Malownicze studium do obrazu „Nieznane”, przechowywanego w Pradze, w zbiorach prywatnych (1883).

To chyba najbardziej słynna praca Kramskoy, najbardziej intrygujący, który do dziś pozostaje niezrozumiany i nierozwiązany. Nazywając swój obraz „Nieznanym”, sprytny Kramskoy utrwalił za nim aurę tajemniczości na zawsze. Współcześni dosłownie zagubili się. Jej wizerunek wywoływał niepokój i niepokój, niejasne przeczucie przygnębiającego i wątpliwego nowego wyglądu - wyglądu kobiety, która nie pasowała do starego systemu wartości. „Nie wiadomo, kim jest ta dama, przyzwoita czy skorumpowana, ale siedzi w niej cała epoka” – stwierdzili niektórzy. Stasow głośno nazwał bohaterkę Kramskoja „kokotą w powozie”. Tretiakow wyznał też Stasowowi, że „dawne dzieła” Kramskoya mu się podobają bardziej niż ostatnie. Byli krytycy, którzy łączyli ten obraz z Anną Kareniną Lwa Tołstoja, która spadła ze szczytu swojej pozycji społecznej, z Nastasją Filipowną Fiodora Dostojewskiego, która wzniosła się ponad pozycję kobiety upadłej, i nazwiskami dam światła i pół nazywano również światło. Na początku XX wieku skandaliczny obraz stopniowo przykrywała romantyczno-tajemnicza aura „Nieznajomego” Bloka. W czas sowiecki„Nieznany” Kramskoy stał się ucieleśnieniem arystokracji i świeckiego wyrafinowania, prawie jak rosyjska Madonna Sykstyńska - ideał nieziemskiego piękna i duchowości.

W prywatnej kolekcji w Pradze przechowywane jest malownicze studium obrazu, przekonujące, że Kramskoy szukał dwuznaczności obraz artystyczny. Etiuda jest znacznie prostsza i ostrzejsza, powiedziana i bardziej konkretna niż obraz. Pokazuje zuchwałość i władczość kobiety, uczucie pustki i sytości, których w ostatecznej wersji nie ma. Na obrazie „Nieznany” Kramskoya urzeka zmysłowe, niemal drażniące piękno swojej bohaterki, jej delikatna ciemna skóra, aksamitne rzęsy i lekko wyniosły zez brązowe oczy, jej majestatyczna postawa. Jak królowa wznosi się nad mglistym białym zimnym miastem, jadąc otwartym powozem wzdłuż mostu Aniczkowa. Jej strój to czapka Francisa obszyta eleganckimi jasnymi piórami, „szwedzkie” rękawiczki z najlepszej skóry, płaszcz Skobelev ozdobiony sobolowym futrem i niebieskimi satynowymi wstążkami, kopertówka, złota bransoletka – to wszystko modne detale. kostium damski Lata 80. XIX wieku, domagające się drogiej elegancji. Nie oznaczało to jednak przynależności do Wyższe sfery; wręcz przeciwnie, kodeks niepisanych zasad wykluczał ścisłe przestrzeganie mody w najwyższych kręgach rosyjskiego społeczeństwa.

Wyrafinowane zmysłowe piękno, majestat i wdzięk „Nieznanego”, pewna alienacja i arogancja nie mogą ukryć poczucia niepewności w obliczu świata, do którego należy i od którego zależy. Swoim obrazem Kramskoy stawia pytanie o los piękna w niedoskonałej rzeczywistości.

Przez całe życie Iwan Nikołajewicz Kramskoj starał się skierować sztukę ku życiu, aby stała się skutecznym narzędziem jej aktywnej wiedzy. Wybitny artysta, który odegrał ogromną rolę w kształtowaniu narodowej szkoły malarskiej, poprowadził słynny „bunt czternastu”, stał na czele Artelu Artystów i Związku Wędrowców, był jednym z tych, których życie i twórczość niezmiennie służyły afirmacji najbardziej rewolucyjne, najbardziej zaawansowane idee swoich czasów.

Obrazy Iwana Kramskoya

Podwyższony sens życia

Iwan Nikołajewicz pisał w swojej biografii: „Urodziłem się w 1837 r., 27 maja (według starej św. W.R.) w powiatowym mieście Ostrogożsk w obwodzie woroneskim, w podmiejskiej osadzie Nowaja Sotna, z rodziców przydzielonych do lokalny filistynizm. W wieku 12 lat straciłem ojca, bardzo surowego człowieka, o ile pamiętam. Mój ojciec służył w dumie miejskiej, jeśli się nie mylę, jako dziennikarz (czyli urzędnik - V.R.); mój dziadek, według opowieści... był też jakimś urzędnikiem na Ukrainie. Co więcej, moja genealogia nie powstaje.

W schyłkowych latach artysta ironicznie zauważył, że wyszło z niego coś w rodzaju „osoby”. W jego autobiografii wyczuwa się pewną gorycz, ale jednocześnie słuszną dumę człowieka, który uciekł z „dna” i zrównał się z najwybitniejszymi postaciami swoich czasów. Malarz pisał o tym, jak całe życie dążył do zdobycia wykształcenia, ale udało mu się ukończyć tylko szkołę rejonową w Ostrogożsku, choć został tam „pierwszym uczniem”. „.

Młody człowiek wcześnie zainteresował się sztuką, ale pierwszą osobą, która to zauważyła i poparła, był lokalny artysta-amator i fotograf Michaił Borisowicz Tulinow, któremu Kramskoy był wdzięczny przez całe życie. Przez pewien czas studiował rzemiosło malarstwa ikon, a następnie, w wieku szesnastu lat, „miał okazję uciec z miasta powiatowego z jednym charkowskim fotografem”. Przyszły artysta przez trzy lata podróżował z nim „dużą część Rosji, jako retuszer i akwarelista. To była trudna szkoła... Ale ta „ciężka szkoła” przyniosła Kramskoyowi znaczne korzyści, złagodziła jego wolę i ukształtowała niezłomny charakter, wzmacniając tylko jego pragnienie zostania artystą.

Sądząc po wpisach do pamiętnika, młody Iwan Kramskoj był entuzjastycznym młodym człowiekiem, ale w 1857 roku przybył do Petersburga człowiek, który dokładnie wiedział, czego chce i jak to osiągnąć. Początek samodzielnej drogi przyszłego malarza przypadł na trudny czas dla całej Rosji. Wojna krymska właśnie się skończyła, oznaczając miażdżącą militarną i polityczną klęskę autokracji, a jednocześnie rozbudzając świadomość społeczną zarówno postępowych ludzi, jak i szerokich mas ludowych.

Monolit Akademii Cesarskiej

Zniesienie znienawidzonej pańszczyzny było tuż za rogiem, a postępowa Rosja nie tylko żyła w oczekiwaniu na nadchodzące zmiany, ale także przyczyniała się do nich na wszelkie możliwe sposoby. Toksin Herceńskiego „Dzwonu” zabrzmiał potężnie, młodzi rewolucjoniści raznochintsy, kierowani przez N. G. Czernyszewskiego, przygotowali się do walki o wyzwolenie ludu. I nawet tak daleko od praktyczne życie sfera sztuki „wysokiej” uległa urokowi wiatru zmian.

Jeśli pańszczyzna była głównym hamulcem rozwoju wszystkich aspektów społeczeństwa, to cytadelą konserwatyzmu w dziedzinie sztuki była utworzona w połowie XVIII wieku Cesarska Akademia Sztuk. Będąc dyrygentem oficjalnych doktryn i przestarzałych już zasad estetycznych, nie pozwoliła, by obszar „piękna” miał cokolwiek wspólnego z rzeczywistością. Ale jej uczniowie w drugiej połowie lat 50. - na początku lat 60. coraz wyraźniej czuli, że życie stawia przed sztuką zupełnie inne wymagania. Znaczące słowa N.G. Czernyszewskiego „piękne jest życie” stały się oprawą programową dla całej postępowej inteligencji rosyjskiej i młodych postaci rodzącej się rosyjskiej sztuki demokratycznej. To oni wnieśli nowe nastroje społeczne do Akademii Sztuk Pięknych, nawiązali bliskie kontakty ze studentami Uniwersytetu, Akademii Medycznej i Chirurgicznej, gdzie bohaterowie powieści Czernyszewskiego Co robić? Dmitry Lopukhov i Alexander Kirsanov, obaj są typowymi plebsem, w tym samym wieku co I. Kramskoy.

Iwan Nikołajewicz, który przybył do Petersburga, cieszył się już sławą doskonałego retuszera, który otworzył mu drzwi w studiu najlepszych fotografów metropolitalnych I. F. Aleksandrowskiego i A. I. Deniera. Ale kariera odnoszącego sukcesy rzemieślnika nie mogła go zadowolić. Kramskoy coraz bardziej uparcie myślał o wstąpieniu do Akademii Sztuk Pięknych.

Rysunki Kramskoya zostały natychmiast zatwierdzone przez Radę Akademii, a jesienią 1857 roku został już uczniem profesora AT Markowa. Tak więc jego ukochane marzenie się spełniło i muszę powiedzieć, że bardzo pilnie studiował Kramskoya, ciężko pracował nad rysunkiem, którego kultura w Akademii była bardzo wysoka, z powodzeniem pracował nad szkicami na tematy historyczne i mitologiczne, otrzymując wszystkie nagrody.

Ale młody malarz nie odczuwał prawdziwej satysfakcji. Człowiek rozważny, oczytany, coraz wyraźniej odczuwał zasadniczy rozdźwięk między dawnymi doktrynami artystycznymi a prawdziwe życie. Zaledwie kilka miesięcy po tym, jak Kramskoy wstąpił do Akademii, dzieło A. A. Iwanowa „Pojawienie się Chrystusa ludowi” zostało sprowadzone do Petersburga z Włoch. Powrót artysty do Rosji po prawie trzydziestoletniej nieobecności, jego późniejsza nagła śmierć, wrażenie, jakie wywarł na współczesnych obraz, który stał się głównym dziełem życia wielkiego mistrza, odegrały ogromną rolę w kształtowaniu świadomość wyłaniającej się zaawansowanej części inteligencji rosyjskiej.

„Zamieszki czternastu”

Sam Iwan Nikołajewicz Kramskoj najlepiej mówił o buncie 14 lat w liście do swojego starego przyjaciela M. B. Tulinowa: „Mój drogi Michaił Borisowicz! Uwaga! 9 listopada, czyli w ubiegłą sobotę, w Akademii miała miejsce następująca okoliczność: 14 studentów złożyło wniosek o wydanie dyplomów na tytuł fajni artyści. Na pierwszy rzut oka nie ma w tym nic dziwnego.

Ludzie są wolnymi, swobodnie przychodzącymi uczniami, mogą, kiedy chcą opuścić zajęcia. Ale faktem jest, że tych 14 nie jest zwykłymi studentami, ale ludźmi, którzy muszą pisać na pierwszej złoty medal. Wyglądało to tak: miesiąc wcześniej złożyliśmy prośbę o pozwolenie na swobodny wybór fabuł, ale nasza prośba została odrzucona… i postanowiliśmy oddać jedną fabułę historykom, a fabułę malarzom rodzajowym, którzy od niepamiętnych czasów wybrali swoje działki. W dniu konkursu, 9 listopada, udaliśmy się do biura i postanowiliśmy udać się wszyscy razem do Rady i dowiedzieć się, co Rada postanowiła. A zatem na pytanie inspektora: kto z nas jest historykiem, a kto malarstwem rodzajowym? my, aby razem wejść do sali konferencyjnej, odpowiedzieliśmy, że wszyscy jesteśmy historykami. Na koniec wzywają Radę do wysłuchania zadania. Wchodzimy. F.F. Lwów przeczytał nam fabułę: „Uczta w Walhalli” – z mitologii skandynawskiej, gdzie bohaterowie walczą na wieki, gdzie przewodzi bóg Odyn, na jego ramionach siedzą dwa kruki, au jego stóp dwa wilki i wreszcie gdzieś tam na niebie, między kolumnami, miesiąc prowadzony przez potwora w postaci wilka i wiele innych bzdur. Po tym Bruni wstała i przyszła do nas, aby wyjaśnić fabułę, jak to zawsze bywa. Ale jeden z nas, mianowicie Kramskoy, oddziela się i mówi: „Prosimy przed Radą o pozwolenie na wypowiedzenie kilku słów” (cisza, a oczy wszystkich wpatrywały się w mówcę). „Składaliśmy petycję dwukrotnie, ale Rada nie znalazła możliwości spełnienia naszej prośby; my, nie mając prawa nalegać więcej i nie śmiejąc myśleć o zmianie regulaminu akademickiego, prosimy nas o pokorne zwolnienie nas z udziału w konkursie i wręczenie nam dyplomów na tytuły artystów.

Kilka chwil - cisza. Wreszcie Gagarin i Ton wydają dźwięki: „wszystko?”. Odpowiadamy: „wszystko” i wychodzimy, a w następnym pokoju składamy petycje do kierownika sprawy ... I tego samego dnia Gagarin zapytał Dolgorukowa w liście, że nic nie pojawia się w literaturze bez jego podglądu (Gagarin ). Jednym słowem stawiamy ich w trudnej sytuacji. Odcinamy więc własne odosobnienie i nie chcemy wracać, a do stulecia Akademia zdrowa. Wszędzie spotykamy się z sympatią dla naszego działania, więc ten przysłany od pisarzy poprosił mnie o przekazanie mu do publikacji słów, które wypowiedziałem w Radzie. Ale nadal milczymy. A że do tej pory mocno trzymaliśmy się za ręce, żeby się nie zgubić, postanowiliśmy trzymać się dalej, aby wytworzyć z siebie stowarzyszenie artystyczne, czyli wspólnie pracować i żyć. Proszę o przekazanie mi swoich rad i pomysłów dotyczących praktycznej aranżacji i Główne zasady odpowiednie dla naszego społeczeństwa, .. A teraz wydaje nam się, że to jest możliwe. W zakresie naszej działalności znajdują się: portrety, ikonostasy, kopie, oryginalne obrazy, rysunki do publikacji i litografie, rysunki na drewnie, słowem wszystko, co dotyczy naszej specjalności... Oto program, który nie jest jasny, jak Ty można zobaczyć ... ”.

W tym liście artystka nie tylko ujawnia perypetie konfrontacji młodych artystów z Akademią, ale także widzi perspektywy na przyszłość, które nie są jeszcze do końca jasne, ale bardzo odważne i nie ograniczone egoistycznymi celami własnego przetrwania . Po tym incydencie nad Kramskojem i jego towarzyszami ustanowiono inwigilację tajnej policji, która trwała wiele lat. Oto nazwiska czternastu uczestników „buntu”: malarze I. Kramskoy, A. Morozov, F. Zhuravlev, M. Peskov, B. Venig, P. Zabolotsky, N. Shustov, A. Litovchenko, N. Dmitriev, A. Korzukhin, A. Grigoriev, N. Petrov, K. Lemokh i rzeźbiarz V. Kreytan.

Wszystkim nakazano pilne opuszczenie warsztatów, ale młodzież pozbawiona środków do życia odniosła jednak wielkie zwycięstwo, którego znaczenia w owym czasie trudno było zrozumieć. Był to pierwszy podbój rosyjskiej sztuki realizmu demokratycznego. Wkrótce Kramskoy wraz z podobnie myślącymi ludźmi rozpoczął praktyczną realizację swojego pomysłu - stworzenie pierwszego niezależnego „stowarzyszenia artystycznego” - Artel of Artists.

Kramskoy oczami Repina

Po wydaleniu z Akademii Kramskoj dostaje pracę nauczyciela w szkole Towarzystwa Zachęty Sztuk Pięknych, wśród którego uczniami „okazał się utalentowany młody człowiek, który właśnie przybył do Petersburga z Ukrainy”, podobnie jak Sam Kramskoy, który kiedyś marzył o wstąpieniu do Akademii Sztuk - Ilya Repin.

Sam Ilya Efimovich opisuje swoje pierwsze spotkanie z Kramskoyem w następujący sposób: „Jest niedziela, dwunasta po południu. W klasie panuje ożywiona ekscytacja, Kramskoya jeszcze nie ma. Rysujemy z głowy Milo z Kroton... W klasie jest głośno... Nagle zapadła zupełna cisza... I zobaczyłem chudego mężczyznę w czarnym surducie, wchodzącego do klasy zdecydowanym krokiem. Myślałem, że to ktoś inny: inaczej wyobrażałem sobie Kramskoja. Zamiast pięknego, bladego profilu, ta miała szczupłą twarz z wysokimi policzkami i czarne gładkie włosy zamiast długich do ramion kasztanowych loków, a tak sfatygowaną cienką brodę można znaleźć tylko u uczniów i nauczycieli. - Kto to jest? Szepczę do mojego przyjaciela. - Kramskoj! Nie wiesz? zastanawia się. A więc taki jest!... Teraz też na mnie spojrzał; wydaje się, że zauważyłem. Jakie oczy! Nie możesz się ukryć, mimo że są małe i siedzą głęboko na zatopionych orbitach; szara, świecąca... Cóż za poważna twarz! Ale głos jest przyjemny, szczery, mówi z podnieceniem... Ale też go słuchają! Porzucili nawet swoją pracę, stoją z otwartymi ustami; Widać, że starają się zapamiętać każde słowo.

Repin, podobnie jak wielu rosyjskich artystów (sam Kramskoy malował znakomicie, podobnie jak Perow), Repin okazał się utalentowanym pisarzem. W swoim eseju „Iwan Nikołajewicz Kramskoj (Pamięci nauczyciela)” ze swoją charakterystyczną impulsywnością tworzy bardzo żywą, ekspresyjną portret literacki. „Kramskoy na stronach Repina jest w ruchu, w walce, to nie jest zamrożenie Figura woskowa panoptikon, to jest właśnie bohater fascynującej opowieści bogatej w epizody ”- napisał później K. Czukowski.

Repin stworzył obraz, który pokrywał się niemal w najmniejszym szczególe z „Autoportretem” napisanym przez Kramskoya w 1867 roku i wyróżniał się niezwykle obiektywną charakterystyką. Na zdjęciu nic nas nie odwraca uwagi od tego, co najważniejsze - twarz bohatera o surowym, przenikliwym spojrzeniu szarych oczu. Umysł, wola, powściągliwość - to główne cechy osobowości artysty, wyraźnie widoczne na płótnie. dumne uczucie godność pojawia się bez rysowania i pozowania. Wszystko jest proste i naturalne w zewnętrznym wyglądzie malarza i na swój sposób harmonijne w wewnętrznej. Kolorystyka portretu jest prawie monochromatyczna, kreska dynamiczna, mamy przed sobą uznaną głowę pierwszego petersburskiego Artela Artystów.

Stworzenie Artelu

Na fasadzie domu nr 2/10, który stoi na rogu alei Mayorova i alei Admiralteisky w Petersburgu, znajduje się tablica pamiątkowa z napisem: „W tym domu w latach 1866-1870 mieszkał i pracował wybitny Rosjanin artysta Iwan Nikołajewicz Kramskoj. Mieścił się tu także zorganizowany przez niego Artel, który zrzeszał czołowych artystów realistycznych lat 60. Ale w rzeczywistości Artel Artystów nie od razu nabył lokal w centrum stolicy, niedaleko Placu Pałacowego.

Wszystko zaczęło się znacznie skromniej. Przypominając organizację Artela, Kramskoy pisał do Stasowa przed śmiercią: „... wtedy trzeba było przede wszystkim jeść, jeść, ponieważ wszystkie 14 osób miało dwa krzesła i jeden stół na trzech nogach. Ci, którzy w ogóle coś mieli, natychmiast odpadali”. „Po długich naradach”, pisał Repin, „doszli do wniosku, że za zgodą rządu należy zorganizować Artel Artystów – coś na kształt firmy artystycznej, warsztatu i biura, które przyjmuje zamówienia od ulicy, ze znakiem i zatwierdzonym statutem. Wynajęli duże mieszkanie na siedemnastej linii Wyspy Wasiljewskiej i przenieśli się tam (głównie), aby mieszkać razem. A potem natychmiast ożyli, rozweselili. Wspólna duża jasna sala, wygodne pokoje dla wszystkich, własne gospodarstwo domowe, które prowadziła żona Kramskoya - wszystko to ich zachęcało. Życie stało się przyjemniejsze i pojawiły się zamówienia. Społeczeństwo to siła”. Tak powstało pierwsze stowarzyszenie artystów, zorganizowane przez Kramskoya. Pozwoliło to wielu utalentowanym mistrzom malarstwa nie tylko przetrwać, ale osiągnąć sukces, uznanie i niezależność finansową, co w efekcie spowodowało w przyszłości całkowity upadek organizacji.

Życie osobiste i zainteresowanie psychologią

Iwan Nikołajewicz był zawsze pewien, że jego wybranka będzie jego prawdziwym przyjacielem, podzieli się z nim wszystkimi trudami życia artysty. Sofya Nikolaevna, która została jego żoną, w pełni ucieleśniała jego marzenia o osobistym szczęściu. W jednym z listów artysty do żony czytamy: „… nie tylko nie przeszkadzasz mi być artystą i przyjacielem moich towarzyszy, ale nawet tak, jakbyś sam stał się prawdziwym pracownikiem artelu… ”. Kramskoy wielokrotnie malował portrety Zofii Nikołajewnej. I choć zbyt odważnym byłoby nazywać ją „muzą” artysty, niewątpliwie była dla niego idealną kobietą. Najlepszym tego potwierdzeniem są jej obrazy powstałe w portretach z lat 60-tych. Cechami wspólnymi dla wszystkich płócien są uczciwość, niezależność i duma ich bohaterki, co pozwala dostrzec w niej „nową kobietę”, która jednocześnie nie straciła prawdziwej kobiecości, poezji i miękkości.

Te cechy są szczególnie widoczne w jej portrecie graficznym, którego właścicielem jest Galeria Tretiakowska (lata 60. XIX wieku). Młoda, urocza i łagodna kobieta o silnej, silnej woli, o czym świadczy energiczny obrót głowy i surowe, ale otwarte spojrzenie.

Obraz „Czytanie. Portret S. N. Kramskoya, namalowany w 1863 roku, przypomina liryczne portrety kobiece z początku XIX wieku. Kolorystyka obrazu zbudowana jest na połączeniu odcieni jasnej zieleni, bzu i innych delikatnych barw. Dużą rolę na płótnie odgrywa pejzaż i kilka starannie dobranych dodatków, które pomagają oddać oczywistą atrakcyjność bohaterki portretu. Młoda para Kramskoya została schwytana w 1865 roku przez ich wspólnego przyjaciela „pracownika artelowego” N. A. Kosheleva. W obrazie „Kramskoj z żoną” widzimy liryczną scenę: Zofia Nikołajewna gra na pianinie, a Iwan Nikołajewicz pogrążył się w refleksji przy akompaniamencie jej muzyki.

W latach 60. Kramskoy stworzył wiele graficznych portretów swoich przyjaciół: N. A. Kosheleva, małżonków Dmitriev-Orenburgsky, M. B. Tulinova, I. I. Shishkina, coraz bardziej zwiększając ich psychologię. To prawda, że ​​fotografia, szybko rozwijająca się w tym czasie, zdawała się zastępować grafikę artystyczną i drogie portrety malarskie. Wydawało się, że aparat ma do dyspozycji absolutnie wszystko, że potrafi nie tylko dokładnie uchwycić wygląd pozującej osoby, ale też korzystnie podkreślić niezbędne detale stroju, bogate wyposażenie, biżuterię itp. Ale, jak pokazał czas, jeden rzecz była poza jego mocą - zajrzyj do wnętrza człowieka, daj mu pewną ocenę społeczną i psychologiczną. Udało się to osiągnąć tylko w portrecie stworzonym przez artystę.

To jest poprawa portret psychologiczny- wielu mistrzów było zajętych, w tym N.N. Ge, V.G. Pierow i I.N. Kramskoj. Potężny wzrost rosyjskiego realistyczny portret zbiegł się z początkiem ery Wędrowców i końcem ery Artela, która z czasem straciła swoje pierwotne znaczenie.

Stowarzyszenie Wędrowców

Doskonały pomysł stworzenia TPHV, który odegrał dużą rolę w życiu sztuki rosyjskiej, należał do grona wybitnych artystów moskiewskich i petersburskich, a bezpośrednim inicjatorem powstania był znany malarz rodzajowy G. G. Myasojedow. przedsiębiorstwo. Wystosował pismo do Artela, spotykając się tam przy wsparciu tylko poszczególnych członków, przede wszystkim I.N. Kramskoj.

W todze w 1870 r. powstała organizacja, która mogła uwolnić rosyjską sztukę demokratyczną spod kurateli państwowej, skupiając artystów wokół stowarzyszenia opartego na zasadzie osobistego interesu materialnego wszystkich jego członków. Głównym celem Stowarzyszenia był rozwój sztuki. Praktyka wystaw objazdowych otwierała możliwość bezpośredniej komunikacji artystów z szeroką publicznością, poruszając jednocześnie najbardziej palące problemy naszych czasów.

Przez kilkadziesiąt lat wiele najlepsza praca Wędrowcy nabyli P.M. Tretiakow. 28 listopada (12 grudnia według nowego stylu) 1871 odbyła się pierwsza wystawa Towarzystwa w Petersburgu. Należy zauważyć, że to Kramskoy, człowiek o niezwykle twardych zasadach i przekonaniach, stworzył Stowarzyszenie Mobile wystawy sztuki wynikało to z faktu, że bardzo szybko przerosła zadania organizacji wystawy i stała się prawdziwa szkoła zaawansowana sztuka rosyjska.

Sam Iwan Nikołajewicz, organizując Stowarzyszenie i kierując jego twórczym życiem, odnalazł w nim to „środowisko odżywcze”, które pozwoliło mu osiągnąć własne wyżyny artystyczne. Rozkwit działalności Stowarzyszenia Wędrowców zbiegł się z rozkwitem twórczości Kramskoja, zarówno jako malarza, jak i krytyka-publicysty, autora szeregu bardzo poważnych artykułów, w których wypowiadał się o losach sztuki i jej wysoki cel społeczny.

W licznych listach do różnych osób można przeczytać wiele ciekawych uwag Kramskoya o wielkich mistrzach dawnych i współczesnych artystów rosyjskich i europejskich. Najbardziej niezwykłym momentem w krytycznym rozumowaniu artysty było to, że napisał je nie tyle po to, by pouczać innych, ile by wyrazić ogromną i ciągłą wewnętrzną pracę, która została wykonana w nim samym.

Kramskoj, w ich estetyczne widoki był konsekwentnym zwolennikiem nauki wielkich demokratów V.G. Bieliński i N.G. Czernyszewski. Pisał, wierząc, że tylko samo życie może być podstawą twórczości artystycznej: „To źle, gdy sztuka staje się prawodawcą!… Poważne interesy ludzi muszą zawsze wyprzedzać mniej znaczące”.

Kramskoy przekonywał, że „sztuka nie może być niczym innym niż narodową. Nigdzie i nigdy nie było innej sztuki, a jeśli jest tak zwana sztuka uniwersalna, to tylko dlatego, że została wyrażona przez naród, który wyprzedzał uniwersalny rozwój człowieka. A jeśli kiedyś w odległej przyszłości Rosja ma zająć taką pozycję wśród narodów, to… sztuka rosyjska, będąc głęboko narodowym, stanie się uniwersalny.

Obraz Chrystusa

W okresie rozkwitu sztuki impresjonistycznej we Francji Repin, który był w Paryżu i podziwiał ich twórczość, napisał, że „my”, tj. Rosjanie „zupełnie inny naród, w dodatku w rozwoju (artystycznym. – V.R.) jesteśmy we wcześniejszej fazie”. W odpowiedzi na uwagę Kramskoya, że ​​rosyjscy artyści powinni wreszcie „zbliżyć się do światła, do kolorów”, Repin mówi: „…nasze zadanie jest zadowalające. Twarz, dusza człowieka, dramat życia, wrażenia natury, jej życie i sens, duch historii - to nasze tematy... nasze kolory są narzędziem, powinny wyrażać nasze myśli, naszą kolorystykę Nie ma eleganckich plam, ma wyrażać nastrój obrazu nam, jej duszę, musi zaaranżować i uchwycić całego widza, niczym akord w muzyce.

Należy zauważyć, że podobne idee w tym czasie wyrażało wiele postaci kultury rosyjskiej z F.M. Dostojewskiego do MP. Musorgski. Zostały one również bezpośrednio ucieleśnione w pracach I.N. Kramskoj.

Najważniejszym dziełem w twórczości artysty był obraz „Chrystus na pustyni” (1872), pokazany na drugiej wystawie stowarzyszenia Wędrowców, którego idea zrodziła się dla niego dawno temu. O tym, że stała się dla niego naczyniem najważniejszych pomysłów, artysta powiedział: „Pod wpływem wielu wrażeń doznałem od życia bardzo ciężkiego uczucia. Widzę wyraźnie, że w życiu każdego człowieka, mniej lub bardziej stworzonego na obraz i podobieństwo Boga, jest chwila, kiedy przytłacza go myśl - czy iść w prawo czy w lewo?... Wszyscy wiemy, jak zwykle takie wahanie kończy się. Rozwijając dalej myśl, obejmując ludzkość w ogóle, ja, z własnego doświadczenia, z mojego małego oryginału i tylko z niego, mogę domyślać się straszliwego dramatu, jaki rozegrał się podczas historycznych kryzysów. A teraz mam straszną potrzebę mówienia innym, co myślę. Ale jak powiedzieć? Jak, w jaki sposób mogę być zrozumiany? Z natury język hieroglifu jest dla mnie najbardziej dostępny. I wtedy pewnego dnia zobaczyłem postać siedzącą w głębokich myślach... Jego myśl była tak poważna i głęboka, że ​​cały czas trzymałam go w tej samej pozycji... Stało się dla mnie jasne, że jest zajęty ważną dla niego sprawą, tak ważny, że jest niewrażliwy na straszne zmęczenie fizyczne... Kto to był? Nie wiem. Najprawdopodobniej była to halucynacja; Naprawdę, muszę myśleć, nie widziałem go. Wydawało mi się, że to najlepiej pasuje do tego, co chciałem powiedzieć. Tutaj nawet nie musiałem niczego wymyślać, po prostu próbowałem skopiować. A kiedy skończył, nadał mu śmiałe imię. Ale gdybym mógł, obserwując go, napisać go, czy to jest Chrystus? Nie wiem...".

Jak długo i ciężko artysta pracował nad stworzeniem tego bardzo „poprawnego” obrazu, możemy ocenić po ogromnej liczbie rysunków i szkiców wykonanych w ramach przygotowań do głównej pracy. Znaczenie tego obrazu dla Kramskoya można również ocenić po tym, że kontynuował kończenie swojej pracy nawet po opublikowaniu jej w Galerii Trietiakowskiej.

Artysta przedstawił Chrystusa siedzącego na szarych, zimnych kamieniach, pustynna ziemia jest martwa, wydaje się, że Jezus wędrował tam, gdzie żadna ludzka stopa jeszcze nie postawiła. Delikatna równowaga poziomu horyzontu, dzielącego przestrzeń dzieła na pół, Jego postać jednocześnie dominuje w przestrzeni płótna, rysując wyraźną sylwetkę na tle nieba i pozostaje w harmonii ze światem ziemskim przedstawionym na płótnie. To tylko pomaga artyście pogłębić wewnętrzny dramat jego postaci. Na obrazie nie ma akcji, ale widz zdaje się odczuwać życie ducha, dzieło myśli syna Bożego, rozwiązujące dla siebie jakąś ważną kwestię.

Jego stopy są zranione na ostrych kamieniach, jego sylwetka jest zgięta, ręce boleśnie zaciśnięte. Tymczasem wychudzone oblicze Jezusa nie tylko wyraża jego cierpienie, ale mimo wszystko wyraża ogromną siłę woli, bezgraniczną wierność idei, której podporządkował całe swoje życie.

„Usiadł, gdy słońce było jeszcze przed nim, usiadł zmęczony, wyczerpany, najpierw szedł wzrokiem za słońcem, potem nie zauważył nocy, a już o świcie, kiedy słońce powinno wstać za nim, nadal siedział bez ruchu. I nie można powiedzieć, że był zupełnie niewrażliwy na doznania: nie, pod wpływem nadejścia porannego chłodu odruchowo przycisnął łokcie do ciała i tylko jego usta wydawały się wyschnąć, przykleić razem od długiej ciszy i tylko jego oczy zdradziły jego wewnętrzną pracę, chociaż nic nie widziały…”.

Autor zwraca się do współczesnych, podnosząc w tym dziele wielkie i odwieczne problemy uniwersalne, stawiając przed nimi trudną kwestię wyboru. ścieżka życia. W ówczesnej Rosji było wielu ludzi gotowych poświęcić się w imię prawdy, dobra i sprawiedliwości. Młodzi rewolucjoniści przygotowywali się do „wyjścia do ludu”, którzy wkrótce stali się bohaterami wielu dzieł demokratycznej literatury i malarstwa. Ścisły związek między obrazami Kramskoya a życiem był oczywisty, ale artysta chciał stworzyć program pracy: „A więc to nie jest Chrystus, to znaczy nie wiem, kto to jest. To wyraz moich osobistych przemyśleń. W którym momencie? Przemiana. Co za tym idzie? Ciąg dalszy w następnej książce”. Samą „następną książką” miało być płótno „Śmiech” („Zdrowaś, królu Żydów!”, 1877-1882).

W 1872 r. Kramskoy pisał do F. A. Wasiliewa w następujący sposób: „Trzeba napisać innego„ Chrystusa ”, jest to absolutnie konieczne, to znaczy nie w rzeczywistości on, ale ten tłum, który śmieje się na całe gardło, ze wszystkimi siła jego ogromnych zwierzęcych płuc… Ten śmiech nawiedza mnie od lat. Nie jest trudno, że jest ciężko, ale trudno, żeby się śmiali”. Chrystus na oczach tłumu, wyśmiewany, napluty, ale „jest spokojny jak posąg, blady jak prześcieradło”. „Dopóki nie mówimy poważnie o życzliwości, o uczciwości, jesteśmy w zgodzie ze wszystkimi, staramy się na serio wprowadzać chrześcijańskie idee w życie, zobaczyć, jaki będzie śmiech. Ten śmiech towarzyszy mi wszędzie, gdziekolwiek idę, wszędzie, gdzie go słyszę.

„Poważne dążenie do chrześcijańskich idei” dla artysty wcale nie oznaczało afirmacji dogmatów oficjalnego prawosławia, było to pragnienie stanięcia w obronie prawdziwej moralności, człowieczeństwa. Główny bohater„Śmiech” był uosobieniem nie tylko idei samego Kramskoya, ogólnie odzwierciedlał myśli wielu uczciwych przedstawicieli tamtych czasów, którym bezpośrednie spotkanie z chamstwem, niszczącym cynizmem, chciwością wyraźnie dowiodło, że abstrakcyjne dobro po prostu nie jest w stanie pokonać prawdziwego prawdziwego zła.

tekst piosenki

W życiu Kramskoja, w połowie jego życia, rozegrał się pewien dramat, podobny do tego, którego doświadczył Iwanow pod koniec swojej podróży. Artyście zaczęło wydawać się, że porażka twórcza, która go spotkała (praca „Śmiech” nigdy nie została ukończona) jest konsekwencją błędnego stanowiska ideologicznego, które obrał jako całość. Wątpliwości te zrodził utopijny maksymalizm, charakterystyczny dla wielu najlepszych przedstawicieli rosyjskiej inteligencji. Trudne zadanie, które na próżno próbował zrealizować w postaci cyklu prac o Chrystusie, artysta rozwiązał w swoich wspaniałych portretach z lat 70-80, ucieleśniając jego ideę wysokich osobowości moralnych w dużej galerii wizerunków czołowych rosyjskich pisarzy, naukowców, artystów i postaci scenicznych.

W tych samych latach 70. Kramskoy napisał szereg dzieł lirycznych, które wcześniej nie były dla niego charakterystyczne, czego uderzającym przykładem jest obraz „Inspekcja starego domu” (1873), który opowiada o opuszczonym i zawaleniu się „ szlachetne gniazdo”, do którego powrócił jego pan po wielu latach nieobecności. „Stary, rasowy dżentelmen, kawaler”, wreszcie „przyjeżdża po długim, bardzo długim czasie do rodzinnej posiadłości i zastaje posiadłość w ruinie: w jednym miejscu zawalił się sufit, wszędzie pajęczyny i pleśń, liczne portrety przodków na ściany. Dwie kobiece osobowości prowadzą go pod ramiona… Za nimi jest kupiec – gruby kupiec…”.

Widzimy starszego mężczyznę powoli poruszającego się po pokoju opuszczonej rodzinnej posiadłości. Wszedł więc do salonu, obwieszony pociemniałymi przez czas portretami swoich przodków, zobaczył antyczne meble w szarych płóciennych płótnach, wydaje się, że nawet powietrze w tym starym domu jest pomalowane na zadymione, zakurzone odcienie, czas się tu zatrzymał, a nieśmiałe światło z okien nie jest w stanie rozproszyć tej mgły przeszłości.

Jak wspomniano w jego listach N.A. Mudrogel jest jednym z najstarszych pracowników Galerii Trietiakowskiej, najprawdopodobniej „Kramskoy przedstawił się na obrazie„ Inspekcja starego domu ”. Świadectwo współczesnego budzi niewątpliwe zainteresowanie, choć nawet jeśli to prawda, artysta nie tylko przymierzył tę smutno liryczną sytuację. Kramskoy zainwestował w obraz, który stworzył szerokie poetyckie i głębokie znaczenie społeczne.

Jak wiecie, obraz pozostał niedokończony. Być może Kramskoy, jako osoba aktywna, aktywna, czysto „publiczna”, po prostu nie pozwoliła sobie na relaks, wejście w kanał liryczny, przezwyciężenie tej słabości w sobie, aby pracować nad dziełami o zupełnie innym znaczeniu społecznym, ważniejszym, jego zdaniem w warunkach trudnej sytuacji społeczno-artystycznej w Rosji lat 70. XIX wieku. „W rzeczywistości nigdy nie lubiłem portretów, a jeśli robiłem to znośnie, to tylko dlatego, że kochałem i kochałem ludzką fizjonomię… Zostałem portrecistą z konieczności” – pisał Iwan Nikołajewicz. Jest jednak oczywiste, że sama „konieczność” nie mogła go uczynić wybitny mistrz portret.

Portret Tołstoja

Potrzeba udowodnienia, że ​​według idei Czernyszewskiego „osobowość ludzka jest najwyższym pięknem świata, dostępnym naszym zmysłom”, wzbudziła u Kramskoja żywe zainteresowanie „ludzką fizjonomią”. Dzięki takiemu zainteresowaniu artysty odzwierciedleniem ludzkiej duszy, portrety tworzone przez mistrza w tej epoce były nieocenionym wkładem w rosyjską sztukę pięknych lat 1860-80.

„Portrety, które masz teraz”, pisał do niego I. E. Repin w 1881 r., „przedstawiają twarze drogiego narodu, jego najlepszych synów, którzy przynieśli pozytywne korzyści swoją bezinteresowną działalnością, dla dobra i dobrobytu ich ojczyzny, którzy wierzył w jej lepszą przyszłość i walczył o ten pomysł...” Iwan Nikołajewicz Kramskoj został jednym z założycieli galerii portretów, dzięki której możemy teraz zobaczyć twarze ludzi, którzy odegrali ogromną rolę w historii i sztuce Rosji. Wśród pierwszych był Lew Nikołajewicz Tołstoj, którego pierwsze portrety namalował Kramskoj.

Włączenie do kolekcji portretu wielkiego rosyjskiego pisarza było kochany sen Tretiakowa, ale jak dotąd nikomu nie udało się przekonać Lwa Nikołajewicza do pozowania. Z drugiej strony był Kramskoy, który próbował nakłonić kolekcjonera do pomocy młodemu utalentowanemu artyście F.A. Wasiliew, który na Krymie umierał z konsumpcji. W rezultacie w 1873 roku Kramskoj, aby spłacić dług Tretiakowa za Wasiliewa, namówił Tołstoja, by pozował dla niego do dwóch portretów: jeden przeznaczony dla kolekcjonera, drugi dla domu pisarza w Jasnej Polanie.

Iwan Nikołajewicz pracował równolegle na obu płótnach, starając się uniknąć absolutnej tożsamości. W rezultacie rodzina pisarza wybrała portret z bardziej intymną interpretacją Lwa Nikołajewicza, w którym jest on zanurzony w sobie. Z drugiej strony Tretiakow otrzymał portret, w którym pisarz niejako zwraca się do widza. Tak więc artyście udało się jednocześnie stworzyć dwa zasadniczo różne obrazy artystyczne.

Oba portrety mają szereg cech wspólnych. Po pierwsze neutralne tło, dzięki któremu położenie postaci w przestrzeni przestaje odgrywać jakąkolwiek rolę. Po drugie, ręce modelki są rysowane tylko w W ogólnych warunkach. Po trzecie, artysta celowo unikał wyrazistej malowniczości w kolorze. Taka powściągliwość plastycznego rozwiązania pozwoliła przenieść całą uwagę na twarz czterdziestopięcioletniego Tołstoja - otwartą, prostą, obramowaną krzaczastą brodą i męsko przystrzyżonymi włosami.

Najważniejsze w tworzonych portretach są oczy pisarza, wyrażające ciężką pracę myśli inteligentnego i wykształcona osoba. Z obrazu Kramskoja Tołstoj patrzy na nas „nieubłaganie i surowo, nawet chłodno… nie pozwalając sobie zapomnieć ani na chwilę o zadaniu obserwacji i analizy. Zostaje naukowcem, a jego przedmiotem jest ludzka dusza ”- opisał swoje wrażenie wybitny radziecki krytyk sztuki D. V. Sarabianow. To właśnie zrozumienie potężnego intelektu Tołstoja stało się… główny cel i oczywiście stanowiło główną trudność, z jaką artysta zmierzył się w tej pracy.

Portrety wielkich

Kramskoy namalował wiele portretów na zlecenie Tretiakowa, oddając hołd temu niezwykłemu człowiekowi. Tak więc w 1871 roku artysta maluje ze zdjęcia portret wielkiego ukraińskiego poety Tarasa Grigoriewicza Szewczenki. A zimą 1876 r. Iwan Nikołajewicz zbliżył się szczególnie do rodziny kolekcjonera, pracując nad portretami żony Tretiakowa Wery Nikołajewnej i samego Pawła Michajłowicza, w którym zawsze widział nie kupca, ale intelektualistę i prawdziwego patriotę narodu rosyjskiego kultury, która mocno wierzyła, że ​​„rosyjska szkoła malarstwa nie będzie ostatnią”. W małym portrecie z 1876 roku, który wyróżnia się pewnym „kameralnym” rozwiązaniem artystycznym, Kramskoy próbował wyrazić znaczenie publiczne osobowość portretowanej osoby.

Na polecenie Tretiakowa artysta stworzył dwa wizerunki wielkiego rosyjskiego poety-demokraty N.A. Niekrasow (1877-1878), pierwszy z nich to portret Nikołaja Aleksiejewicza, drugi to obraz „Niekrasow podczas ostatnich pieśni”. Prace nad tymi utworami komplikowała ciężka choroba poety. Artysta malował go czasami tylko przez dziesięć do piętnastu minut dziennie, ale do 30 marca 1877 r. Portret N. A. Niekrasowa został ukończony.

Ale to nie on ma największą wartość, ale obraz „Niekrasow podczas ostatnich pieśni”, w którym dobór codziennych detali pomógł stworzyć dokładny obraz poety. Blady, ubrany na biało, ciężko chory Niekrasow siedzi na łóżku, całkowicie pogrążony w myślach. A fotografie N. A. Dobrolyubova i I. S. Turgieniewa zawieszone na ścianach jego biura, a także popiersie W.G. Bielinskiego, ideologicznego mentora i wielkiego przyjaciela Niekrasowa, oddają atmosferę bogatego, pełnego napięcia twórcze życie sprawiając, że to czujesz wielki poeta nieśmiertelny.

Interesujące jest to, że jeśli przyjrzysz się uważnie powierzchni płótna obrazu, łatwo zauważyć, że przecina go kilka szwów. Wizerunek głowy poety wykonany jest na osobnym fragmencie, którego początkowe położenie jest łatwe do ustalenia. Podobno najpierw mistrz przedstawił śmiertelnie chorego poetę jako kłamiącego, potem przebudował kompozycję dla większej wyrazistości. Niekrasow docenił talent Kramskoja, dając mu kopię jego książki „Ostatnie pieśni”, on Strona tytułowa który napisał: „Kramskoy na pamięć. N. Niekrasow 3 kwietnia

Praca Kramskoya nad obrazami wybitnego satyryka M. E. Saltykowa-Szchedrina okazała się jeszcze trudniejsza, ciągnąc się przez kilka lat. Jeden z dwóch portretów stworzonych przez artystę był również przeznaczony do kolekcji Tretiakowa i powstawał w latach 1877-1879, przechodząc niekończące się przeróbki. Po ukończeniu obrazu Kramskoy pisze do Tretiakowa, że ​​ten portret „wyszedł naprawdę bardzo podobny”, mówiąc o jego cechach artystycznych, mistrz podkreśla: „Obraz ... wyszedł murugaya i wyobraź sobie - z zamiarem”.

Podobnie jak w portrecie Tołstoja, kolorystyka dzieła jest bardzo głucha, ponura. Artysta skupia się więc na twarzy Szczedrina, jego wysokim czole, żałobnie obniżonych kącikach ust i, co najważniejsze, tkwiącym tylko w nim wymagającym pytającym spojrzeniu. Ważną rolę w tworzeniu wizerunku satyryka odgrywają dłonie - zamknięte, z cienkimi splecionymi palcami, są zdecydowanie arystokratyczne, ale bynajmniej nie władcze.

Wspólny pomysł na portrety L.N. Tołstoja, N.A. Niekrasowa, M.E. Saltykov-Shchedrin, PM Tretyakov, był ideą wysokiego obywatelstwa. W nich Kramskoy widział duchowych przywódców narodu, czołowych ludzi swoich czasów. Pozostawiło to ślad w sposobie portretowania portretowanych. Artysta celowo „zawęził” granice swojej osobowości, aby podkreślić ich społeczne znaczenie. Według Kramskoya nic nie powinno odwracać uwagi widza od najważniejszego - duchowego składnika bohaterów jego portretów, dlatego kolor płócien jest tak nudny.

Kiedy artysta malował portrety pisarzy, artystów, którzy jego zdaniem nie kumulowali tak silnie „duchowego ładunku” epoki, uczynił malarskie i plastyczne rozwiązanie prac bardziej swobodnym, nieskrępowanym, co sprawiło, że obrazy przedstawiani przez niego ludzie żyjący i bezpośredni. Do dzieł tego rodzaju należy portret Iwana Iwanowicza Szyszkina, wykonany przez malarza w 1873 roku. Ta praca, podobnie jak płótno „Niekrasow w okresie ostatnich pieśni”, należy do kategorii malarstwa portretowego, ponieważ łączy dwie zasady jednocześnie w harmonijną całość - portret i pejzaż.

Stworzony w tej pracy obraz natury jest nie tylko naturalnym tłem dla wizerunku mistrza pejzażu, ale elementem, w którym żył i pracował. Liryczny, a zarazem majestatyczny pejzaż (czyste, błękitne niebo z unoszącymi się nad nim lekkimi chmurami, tajemnicza sylwetka lasu i wysokie trawy u stóp Szyszkina) nie tyle odtwarza wygląd konkretnego obszaru, ile reprezentuje uogólniony wyraz rosyjskiej natury, tak jak go przedstawiano w latach 70., w tym samego I. I. Szyszkina.

Artysta starał się podkreślić jego nierozerwalną jedność z otaczającym światem. Szczupła, ale potężna postać pejzażysty, jego zdecydowana, otwarta twarz, pozorna prostota, a jednocześnie niezaprzeczalna wielkość jego wyglądu, sposób, w jaki spokojnie i rzeczowo spogląda w nieskończone odległości, wszystko to dokładnie przekazuje ideę Kramskoya o Szyszkinie jako „męskiej szkole”, „kamień milowy w rozwoju rosyjskiego krajobrazu”.

Później, w 1880 roku, Kramskoy namaluje kolejny portret wielkiego śpiewaka rosyjskiej natury. W nim artysta ponownie będzie zdumiony swoją siłą fizyczną, zauważając, że z wiekiem osobowość Shishkina stała się bogatsza i bardziej złożona.

Niezwykły dar portrecisty

Wśród wielu portretów rosyjskich pisarzy i artystów malowanych w latach 70., z których większość Kramskoy namalował na zamówienie P. M. Tretiakowa, były wizerunki I.A. Gonczarowa, tj. Repin, Ya.P. Polonsky, P.I. Mielnikow-Pieczerski, M.M. Antokolsky, ST. Aksakov, F.A. Wasiljewa, M.K. Klodta i wielu innych.

Szczególnie wyróżniają się dwa portrety - pisarza Dmitrija Wasiljewicza Grigorowicza (1876) i malarza Aleksandra Dmitriewicza Litowczenko (1878).

Tworząc portret autora popularnej wówczas opowieści „Anton Goremyka”, mistrz ostro zauważył zwykłą łagodność postawy Grigorowicza oraz pewną protekcjonalność i samozadowolenie w jego oczach, charakterystyczne dla osoby nieprzyzwyczajonej do zagłębiania się w złożoność życia wokół niego. Gest ręki z binokle w złotej oprawie wciśniętej między cienkie palce jest zdecydowanie teatralny. "To nie jest portret, ale tylko scena, dramat! ... Więc Grigorowicz siedzi przed tobą ze wszystkimi swoimi kłamstwami, francuskim feuilletonizmem, przechwałkami i śmiechem" - entuzjastycznie pisał do Kramskoja V. V. Stasov. Chociaż sam artysta, który kilka lat później napisał list do znanego wydawcy A.S. Suvorina, starał się odeprzeć oskarżenie o oczywistą stronniczość, zapewniając, że nie chce „robić nic śmiesznego poza całkowicie naturalną pasją dla widocznej charakterystycznej formy, bez podkreślania.” Jak to prawda, być może nigdy się nie dowiemy, ale jedno jest absolutnie jasne - dziś pasja artysty do „widocznej charakterystycznej formy” przyciąga nas w portrecie D. V. Grigorovicha, który był kluczem do stworzenia zaskakująco jasny i żywy obraz człowieka.

Jeszcze silniej wyraża się to w wielkoformatowym portrecie A. D. Litovchenko. Ubrany w gęsty ciemnobrązowy płaszcz artysta przedstawiony jest na jasnoszaro-zielonkawym tle. Lekko „rozmywając” ruchomy kontur zarysowujący sylwetkę, Kramskoy podkreślił naturalną łatwość swojego modelu. Poza Litovchenko jest niezwykle wyrazista, prawa ręka który kładzie się za plecami swobodnym ruchem, a lewa ręka trzyma się z wdziękiem znajomy gest cygaro. Palce nie są rysowane, a jedynie obrysowane kilkoma precyzyjnymi, dynamicznymi pociągnięciami. To nie przypadek, że Kramskoy „zamazał” krawędź rękawa otaczającego to ramię, celowo go rozmył. Przekonująco oddał więc naturalny, natychmiastowy gest, dokładnie odpowiadający żywemu, zmiennemu wyrazowi twarzy bohatera portretu, obramowanej bujną brodą. O rysunku ust można się tylko domyślać, ale oczy portretowanej osoby, czarne jak węgle, są tak przenikliwie ostre, oddając w najlepszy sposób całą bezpośredniość jego natury, że cały obraz Litowczenki jest postrzegany jako „jako żywy". Oszczędne, ale niezwykle wyraziste detale artystka wykorzystuje z niezwykłą dokładnością: czapka o stożkowatym kształcie, z jej konturami, doskonale dopełnia sylwetkę postaci artysty jako całości, a także jasnożółte rękawiczki, od niechcenia wyglądające z kieszeni płaszcza Litowczenki, uzupełnij jego wizerunek.

Portret A. D. Litovchenko, bez wątpienia jeden z największych twórczy sukces Kramskoj. Jego wizerunek okazał się tak żywy i jaskrawo indywidualny dzięki wysokiemu malowniczość cnót ten obraz, "ogniem, pasją i witalnością szybkiego przedstawienia, podobnego do improwizowanego" (V. Stasov).

Iwan Nikołajewicz już nie „maluje” pędzlem, jak miało to miejsce w wielu jego obrazach, ile pisze szeroko, z temperamentem, budując kolorową formę plastyczną, antycypując najlepsze obrazy portretowe I.E. Powtórz. Uderzony jego potężnym wyrazem twarzy, M.P. Musorgski odpowie na swoją pracę w następujący sposób: „Podchodząc do portretu Litowczenki, odskoczyłem ... - napisał do V.V. Stasova. - Co za cudowny Kramskoy! To nie płótno - to życie, sztuka, moc, poszukiwana w kreatywności!

Możemy zobaczyć, kim sam artysta stał się do tego czasu, dzięki jego „Autoportretowi” z 1874 roku. Mały obrazek, wyraźnie napisany „dla siebie”. Nasycone ciemnoczerwone tło przyczynia się do stworzenia na portrecie atmosfery podkreślonego skupienia. Kramskoy, wpatrując się we własną twarz, pokazuje, jak z biegiem lat zwiększyło się jego opanowanie i wytrwałość, wypracowane przez ciężkie życie i ciągłą pracę. Jego spojrzenie stało się znacznie głębsze i smutniejsze niż na autoportrecie z 1867 roku, w którym mistrz niejako publicznie ogłosił pozycję wybranego przez siebie artysty-wojownika. Teraz, nie cofając się ani o krok z obranej ścieżki, przyznaje przed sobą, ile siły psychicznej wymaga ta wytrzymałość i odwaga.

„Do tej pory panu Kramskojowi udawało się wyłącznie portrety męskie”, napisał jeden z obserwatorów siódmej komórki, „ale obecna wystawa pokazała, że ​​portret kobiecy jest dla niego równie przystępny i sprawia nieporównywalnie więcej trudności”.

Uwaga słuszna, zwłaszcza że przed Kramskojem nie istniała w malarstwie rosyjskim taka demokratyczna wersja portretu kobiecego, zasługa opracowania, która w całości należy do niego.

Wizerunek narodu rosyjskiego

Kramskoy często pisał, że mieszkając w Petersburgu odczuwał ciężar opresyjnej atmosfery społecznej, mówił nawet, że „klimat petersburski”, któremu nieustannie próbował się oprzeć, „zabija rosyjską sztukę i artystów”. W tym sensie miał wielu podobnie myślących ludzi. Przypomnijmy sobie A. S. Puszkina, który powiedział, że Północ jest dla niego „szkodliwa”, K. P. Bryulłowa, który po powrocie z Włoch skąpał się w promieniach chwały, ale pisał, że „przygnębia się”, bo „boi się klimat i niewola”.

„Wyciąga mnie z Petersburga”, napisał Kramskoy, „Mam tego dość! Gdzie ciągnie, dlaczego obrzydliwie?... Gdzie jest spokój? Tak, i byłoby to niczym, gdyby nie bogaty i niewyobrażalnie ogromny materiał poza miastami, tam, w głębinach bagien, lasów i nieprzejezdnych dróg. Jakie twarze, jakie liczby! Tak, wody Baden-Baden pomagają drugiemu, Paryż i Francja pomagają drugiemu, a trzeciemu… Scrap, ale wolność! Żywo reagując na pojawiające się „pójście do ludzi”, artysta napisał, że „siedząc w centrum… zaczynasz tracić nerwy szerokiego wolnego życia; obrzeża są za daleko, a ludzie mają coś do zaoferowania! Mój Boże, co za wielka wiosna! Mieć tylko uszy do słuchania i oczy do patrzenia... Wyciąga mnie, tak ciągnie! To w ludziach Kramskoy widział główną siłę życia, odkrywając w nich nowe źródło twórczej inspiracji.

Obrazy chłopów w pracach I. N. Kramskoya są bardzo zróżnicowane. To „Kontemplator” (1876, Kijowskie Muzeum Sztuki Rosyjskiej), człowiek filozof, poszukiwacz wiecznej prawdy, pszczelarz żyjący życiem z naturą („Pszczelarz”, 1872) i „Chłop z kijem ” (1872, Tallin Muzeum Sztuki) - który żył długi, ponury wiek, uciskany stary chłop. Są też inne obrazy, jak pełna wewnętrzna godność bohatera obrazu „Sojusz” („Melnik”, 1873), czy potężnego, surowego chłopa na płótnie z 1874 roku „Głowa chłopa” (Galeria Sztuki Penza K.A. Sawickiego).

Ale najważniejsza praca nad motyw ludowy był obraz z 1874 roku „Drwal”. Kramskoj pisze o niej do P. M. Tretiakowa: „… mój szkic w przestrzelonym kapeluszu, zgodnie z planem, powinien przedstawiać jednego z tych typów (są wśród narodu rosyjskiego), którzy są w dużej mierze z systemu społecznego i politycznego życie ludowe zrozumieć umysłem i w których głęboko tkwi niezadowolenie, graniczące z nienawiścią. Spośród takich ludzi w trudnych czasach Stenka Razins i Pugaczowie rekrutują swoje gangi, a w zwykłych czasach działają sami, gdzie i jak muszą, ale nigdy się nie poddają. Typ niesympatyczny, wiem, ale wiem też, że jest ich wielu, widziałem je.

W późnym okresie twórczości artysta zwrócił się także do tematu chłopskiego. W 1882 roku powstało „studium rosyjskiego chłopa” – portret Miny Moiseev. W 1883 r. - płótno „Chłop z uzdą” (Muzeum Sztuki Rosyjskiej w Kijowie). Na tych dwóch pracach mistrz stworzył dwa diametralnie przeciwstawne obrazy, namalowane jednak z tego samego wzoru.

Późny okres twórczości

Mimo politycznej porażki myśli demokratycznej w Rosji w latach 70. i 80. XIX wieku, dosłownie zmiażdżonej przez reżim, rosyjska sztuka demokratyczna przeżyła bezprecedensowy wzrost. Znaczące zmiany zaszły w życiu Stowarzyszenia Wędrownych Wystaw Artystycznych, dzieła takich tytanów rosyjskich Dzieła wizualne, jak I. E. Repin i V. I. Surikov. Iwan Nikołajewicz Kramskoj nadal ciężko i ciężko pracował. Mimo wysokiego autorytetu, jakim cieszył się artysta wśród współczesnych, praca stawała się dla niego coraz trudniejsza. Dowodem na to jest niedokończony przez wiele lat obraz „Śmiech”, sam pomysł, który nie odpowiadał już potrzebom społeczeństwa. W rezultacie Kramskoy miał tylko portrety.

W tym okresie artysta, ze swoimi wrodzonymi umiejętnościami i psychologizmem, maluje portrety I. I. Szyszkina, wybitnej postaci rosyjskiej medycyny S. P. Botkina i artysty V. V. Samoilova. Co więcej, Kramskoy nie tylko wyglądał godnie obok młodszych portrecistów, takich jak I. E. Repin i N. A. Yaroshenko, ale nadal grał dla nich rolę „nauczyciela”. A ich płótna z kolei zawierały odbicie sztuki Kramskoya.

Mimo to artysta zrozumiał, że musi gdzieś się rozwijać, szukać nowych dróg dla swojej pracy. Próbuje swoich sił w uroczystym portrecie, szukając nowych rozwiązań świetlnych i kolorystycznych, jednocześnie dusi się pod ciężarem nieustannych zamówień. Spiesząc się, aby jak najlepiej zadbać o rodziny i zdając sobie sprawę, że jego siły się kończą, Kramskoy pędził między czasochłonnymi poszukiwaniami twórczymi a szybkim wykonaniem pracy, co czasami nie prowadziło do najlepszych wyników. Artysta, który był bardzo szanowany, a nawet honorowany, ciężko zniósł te niepowodzenia.

Zmieniły się wymagania, jakie samo życie stawiało sztuce, dlatego system sztuki musiał się zmienić. W 1883 roku w MUZhViZ młody artysta K. A. Korovin, uczeń A. K. Savrasova i V. D. Polenova, namalował szkic „Chorus Girl”, biorąc dla niego niezwykły motyw i bardzo odważne techniki malarskie. Nawet Polenov, znający twórczość francuskich impresjonistów, był zdumiony tym śmiałym eksperymentem artysty, uznając, że daleko wyprzedza swoje czasy. Jednak wkrótce bliski przyjaciel Korovin, V. A. Serov napisze swoją „Dziewczynę z brzoskwiniami” (1887), zmieniając portret dwunastoletniej Very, córki słynnego moskiewskiego przemysłowca S. I. Mamontova, w promienny obraz młodości.

Próbując uchwycić istotę nowych trendów, Kramskoy napisał swój „Nieznany” (1883) - jeden z jego najbardziej tajemniczych obrazów. Oto jak krytyk sztuki N. G. Mashkovtsev opisuje obraz: „Młoda kobieta jest przedstawiona w powozie na tle Pałacu Aniczkowa, pomalowanego na rdzawoczerwony kolor. Ten kolor łagodzi zimowa mgła, podobnie jak kontury architektury. Z tym większą wyrazistością na pierwszy plan wysuwa się postać kobieca. Jest ubrana z całym luksusem mody. Oparła się z tyłu powozu, obita ciemnożółtą skórą. Na jej twarzy maluje się duma kobiety świadomej swojego wdzięku. W żadnym innym portrecie Kramskoy nie zwracał tak dużej uwagi na dodatki - aksamit, jedwab, futro. Ciemna rękawiczka, ciasno obejmująca dłoń jak druga skóra, cienka i prześwitująca, przez którą wyczuwa się żywe ciało, napisana jest szczególnym ciepłem. Kim ona jest, ta urzekająca kobieta, pozostaje nieznana.

Wielu uważa, że ​​Kramskoy przedstawił Annę Kareninę jako symbol nowej pozycji kobiet w społeczeństwie, takiej jaką powinna się stać. Ta wersja ma zarówno zwolenników, jak i przeciwników, ale słuszniej byłoby założyć, że artysta I.N. Kramskoy i pisarz LG Tołstoj, tworząc własne kobiece obrazy zainwestowali w nich coś więcej niż portret konkretnej kobiety, a mianowicie ich wyobrażenie o ideale nowoczesna kobieta. Podobnie jak Tołstoj, Kramskoj, broniąc ludzkiej godności kobiety, postawił sobie za zadanie próbę ucieleśnienia swojej idei moralnej i estetycznej kategorii piękna poprzez widzialną, „obiektywną” atrakcyjność modelki.

W 1884 roku artysta ukończył swój obraz „Niepocieszony smutek”, powstały pod koniec lat 70-tych. Fabuła płótna inspirowana jest osobistym żalem mistrza - śmiercią w młodym wieku jego dwóch młodszych synów. Poprzez tę pracę, która ma niezwykłą liczbę szkiców i szkiców dla artysty (pokazujących, jak ważne było to dla Kramskoya), przekazał swój żal i żal swojej żony, Sofii Nikołajewnej. Wkładając w obraz wiele osobistych, głęboko intymnych, malarz starał się jednocześnie maksymalnie poszerzyć i pogłębić jego treść. Precyzyjnie i oszczędnie dobrane elementy wprowadzają nas w atmosferę domu, w którym zaszła wielka żałoba, przekazana jednak bardzo powściągliwie, bez melodramatycznych ekscesów, jedynie czerwonawy blask żałobnych świec, migoczący za zasłoną, sugeruje jej przyczynę.

Kompozycyjnym i semantycznym centrum płótna jest wizerunek kobiety pełnej dramatyzmu. Jej napięta, prosta sylwetka, żałobne spojrzenie niewidzących oczu, chusteczka przyniesiona do ust, świadcząca o ledwie powstrzymywanym szlochu, odsłaniają całą głębię jej cierpienia. Taka psychologiczna ekspresja obrazu nie przychodziła artyście łatwo. „Szczerze współczułem smutkowi macierzyńskiemu”, napisał Kramskoy do P. M. Tretiakowa. „Długo szukałem czystej formy i ostatecznie zdecydowałem się na tę formę…”. To właśnie surowa forma, osiągnięta bez zbędnej teatralności, pozwoliła mu stworzyć wizerunek silny duchem osoby, a monumentalna struktura płótna pomogła przekazać uczucia i przeżycia, jako dramat jednostki, który mistrz stara się podnieść do rangi wielkiego zjawiska społecznego.

Należy zauważyć, że w przeciwieństwie do portretów z lat 70., w których uczucia bohaterów Kramskoja naznaczone były raczej pieczęcią wysokiego obywatelstwa, bohaterowie późniejszych dzieł żyją w znacznie bardziej zamkniętym świecie osobistych przeżyć.

Listy Kramskoya do przyjaciół mówią nam o tym, jak trudny był dla niego ostatni okres jego życia. W 1883 pisał do P.M. Tretiakow: „... Wyznaję, że okoliczności wykraczają poza mój charakter i wolę. Jestem złamany życiem i daleki od robienia tego, co chciałem i co musiałem zrobić…”. W tym samym czasie do artysty P. O. Kovalewskiego napisano list: „Od dawna pracuję w ciemności. Nie ma przy mnie nikogo, kto jak głos sumienia lub trąba archanioła poinformowałby człowieka: „Dokąd on idzie? Czy to na prawdziwej drodze, czy zgubiłeś drogę? Nie ma co więcej oczekiwać ode mnie, już przestałem oczekiwać od siebie.

Niemniej jednak mistrz pracował do ostatniego dnia. Przez pięć godzin dziennie spędzał sesje portretowe, nieustannie krzycząc z bólu, ale prawie nie zauważając tego, był tak zafascynowany procesem twórczym. Tak było w ostatnim dniu malarza. Czując rano przypływ życia, namalował portret doktora Rauchfusa. Nagle jego wzrok się zatrzymał i upadł prosto na paletę. To było 24 marca 1887 roku.

„Nie pamiętam bardziej serdecznego i wzruszającego pogrzebu!.. Pokój niech będzie z tobą, potężny Rosjanin, który uciekł z nieistotności i brudu ostępów”, IE Repin napisał później o spotkaniu ze swoim starym przyjacielem podczas jego ostatniej podróży .

W tym samym 1887 roku zorganizowano dużą pośmiertną wystawę dzieł wielkiego mistrza rosyjskiego, której towarzyszyła publikacja szczegółowego ilustrowanego katalogu. Rok później ukazała się książka poświęcona życiu i twórczości Iwana Nikołajewicza Kramskoya.

Większość na stronie znane obrazy Kramskoj Iwan Nikołajewicz

Kramskoy jest jednym z założycieli i głównym ideologiem Stowarzyszenia Wędrowców.

Głównym wydarzeniem pierwszej wystawy Wędrowców był obraz Kramskoya „Chrystus na pustyni”. Ale najbardziej znanym i popularnym obrazem był później obraz „Nieznany”.

Kramskoy, jak nikt inny, zostawił nam wiele portretów wielkich postaci swoich czasów.

Autoportret Kramskoya.

Nieznany. Kramskoj.

Najbardziej tajemniczy i intrygujący obraz Kramskoya. I najbardziej znany.

Ale pierwowzór jest zupełnie nieznany, kobieta, z którą artysta malował. Twarz natychmiast rzuca się w oczy. Spojrzenie kobiety jest zimne i wyniosłe, ubrane w najnowszą modę. Siedząc w powozie na tle zimowego Petersburga z Teatrem Aleksandryńskim.

Na zdjęciu obraz „Bukiet kwiatów. Floksy. Kramskoj. Rzadka martwa natura dla Kramskoya.

Obrazy Kramskoya prawie zawsze przedstawiają ludzi.

Dziewczyna z luźnym warkoczem. Kramskoj.

Jakąż smutną twarz ma dziewczyna, jaki smutny wygląd!

Z pewnością sam Kramskoy doświadczył rozczarowań w życiu, pustki i udręki. To nie przypadek, że obraz przez wiele lat pozostawał bez publiczności, przebywając w pracowni artysty.

Dziewczyna siedzi, a jej wzrok zwrócony jest donikąd, ku pustce.

Portret Zofii Nikołajewnej Kramskoj, żony artysty. Z entuzjazmem czyta książkę.

Herodiady. Kramskoj.

Jest tu opowieść religijna. Herodiada jest winna śmierci Jana Chrzciciela, który otwarcie potępił jej małżeństwo z wujem.

A po zamordowaniu Jana Herodiada zapragnęła spojrzeć na jego odciętą głowę i cieszyć się długo oczekiwanym zwycięstwem nad wrogiem. Na zdjęciu dookoła jest trująca czerwień, kolor krwi i morderstwa! I jest to nie tyle spisek religijny, ile moralny, a raczej spisek niemoralności.

Chłop z uzdą. Kramskoj. Epicki chłop!

Obrazy Kramskoya bardzo często przedstawiają zwykli ludzie, ludzie z ludzi! A ten obraz jest swego rodzaju efektem licznych portretów chłopskich. Wzorem stała się prawdziwa chłopka Mina Moiseev. Mądry spokój i dobry humor na twarzy!

Ścieżka leśna. Kramskoj.

Rzadki krajobraz dla Kramskoya bez ludzi. Obrazy Kramskoya są prawie zawsze z ludźmi!

Księżycowa noc. Kramskoj.

Oryginalny tytuł obrazu to „Magiczna noc”.

I rzeczywiście noc jest magiczna, ale to właśnie magiczny księżyc sprawia, że ​​tak jest! Księżyc oświetlał nocą wiele szczegółów jasnym światłem. Pośrodku na ławce siedzi piękna i zamyślona dziewczyna w eleganckiej białej sukience.

Przed nią jest staw z liliami wodnymi. Za nią jest park z potężnymi drzewami! Obraz jest pełen tekstów i tajemnic!

Modlitwa Mojżesza po przekroczeniu przez Izraelitów Morza Czerwonego.

Niekrasow w okresie Ostatnich Pieśni.

Na czele umierającego Niekrasowa Kramskoj umieścił portret Dobrolubowa i popiersie Bielińskiego. Przedstawił więc w imię tego, co żył i tworzył poeta!

Znieważony żydowski chłopiec

Na zdjęciu „Pszczelarz”. Kramskoj.

Obrazy Kramskoya często przedstawiają prostego rosyjskiego chłopa.

Leśniczy. Kramskoj.

Forester to stare słowo oznaczające leśnika.

Inne nazwy obrazu to „Człowiek z maczugą” i „Człowiek w czapce”.

Kramskoy napisał tak potężnego i silnego leśnika.

Kramskoy również skomentował ten portret słowami, że to od takich ludzi powstały popularne powstania Razina i Pugaczowa.

Portret Aleksandra III

To już nie jest bohater ludu, ale bohater nad ludem. Król był jednak najlepszy, tylko dużo pił.

Portret syna artysty Anatolija Iwanowicza Kramskoja.

Portret Wiery Nikołajewnej Tretiakowej

Cudowne portrety w Kramskoyu!

Portret wielkiego lekarza Botkina

Portret I. I. Szyszkina. Kramskoj.

Najsłynniejszy portret Szyszkina!

A to jest Shishkin na tle natury. Z pewnością Shishkin podziwia drzewa.

Sam Kramskoy prawie nie oddzielał portretów od obrazów. A na tym płótnie potężny i nieskrępowany Shishkin jest przedstawiony na tle słonecznej leśnej polany. Portrety i obrazy Kramskoya są wspaniałe!

Portret wielkiego Tretiakowa

Portret Gonczarowa. Kramskoj.

Iwan Nikołajewicz Kramskoj (27 maja 1837, Ostrogożsk - 24 marca 1887, Petersburg) - rosyjski malarz i rysownik, mistrz gatunku, malarstwo historyczne i portretowe; krytyk sztuki.

Kramskoy urodził się 27 maja (8 czerwca) 1837 r. W mieście Ostrogożsk w obwodzie woroneskim w rodzinie urzędnika.

Po ukończeniu ostrogoskiej szkoły rejonowej Kramskoj był urzędnikiem w Ostrogożskiej Dumie. Od 1853 zaczął retuszować fotografie. Rodak Kramskoya, M. B. Tulinow, nauczył go w kilku krokach „wykańczania portretów fotograficznych akwarelami i retuszem”, a następnie przyszły artysta pracował dla fotografa z Charkowa Jakowa Pietrowicza Danilewskiego. W 1856 r. I. N. Kramskoy przybył do Petersburga, gdzie zajmował się retuszem w znanym wówczas studiu fotograficznym Aleksandrowskiego.

W 1857 Kramskoy wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu jako uczeń profesora Markowa.

W 1863 roku Akademia Sztuk Pięknych przyznała mu mały złoty medal za obraz „Mojżesz wylewa wodę ze skały”. Przed ukończeniem Akademii pozostawało napisanie programu na duży medal i otrzymanie emerytury za granicą. Rada Akademii zaproponowała studentom konkurs na temat ze skandynawskich sag „Uczta w Walhalli”. Wszystkich czternastu absolwentów odmówiło rozwinięcia tego tematu i złożyło petycję, aby każdy mógł wybrać wybrany przez siebie temat. Kolejne wydarzenia przeszły do ​​historii sztuki rosyjskiej jako „Zamieszki czternastu”. Rada Akademii odmówiła ich przyjęcia, a profesor Ton zauważył: „Gdyby to zdarzyło się wcześniej, wszyscy bylibyście żołnierzami!” 9 listopada 1863 r. Kramskoj w imieniu swoich towarzyszy powiedział radzie, że „nie odważając się myśleć o zmianie przepisów akademickich, pokornie proszą radę o zwolnienie ich z udziału w konkursie”. Wśród tych czternastu artystów byli: I. N. Kramskoy, B. B. Venig, N. D. Dmitriev-Orenburgsky, A. D. Litovchenko, A. I. Korzukhin, N. S. Shustov, A. I. Morozov , K. E. Makovsky, F. S. Zhuravlev, K. V. K. Petrov. Artyści, którzy opuścili Akademię, utworzyli „Petersburg Artel of Artists”, który istniał do 1871 roku.

W 1865 r. Markov zaprosił go do pomocy w malowaniu kopuły katedry Chrystusa Zbawiciela w Moskwie. Z powodu choroby Markowa cały główny obraz kopuły wykonał Kramskoy wraz z artystami Venig i Koshelev.

W latach 1863-1868 wykładał w Szkole Rysunkowej Towarzystwa Zachęty Artystów. W 1869 Kramskoy otrzymał tytuł akademika.

W 1870 r. Utworzono „Stowarzyszenie Wędrownych Wystaw Artystycznych”, którego jednym z głównych organizatorów i ideologów był Kramskoj. Pod wpływem idei rosyjskich rewolucjonistów demokratycznych Kramskoy bronił zgodnej opinii o wysokiej społecznej roli artysty, fundamentalnych zasadach realizmu, moralnej istocie sztuki i jej tożsamości narodowej.

Iwan Nikołajewicz Kramskoj stworzył wiele portretów wybitnych rosyjskich pisarzy, artystów i osób publicznych (takich jak: Lew Nikołajewicz Tołstoj, 1873; I. I. Szyszkin, 1873; Paweł Michajłowicz Tretiakow, 1876; M. E. Saltykov-Szczedrin, 1879 - wszystkie są w Tretiakowie Galeria, portret S. P. Botkina (1880) - Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu).

Jeden z znane prace Kramskoy - „Chrystus na pustyni” (1872, Galeria Tretiakowska).

Następca humanistycznych tradycji Aleksandra Iwanowa Kramskoj stworzył religijny punkt zwrotny w myśleniu moralnym i filozoficznym. Dramatycznym doświadczeniom Jezusa Chrystusa nadał głęboko psychologiczną interpretację życia (ideę heroicznego poświęcenia się). Wpływ ideologii jest widoczny na portretach i obrazy tematyczne- "N. A. Niekrasow w okresie Ostatnich Pieśni, 1877-1878; "Nieznany", 1883; „Niepocieszony smutek”, 1884 - wszystko w Galerii Trietiakowskiej.

Demokratyczna orientacja twórczości Kramskoya, jego krytyczne wnikliwe sądy na temat sztuki i wytrwałe badanie obiektywnych kryteriów oceny cech sztuki i ich wpływu na nią, rozwinęła sztukę demokratyczną i światopogląd na sztukę w Rosji ostatniej tercji XIX wieku .

W ostatnie lata Kramskoy zachorował na tętniak serca. Artysta zmarł na tętniak aorty 24 marca (5 kwietnia 1887 r.) podczas pracy nad portretem doktora Rauchfusa, kiedy nagle pochylił się i upadł. Rauhfus próbował mu pomóc, ale było już za późno. I. N. Kramskoy został pochowany na smoleńskim cmentarzu prawosławnym. W 1939 r. prochy zostały przeniesione na cmentarz Tichwiński Ławry Aleksandra Newskiego wraz z instalacją nowego pomnika.

To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykułu tutaj →

A van Kramskoy brał udział w znanym buncie studenckim Akademii Sztuk Pięknych: odmówił napisania konkurencyjnej pracy na dany temat. Wyrzucony z Akademii założył najpierw Artel Wolnych Artystów, a później stał się jednym z założycieli Stowarzyszenia Wędrowców. W latach 70. XIX wieku Iwan Kramskoj został znanym krytykiem sztuki. Jego płótna kupiło wielu kolekcjonerów, w tym Paweł Tretiakow.

Członek „Zamieszek czternastu”

Ivan Kramskoy urodził się w Ostrogożsku w rodzinie urzędnika. Rodzice mieli nadzieję, że syn zostanie urzędnikiem, podobnie jak jego ojciec, ale chłopiec z wczesne dzieciństwo uwielbiałem rysować. Sąsiad, artysta samouk, Michaił Tulinow, nauczył młodego Kramskoya malować akwarelami. Później przyszły artysta pracował jako retuszer - najpierw z lokalnym fotografem, a potem w Petersburgu.

Iwan Kramskoj nie odważył się wstąpić do stołecznej Akademii Sztuk: nie było inicjału Edukacja plastyczna. Ale Michaił Tulinow, który w tym czasie również przeniósł się do Petersburga, zasugerował, aby studiował jedną z dyscyplin akademickich - rysunek z gipsu. Jego pracą wstępną stał się szkic głowy Laokoona. Rada Akademii Sztuk powołała Iwana Kramskoja na ucznia profesora Aleksieja Markowa. Początkujący artysta nauczył się nie tylko pisać, ale także przygotował karton do malowania katedry Chrystusa Zbawiciela w Moskwie.

W 1863 r. Iwan Kramskoj miał już dwa medale - Małe srebro i Małe złoto. Wyprzedziłem konkurs kreatywny- Ci, którzy zdali ją z sukcesem, otrzymali Wielki Złoty Medal i sześcioletni wyjazd emeryta za granicę.

Do pracy konkursowej rada zaproponowała uczniom fabułę z mitologii skandynawskiej - "Uczta w Walhalli". Jednak w tym czasie w społeczeństwie wzrosło zainteresowanie dziełami gatunkowymi: stały się popularne obrazy przedstawiające życie codzienne.

Studenci Akademii podzieleni byli na innowatorów-gatunkowych malarzy i historyków, wiernych dawnym tradycjom. 14 z 15 pretendentów do Wielkiego Złotego Medalu odmówiło namalowania konkurencyjnych płócien o mitologicznej fabule. Najpierw złożyli kilka petycji do rady: chcieli samodzielnie wybierać tematy, żądali publicznego rozpatrywania prac egzaminacyjnych i wydawania uzasadnionych ocen. Iwan Kramskoj był „zastępcą” z grupy czternastu osób. Odczytał wymagania radzie i rektorowi Akademii, a otrzymawszy odmowę opuścił egzamin. Towarzysze poszli za jego przykładem.

„… W końcu zaopatrzyliśmy się na wszelki wypadek petycjami stwierdzającymi, że „z powodów krajowych lub innych ja taki a taki nie mogę kontynuować kursu w Akademii i proszę do Rady o wydanie mi dyplomu odpowiadającego do medali, którymi zostałem odznaczony”.
<...>
Studenci jeden po drugim wychodzili z sal konferencyjnych Akademii, a każdy wyjął z bocznej kieszeni płaszcza prośbę złożoną na cztery i położył ją przed urzędnikiem, który siedział przy specjalnym stole.
<...>
Gdy wszystkie petycje zostały już złożone, opuściliśmy tablicę, potem spod murów Akademii i wreszcie poczułem się w tej strasznej wolności, do której wszyscy tak gorliwie dążyliśmy.

Iwan Kramskoj

Artel wolnych artystów

Iwan Kramskoj. Autoportret. 1867. Państwowa Galeria Tretiakowska

Iwan Kramskoj. Dziewczyna z kotem. Portret córki. 1882. Państwowa Galeria Tretiakowska

Iwan Kramskoj. Do czytania. Portret Zofii Nikołajewnej Kramskoj, żony artysty. 1869. Państwowa Galeria Tretiakowska

Po ukończeniu studiów młodzi artyści musieli opuścić pracownie Akademii, gdzie nie tylko pracowali, ale i mieszkali – często u krewnych lub przyjaciół. Nie było co wynajmować nowych mieszkań i warsztatów. Aby uratować swoich towarzyszy przed biedą, Kramskoy zaproponował utworzenie wspólnego przedsiębiorstwa, Artel of Free Artists.

Razem wynajęli mały budynek, w którym każdy miał własny warsztat i wspólną przestronną salę konferencyjną. Gospodarstwo prowadziła żona malarza Zofia Kramskaja. Wkrótce artyści otrzymali zlecenia: rysowali ilustracje do książek, malowali portrety, wykonywali kopie obrazów. Później w Artelu pojawiło się studio fotograficzne.

Kwitło stowarzyszenie wolnych artystów. Ivan Kramskoy był zaangażowany w sprawy Artela: szukał klientów, dystrybuował pieniądze. Równolegle malował portrety, udzielał lekcji rysunku w Towarzystwie Zachęty Artystów. Jednym z jego uczniów był Ilya Repin. Pisał o Kramskoyu: „To nauczyciel! Jego zdania i pochwały były bardzo ważne i wywarły na uczniach nieodparty wpływ..

W 1865 roku malarz zaczął malować kopuły katedry Chrystusa Zbawiciela w Moskwie na podstawie tektury, którą stworzył podczas lat studiów w Akademii.

Pod koniec 1869 r. Iwan Kramskoj po raz pierwszy opuścił Rosję, aby zapoznać się ze sztuką zachodnią. Odwiedził kilka europejskich stolic, odwiedził tam muzea i galerie sztuki. Wrażenia Kramskoya na temat malarzy zachodnich były sprzeczne.

„Dzisiaj odwiedziłem Muzeum Królewskie… Wszystko, co zobaczyłem, robi przytłaczające wrażenie”.

Iwan Kramskoj, z listu do żony

Kiedy Iwan Kramskoj wrócił do Rosji, miał konflikt z jednym ze swoich towarzyszy: przyjął wyjazd emeryta z Akademii, co było sprzeczne z zasadami „czternastu”. Kramskoy opuścił Artel i wkrótce stowarzyszenie wolnych artystów rozpadło się.

Założyciel Stowarzyszenia Wędrowców

Iwan Kramskoj. Portret Ilji Repina. 1876. Państwowa Galeria Tretiakowska

Iwan Kramskoj. Portret Iwana Szyszkina. 1880. Państwowa Galeria Tretiakowska

Iwan Kramskoj. Portret Pawła Tretiakowa. 1876. Państwowa Galeria Tretiakowska

Wkrótce Ivan Kramskoy został jednym z założycieli nowego stowarzyszenie twórcze- Stowarzyszenie Wędrownych Wystaw Artystycznych. Wśród jego założycieli byli także Grigory Myasoedov, Wasilij Pierow, Aleksiej Sawrasow i inni artyści.

„Celem partnerstwa jest organizowanie… we wszystkich miastach imperium objazdowych wystaw sztuki w formie: a) zapewnienie mieszkańcom prowincji możliwości zapoznania się ze sztuką rosyjską… b) rozwijanie miłości dla sztuki w społeczeństwie; c) ułatwienie artystom sprzedaży ich dzieł.”

Ze Statutu Stowarzyszenia Wędrownych Wystaw Artystycznych

Iwan Kramskoj. Majowa noc. 1871. Państwowa Galeria Tretiakowska

Iwan Kramskoj. Chrystus na pustyni. 1872. Państwowa Galeria Tretiakowska

Na pierwszej wystawie Wędrowców w 1871 r. Iwan Kramskoj zaprezentował swoją Nowa praca- Majowa noc. Obraz z skąpanymi w świetle księżyca syrenami namalował malarz z Małej Rusi na podstawie historii Gogola. Płótno z mistyczną fabułą nie odpowiadało programowi Wędrowców, jednak praca odniosła sukces zarówno wśród artystów, jak i krytyków, a zaraz po wystawie kupił ją Paweł Tretiakow.

„Cieszę się, że z taką fabułą w końcu nie złamałem karku, a jeśli nie złapałem księżyca, wyszło coś fantastycznego…”

Iwan Kramskoj

W 1872 Kramskoy ukończył obraz „Chrystus na pustyni”. „Od pięciu lat stoi przede mną nieubłaganie; Musiałem to napisać, żeby się go pozbyć", - napisał do swojego przyjaciela, artysty Fiodora Wasiliewa. Za to płótno Akademia Sztuki chciała przyznać Kramskoyowi tytuł profesora, ale odmówił. Obraz został kupiony przez Pawła Tretiakowa za dużo pieniędzy - 6000 rubli.

W latach 70. XIX wieku Kramskoy stworzył wiele portretów - artystę Iwana Szyszkina, Pawła Tretiakowa i jego żonę, pisarzy Lwa Tołstoja, Tarasa Szewczenki i Michaiła Saltykowa-Szczedrina, dr Siergieja Botkina.

Ivan Kramskoy nie tylko malował płótna, ale także publikował artykuły krytyczne. Nawoływał do pozbycia się wpływu Akademii Sztuk Pięknych na sztukę, opowiadał się za tworzeniem szkół i warsztatów rysunkowych, w których młodzi artyści mogliby uczyć się od doświadczonych malarzy, a jednocześnie utrzymywać własny styl. Kramskoy nalegał, aby artyści otrzymali dobre wykształcenie: „Aby krytykować masy, trzeba stać ponad masami oraz znać i rozumieć społeczeństwo we wszystkich jego interesach i przejawach”.

Iwan Kramskoj. Nieznany. 1883. Państwowa Galeria Tretiakowska

Iwan Kramskoj. Niepocieszony smutek. 1884. Państwowa Galeria Tretiakowska

W latach 80. XIX wieku jednym z sensacyjnych dzieł artysty był „Nieznany”. Bohaterka płótna - piękna dama ubrana w najnowszą modę - była przedmiotem dyskusji zarówno krytyków, jak i publiczności. Publiczność zaintrygowała jej osobowość, nieco arogancki wygląd i strój nienaganny jak na tamte lata. W prasie obraz został opisany jako „Rosyjska Mona Lisa”, krytyk Władimir Stasow nazwał obraz „Kokotka w wózku”. Jednak koneserzy sztuki oddali hołd umiejętności Kramskoya, który subtelnie wypisał zarówno twarz nieznanej damy, jak i jej wykwintne ubrania. Po 11. wystawie Wędrowców, na której wystawiono obraz, kupił go znaczący przemysłowiec Pavel Kharitonenko.
Stowarzyszenie Wędrownych Wystaw Artystycznych