Connu pour son chanteurs d'opéra et fonctionne. Si vous aimez l'opéra, essayez d'assister à au moins une représentation (achetez vos billets à l'avance). La saison d'opéra dure généralement d'octobre à avril, tandis qu'en été, vous pouvez assister à divers spectacles en plein air.

Meilleur opéras L'Italie et quelques festivals d'opéra d'été :

Théâtre de la Scala - Teatro Alla Scala

L'adresse: Piazza Giuseppe Verdi, 10, 43011 Busseto Parme

Théâtre Verdi à Pise - Teatro Verdi di Pisa

L'adresse: Piazza Beniamino Gigli, 7, 00187 Rome

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Arènes de Vérone - Wikiwand Arena di Verona

Bien qu'il ne s'agisse pas d'un théâtre, l'amphithéâtre de Vérone est un lieu fantastique pour les représentations d'opéra. La saison commence en juin.

L'adresse: Piazza Brà, 1, 37121 Vérone

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Festival Puccini - Wikiwand Festival Pucciniano

Ce festival d'opéra se tient à Torre del Lago Puccini en Toscane, la maison du célèbre compositeur d'opéra Giacomo Puccini. Période de festival : juillet-août.

L'adresse: Via delle Torbiere, 55049 Viareggio Lucca

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Sferisterio - Festival d'opéra de Macerata - Sferisterio - Festival d'opéra de Macerata

Le festival d'opéra Sferiterio se déroule en plein air dans une arène de la ville de Macerata dans la région des Marches. Les spectacles ont lieu en juillet et août.

L'adresse: Piazza Giuseppe Mazzini, 10, 62100 Macerata

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Ce qui fait les connaisseurs musique classique réserver des vols pour l'Europe pour assister à des représentations d'opéra ? DANS Villes européennes le niveau de l'opéra est à un niveau élevé, l'architecture des théâtres est incroyable. Pour tous ceux qui aiment ce genre d'art, nous offrons un aperçu des opéras les plus importants d'Europe.

La Scala, Milan
L'Opéra de La Scala a ouvert ses portes aux visiteurs en 1778. Aujourd'hui, après avoir réservé des billets d'avion pour Milan et vous rendre à l'opéra le plus célèbre, vous pouvez écouter les chefs-d'œuvre mondiaux de Bellini, Verdi, Puccini, Donizetti, Rossini. Soit dit en passant, la capacité de l'auditorium est de 2 030 spectateurs et le coût des billets varie de 35 à 300 euros. La Scala est unique en ce que la saison s'ouvre le 7 décembre (c'est le jour de Saint Ambroise, le saint patron de Milan) et dure jusqu'en novembre. La Scala a un code vestimentaire strict, seule une robe noire ou un smoking est autorisé à entrer dans le théâtre.

San Carlo, Naples
San Carlo est le plus grand opéra non seulement d'Italie, mais aussi d'Europe. Seuls les théâtres de New York et de Chicago le surpassent en taille. Le théâtre a commencé à fonctionner en 1737. Il a été reconstruit en 1817 après un incendie. Théâtre incroyablement luxueux pouvant accueillir 3 283 spectateurs, le prix des billets commence à partir de 25 euros. Si vous décidez de réserver des vols et de visiter cette ville merveilleuse, assurez-vous d'écouter Otello de Giuseppe Verdi à San Carlo - vous aurez beaucoup de plaisir.

Covent Garden, Londres
Si vous réservez un billet pour, vous pourrez voir non seulement le Tower Bridge et la garde royale, mais aussi théâtre royal. Ouvert en 1732 sous la direction de Haendel, le théâtre a survécu à plus de 3 incendies, et à chaque fois il a été restauré, en préservant l'architecture exquise. L'exclusivité du théâtre réside dans le fait que de nombreuses productions sont présentées sur langue Anglaise. Les billets coûtent de 10 à 200 livres. À Covent Garden, nous vous recommandons d'écouter l'opéra Norma de Vincenzo Bellini.

Grand Opéra, Paris
Pour apprécier la grandeur du théâtre, il suffit d'énumérer les grands compositeurs qui y ont interprété leurs œuvres : Deelib, Rossini, Meyerbeer. Dans le théâtre le plus visité au monde, les billets coûtent jusqu'à 350 euros et la capacité de la salle est de 1900 spectateurs. Façade à 7 arches, sculptures de Drame, Musique, Poésie et Danse et intérieur avec escaliers en marbre, fresques de Pils, peintures de Chagall et Baudry. Il vaut la peine de réserver des vols pour visiter le Grand Opéra au moins une fois

Opéra Royal, Versailles
L'Opéra Royal de Versailles est situé dans un grand palais luxueux et est le plus grand théâtre de palais au monde. Sa particularité architecturale réside dans le fait qu'il est entièrement construit en bois et que toutes les surfaces en marbre ne sont que des imitations. Le théâtre a accueilli des premières d'opéras brillants, dont Iphigénie en Tauride de Gluck. Maintenant, ce théâtre est une partie obligatoire programme culturel pour ceux qui ont réservé des vols pour Paris. Le prix minimum du billet est de 20 euros.

Opéra national de Vienne, Vienne
L'Opéra de Vienne est d'un style et d'une échelle vraiment royaux. A l'ouverture du théâtre, ils ont interprété Don Giovanni de Mozart. Tout dans l'opéra est imprégné de l'esprit du grand compositeur autrichien : la façade néo-Renaissance du théâtre est peinte de fresques inspirées de l'opéra La Flûte enchantée. Et le plus populaire directrice artistique chef d'orchestre était Gustav Mahler. Chaque année en février, le bal viennois se tient au théâtre. Après avoir réservé un billet pour Vienne, assurez-vous de visiter l'opéra !

Teatro Carlo Felice, Gênes
Le Théâtre Carlo Felice de Gênes est un symbole de la ville, pour lequel aucun argent ni aucun effort n'ont été épargnés. Par exemple, la conception de la scène a été créée par Luigi Canonica, qui a construit La Scala. Le théâtre est inextricablement lié au nom de Giuseppe Verdi, qui a tenu les premières de ses opéras pendant de nombreuses saisons consécutives. Et jusqu'à aujourd'hui, sur l'affiche du théâtre on peut voir des créations brillant compositeur. Si vous avez réservé des vols pour Gênes, nous vous conseillons d'écouter l'opéra "Mary Stuart" de Gaetano Donizetti. Soit dit en passant, les prix des billets sont assez démocratiques et commencent à partir de 7 euros.

Gran Teatro Liceu, Barcelone
, aimer l'opéra et passer par le "Grand Teatro Liceo" est tout simplement impossible ! Le théâtre est célèbre à la fois pour le répertoire classique et pour l'approche moderne des œuvres. Le théâtre a survécu à une explosion, à un grand incendie et a été restauré exactement selon les dessins originaux. Les sièges de l'auditorium sont en fonte avec un revêtement en velours rouge, tandis que les lustres sont en laiton en forme de dragon avec des abat-jour en cristal.

Théâtre des États, Prague
Le théâtre de Prague est le seul en Europe à être resté pratiquement inchangé. C'est au Théâtre des États que Mozart a présenté pour la première fois au monde ses opéras Don Giovanni et Mercy of Titus. Jusqu'à présent, les œuvres du classique autrichien forment la base du répertoire du théâtre. Parmi les virtuoses qui se sont produits sur cette scène figurent Anton Rubinstein, Gustav Mahler, Niccolo Paganini. En plus de l'opéra, des spectacles de ballet et de théâtre sont donnés ici. Et le réalisateur tchèque Milos Forman a tourné son film Amadeus ici, qui a remporté de nombreux Oscars.

Bavarois opéra d'État, Munich
L'Opéra d'État de Bavière est considéré comme l'un des plus anciens théâtres du monde, il a été ouvert dès 1653 ! Le théâtre peut accueillir 2 100 spectateurs et les prix des billets commencent à 11 euros et se terminent à 380 euros. Ici ont été présentées les premières de Wagner - "Tristan et Isolde", "Rheingold", "Valkyrie". Donne 350 représentations par an (y compris le ballet). Pour ceux qui ont réservé un vol pour Munich, il faut voir l'opéra bavarois.

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THÉÂTRE ITALIEN. L'art théâtral de l'Italie, avec ses origines, remonte aux rites et jeux folkloriques, aux carnavals, aux chants et danses cultes associés au cycle naturel et au travail rural. Les Jeux de mai ont été riches en chansons et en actions dramatiques. , tenue par un feu ardent, symbolisant le soleil. Dès le milieu du XIIIe siècle Lauda se pose en Ombrie (laude) , une sorte de spectacle carré, -chants religieux laudatifs, qui ont peu à peu acquis une forme dialogique. Les intrigues de ces représentations étaient principalement des scènes d'évangile - l'annonciation, la naissance du Christ, les actes du Christ ... Parmi les compositeurs de laudes, le moine toscan Jacopone da Todi (1230-1306) s'est démarqué. Son œuvre la plus célèbre Complainte de la Madone. Les Laudas ont servi de base à l'émergence de représentations sacrées (sacre rappresentazioni), qui se sont développées aux XIVe et XVe siècles. (à l'origine également en Italie centrale), un genre proche du mystère, courant dans les pays du nord de l'Europe. Le contenu des représentations sacrées était basé sur les intrigues de l'Ancien et du Nouveau Testament, dans lesquelles des motifs fabuleux et réalistes ont été ajoutés. Les représentations se jouaient sur un podium installé sur la place de la ville. La scène a été construite selon le canon accepté - en bas se trouve "l'enfer" (la bouche ouverte du dragon), en haut se trouve le "paradis", et entre eux se trouvent d'autres scènes d'action - "Montagne", "Désert" , " Palais Royal" etc. L'un des auteurs les plus célèbres de ce genre était Feo Belcari - Représentation d'Abraham et d'Isaac (1449), Saint Jean dans le désert(1470) et d'autres Le souverain de Florence, Lorenzo Medici, a également composé des représentations sacrées.

En 1480, le jeune poète de cour et connaisseur de l'antiquité, Angelo Poliziano (1454-1494), commandé par le cardinal Francesco Gonzaga, écrivit un drame pastoral sur l'intrigue mythe grec ancien La légende d'Orphée. Ce fut le premier exemple d'appel aux images du monde antique. Avec une pièce de Poliziano, imprégnée d'un sentiment lumineux et joyeux, commence un intérêt pour les pièces mythologiques et, en général, une fascination pour l'antiquité.

Le drame littéraire italien, avec lequel commence l'histoire de la dramaturgie de l'Europe occidentale de la Renaissance, était basé dans son esthétique sur l'expérience du drame antique. Les comédies de Plaute et de Térence ont déterminé pour les dramaturges humanistes italiens les thèmes de leurs œuvres, la composition des personnages et la structure compositionnelle. Grande importance fit jouer des comédies latines par des écoliers et des étudiants, notamment à Rome sous la direction de Pomponio Leto dans les années 1470. Utilisant des intrigues traditionnelles, ils ont introduit de nouveaux personnages, des couleurs et des évaluations modernes dans leurs compositions. Ils ont fait de la vraie vie le contenu de leurs pièces, et les personnages de leur homme contemporain. Le premier comédien des temps modernes fut le grand poète de la fin de la Renaissance italienne, Ludovico Ariosto. Ses pièces sont pleines d'images réalistes, de sketches satiriques pointus. Il est devenu le fondateur de la comédie nationale italienne. De lui vient le développement de la comédie dans deux directions - purement divertissantes ( calandre Cardinal Bibiena, 1513) et un satirique présenté par Pietro Aretino ( manières de cour, 1534, Philosophe, 1546), Giordano Bruno ( Chandelier, 1582) et Niccolo Machiavel, qui a créé la meilleure comédie de l'époque - mandragore(1514). En général, cependant, les écrits dramatiques des comédiens italiens étaient imparfaits. Ce n'est pas un hasard si toute la direction s'appelait "Scholarly Comedy" (commedia erudita).

Parallèlement à la comédie littéraire, la tragédie apparaît également. La tragédie italienne n'a pas apporté un grand succès. De nombreuses pièces de ce genre ont été composées, elles contenaient histoires effrayantes, des passions criminelles et des cruautés incroyables. Ils ont été qualifiés de "tragédies d'horreur". L'œuvre la plus réussie du genre - Sofonisba G. Trissino, écrit en vers blancs (1515). L'expérience Trissino acquise la poursuite du développement bien loin de l'Italie. La tragédie de P. Aretino avait aussi certains avantages. Horace (1546).

Le troisième - le plus réussi et le plus vivant - genre du drame littéraire italien du XVIe siècle. devient une pastorale, qui se généralise rapidement aux cours d'Europe (). Le genre a acquis un caractère aristocratique. Sa ville natale est Ferrare. célèbre poème J.Sannazzaro Arcadie(1504), glorifiant la vie rurale et la nature comme "un coin de détente", marque le début de la direction. Les œuvres les plus célèbres du genre pastoral sont Aminta Torquato Tasso (1573), une œuvre pleine de poésie vraie et de simplicité de la Renaissance, et berger fidèle D.-B. Guarini (1585), qui se distingue par la complexité à la fois de l'intrigue et du langage poétique, on parle alors de maniérisme.

La séparation du drame littéraire du public n'a pas contribué au développement du théâtre. L'art scénique est né sur la place - dans les représentations de bouffons médiévaux (giullari), héritiers des mimes Rome antique, dans de drôles de farces. Farce (farsa) est finalement formé au 15ème siècle. et acquiert tous les signes d'une idée populaire - efficacité, bouffonnerie, concret quotidien, libre-pensée satirique Les événements de la vie réelle, devenant le thème d'une farce, se sont transformés en anecdote. D'une manière vivante et grotesque, la farce ridiculisait les vices des gens et société. La farce a eu une grande influence sur le développement du théâtre européen et, en Italie, elle a contribué à la création d'un type particulier d'art scénique - la comédie improvisée.

Jusqu'au milieu du XVIe siècle. il n'y avait pas de théâtre professionnel en Italie. À Venise, qui était en avance dans la création de toutes sortes de spectacles, déjà au tournant des XVe-XVIe siècles. il y avait plusieurs communautés théâtrales amateurs. Ils étaient fréquentés par des artisans et des personnes issues des couches éduquées de la société. Peu à peu, des groupes de semi-professionnels ont commencé à émerger d'un tel environnement. L'étape la plus significative de la naissance du théâtre professionnel est associée à l'acteur et dramaturge Angelo Beolco, surnommé Ruzzante (1500-1542), dont l'œuvre a ouvert la voie à l'émergence de la commedia dell'arte. ses pièces de théâtre, Anconitanka, Mosquée, Dialogues inclus dans le répertoire Théâtre italien et actuellement.

Vers 1570, les principales composantes artistiques du nouveau théâtre sont déterminées : masques, dialectes, improvisation, bouffonnerie. Le nom de commedia dell'arte, qui signifie "théâtre professionnel", a également été créé. Le nom "comédie de masques" est d'origine plus tardive. Les personnages de ce théâtre, les soi-disant. types constants (tipi fissi) ou masques. Les masques les plus populaires étaient Pantalone, un marchand vénitien, le Docteur, un avocat bolognais qui interprétait les rôles des serviteurs zanni Brighella, Arlequin et Pulcinella, ainsi que le Capitaine, Tartaglia, la servante de Servette et deux couples d'Amoureux. Chaque masque a le sien costume traditionnel et parlait dans son dialecte, seuls les Amoureux ne portaient pas de masques et parlaient dans le bon italien. Les acteurs ont joué leurs pièces selon le scénario, improvisant le texte au cours de la pièce. Les performances ont toujours eu beaucoup de lazzi et de bouffonnerie. Habituellement, l'acteur de la commedia dell'arte n'a joué que son masque toute sa vie. Les troupes les plus célèbres sont Gelosi (1568), Confidenti (1574) et Fedeli (1601). Il y avait beaucoup de grands acteurs parmi les interprètes - Isabella Andreini, Francesco Andreini, Domenico Biancolelli, Niccolo Barbieri, Tristano Martinelli, Flaminio Scala, Tiberio Fiorilli et d'autres.L'art du théâtre masqué était très populaire non seulement en Italie, mais aussi à l'étranger, ils étaient admirés comme dans les couches supérieures de la société et les gens du commun. La comédie des masques a eu une grande influence sur la formation des théâtres nationaux en Europe. Le déclin de la commedia dell'arte a commencé dans la seconde moitié du XVIIe siècle et à la fin du XVIIIe siècle. elle cesse d'exister.

Le développement de la tragédie, de la comédie, de la pastorale a exigé un bâtiment spécial pour leur représentation. Un nouveau type de bâtiment de théâtre couvert avec une scène de boîte, salle et gradins a été créé en Italie sur la base de l'étude de l'architecture ancienne. A la même époque dans le théâtre italien du XVIIe siècle. des recherches ont été menées avec succès dans le domaine de la scénographie (en particulier, des décors prometteurs ont été créés), des machines théâtrales ont été développées et améliorées. Tant au XIIe qu'au XIIIe siècle. des théâtres ont été construits dans tout le pays, les soi-disant. L'italien (tous "italiana"), qui s'est ensuite répandu dans toute l'Europe ().

Malgré son retard économique et politique, l'Italie était riche et diversifiée. la vie au théâtre. Au 18ème siècle L'Italie possédait le meilleur théâtre musical du monde, dans lequel deux types étaient distingués - l'opéra sérieux et l'opéra comique (opéra buff). Il y avait un théâtre de marionnettes, des représentations de commedia dell'arte étaient données partout. Pourtant, la réforme du théâtre dramatique couvait depuis longtemps. Au siècle des Lumières, la comédie impromptue ne répondait plus aux exigences de l'époque. Il fallait un nouveau théâtre littéraire sérieux. La comédie des masques ne pouvait exister sous sa forme antérieure, mais ses réalisations devaient être préservées et soigneusement transférées à nouveau théâtre. Cela a été fait par Carlo Goldoni. Il a mené la réforme avec soin. Il a commencé à introduire des textes entièrement écrits et littéraires de rôles individuels et de dialogues dans ses pièces, et le public vénitien a accepté son innovation avec enthousiasme. Il a d'abord appliqué cette méthode dans la comédie Momolo, âme de la société(1738). Goldoni a créé un théâtre de personnages, abandonnant les masques, le scénario et, en général, l'improvisation. Les personnages de son théâtre ont perdu leur contenu conditionnel et sont devenus des gens vivants - des gens de leur époque et de leur pays, l'Italie du XVIIIe siècle. Goldoni a mené sa réforme dans une lutte acharnée avec les opposants. Seconde moitié du XVIIIe siècle est entré dans l'histoire de l'Italie comme le temps des guerres théâtrales. Il avait pour adversaire l'abbé Chiari, dramaturge médiocre et donc peu dangereux, mais son principal adversaire, égal à lui en talent, était Carlo Gozzi. Gozzi prend la défense du théâtre des masques, se donnant pour tâche de faire revivre la tradition de la comédie impromptue. Et à un moment donné, il a semblé qu'il avait réussi. Et bien que Goldoni laisse place à l'improvisation dans ses comédies, et que Gozzi lui-même finisse par enregistrer la quasi-totalité de ses œuvres dramatiques, leur dispute est cruelle et sans concession. Car le nerf principal de l'affrontement entre les deux grands Vénitiens réside dans l'incompatibilité de leurs positions sociales, dans des visions différentes du monde et de l'homme.

Goldoni dans ses œuvres était un porte-parole des idées du tiers état, un défenseur de ses idéaux et de sa morale. Toute la dramaturgie de Goldoni est dépréciée avec l'esprit d'égoïsme raisonnable et de sens pratique - valeurs morales bourgeoisie. Contre la propagande de la scène de telles vues en premier lieu et parlait Gozzi. Il a écrit dix contes poétiques pour le théâtre, les soi-disant. fiaba (fiaba / conte de fées). Le succès des contes théâtraux de Gozzi fut écrasant. Et à leur récent favori Goldoni, le public vénitien s'est rapidement refroidi de manière inattendue. Epuisé par la lutte, Goldoni concéda sa défaite et quitta Venise. Mais cela n'a rien changé au sort de la scène italienne - la réforme du théâtre national était déjà achevée à cette époque. Et le théâtre d'Italie a suivi cette voie.

Dès la fin du 18ème siècle en Italie commence l'ère du Risorgimento - la lutte pour l'indépendance nationale, pour l'unification politique du pays et les transformations bourgeoises - qui a duré près d'un siècle. La tragédie devient le genre le plus important au théâtre. Le plus grand auteur de tragédies était Vittorio Alfieri. La naissance de la tragédie du répertoire italien est liée à son nom. Il a créé une tragédie de contenu civil presque à lui seul. Patriote passionné qui rêvait de la libération de sa patrie, Alfieri s'oppose à la tyrannie. Toutes ses tragédies sont imprégnées du pathos héroïque de la lutte pour la liberté.

L'ère du Risorgimento a fait naître une nouvelle direction artistique- le romantisme. Formellement, son apparition a coïncidé avec la restauration de la domination autrichienne. Le chef et l'idéologue du romantisme était l'écrivain Alessandro Manzoni. L'originalité du romantisme théâtral en Italie dans son orientation politique et nationale-patriotique. Le classicisme était considéré comme une expression de l'orientation autrichienne, une direction qui signifiait non seulement le conservatisme, mais aussi un joug étranger, et le romantisme unissait l'opposition. Presque tous les créateurs du théâtre italien dans leur vie ont suivi les idéaux qu'ils proclamaient: ils étaient de véritables martyrs de l'idée - ils se sont battus sur les barricades, ont été en prison, ont enduré des épreuves, ont vécu longtemps en exil. Parmi eux figurent G. Modena, S. Pellico, T. Salvini, E. Rossi, A. Ristori, P. Ferrari et d'autres.

Le héros du romantisme est une forte personnalité, un combattant pour la justice et la liberté, et non pas tant la liberté personnelle que la liberté universelle - la liberté de la patrie. La tâche de l'époque était de rallier tous les Italiens dans la lutte pour une cause commune. Par conséquent, les problèmes sociaux s'effacent et passent inaperçus. Les questions de la forme réelle des romantiques italiens étaient également beaucoup moins intéressées. D'une part, ils renient les règles strictes du classicisme, proclamant leur adhésion aux formes libres, d'autre part, dans leur œuvre, les romantiques sont encore très dépendants de l'esthétique classiciste. La principale source d'inspiration des dramaturges romantiques est l'histoire et la mythologie ; les intrigues étaient interprétées du point de vue d'aujourd'hui, de sorte que les performances prenaient généralement une forte connotation politique. Les meilleures tragédies sont Kaï Gracchus V.Monti (1800), Arminie I. Pindemonte (1804), ajax W. Foscolo (1811), Comte de Carmagnoll(1820) et Adelgiz(1822) A. Manzoni, Giovanni de Procida(1830) et Arnold Brescian(1843) DB Nicollini, Pia de Tolomei(1836) K. Marenko. Les pièces sont largement basées sur des modèles classiques, mais pleines d'allusions politiques et de pathétique tyrannique. Le plus grand succès est revenu au sort de la tragédie de Silvio Pellico Francesca de Rimini (1815).

La tragédie héroïque de la seconde moitié du siècle cède la place au mélodrame. Parallèlement à la comédie, le mélodrame a connu un grand succès auprès du public. Le premier dramaturge fut Paolo Giacometti (1816-1882), qui écrivit environ 80 œuvres pour le théâtre. Ses meilleurs jeux : Elisabeth, reine d'Angleterre (1853), Judith(1858) et l'un des mélodrames les plus connus du XIXe siècle. Mort civile(1861). La dramaturgie de Giacometti est déjà complètement affranchie du classicisme, ses pièces mêlent librement les traits de la comédie et de la tragédie, elles ont des personnages esquissés avec réalisme, elles ont des rôles, alors les théâtres les ont volontiers pris pour mise en scène. Paolo Ferrari (1822-1889), dramaturge prolifique et successeur des traditions de Carlo Goldoni, se distingue également parmi les comédiens. Ses pièces ne quitteront la scène qu'à la fin du siècle. Sa meilleure comédie Goldoni et ses seize nouvelles comédies(1853) continue d'être joué en Italie.

Dans les années 1870, dans une Italie victorieuse et unie, un nouveau mouvement artistique émerge, le vérisme. Les théoriciens du vérisme, Luigi Capuana et Giovanni Verga, ont soutenu que l'artiste ne doit représenter que des faits, montrer la vie sans fioritures, il doit être impartial et s'abstenir de ses appréciations et commentaires. La plupart des dramaturges ont suivi ces règles très strictement, et c'est peut-être ce qui a privé leurs créations de la vraie vie. Les meilleures oeuvres appartiennent à la plume de D. Verga (1840-1922), il a plus souvent que d'autres violé les prescriptions de la théorie. Deux de ses pièces honneur rural(1884) et Louve(1896) figurent actuellement au répertoire des théâtres italiens. Les pièces sont jouées de main de maître. Par genre, ce sont des tragédies de la vie populaire. Ils se distinguent par un nerf dramatique puissant, la rigueur et la retenue des moyens expressifs. En 1889, P. Mascagni écrivit un opéra honneur rural.

A la fin du 19ème siècle un dramaturge apparaît, dont la renommée franchit les frontières de l'Italie. Gabriele D" Annunzio a écrit une douzaine et demie de pièces qu'il appelait des tragédies. Toutes ont été traduites dans des langues européennes. Au tournant du siècle, D" Annunzio était un dramaturge très populaire. Sa dramaturgie est généralement qualifiée de symbolisme et de néo-romantisme, bien qu'elle ait également des caractéristiques de néoclassicisme. Les motifs véristes y sont combinés avec l'esthétisme.

En général, cependant, les réalisations de la dramaturgie étaient plus que modestes; Italien 19ème siècle resté dans l'histoire du théâtre comme un siècle d'acteur. La haute tragédie n'a pas produit de grandes œuvres en dramaturgie. Mais thème tragique néanmoins sonné au théâtre, a été entendu et reçu reconnaissance mondiale. C'est arrivé dans l'opéra (Giuseppe Verdi) et dans l'art des grands tragédiens italiens. Leur apparition a été précédée d'une réforme théâtrale.

Le type d'acteur proche du classicisme est resté assez longtemps dans le théâtre italien : arts performants resté en captivité de la déclamation, de la rhétorique, des postures et des gestes canoniques. La réforme de l'art scénique, d'importance égale à celle de Carlo Goldoni, a été menée au milieu du siècle par le brillant acteur et directeur de théâtre Gustavo Modena (1803-1861). À bien des égards, il était en avance sur son temps. Modène a mis en scène un homme avec tous ses traits, parole naturelle, « sans vernis, sans cothurnes ». Il a créé un nouveau style de jeu, dont les principales caractéristiques étaient la simplicité et la vérité. Dans son théâtre, la guerre est déclarée au poste de premier ministre, on a tendance à s'éloigner d'un rôle rigide, pour la première fois se pose la question d'un ensemble d'acteurs. L'influence de Gustavo Modena sur ses contemporains a été énorme.

Adélaïde Ristori (1822-1906) n'était pas une élève de Modène, mais se considérait proche de son école. La première grande actrice tragique dont l'art a été reconnu en dehors de l'Italie, elle était une véritable héroïne de son temps, exprimant son pathétique révolutionnaire patriotique. Dans l'histoire du théâtre, elle est restée l'interprète de plusieurs rôles tragiques : Francesca ( Francesca de Rimini Pellico), Mirra ( Myrrhe Alfieri), Lady Macbeth ( Macbeth Shakespeare), Médée ( Médée Légure), Marie Stuart ( Marie Stuart Schiller). Ristori était attiré par des personnages forts, solides, héroïques, pleins de grandes passions. L'actrice a qualifié son style de réaliste, suggérant le terme de "réalisme coloré", faisant référence à "l'ardeur italienne", "l'expression fougueuse des passions".

L'opposé de Ristori était Clementina Cazzola (1832-1868), une actrice romantique qui a créé des images du plus beau lyrisme et de la profondeur psychologique, elle était capable de personnages complexes. Elle a affronté Ristori, qui a toujours fait ressortir le trait de caractère principal du personnage. Dans le théâtre italien, Cazzola est considéré comme le précurseur d'E. Duse. Ses meilleurs rôles incluent Pia ( Pia de Tolomei Marenko), Marguerite Gauthier ( dame aux camélias Dumas), Adrienne Lecouvreur ( Adriene Lecouvrere Scribe), ainsi que le rôle de Desdémone ( Othello Shakespeare), qu'elle a joué avec son mari, T. Salvini, le grand tragédien.

Tommaso Salvini, élève de G. Modena et L. Domeniconi, l'un des représentants les plus éminents du classicisme scénique. L'acteur ne s'intéresse pas à une personne ordinaire, mais à un héros dont la vie est consacrée à un objectif élevé. Il a mis le beau au-dessus de la vérité mondaine. Il a élevé haut l'image de l'homme. Son art combinait organiquement le grand et l'ordinaire, l'héroïque et le quotidien. Il savait magistralement contrôler l'attention du public. C'était un acteur au tempérament puissant, équilibré par une forte volonté. L'image d'Othello ( Othello Shakespeare) - la plus haute création de Salvini, "un monument, un monument, une loi pour tous les temps" (Stanislavsky). Othello, il a joué toute sa vie. Les meilleures œuvres de l'acteur incluent également les rôles principaux dans les pièces de théâtre. Hamlet, Le Roi Lear, Macbeth Shakespeare, ainsi que le rôle de Corrado dans la pièce Mort civile Giacometti.

L'œuvre d'un autre brillant poète tragique, Ernesto Rossi (1827-1896), représente déjà une étape différente dans le développement des arts du spectacle en Italie. Il était l'élève le plus aimé et le plus cohérent de G. Modena. Dans chaque personnage, Rossi a essayé de ne pas voir un héros idéal, mais juste une personne. L'acteur psychologique le plus subtil, il pouvait habilement montrer le monde intérieur, transmettre les moindres nuances du caractère du personnage. Les tragédies de Shakespeare sont à la base du répertoire de Rossi, il leur a donné 40 ans de sa vie et y a joué jusqu'au dernier jour. Ce sont les rôles principaux dans les pièces Hamlet, Roméo et Juliette, Macbeth, Le Roi Lear, Coriolan, Richard III, Jules César, Le marchand de Venice. Il a également joué dans les pièces de Dumas, Giacometti, Hugo, Goldoni, Alfieri, Corneille, joué dans les petites tragédies de Pouchkine, et Ivan le Terrible dans le drame de A.K. Tolstoï. Artiste réaliste, maître de la réincarnation, il n'acceptait pas le vérisme, bien qu'il en ait lui-même préparé l'apparition avec tout son art.

Le vérisme, en tant que phénomène artistique, s'exprime le plus pleinement sur scène par Ermette Zacconi (1857-1948). Le répertoire de Zacconi est avant tout une pièce contemporaine. Avec un grand succès, il joue dans les œuvres d'Ibsen, A.K. Tolstoï, I.S. Tourgueniev, Giacometti... Son aînée contemporaine Ermette Novelli (1851-1919), comédienne aux multiples facettes, brillante comédienne, en est aussi une figure majeure. Son style créatif contenait tout, de la comédie dell'arte à la grande tragédie et au naturalisme.

L'actrice tragique la plus importante du tournant du siècle était la légendaire Eleonora Duse. L'actrice psychologique la plus mince, dont l'art semblait être quelque chose de plus que l'art de la réincarnation.

19ème siècle - l'apogée de la culture dialectale. plus grand développement elle reçoit en Sicile, Naples, Piémont, Venise, Milan. Le théâtre dialectal est une idée originale de la commedia dell'arte, il en a pris beaucoup : le caractère improvisé du jeu selon un scénario pré-compilé, l'amour de la bouffonnerie, les masques. Les performances ont été réalisées dans le dialecte local. Dans la seconde moitié du XIXe siècle la dramaturgie dialectale commençait à peine à acquérir sa base littéraire. Le théâtre dialectal de cette époque était avant tout un théâtre d'acteurs. Le Sicilien Giovanni Grasso (1873-1930), "tragédien primitif", acteur au tempérament spontané, brillant interprète de mélodrames sanglants, était bien connu non seulement en Italie, mais aussi à l'étranger. Le nordiste Edoardo Ferravilla (1846-1916), brillant acteur comique, auteur et interprète de ses textes, connaît un grand succès. Antonio Petito (1822-1876) est la figure la plus légendaire du théâtre napolitain, un brillant improvisateur qui a travaillé dans la technique de la commedia dell'arte, un interprète inégalé du masque Pulcinella. Son élève et disciple Eduardo Scarpetta (1853-1925), un acteur brillant, "le roi des comédiens", le créateur de son masque Felice Xoshamocchi, célèbre dramaturge. Sa meilleure comédie Les pauvres et la noblesse (1888).

20ième siècle.

Début du 20ème siècle est entré dans l'histoire des arts de la scène à l'époque de la révolution théâtrale. En Italie, le rôle des innovateurs de la scène a été repris par les futuristes. Leur objectif est de créer l'art du futur. Futuristes niés théâtre académique, genres théâtraux existants, ont tenté d'abandonner l'acteur ou de réduire son rôle à une marionnette, d'abandonner aussi le mot, en le remplaçant par des compositions plastiques et une scénographie. Ils considéraient le théâtre traditionnel comme statique, estimant qu'à l'ère de la civilisation des machines, l'essentiel était le mouvement. personnages importants du futurisme étaient F.T. Marinetti (1876-1944) et A.J. Bragaglia (1890-1961). Leurs manifestes théâtraux : Manifeste du théâtre de variétés(1913) et Manifeste du théâtre synthétique futuriste(1915) n'ont toujours pas perdu leur signification. La dramaturgie des futuristes est principalement l'œuvre de Marinetti, appelée synthèses ( scènes courtes exécuté plus souvent sans paroles). Le plus d'intérêt présente la scénographie : dans le théâtre futuriste, ils ont travaillé meilleurs artistes de cette époque : J. Balla, E. Prampolini (1894–1956), F. Depero (1892–1960). Le théâtre des futuristes n'a pas eu de succès auprès du public: les représentations ont souvent suscité l'indignation et se sont souvent déroulées avec des scandales. Le rôle des futuristes est devenu clair plus tard - dans la seconde moitié du siècle : c'est alors que leurs idées ont été développées davantage. Avec le soi-disant. Avec les « dramaturges du grotesque » et les dramaturges du « crépuscule », les futuristes préparent l'apparition de la plus grande figure du théâtre du XXe siècle. L. Pirandello. L'activité des réalisateurs étrangers revêt une grande importance en 1920-1930 : ce sont les productions de M. Reinhardt, V.I. (1896-1975), qui a initié les Italiens à la Russie. école de théâtre et les enseignements de Stanislavsky.

Luigi Pirandello commence à écrire pour le théâtre en 1910. Dans les premières pièces consacrées à la vie en Sicile et écrites en dialecte sicilien, l'influence du vérisme se fait clairement sentir. Les thèmes principaux de son travail sont l'illusion et la réalité, le visage et le masque. Il part du fait que tout dans le monde est relatif et qu'il n'y a pas de vérité objective.

Parmi les autres acteurs importants de l'époque figurent Ruggiero Ruggieri (1871–1953), Memo Benassi (1891–1957) et les sœurs Gramatika : Irma (1870–1962) et Emma (1875–1965). Parmi les dramaturges, Sem Benelli (1877-1949), auteur de la pièce de répertoire Dîner de blagues(1909) et Hugo Betti (1892-1953), dont la meilleure pièce Corruption au palais de justice(1949).

Entre les deux guerres mondiales, le théâtre dialectal occupait une place importante dans la culture italienne (bien que la politique de l'État fasciste visait à supprimer les dialectes). Le théâtre napolitain connut un succès particulier. Depuis 1932, le théâtre humoristique des frères De Filippo a commencé à fonctionner. Cependant, la figure la plus importante de cette époque était Raffaele Viviani (1888-1950), un homme au « visage souffrant et aux yeux pétillants de vagabond », créateur de son propre théâtre, acteur et dramaturge. Les pièces de Viviani racontent la vie des Napolitains ordinaires, elles contiennent beaucoup de musique et de chansons. Certaines de ses meilleures comédies sont Rue de Tolède la nuit(1918), village napolitain (1919), pêcheurs (1924), Le dernier vagabond de la rue (1932).

La période de la Résistance et les premières années après la Seconde Guerre mondiale sont entrées dans l'histoire de l'Italie comme le deuxième Risorgimento - si décisifs et irréversibles ont été les changements qui ont eu lieu dans toutes les sphères de la vie et de l'art. Après pendant de longues années stagnation sociale, tout était en mouvement et exigeait un changement. Et si pendant les années de la dictature fasciste, le théâtre s'étouffait littéralement avec le mensonge, la rhétorique et la pompe (telle était la ligne de l'art officiel), maintenant il a enfin commencé à parler un langage humain et s'est tourné vers une personne vivante. L'art de l'Italie d'après-guerre a étonné le monde par sa sincérité. La vie telle qu'elle est, avec toute sa pauvreté, ses luttes, ses victoires et ses défaites, et ses simples sentiments humains, est apparue à l'écran et sur scène. Après la guerre, le théâtre s'est développé dans la lignée du néoréalisme, l'un des mouvements artistiques les plus démocratiques et humanistes du XXe siècle. Le théâtre dialectal prend un nouveau souffle. Le Napolitain Eduardo De Filippo reçoit une reconnaissance nationale, et sa dramaturgie conquiert rapidement les scènes du monde. Il a qualifié ses pièces de "mise en scène de la vraie vie". Dans ses tristes comédies nous parlons sur la vie, sur les relations dans la famille, sur la moralité et le but d'une personne, sur les problèmes de guerre et de paix.

Le métier de metteur en scène, apparu dans le théâtre européen au tournant du siècle, ne s'est imposé en Italie que dans la seconde moitié du siècle. Le premier metteur en scène au sens européen du terme est Luchino Visconti (1906-1976), artiste réaliste au sens aigu du beau, antifasciste convaincu et humaniste qui travaille à la fois au théâtre et au cinéma. Au théâtre Visconti, le spectacle est compris comme un tout, soumis à un plan unique, la guerre est déclarée au premier ministre, les acteurs apprennent à travailler en ensemble. Les œuvres les plus significatives de Visconti dans le théâtre dramatique : Crime et Châtiment Dostoïevski (1946), ménagerie de verre (1946), Désir de tramway T.Williams (1949), Rosalinde ou comme il vous plaira (1948), Troïlus et Cressida Shakespeare Oreste Alfiéri (1949) aubergiste Goldoni (1952) Trois sœurs (1952), Oncle Ivan (1956), Le verger de cerisiers(1965) Tchekhov.

Pour la première fois années d'après-guerre en Europe, un mouvement a commencé pour des théâtres populaires accessibles et compréhensibles. En Italie, il a fusionné avec la lutte pour les théâtres stationnaires, appelés Stabile (stabile / permanent). Le premier Stabile fut le Piccolo Teatro de Milan, fondé en 1947 par P. Grassi et J. Strehler. Le théâtre artistique au service de la société - telle est la tâche que Piccolo Teatro s'est fixé. Dans l'œuvre de Strehler, plusieurs lignes de la culture théâtrale européenne convergent : tradition nationale commedia dell'arte, art réalisme psychologique et théâtre épique.

Dans les années 1960 et 1970, le théâtre européen est en plein essor et une nouvelle génération de metteurs en scène et d'acteurs entre dans le théâtre italien. Les jeunes, ressentant de manière plus aiguë l'épuisement du langage traditionnel de la scène, ont commencé à maîtriser le nouvel espace, à travailler différemment avec la lumière, le son et à rechercher de nouvelles formes de relation avec le public. Au cours de ces années, Giancarlo Nanni, Aldo Trionfo, Meme Perlini, Gabriele Lavia, Carlo Cecchi, Carlo Quartucci, Giuliano Vasiliko, Leo De Berardinis ont travaillé activement. Cependant, les figures les plus significatives de la génération des années soixante : Roberto De Simone, Luca Ronconi, Carmelo Bene, Dario Fo. Tous ont beaucoup fait pour enrichir le langage théâtral, leurs découvertes sont largement utilisées dans la pratique théâtrale.

Dario Fo est le représentant le plus en vue du théâtre politique. Fo s'intéresse à l'homme comme type social, aux traits brillants, pointus, exagérés, placé dans une situation aiguë, farfelue, paradoxale. Il utilise largement des techniques de théâtre folklorique telles que l'improvisation et la bouffonnerie.

Carmelo Bene (né en 1937) est le chef reconnu de l'avant-garde italienne de la seconde moitié du XXe siècle. Bene est appelé un grand acteur. Il écrit, met en scène et interprète lui-même les rôles principaux de ses œuvres. Son œuvre existe dans l'unité inséparable de l'auteur, de l'acteur et du metteur en scène. Bene est l'auteur de nombreuses performances, principalement basées sur des œuvres de la littérature et du théâtre du monde : Pinocchio Kalodi (1961) Faust et Marguerite (1966), Salomé Sauvage (1972) Mère de Dieu turque Béné (1973) Roméo et Juliette (1976), Richard Sh (1978), Othello(1979), Manfred Byron (1979) Macbeth (1983), Hamlet(réglé à plusieurs reprises), etc. Ce sont toutes des compositions originales de Bene, inspirées par oeuvres célébres et les rappelle très vaguement. Bene rejette la forme dramatique traditionnelle : dans ses performances, il n'y a pas d'événements construits sur le principe de cause à effet, il n'y a pas d'intrigue et de dialogue au sens habituel, le mot est parfois remplacé par le son, et l'image littéralement s'effondre, devient un objet inanimé ou disparaît complètement. Requiem for a Man - c'est ainsi qu'on pourrait définir le contenu principal de son art.

Parmi les plus jeunes, qui travaillent actuellement avec succès dans le théâtre italien, on peut citer le metteur en scène Federico Tiezzi (1951), le metteur en scène et acteur Giorgio Barberio Corsetti (1951), le metteur en scène Mario Martone (1962), qui a dirigé pendant plusieurs années le théâtre romain " Ecurie ", qui a mis un certain nombre de très performances intéressantes, parmi lesquels la performance extrêmement réussie Dix Commandements R. Viviani (2001).

Dans la seconde moitié du XXe siècle le théâtre italien, devenu théâtre de metteurs en scène, n'a pas cessé d'être un théâtre de grands acteurs. Les meilleurs acteurs du pays ont toujours travaillé dans les performances des plus grands réalisateurs. C'est le cas d'Eduardo de Filippo, de Giorgio Strehler et de Luchino Visconti, ainsi que des metteurs en scène des années soixante arrivés au théâtre sur la vague de la contestation. Le noyau de la troupe Visconti était le couple marié Rina Morelli et Paolo Stoppa, des acteurs psychologiques subtils qui ont joué dans toutes ses représentations au théâtre dramatique. Vittorio Gassman a également eu un énorme succès dans les performances de Visconti (surtout dans les performances Oreste Alfieri et Troïlus et Cressida Shakespeare). Après avoir quitté Visconti, Gassman a beaucoup joué dans le répertoire classique ; les plus remarquables étaient ses performances Othello Et Macbeth Shakespeare.

Dans la longue tradition du théâtre italien, la troupe était généralement regroupée autour d'un grand acteur (ou actrice) et les représentations étaient généralement mises en scène en fonction de la première donnée. Dans une telle troupe théâtrale, le premier acteur, l'acteur vedette (appelé divo ou mattatore en Italie) était souvent entouré d'interprètes très faibles.

Depuis plusieurs décennies (jusqu'à nos jours), les acteurs très populaires Giorgio Albertazzi et Anna Proklemer se sont produits sur les scènes des théâtres italiens, jouant les rôles principaux principalement dans des pièces du répertoire classique mondial. De nombreux acteurs très célèbres et aimés du public italien de différentes générations ont beaucoup travaillé au théâtre, notamment Anna Magnani, Salvo Rondone, Giancarlo Tedeschi, Alberto Lionello, Luigi Proietti, Valeria Moriconi, Franco Parenti, dont le nom est désormais nommé l'un des théâtres de Milan. Parenti a également travaillé au Piccolo Teatro avec Giorgio Strehler. De merveilleux acteurs ont toujours joué au Strehler Theater. Voici Tino Buazzelli, le célèbre interprète du rôle de Galileo dans la pièce La vie de Galilée B.Brecht. Tino Carraro, qui a joué pendant de nombreuses années les rôles principaux dans les pièces de Shakespeare ( Le Roi Lear, Orage), Brecht, Strindberg et d'autres. Un interprète hors pair rôles féminins dans le théâtre du directeur se trouvait Valentina Cortese, parmi les sommets, dont le travail était le rôle de Ranevskaya dans champ de cerisiers(production 1974). Parmi les plus jeunes, se distingue Pamela Villoresi, merveilleuse interprète d'images féminines dans les comédies de Carlo Goldoni, dans les pièces de Lessing, Marivaux et autres. la dernière Epoque l'actrice Andrea Jonasson, qui a joué des rôles dramatiques dans des productions de Brecht, Lessing, Pirandello et d'autres, est devenue sa muse.Deux grands interprètes du masque d'Arlequin - Marcello Moretti et Ferruccio Soleri dans la performance légendaire Arlequin d'après la comédie Goldoni Serviteur de deux maîtres.

Luca Ronconi réunit également un groupe de ses acteurs. Ce sont, tout d'abord, deux actrices plus âgées Franka Nuti et Marisa Fabbri, qui ont joué les rôles principaux dans des performances du réalisateur telles que bacchantes Euripide (1978) des fantômes Ibsen, Derniers jours humanité Kraus et d'autres, Mariangela Melato, qui a joué dans les meilleures oeuvres réalisateur comme Roland furieux Et orestée. Il a beaucoup travaillé avec Ronconi et Massimo de Francovich, parmi les grands succès desquels figure le rôle de Lear dans la pièce Le Roi Lear, ainsi que le jeune Massimo Popolicio, un acteur aux multiples facettes qui a accès aux rythmes, aussi bien au drame qu'à la comédie (l'énorme succès lui vaut le rôle de deux frères dans la comédie Goldoni Jumeaux vénitiens).

Il faut surtout distinguer les acteurs de l'école napolitaine. Parmi les plus célèbres figurent les acteurs plus âgés Salvatore de Muto, Toto (Antonio de Curtis), Peppino de Filippo et Pupella Maggio, qui ont beaucoup travaillé dans le théâtre d'Eduardo de Filippo. Parmi les plus jeunes figurent les acteurs Mariano Riggillo, Giuseppe Barra, Leopoldo Mastellone et d'autres.

Seconde moitié du XXe siècle est entré dans l'histoire du théâtre italien au moment de la renaissance de l'art de la scénographie. Les meilleurs artistes ont toujours travaillé avec les meilleurs réalisateurs du pays. Les personnalités les plus brillantes sont Luciano Damiani et Ezio Frigerio ; leurs noms sont sur les affiches de tous les meilleures performances Stréler. Et c'est aussi Enrico Job, Pier Luigi Pizzi, Gae Aulenti, Margherita Palli.

Maria Skorniakova

J'ai un voyage en Italie, et je n'ai pas pu m'empêcher de me demander - qu'en est-il des opéras ? Où aller?
A donné de précieux conseils amoit.Je poste avec son autorisation.

La saison dans différents théâtres en Italie commence de différentes manières.

Je n'ai jamais été à La Scala et je ne le ferai jamais. Je vais vous expliquer pourquoi. Pour profiter du spectacle, n'y achetez jamais de billets à la caisse. Vous ne verrez rien clairement et il n'est pas clair si vous entendrez. Les billets pour la boîte coûtent très cher. Ce serait bien d'aller aux étals. Mais les prix y sont exorbitants. Je regarde régulièrement leur affiche et vois de nombreuses bonnes performances dans la saison (parfois avec de bons réalisateurs et chefs d'orchestre et chanteurs). j'ai décidé de ne pas dépenser argent fou lors d'un voyage dans ce théâtre (d'autant plus que la politique du chef d'orchestre actuel ne m'est pas proche). Je ne peux donc rien recommander à propos de ce théâtre pour le moment :-)

Il y a quelques années, presque par hasard, nous sommes tombés sur le Teatro Reggio de Parme. Je suis un grand fan de Verdi et il y a un festival Verdi chaque année. Ici, nous y sommes vraiment allés. Rigoletto avec Leo Nucci et Jessica Pratt. Le théâtre est pas mal : très beau à l'intérieur comme à l'extérieur. histoire intéressante et de grands réalisateurs et chanteurs derrière eux. Malheureusement, depuis quelques années, leur saison lyrique est très courte (problèmes financiers pérennes) : elle démarre début janvier et se limite à 3-4 opéras. Cette année, mon attention s'est concentrée uniquement sur Simon Bocanegra dans la production du même De Ana. Cela vaut la peine de regarder l'affiche et de regarder ce qu'ils donnent en octobre sur Festival annuel Verdi et à partir de janvier, pour une courte mais saison. Le théâtre n'est pas très connu dans le monde comme La Scala ou Felice Venetian, mais à mon avis, il mérite l'attention. La ville de Parme elle-même est très agréable et vous pouvez non seulement aller au théâtre, mais aussi voir le théâtre Farnèse, la plus belle cathédrale, la maison d'Arturo Toscanini, la galerie nationale et bien plus encore. Busseto et Sant'Agata (domaine de Verdi) sont à proximité. Mais vous ne pouvez vous y rendre qu'en voiture.
J'aime beaucoup le Teatro Regio de Turin. Le théâtre est historique, mais un incendie au début du XXe siècle a détruit l'intérieur du bâtiment. Une seule façade est restée de l'historique. Mais l'intérieur du théâtre a été rénové et c'est maintenant l'une des meilleures salles européennes avec une excellente acoustique pour 1500 places. Il peut être vu et entendu parfaitement depuis n'importe quel endroit de la salle. Il est toujours facile d'obtenir des billets et ils ont l'une des saisons les plus longues avec 12 opéras de septembre à mai. Les productions sont nombreuses et souvent dignes d'attention. Le chef-d'œuvre déjà mentionné Don Carlo. Là, nous avons écouté Onegin avec notre Ladyuk et Vinogradov. Ils y sont également allés pour écouter le gala de Verdi l'année dernière avec Frittoli et Alvarez. Ce théâtre est fortement recommandé! Turin en elle-même est super ! Vous combinerez un voyage au théâtre avec une visite dans l'une des plus belles villes d'Italie (j'aime beaucoup Turin et je suis sûr que vous l'apprécierez également).

En général, il y a beaucoup d'opéras en Italie : à Gênes, à Lucques, à Florence, à Modène, à Naples. Ils sont présents dans presque toutes les villes, même les plus petites.

Torre del Lago accueille le festival annuel Puccini. Certes, c'est très spécifique: la scène est située sur le lac et vous comprenez vous-même qu'il y a des nuances: les moustiques et le vent (si dans le mauvais sens, les canards sur le lac apprécieront le son). Le festival dure tout l'été. Il serait peut-être intéressant de s'y attarder une fois. Juste à côté de la villa du compositeur (très intéressante à visiter !) l'année dernière, Gulegina Santuzza y a chanté (ne vous étonnez pas que Mascagni... ne donne pas que des opéras de Puccini). Je voulais vraiment entrer, mais ça n'a pas marché. Les billets ne sont pas bon marché, mais encore une fois sur bonne composition pas de pitié.

A Pesaro, le festival annuel de Rossini. Pour être honnête, je ne m'y suis pas encore mis, mais j'aimerais bien. Encore une fois, je vais regarder la composition. Je ne peux rien dire sur la saison théâtrale car je n'y suis pas encore allé. Il en va de même pour Ancône.

L'opéra romain est absolument magnifique ! Vaut également le détour.

De bons interprètes parcourent les théâtres avec de bonnes productions :-) Faites attention au ténor italien Francesco Meli. Je l'ai écouté dans Ernani et le Bal Masqué de Verdi (respectivement à l'Opéra Romain et au Théâtre de Parme).

Il vaut mieux suivre le mouvement des artistes et y aller :-)

À Florence, au Maggio Musicale Fiorentino, vous pouvez entendre beaucoup de bonne musique et de brillants interprètes. : en avril, Matsuev jouera avec Zubin Meta. L'année dernière, nous avons écouté une incroyable interprétation de la Symphonie Fantastique de Berlioz de Wagner et Claudio Abbado.

À propos, en été, il y a une série interminable de représentations à l'Arena di Verona. Jusqu'à ce que j'y sois. Mais je pense que ça pourrait t'intéresser. De bons interprètes y chantent souvent et de bons réalisateurs les mettent en scène. Il a ses propres spécificités (en plein air), mais quand même. C'est une option si vous voulez un bon opéra en été :-)
J'ai aussi oublié de vous parler du Teatro Comunale de Bologne ! Là aussi, il y a de merveilleuses productions avec une composition magnifique.

Il n'y a pas de théâtre de répertoire en Italie, et il n'y a pas de troupe en tant que telle dans le théâtre, à l'exception de l'orchestre et du chef d'orchestre du théâtre. Par conséquent, la composition et les œuvres proprement dites doivent être visionnées en début de saison sur le site Internet du théâtre. Encore une fois, je le répète, mais de bons interprètes chantent dans tous les théâtres que j'ai énumérés. Ils chantent dans toute l'Italie.
Il n'y a pas beaucoup de théâtres. Il y en a beaucoup et en parallèle on peut voir beaucoup de choses. Une autre chose est que vous devez vous déplacer dans le pays. Ce n'est peut-être pas très pratique : faire une marche de Turin à Rome (par exemple), puis à Bologne. Je me suis récemment fait un programme pour le futur proche. À partir de l'été, il y aura The Merry Widow à Turin, une production du même De Ana! Les chanteurs ne sont pas les meilleurs, mais il l'est (Alesandro Safina... peut-être que vous le connaissez). Vous pouvez voir la distribution exacte sur le site Web du théâtre. Nous sommes fin juin-début juillet. Il y aura Cosi fan tutte à Bologne. Ici, le line-up est plus intéressant : Korchak, Goryacheva, Albergini. Meli chantera au Carmen de Gênes tout le mois de mai. Anita (celle que vous avez écoutée au Meta) sera au Carmen à Rome en juin. La saison est toujours en cours et assez active. Aujourd'hui et le 6 avril à Parme, ils chantent The Pearl Divers avec Korczak dans le rôle-titre.

Théâtre de la Scala(MILAN)

Perle du monde culture musicale. Il est difficile d'imaginer un théâtre avec une histoire plus brillante que la célèbre La Scala. Pendant plus de 300 ans d'existence, ces murs ont beaucoup vu, mais ils ont réussi à préserver, peut-être, la chose la plus importante pour le théâtre - un charme et un mystère uniques. La saison de concerts à La Scala dure de décembre à juin (des concerts symphoniques ont lieu sur sa scène à l'automne). L'ouverture de la saison est particulièrement solennelle. C'est toujours le 7 décembre, le jour de saint Ambroise, le saint patron de Milan. Hélas, les billets se vendent parfois six mois à l'avance, alors réservez à l'avance. Prix ​​approximatif du billet - opéra/ballet : parterre 260/150 ; amphithéâtre 80-260/125 ; balcon 40-105/30-80 euros

Amphithéâtre - Arènes de Vérone(VÉRONE)

L'ancien amphithéâtre romain est célèbre pour ses opéras et ses concerts qui s'y déroulent. Construit au 1er siècle avant JC. Le plus grand bâtiment en pierre rose de Vérone est juste derrière le Colisée romain. Dans les temps anciens, des combats de gladiateurs y avaient lieu, au Moyen Âge - des tournois de joutes. Aux XVIe et XVIIe siècles. les tribunes des spectateurs ont été entièrement reconstruites, et l'arène actuelle est grandiose salle pour 25 000 places, sur la scène desquelles sont donnés de ravissants spectacles d'opéra en plein air. Il a une acoustique de construction exceptionnelle. Aujourd'hui, il y a généralement quatre productions scéniques différentes chaque année entre juin et août. A la mi-juillet, des représentations sont données presque tous les jours. DANS mois d'hiver l'opéra et le ballet donnent des représentations à l'Academic Philharmonic.

Coût approximatif des billets pour les premières à la Philharmonie : parterre d'opéra/ballet - 90/60 euros ; opéra/ballet d'amphithéâtre — 70/50 ; boîte benoir opéra/ballet - 60/35 ; balcon opéra/ballet -55/40. Le coût des billets pour les représentations répétées est d'environ moins 10 euros. Tarifs des billets pour les Arènes : parterres 220 euros, amphithéâtre 95, balcon 40. Les enfants de moins de 4 ans ne sont pas admis.

San Carlo - Théâtre de San Carlo(NAPLES)

L'Opéra de Naples a été construit sur ordre de Charles III pour remplacer le théâtre délabré de San Bartolomeo. Il a été ouvert en 1737. À cette époque, jusqu'à 3 300 spectateurs étaient placés dans la salle de théâtre, ce qui en faisait le théâtre le plus spacieux du monde.

Coût approximatif des billets pour les premières : parterre d'opéra/ballet - 170/130 euros ; opéra/ballet d'amphithéâtre - 110/100 ; boîte de benoir opéra/ballet — 90/50 ; balcon opéra/ballet -60/40. Le coût des billets pour les représentations répétées est d'environ moins 10 euros. .

Théâtre La Phénix(VENISE)

Un cœur vie musicale Venise. Un théâtre insolite avec une jetée d'eau et une élégante promenade. Le théâtre, construit en 1792, a survécu à deux incendies et à chaque fois, justifiant son nom, tel un oiseau Phénix, il renaît de ses cendres. Après une dernière terrifiante étreinte de flammes qui a presque complètement détruit le théâtre, la nouvelle La Fenice restaurée a ouvert ses portes au public le 14 décembre 2003.

Coût approximatif des billets pour les premières : parterre d'opéra/ballet - 190/140 euros ; opéra/ballet d'amphithéâtre — 160/100 ; boîte benoir opéra/ballet - 110/90 ; balcon opéra/ballet -70/50. Le coût des billets pour les représentations répétées est d'environ moins 10 euros.

Opéra - Teatro dell'Opera di Roma(ROME)

L'un des plus grands opéras d'Europe, pouvant accueillir jusqu'à deux mille deux cents mélomanes. Des spectacles d'opéra et de ballet mis en scène par des metteurs en scène du monde entier sont mis en scène ici. C'est à l'Opéra de Rome que première mondiale Tosca de Puccini, un certain nombre d'opéras de Mascagni, dont Rural Honor, Iris, Masks. Amelita Galli-Curci, la propriétaire de la plus célèbre soprano colorature du début du siècle dernier, les ténors Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa, a chanté sur sa scène.

En été, des représentations d'opéra ont lieu en plein air aux thermes de Caracalla. Autrefois, ils étaient connus comme la huitième merveille du monde. À l'été 1990, le concert légendaire de trois ténors - Placido Domingo, Jose Carreras et Luciano Pavarotti - a eu lieu sur les ruines des thermes de Caracalla.

Coût approximatif des billets pour les premières : parterre d'opéra/ballet - 160/90 euros ; opéra/ballet d'amphithéâtre — 130/80 ; boîte benoir opéra/ballet - 60/35 ; balcon opéra/ballet — 35/30. Le coût des billets pour les représentations répétées est d'environ moins 20 euros.