CONTENU THÉMATIQUE DE LA DISCIPLINE

Thème 1. La théorie de l'art comme discipline scientifique

Théorie en tant qu'ensemble d'idées intrinsèquement différenciées et intégrales sur la nature et l'essence d'un phénomène, sa structure, ses fonctions et ses perspectives de développement. Principes et règles logiques et méthodologiques comme base de la théorie.

La théorie de l'art comme connaissance scientifique, qui donne une vision holistique de l'essence de l'artistique, des lois de son développement et du système de relations qui le déterminent. Connaissances scientifiques modernes et théorie de l'art.

Connaissance théorique de l'art en tant que reconstruction et reproduction d'un phénomène humain dans un contexte historique, socioculturel et psychologique en constante évolution; comme synthèse et concentration de l'expérience spirituelle de l'humanité et de la réalisation du phénomène humain.

L'art en tant que système fonctionnel auto-développé. L'art dans le système de la culture. Histoire de l'art dans le système des sciences humaines et sociales. Le sujet et les tâches de l'histoire de l'art. Caractéristiques de la formation de l'histoire de l'art en tant que domaine particulier d'activité scientifique. Idées historiquement changeantes sur l'art et les tâches de sa recherche. Structure moderne des connaissances en histoire de l'art : histoire de l'art, théorie de l'art, critique d'art, muséologie, leurs différences méthodologiques et fonctionnelles.

Thème 2. Le concept d'"art" et de "culture artistique". Critères artistiques

Culture artistique et art. L'art comme sous-système de la culture artistique. La culture artistique comme mode cumulatif, produit et principe d'organisation de l'activité artistique. L'activité artistique comme ensemble de processus créatifs associés à la réflexion intellectuelle et sensorielle de l'être dans images artistiques et fixer ce dernier dans les œuvres d'art à travers le langage de l'art. Aspects de la culture artistique. Aspect spirituel et signifiant (représentation figurative de l'être, photo d'art paix). Aspect organisationnel, institutionnel (ensemble d'institutions sociales qui assurent la création, la connaissance, le stockage, la diffusion des valeurs artistiques). Aspect morphologique (genres, types, genres, types, styles d'art). La structure de la culture artistique au niveau théorique : les sujets de la culture artistique (artistes, public de l'art) ; significations artistiques et culturelles; activité artistique; œuvre d'art.

Types d'activité visuelle. Le problème de l'art et du non-art. Critères de discrimination (selon la nature de l'utilisation de l'image et les fonctions qu'elle remplit). Critère esthétique (l'art est une image destinée à la contemplation et à l'expérience). Variétés d'activité visuelle non artistique et ses résultats.

Le rôle des compétences techniques dans l'activité visuelle. La nature matérielle-objective de l'activité artistique. Art et Artisanat.

Image magique. Image religieuse. Sainte image. Le caractère cultuel de l'image religieuse. La vénération des icônes et l'iconoclasme comme deux paradigmes religieux et esthétiques. L'image comme influence et ses variétés.

Thème 3. Concepts de base de la théorie et de l'histoire de l'art

Le concept de "réalité artistique". La réalité artistique en tant qu'unité du patrimoine artistique actualisée par la culture (y compris les traditions, les croyances, les idées et les valeurs), pratique artistiqueépoque et des idées artistiques qui inspirent la recherche créative du temps.

La réalité artistique comme reflet de l'unicité de la participation au monde de la créativité créative des générations, des époques et d'un individu. La réalité artistique comme contexte sémantique particulier, comme mode de perception humaine et d'expérience du monde.

La réalité artistique comme combinaison de couches sémantiques de l'art du passé et de la recherche créative moderne.

La multidimensionnalité de la réalité artistique. La réalité artistique comme réalité intentionnelle. Réalité artistique et conventionnalité dans l'art. Types de conventions artistiques. La conventionnalité dans l'art comme la réalisation dans la créativité artistique de la capacité des systèmes de signes à exprimer le même contenu par différents moyens structurels.

Le concept de "conscience artistique". La conscience artistique comme désignation d'une qualité particulière de la pensée humaine ; comme une sorte de conscience phénoménologique. La réalité artistique comme mode d'expression et condition d'existence de la conscience artistique. L'imagination comme instrument de la conscience artistique. Spécificité de la conscience artistique. Types historiques conscience artistique.

Contexte signe-symbolique de la conscience artistique. La composition de la conscience artistique (idées actuelles sur la nature de l'art et son langage, goûts et besoins artistiques, idéaux et concepts esthétiques, évaluations et critères formés par la critique d'art).

La notion de " Forme d'art". La forme est un monde plastique qui existe selon ses propres lois et possède un haut degré d'indépendance interne. Le problème de la polysémie du concept de forme et les principaux contextes de son utilisation. La forme comme organisation interne d'un objet et la forme comme son apparence extérieure. Forme d'art en tant qu'ensemble des moyens d'expression la créativité. Aspects de la forme artistique comme niveaux d'organisation formelle de l'œuvre (espace, temps, lumière, couleur, composition). La forme comme moyen d'influencer le spectateur.

Création d'une création artistique comme processus de recherche d'une forme. L'art en tant que système de formes qui changent et restent relativement inchangés dans différents systèmes artistiques. Significations artistiques et leur expression sémantique des signes dans une œuvre d'art. Dialectique de la forme et du contenu dans l'art. Le conflit de la conception artistique et son incarnation matérielle comme paradoxe de la forme. Nature créative et formatrice de sens du conflit. Paradoxes artistiques.

Le concept d'"idéal artistique".

Ethistoire de l'art(histoire de l'art, critique d'art), science de l'art qui étudie les arts plastiques (beaux-arts, métiers d'art et architecture).

L'histoire de l'art comprend trois domaines interdépendants : la théorie de l'art, l'histoire de l'art proprement dite et la critique d'art. Sujet I.I. consiste en trois phénomènes : l'œuvre d'art elle-même, son auteur et son destinataire (spectateur). La structure complexe des arts plastiques détermine la complexité de la discipline, son caractère interdisciplinaire et son articulation avec les sciences connexes (esthétique, anthropologie, études culturelles, histoire, psychologie, sociologie, philologie, études religieuses, critique littéraire, etc.).

L'émergence et la composition de l'histoire de l'art

En tant que discipline scientifique indépendante dans le système de la connaissance humanitaire, I. est né en con. 19ème siècle Auparavant, les idées sur l'art étaient exprimées dans des textes de genres divers: à la fois dans des traités consacrés à certains types d'art et dans des textes historiques, philosophiques, théologiques, artistiques et autres. Dans la période antique, les premières biographies d'artistes ont été créées (Durius de Samos, 4-3 siècles avant JC), les bases ont été posées pour l'histoire de l'art (Pline l'Ancien), la théorie de l'architecture (Vitruve) et la tradition de lit. ekphrasis (Flavius ​​​​Philostratus l'Ancien, Pausanias, etc.). Au Moyen Âge, le plus significatif. phénomènes ont été le développement de l'ekphrasis à Byzance (Eusèbe de Césarée, Jean Chrysostome, le patriarche Photius, Michel Psellos), en Occident - les premières tentatives de systématisation de l'art (le traité "Sur arts divers» Théophile, ca. 1100), la critique d'art (Bernard de Clairvaux), l'ekphrasis architecturale (abbé Suger), ainsi que le développement de la théorie de l'art dans la scolastique (Vincent de Beauvais, Hugues de Saint Victor, Thomas d'Aquin).

La littérature sur l'art s'est également développée en Orient. Le traité indien "Chitralakshana" (" Traits de caractère peinture", mendier. AD) combine une discussion sur les aspects techniques de l'art avec des prescriptions iconographiques. La pensée artistique chinoise est principalement représentée par des traités de peintres : « Records on the Classification of Old Paintings » de Xie He (fin Ve siècle - début VIe siècle), « Secrets of Painting » de Wang Wei (VIIIe siècle), « Notes on the Règles du travail au pinceau » Jing Hao (Xe siècle), « Le haut message des forêts et des ruisseaux » de Guo Xi (XIe siècle), les écrits de Su Shi (XIe siècle), « L'œil de la peinture » de Dong Qi -Chang (XVIe-XVIIe siècles) et le collectif « Un mot d'un jardin avec une graine de moutarde » (XVIIe siècle). De nombreux Japonais sur l'art, il faut citer Japan in Paintings de Nishikawa Sukenobu (XVIIe-XVIIIe siècles), Discourses on Western Painting de Shiba Kokan (XVIIIe-XIXe siècles) et Notes of a Nameless Elder (XIXe siècle) de Keisai Eisen. Les idées esthétiques et historico-artistiques du Moyen et du Proche-Orient se reflètent dans les textes de Sultan-Ali Mashkhedi (15-16 siècles), Dust-Muhammad (16 siècle), Sadig-bek Afshar (16-17 siècles). Dans les écrits des Arméniens. philosophe et artiste Grigor Tatevatsi (14-15 siècles), on peut trouver de nombreux fragments esthétiques et artistiques.

L'approche historique de l'art en Europe émerge à la Renaissance. Chez Boccace, il y a des références à Giotto, chez Pétrarque et F. Sacchetti - passages sur S. Martini, A. Orcagna, T. Gaddi. Des vies d'artistes sont incluses dans l' Histoire de Florence de F. Villani (1351) et dans le traité Des personnages célèbres de B. Fazio (1456), et des discussions sur l'art ancien et des évaluations d'artistes contemporains sont incluses dans le commentaire de C. Landino sur La Divine Comédie de Dante (1481). Dans les sermons et les traités de M. Savonarole, on peut trouver à la fois des déclarations sur le but de l'art en général et la critique de ses formes modernes. La Renaissance se caractérise par l'apparition d'ouvrages théoriques des artistes eux-mêmes : « Traité de la peinture » de Cennino Cennini (vers 1400), « Commentaires » de L. Ghiberti, traités « De la peinture » (1435-36), « De la statue” (1435), “ Sur l'architecture "(1452) L. B. Alberti, l'œuvre de Piero della Francesca" Sur la perspective divine "(années 1480), théorique. textes de Léonard de Vinci. Des phénomènes similaires s'observent au Nord (l'héritage théorique d'A. Dürer, I. Neudorfer, I. Butzbach). Parallèlement, une tradition de biographies d'artistes (A. T. Manetti) se développe en Italie, qui trouve sa plus haute manifestation dans les « Biographies... » de G. Vasari, le premier véritable historien de l'art, suivi par A. Condivi, Francisco de Holland, qui a écrit dans ce genre, ainsi que B. Cellini, qui a créé la première autobiographie de l'artiste. Le début du classique est associé à Raphaël. l'archéologie, et dans les "Lettres" de P. Aretino sont présentés les premiers exemples d'artistes. critique. La théorie maniériste de l'art est représentée par G. P. Lomazzo, L. Dolce, F. Zuccari. Le nom "Vasari du Nord" a été donné à l'humaniste flamand K. van Mander. Allemand la science de l'art commence avec I. von Sandrart. Classicisme XVIIe siècle marquée par les écrits de l'antiquaire pontifical J. P. Bellori (Italie), en France - par la querelle entre les « Poussinistes » (Roland Freart de Chambre, A. Félibien) et les « Rubensistes » (Roger de Piles).

Le siècle des Lumières est marqué comme un exemple de l'art primitif. critiques en France (J.-B. Dubos, "Salons" de D. Diderot), et des expériences de création d'histoire de l'art ("Histoire peinture italienne» L. Lanzi, 1789, Italie). Comme auparavant, les artistes agissaient souvent en tant que théoriciens de l'art (en Angleterre - "Analysis of Beauty" de W. Hogarth, 1753 et "The Theory of Painting" de J. Reynolds). La formation de la théorie de I. a eu lieu principalement. en Allemagne en lien étroit avec le développement de l'esthétique des Lumières (G.E. Lessing, J.W. Goethe, F. Schiller), allemand. romantisme (W.G. Wakenroder, L. Tieck, K.V.F. Solger, frères A. et Fr. Schlegel, F.K. Baader, Novalis), idéalisme philosophique allemand (œuvres esthétiques de I. Kant, G.W.F. Hegel). Le dernier ajout de l'approche scientifique est associé au nom de I. I. Winkelman, grâce à qui l'histoire de l'art a été réalisée comme un processus holistique, et non comme une série d'artistes individuels .

Histoire et méthodologie de l'histoire de l'art comme science

Premier étage. - ser. 19ème siècle - le temps d'accumulation intensive du réel. matériel et développement de I.I. dans le cadre de l'histoire du monde (scientifiques allemands K.F. Rumor, I.D. Passavant, G.F. Waagen). Ensuite, les scientifiques de la soi-disant. de l'école berlinoise, formée sous l'influence de G. W. F. Hegel, ont été écrits des ouvrages fondamentaux de la science de l'art : « Guide to the History of Art » de F. T. Kugler (1842), « History of Italian and Netherlandish Painting » de G. G. Goto ( 1843), 8 volumes de "Histoire des Beaux-Arts" de K. Schnaase (1843-79).

Positivisme en I.I. fait ses preuves dans le soi-disant. école culturelle et historique, représentée par les Français. les scientifiques I. Ten, E. Fromentin, E. Viollet-le-Duc, les historiens de l'architecture O. Choisy (France) et J. Fergusson (Grande-Bretagne), ainsi que G. Semper (Allemagne). Le concept d'histoire de l'art de J. Burkhardt (Suisse) se démarque, avec sa conception originale et très influente de l'histoire et de l'art comme une série de « tâches » de vie et d'art résolues dans la créativité. En général, au 2ème étage. 19ème siècle siècle, sous l'influence de la psychologie expérimentale (études de la perception visuelle) et de la critique d'art (en France - Stendhal, V. Hugo, T. Gauthier, les frères Goncourt, Ch. Baudelaire, E. Zola) ont constitué les conditions préalables à la transformation de Je.Je. en indépendant science, qui a été marquée par l'ajout de la structure des méthodes et des directions de l'IA, qui conservent leur importance dans la science moderne.

Le savoir-faire est la principale méthode d'étude de l'art, qui détermine toutes les autres méthodes de recherche; il est associé aux tâches de reconnaissance d'un monument (le rattacher à un lieu, à une époque et à un maître précis), ce qui nécessite à la fois une connaissance des sources et une analyse d'une manière individuelle (« main »), un style qui peut être corrélé avec des communautés - le style d'une école, d'une région, des époques, etc. L'empirisme et l'intuitionnisme, la priorité du "jugement de l'œil" sont les principales caractéristiques de cette méthode, dont l'histoire remonte aux débuts de la collection, aux activités des antiquaires , experts en "antiquités".

La méthode stylistique formelle apparaît dans et. de l'idée de l'histoire de l'art comme histoire prédominante de la vision (voir le livre d'A. Hildebrandt et "Le problème de la forme ..." (1893). Le représentant le plus brillant la méthode stylistique formelle - G. Wölfflin (1864-1945), élève de J. Burckhardt, qui a avancé la thèse de la "double racine du style" (le développement de la vision artistique et le développement des idéaux de beauté). Dans Concepts Fondamentaux de l'Histoire de l'Art (1915), les styles Renaissance et Baroque sont considérés comme l'expression de deux « formes de vision », caractérisées par 5 couples d'oppositions conceptuelles (linéaire / pittoresque, plan / profondeur, forme fermée / ouverte , pluralité / unité, clarté / obscurité). Dans la théorie alternative de la forme d'art et les méthodes stylistiques formelles d'A. Shmarzov (1853-1936), précurseur de l'approche phénoménologique, la source de la forme d'art est la « constitution » physique et mentale du sujet (« Concepts de base de l'art »). Histoire des Arts », 1902). Pour W. Pinder (1878-1947), une œuvre d'art n'est plus le résultat de processus visuels, mais l'objectivation de l'état de l'âme humaine (« The Problem of Generation in European Art History » (1926), ce qui implique une herméneutique spécifique de l'art (interprétation faits connusà la lumière des besoins humains modernes). Le livre sensationnel de V. Worringer (1881-1965). "Abstraction et empathie" (1907) considère les concepts du titre comme des formes universelles d'activité spirituelle (et artistique) - une thèse qui a influencé la formation de la critique d'art moderne (la justification théorique de l'art abstrait). L'élève de Wölfflin, J. Gantner (1896-1988) dans sa "Révision de l'histoire de l'art" (1932) a justifié la transition de la recherche de la création artistique à la créativité artistique, introduisant, entre autres, le concept de "préfiguration" non objective, intuitive et irrationnelle comme source de toute créativité dont les résultats restent toujours inachevés (le concept de non finito). Un autre élève de Wölfflin - P. Frankl (1878-1962) dans "The System of Art Studies" (1938) a étayé les fondements religieux et métaphysiques des phénomènes stylistiques qui obéissent à une typologie bien connue.

Une page distincte dans l'histoire de la méthode stylistique formelle est la tradition de la soi-disant. " Ecole viennoise Histoire de l'art, qui est associée à l'Université de Vienne et au Musée d'histoire de l'art de Vienne. premiers représentants ce sont des traditions - R. Eitelberg von Edelberg (1817-1885) et M. Tausing (1835-1884). La prochaine génération - le P. Wikgoff (1853-1909), qui publie La Genèse de Vienne (1895), A. Riegl (1858-1905), qui distingue dans l'histoire de l'art l'alternance des formes « haptique » et « optique » comme source de développement stylistique, sous réserve des exigences et des tendances de la soi-disant.n. « volonté artistique » qui définit la « grammaire historique » des beaux-arts (« Questions de style », 1893 ; « Late Roman Art Industry… », 1901 ; « Dutch Group Portrait », 1902), « Historical Grammar of Art History , éd. 1966). M. Dvořák (1874-1921) a étayé dans ses écrits ("Le mystère de l'art des frères Van Eyck", 1904; "Idéalisme et naturalisme dans l'art gothique", 1918 et des conférences sur l'histoire de la Renaissance et du baroque (1905 -1920) la thèse néo-hégélienne-expressionniste "l'histoire de l'art comme histoire de l'esprit" (titre d'un recueil posthume, 1924). J. von Schlosser (1866-1938) allie la rigueur de la démarche d'étude des sources ( "Littérature sur l'art", 1924) avec la liberté d'assimiler les dernières idées théoriques (principalement B. Croce), en distinguant dans l'histoire de l'art à la fois l'histoire des créations artistiques singulières et l'histoire du langage artistique, ce qui implique une approche extra-artistique explication de certaines images. L'approche idéologisée-émotionnelle de l'histoire de l'art est proposée par J. Strzygowski (1867-1941), pour qui la source de la formation européenne est artistique la tradition religieuse du Proche et du Moyen-Orient ("Orient ou Rome ?", 1902 ; "Crise des sciences de l'esprit", 1922). D'autres représentants de la science viennoise de l'art sstve est H. Titze (1880-1954), D. Fry (1883-1962), K.M. Liberté (1889-1977), O. Benes (1896-1864), O. Demus (1902-1990), O. Pacht (1902-1988), P. Novotny (1903-1983), ainsi que H. Sedlmayr (1896-1984) et E.H.J. Gombrich (1909-2001). Proche des Viennois et. était un historien de l'art américain M. Shapiro (1904-1996).

Le représentant des Français formalisme, l'influence de la théorie organique et de l'évolutionnisme du XIXe siècle est perceptible, ce qui a déterminé l'expérience émotive-sensuelle de la forme (L'Esprit des formes d'E. Faure, 1927). « La vie des formes » (1934) A.-J. Fossillon (France) reflète déjà l'influence de Wölfflin (la créativité comme processus spécifique pensée artistique). Anglais le formalisme est représenté par R. Fry (« Visions and Forms », 1919), pour qui la forme d'art est un moyen d'influencer le spectateur ; K. Bell, qui a proposé dans son essai "Art" (1914) le concept de "forme significative" comme la capacité d'une œuvre à stimuler un "sentiment esthétique" quel que soit son contenu, et G. Reed, qui a été influencé par Warringer. La version moderne du "néo-formalisme" comme morphologie de la figurativité visuelle est présentée par J. Kubler avec sa thèse sur la forme visuelle ("infrastructure formelle") comme "discours" qui précède le texte écrit (c'est-à-dire le symbolisme littéraire visuel).

Dans les entrailles de la même Vienne et. sous l'influence, tout d'abord, de la psychologie de la Gestalt, comme alternative à l'approche formelle-stylistique, une analyse structurelle se forme. H. Jantzen (1881-1967), sous l'influence de la phénoménologie (professeur à Fribourg avec Husserl et Heidegger), opère le passage du formalisme au structuralisme (« Du concept d'espace dans l'histoire de l'art », 1938 ; « Valeur et évaluation d'une œuvre d'art », 1957). Chez H. Sedlmayr (1896-1984), comme « concepts de base » de son analyse structurale, on peut distinguer la structure de la Gestalt comme un « personnage visible » et une « forme critique » (crise et phénomènes négatifs dans l'histoire de l'art, compris comme une « histoire de culte » - un vrai et un faux). Si dans The Loss of the Middle (1948) la culture du New Age est considérée comme une maladie de l'esprit, guérissable uniquement par la foi chrétienne, alors The Rise of the Cathedral (1951) est un projet d'herméneutique globale de l'architecture .

Approche sémantique en I.I. Il est représenté principalement par deux domaines interdépendants - l'iconographie et l'iconologie (A. Warburg, E. Panofsky et autres). L'iconographie est loin d'être une source auxiliaire. discipline à une direction indépendante moderne dans le cadre du II, qui se distingue par son avantage. caractère interdisciplinaire et intertextuel. L'iconologie moderne est principalement l'herméneutique de l'image visuelle résultant de l'activité picturale.

Dans une direction indépendante I.I. l'essayisme se distingue, proche de la critique d'art, en combinant des jugements de valeur (non seulement d'ordre artistique, mais d'ordre spirituel) avec un non-historicisme accentué et un relativisme méthodologique. A l'origine de l'essayisme anglais (qui est devenu le phénomène le plus caractéristique de ce courant) se trouve l'œuvre de J. Ruskin, qui est passé du romantisme tardif « peinture contemporaine» (1843) en passant par les « Pierres de Venise » historico-culturelles (1851-1853) jusqu'au positivisme social des conférences d'Oxford des années 1870. La réaction au didactisme de feu Ruskin - dans les écrits de W. Pater, qui combinait non historique. esthétisme de « l'art pour l'art » au style sophistiqué ; cette ligne a été poursuivie par Vernon Lee avec son idée de l'exclusion de l'art authentique de la vie quotidienne. Les traits caractéristiques de l'essayisme de K. Clark, figure de musée et professeur d'Oxford, sont la compréhension de l'art comme une réalité symbolique qui n'implique pas une fermeture à une réalité purement esthétique. l'expérience et rejetant à la fois "l'esprit muséal" et l'art moderne, dépourvu d'humanité. L'essai critique est devenu une méthode d'interprétation art contemporain dans les textes allemands. scientifiques J. Meyer-Graefe ("Histoire du développement de l'art moderne", 1887), R. Muter ("Histoire de la peinture au XIXe siècle", 1891-93), S. Sontag et R. Kraus. La prose esthétique des écrivains, français (J.C. Huysmans, M. Proust, P. Claudel, P. Valery, P. Eluard, A. Malraux, I. Bonfoy), allemands (R. M. Rilke, E. Junger, G. Broch, K . Kraus) et d'autres. Aspect séparé essayiste I.I. - le travail des philosophes (J. Ortega y Gasset, M. Heidegger, G. Bashlyar, N. A. Berdyaev, F. A. Stepun et autres).

Déjà à la naissance de l'art en tant que science indépendante, l'influence décisive a été les théories psychologiques qui ont accompagné la science de l'art tout au long de son histoire. Vers une direction psychologique en I.I. appartiennent aux textes de psychologues impliqués dans la théorie de l'art (R. Arnheim, USA) et d'historiens de l'art orientés vers la psychologie (E. Chris, O. Kurz, R. Yuig, tous autrichiens). Une contribution spéciale à I.I. introduit une vision psychiatrique de l'art et de la créativité, présentée par C. Lombroso (Italie) et son allemand. suiveur de M. Nordau (« Dégénérescence », 1895), ainsi que Z. Freud, E. Kretschmer, H. Prinzhorn (Allemagne), K.G. Jeune.

Direction sociologique en I.I. propose d'agrandir approche de l'art, prenant en compte des aspects tels que l'environnement artistique et la vie artistique, la commande et le mécénat, la place de l'artiste et de l'art dans la société, la réception de l'art du point de vue social. structures et autorités. C'est dans la sociologie de l'art que l'influence de l'idéologie, en particulier du marxisme, est particulièrement perceptible, ce qui s'est manifesté chez les Hongrois. les scientifiques F. Antal (l'idéologie dominante, la «foi politique» et les relations de classe sociale comme déterminants du style) et A. Hauser, qui ont le plus systématiquement mis en œuvre les idées du matérialisme dialectique. L'expérience d'interprétation de la théorie marxiste dans une veine néo-romantique est l'œuvre de W. Benjamin (Allemagne), qui oppose « esthétisation fasciste » et « politisation communiste ». Éléments sociaux la psychologie et la psychanalyse sont présentes dans « Art and Society » (1936) de G. Reed (le moi de l'artiste et le surmoi de la société et de la culture). Idéologiquement neutre, dans l'esprit de l'école historico-culturelle, le développement des problèmes sociaux de l'art est présenté dans "L'espace de vie des artistes de la Renaissance florentine" du scientifique suisse M. Wackernagel (1938). Lutte constante contre l'influence des matérialistes. la doctrine se reflète dans les écrits de M. Mies (USA) et ses Peintures de Florence et de Sienne après la peste noire (1951). Et si pour F. Haskell (1928-2000) dans nombre de ses textes (Mécènes et Peintres, 1963 ; Découvertes dans l'Art, 1976 ; Goût et Antiquité ; 1981 ; L'Histoire et ses Images, 1993), l'histoire de l'art est la histoire du goût esthétique, de la mentalité artistique et du mécénat, puis M. Backandall (1933-2007) met en œuvre la sociologie déjà postmoderne de l'art (histoire de l'art comme histoire de l'usager : le mécène comme client et l'art comme satisfaction de ses besoins, prises dans des contextes environnementaux - à la fois psychologiques-symboliques et littéraires-linguistiques).

Approche religieuse en I.I. en raison de la nature de l'art lui-même, étroitement lié à la vie religieuse et au culte. Le sujet d'étude est le côté cultuel (mystère et sacramentel) de la pratique artistique, les composantes morales de l'art, la vie religieuse comme facteur d'art et art religieux comme sujet d'histoire de l'art. Le I. religieux existe en diverses versions : néo-thomiste (E. Gilson et J. Maritain), existentialiste (G. Marcel, N.A. Berdyaev), ou phénoménologique (F. Stepun). Une direction distincte et la plus pertinente dans la théologie de l'image sacrée est la "poétique dogmatique", développée par A. Stock.

Dans l'ensemble, I. contemporain est un domaine conceptuellement et méthodologiquement ouvert de la connaissance humanitaire. Elle gravite soit vers une description post-structuraliste de l'art en tant que texte et discours (ceci est particulièrement vrai pour comprendre la pratique artistique contemporaine), soit vers une compréhension anthropologique des représentations. activités comme une pratique de création et d'utilisation d'images médiatrices d'ordres religieux, sociologiques, idéologiques, etc. finalité (avec la transformation progressive de la science de l'art en science de l'activité visuelle).

La science de l'histoire de l'art en Russie

Le premier raisonnement à propos de dépeindre. l'art se trouvent déjà dans les monuments de l'ancienne écriture russe (indications iconographiques et techniques des originaux de la peinture d'icônes, chapitre "Des peintres et icônes honnêtes" des résolutions de la cathédrale Stoglavy, 1551; descriptions d'œuvres d'art dans les légendes de voyageurs à l'étranger). Dans le message d'Épiphane le Sage à l'abbé Cyrille (vers 1415), il y a une histoire sur Théophane le Grec et une description de l'église Saint-Pierre. Sophie à Constantinople. Au 17ème siècle les œuvres des peintres d'icônes apparaissent: "Traité sur l'art" de Joseph Vladimirov et "Parole à la peinture d'icônes curieuse" de S. F. Ouchakov. 18ème siècle a été marquée par l'apparition des premiers ouvrages théoriques ("Raisonnement sur les arts libres" de P. Chekalevsky, "Petit guide de la connaissance du dessin et de la peinture ..." de I. F. Urvanov), des expériences littéraires d'artistes ("Word" à la fondation du Palais du Kremlin par V. I. Bazhenov et A.P. Sumarokov, 1773), ainsi que de nombreux "journaux" (rapports) de pensionnaires de l'Académie des Arts - A.P. Losenko, M.I. Kozlovsky, F.Ya. Alekseeva, F.F. Shchedrin et autres, contenant des descriptions d'œuvres d'art européennes.

La théorie classique de l'art est représentée en Russie par les œuvres d'A.F. Merzlyakova ("Théorie beaux-Arts», 1812), I.P. Voitsekhovich («L'expérience de dessiner une théorie générale des beaux-arts», 1823), etc., romantique - par les œuvres d'A.I. Galich ("L'expérience de la science des beaux-arts" 1826), les travaux de I. Ya. Kronenberg, N. I. Nadezhdin ("Conférences sur la théorie des beaux-arts" 1833), etc. expériences dans l'histoire de l'art du New Age appartient à N.A. Ramazanov ("Matériaux pour l'histoire de l'art en Russie", 1863). De nombreuses observations artistiques et critiques peuvent être trouvées dans les écrits des écrivains de Ser. 19ème siècle (V. F. Odoevsky, A. S. Khomyakov, P. Ya. Chaadaev). Une place importante dans l'histoire de la critique d'art russe est occupée par les activités de N.V. Gogol, et plus tard - V.V. Stasov. Dans les années suivantes, la tradition de l'essayisme russe était représentée par les noms de N.N. Wrangel, P.P. Muratov, A.N. Benois, V.V. Rozanov, A.M. Efros, Ya. Tugenhold. Le début de la science universitaire de l'art est lié à l'apparition de cette discipline dans les universités de Moscou (1857) et de Saint-Pétersbourg (1874) par la Première Rus. les professeurs d'histoire de l'art étaient l'historien de l'art et archéologue K. K. Hertz ("Sur l'état de la peinture en Europe du Nord de Charlemagne au début de l'ère romaine", 1873) et l'archéologue-égyptologue A. V. Prakhov.

La formation de I. domestique est inséparable de l'histoire de l'étude de l'ancien russe et art folklorique, dont les premiers chercheurs furent I.M. Snegirev et I.P. Sakharov, D.A. Rovinski. L'étude de l'icône atteint un véritable niveau scientifique avec F.I. Buslaev, N. P. Kondakov et les disciples de ce dernier (N. P. Likhachev, ainsi que E. K. Redina, D. V. Ainalova. Patriotic I. s'est également développé dans le cadre de l'archéologie de l'église en la personne de liturgistes tels que A. A. Dmitrievsky , A. P. Golubtsov, ayant atteint la casserole -Niveau européen dans les travaux de N. V. Pokrovsky. L'histoire de l'étude de l'architecture russe ancienne, couronnée par les travaux de V. V. Suslov, est également liée à l'archéologie de l'église. Une tentative de créer une histoire unifiée de l'architecture russe appartient à A. M. Pavlinov .

Début du 20ème siècle a été marquée par l'apparition des premières histoires généralisantes de l'art par P.P. Gnedich, I.E. Grabar, A.N. Benois. À l'avenir, cette tradition sera poursuivie par les publications collectives de l'Histoire générale de l'art (1956-65). "L'histoire générale de l'architecture" (1944-77), "L'histoire de l'art russe" (1953-69).

Après 1917, l'approche sémantique (principalement iconographique) s'est révélée longtemps idéologiquement inacceptable, et patristique. I. se concentre sur la méthode stylistique formelle. Certains historiens de l'art russes peuvent être corrélés à la tradition viennoise (N. I. Brunov, M. A. Alpatov, A. I. Nekrasov, D. Arkin), l'influence distincte de P. Frankl est perceptible chez A. G. Gabrisky. Une approche émotionnelle-esthétique, résolument laïque du matériau de l'art byzantin et russe ancien a été pratiquée par V.N. Lazarev, qui a cependant subi l'influence d'O. Demus. B. R. Vipper et A. A. Fedorov-Davydov sont proches de l'école culturelle et historique. L'approche sujet-scientifique a toujours été démontrée par de nombreux représentants de la science muséale, issue de l'"atelier". Dans l'histoire des hiboux Et. vous pouvez également observer le phénomène de la soi-disant. "sociologie vulgaire" (V.M. Friche, I.I. Ioffe).

Les principales réalisations de Russian I. appartiennent au domaine de l'histoire de l'art. La contribution de la science russe à l'histoire de l'art du monde antique est significative (M. E. Mathieu, V. V. Pavlov, N. D. Flittner, V. D. Blavatsky, O. F. Waldgauer, B. R. Wipper, Yu. D. Kolpinsky, V. K. Malmberg, B. B. Piotrovsky), médiévale art (Ts.G. Nesselshtraus, V.P. Darkevich, M.Ya. Libman, K.M. Muratova, E.P. Yuvalova), art East (B.P. Dennike, N.E. Grigorovich, V.B. Merimanov, BV Weimarn, T.Kh. Starodub, G.A. Pugachenkova, K.F. Samosyuk , V.G. Belozerova, Sh.M. Shukurov, T.K. Mkrtychev, N.A. Vinogradova, N.S. Nikolaeva, E.A. Serdyuk), art de la Renaissance (V.P. Zubov, V.N. Lazarev, M.A. Alpatov, N.M. Gershenzon-Chegodaeva, V.N. Grashchenkov, I.E. Danilova, I.A. Smirnova, V.D. Dazhina, M. N. Sokolov, V. P. Golovin, I. I. Tuchkov, E.Yu. Zolotova), l'art du Nouvel Âge (Yu.K. Zolotov, E.I. Rotenberg, M.I. Sviderskaya, S.M. Daniel). Les réalisations du russe I. dans l'étude de l'art russe, en particulier du russe ancien dans le cadre d'une seule tradition chrétienne orientale, étudiée par les études byzantines, sont particulièrement importantes. Un large éventail de méthodes est utilisé ici: et des études architecturales à multiples facettes (M.K. Karger, N.N. Voronin, P.A. Rappoport, A.I. Komech, V.P. Vygolov, S.S. Podyapolsky, P.N. Maksimov et autres), la méthode formelle-stylistique traditionnelle avec des éléments d'un -approche historique et iconographique (E.S. Smirnova, O.S. Popova, G.I. Vzdornova, L.I. Lifshits, I.L. Buseva- Davydov), et diverses variantes de l'approche sémantique avec obligatoire. l'implication de la liturgie et de la théologie (A.V. Ryndina, V.D. Sarabyanov), et la renaissance des traditions de l'archéologie ecclésiastique, comprise comme une approche holistique, la plus adéquate au matériel sacré (A.L. Batalov, L.A. Belyaev). L'étude du père. l'art du New Age est associé aux noms des A.A. Sidorova, A.A. Fedorova-Davydova, OS Evangulova, D.V. Sarabyanova, G. Yu. Sternina, E. A. Borisova, E. I. Kirichenko, V. V. Kirillova, G. G. Pospelov, M.M. Allenov, A.A. Karev, D.O. Shvidkovsky, G.I. Revzina. L'art du XXe siècle se reflète dans les études de N.N. Punina, A.I. Morozova, V. S. Turchin, A. Kamensky, O. Khan-Magomedov, M.N. Yablonskaïa.

Lecture recommandée

Alpatov M.V. Etudes sur l'histoire de l'art russe en 2 vol.

Arnheim R. Art et perception visuelle.

Wölfflin G. Concepts de base de l'histoire de l'art. Le problème de l'évolution du style dans l'art nouveau

Vipper B.R. Introduction à l'étude historique de l'art.

Gombrich E. Histoire de l'art.

Dvorak M. L'histoire de l'art italien à la Renaissance en 2 tomes. Cours magistral

Panofsky E. La signification et l'interprétation des beaux-arts. Articles sur l'histoire de l'art

Friedlender M. À propos d'art et de connaisseur.

MINISTÈRE DE L'ÉDUCATION ET DES SCIENCES DE LA FÉDÉRATION DE RUSSIE

Institution budgétaire éducative de l'État fédéral

enseignement professionnel supérieur

SPGHPA eux. A. L. Stieglitz

Département d'histoire de l'art et d'études culturelles

direction de la formation

Théorie et histoire de l'art

Qualification (diplôme) du diplômé: licence

forme d'enseignement: à temps partiel

organisation du travail indépendant

V semestre année académique 2015/2016

Saint-Pétersbourg

2015

Histoire de l'art intérieur……………………………………….....3

Art d'Europe occidentale……………………………………….14

Pensée religieuse et philosophique russe des XVIIIe-XXe siècles……………..19

Histoire de la littérature (littérature ancienne)……………………… ..22

(littérature du Moyen Âge et de la Renaissance)…………………30

Cours………………………………………………………..…36

Culturologie………………………………………………………....42

Histoire du DPI…………………………………………………………..48

Histoire de l'art chrétien……………………..……..………55

Histoire de l'urbanisme…………………………………………….61

Culture physique………………………………………………….66

Histoire de l'art intérieur

But de la discipline: former la compétence de l'étudiant dans le domaine de l'histoire de l'art intérieur ; considérer les concepts de base de la conception de l'espace de vie dans divers époques historiques du monde antique au XXe siècle inclus, ainsi que les étapes de formation de schémas décoratifs pour la décoration.

Tâches disciplinaires :

Considérez les problèmes clés de la mise en forme artistique des intérieurs de l'Orient ancien et de l'Antiquité;

Étudier les principaux modèles de solutions et moyens d'expression artistique de l'environnement sujet-espace des intérieurs du Moyen Âge, de la Renaissance et des temps modernes d'Europe occidentale;

Familiariser les étudiants avec les œuvres d'art exceptionnelles de l'intérieur russe, montrer les principales étapes de la formation des traditions architecturales de l'école russe, ainsi qu'identifier les principes de composition et les moyens d'expression artistique caractéristiques des œuvres de certaines époques, styles et écriture manuscrite de l'auteur;

Considérez les principaux concepts de la conception artistique du XXe siècle grâce à la connaissance d'un vaste matériel sur la pratique architecturale et artistique et le travail des principaux architectes, artistes et designers de design d'intérieur.

CHAPITREje. INTERIEUR DE L'ORIENT ANTIQUE ET DE L'ANTIQUITE

Sujet 1.Intérieur du palais de l'Orient ancien. Egypte. L'architecture comme forme d'art de premier plan. L'unité des techniques architecturales pour organiser l'espace à l'intérieur du temple et du palais. Caractéristiques de la décoration du Grand Palais d'Amarna. Technique de gaufrage. Le système de distribution des images sur les murs: la séquence logique du développement des parcelles et la symétrie de leur placement. Meubles à l'intérieur du palais. Intarsia comme cas particulier incrustations. Mésopotamie. L'ajout de la forme, du plan, de la construction des étages dans l'architecture des logements, ainsi que la nature de la décoration des façades et des intérieurs. L'arche comme structure de construction la plus ancienne. Fondements artistiques de la composition des complexes de palais de Mésopotamie. le palais de Sargon II à Dur-Sharrukin, le palais de Nabuchodonosor à Babylone. Doublure en céramique colorée, sculpture ronde, orthostates en relief.

Thème 2. Intérieur du monde égéen et de la Grèce antique. Art égéen. Crète : caractéristiques architecturales et stylistiques des palais de Knossos, Phaistos, Zakros, Mallia. La décoration des lieux d'apparat : revêtement d'albâtre, peintures murales. Maisons des îles de la mer Egée. Mycènes. Forteresses et palais de la culture pra-grecque continentale : Tirynthe, Pylos Megaron au cœur du plan d'urbanisme d'une ancienne habitation. La Grèce ancienne. La maison pastorale est l'un des premiers types de maisons résidentielles de la Grèce antique. Ameublement et décorations. Le phénomène de l'hellénisme et le souci de la décoration de la vie quotidienne. Maison péristyle. Techniques de décoration originales. Mosaïques de galets de Pergame et Pella. Motifs populaires et parcelles d'images.

Sujet 3.Intérieur résidentiel romain. L'architecture funéraire des Étrusques est une imitation des intérieurs des bâtiments résidentiels avec tous leurs meubles et ustensiles. Nécropole Banditacchia à Cerveteri et Monterozzi à Tarquinia Sculpture en terre cuite. Rome antique. Nouveaux matériaux, équipements et technologies de construction. Le béton et la possibilité d'ériger des structures de grande portée et des plafonds voûtés. Système hiérarchique des types de bâtiments résidentiels. Insula, domus, villa : éléments de composition. Types d'atrium et d'atrium-péristyle de disposition de domus. L'originalité du système artistique de décoration des bâtiments résidentiels de la Rome antique.

CHAPITREII. BYZANCE ET LE MOYEN AGE D'EUROPE OCCIDENTALE. PRE-PETROVSKAYA RUSSIE.

Thème 4. Intérieur séculier de Byzance. Le rôle du patrimoine antique et de l'influence orientale dans l'architecture de Byzance. Types de bâtiments résidentiels urbains : bâtiments à plusieurs étages, hôtels particuliers. Aménagement des demeures urbaines : aménagement ancienne tradition. Le principal moyen d'expression architecturale et artistique dans la composition de la décoration des intérieurs résidentiels.Parements en marbre polychrome, carreaux colorés, tissus décoratifs, mosaïques dans l'intérieur byzantin. "Chambres Sacrées" du Grand Palais Impérial de Constantinople. Les particularités de l'aménagement et l'originalité des méthodes de décoration des chambres principales sont le résultat de la soumission à de magnifiques cérémonies théâtrales de cour. L'influence de l'art byzantin sur la décoration de l'intérieur de l'Europe occidentale du Moyen Âge. Intérieurs carolingiens (chapelle palatine des Carolingiens, VIIIe siècle). Palais Royal de Palerme (années 1170). Le complexe palatial de l'Alhambra à Grenade (1309, 1354), etc.

Thème 5. Intérieurs du Moyen Âge européen. Bâtiments résidentiels du haut Moyen Âge (style roman), leur agencement et leur décoration. Tours-donjons et maisons-forteresses La structure compositionnelle de l'ensemble du château, la fonction des salles féodales, leur décoration. Sujets profanes et religieux de peintures murales dans des intérieurs résidentiels.

Gothique. Vie urbaine et nouveaux types de bâtiments. Palais du Grand Maître à Marienburg. Palais gothiques : Maison de Jacques Coeur à Bourges, Palais d'Albrechtsburg. Les salles de cérémonie et leur décoration. Dominantes décoratives dans les intérieurs de la fin du Moyen Âge. Palais Davanzatti à Florence.

Sujet 6.Intérieurs de bâtimentsRussie pré-pétrinienne. Architecture folklorique en bois. Caractéristiques structurelles et techniques de l'architecture russe ancienne. Types de forme et d'agencement d'un bâtiment d'habitation paysan : poutre, verbe, bourse. Maisons en bois de la ville, domaines et manoirs. Le problème des proportions. Palais d'été d'Alexeï Mikhaïlovitch dans le village de Kolomenskoïe près de Moscou L'asymétrie comme technique artistique dictée par la fonction des parties du bâtiment. Les spécificités de la décoration intérieure. Traditions de l'architecture "de paroisse" en pierre des XV - XVII siècles. Chambres représentatives. Chambres-palais. Chambres des boyards Romanov à Zaryadye.

CHAPITREIII. ART INTÉRIEUR RENAISSANCE,

BAROQUE ET ROCOCO

Sujet 7. EtArt intérieur de la Renaissance. Palazzo en tant que nouveau type de bâtiment résidentiel urbain. Traits caractéristiques des nouveaux édifices florentins : Palais Médicis-Riccardi, Palais Rucellai : usage métaphorique de l'ordre. Rationalisme méthode artistique Renaissance dans l'art intérieur. Nouvelle compréhension de l'espace. Classicisme par A. Palladio : Villa Foscari ou "Malcontenta" (1559-1560), Villa Almerico ou "Rotonda" (1570), etc. L'utilisation d'éléments du temple antique dans l'architecture profane, stylisation de l'ordre, formes géométriques régulières comme base des volumes architecturaux des bâtiments . Peinture illusionniste à l'intérieur. Système ornemental "grotesque" dans la composition de l'intérieur. L'intarsia, la majolique sont des techniques de décoration d'intérieur populaires de la Renaissance italienne.

Thème 8. Expressivité plastique de l'intérieur baroque. Les palais baroques italiens sont le théâtre de représentations solennelles : exaltation émotionnelle et pathos, contrastes et exagérations. Formation d'un style européen commun. Création d'ensembles architecturaux grandioses. Perspective et effets illusionnistes de la peinture monumentale et décorative. Ambiance d'ensemble et décoration, interdépendance compositionnelle et équilibre des éléments. Formation d'un dictionnaire paneuropéen de design d'intérieur. Caractéristiques du style de cour officiel du Roi Soleil : Grands appartements.

Sujet 9. Intérieur rococo - un refuge contrerituels de cour. La composition du style rococo dans l'art de l'intérieur de la France. Intérieurs rococo comme refuge contre les rituels stricts de la cour. Traits caractéristiques du rococo mature ou "style Louis XV" à l'intérieur. Construction d'hôtels particuliers en tenant compte des nouvelles exigences de l'espace de vie : commodité, différenciation des locaux par fonction. Technique rocaille dans les intérieurs - "grots" du 18ème siècle. Collections de porcelaine d'Extrême-Orient dans un intérieur de palais chinoiserie. Intérieur baroque et rococo en Russie. Le problème de la formation du "style de Peter" original. Développement créatif de l'expérience artistique de l'Europe occidentale, formation d'un nouvel art et son lien avec les traditions artistiques nationales. "Baroque pétrinien": influences de l'Europe occidentale et traditions nationales dans l'architecture de la nouvelle capitale. Chambres du Prince le plus serein à Saint-Pétersbourg. Le style "Rastrelli" en tant qu'originalité individuelle de la manière créative de F. B. Rastrelli Jr. et un exemple de baroque mature. Ornementation rococo dans les intérieurs baroques et du début du classicisme.

CHAPITREIV. INTÉRIEUR DU CLASSICISME ET DE L'HISTORISME

Jema 10.L'Antiquité comme modèle à l'intérieur du classicisme. Canonisation des classiques anciens comme modèle d'étude et d'imitation. Palladianisme anglais des XVIIe - XVIIIe siècles comme un prologue au néoclassicisme. Historique des ajouts et originalités du "Style Adam". Le néoclassicisme et ses principales caractéristiques dans l'architecture de la France. Commander en tant qu'élément formant style. Recherche de formes strictes, symétrie de construction. Le développement du "style Gabrielle". Classicisme en Russie. La base de la méthode artistique à l'ère de l'imitation du "modèle": maisons et palais. Palais de marbre. Intérieurs illusoires tectoniques du classicisme manoir dans les "nids nobles" de Russie. Le système hiérarchique de tous les composants à l'intérieur du classicisme russe. Appareils d'éclairage à l'intérieur du classicisme russe. Théâtre du Palais Ostankino. Palais de Tauride. Palais de Pavlovsk. Le système des moyens artistiques et décoratifs du style Empire. C. Persier et P.-F. Fontaine - les créateurs du style Empire à l'intérieur. Les résidences de campagne impériales de Napoléon Ier. Les formes artistiques de l'Antiquité romaine comme source de nouvelles décorations intérieures. Emblèmes militaires dans les détails architecturaux et la décoration intérieure. "Egyptomanie". Style Empire russe à l'intérieur cérémoniel des capitales russes. L'héroïsme civil de l'antiquité grecque archaïque et romaine comme sources d'inspiration des architectes russes en design d'intérieur. Galerie militaire de 1812 dans le Palais d'Hiver, intérieurs du palais d'Arkhangelsk. Développement de l'art du meuble russe.

Sujet 11.Tendances du romantisme dans le palais et l'intérieur résidentiel. Mode pour le Moyen Âge européen à la fin du XVIIIe - début du XIXe siècle : le mouvement « Renaissance gothique » en Angleterre, le « style troubadour » en France comme manifestations de la nostalgie historique. "Exotisme": Royal Pavilion à Brighton. Le culte de la mémoire dans l'art du XIXe siècle et son reflet dans l'art de l'intérieur. Opposer le monde des nobles idéaux à l'esprit de la vie quotidienne : la naissance du « style Biedermeier ». Des idées de simplicité et de praticité dans une ambiance démocratique d'appartements citadins. Mode pour le Moyen Âge et le "style anglais" dans la décoration intérieure des "chalets" de campagne en Russie. Appartements dans des immeubles à Saint-Pétersbourg et à Moscou. Idéal sentimental-romantique de la bourgeoisie et conception d'appartements résidentiels, axés sur la commodité et le confort de la maison. "Genre intérieur" dans la peinture russe comme source de base pour la décoration de l'intérieur de l'ère du romantisme.

Sujet 12.Intérieur historiciste. Le phénomène de "récréation" de styles dans l'art intérieur. L'éclectisme comme méthode de création : étapes de développement. Le principe du "choix intelligent" des styles artistiques des époques passées dans la conception architecturale. Buckingham Palace à Londres, Winter Palace à Saint-Pétersbourg, Grand Kremlin Palace à Moscou. Moyens expressifs de divers styles artistiques dans la décoration des façades et des intérieurs de palais et de manoirs. L'importance égale des « styles » comme base de la répartition uniforme des accents dans composition architecturale et l'indépendance et l'équivalence de tous les éléments de l'intérieur. Musée de l'Ecole Centrale de Dessin Technique du Baron A.L. Stieglitz.

CHAPITREV. MODERNE ET "MOUVEMENT MODERNE"

DANS L'ART INTÉRIEUR DE LA PREMIÈRE MOITIÉXXDES SIÈCLES

Sujet 13.Caractéristiques du développement de l'art intérieur au tournantXIXe- XX siècles. Moderne. La pratique artistique de W. Morris et le mouvement Arts and Crafts: The Red House. Formation d'un nouvel ornement en tant que nouveau système de solution de composition intérieure. L'impact de la révolution industrielle sur l'architecture et l'art intérieur : innovations techniques, nouveaux matériaux et méthodes de construction. "Floréal" et "rationnel" moderne. A.Van de Velde : la fusion de détails décoratifs et structurels en un tout : Connexions spatiales entre différents volumes de pièces individuelles. zonage fonctionnel. Tassel Mansion à Bruxelles, S.P. Ryabushinsky à Moscou. Rétrospectivisme moderne. romantisme national.

Thème 14. Tendances avant-gardistes et modernistes de l'art d'intérieur. Le concept intérieur des "maisons de prairie" F.-L. Wright et la "nouvelle architecture". Les projets sont des manifestes. Expériences dans le domaine de la conception de logements. Pratique créative du groupe De Stijl. La maison de Schroeder à Utrecht. L'histoire des utopies sociales et le problème de l'organisation d'un logement collectif. Problèmes d'équipement d'un logement neuf, problème de standardisation (El Lissitzky). K. Melnikov : la propre maison de l'architecte. "Style international". Matériaux industriels - acier et verre - comme base de l'image artistique des intérieurs de Mies van der Rohe. Formulation d'un nouveau concept pour concevoir l'espace d'un immeuble résidentiel. Cinq principes d'unité de l'architecture et de la construction selon Le Corbusier. Améliorer la vie grâce à une organisation efficace de l'espace.

Sujet 15.Aspect décoratif dans l'intérieur des années 20-30. Exposition de modernité art décoratif et l'industrie. Problèmes d'art déco. Des intérieurs rétrospectivement éclectiques signés J.E. Rühlmann : "Pavillon des collectionneurs" - encyclopédie du style Art déco dans l'art intérieur. Le problème du choix : production industrielle de masse de biens ou production exclusive d'objets d'ameublement et de décoration intérieure "Maisons usoniennes" F.-L. Wright. Intérieurs de gratte-ciel américains. Chrysler Building à New York. Renforcement des tendances néoclassiques. Intérieurs des stations de métro de Moscou et de Leningrad.

CHAPITREVI. INTÉRIEUR DE LA SECONDE MOITIÉ DU XX SIÈCLE

Sujet 16.Le rationalisme d'après-guerre dans l'art intérieur. Légendes du modernisme et adeptes des maîtres de la première moitié du XXe siècle. Les intérieurs des appartements de "l'unité d'habitation" à Marseille comme reflet de l'idée de la "Cité Radieuse" de Le Corbusier. Principe modulateur. Esthétique de la « brutalité » : les intérieurs de la maison Jaoul à Paris. La recherche de l'archétype de la forme dans l'œuvre d'après-guerre de L. Mies van der Rohe. L'idée d'A. Aalto sur l'humanisation de l'environnement en tant que développement de l'idée d'architecture organique. Projet "House of the Future" par E. et P. Smithson à l'exposition annuelle "Ideal Home" à Londres, 1956. Architecture capsule de "mini-univers". La beauté du vide dans les « villas blanches » de R. Meyer. Styles "scandinave" et "italien" dans la décoration intérieure des années 1940-80. Nouvelles technologies et style high-tech dans les intérieurs publics et résidentiels. Expérience domestique d'aménagement d'intérieurs publics dans les années 1960-1980 : l'interaction des œuvres d'art monumental-décoratif et décoratif-appliqué avec l'environnement architectural.

Sujet 17.Intérieur postmoderne. Paradoxe dans la structure compositionnelle de l'intérieur. La publication de R. Venturi "Difficultés et contradictions en architecture" et son influence sur la nouvelle génération artistique. Les principes de l'anti-fonctionnalisme, le renforcement de la décoration, l'appel au vocabulaire de l'architecture classique et d'autres traditions. Robert Stern et les « trois approches » du postmodernisme. Interprétation ironique de la source, scénographie obsédante - les moyens de concevoir l'espace intérieur. Le problème du symbole dans l'art intérieur postmoderne. Influence des principes du contextualisme sur la pratique artistique de l'intérieur. Le double codage et le kitsch comme phénomène de la vie artistique du postmodernisme.

Sujet 18.Intérieur au tournantXX- XXIsiècle dans le cadre de la culture artistique mondiale. Reflet des concepts philosophiques dans l'art intérieur du dernier quart du XXe siècle. Grands maîtres. Chefs de métier. Minimalisme. Néo-expressionnisme. Irrégularité incontrôlée des lignes et esthétique outrée dans l'oeuvre de F. Hundertwasser. Déconstructivisme : complexité visuelle et formes brisées, une caractéristique de la méthode de conception. Projets de R. Koolhaas : Orientation vers l'architecture « anti-gravité » de l'avant-garde russe. Néoplasticisme : S. Calatrava. Anthologie des "styles" de l'intérieur du XXIe siècle : "loft", "campagne", "village français", "village anglais", "style anglais", "style colonial britannique", "style victorien", "style japonais ", "flo-market", "ethno-styles" (marocain, africain, etc.), etc.

Forme intermédiaire de contrôle : Vsemestre - décalage.

Forme finale de contrôle : V jesemestre–examen.

DOCUMENTS PÉDAGOGIQUES ET MÉTHODOLOGIQUES

Littérature principale :

McCorquodale C. Décoration intérieure résidentielle de l'Antiquité à nos jours. Par. de l'anglais. E.A. Chantre. - M. : Svarog et K, 2006. - 248 p.

Matiounina D.S. Histoire intérieure. - M. : Projet académique, Paradigm, 2012. - 552 p.

Makhlina S. Styles artistiques dans un intérieur résidentiel. - Saint-Pétersbourg : Aleteyya, 2012. - 168s.

Novikova E.B. Intérieur des bâtiments publics : enjeux artistiques. - M. : Stroyizdat, 1991. - 368 p.

Pyle D. Design d'intérieur : 6000 ans d'histoire / Per. de l'anglais. O. I. Sergeeva. - M. : AST, Asterel, 2007. - 464 p.

Soloviev N.K. Histoire intérieure. Ancien monde. Moyen Âge : manuel. - 3e éd. corriger – M. : V. Shevchuk, 2007. – 352p.

Soloviev N.K. Histoire de l'intérieur moderne. - M. : Svarog et K, 2004. - 399 p.

littérature supplémentaire :

Adams S. Mouvement des arts et métiers. Guide de style. - M. : Arc-en-ciel, 2000. - 128s.

Atlas du design d'intérieur mondial / Ed. Brown M. et Galindo M. - Traduit de l'anglais. - M.: Magma LLC, 2011. - 512s.

Bartenev I.A., Batazhkova V.N. Intérieur russe des XVIIIe et XIXe siècles. - M. : Svarog, 2000. - 128s.

Borisova E.A. L'architecture russe à l'ère du romantisme. - Saint-Pétersbourg : D.M. Bulanin, 1997. - 314p.

Borisova E.A. Russe moderne : architecture, peinture, graphisme / E. A. Borisova, G. Yu. Sternin. - M. : Galart, 1998. - 359p.

Borisova E.A., Kazhdan T.P. L'architecture russe fin XIX- le début du XXe siècle. – M. : Nauka, 1971. – 239 p.

Borisova E.A., Sternin G.Yu. Néoclassicisme russe. – M. : Galart, 2002. – 288s.

Bott I.K., Kaneva M.I. Meubles russes. Histoire. Modes. Maîtrise. - Saint-Pétersbourg : Art-Saint-Pétersbourg, 2003. - 512 p.

Vipper B.R. Architecture baroque russe. - M. : BSG-Press, 2008. - 298s.

Vlasov V.G. Les styles dans l'art. Dictionnaire. TI - Saint-Pétersbourg : Kolna, 1995. - 672 p.

Gidion Z. Espace, temps, architecture. - M. : Stroyizdat, 1984. - 449 p.

Goryunov V.S., Tubli M.P. L'architecture de l'époque moderne. - Saint-Pétersbourg : Stroyizdat, 1992. - 359 p.

Nobles nids de Russie. Histoire et culture, architecture. Essais / Éd. M. V. Nashchokina. - M. : Girafe, 2000. - 384 p.

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Pendant les cours pratiques (séminaires), les étudiants, avec l'enseignant, examinent plus en détail les sujets proposés, sur lesquels il est proposé de préparer un certain nombre de rapports sous forme orale et écrite. Le sujet du rapport peut être choisi dans la liste proposée, cependant, il est permis de varier les sujets à la discrétion de l'étudiant. Elle peut être causée par un changement dans l'orientation de l'étude, une limitation ou une expansion du groupe de monuments à l'étude, etc.

Une condition indispensable à la préparation du matériel est une sélection de photographies sur le sujet, pour lesquelles vous devez vous référer aux bases de données électroniques recommandées.

Pendant les séminaires, il est possible de visiter les musées de Saint-Pétersbourg, où des intérieurs historiques ont été conservés, ainsi que des expositions temporaires, qui présentent des graphiques de projet ou des photographies d'intérieurs achevés.

Les séminaires permettent à l'étudiant de tester ses propres connaissances sur les principaux thèmes du cours. Pour contrôler les connaissances des étudiants dans le cadre de séminaires, des tests périodiques sont réalisés par écrit, ainsi que des colloques (une liste d'exemples de questions de contrôle est jointe).

Un travail indépendant est réalisé individuellement, il est basé sur l'étude de la littérature de recherche et sur un vaste matériel empirique sur l'histoire de l'art intérieur. Travail indépendant avec les monuments architecturaux de Saint-Pétersbourg, dans les musées (Musée de l'Ermitage, Musée d'État de l'histoire de la reconstruction architecturale de Saint-Pétersbourg.

La consolidation des connaissances acquises en classe se fait par l'étude indépendante de matériels pédagogiques et méthodologiques sur la discipline, la préparation aux tests et examens, ainsi que la préparation de rapports sur les sujets étudiés. Le but des rapports est de consolider les compétences de description des monuments de l'art intérieur, en menant une analyse indépendante de l'histoire de l'art. Vous pouvez choisir un sujet pour le rapport parmi ceux proposés, mais vous pouvez faire preuve d'indépendance. Il est important que le travail de l'étudiant corresponde à la période chronologique des sections étudiées. Pendant le test ou l'examen, des questions supplémentaires sont possibles sur le sujet du rapport.

b) thèmes approximatifs pour la préparation des rapports :

Caractéristiques de la décoration intérieure des bâtiments du Nouvel Empire (XVI - XI siècles avant JC).

Meubles à l'intérieur égyptien.

Megaron comme type d'habitation.

Problèmes reconstitutions architecturales monuments antiques (G. Schliemann, A. J. Evans et autres).

Protomosaiques La Grèce ancienne.

Le phénomène de l'hellénisme et le souci de la décoration de la vie quotidienne.

Formes de meubles dans une maison romaine.

Caisson romain comme type de décoration de plafonds voûtés.

Influences byzantines dans la décoration des palais européens.

La peinture médiévale et la miniature de livre comme source de base pour l'histoire intérieure.

Palais Terem du Kremlin de Moscou: nouveautés dans le schéma de composition.

Similitudes dans la décoration décorative des chambres en pierre de la Russie antique et des bâtiments du château en Europe.

Intérieur Renaissance : l'influence des « théories sur le beau ».

Peinture monumentale et décorative à l'intérieur de la Renaissance italienne.

Commandez comme système décoratif dans la décoration de l'intérieur de la Renaissance.

Stances et loggias de Raphaël au Vatican. Système ornemental "grotesque" dans la composition de l'intérieur.

Approche scénographique de la conception d'intérieurs baroques.

Décoration sculpturale à l'intérieur de Venise au XVIIe - début du XVIIIe siècle.

Techniques de démonstration des collections de peintures à l'intérieur du XVIIIe siècle.

Caractéristiques stylistiques de l'intérieur de Petrine Petersburg (A. Schluter, I. Braunstein, J.-B. Leblon, N. Michetti, I. Shedel, F. Fontana, etc.).

Charles Bull : nouvelle technique de décoration intérieure.

"Intérieurs de carreaux" en Europe et en Russie.

"Style Rastrelli" dans la décoration intérieure.

Structure de planification des hôtels urbains en France de l'époque rococo.

L'antiquité romaine comme base thématique et significative pour la décoration de l'intérieur de style Empire.

Le culte de la mémoire dans l'art du XIXe siècle et son reflet dans l'art des intérieurs résidentiels.

"Egyptomania" dans la décoration intérieure.

Engouement romantique Moyen Âge européen dans l'intérieur du palais russe de la fin du XVIII - début XIX des siècles.

Le concept de salon comme définition de la multifonctionnalité de l'espace.

Problèmes artistiques de l'intérieur des immeubles d'habitation.

Style intérieur en alliage de style "Biedermeier". Les principaux avantages du "style de vie".

Le phénomène de "récréation" de styles dans l'art intérieur.

L'éclectisme comme méthode créative de design d'intérieur.

"Néostyles" dans l'intérieur du palais du 19ème siècle.

Concepts de design d'intérieur dans les œuvres d'architectes modernes (au choix : A. Van de Velde, V. Orta, A. Gaudi, G. Guimard, O. Wagner, C. R. Mackintosh, J.-M. Olbrich, J. Hoffmann, F.O. Shekhtel, R.F. Meltzer et autres).

Le phénomène de l'Art Nouveau "nordique" dans l'art intérieur (facultatif : P.Behrens, E.Saarinen, A.A.Ol, N.V.Vasiliev, A.F.Bubyr, etc.)

La théorie de "l'architecture organique" et de la "maison des prairies" F.-L. Wright.

Pratique créative du groupe "De Stijl" dans le domaine du design d'intérieur.

W. Gropius. Conception de l'espace intérieur.

Suprématisme spatial. Architectons de K. Malevich, PROUNS de E. Lissitzky.

Expériences de Konstantin Melnikov (propre maison et atelier, clubs).

Intérieurs de style Art Déco (maîtres au choix : J.-E. Ruhlmann, P. Charo, Jo-Bourgeois, Sauvage et Vibo, U. van Alen, etc.)

Maxima L. Mies van der Rohe : "Moins, c'est plus."

L'unité de l'architecture et de la construction selon Le Corbusier. "Une maison est une machine à vivre." Modulateur.

Renforcement des tendances néoclassiques à l'intérieur des années 1930

House-performances de B. Goff comme forme de pop art.

Caractéristiques du "style scandinave" de l'intérieur (maîtres au choix : A. Aalto et E. Saarinen (Finlande), A. Jacobsen (Danemark), Nil (Norvège), Fabricius et Kastholm (Suède), etc.).

Design d'intérieur "à l'italienne".

Le style créatif original de l'architecte d'intérieur (maîtres au choix : B. Baldwin, D. Colombo, E. Ponzo, E. Sotsas, M. Bellini, R. Tallon, A. Lesetre, E. Albert, G. Aulenti, G. T. Paolini, F. Eichler, D. Nelson, S. Tomerlin Lee, G. Pesche, F. Stark et autres).

"Hi-tech" et "minimalisme" à l'intérieur (maîtres au choix : L. Kahn, R. B. Fuller, C. Eames, R. Rogers, R. Piano, N. Foster, D. Stirling, etc.)

Pratique artistique du postmodernisme (facultatif : F. Johnson, R. Venturi, R. Stern, C. Jencks, C. Moore, R. Meyer, etc.).

Le phénomène des « citations » dans l'art intérieur de la fin du XXe au XXIe siècle

"Néo-expressionnisme" F. Hundertwasser.

Déconstructivisme dans l'art intérieur des années 80-90. (facultatif : P. Eisenman, groupe COOP Himmelblau, B. Chumi, F. Gehry, E. O. Moss, etc.)

c) une liste de questions pour le test (Vsemestre):

L'intérieur comme phénomène de culture artistique.

Palais, cités et maisons de l'Égypte ancienne. Particularités techniques décoratives décoration.

Dominantes décoratives dans les intérieurs des complexes de palais de Mésopotamie.

Les intérieurs des "labyrinthes" de l'île de Crète. Caractéristiques de la construction volumétrique de l'espace intérieur.

Habitations de la Grèce antique. Types de mises en page. Décoration d'une ancienne maison grecque.

Types de bâtiments résidentiels dans l'architecture romaine et principes de leur conception.

Styles pompéiens. Leur rôle à l'intérieur.

Grand Palais de Constantinople. Caractéristiques de la décoration intérieure.

Dominantes décoratives dans les intérieurs gothiques.

Bâtiments de l'hôtel particulier. Chambres en pierre de Russie. Caractéristiques de composition et techniques de décoration originales.

Palais florentin comme nouveau type de résidence urbaine. Planification de la structure et des éléments de décoration.

Intérieur baroque. Solutions volumétriques-spatiales.

"Grand style" de Louis XIV. Appartements versaillais.

Palais rococo. Design d'intérieur artistique.

Intérieurs chinoiseries.

d) une liste de questions pour l'examen (VIsemestre):

Le palladianisme comme courant artistique dans l'art intérieur des XVIIe-XVIIIe siècles. "Style Adam" et "Style Gabrielle".

Intérieur de manoir en Russie à la fin du 18e - début du 19e siècle.

Style Empire dans les demeures de Napoléon. C. Persier et P. Fontaine.

Tendances romantiques dans les intérieurs de la fin du XVIIIe au début du XIXe siècle. D. Nash, A. Menelas.

L'éclectisme comme méthode de création dans l'art intérieur du XIXe siècle.

Intérieurs du Palais d'Hiver après 1837

L'ère de l'historicisme. Palais de Buckingham et du Grand Kremlin. Intérieurs avant.

Mouvement Arts et Métiers. Pratique créative de W. Morris.

La recherche du style de la modernité dans la pratique créative de l'art intérieur.

Manoirs du tournant des XIX - XX siècles. Le principe du design "de l'intérieur vers l'extérieur".

Intérieur de style moderne. Nouveau concept ornemental

Romantisme national et néoclassicisme dans l'art intérieur du début du XXe siècle.

Modernisme dans la première moitié du XXe siècle. Une nouvelle approche du design d'intérieur.

La théorie de "l'architecture organique" F.-L. Wright. "Concept d'intérieur" des maisons des prairies.

Suprématisme spatial. Architectons. PROUNS.

Pratiques créatives du groupe "Style" dans le domaine du design d'intérieur.

Maisons expérimentales de l'avant-garde soviétique - "complexes de logements".

Le problème de la standardisation du logement.

Intérieur de style international.

Aspect décoratif dans l'intérieur des années 1920-30.

Néoclassicisme.

rationalisme d'après-guerre.

1. Minimalisme.

   L'intérieur de l'ère postmoderne : l'aspect de la décoration.

   Kitsch dans l'art intérieur.

   Néoplasticisme.

   Déconstructivisme dans l'art intérieur.

   Intérieur au tournant du XX-XXI siècle. Chefs de métier.

« HISTOIRE DE L'ART ÉTRANGERXIXe- XXVV."

Titre du sujet
Section 1 Introduction à l'artXIXedans.
	Caractéristiques du développement des processus artistiques dans les beaux-arts d'Europe occidentale et d'Amérique au XIXe siècle.
Section 2 Art de l'Europe occidentale con.XVIIIème- par. sol.XIXedes siècles
		Art d'Espagne con. XVIII - début. 19ème siècle Créativité F. Goya.
		Art d'Angleterre con. XVIII– trad. sol. .XIXème siècle
		Art de l'Allemagne con. XVIII– trad. sol. .XIXème siècle
		Art de France con. XVIII– trad. sol. .XIXème siècle

SUJETS DE L'EXAMEN

Caractéristiques du développement des beaux-arts étrangers au XIXe siècle.

Le romantisme comme tendance avancée dans le développement culturel et artistique de son temps (origines, cadre chronologique, originalité, sens).

Traits romantiques et héroïco-tragiques dans l'œuvre de F. Goya après 1800

Pré-romantisme anglais (G. Fuseli, W. Blake, caricature)

D. Constable et D. Turner - deux concepts de paysage dans art anglais

Caractéristiques, étapes, maîtres du romantisme allemand

Le classicisme comme courant artistique dominant dans l'art français au tournant des XVIIIe-XIXe siècles. J.L. David.

Ecole de David. Le préromantisme dans l'art français.

Traits classiques et romantiques dans l'œuvre de T. Gericault

E. Delacroix est la figure centrale du romantisme français.

Ingres et le classicisme au XIXe siècle.

Les examens d'entrée les plus courants sont :

• langue russe
• Mathématiques (niveau de base)
• Littérature - une matière de profil, au choix de l'université
• Histoire - au choix de l'université
• Examen créatif - au choix de l'université

Le domaine d'activité professionnelle de la direction comprend les travaux liés à l'évaluation des modes de fonctionnement de l'art et de la culture dans la société. Les futurs spécialistes doivent posséder un certain nombre de qualités rares et uniques, notamment un goût artistique, une pensée figurative et intuitive développée, une mémoire sensorielle, la capacité de transférer leurs propres connaissances, une volonté d'apprendre et de s'améliorer tout au long de Le chemin de la vie. Les spécialistes de la direction sont directement impliqués dans le processus d'étude, se forgent des idées sur les directions relatives, les tendances du développement de l'art contemporain, repensent l'art traditionnel, enrichissent considérablement le bagage culturel de l'humanité.

Conditions d'admission

L'identification des candidats talentueux est effectuée au stade de l'admission à l'université. Pour être admis, les étudiants doivent se préparer aux examens d'entrée suivants :

• Langue russe;
• histoire;
• littérature (profil);
• un examen créatif, qui comprend des réponses à des questions sur l'histoire du développement de l'art, ainsi qu'un rapport écrit sur l'un des sujets indiqués par des représentants de l'établissement d'enseignement.

Un rapport écrit doit être une analyse détaillée de l'une des œuvres d'art, y compris l'étude des moyens figuratifs et figuratifs de créer l'expressivité, l'expressivité du discours, d'identifier et de justifier le type, le genre, le contenu de l'œuvre.

Futur métier

Le centre d'intérêts scientifiques des futurs diplômés comprend les aspects suivants:

• des œuvres d'art, de nombreux monuments culturels, qui font partie intégrante du patrimoine artistique, culturel, historique et nécessitent une étude et une préservation constantes ;
• les processus sociaux, leur impact sur la vie publique ;
• les processus créatifs et artistiques dans leur influence, impact sur la sphère de la culture et de l'art ;
• les processus d'influence de l'art sur la vie spirituelle de la société ;
• la créativité de maîtres individuels, d'écoles créatives, de tendances et d'époques entières ;
• régularités de fonctionnement, activité effective associations créatives, syndicats qui contribuent à la production et à la diffusion des produits de l'activité créative ;
• théorie, fondements de la critique d'art.

Où postuler

À ce jour, les universités nationales suivantes sont engagées dans la préparation de futurs spécialistes dans le domaine de l'art :

• Académie d'État d'art et d'industrie de Moscou nommée d'après V.I. S. G. Stroganov (Académie d'art d'État de Moscou du nom de S.G. Stroganov);
• Institut de Gestion, d'Economie, de Droit et d'Art (IUEPI) ;
• Académie d'État Culture slave(GASK);
• Institut humanitaire de radiodiffusion télévisuelle et radiophonique. MA Litovchina (GITR nommé d'après M.A. Litovchin);
• Institut d'architecture et de construction de Moscou (MASI).

Période d'entraînement

La durée des études (à temps plein) est de 4 ans, à temps partiel - 5 ans.

Disciplines incluses dans le programme d'études

Dans le processus de maîtrise du programme de formation, la formation du prof. les compétences, ainsi que la base théorique fondamentale, sont motivées par la nécessité de mettre en œuvre une activité créative, à la fois dans le processus d'apprentissage et dans la mise en œuvre du prof suivant. Activités. La formation d'une base théorique fondamentale est facilitée par l'étude des principales disciplines suivantes du programme:

• philosophie;
• une introduction à l'étude scientifique de l'art;
• histoire de l'art étranger;
• analyse d'œuvres d'art;
• histoire de la littérature (nationale, étrangère);
• histoire de l'art (national, étranger);
• théorie générale de l'art;
• histoire de l'art russe et étranger du XXe siècle;
• méthodes scientifiques de recherche, étude de l'art;
• théorie, histoire de la critique d'art;
• une langue étrangère.

Compétences acquises

L'activité professionnelle implique l'étude, l'analyse et la systématisation ultérieure de l'expérience de préservation du patrimoine culturel de la Russie et de l'humanité, une participation active au développement, à la modernisation, à la mise en œuvre pratique de méthodes d'organisation des processus sociaux créatifs; surveillance, interprétation d'informations sur les œuvres d'art, création de propres bases de données sur l'activité créative de notre temps, propagande d'idéaux, orientations spirituelles et morales de la culture et de l'art.

Mise en œuvre efficace des tâches urgentes de propagande d'idéaux moraux, directives présentées dans héritage culturel, formation opinion publique par rapport à certaines œuvres d'art nécessite un haut niveau de formation du prof. compétences, dont les suivantes :

• la capacité de transmettre une vision professionnelle, la compréhension des processus créatifs de l'art classique postmoderne dans le processus de mise en œuvre d'activités pédagogiques;
• la capacité d'analyser les modèles, les intentions de développement des processus créatifs de notre temps, de prédire les tendances possibles, les directions des transformations des processus créatifs;
• capacité à s'organiser efficacement activité créative exercer un contrôle de suivi de sa mise en œuvre ;
• capacité à développer des aides pédagogiques, du matériel;
• compétences dans la mise en œuvre d'activités culturelles et éducatives pour promouvoir les valeurs morales, les idéaux, les lignes directrices dans diverses sphères sociales.

Perspectives d'emploi par profession

Malgré le fait qu'aujourd'hui les professions de cette direction semblent être moins demandées que les spécialistes des profils économiques, juridiques, informationnels, les experts prédisent un avenir prometteur pour les diplômés de cette direction particulière. Pendant de nombreuses années en Russie, il n'y avait pratiquement aucune formation de critiques d'art, de muséologues, d'archivistes, etc., ce qui suggère que dans les années à venir, ces professions seront l'une des plus pertinentes sur le marché du travail. Une situation similaire est observée dans presque tous les pays du monde, où un travail actif et ciblé sur la formation de spécialistes sur le terrain n'a commencé à être effectué qu'au cours des dix dernières années.

Un sens de la beauté, une pensée créative, une base théorique fondamentale et des compétences professionnelles permettent aux spécialistes de la direction de mener à bien activité professionnelle comme:

• historiens de l'art;
• bibliographes;
• observateurs (méthodologues);
• consultants - experts ;
• enseignants;
• correspondants ;
• guides touristiques;
• éditeurs littéraires.

Le minimum salaire jeune spécialiste commence à partir de 10 mille roubles. Le seuil maximum atteint 45 000 ou plus, selon le secteur d'activité et le lieu de travail choisis.

Perspectives d'évolution professionnelle des diplômés

Cette direction, plus que d'autres professions, nécessite une amélioration constante de soi, la plupart des diplômés du baccalauréat choisissent de poursuivre leurs études dans le programme de maîtrise. Outre la possibilité d'approfondir davantage le cours théorique des connaissances de la spécialité choisie, la formation continue offrira la possibilité de poursuivre des activités de recherche scientifique sur la base de l'université, de recevoir un diplôme de maîtrise, qui n'a pas besoin d'être re -certifié lors de voyages à l'étranger, ce qui est particulièrement important pour les spécialistes qui étudient les domaines de l'art étranger. Au cours du processus d'apprentissage, un étudiant à la maîtrise peut s'essayer en tant qu'enseignant, chercheur prometteur, et la thèse de maîtrise elle-même peut devenir la base d'autres candidats à l'écriture, des travaux de doctorat.