dire, était divisé en 2 camps: ce sont les maîtres qui ne pouvaient travailler que sous la barre du gouvernement et les artistes progressistes qui s'opposaient aux tendances établies de la peinture, qui portaient leurs nouvelles idées.
En Italie, deux écoles apparaissent qui protestent contre le maniérisme (ce style se caractérise par la perte d'harmonie entre la nature et l'homme lui-même, spirituel et corporel). Ce sont l'école de l'équilibre (les frères Caracci) et le caravagisme de Michelangelo Merisi da Caravaggio.

école d'équilibre

Représentants Ludovico Caracci, Agostino Caracci et Annibale Caraccio. Lors du développement d'un nouveau style, ils se sont appuyés sur la direction classique du XVIe siècle. Ils ont promu des images plus simples, mais en même temps majestueuses. Les premières œuvres des frères Caracci peignaient les palais de Bologne. Mais ce n'étaient que les prémices d'un nouveau style. Les premières véritables œuvres du nouveau style peuvent être considérées comme les peintures d'Annibale Carracci "Ascension de la Madone" et "Madone avec Saint Matthieu".

Dans les années 1580, les frères ouvrent l'Académie de Bologne - "Academia dei Incaminati" (Académie s'engageant sur une nouvelle voie). L'accent était mis sur la pratique, et non sur les fondements théoriques de la construction d'une image. Outre les matières typiques des écoles d'art, on y enseigne l'anatomie, la littérature, l'histoire et la philosophie. Ce fut une étape importante et importante dans le développement de l'art européen. Après tout, les écoles suivantes ont été ouvertes selon ce principe. Plus tard, Anibale Caracci devient le fondateur du paysage « classique ».

Caravagisme

Le courant est de nature plus démocratique, même s'il prône aussi le réalisme des images. Elle est apparue après l'académisme de Bologne. Le mouvement porte le nom de son fondateur, Michelangelo Merisi da Caravaggio. Pour un exemple de présentation du style, vous pouvez voir le travail de Caravaggio "The Lute Player", il reflète plus clairement l'essence du style. Le Caravage a également été le pionnier du style de peinture "de cave". Cette technique est dominée par les tons sombres qui s'opposent aux détails très éclairés.

Le disciple le plus proche du Caravage était Domenico Zampieri.

Dans la troisième décennie du XVIIe siècle, l'influence de la peinture baroque s'accroît. C'est ce qu'on appelle le "haut" baroque.
Plus décoratif, plus dynamique et expressif. Parmi les artistes de cette période du XVIIe siècle, on peut distinguer Giovanni Lanfranco, Francesco Barbieri (Gvercino), Domenico Fetti, Lorenzo Bernini, Pietro da Norton, Salvator Rosa.

Dans les années 60, la troisième étape de la peinture du XVIIe siècle commence. C'est aussi le développement de l'art baroque, « baroque tardif ». Giovanni Battista Gauli, Andrea Pozzo, Carlo Maratta se distinguent des personnalités lumineuses des artistes.

Outre l'influence de l'Italie, les Pays-Bas ont joué un grand rôle dans le développement de la peinture au XVIIe siècle. De là, deux écoles sont apparues : la hollandaise et la flamande. Ils ont des thèmes religieux. Un représentant éminent de l'école flamande était Rubens Peter Paul. Autres artistes de cette période du XVIIe siècle : Jacob Jordanes, Frans Snyders, Adrian Brouwer, David Teniers.

Qu'en est-il de Peinture hollandaise, puis à son apogée les idées de réalisme prédominent. La grande popularité et la demande de peinture provenaient de commerçants privés. Progressivement, il y a une différenciation des genres parmi les artistes. C'est un genre de tous les jours, un paysage avec ses sous-directions, des peintres marins. L'œuvre du Caravage, ainsi que celle de l'artiste allemand Adam Elsheimer, influencent la peinture hollandaise. Personnalités directement connues de la peinture hollandaise : Frans Hals, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Jan van Goyen, Paulus Potter, Albert Cuyp, Jan Porsellis, Gerard Dow, Gerard Terborch, Jan Vermeer Delftsky, Adriaen van Ostade, Philips Wouverman.

Dans la peinture hollandaise, la direction de genre et le paysage se développent bien. De plus, la nature morte devient de plus en plus populaire. La particularité est Nature morte hollandaise est la douceur inhérente et le caractère des objets. Et leur rôle était souvent joué par un jambon, un morceau de pain, des verres et une pipe. À partir de artistes célèbres Ce genre se distingue par Peter Klaas et Billem Klaas Head, Abraham van Beieren et Billem Kalf.

En Espagne, qui était considérée comme le centre des arts, au début du XVIIe siècle, le réalisme était le courant principal. L'un des artistes les plus importants de cette époque était José Ribera. Il s'est concentré sur des thèmes religieux. A côté de Ribera, on peut désigner la figure de Francisco Zurbaran. Il avait un style d'écriture particulier : il combinait quelques tons qui se donnaient dans un plan long. Et aussi sa peinture était assez objective en termes de vêtements et corps humain. La figure centrale de la peinture espagnole du XVIIe siècle est Diego de Silva Velasquez. Dès le début de son travail, il peint dans le style du réalisme. Il a accordé une grande attention à l'image humaine, au visage, mais a accordé moins d'attention à l'arrière-plan. Autres artistes espagnols : Bartolome Esteban Murillo, Valdes Leal.

La peinture française a également été influencée par le réalisme et la démocratie. L'un des premiers peintres réalistes en France fut Jacques Callot. Il a écrit sur le sujet histoires bibliques, et les événements du présent. Plus tard, la peinture française a été influencée par le caravagisme. Autres représentants de la peinture française du XVIIe siècle : Valentin, Georges de La Tour, Aptoai Le Nain, Louis Le Nain et Mathieu Le Nain. Les frères Le Nain écrivent principalement dans des thèmes de genre. Chaque frère avait niveau différent compétence. Après le réalisme, le classicisme commence à prendre de l'ampleur. Sa base est le rationalisme. Les représentants de cette époque étaient Nicolas Poussin (il était considéré comme le fondateur du classicisme en France), Eustache Lesueur, Philippe de Champagne.
En France, l'Académie de peinture et de sculpture est en cours de création. Elle a contribué à centraliser la peinture française. Pas un petit rôle dans la peinture française a été joué par Charles Lebrun. Il a étudié avec Poussin. Vous pouvez également mettre en évidence les figures de Pierre Mignard, Adam Frans van der Meulen, Hyacinthe Rigaud, Nicolas Largilier.

L'un des styles dominants est le baroque : c'est un style flamboyant et impétueux, qui se manifeste dans le faste et la démesure. Michelangelo da Caravaggio peut être considéré comme le fondateur du baroque, originaire d'Italie.

D'abord et le plus représentant éminentéglise baroque était l'artiste connu sous le nom d'El Greco. L'œuvre de Silva Velasquez est considérée comme l'apogée de l'art espagnol de l'âge d'or du baroque.

Les plus grands représentants de la peinture flamande du XVIIe siècle sont Pierre Rubens et Rembrandt.

Au début du 18ème siècle, la position dominante est prise par un nouveau style- rococo. Le nom de cette direction vient de mot français, signifiant "un motif de pierres et de coquillages". caractéristique nouvelle direction était un départ de vrai vie dans le monde inventé, qui s'est exprimé de manière vivante dans le travail des meilleurs représentants du style.

L'un des représentants de la première période du rococo français est Antoine Watteau, François Boucher, Nicolas Lancret. Le genre du portrait s'est développé dans l'œuvre de Jean Nattier.

Dans le rococo italien, Giovanni Tiepolo, Francesco Guardi, Pietro Longhi étaient un représentant éminent du style.

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le style rococo léger et raffiné de la peinture est remplacé par le classicisme au contenu profond et à la recherche d'un standard idéal. Représentants classicisme français milieu du XVIIIe siècle sont Joseph Marie Vien, Jacques Louis David. Représentants du classicisme allemand - Anton Mengs, Anton Graff, Franz Maulberch.

Hollande

Cap Albert Gerrits
(1620-1691)

Cap Albert Gerrits - peintre néerlandais et un graveur.

Il a étudié avec son père, l'artiste J. Keip. Le sien style artistique s'est formé sous l'influence de la peinture de J. van Goyen et S. van Ruysdael. A travaillé à Dordrecht. Les premières œuvres de Cuyp, proches des peintures de J. van Goyen, sont monochromes. Il peint des paysages vallonnés, des routes de campagne qui s'éloignent, des huttes de paysans pauvres. Les peintures sont le plus souvent réalisées dans un seul ton jaunâtre.

Ruisdael Jacob van
(1628/1629-1682)

Ruisdal Jacob van (1628/1629-1682) - peintre paysagiste hollandais, dessinateur, graveur. Il a probablement étudié avec son oncle, le peintre Salomon van Ruysdael. A visité l'Allemagne (années 1640-1650). Il a vécu et travaillé à Haarlem, en 1648, il est devenu membre de la guilde des peintres. À partir de 1656, il vécut à Amsterdam, en 1676 il reçut le diplôme de docteur en médecine au Trésor et entra dans la liste des médecins d'Amsterdam.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn
(1606-1669)

Né à Leiden dans une famille de meuniers. Les affaires du père pendant cette période allaient bien et il était capable de donner à son fils une meilleure éducation que les autres enfants. Rembrandt entre à l'école latine. Il a mal étudié et voulait peindre. Néanmoins, il a terminé ses études et est entré à l'Université de Leiden. Un an plus tard, il commence à prendre des cours de peinture. Son premier professeur fut J. van Swanenburg. Après être resté dans son atelier pendant plus de trois ans, Rembrandt se rend à Amsterdam chez le peintre historique P. Lastman. Il a eu une forte influence sur Rembrandt et lui a enseigné l'art de la gravure. Six mois plus tard (1623), Rembrandt retourna à Leiden et ouvrit son propre atelier.

Gérard Terborch
(1617-1681)

Gerard Terborch (1617-1681), célèbre peintre hollandais. Né à Zwolle dans une riche famille bourgeoise. Son père, son frère et sa sœur étaient artistes. Les premiers professeurs de Terborch étaient son père et Hendrik Averkamp. Son père lui faisait beaucoup copier. Il crée sa première œuvre à l'âge de neuf ans. À l'âge de quinze ans, Terborch se rendit à Amsterdam, puis à Haarlem, où il subit la forte influence du P. Khalsa. Déjà à cette époque, il était célèbre en tant que maître genre domestique, le plus volontiers peint des scènes de la vie des militaires - les soi-disant "salles de garde".

Étranger Artistes XVII(17ème siècle)

Canalletto (Canal) Giovanni Antonio
(1697-1768)

Le premier professeur de Canaletto était son père, le décorateur de théâtre B. Canale, qu'il a aidé à concevoir des spectacles dans les théâtres de Venise. Il travailla à Rome (1717-1720, début des années 1740), à Venise (depuis 1723), à Londres (1746-1750, 1751-1756), où il exécuta des œuvres qui formèrent la base de son œuvre. Il a peint des veduts - des paysages urbains, dépeint des rues, des bâtiments, des canaux glissant le long vagues de la mer bateaux.

Manyasco Alessandro
(1667-1749)

Alessandro Magnasco (1667-1749) était un peintre italien, peintre de genre et paysagiste. Il étudie avec son père, l'artiste S. Magnasco, puis avec le peintre milanais F. Abbiati. Son style s'est formé sous l'influence des maîtres de l'école de peinture génoise, S. Rosa et J. Callo. A vécu et travaillé à Milan, Florence, Gênes.

Artistes étrangers XVII (XVIIe siècle)

Watteau Antoine
(1684-1721)

Watteau Antoine , un peintre français exceptionnel, dont le travail est associé à l'une des étapes importantes du développement peinture de ménage En France. Le destin de Watteau est atypique. Ni en France, ni dans les pays voisins, il n'y avait, dans les années où il écrivait ses meilleures choses, pas un seul artiste capable de rivaliser avec lui. Les titans du dix-septième siècle n'ont pas vécu jusqu'à voir l'âge de Watteau ; ceux qui, après lui, glorifièrent le XVIIIe siècle, ne furent connus du monde qu'après sa mort. En fait, Fragonard, Quentin de La Tour, Perronneau, Chardin, David en France, Tiepolo et Longhi en Italie, Hogarth, Reynolds, Gainsborough en Angleterre, Goya en Espagne - tout cela est le milieu, ou même fin 18ème siècle.

Claude lorrain
(1600-1682)

Lorrain Claude (1600-1682) - Peintre français. jeune âge travaille à Rome comme domestique chez A. Tassi, puis devient son élève. L'artiste a commencé à recevoir de grosses commandes dans les années 1630, ses clients étaient le pape Urbain VIII et le cardinal Bentivoglio. Depuis cette époque, le Lorrain est devenu populaire auprès des connaisseurs d'art romains et français.