La tâche:

Comparez les œuvres de Doryphore et d'Apoxyomène. Essayez d'identifier la différence dans l'incarnation de l'image d'un athlète dans les œuvres de Polykleitos et de Lysippe.

Enseignant (après discussion)

Les fameux "Apoxiomènes" Lysippe différent de "Dorifor" Polyclète une pose plus dynamique (il semble qu'il va maintenant changer de pose), des proportions allongées. Ce sont deux canons d'époques différentes. Lysippe viole l'ancien canon polyclétique de la figure humaine pour en créer un nouveau, beaucoup plus léger. Dans ce nouveau canon, la tête ne fait plus 1/7, mais seulement 1/8 de la hauteur totale.

Doryfor est impersonnel, ce n'est pas le portrait d'une personne en particulier, mais l'image d'un certain type humain, une image idéalisée d'une personne. Les héros de Lysippe deviennent très similaires aux gens ordinaires. Même l'image d'un athlète, toujours éventée en Grèce d'une auréole de gloire, perd son ancien héroïsme. "Apoxiomen" Lysippus n'est pas un combattant honoré et vénéré par la ville. Oui, et son geste est quotidien - après les cours sur la palestre, il nettoie le sable adhérant à son corps avec un grattoir. Dans les caractéristiques de l'athlète, la fatigue due à un effort extrême est visible. Enfin, Apoxyomenos est une individualité (une crête rebelle sur le dessus de sa tête, un grattoir non pas dans sa main droite, mais dans sa main gauche).

Le portrait du roi réalisé par Lysippe ("Tête Alexandre le Grand") porte les traits d'un héros, un "second Achille", et en même temps - un vrai, comme personne d'autre, qui n'est pas étranger à l'anxiété et au doute, à l'inquiétude, à la fatigue. Lysippe s'est efforcé d'obtenir l'exactitude psychologique du portrait.

Les plus grands sculpteurs grecs ont représenté les gens comme il se doit. Lysippe a dit qu'avant lui, les sculpteurs dépeignaient les gens tels qu'ils sont, et lui est tel qu'ils paraissent. Et de fait, ses figures ne sont pas perçues par nous comme créées « pour le spectacle », elles ne posent pas pour nous, mais existent par elles-mêmes, comme l'œil de l'artiste les a saisies dans toute la complexité des mouvements les plus divers. L'innovation de Lysippe réside dans le fait qu'il a découvert dans l'art de la sculpture d'immenses possibilités réalistes qui n'avaient pas encore été exploitées avant lui.

Des kuros et kors conditionnels (uniformes dans les traits et les expressions faciales) aux période archaïqueà travers la beauté classique des héros impassibles idéaux de la période classique (Phidias, Miron, Polykleitos) jusqu'à l'intérêt de transmettre le monde intérieur d'une personne dans les classiques tardifs (Scopas, Lysippe).

L'architecture était la principale forme d'art au Moyen Âge. Sa formation est associée à la construction monumentale, qui a commencé en Europe occidentale au moment de la formation des États et de la relance de l'activité économique. Dans le domaine de l'architecture, le Moyen Âge d'Europe occidentale a développé deux styles importants - le roman et le gothique. C'est en eux que la vision du monde de l'époque s'est le plus pleinement exprimée.

Style romain Le Moyen Âge européen commence au Xe siècle, lorsque, après de nombreuses guerres intestines et la "grande migration des peuples", une période de calme s'installe. A cette époque d'un vaste empire Charlemagne des États européens distincts se forment déjà, qui n'ont pas encore eu le temps d'acquérir une indépendance et une originalité culturelles, et la culture de chacun d'eux n'était qu'une variation sur un thème européen commun.

Cependant, la fragmentation du territoire était encore importante. Et par conséquent, de nombreux châteaux, monastères et bâtiments de la ville ressemblaient davantage à des forteresses. Le bois brûlant facilement les a rapidement remplacés par de la pierre. Ils essayaient maintenant de rendre les murs des bâtiments aussi épais que possible, les ouvertures des portes et des fenêtres aussi étroites que possible. De plus, ils n'y mettaient pas de verre, et donc, pour se réchauffer, ils essayaient de les placer le plus haut possible. Des murs épais, d'une part, ont contribué à la défense, et d'autre part, ont aidé à limiter l'expansion du plafond en pierre, qui a remplacé celui en bois dans les châteaux et les basiliques.

Le style roman de la période du Moyen Âge développé a été remplacé par le gothique. Le gothique allemand a donné au monde des bâtiments merveilleux et extraordinairement beaux, dont beaucoup étaient UNESCO dans la liste du patrimoine culturel mondial de l'humanité.

Le renouveau a eu un impact sur toutes sortes d'activités artistiques et culturelles. A cette époque, en Allemagne, avec le fachwerk, le style Renaissance, dont de beaux exemples ornent de nombreuses villes et villages, et les meilleurs d'entre eux sont également proclamés par l'UNESCO comme patrimoine culturel de l'humanité. En tant que variante de ce style aux caractéristiques nationales inhérentes, la Renaissance de la Weser est intéressante.

STYLE ROMAIN

L'architecture romane s'appuie sur les réalisations de la période précédente, en particulier la Renaissance carolingienne, et est fortement influencée par les traditions de l'art antique, byzantin ou arabe, se distinguant par une grande variété de formes.

C'est le style historique du Moyen Âge mûr, caractérisé par des types communs de bâtiments, leurs techniques de construction et leurs moyens d'expression.

De nombreux châteaux, monastères et structures urbaines de ce style ressemblaient davantage à des forteresses. Le bois brûlant facilement les a rapidement remplacés par de la pierre. Le type même de château féodal s'est finalement formé à cette époque.

La forme du temple roman, son agencement répondaient aux besoins du culte. Le temple accueillait de nombreuses personnes de statut social différent : laïcs et clercs, gens ordinaires et nobles. Il a également été conçu pour de nombreux pèlerins. Le pèlerinage aux lieux où étaient conservées les reliques et les reliques des saints était typique de cette époque. Tout cela a nécessité une augmentation de la taille du temple, la création de locaux supplémentaires et la délimitation de l'espace intérieur en zones.

Particularités Architecture romane en raison de l'utilisation de plafonds voûtés qui, avec le développement de la technologie de construction, remplacent les plafonds plats. Les voûtes semi-circulaires et croisées les plus simples, connues des Romains, ont également été érigées. La sévérité de la voûte en pierre (son épaisseur atteint dans certains cas deux mètres), sa pression vers le bas sur les appuis et l'expansion latérale ont nécessité un épaississement des murs, remplaçant les colonnes par de lourds piliers massifs. La volonté des architectes visait dès le départ à alléger la pression de la voûte, à élever la nef centrale au-dessus des nefs latérales et à l'éclairer de fenêtres.

L'espace intérieur de la cathédrale romane est strictement fermé et entouré de tous côtés par une masse de pierre inerte. L'intérieur est influencé par la grandeur de l'espace, la nef centrale allongée et haute, l'abondance de surfaces murales lisses avec des fenêtres en forme de fentes, des arcs lourds, des colonnes massives, qui donnent une impression de grandeur calme et d'immobilité.

Dans l'architecture romane, les formes romaines traditionnelles sont utilisées : arcs en plein cintre, piliers, colonnes. Mais les colonnes romanes n'ont pas de types d'ordre stables. Les proportions et les formes des chapiteaux sont variées, leur décor n'a pas d'analogie dans l'histoire de l'architecture. Au début de la période, les chapiteaux, de forme similaire à une pyramide tronquée, étaient généralement couverts d'ornements aux motifs stylisés de plantes et d'animaux fantastiques. À l'ère de la maturité du style, un chapiteau sculptural est souvent utilisé.

Les points les plus importants sur le chemin symbolique du croyant dans le temple étaient le début du chemin - le portail et le but de ce chemin - le trône. La forme du portail médiéval est déjà symbolique en soi. Le carré de la porte, couvert d'un tympan en hémicycle, symbolisait la terre bloquée par le ciel. Pas étonnant que le mot latin "arcus" soit traduit par "arc, arc, arc, voûte, courbure, arc-en-ciel". La signification de l'arc en arc-en-ciel était particulièrement appréciée des auteurs médiévaux. Après tout, selon les concepts médiévaux, un arc-en-ciel est un pont entre la terre et le ciel.

Le portail d'entrée symbolisait la Force et le Pouvoir, la transition de la vie mondaine à la vie sacrée. Il symbolisait et Christ, après tout, le Christ lui-même a dit: "Je suis la porte: quiconque entrera par moi sera sauvé, et entrera et sortira, et trouvera un pâturage."

Avait une signification symbolique et la taille de la porte. Ils étaient déjà faits au prix d'arcs décroissants, en s'appuyant sur l'évangile : "Entrez par la porte étroite, car la porte est large et le chemin qui mène à la perdition est large, et beaucoup y passent ; car la porte est étroite et le chemin menant à la vie est étroit, et peu les trouvent".

Rose - une fenêtre ronde sur la façade au-dessus du portail apparaissait déjà à l'époque romane et symbolisait souvent le soleil, le Christ ou la Vierge Marie, dont on disait qu'elle était une "rose sans épines".

Les sculptures deviennent une décoration particulière et typique du temple roman. La caractéristique principale de la sculpture romane est apparue très tôt - elle n'est pas attachée au mur, ne s'y adapte pas de l'extérieur, mais forme un tout avec le mur, comme si elle en était extraite. Le pays où l'art de la sculpture médiévale s'épanouit le plus est l'Allemagne. Les cathédrales médiévales allemandes sont littéralement remplies de sculptures. C'est dans les terres allemandes aux XIIIe-XVIe siècles qu'un énorme crucifix flottant librement a été suspendu au-dessus de l'autel lui-même. Cependant, le plus souvent entre l'autel et le temple, ils ont disposé un mur d'autel bas - lettner, le décorant de compositions sculpturales à plusieurs figures du crucifix avec les prochains - la Mère de Dieu, Jean le Baptiste, archanges.

Une grande place dans le roman, puis dans la cathédrale gothique est occupée par des statues de véritables personnages historiques. Ce sont soit des donateurs - donateurs, gardiens du temple, soit des rois et des princes enterrés dans la cathédrale.

En Allemagne, le symbole du XIIe siècle était le "Cavalier de Bamberg" - une statue équestre d'un chevalier placée dans la cathédrale Saint-Pierre. Pierre à Bamberg. Même dans l'autel de la cathédrale, des statues de dirigeants terrestres sont placées. Ainsi, derrière le lettner de la cathédrale de St. Pierre et Paul à Naumburg, il y a toute une galerie avec 12 statues de margraves - dirigeants de Naumburg. Des colorations intéressantes ont survécu sur de nombreuses sculptures.

Ici, l'originalité de la sculpture chrétienne occidentale s'est particulièrement révélée par rapport à la peinture d'icônes chrétiennes orientales. La sculpture est beaucoup plus naturaliste qu'une icône. Ici, les proportions sont plus correctes, les poses sont plus naturelles, les robes sont conçues plus en détail. La sculpture transmet souvent non pas le détachement et l'immersion dans le monde spirituel, mais des expériences tout à fait terrestres. Dans ce cas, les gestes jouent un rôle particulièrement important, dont l'icône est presque dépourvue. Dans la sculpture allemande, les gestes véhiculent presque toutes les nuances émotionnelles. Oui, et les parcelles sont souvent choisies assez terrestres. Par exemple, dans la décoration de la cathédrale St. Pierre à Bamberg, les apôtres qui se disputent sont représentés - ils discutent de passages de l'Ancien Testament difficiles à comprendre. Tous sont très différents, avec leurs propres traits individuels, et leurs mouvements sont actifs et efficaces.

Le temple roman était très différent à l'intérieur et à l'extérieur. Si l'apparence extérieure du temple était plutôt sombre, fortifiée, alors l'intérieur aurait dû rappeler le royaume de Dieu. Des peintures couvraient presque tous les murs. Même des sculptures ont été peintes. Les troncs des colonnes, et ceux-ci ont été peints. Seules les peintures murales du portail (tympan et colonnes de soutien) débordaient sur les murs extérieurs du temple. Les chapiteaux des colonnes étaient peints de manière particulièrement fantaisiste et variée. Voici des scènes de Saintes Écritures, Vies de saints, personnages d'œuvres littéraires profanes.

La vue extérieure de la cathédrale romane est sévère, simple et claire. Il influence la logique constructive et traduit très clairement la structure interne du bâtiment. Il s'agit d'un volume unique fermé, de forme pyramidale sur le côté est. La nef centrale s'élève au-dessus des latérales, les murs du contournement - au-dessus des chapelles, au-dessus d'elles - l'abside principale. Le centre de la composition est formé par la tour de la croix médiane, couronnée d'une flèche. Parfois la façade occidentale, l'abside et les transepts sont fermés par des clochers. Ils confèrent une stabilité incassable à l'ensemble de la structure. Les murs au socle massif rapprochent l'aspect de la cathédrale d'une forteresse.

La cathédrale de la ville du XIIIe siècle n'est pas seulement un lieu de culte. Tant sur la place devant la cathédrale que dans la cathédrale elle-même, des disputes ont lieu, des conférences sont données, des représentations théâtrales sont jouées. Par conséquent, la cathédrale devait désormais accueillir la quasi-totalité de la population considérablement accrue de la ville.

STYLE GOTHIQUE

Vers la fin du XIIe siècle. L'art roman est remplacé par le gothique. Le terme a d'abord été utilisé par les historiens de la Renaissance pour caractériser tout l'art médiéval.

Époque gothique(fin XII - XV siècles) - c'est la période où la culture urbaine commence à jouer un rôle de plus en plus important dans la culture médiévale. Dans tous les domaines de la vie de la société médiévale, l'importance du principe séculier et rationnel augmente. L'église perd progressivement sa position dominante dans la sphère spirituelle.

L'une des caractéristiques du développement de l'architecture en Allemagne est la préservation consciente des traditions romanes en gothique. À l'avenir, les caractéristiques du gothique germanique, en particulier dans le sud-ouest, étaient l'utilisation d'un système de charpente dans la construction d'églises éloignées et de structures centrées, ainsi que la création d'une façade à tour unique.

Au cours de la période gothique, l'architecture civile connaît un grand développement. Les villes allemandes sont entrées pour la première fois dans l'arène historique au XIe siècle. Au cours des deux siècles suivants, ils obtiennent leur indépendance et un essor culturel qui se poursuit jusqu'au XVIe siècle.

Comme dans d'autres pays. A l'ouest de l'ère féodale, la cité médiévale d'Allemagne était une ville fortifiée. Il y avait de nombreuses tours sur les murs de la forteresse. Les murs de la ville avec des tours et des ponts-levis ont survécu dans de nombreuses villes, telles que Nuremberg, Dinkelsbühl. Et à Rothenburg ob der Tauber, vous pouvez escalader le mur de la forteresse, le longer et descendre dans les donjons et les casemates.

L'architecture urbaine civile de l'Allemagne s'exprime le plus parfaitement dans les bâtiments publics - dans les mairies et les cours d'invités.

L'aspiration dynamique vers le haut de toutes les formes de la cathédrale reflétée Christian l'idée de l'aspiration de l'âme du juste au ciel, où il est promis la béatitude éternelle. La principale caractéristique de la cathédrale gothique est un système de charpente stable, dans lequel les voûtes en lancette à nervures croisées, les arcs en lancette, qui déterminent en grande partie l'intérieur et l'extérieur de la cathédrale, jouent un rôle constructif. Tout le poids de la masse de la cathédrale reposait sur sa charpente. Cela a permis de réaliser des parois minces dans lesquelles d'immenses fenêtres ont été découpées. Le motif le plus caractéristique de l'architecture gothique était l'arc en lancette, qui, pour ainsi dire, tirait le bâtiment vers le ciel.

La construction de temples gothiques a été réalisée non seulement par l'église, mais aussi par les villes. De plus, les plus grands édifices, et surtout les cathédrales, sont construits aux frais des citadins. Le but du temple gothique n'était pas seulement un culte, il servait également de centre de la vie sociale de la ville. Des conférences universitaires y étaient lues, des mystères y étaient joués. Toutes sortes de cérémonies laïques et religieuses se sont également tenues sur la place de la cathédrale, rassemblant des foules de citoyens. Les cathédrales ont été construites "par le monde entier", souvent leur construction a duré des décennies, et parfois plusieurs siècles.

Le développement de la sculpture, qui a joué un rôle de premier plan dans les arts visuels de cette période, est inextricablement lié à l'architecture gothique. La sculpture gothique est plus subordonnée à l'architecture et a une signification plus indépendante que le roman. Dans de nombreuses niches des façades des cathédrales étaient placées des figures personnifiant les dogmes la foi chrétienne. Des poses vives, des virages légers leur donnent de la mobilité, du dynamisme, contrairement aux romanes. Les images des saints eux-mêmes sont devenues plus diverses, concrètes et individuelles. Les personnages les plus significatifs étaient attachés aux colonnes dans les ouvertures sur les côtés de l'entrée de la cathédrale.

Les traits caractéristiques de la sculpture gothique peuvent se résumer aux suivants : intérêt pour les phénomènes du monde réel ; les figures incarnant les dogmes et les croyances de l'Église catholique deviennent plus réalistes ; le rôle des parcelles séculaires est renforcé ; apparaît et commence à jouer un rôle dominant autour du plastique. Un exemple parfait est la sculpture de la cathédrale de Cologne.

Le style gothique a changé le visage de la cité médiévale et a contribué au développement de la construction séculaire. Les villes commencent à se construire mairies avec des galeries ouvertes.

Les châteaux d'aristocrates rappellent de plus en plus les palais. Les citoyens riches construisent des maisons avec des toits à pignon pointu, des fenêtres étroites, des portes en lancette et des tourelles d'angle.

À l'époque gothique, les arts et l'artisanat ont prospéré. Articles ménagers transformés gothiques, meubles, divers objets d'usage religieux.

La cathédrale gothique de Cologne est un site du patrimoine mondial de l'UNESCO. Hauteur 157 mètres, était le plus haut bâtiment du monde de 1880 à 1884.

Cologne, l'une des villes les plus riches et politiquement puissantes de l'Empire allemand d'alors, jugeait nécessaire, à l'instar de la France, d'avoir sa propre cathédrale - et son ampleur aurait dû éclipser tous les autres temples. La cathédrale d'Amiens en France a été prise comme modèle.

En 1248, lorsque l'archevêque de Cologne Konrad von Hochstaden posa la première pierre de la cathédrale de Cologne, l'un des plus longs chapitres de l'histoire de la construction européenne commença. Le chœur à contournement, entièrement aménagé selon le type adopté en France, mais peu répandu en Allemagne, est achevé en 1332.

La cathédrale de Cologne se caractérise par la hauteur extraordinaire du navire central, un au-dessus des navires latéraux avec un rapport de 5: 2, triforia traversé par des fenêtres et souvent situé de grandes fenêtres supérieures qui remplissent tout le mur. La construction s'est poursuivie aux XIVe et XVe siècles, mais lentement, puis s'est complètement arrêtée.

Il n'a été repris qu'au XIXe siècle, après la découverte des dessins originaux en 1814. De 1841 à 1880, la construction a été achevée. La façade de la cathédrale, avec deux tours atteignant 160 m de hauteur, est ainsi un produit du XIXe siècle. et porte l'empreinte de la sécheresse et du schématisme.

La cathédrale de Cologne se caractérise à un degré élevé par l'abondance exceptionnelle de décorations architecturales sophistiquées, typiques du gothique tardif, couvrant tous les détails de la structure avec un motif de tissage fluctuant, courant et incessant dans une magnifique dentelle de pierre. Les murs, les voûtes et le sol de la cathédrale de Cologne sont revêtus de pierre grise rhénane extraite dans des carrières près de Bonn.

Des colonnes élancées de 44 mètres, comme les troncs d'une forêt ancienne, supportent de hautes voûtes disposées en forme d'étoiles. La sensation d'immensité de l'espace est également créée par le dénivelé : la nef centrale est plus de deux fois plus haute que les latérales, la nef et le chœur sont situés à des niveaux différents.

Derrière le maître-autel s'élève un sarcophage doré orné de pierres précieuses. C'est le cancer des Trois Rois, les Trois Sages, qui ont été les premiers à voir la lumière de l'étoile de Bethléem et se sont dépêchés d'apporter des cadeaux au bébé Christ. Cette scène est représentée sur le célèbre retable de l'Adoration des mages de Stefan Lochner (1440), conservé dans la chapelle de la Vierge Marie.

L'immense salle principale de la cathédrale est entourée de nombreuses chapelles, dans l'une desquelles le fondateur de la cathédrale de Cologne, l'évêque Konrad von Hochstaden, est enterré. La cathédrale abrite de nombreuses œuvres importantes de l'art médiéval. Ce sont des bancs gothiques sculptés dans le chœur, et des fresques au-dessus des bancs, et du maître-autel.

Haut dans les rangées supérieures de fenêtres brillent de magnifiques vitraux - les fenêtres des Rois Mages - et dans la galerie du chœur, dans la chapelle latérale, se trouvent les vitraux dits bibliques. Le vitrail a ouvert de nouvelles possibilités à l'artiste médiéval. Le christianisme a donné à la lumière une signification divine et mystique. La lumière qui coule du ciel symbolise la venue de Dieu léger. Le jeu de la lumière pénétrant à travers le vitrail éloignait les laïcs de tout ce qui est concret, terrestre, conduit à l'intangible, lumineux.

Le vitrail, pour ainsi dire, étouffait la physicalité, l'expressivité et le caractère concret des images de plastique gothique. La luminosité de l'espace intérieur de la cathédrale, pour ainsi dire, privait la matière d'impénétrabilité, la spiritualisait. Deux escaliers à vis raides - 509 marches chacun - mènent aux clochers, disposés dans les gradins intermédiaires des tours encadrant la façade. D'ici, d'une hauteur d'environ 100 mètres, s'ouvre un magnifique panorama sur Cologne et ses environs.

La plus grande cloche de la cathédrale de Cologne et la plus grande cloche "en service" au monde est "Peter" - son poids est de 24 tonnes. Il a été coulé relativement récemment - en 1923, à partir du métal de canons capturés aux Français en 1871. Elle est suivie de l'ancienne cloche "Pretiosa" ("Exquise"), qui tire son nom de l'étonnante pureté du son. Coulée en 1448, elle pèse 11 tonnes et fut à une époque la plus grande d'Europe. Deux autres cloches font écho à leurs célèbres homologues. Les immenses tours de la cathédrale de Cologne sont visibles de presque partout dans la ville, mais la cathédrale fait une impression particulièrement étonnante - grâce aux reflets verdâtres de l'éclairage sur une pierre sombre - le soir.

introduction

Le Moyen Âge (Moyen Âge) est une période historique qui a séparé l'Antiquité (c'est-à-dire l'Antiquité gréco-romaine) de sa "renaissance" aux XV-XVI siècles. La carte politique du Moyen Âge représentait les États des Wisigoths, des Lombards, des Francs, des Ostrogoths, etc.

Pendant longtemps, l'attitude envers le Moyen Âge a été exclusivement négative : son art était considéré comme grossier pour son incohérence avec les normes d'une forme classique idéale, sa culture était considérée comme primitive. La domination à cette époque de la vision du monde religieuse était perçue comme une domination « réactionnaire » de l'Église.

La culture d'Europe occidentale est étroitement liée à la religion ; c'est la proximité avec l'art populaire ; symbolisme; peintures et sculptures décorant les temples médiévaux, ainsi que l'architecture.

L'art du Moyen Âge d'Europe occidentale se divise en trois étapes : préroman (VI-X siècles), roman (XI-XII siècles) et gothique (XIII-XV siècles). Dans ce test, nous nous concentrerons sur les styles roman et gothique, à savoir l'architecture.

À l'époque gothique, de nombreuses cathédrales ont été construites - hautes, avec des fenêtres allongées, décorées de vitraux. Telle était la cathédrale Notre-Dame de Paris (cathédrale Notre-Dame) en France. Et non seulement il l'était, il est toujours actif et c'est le cœur spirituel de Paris. Plus de détails sur cette magnifique cathédrale seront discutés dans le quatrième paragraphe.

"L'un de mes principaux objectifs est d'inspirer à la nation l'amour de notre architecture", écrit V. Hugo dans la préface du roman du même nom "Notre Dame de Paris". Qui d'autre des écrivains a été inspiré par cette belle cathédrale de Paris, nous le découvrirons dans le cinquième paragraphe.

Styles roman et gothique en architecture

Comme mentionné ci-dessus, les styles roman et gothique appartiennent au Moyen Âge. Le style roman fait référence à l'art de l'Europe occidentale et centrale aux Xe-XIIe siècles. (dans un certain nombre de pays jusqu'au XIIIe siècle), lorsque la domination de l'idéologie féodale-religieuse était la plus complète. Le nom du style vient du nom latin de la ville de Rome (Roma), puisque le style trouve son origine dans des régions qui faisaient partie de l'Empire romain dans le passé. L'architecture romane est un développement de la précédente, dont les origines remontent à l'Antiquité chrétienne, et, par conséquent, à l'architecture romaine.

Au début du XIe siècle. tout d'abord, dans les zones adjacentes à la mer Méditerranée, les premiers édifices romans apparaissent. Ces monuments les plus anciens ont une maçonnerie caractéristique des plus grosses pierres grossièrement taillées. Les façades des bâtiments étaient souvent décorées de reliefs plats et de "fausses" arcades sourdes. Le rôle principal dans le style roman était attribué à une architecture sévère et fortifiée, des structures massives en pierre étaient généralement érigées sur des lieux élevés et dominaient la région. L'apparence des édifices romans se distinguait par l'intégrité monolithique et la force solennelle, le bâtiment se composait de volumes simples et clairement identifiés, soulignés par des divisions uniformes; la puissance et l'épaisseur des murs étaient rehaussées par d'étroites ouvertures de fenêtres, des portails à gradins et des tours imposantes. Les mêmes caractéristiques de massivité sont caractéristiques des structures des temples, qui étaient recouvertes de peintures murales - des fresques de l'intérieur et des reliefs peints de couleurs vives de l'extérieur. La peinture et la sculpture de type roman se caractérisent par une image bidimensionnelle plate, la généralisation des formes, la violation des proportions dans l'image des personnages, le manque de ressemblance du portrait avec l'expressivité spirituelle originale et intense. Les images sont rigoureuses, souvent extrêmement naïves.

Le château des chevaliers, l'ensemble monastique, l'église sont les principaux types d'édifices romans parvenus jusqu'à notre époque. Des exemples typiques d'architecture romane sont : la cathédrale Notre-Dame de Poitiers, les cathédrales de Toulouse, Orsinval, Vélez, Arne (France), les cathédrales d'Oxford, Winchester, Norich (Angleterre), de Stanager (Norvège), de Luid (Suède), la église du monastère Maria Lach (Allemagne). Il existe des monuments de style roman en Autriche, dans les pays scandinaves, en Pologne, en Hongrie et dans d'autres pays.

Vers la fin du XIIe siècle. Le style roman est remplacé par le gothique (du mot italien gotico - gothique, d'après le nom de la tribu germanique prête).

Le style gothique diffère de son prédécesseur ; c'est un style qui a créé un système complètement différent de formes, d'organisation de l'espace et de composition volumétrique. L'ère gothique a coïncidé avec la formation et le développement des centres urbains au cours du Moyen Âge classique. Les premiers temples de style gothique, qui devinrent un modèle pour les constructions ultérieures, se caractérisent par de fines colonnes portées vers le haut, assemblées comme en faisceaux et s'ouvrant sur une voûte en pierre. Le plan général du temple gothique est basé sur la forme de la croix latine (Fig. 1). De l'extérieur et de l'intérieur, les cathédrales étaient décorées de statues, de reliefs, de vitraux et de peintures qui soulignaient le trait le plus caractéristique du gothique - l'aspiration vers le haut. Telles étaient les cathédrales gothiques de Paris, Chartres, Bourges, Beauvais, Amiens, Reims (France).

Les cathédrales d'Angleterre étaient quelque peu différentes, pour lesquelles elles se caractérisaient par une grande longueur et une intersection particulière des arcs en lancette des voûtes. Les exemples les plus frappants du style gothique en Angleterre sont l'abbaye de Westminster à Londres, les cathédrales de Salisbury, York, Canterbury, etc.

La transition du roman au gothique en Allemagne a été plus lente qu'en France et en Angleterre. Ceci explique la présence d'un grand nombre de bâtiments de style éclectique. Le manque de pierre à bâtir, en particulier dans les régions du nord de l'Allemagne, a donné naissance au gothique en brique, qui s'est répandu assez rapidement dans toute l'Europe. La première église gothique en brique fut l'église de Lübeck (XIIIe siècle).

Au XIVe siècle. une nouvelle technique apparaît - le gothique flamboyant, caractérisé par la décoration du bâtiment avec de la dentelle de pierre, c'est-à-dire la plus belle sculpture sur pierre. Les chefs-d'œuvre du gothique flamboyant comprennent les cathédrales des villes d'Ambre, Amiens, Alaska, Conche, Corby (France).

Cible: familiariser les camarades de classe avec les caractéristiques de la culture médiévale sur l'exemple des styles roman et gothique dans l'art.

Au Moyen Âge, de nouveaux styles et tendances en architecture ont commencé à apparaître et à se développer très activement.

Style roman (du lat. romanus - romain)- le style artistique qui a dominé l'Europe occidentale (et a également affecté certains pays d'Europe orientale) aux XIe-XIIe siècles (dans un certain nombre d'endroits - au XIIIe siècle), l'une des étapes les plus importantes du développement de l'art européen médiéval . Le plus pleinement exprimé dans l'architecture.

Le rôle principal dans le style roman a été donné à l'architecture sévère des forteresses: ensembles monastiques, églises, châteaux.

Les bâtiments romans se caractérisent par une combinaison d'une silhouette architecturale claire et d'une décoration extérieure laconique - le bâtiment s'est toujours harmonieusement intégré à la nature environnante et a donc semblé particulièrement solide et solide. Cela a été facilité par des murs massifs avec des ouvertures de fenêtre étroites et des portails en profondeur. De tels murs avaient un but défensif.

Les principaux édifices de cette période sont le temple-forteresse et le château-forteresse. L'élément principal de la composition du monastère ou du château est la tour - donjon. Autour de lui se trouvaient le reste des bâtiments, constitués de formes géométriques simples - cubes, prismes, cylindres.

Caractéristiques de l'architecture de la cathédrale romane :

Le plan est basé sur une basilique paléochrétienne, c'est-à-dire une organisation longitudinale de l'espace

Agrandissement du chœur ou de l'autel oriental du temple

Augmenter la hauteur du temple

Remplacement du plafond à caissons (cassette) par des voûtes en pierre dans les plus grandes cathédrales. Les voûtes étaient de plusieurs types : caisson, croix, souvent cylindrique, plat le long des poutres (typique de l'architecture romane italienne).

Les voûtes lourdes nécessitaient des murs et des colonnes puissants

Le motif principal de l'intérieur - les arcs en plein cintre

La simplicité rationnelle de la conception, composée de cellules carrées individuelles - herbe.

La sculpture romane connaît son apogée à partir de 1100, obéissant, comme la peinture romane, à des motifs architecturaux. Il était principalement utilisé dans la décoration extérieure des cathédrales. Les reliefs étaient le plus souvent situés sur la façade ouest, où ils étaient situés autour des portails ou placés à la surface de la façade, sur des archivoltes et des chapiteaux. Les chiffres au milieu du tympan devaient être plus grands que ceux d'angle. En frises, ils ont acquis des proportions trapues, sur des piliers et des colonnes porteurs - allongés. Représentant des sujets religieux, les artistes romans ne cherchaient pas à créer l'illusion du monde réel. Leur tâche principale était de créer une image symbolique de l'univers dans toute sa grandeur. De plus, la sculpture romane avait pour tâche de rappeler Dieu aux croyants, la décoration sculpturale émerveille par une abondance de créatures fantastiques et se distingue par l'expression et les échos des idées païennes. La sculpture romane exprime l'excitation, la confusion des images, les sentiments tragiques, le détachement de tout ce qui est terrestre.

Une attention particulière a été portée à la décoration sculpturale de la façade ouest et de l'entrée du temple. Au-dessus du portail principal en perspective, il y avait généralement un tympan avec un relief représentant la scène du Jugement dernier ; en plus du tympan, les reliefs de la façade étaient décorés d'archivoltes, de colonnes, de portails, qui représentaient des apôtres, des prophètes et des rois de l'Ancien Testament .

Les exemples existants de peinture romane comprennent des décorations sur des monuments architecturaux, telles que des colonnes avec des ornements abstraits, ainsi que des décorations murales avec des tissus suspendus. Des compositions pittoresques, en particulier des scènes narratives basées sur des histoires bibliques et de la vie de saints, étaient également représentées sur les larges surfaces des murs. Dans ces compositions, qui suivent principalement la peinture et les mosaïques byzantines, les personnages sont stylisés et plats, de sorte qu'ils sont davantage perçus comme des symboles que comme des représentations réalistes. La mosaïque, tout comme la peinture, était en grande partie une technique byzantine et était largement utilisée dans la conception architecturale des églises romanes italiennes, en particulier dans la cathédrale Saint-Marc (Venise) et dans les églises siciliennes de Cefalu et de Montréal.

gothique- une période de développement de l'art médiéval sur le territoire de l'Europe occidentale, centrale et en partie orientale du XIIe au XVe-XVIe siècles. Le gothique est venu remplacer le style roman, le remplaçant progressivement. Le terme "gothique" est le plus souvent appliqué à un style bien connu de structures architecturales qui peuvent être brièvement décrites comme "étrangement majestueuses". Mais le gothique couvre presque toutes les œuvres des beaux-arts de cette période : sculpture, peinture, livre miniature, vitrail, fresque et bien d'autres.

Le gothique est né au milieu du XIIe siècle dans le nord de la France, au XIIIe siècle, il s'est répandu sur le territoire de l'Allemagne moderne, de l'Autriche, de la République tchèque, de l'Espagne et de l'Angleterre. Le gothique a pénétré en Italie plus tard, avec beaucoup de difficulté et une forte transformation, ce qui a conduit à l'émergence du "gothique italien". A la fin du XIVe siècle, l'Europe est engloutie par le gothique dit international. Le gothique a pénétré plus tard dans les pays d'Europe de l'Est et y est resté un peu plus longtemps - jusqu'au XVIe siècle.

Pour les bâtiments et les œuvres d'art contenant des éléments gothiques caractéristiques, mais créés à l'époque éclectique (milieu du XIXe siècle) et plus tard, le terme "néo-gothique" est utilisé.

Au début du XIXe siècle, le terme "roman gothique" a commencé à désigner le genre littéraire de l'époque romantique - la littérature des secrets et des horreurs (l'action de telles œuvres se déroulait souvent dans des châteaux ou des monastères "gothiques"). Dans les années 1980, le terme "gothique" a commencé à être utilisé pour désigner le genre musical apparu à cette époque ("gothic rock"), puis la sous-culture qui s'est formée autour de lui ("gothic subculture").

Le mot vient de l'italien. gotico - inhabituel, barbare - (Goten - barbares ; ce style n'a rien à voir avec les Goths historiques), et a d'abord été utilisé comme un gros mot. Pour la première fois, le concept au sens moderne a été appliqué par Giorgio Vasari afin de séparer la Renaissance du Moyen Âge. Le gothique a achevé le développement de l'art médiéval européen, issu des réalisations de la culture romane, et pendant la Renaissance (Renaissance), l'art du Moyen Âge était considéré comme "barbare". L'art gothique avait un but cultuel et un sujet religieux. Il faisait appel aux pouvoirs divins les plus élevés, à l'éternité, à la vision chrétienne du monde. Le gothique ancien, mature et tardif se distingue.

Le style gothique s'est principalement manifesté dans l'architecture des temples, des cathédrales, des églises, des monastères. Elle s'est développée sur la base de l'architecture romane, plus précisément bourguignonne. Contrairement au style roman, avec ses arcs en plein cintre, ses murs massifs et ses petites fenêtres, le style gothique se caractérise par des arcs en ogive, des tours et des colonnes étroites et hautes, une façade richement décorée avec des détails sculptés (wimpergi, tympans, archivoltes) et plusieurs - vitraux colorés en lancette. . Tous les éléments de style mettent l'accent sur la verticale.

L'église du monastère de Saint-Denis, conçue par l'abbé Suger, est considérée comme le premier édifice architectural gothique. Lors de sa construction, de nombreux supports et murs intérieurs ont été supprimés, et l'église a acquis une apparence plus gracieuse par rapport aux "forteresses de Dieu" romanes. Dans la plupart des cas, la Sainte-Chapelle de Paris a été prise comme modèle.

De l'Ile-de-France (France), le style architectural gothique s'est répandu en Europe occidentale, centrale et méridionale - en Allemagne, en Angleterre, etc. En Italie, il n'a pas dominé longtemps et, en tant que "style barbare", a rapidement donné chemin vers la Renaissance; et depuis qu'il est venu ici d'Allemagne, on l'appelle encore "stile tedesco" - style allemand.

Dans l'architecture gothique, on distingue 3 stades de développement: précoce, mûr (gothique haut) et tardif (gothique flamboyant, dont des variantes étaient également les styles manuélin (au Portugal) et isabelino (en Castille).

Avec l'avènement de la Renaissance au nord et à l'ouest des Alpes au début du XVIe siècle, le style gothique perd de son importance.

Presque toute l'architecture des cathédrales gothiques est due à une invention majeure de l'époque - la nouvelle construction à ossature, qui rend ces cathédrales facilement reconnaissables.

Traits caractéristiques des styles roman et gothique :

Époque romane
Couleurs prédominantes et à la mode : marron, rouge, vert, blanc ;
Lignes : cuivre, semi-circulaires, droites, horizontales et verticales ;
Forme : rectangulaire, cylindrique ;
Éléments caractéristiques de l'intérieur : une frise semi-circulaire, un motif géométrique ou floral répétitif ; halls avec poutres de plafond ouvertes et supports au centre;
Structures : en pierre, massives, à parois épaisses ; bois plâtré avec un squelette visible;
Fenêtres : rectangulaires, petites, dans les maisons en pierre - cintrées ;
Portes : à planches, rectangulaires avec des charnières massives, une serrure et un pêne dormant

gothique
Couleurs dominantes et à la mode : jaune, rouge, bleu ;
Lignes de style gothique : lancette, formant une voûte de deux arcs entrecroisés, répétant des nervures ;
Forme : rectangulaire par rapport au bâtiment ; arcs en lancette se transformant en piliers ;
Éléments caractéristiques de l'intérieur : Voûte en éventail avec supports ou plafond à caissons et panneaux muraux en bois ; ornement complexe feuillu; les salles sont hautes, étroites et longues, ou larges avec des supports au centre ;
Constructions de style gothique : charpente, ajouré, pierre ; arcs en lancette allongés vers le haut; structures squelettiques soulignées ;
Fenêtres : allongées vers le haut souvent avec des vitraux multicolores ; au sommet du bâtiment, il y a parfois des fenêtres décoratives rondes;
Portes : arcs à nervures en lancette des portes ; portes lambrissées en chêne

Sur cette base, il convient de noter qu'avec toute la variété des moyens artistiques et des caractéristiques stylistiques, l'art du Moyen Âge a des caractéristiques communes :

Caractère religieux (l'église chrétienne est la seule chose qui a uni les royaumes disparates d'Europe occidentale tout au long de l'histoire médiévale) ;

Synthèse de divers types d'art, où la place prépondérante était donnée à l'architecture ;

L'accent du langage artistique sur la conventionnalité, le symbolisme et le faible réalisme, associé à la vision du monde de l'époque où la foi, la spiritualité, la beauté céleste étaient des priorités stables ;

Début émotionnel, psychologisme, conçu pour transmettre l'intensité des sentiments religieux, le drame des intrigues individuelles;

Nationalité, parce qu'au Moyen Âge, le peuple était créateur et spectateur : les mains des artisans créaient des œuvres d'art, érigeaient des temples dans lesquels priaient de nombreux paroissiens. Utilisé par l'Église à des fins idéologiques, l'art cultuel devait être accessible et compréhensible pour tous les croyants ;

Et la personnalité (selon les enseignements de l'église, la main du maître est dirigée par la volonté de Dieu, dont l'instrument était l'architecte, le tailleur de pierre, le peintre, le bijoutier, le vitrail, etc., les noms des maîtres qui gauche du monde, les chefs-d'œuvre de l'art médiéval sont pratiquement inconnus).

De cette façon, Le Moyen Âge en Europe occidentale est une période de vie spirituelle intense, de recherches complexes et difficiles de structures de vision du monde qui pourraient synthétiser l'expérience historique et les connaissances des millénaires précédents. À cette époque, les gens ont pu entrer dans une nouvelle voie de développement culturel, différente de ce qu'ils connaissaient autrefois. Tentant de concilier foi et raison, construisant une image du monde à partir des connaissances dont elle disposait et avec l'aide du dogmatisme chrétien, la culture du Moyen Âge créa de nouveaux styles artistiques, un nouveau mode de vie urbain, une nouvelle économie, et prépara l'esprit des gens pour l'utilisation d'appareils mécaniques et de la technologie.

L'émergence du style roman dans l'architecture est due à la fragmentation féodale en Europe occidentale, qui a conduit à de fréquentes guerres intestines entre princes féodaux, cherchant à s'arracher de précieuses parcelles de terre. Par conséquent, il était important de créer des structures capables de résister à la pression des envahisseurs et de remplir leur fonction principale - la défense. Ainsi, le style roman en architecture est devenu le principal style paneuropéen de construction monumentale.

Les principales caractéristiques du style roman en architecture

Puisque l'objectif principal de cette période était la construction de châteaux forts, fonctionnels et capables de résister à une attaque militaire, la valeur artistique et esthétique de l'architecture n'avait pas beaucoup d'importance. Les châteaux romans étaient construits comme de véritables forteresses, l'architecture était donc lourde et monumentale. Les caractéristiques du style roman en architecture résident également dans les grands formats, la rigueur, la simplicité des formes et des lignes, la rectitude des angles, la dominance des horizontales sur les verticales.

Style romain parfois appelé "style arc en plein cintre", car l'une des principales caractéristiques distinctives des structures de ce style était les plafonds, conçus sous la forme de voûtes en arc, qui étaient soutenus par les mêmes rangées de piliers.

Les murs des premiers édifices romans étaient épais, avec de petites fenêtres peu décoratives. Cependant, plus le style roman se développait, plus les murs en quantités modérées pouvaient être recouverts de mosaïques, de sculptures en pierre ou de plastiques sculpturaux. Caractéristique des châteaux romans était la présence de tours rondes avec des sommets en forme de tente. L'entrée du bâtiment - en particulier pour les temples - était souvent conçue comme un portail.

Il est presque impossible de trouver d'autres édifices publics construits dans le style roman, à l'exception des cathédrales et des monastères. Et le principal type de construction résidentielle à l'époque romane était un château féodal appelé donjon, qui était une maison-tour située au centre de la forteresse. Le premier étage d'une telle tour était réservé aux locaux destinés à des fins domestiques, le second - aux pièces de devant, le troisième - aux chambres des maîtres. Au quatrième et, en règle générale, au dernier étage, il y avait des chambres pour les serviteurs et les gardes du château.

L'endroit idéal pour une telle forteresse était un terrain difficile à atteindre, par exemple un versant de montagne. La forteresse était entourée d'une série de hauts murs de pierre déchiquetés et d'un fossé profond avec de l'eau. L'accès à l'intérieur par les habitants eux-mêmes était assuré par un pont-levis.

Style roman dans l'architecture européenne

Le nom même du style est apparu au début du XIXe siècle, lorsque les critiques d'art pensaient que le style roman ressemblait à l'architecture de la Rome antique ("Roma" en italien. "Rome").

Mieux encore, le style roman s'est transmis à notre époque sous la forme de temples et de cathédrales. Les châteaux et les palais ont commencé à tomber en ruine avec le début de la Renaissance. Certains d'entre eux ont été mis en ordre, reconstruits et à nouveau transformés en châteaux, dont beaucoup ont survécu jusqu'à ce jour en tant que châteaux terribles, enveloppés de diverses légendes, tandis que les autres se sont transformés en ruines.

La France

Dans l'architecture de la France, le style roman a commencé à apparaître vers la fin du Xe siècle. Le type de bâtiments le plus populaire dans ce style était les basiliques à trois nefs - des temples allongés et rectangulaires avec trois nefs-nefs longitudinales, qui ressemblaient souvent à une croix dans l'image sur le plan. Le type de cathédrale de pèlerinage avec une galerie de contournement et des chapelles radiales s'est également répandu - par exemple, l'église Saint-Sernin de la ville de Toulouse dans le sud de la France.

L'école architecturale bourguignonne a pris le principe de monumentalité comme base du style roman, et l'école poitevine a pris la décoration sculpturale. Le temple abbatial de Cluny III et Notre-Dame de Poitiers sont respectivement les principaux représentants de ces écoles parmi les monuments architecturaux français.

Allemagne

De bonne heure Style romain dans l'architecture allemande se caractérise par l'école saxonne. Son type caractéristique d'église est une cathédrale avec une paire de chœurs symétriques sur les côtés ouest et est. Un exemple est l'église Saint-Michel à Hildesheim.

Le style roman tardif se caractérise par l'érection de palais impériaux - par exemple, le palais impérial de Goslar. La maison-tour, bergfried, semblable aux donjons, se répand également en France.

Italie

Les régions d'Italie où le style architectural roman a surtout pris racine étaient la Lombardie et la Toscane - elles sont devenues les principaux centres de cette architecture. L'église de San Michele à Pavie, le campanile de Parme, la cathédrale de Modène sont encore considérés comme l'un des ensembles architecturaux les plus intéressants du Moyen Âge italien.

L'architecture romane de cette période en Italie peut être qualifiée de proto-Renaissance - elle se distingue du roman français et allemand par l'utilisation d'éléments antiques et de marbre coloré.

L'ensemble de la cathédrale de Pise est de style roman, en particulier le monument bien connu de l'Italie - la tour penchée de Pise.

Angleterre

Même si au 11ème siècle l'Angleterre a été conquise par les Normands, qui ont imposé la langue et la culture françaises sur l'île, et, par conséquent, les principes architecturaux français, le style roman dans l'architecture médiévale de l'Angleterre s'est manifesté un peu différemment qu'en France.

L'architecture des cathédrales anglaises avait des formes plus allongées et étendues, de sorte que les tours étaient plus grandes et plus hautes. Au cours de cette période, le célèbre château, la tour de Londres, a été érigé.

Styles roman et gothique en architecture : quelle est la différence ?

Après le roman, le poste de style dominant dans l'architecture médiévale européenne a été occupé par le gothique. Alors que le style roman est né dans différentes régions à la fin du 10ème - début du 11ème siècle et a régné jusqu'au 12ème siècle, et quelque part plus longtemps, le style gothique est apparu au 12ème siècle et a conservé son influence jusqu'au 14ème siècle. En Angleterre, de nombreuses cathédrales romanes, en raison de l'arrivée précoce du gothique, ont été remodelées dans un nouveau style, de sorte que leur aspect d'origine est inconnu des historiens de l'art.

Bien que la base du style gothique ait été précisément Style romain, en particulier l'école bourguignonne, elles présentent encore un certain nombre de différences significatives qui ne permettent absolument pas de les confondre. Plus clairement, ces principales différences peuvent être vues dans l'exemple de l'architecture des cathédrales.

• Les arcs et pinacles de style gothique sont pointus, contrairement aux pinacles romans ronds.
• La principale caractéristique du style roman est la massivité, la monumentalité, tandis que le raffinement est inhérent au gothique.
• Les fenêtres de style roman sont petites, en forme de meurtrières, le style gothique implique des tailles de fenêtres impressionnantes et une grande quantité de lumière.

• Les lignes horizontales de style roman prédominent sur les lignes verticales, ces bâtiments ont l'air trapus. Dans le style gothique, l'inverse est vrai - les verticales dominent les horizontales, c'est pourquoi les bâtiments ont de très hauts plafonds, semblent être dirigés vers le haut, tendus vers le ciel.
• L'école bourguignonne se caractérise par un minimum d'éléments décoratifs en architecture. Le style gothique se caractérise par des façades richement décorées, des vitraux lumineux, des sculptures et des motifs.

Cette vidéo vous permettra d'en savoir plus sur les styles roman et gothique :

Pour l'Europe occidentale Ve s. était typique luxe en architecture et en sculpture, un départ de l'image réaliste vers la stylisation et le formalisme. Les arts plastiques s'éloignent de plus en plus de l'orientation réaliste inhérente à l'Antiquité, acquérant un caractère abstrait et symbolique.

L'architecture des bâtiments ressemblait aux bâtiments byzantins. Des châteaux féodaux et des cathédrales d'église ont été continuellement construits.

La construction d'églises a particulièrement augmenté d'environ 1000 dans le cadre de l'attendu, selon les enseignements de l'église, la fin du monde. Depuis lors, il a été largement utilisé calcul.

Le poids des voûtes en pierre ne pouvait être supporté que par des murs épais et puissants aux fenêtres peu nombreuses et étroites. Ce style s'appelle roman. Exemple:

Notre Dame de Poitiers, cathédrales de Toulouse, Arles, Velez (France), cathédrales d'Oxford, Winchester, Noritch (Angleterre), de Lund (Suède).

Pour Sculptures romanes caractérisée par un rejet total du réalisme dans l'interprétation de la nature et du corps humain.

Le contenu était exclusivement ecclésiastique et art mural- planaire, niant la tridimensionnalité des figures et de la perspective. Peinture reflétait les idées hiérarchiques de classe sur le monde: les saints étaient représentés plus grands que le roi, et le roi - plus grand que ses vassaux et serviteurs.

POUR 12e s. apparaît en France gothique. cathédrale gothique- des colonnes hautes et élancées, assemblées comme en faisceaux et se croisant à grande hauteur, d'immenses fenêtres, décorées de vitraux multicolores lumineux. Caractéristique trait - bâtiments en hausse. Ex : l'Abbaye de Westminster à Londres.

A 14 ans. - "gothique flamboyant"- les bâtiments étaient décorés de la plus belle sculpture sur pierre - dentelle de pierre. Parallèlement, en Angleterre, une transition est prévue pour "style perpendiculaire" en gothique- les murs de pierre se transforment à cette époque en piliers étroits entre les fenêtres.

Style romain

Le style roman (de _la. romanus - romain) s'est développé dans l'art d'Europe occidentale des Xe-XIIe siècles. Il s'est exprimé le plus pleinement dans l'architecture.

Le terme "style roman" est apparu au XIXe siècle, lorsque le lien entre l'architecture des XIe-XIIe siècles a été établi. avec l'architecture romaine antique (en particulier, l'utilisation d'arcs en plein cintre, de voûtes). En général, le terme est arbitraire et ne reflète qu'un côté, et non le principal, de l'art. Cependant, il est devenu d'usage courant. Le principal type d'art du style roman est l'architecture, principalement l'église (temple de pierre, ensembles monastiques).

Caractéristique de style

Les bâtiments romans se caractérisent par une combinaison d'une silhouette architecturale claire et d'une décoration extérieure concise - le bâtiment s'est toujours soigneusement intégré à la nature environnante et a donc semblé particulièrement solide et solide. Cela a été facilité par des murs massifs et lisses avec des ouvertures de fenêtre étroites et des portails en retrait à gradins.

Les principaux édifices de cette période sont le temple-forteresse et le château-forteresse. L'élément principal de la composition du monastère ou du château est la tour - donjon. Autour de lui se trouvaient le reste des bâtiments, constitués de formes géométriques simples - cubes, prismes, cylindres.

Contrairement au type centré oriental, un type de temple appelé la basilique s'est développé en Occident. La caractéristique la plus importante de l'architecture romane est la présence d'une voûte en pierre. D'autres traits caractéristiques incluent des murs épais, percés de petites fenêtres, destinés à recevoir une poussée du dôme, le cas échéant, la prédominance des articulations horizontales sur les verticales, principalement des arcs en plein cintre et en plein cintre.

Édifices romans remarquables

* Cathédrales Kaiser à Spire, Worms et Mayence en Allemagne

* Cathédrale de Liebmurg en Allemagne

* Cathédrale de Pise et partie de la célèbre tour penchée de Pise en Italie

* Abbaye Maria Laach en Allemagne

voir également

* Henry Hobson Richardson - a relancé le style roman au 19ème siècle

Les spécificités de l'architecture russe.

Cela commence avec l'adoption du christianisme.

Style architectural de Kiev- monumentalité, nombreuses têtes. Mosaïque et fresques (Cathédrale de Kiev Sophia).

À la manière de Novgorod- plus strict que Kiev en décoration, plus puissant et plus sévère en construction. Il n'y a pas de mosaïques lumineuses à l'intérieur, mais seulement des fresques, mais pas aussi dynamiques qu'à Kiev, et un excès de décorations de l'antiquité païenne avec un motif clairement visible d'écriture yazelkovy (cathédrale Sainte-Sophie).

Il est basé sur l'architecture byzantine : un bâtiment à coupoles croisées, qui se superpose à une tente, un étagement en gradins, un sommet imposant, une hauteur, une aspiration verticale et une asymétrie.

Dans les temps anciens, les temples étaient construits sous la forme d'un navire et d'une croix, et plus tard - sous la forme d'une étoile ou d'un cercle. Près de la cloche-lin.

Jusqu'au 17ème siècle le temple était blanc avec des coupoles dorées. Après pénétration en Russie, baroque - coloré. ("Naryjkine baroque").

Structure des temples: divisée en nefs (longitudinales), les extensions-demi-cercles (absides) se divisent en 3 parties : un vestibule, une partie médiane et un autel (à l'est). L'entrée de l'autel est fermée et séparée de la partie médiane par une iconostase (une cloison décorée d'icônes sur plusieurs niveaux), au milieu de laquelle se trouvent les portes royales, le long des bords - les portes nord et sud.

À l'intérieur: colonnes, mosaïques, scènes bibliques sur les murs et le plafond, visages de saints, anges, croix, icônes, chandeliers sculptés.

Finition extérieure: dômes (nombre impair -1,3,5,7,9,13 ..- chacun a sa propre signification), il y a des croix dessus. Décorations : ceintures, sourcils, niches à deux étages, ceintures cintrées, faux pilastres , un nombre impair de dômes.

Classicisme russe

Les œuvres du classicisme russe constituent non seulement le chapitre le plus important de l'histoire de l'architecture russe et européenne, mais aussi notre patrimoine artistique vivant. Ce patrimoine continue de vivre non pas comme une valeur muséale, mais aussi comme un élément essentiel de la ville moderne. Il est presque impossible d'appliquer le nom de monuments architecturaux aux bâtiments et ensembles créés au XVIIIe et au début du XIXe siècle - ils conservent si fermement leur fraîcheur créative, exempte de signes de vieillesse.

La construction d'une nouvelle capitale pour le XVIIIe siècle n'était pas seulement une immense entreprise politique, militaire et économique nationale, mais aussi une grande cause nationale, dans le même sens où la création et le renforcement de Moscou étaient la cause nationale du peuple russe. au 16ème siècle.

Le classicisme comme système de culture artistique internationale

Sans lutte ni controverse visibles, les goûts du public ont changé en Russie. Pendant cinq à sept ans, le baroque russe en tant que style dominant a été remplacé par le classicisme ; la fin des années 1750 est encore l'apogée du premier, le milieu des années 1760 marque déjà le début de la large diffusion du second. Le baroque est parti avant d'atteindre le stade du déclin, sans gaspiller son potentiel artistique.

Le classicisme a été accepté comme un système de culture artistique internationale, au sein duquel une version nationale du style s'est développée. L'ère de la solitude culturelle de l'architecture russe, étirée depuis des siècles, est révolue.

Parmi les raisons qui ont accéléré l'implantation du classicisme en Russie, outre l'enthousiasme de la couche éduquée de la noblesse russe pour les utopies éducatives rationnelles, il y avait aussi des raisons pratiques liées à l'élargissement de l'éventail des tâches de l'architecture. Le développement de l'industrie et la croissance des villes remettent au premier plan, comme au temps de Pierre le Grand, les problèmes d'urbanisme et la multiplication des types de bâtiments nécessaires à une vie urbaine de plus en plus complexe. Mais pour les galeries marchandes ou les lieux publics, le genre de l'architecture grande-festive est inadapté, au-delà duquel le baroque n'a pu aller ; la splendeur du palais ne peut être étendue à toute la ville. Le langage artistique du classicisme était, contrairement au baroque, universel. Il pouvait également être utilisé dans la construction des édifices palatiaux les plus imposants et pour les habitations « philistines », jusqu'aux modestes maisons en bois de la périphérie.

Les changements dans le cercle des formes architecturales ont d'abord affecté le décor. La relation du bâtiment à l'espace urbain a été repensée d'une manière nouvelle. Cependant, le classicisme n'offrait pas de schémas fondamentalement nouveaux. Les quelques variantes de plans simples déjà utilisées par le baroque russe ont continué à remplir diverses fonctions.

Il était important qu'avec le nouveau style, de nouvelles méthodes de créativité soient enfin approuvées. L'harmonisation d'une œuvre d'architecture, de ses parties et de son ensemble ne s'effectuait plus avec « taille 1 et soubassement » et non plus sur échafaudage (où les employés de Rastrelli sculptaient ou découpaient sur place des éléments décoratifs dans le bois), au travail sur un dessin de conception. Ainsi, la division du travail, qui a remplacé l'ancien « artel », est définitivement scellée. L'idée et le développement de la forme qui porte l'image sont devenus l'œuvre d'un architecte, agissant en tant qu'auteur (bien que cela n'ait pas été rapidement habitué à l'extérieur de la profession, c'est pourquoi tant de questions demeurent liées à la paternité des œuvres du début du classicisme , y compris les plus grands, comme la maison Pachkov et le palais de Razumovsky à Moscou ou le château d'ingénierie à Saint-Pétersbourg).

Pour la forme architecturale, prédéterminée dans chaque détail par le projet, les modèles n'étaient plus tant des bâtiments que leurs images, analogues du dessin de conception. Les normes du classicisme ont été réduites à un système strict. Tout cela ensemble a permis de maîtriser pleinement et avec précision le style selon les dessins et les textes des traités théoriques, ce qui était presque impossible pour le baroque avec son individualité capricieuse. Le classicisme s'est donc facilement répandu en province. Il est devenu le style non seulement des structures monumentales, mais de tout le tissu urbain. Celle-ci s'est avérée possible parce que le classicisme a créé une hiérarchie des formes permettant de subordonner toutes les structures à ses normes, tout en exprimant la place de chacun dans la structure sociale.

Il y avait peu d'architectes talentueux et habiles, ils ne pouvaient pas concevoir tous les bâtiments dans de nombreuses villes. Le caractère général et le niveau des solutions architecturales ont été maintenus grâce à l'utilisation de projets exemplaires réalisés par les plus grands maîtres. Ils ont été gravés et envoyés dans toutes les villes de Russie.

La conception est devenue distincte de la construction; cela a élargi l'influence sur l'architecture de la littérature professionnelle et de la livresque en général. Le rôle du mot dans la formation de l'image architecturale s'est accru. Son lien avec les images historiques et littéraires a fourni une compréhension commune aux lettrés (la couche éclairée de la noblesse était unie par un cercle commun de lecture et de connaissance du livre).

Cela rendait le style également conforme aux intentions du pouvoir absolutiste et aux idées de son opposition éclairée, aux goûts des nobles les plus riches et les plus puissants et aux moyens limités des nobles pauvres.

Le classicisme de Saint-Pétersbourg était avant tout le style de la culture officielle "d'État". Ses normes étaient basées sur le mode de vie de la cour impériale et de la grande noblesse, elles étaient prescrites aux institutions étatiques. Ici, l'influence de la culture populaire « démodée » sur l'activité professionnelle des architectes n'est pas perceptible.

Le classicisme strict de Saint-Pétersbourg a pris forme comme une version achevée du style dans les années 1780. C'EST À DIRE. Starov (1745-1808) et Giacomo Quarenghi (1744-1817) étaient ses maîtres typiques. Leurs bâtiments se distinguaient par la clarté de la technique de composition, la concision des volumes, la parfaite harmonie des proportions dans les limites du canon classiciste et la finesse du dessin des détails. Les images des bâtiments qu'ils ont construits sont pleines de force courageuse et de dignité calme.

Le palais de Tauride (1783-1789) créé par Starov est d'une solennité solennelle. Rejetant les systèmes baroques en enfilade, le maître, conformément à la logique rationaliste du classicisme, a combiné les locaux en groupes fonctionnels. La réception de l'organisation spatiale de l'ensemble, où les ailes latérales développées, reliées par des transitions à un puissant volume central, forment une profonde cour avant, provient des villas palladiennes. L'emplacement des halls d'entrée met en évidence l'axe profond de la composition, cependant, la Grande Galerie géante est allongée parallèlement à la façade, ce qui a supprimé la simplicité élémentaire du contraste.

Les façades s'affranchissent du relief peu profond qui divise le mur en panneaux et en lames - l'architecte ne suit plus les exemples de l'architecture française du milieu du siècle, comme le St. Des colonnes blanches lisses de portiques doriques austères résolument saillants, pour la première fois dans l'architecture russe, portent en fait un entablement. Elles se détachent sur un fond de murs lisses aux couleurs intenses, percés d'ouvertures sans architraves. Le contraste met l'accent sur la tectonique du mur de briques plâtrées. Les colonnes «quatre fois dix-huit» des doubles colonnades de la Grande Galerie avaient des chapiteaux gréco-ioniques (plus tard remplacés par L. Russka par les habituels romains) - l'un des premiers exemples de recours à l'héritage hellénique pour le classicisme russe. Derzhavin a écrit à propos de la construction du palais de Tauride: «le goût élégant ancien est sa dignité; c'est simple mais majestueux. Le palais est devenu pour les contemporains le standard idéal d'un grand bâtiment - Saint-Pétersbourg, russe et en même temps européen. Ses dessins ont été appréciés avec enthousiasme par Napoléon, qui a particulièrement noté la Grande Galerie et le jardin d'hiver, comme le rapportent Percier et Fontaine dans le texte de leur uvrazh publié "Les meilleurs palais royaux du monde".

Les grandes étapes du développement du classicisme

Ainsi, le Palais d'Hiver, malgré tout l'éclat Rastrelli de ses formes et l'importance indéniablement dominante de ce bâtiment au centre de la capitale, s'est avéré architecturalement subordonné au bâtiment de l'état-major. Non pas parce que les formes classiques (ou « Empire ») de ce dernier sont « plus fortes » que les formes baroques du palais, mais parce que Rossi a non seulement construit un nouveau grand bâtiment en face du Palais d'Hiver, mais a également créé un nouvel ensemble architectural, un nouvel ensemble, une nouvelle unité architecturale. Dans cette nouvelle unité, organisée selon les lois de Rossi, et non de Rastrelli, l'œuvre de ce dernier semblait être incluse dans la nouvelle composition et, par conséquent, subordonnée à la construction de Rossi, et non l'inverse, bien qu'un n'a pas à parler d'une "supériorité" formelle de Rossi sur Rastrelli, de l'État-Major sur le Palais d'Hiver. Ainsi, l'Amirauté Zakharovsky a commencé à "tenir" dans ses mains monumentales tout l'organisme spatial des places centrales de Saint-Pétersbourg. Ainsi, le bâtiment relativement bas de la Bourse a attiré le point nodal de ce centre, qui était auparavant situé dans le volume de grande hauteur de la forteresse Pierre et Paul. Ainsi, en outre, les bâtiments monumentaux de Quarenghi se sont avérés être inclus dans les nouveaux ensembles et leur être subordonnés: la Banque d'État - dans l'orbite de l'impact architectural de la cathédrale de Kazan, le Horse Guards Manege - dans l'ensemble du Sénat Square, créé par Zakharov, Rossi et Montferrand ; L'Académie des Sciences, l'Institut Catherine, la Chapelle de Malte sont également totalement subordonnés au nouvel environnement architectural. Cela s'est produit non pas parce que tous ces bâtiments, construits par des maîtres exceptionnels de grande forme classique, sont moins significatifs que quelque chose qui a été créé plus tôt ou plus tard dans leur quartier, mais parce que, de par leur nature architecturale, ils n'ont pas été conçus pour un rôle d'organisation dans l'ensemble. et l'ensemble en général. La comparaison de la Bourse, conçue par Quarenghi, avec la Bourse, construite par Thomon, montre bien la différence entre ces deux approches architecturales du problème de la ville : dans un cas, une composition architecturale autonome du bâtiment, presque sans égard pour son futur environnement, d'autre part, un bâtiment qui compose l'ensemble urbain .

Lors de l'achèvement de la composition spatiale des principales parties de Saint-Pétersbourg, au cours des premières décennies du XIXe siècle, les recherches architecturales de tout le XVIIIe siècle ont été synthétisées, pour ainsi dire, synthétisées et soumises à de nouvelles formes, un nouveau style , imposant impérieusement son empreinte sur toute l'apparence de la ville. À cette époque, Pétersbourg acquiert son "apparence stricte et élancée", selon les mots de Pouchkine. Et peu importe comment nous évaluons les réalisations du classicisme tardif de Pétersbourg en termes de qualité et de formalité par rapport aux réalisations de Rastrelli, ou Quarenghi, ou Rinaldi, nous devons reconnaître l'importance de l'étape d'urbanisme la plus importante dans le développement de Pétersbourg précisément à l'origine de cette dernière période.

baroque russe

s'est manifestée par la redondance de décorations architecturales purement russes: rangées de zakomars et de kokoshniks, décorations en colonnes, telles que des ouvertures de fenêtres, une combinaison de plâtre avec de la maçonnerie, de la dorure et d'autres décorations de dômes. Puis vint l'architecture de la soi-disant. "Naryshkin baroque" - orientation clairement occidentale, avec l'utilisation de stuc de dentelle, de dômes à facettes, de tambours colonnaires. L'ancienne différence frappante entre l'architecture de l'église et l'architecture laïque disparaît. Bien sûr, à ce stade (fin du XVIIe siècle), il n'y a pas d'analogues directs entre les éléments du baroque russe et occidental : si l'essence du baroque occidental réside dans la libre circulation des volumes, la douceur des contours des volutes, alors la "Naryshkin baroque" est un tas de peuplements à multiples facettes sur un quadrifolia (bâtiment à quatre pétales en termes de ).

Le baroque occidental a déjà été amené sous Pierre par des maîtres italiens et français.

Dans les premières années du règne de Pierre, l'orientation vers les pays protestants se reflète dans l'architecture de Domenico Trezzini, qui utilise avec parcimonie les formes baroques, ce qui donne un charme particulier à l'apparence de la capitale du nord. L'aspect pratique sec a changé la nature de la peinture russe : le département d'art créé en 1724 à l'Académie des sciences a été appelé à subordonner l'art aux tâches de l'étude scientifique de la nature.

La poursuite de la voie de la sacralisation de l'absolutisme s'est reflétée dans l'attraction des maîtres du baroque et du classicisme vers la Russie. Une franche volonté de surpasser Versailles en luxe s'est traduite par la création de l'architecte français Leblon - Peterhof, la résidence de campagne de Peter. Le travail des maîtres baroques qui ne sont plus demandés en Occident, en particulier le père et le fils de Rastrelli, a été pleinement reconnu en Russie. Mais l'esprit du volontarisme palatin s'inscrit davantage dans le style rococo, vers lequel gravite l'art du XVIIIe siècle.

Au temps des troubles, la Russie était en ruine. L'architecture monumentale et la peinture ne se sont pas développées, n'ont pas construit de nouvelles chambres, de temples, n'ont pas écrit de fresques. Les constructeurs et les peintres ont quitté Moscou et d'autres grandes villes. Des icônes de chevalet séparées (œuvres des maîtres Stroganov) reflétaient les angoisses et les tourments de leur temps. Icône "Bogolyubskaya Mère de Dieu" (n. XVIIe siècle), l'image du tsarévitch Dmitry, des saints russes, des moines, des saints fous, criant pour le salut de la Russie. École Stroganov de peinture d'icônes (Prokopy Chirin et autres): pessimisme amer, infériorité des images. Les icônes sont présentées dans la cathédrale de l'Assomption à Moscou, dans le couvent de Novodievitchi. De plus, dans l'art russe du XVIIe siècle. des motifs héroïques et combatifs apparaissent. Rostov : une bannière brodée avec l'image de l'archange Michel et Josué dans le monastère Borisoglebsky. Icône "Archange Michel le Voïvode" (avant 17ème siècle). Au XVIIe siècle, après l'expulsion des étrangers, l'architecture russe ancienne connaît un nouvel essor. Le Kremlin de Moscou devient un symbole de la grandeur de la Russie. Les structures et les murs sont restaurés et reçoivent une décoration décorative supplémentaire. Spasskaya, coin Arsenalnaya, coin Moskvoretskaya, Troitskaya, Borovitskaya, coin Vodovzvodnaya et d'autres tours sont couronnées de tentes en pierre avec l'emblème de l'État. Le sommet en pierre décorative de la tour Spasskaya a été construit en 1625. L'architecte anglais Christopher Galofey et l'architecte russe Bazhen Ogurtsov. La forme russe en tente est combinée avec succès avec des motifs gothiques. Les sommets en croupe d'autres tours du Kremlin ont été érigés au XVIIe siècle. constructeurs russes. Le Kremlin de Moscou devient l'une des créations architecturales les plus originales. Les parties supérieures fusionnent organiquement avec leurs bases. Au 17ème siècle de nombreux bâtiments ont été érigés au Kremlin: chambres des greffiers, églises, cours de monastère, maisons de boyards et cours. Une surabondance de grands et de petits bâtiments rendait le Kremlin à l'étroit. Ayant perdu l'harmonie et la clarté du développement architectural, le Kremlin de Moscou l'a acquise au XVIIe siècle. fabuleuse beauté de l'ancien baroque russe. En 1636 le palais de Terem est en cours de construction (architectes Bazhen Ogurtsov et Trofim Sharutin). Le bâtiment en pierre de 3 étages sur sous-sol avait un caractère étagé. Des architraves peintes en pierre blanche, des toits dorés à bardanes, des corniches composaient le riche décor des bâtiments.

Les tours du monastère Trinity-Sergius ont également reçu un nouveau look dans le style baroque russe ancien. Prototypes d'églises russes du XVIIe siècle. étaient les bâtiments du Kremlin de Moscou (cathédrale de l'Assomption en 1479, architecte Aristote Fiorovanti). Sur la base de l'architecture de Moscou, une architecture panrusse est en cours de création, inculquant le concept d'intégrité territoriale et politique de la Russie. Les inventions inépuisables et les inventions créatrices regorgent des meilleurs exemples d'architecture d'église du 1er étage. XVIIe siècle : cathédrale de Kazan sur la place du Kremlin, église de la Trinité à Nikitniki construite par le prince Dmitri Pojarski à Moscou. Le vaste bâtiment de la cour patriarcale du Kremlin (1655) avec l'église des Douze Apôtres, posée sur les voûtes des portes de sortie, marqua le début de la construction des évêchés et des chambres du réfectoire. La Grande Croix de cette structure était couverte d'une voûte fermée et n'avait pas de piliers de soutien. Au 2ème étage 17ème siècle l'architecture de pierre en Russie prend une dimension monumentale et un effet décoratif exceptionnel. Les temples de tente ne sont plus construits. Les architectes développent les motifs des églises à 5 et 9 dômes : le faste et la splendeur de l'église de la Trinité à Ostankino, l'église Saint-Nicolas à Khamovniki (1679), la cathédrale de l'Intercession à Izmailovo. Tout R et 2e étage. 17ème siècle la construction est en cours à Yaroslavl, Uglich, Kostroma et Rostov le Grand.

Église de Jean Chrysostome, Jean-Baptiste, Cathédrale de la Résurrection dans la Nouvelle Jérusalem près de Moscou (2e moitié du XVIIe siècle). Piliers-clochers, construits sur le modèle d'Ivan le Grand - à Savvino-Storozhevsky, la Nouvelle Jérusalem, Novodievitchi et d'autres monastères. L'ancienne architecture russe aux formes bizarres, dans les décorations élaborées des bâtiments, passe au style baroque. Les dômes d'église en forme de casque militaire prennent des formes proches d'un oignon ou d'une poire. Ceintures en terre cuite, tuiles, kokoshniks ronds et carénés, pilastres, majoliques polychromes. L'ancien baroque russe était lié à l'Europe occidentale. Monastère de la Nouvelle Jérusalem, Palais de Kolomenskoïe (1681), Krutitsky Teremok à Moscou (1680).

Les villages russes étaient construits avec des cabanes en rondins couvertes de planches et de chaume, avec des foyers sans cheminées. Au 17ème siècle il y a une influence de l'architecture en pierre sur l'architecture en bois, et avant c'était l'inverse. Église de Kizhi (vingt-deux têtes), église de Vytegorsky poyust (dix-sept têtes). Le motif des cinq dômes traditionnels provient de l'architecture des cathédrales de l'Assomption et de l'Archange.

La Réunion au 17ème siècle L'Ukraine avec la Russie a provoqué des liens culturels animés entre les deux peuples. Une nouvelle tendance dans l'architecture en pierre, "Naryshkin baroque", combine avec succès les techniques de construction russes et ukrainiennes, ainsi que les caractéristiques du système d'ordre d'Europe occidentale. Les dômes du temple dans les bâtiments du "baroque Narychkine" prennent la forme d'une porte royale ou d'une couronne. Beffroi du couvent de Novodievitchi, église de l'Intercession à Fili.

Au 2ème étage 17ème siècle des temples en pierre au-dessus de la porte sont en cours de construction - les étages supérieurs des portes sacrées des monastères et des kremlins. Les portes de la laure de Kiev-Pechersk, couronnées d'un temple, sont devenues connues à Moscou à la suite de la réunification de l'Ukraine avec la Russie. Au milieu du XVIIe siècle les kremlins perdent leur vocation défensive et deviennent décoratifs.

Simeon Polotsky - (dans le monde Samuil Emelyanovich Petrovsky-Sitnianovich) (1629-1680) Figure publique et ecclésiastique biélorusse et russe, écrivain. Il s'est disputé avec les dirigeants de la scission. Professeur des enfants royaux. Il a enseigné à l'école du monastère Zaikonospassky. Co-auteur du projet de l'Académie slave-grec-latine. L'un des fondateurs de la versification et de la dramaturgie syllabique russe.

Epiphany Slavinetsky - (? - 1675) Personnage et scientifique russe et ukrainien. Il a écrit des sermons, des chansons spirituelles, livre des chansons épiques de contenu philosophique, les premiers ouvrages scientifiques. Compilateur de dictionnaires grec-slave-latin et philologique.

Classiques du péril de la sculpture

La période archaïque, au cours de laquelle le système des ordres architecturaux a été créé, a jeté les bases de l'art plastique et de la peinture grecs, a déterminé les voies de l'évolution ultérieure de la culture hellénique. La période suivante, classique, de l'histoire de la Grèce antique a été l'apogée de sa civilisation et les siècles V-IV. AVANT JC. - le temps des plus hautes réalisations. A cette époque, Athènes est venue au premier plan, ce qui était en grande partie dû à la formation de la démocratie là-bas. Les citoyens ordinaires de la ville ont la possibilité de résoudre des problèmes importants de la vie politique lors de l'assemblée populaire. L'idée de se réaliser en tant que citoyens de la politique, et pas seulement ses habitants, s'est reflétée principalement dans les travaux de Sophocle, Euripide, Eschyle, dont les tragédies ont contribué au développement réussi du théâtre grec. À bien des égards, c'est ce dernier, étant accessible au public, qui a évoqué le patriotisme et la citoyenneté. Dans l'art, l'idéal d'un homme-héros, parfait physiquement et moralement, s'incarnait pleinement. La plupart des sculptures nous sont parvenues sous forme de copies romaines tardives. Parmi les originaux grecs survivants, il y a la célèbre statue du "Delphic Charioteer", créée vers 470 av. Le jeune homme est représenté en pied dans une longue tunique, intercepté par une ceinture à la taille, les rênes à la main. Les plis fluides de ses vêtements rappellent les flûtes d'une colonne dorique, mais son visage aux yeux de pierre colorée acquiert une vivacité, une spiritualité extraordinaires. Cette image, pleine d'harmonie, incarne l'idéal d'un homme parfait, égal aux héros de l'épopée.

Pendant la période des premiers classiques, les maîtres du Ve siècle. AVANT JC. résoudre avec succès le problème de la synthèse de l'architecture et de la sculpture. Les deux agissent comme des arts complètement égaux et complémentaires. La décoration sculpturale des frontons du temple de Zeus à Olympie (470-456 av. J.-C.) en est le meilleur exemple.