Et le graphisme, qui est le domaine, naturel ou transformé par l'homme.

Selon le sujet principal de l'image et la nature de la nature, dans le genre du paysage, il y a : des paysages ruraux et urbains ; paysages architecturaux et industriels; paysages maritimes et fluviaux.

Pourquoi les artistes peignent-ils des paysages alors qu'il est si facile de prendre et de photographier le paysage naturel que vous aimez ? Quelle est la différence entre un paysage pittoresque et une photographie de la région ?
Si un portraitiste dépeint une personne non seulement de l'extérieur, pour ainsi dire, du côté physique, mais aussi de son monde intérieur, alors dans le paysage, il dépeint son état intérieur, son âme. Autrement dit, un paysage pittoresque n'est pas seulement une image de la nature, c'est une image monde intérieur artiste. Et en ce sens, le paysage est différent de la photographie : quand on vient à l'exposition, on regarde l'âme d'une autre personne. En regardant le paysage, nous voyons le monde à travers les yeux d'un artiste.

Ivan Shishkin, par exemple, a écrit ses paysages dans les moindres détails, vous ne pouvez donc pas les distinguer à partir d'une photographie. Cependant, ce n'est pas l'essentiel, mais le fait que son âme ait choisi cette espèce particulière est l'état de la nature. Par conséquent, la peinture de paysage est une image de la nature avec le transfert de l'ambiance évoquée par leur contemplation.

Combien de révélations passionnantes savons-nous sur ce genre. Prenons seulement nos noms nationaux - K. Savrasov, K. Korovin, A. Rylov, N. Krymov, A. Plastov, A. Kuindzhi, N. Roerich, I. Aivazovsky et d'autres. Ils ont créé une merveilleuse tradition de la peinture de paysage russe.

Le paysage est un écho direct de l'âme d'une personne, un miroir de son monde intérieur. Parfois, il résout des problèmes majeurs, incarne les collisions spirituelles les plus subtiles. Par exemple, les impressionnistes se sont fixé des objectifs plutôt étroits - transmettre de l'air, de la lumière, capturer le scintillement des silhouettes. Le paysage russe dans ses meilleures incarnations a toujours été avant tout un concentré de sentiments profonds, d'idées philosophiques pointues.

Dans la peinture de paysage russe, il y a des œuvres dont la signification dans l'histoire de notre culture est exceptionnellement grande ! Nous disons souvent: "l'automne de Levitan", "la forêt de Shishkinsky" ou "l'étang de Polenovskiy". Les images de la nature excitent tout le monde, suscitant en eux des humeurs, des expériences et des pensées similaires.

Lequel d'entre nous n'est pas proche des paysages des peintres russes: "The Rooks Have Arrived" d'A. K. Savrasov, "The Thaw" de F. A. Vasiliev, "Rye" d'I. M. Shishkin, "Night on the Dniepr" d'A. I. Kuindzhi, "Moscou cour » de V. D. Polenov, « Au-dessus du repos éternel » de I. V. Levitan ? Nous commençons involontairement à regarder le monde à travers les yeux d'artistes qui ont révélé la beauté poétique de la nature. La capacité de créer une image dans un paysage, de transmettre ce qu'il y a de plus caractéristique dans un phénomène naturel, est une qualité distinctive de l'école de paysage russe. Cette qualité détermine peut-être sa place dans l'histoire de la peinture mondiale. Les peintres paysagistes russes se sont toujours donné pour tâche de créer un paysage - une image qui, en termes de profondeur de conception, en termes de force d'impact émotionnel, en termes de quantité de "matière" de réflexion, ne cédera pas à une composition multifigurative.

Les peintres paysagistes ont vu et véhiculé la nature à leur manière. I.K. Aivazovsky avait également ses motifs préférés, représentant les différents états de la mer, les navires et les personnes aux prises avec les éléments. Ses toiles se caractérisent par une subtile gradation de clair-obscur, l'effet de lumière, l'exaltation émotionnelle, une inclination à l'héroïsme et au pathos.

La nature, dont l'image est présentée dans les peintures des paysagistes russes, n'a rien à voir avec une reproduction indifférente et inconsidérée d'un champ, d'une forêt ou d'une rivière au nom de la «beauté» de l'un ou l'autre motif. Ils présentent toujours l'artiste lui-même, ses sentiments, ses pensées, son attitude clairement exprimée par rapport à ce qu'il représente. Prendre de vrais objets nature environnante, le paysagiste utilise à la fois leur composition et leurs caractéristiques chromatiques, renforçant l'une, étouffant l'autre, afin de créer une certaine

types de paysage

Selon la nature du motif paysager, on peut distinguer les paysages ruraux, urbains (y compris architecturaux urbains et veduta) et industriels. Une zone spéciale est l'image de l'élément marin - la marina et le paysage fluvial.

Paysage rural alias "village" - Cette direction du genre paysage a été populaire à tout moment, quelle que soit la mode. Les artistes du paysage rural sont attirés par la tranquillité, une sorte de poésie de la vie rurale, en harmonie avec la nature. La maison au bord de la rivière, les rochers, la verdure des prés, la route de campagne ont donné une impulsion à l'inspiration des artistes de tous les temps et de tous les pays.

Le paysage urbain est le résultat de plusieurs siècles d'aménagement peinture de paysage. Au XVe siècle, les paysages architecturaux se sont répandus, représentant des vues de la ville à vol d'oiseau. Antiquité et modernité se confondaient souvent sur ces toiles intéressantes, des éléments de fantaisie étaient présents.

Paysage architectural - une sorte de paysage, l'un des types de peinture en perspective, une image d'architecture réelle ou imaginaire dans un environnement naturel. Un grand rôle dans le paysage architectural est joué par une perspective linéaire et aérienne, liant nature et architecture. Dans le paysage architectural, on distingue les vues en perspective urbaines, appelées au XVIIIe siècle. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi à Venise), vues de domaines, ensembles de parcs avec bâtiments, paysages avec ruines antiques ou médiévales (J. Robert ; Abbaye K. D. Friedrich dans une chênaie, 1809-1810, Berlin , Musée d'État; S.F. Shchedrin), des paysages avec des bâtiments imaginaires et des ruines (D.B. Piranesi, D. Pannini).

Veduta (it. veduta, lit. - vu) est un paysage qui représente avec précision la vue exacte de la région, de la ville, l'une des origines de l'art panoramique. Le paysage vénitien tardif, étroitement associé aux noms de Carpaccio et Bellini, qui a réussi à trouver un équilibre entre l'exactitude documentaire de la représentation de la réalité urbaine et son interprétation romantique. Le terme est apparu au XVIIIe siècle, lorsqu'une camera obscura était utilisée pour reproduire des vues. Le principal artiste travaillant dans ce genre était A. Canaletto : Place San Marco (1727-1728, Washington, galerie nationale). (voir annexe fig 1.1.7) Les impressionnistes ont encore contribué sérieusement au développement de cette tendance : K. Monet, Pissarro et d'autres.Le développement ultérieur de cette tendance a été réduit à la recherche meilleurs moyens affichage, schémas de couleurs, possibilité d'afficher une "vibration de l'atmosphère" caractéristique des villes.

Le paysage urbain moderne n'est pas seulement une foule de gens dans les rues et des embouteillages ; c'est aussi de vieilles rues, une fontaine dans un parc tranquille, la lumière du soleil enchevêtrée dans un réseau de fils... Cette direction a attiré et continuera d'attirer les artistes et les connaisseurs d'art du monde entier.

Marina (it. marina, du lat. marinus - marine) est l'un des types de paysage dont l'objet est la mer. La marina s'est formée comme un genre indépendant en Hollande au début du XVIIe siècle : J. Porcellis, S. de Vlieger, V. van de Velle, J. Vernet, W. Turner « Funeral at Sea » (1842, Londres, Tate Gallery), K. Monet "Impression, Sunrise" (1873, Paris, Musée Marmottan), S.F. Shchedrin "Petit port à Sorrente" (1826, Moscou, Galerie Tretiakov). Aivazovsky, comme personne d'autre, a réussi à montrer un élément d'eau vivant, rempli de lumière et toujours en mouvement. Se débarrassant des contrastes trop vifs de la composition classique, Aivazovsky parvient finalement à une véritable liberté picturale. Bravura - catastrophique "La neuvième vague" (1850, Musée russe, Saint-Pétersbourg) est l'une des peintures les plus reconnaissables de ce genre.

Peinture en plein air (en plein air), principalement des paysages et des extérieurs.

Le paysage peut être historique, héroïque, fantastique, lyrique, épique.

Souvent, le paysage sert de fond à des œuvres picturales, graphiques, sculpturales (reliefs, médailles) d'autres genres. L'artiste, représentant la nature, cherche non seulement à reproduire fidèlement le motif paysager choisi, mais exprime également son attitude envers la nature, l'inspire, crée image artistique, qui a une expressivité émotionnelle et un contenu idéologique. Par exemple, grâce à I. Shishkin, qui a réussi à créer une image épique généralisée de la nature russe sur ses toiles, le paysage russe s'est élevé au niveau d'un art profondément significatif et démocratique (Rye, 1878, Ship Grove, 1898).

paysage paysage

(Paysage français, de pays - pays, localité), un genre des beaux-arts (ou des œuvres individuelles de ce genre), dans lequel le sujet principal de l'image est sauvage ou, à un degré ou à un autre, la nature transformée par l'homme. Des vues réelles ou imaginaires de localités, d'édifices architecturaux, de villes (paysage architectural urbain - veduta), de vues sur la mer (marina), etc. sont reproduites dans le paysage. Souvent, le paysage sert de fond à des scènes pittoresques, graphiques, sculpturales (reliefs, médailles ) œuvres d'autres genres. Représentant les phénomènes et les formes de l'environnement naturel d'une personne, l'artiste exprime à la fois son attitude envers la nature et la perception qu'en a la société contemporaine. De ce fait, le paysage acquiert une émotivité et un contenu idéologique significatif.

Des images de la nature ont été retrouvées dès le Néolithique (symboles de la voûte céleste, des luminaires, des points cardinaux, de la surface terrestre, des limites du monde habité). Les reliefs et les peintures des pays de l'Orient ancien (Babylonie, Assyrie, Egypte), principalement dans les scènes de guerres, de chasse et de pêche, contiennent des éléments individuels du paysage, qui ont été particulièrement multipliés et concrétisés dans l'art égyptien ancien du Nouvel Empire. Les motifs de paysage étaient largement utilisés dans l'art de la Crète aux XVIe et XVe siècles. avant JC e. ( cm. Art égéen), où pour la première fois l'impression d'une unité émotionnellement convaincante de la faune, de la flore et des éléments naturels a été obtenue. Les éléments de paysage de l'art grec ancien sont généralement indissociables de la représentation d'une personne; le paysage hellénistique et romain antique, qui comprenait des éléments de perspective (peintures illusionnistes, mosaïques, reliefs dits picturaux), avait une indépendance un peu plus grande. Cette époque est caractérisée par l'image de la nature, perçue comme la sphère de l'existence idyllique de l'homme et des dieux. Dans l'art médiéval de l'Europe, les éléments du paysage (en particulier les vues des villes et des bâtiments individuels) servaient souvent de moyen d'espaces conditionnels, de constructions (par exemple, des «collines» ou des «chambres» dans les icônes russes), se transformant dans la plupart des cas en laconique indices de la scène. Dans un certain nombre de compositions, les détails du paysage ont été transformés en schémas théologiques spéculatifs qui reflétaient les idées médiévales sur l'Univers.

Dans l'art médiéval des pays de l'Orient musulman, les éléments du paysage ont d'abord été présentés avec parcimonie, à l'exception de rares exemples inspirés des traditions hellénistiques. Des XIIIe-XIVe siècles. ils occupent une place de plus en plus importante dans le livre miniature, où aux XV-XVI siècles. dans les œuvres de l'école de Tabriz et de l'école de Herat, les arrière-plans paysagers, distingués par la pureté rayonnante des couleurs, évoquent l'idée de la nature comme jardin magique clos. Les détails du paysage dans l'art médiéval de l'Inde (en particulier dans les miniatures à partir de l'école moghole), de l'Indochine et de l'Indonésie (par exemple, des images d'une forêt tropicale en relief sur des thèmes mythologiques et épiques) atteignent une grande puissance émotionnelle. Une place exceptionnellement importante est occupée par le paysage en tant que genre indépendant dans la peinture. Chine médiévale où la nature toujours renouvelée était considérée comme l'incarnation la plus évidente de la loi mondiale (dao); ce concept trouve une expression directe dans le type de paysage "shan-shui" ("guru-voudy"). Dans la perception du paysage chinois rôle essentiel inscriptions poétiques, motifs symboliques, personnifiant des qualités spirituelles sublimes (pin de montagne, bambou, prunier sauvage "meihua"), figures humaines, résidant dans un espace qui semble sans limites en raison de l'introduction de vastes panoramas de montagnes, de surfaces d'eau et de brume brumeuse dans la composition , joué. Les plans spatiaux séparés du paysage chinois ne sont pas délimités, mais coulent librement les uns dans les autres, obéissant à la solution décorative générale du plan de l'image. Parmi les plus grands maîtres du paysage chinois (établis dès le VIe siècle) figurent Guo Xi (XIe siècle), Ma Yuan, Xia Gui (tous deux - fin XIIe - première moitié du XIIIe siècle), Mu-qi (premier moitié du XIIIe siècle). Paysage japonais, formé par les XII-XIII siècles. et fortement influencé par l'art chinois, se distingue par un graphisme aiguisé (par exemple, à Sesshu, XVe siècle), une tendance à mettre en valeur les motifs individuels les plus avantageux en termes décoratifs, et enfin (aux XVIIIe-XIXe siècles), un plus rôle actif de l'homme dans la nature (paysages de Katsushika Hokusai et Ando Hiroshige).

Dans l'art d'Europe occidentale des XIIe-XVe siècles. la tendance à une interprétation sensuellement convaincante du monde conduit au fait que l'arrière-plan du paysage commence à être compris comme une partie fondamentalement importante d'une œuvre d'art. Les arrière-plans conditionnels (dorés ou ornementaux) sont remplacés par des arrière-plans paysagers, se transformant souvent en un large panorama du monde (Giotto et A. Lorenzetti en Italie du XIVe siècle ; miniaturistes bourguignons et hollandais des XIVe-XVe siècles ; frères H. et J. van Eyck aux Pays-Bas ; K Witz et L. Moser en Suisse et en Allemagne dans la première moitié du XVe siècle). Les artistes de la Renaissance se sont tournés vers l'étude directe de la nature, ont créé des croquis et des études à l'aquarelle, ont développé des principes pour la construction en perspective de l'espace paysager, guidés par les concepts de la rationalité des lois de l'univers et ravivant l'idée du paysage en tant que véritable habitat humain (ce dernier moment était particulièrement caractéristique des maîtres italiens du Quattrocento). Une place importante dans l'histoire du paysage est occupée par les travaux de A. Mantegna, P. Uccello, Piero della Francesca, Léonard de Vinci, Gentile et Giovanni Bellini, Giorgione, Titien, Le Tintoret en Italie, Hugo van der Goes, Gertgen tot Sint-Jans, H. Bosch aux Pays-Bas, A. Durer, M. Nithardt en Allemagne, maîtres de l'école du Danube en Allemagne et en Autriche. Dans l'art de la Renaissance, les conditions préalables sont formées pour l'émergence d'un genre paysager indépendant, qui se développe d'abord dans le graphisme (A. Dürer et l'école du Danube) et dans de petites compositions picturales, où l'image de la nature constitue soit le seul contenu du tableau (A. Altdorfer) ou règne en maître sur les scènes de premier plan (Néerlandais I. Patinir). Si les artistes italiens cherchaient à souligner la consonance harmonieuse des principes humains et naturels (Giorgione, Titien), et à incarner l'idée d'un environnement architectural idéal dans des arrière-plans de paysage urbain (Raphaël), les maîtres allemands étaient particulièrement disposés à se tourner à la faune, lui donnant souvent un aspect orageux catastrophique. La combinaison de moments de paysage et de genre, typique du paysage hollandais, conduit aux résultats les plus frappants dans les œuvres de P. Brueghel l'Ancien, dont les caractéristiques ne sont pas seulement la grandiosité des compositions panoramiques, mais aussi la pénétration la plus profonde dans le nature de la vie populaire, organiquement liée à l'environnement paysager. Au XVIe - début XVIIe siècle. par plusieurs maîtres hollandais (Herry met de Bles, Josse de Momper, Gillis van Coninxloe) caractéristiques traditionnelles Dans le paysage de la Renaissance, des observations subtiles de la vie se mêlent à la fantaisie maniériste, soulignant l'attitude subjective et émotionnelle de l'artiste face au monde.

Au début du XVIIe siècle. dans l'œuvre de l'italien An. Carracci, le Néerlandais P. Bril et l'Allemand A. Elsheimer, les principes d'un paysage "idéal", subordonné à l'idée d'une loi raisonnable, cachée sous la diversité extérieure des divers aspects de la nature, sont formulés. Dans l'art du classicisme, le système de composition conditionnelle à trois plans est enfin fixé, la différence fondamentale entre un croquis ou une esquisse et un paysage fini est affirmée. Parallèlement, le paysage devient porteur d'un contenu éthique élevé, ce qui est particulièrement caractéristique du travail de N. Poussin et C. Lorrain, dont les œuvres représentent 2 versions du paysage "idéal" - héroïque et idyllique. Dans le paysage baroque (flamand P. P. Rubens, italiens S. Rosa et A. Magnasco), le pouvoir élémentaire de la nature prime, parfois comme s'il submergeait une personne. Éléments de peinture de la nature, à l'extérieur ( cm. Plein air) apparaissent dans les paysages de D. Velasquez, marqués par une extraordinaire fraîcheur de perception. Peintres hollandais et graphiques du 17ème siècle. (J. van Goyen, H. Seghers, J. van Ruisdael, M. Hobbema, Rembrandt, J. Vermeer de Delft), développant en détail la perspective légère-aérienne et le système des nuances-valeurs, conjuguent dans leurs œuvres la poétique sentiment de la vie naturelle de la nature, son éternelle variabilité, une idée de la grandeur des espaces naturels sans limites avec l'idée d'un lien étroit entre la nature et l'existence humaine quotidienne. Les maîtres néerlandais ont créé divers types de paysage (y compris la marina et le paysage urbain).

Depuis le 17ème siècle le paysage topographique est largement répandu (graveurs - l'Allemand M. Merian et le Tchèque V. Gollar), dont le développement a été largement prédéterminé par l'utilisation de la camera obscura, qui a permis de transférer des motifs individuels sur toile ou papier avec précision sans précédent. Ce genre de paysage au XVIIIe siècle. s'épanouit dans Canaletto et B. Belotto, saturé d'air et de lumière, en ouverture qualitative nouvelle étape dans l'histoire du paysage, les œuvres de F. Guardi, qui se distinguent par leur reproduction virtuose de l'environnement changeant de la lumière et de l'air. Paysage d'espèces au XVIIIe siècle. joué un rôle décisif dans la formation du paysage dans les pays européens où jusqu'au XVIIIe siècle. il n'y avait pas de genre de paysage indépendant (y compris en Russie, où les plus grands représentants de ce type de paysage étaient les graphistes A.F. Zubov, M.I. Makhaev, le peintre F.Ya. Alekseev). Une place particulière est occupée par les paysages graphiques de G. B. Piranesi, qui a romancé les ruines, les monuments de l'architecture ancienne et les a dotés d'une grandeur surhumaine. La tradition du paysage "idéal" a acquis une interprétation délicieusement décorative à l'époque rococo (Paysage représentant les ruines du Français J. Robert), mais, en général, le paysage "idéal", qui occupait (sous le nom de paysage historique ou mythologique) une position secondaire dans le système classiciste des genres, au XVIIIe siècle. dégénère dans une direction académique, subordonnant les motifs naturels aux lois abstraites de la composition classique. Les tendances pré-romantiques se devinent dans les fonds de parc intimes et lyriques dans les peintures d'A. Watteau, J. O. Fragonard en France, ainsi que dans le travail des fondateurs de l'école anglaise du paysage - T. Gainsborough, R. Wilson.

À la fin du XVIII - la première moitié du XIX siècle. les tendances au romantisme prédominent dans le paysage (J. Krom, J. S. Cotman, J. R. Cozens, J. M. W. Turner en Grande-Bretagne ; J. Michel en France ; K. D. Friedrich, L. Richter en Allemagne ; J. A. Koch en Autriche, J. K. K. Dahl en Norvège, paysage a également joué un grand rôle dans les travaux de F. Goya et T. Géricault). L'importance du paysage dans le système artistique du romantisme s'explique par le fait que les romantiques ont rapproché la vie de l'âme humaine de la vie de la nature, voyant dans le retour au milieu naturel un moyen de corriger les imperfections morales et sociales de l'homme. Ils ont montré une sensibilité particulière à l'unicité individuelle des états individuels de la nature et à l'originalité des paysages nationaux. Les dernières caractéristiques sont extrêmement caractéristiques de l'œuvre de l'Anglais J. Constable, qui a le plus contribué à l'évolution du paysage vers des images réelles qui préservent la fraîcheur de l'étude naturelle. Généralisation, clarté poétique de la perception du monde, ainsi que l'intérêt pour les problèmes du plein air sont caractéristiques des maîtres qui furent à l'origine des écoles nationales du paysage réaliste européen (début C. Corot en France ; en partie K. Blechen en Allemagne ; A. A. Ivanov, en partie S. F. Shchedrin et M. I. Lebedev en Russie).

Représentants décor réaliste milieu et seconde moitié du XIXe siècle. (Corot, maîtres de l'école de Barbizon, G. Courbet, J. F. Millet, E. Boudin en France ; Macchiaioli en Italie ; A. Menzel et en partie l'école de Düsseldorf en Allemagne ; J. B. Jongkind et l'école de La Haye en Hollande, etc.) progressivement ont survécu à l'associativité littéraire du paysage romantique, essayant de montrer leur propre valeur de la nature à travers la divulgation de l'essence objective des processus qui s'y déroulent. Les peintres paysagistes de cette période recherchent le naturel et la simplicité de composition (en particulier en refusant dans la plupart des cas les vues panoramiques), développent dans le détail les rapports d'ombre et de valeur, qui permettent de rendre la perceptibilité matérielle de l'environnement naturel. La sonorité éthique et philosophique du paysage, héritée du romantisme, prend désormais un sens plus démocratique, qui se manifeste également dans le fait que des gens du peuple, des scènes de travail rural sont de plus en plus inclus dans le paysage.

Dans le paysage russe du XIXème siècle. les traditions romantiques jouent un rôle de premier plan dans les travaux de M. N. Vorobyov et I. K. Aivazovsky. Dans la seconde moitié du XIXème siècle. l'épanouissement du paysage réaliste (dont les fondements ont été posés dans les travaux d'A. G. Venetsianov et surtout d'A. A. Ivanov), qui est étroitement lié aux activités des Wanderers. Surmontant l'artificialité et la théâtralité du paysage académique, les artistes russes se sont tournés vers leur nature natale (L. L. Kamenev, M. K. Klodt), dont les motifs sont particulièrement monumentaux et épiques dans les œuvres de I. I. Shishkin. La tendance à dépeindre les états de transition de la nature, la richesse lyrique inhérente au travail de A. K. Savrasov, acquiert une nuance dramatique et intense chez F. A. Vasiliev. Les tendances romantiques tardives se manifestent dans les œuvres d'A. I. Kuindzhi, qui a combiné une prédilection pour les effets d'éclairage forts avec une interprétation décorative du plan de l'image. A la fin du XIXème siècle. la ligne du paysage émotionnel-lyrique, souvent imprégnée des motifs de la douleur civile, se poursuit dans le soi-disant paysage d'humeur; de tels paysages incluent les œuvres de V. D. Polenov, marquées par une douce contemplation, et surtout les toiles de I. I. Levitan, qui combinaient le psychologisme intime et le transfert le plus subtil des états de la nature avec une interprétation philosophique élevée des motifs paysagers.

L'importance dominante est acquise par le paysage chez les maîtres de l'impressionnisme (C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley, etc.), qui considéraient le travail en plein air comme une condition indispensable à la création d'une image de paysage. Les impressionnistes ont fait de l'élément le plus important du paysage un environnement vibrant de lumière et d'air riche en nuances colorées, enveloppant les objets et assurant l'indissolubilité visuelle de la nature et de l'homme. Dans un effort pour saisir la variabilité diverse des états de la nature, ils ont souvent créé des séries de paysages, unis par un motif (Monet). Leur travail reflète également la dynamique de la vie urbaine moderne, grâce à laquelle le paysage urbain a acquis des droits égaux aux images de la nature. Au tournant des XIX et XX siècles. plusieurs directions se développent dans le paysage, développant les principes du paysage impressionniste et en même temps entrant dans des relations antagonistes avec eux. P. Cézanne a affirmé dans ses œuvres la puissance monumentale et la nette constructivité des paysages naturels. J. Seurat a subordonné les motifs paysagers à des constructions strictement ajustées et planes-décoratives. V. van Gogh s'est efforcé d'accroître l'associativité psychologique, souvent tragique, des images de paysage, donnant aux détails individuels du paysage une animation presque humaine. Dans les œuvres de P. Gauguin, proches du paysage du symbolisme et se distinguant par la sonorité des plans chromatiques locaux rythmés, l'image d'un paysage idyllique est radicalement repensée. Des artistes associés au symbolisme et au style "moderne" ("nabis" en France, F. Hodler en Suisse, E. Munch en Norvège, A. Gallen-Kallela en Finlande) ont introduit dans le paysage l'idée d'une relation mystérieuse entre l'homme et la "terre mère" (d'où les types de paysage-rêve et de paysage-souvenir, populaires à cette époque), battent dans leurs compositions diverses sortes de "formes traversantes" (branches, racines, tiges, etc.), la disposition ornementale qui crée l'illusion d'une imitation directe des rythmes de la nature elle-même. Dans le même temps, la recherche d'une image généralisée de la patrie, souvent saturée de folklore ou de réminiscences historiques, et combinant les traits les plus établis du paysage national, typiques des mouvements national-romantiques, s'est intensifiée (le Polonais F. Ruschits, le Tchèque A. Slavichek, le Roumain Sh. Lukyan, le Letton V. Purvit).

Dans l'art du XXe siècle. un certain nombre de maîtres s'efforcent de trouver les caractéristiques les plus stables de tel ou tel motif de paysage, en le débarrassant de tout ce qui est "éphémère" (représentants du cubisme), d'autres, à l'aide d'harmonies de couleurs jubilatoires ou dramatiquement intenses, soulignent la dynamique interne du paysage, et parfois même son identité nationale (représentants du fauvisme et parents maîtres de ceux-ci en France, Yougoslavie, Pologne, et expressionnisme en Allemagne, Autriche et Belgique), d'autres, en partie sous l'influence de la photographie artistique, déplacent l'accent principal sur le bizarrerie et expressivité psychologique du motif (représentants du surréalisme). Chez nombre de représentants de ces courants, la tendance à déformer l'image du paysage, qui fait souvent du paysage un prétexte à des constructions abstraites, est une transition vers art abstrait(le paysage a joué un rôle similaire, par exemple, dans les œuvres du Néerlandais P. Mondrian, du Suisse P. Klee et du Russe V.V. Kandinsky). Au XXe siècle. en Europe et en Amérique, le paysage industriel s'est généralisé, interprétant souvent le monde de la technique comme une sorte d'anti-nature, irrésistiblement hostile à l'homme (C. Demuth, N. Spencer, C. Sheeler aux USA, P. Brüning en Allemagne). Les paysages urbains futuristes et expressionnistes prennent souvent un caractère fortement agressif ou distant, imprégné d'ambiances de désespoir tragique ou de mélancolie. Cette caractéristique est également inhérente au travail de certains maîtres réalistes (M. Utrillo en France, E. Hopper aux USA). Dans le même temps, un paysage de caractère réaliste et national-romantique se développe rapidement, dans lequel les images d'une nature d'une beauté immaculée se transforment souvent en une antithèse directe de la civilisation capitaliste (B. Palencia en Espagne, Kjarval en Islande, le "Groupe des Seven" au Canada, R. Kent aux USA, A. Namatjira en Australie).

Dans le paysage russe au tournant des XIX-XX siècles. traditions réalistes de la seconde moitié du XIXe siècle. entrelacé avec les influences de l'impressionnisme et "moderne". Les œuvres de V. A. Serov, P. I. Petrovitchev, L. V. Turzhansky sont proches de l'ambiance paysagère de Lévitan, mais plus intimes dans leur esprit. La combinaison d'intonations lyriques avec une sonorité accrue de la couleur est caractéristique du travail de K. A. Korovin et, en particulier, de I. E. Grabar. Les caractéristiques nationales-romantiques sont inhérentes aux œuvres de A. A. Rylov et aux compositions de genre paysage de K. F. Yuon; folklore, moment historique ou littéraire joue un rôle important dans A. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, N. K. Roerich, ainsi que dans le paysage "héroïque" de K. F. Bogaevsky. Dans le cercle des maîtres du «monde de l'art», le type de souvenirs de paysage a été cultivé (L. S. Bakst, K. A. Somov), des vues historiques et architecturales empreintes de notes élégiaques ont surgi (A. N. Benois, E. E. Lansere, A. P Ostroumova- Lebedeva), paysage urbain spectaculaire (M. V. Dobuzhinsky). Parmi les variations sur le thème d'un paysage-rêve surréaliste dans l'esprit de V. E. Borisov-Musatov, typique des artistes de Blue Rose, se distinguent les compositions orientalistes de P. V. Kuznetsov et M. S. Saryan, ainsi que des peintures de N. P. Krymov, s'efforçant de un équilibre strict des solutions de couleur et de composition. Dans le paysage des maîtres "Jack of Diamonds", la jutosité de la palette de couleurs et la manière picturale capricieuse et libre révèlent la richesse plastique et l'éclat de la nature.

Pour le paysage soviétique, se développant conformément au réalisme socialiste, les images les plus caractéristiques révèlent la beauté vitale du monde, son lien étroit avec l'activité transformatrice des gens. Dans ce domaine, des maîtres ont émergé qui s'étaient développés dans la période pré-révolutionnaire, mais après Révolution d'Octobre 1917 entre dans une nouvelle phase de créativité (V. N. Baksheev, Grabar, Krymov, A. V. Kuprin, Ostroumova-Lebedeva, Rylov, Yuon, etc.), ainsi que des artistes dont les activités sont entièrement liées à L'époque soviétique(S.V. Gerasimov, A.M. Gritsai, N.M. Romadin, V.V. Meshkov, S.A. Chuikov). Dans les années 20. le paysage industriel soviétique est en train d'émerger (B. N. Yakovlev et autres). spiritualisé par le pathos de la construction socialiste, un type de paysage mémoriel se dessine (par exemple, des peintures de V.K. Iasnaïa Polyana). Dans les années 30-50. le tableau-paysage monumental, fondé sur une refonte approfondie de la matière de l'étude, est majoritairement diffusé. Dans les œuvres des peintres paysagistes soviétiques, l'image synthétique de la patrie apparaît de plus en plus à travers les caractéristiques d'une zone particulière, en raison de laquelle même des vues traditionnellement associées au concept romantique de paysage (par exemple, les paysages de la Crimée ou de l'Extrême-Nord ) sont privés d'une touche d'aliénation exotique. Les artistes sont attirés par les motifs qui permettent de montrer l'interaction des formes industrielles et naturelles, les changements dynamiques dans la perception spatiale du monde associés à un rythme accéléré Vie moderne(A.A. Deineka, G.G. Nissky, P.P. Ossovsky). Dans les écoles républicaines du paysage soviétique, le rôle principal est joué par les travaux de I. I. Bokshay, A. A. Shovkunenko en Ukraine, D. Kakabadze en Géorgie, Saryan en Arménie, U. Tansykbaev en Ouzbékistan, A. Zhmuydzinavichyus et A. Gudaitis en Lituanie, E .Keats en Estonie. Dans les années 60-80. le principe de l'image de paysage conserve sa signification, mais l'accent est mis sur l'expressivité accrue de la texture et de la couleur, sur des rythmes de composition nus qui affectent activement le public. Parmi les peintres paysagistes soviétiques les plus importants qui se sont fait connaître dans les années 50-70 figurent L. I. Brodskaya, B. F. Domashnikov, E. I. Zverkov, T. Salakhov, V. M. Sidorov, V. F. Stozharov , I. Shvazhas.

Palais à Luoyang. Soie, encre, aquarelles. 8e s.

I.Vermeer. "Vue de Delft". Vers 1658. Mauritshuis. La Haye.

C.Lorrain. "Départ de Sainte Ursule". 1646. Galerie nationale. Londres.

J. Constable. "Le Moulin à Dedham". Vers 1819. Tate Gallery. Londres.

I. E. Grabar. "L'allée des bouleaux". 1940. Galerie Tretiakov. Moscou.

G. G. Nissky. "Région de Moscou. Février". 1957. Galerie Tretiakov. Moscou.

M.K. Avetisyan. "Paysage d'automne". 1973. Collection privée. Erevan.
Littérature: Fedorov-A. Davydov, Paysage russe du XVIIIe - début du XIXe siècle, M., 1953 ; son, Paysage soviétique, M., 1958 ; son, paysage russe de la fin du XIX - début du XX siècles, M., 1974 ; F. Maltsev, Maîtres du paysage réaliste russe, c. 1-2, M., 1953-59; Maîtres du paysage soviétique sur le paysage, M., 1963; N. A. Vinogradova, Peinture de paysage chinoise, M., 1972 ; N. Kalitina, peinture de paysage française. 1870-1970, L., 1972; Problèmes de paysage en Europe art XIX in., M., 1978; O. R. Nikulina, La nature à travers les yeux d'un artiste, M., 1982 ; Santini P. S., Peinture de paysage moderne, L, 1972 ; Pochat G., Figur und Landschaft, B.-N. Y., 1973 ; Clark K., Landscape into art, L., 1976 ; Wedewer R., Landshaftsmalerei zwischen Traum und Wirklichkeit, Cologne, 1978 ; Baur Ch., Landschaftsmalerei der Romantik, Münch., 1979 ; Strisik P., L'art de la peinture de paysage, N. Y., 1980.

Source : populaire encyclopédie artistique." Éd. Champ V.M. ; M. : Maison d'édition " Encyclopédie soviétique", 1986.)

paysage

(Paysage français, de pays - pays, localité), un genre de peinture dédié à la représentation de la nature dans toute sa diversité de formes, de formes, d'états, colorée par la perception personnelle de l'artiste.

Le paysage est apparu pour la première fois comme un genre indépendant en Chine (vers le VIIe siècle). Les artistes chinois ont atteint une spiritualité et une profondeur philosophique exceptionnelles dans le paysage. Sur de longs rouleaux de soie horizontaux ou verticaux, ils n'ont pas écrit des vues de la nature, mais une image holistique de l'univers dans lequel une personne est dissoute (voir art. art chinois).

Dans l'art d'Europe occidentale, le genre du paysage prend forme en Hollande dans la première moitié. 17ème siècle L'un de ses fondateurs était I. Patinir, un maître des vues panoramiques avec de petites figurines de personnages bibliques ou mythologiques incluses. H. Averkamp, ​​​​J. van Goyen, et plus tard J. van Ruisdael, et d'autres artistes ont contribué au développement du paysage. Une grande place dans le paysage hollandais était occupée par la vue sur la mer - ports de plaisance. Vers le paysage urbain documentaire - mener- a demandé aux Italiens, en particulier aux maîtres vénitiens. Canaletto représentait Venise au temps de sa prospérité. De subtiles fantaisies poétiques sur les thèmes de la vie vénitienne ont été créées par F. Garde. Art français du XVIIe siècle le paysage s'est développé en accord avec le style classicisme. La nature, pleine de forces puissantes et héroïques, apparaît dans les toiles de N. Poussin; des paysages idéaux qui incarnent le rêve d'un âge d'or, écrit K. Lorrain.

Le réformateur de la peinture de paysage européenne a été fait au début. 19ème siècle L'artiste anglais J. gendarme. L'un des premiers qu'il a commencé à écrire des croquis en plein air, il a regardé la nature avec un "regard impartial". Ses œuvres ont laissé une impression indélébile sur les peintres français et ont servi d'impulsion au développement d'un paysage réaliste en France (K. Korō et artistes école de barbizon). Des tâches picturales encore plus complexes ont été fixées par les artistes impressionnistes (K. Monnet, o. Renoir, POUR. Pissarro, MAIS. Sisley et etc.). Le jeu de l'éclat du soleil sur les feuillages, les visages, les vêtements des gens, le changement d'impressions et d'éclairage en une journée, la vibration de l'air et le brouillard humide s'incarnaient dans leurs toiles. Souvent, les artistes ont créé une série de paysages avec un motif (la cathédrale de Rouen de Monet à différents moments de la journée, 1893-95). Dans les peintures "ensoleillées" des impressionnistes, pour la première fois, des couleurs pures, non mélangées sur la palette, sonnaient joyeusement. Les paysages ont été peints entièrement en à ciel ouvert, de la nature.

Dans l'art russe, le paysage en tant que genre indépendant est apparu dans con. 18ème siècle Ses fondateurs étaient des architectes, des décorateurs de théâtre, des maîtres des vues en perspective. À Académie des Arts de Saint-Pétersbourg les peintres paysagistes ont été élevés selon les principes du classicisme. Ils devaient créer des vues de leur nature natale sur les modèles des peintures célèbres du passé, et surtout les œuvres des Italiens des XVIIe-XVIIIe siècles. Les paysages étaient "composés" dans l'atelier, ainsi, par exemple, le nord et humide de Gatchina (près de Saint-Pétersbourg) ressemblait à l'Italie ensoleillée dans les toiles de Semyon Fedorovich Shchedrin ("Le pont de pierre à Gatchina près de la place Connetable", 1799- 1800). Des paysages héroïques ont été créés par F. M. Matveev, se référant principalement aux vues de la nature italienne («Vue de Rome. Colisée», 1816). F.Ya. Alekseev avec beaucoup de cordialité et de chaleur, il a peint des vues architecturales de la capitale et des villes provinciales de Russie. Dans les paysages russes du XVIIIe siècle, construits selon les règles du classicisme, le «héros» principal (le plus souvent un vieux structure architecturale) a été placé au centre ; des arbres ou des buissons des deux côtés servaient de coulisses; l'espace était clairement divisé en trois plans, et l'image au premier plan était résolue dans les tons bruns, dans le second - en vert, au loin - en bleu.

Époque le romantisme apporte de nouvelles tendances. Le paysage est conçu comme l'incarnation de l'âme de l'univers ; la nature, comme l'âme humaine, apparaît dans la dynamique, dans l'éternelle variabilité. Sylvestre Feodosievitch Shchedrin, le neveu de Semyon Fedorovich Shchedrin, qui a travaillé en Italie, a été le premier à peindre des paysages non pas en studio, mais en plein air, obtenant plus de naturel et de véracité dans la transmission de l'environnement lumière-air. La terre fertile d'Italie, remplie de lumière et de chaleur, devient l'incarnation d'un rêve dans ses peintures. Ici, c'est comme si le soleil ne se couchait jamais et que l'été éternel régnait, et les gens sont libres, beaux et vivent en harmonie avec la nature ("Côte de Sorrente surplombant l'île de Capri", 1826 ; "Terrasse au bord de la mer", 1928). Les motifs romantiques avec des effets de clair de lune, la poésie sombre des nuits sombres ou l'éclat de la foudre ont attiré M. N. Vorobyov («Nuit d'automne à Saint-Pétersbourg. Jetée avec des sphinx égyptiens la nuit», 1835; «Chêne brisé par la foudre», 1842). Au cours de ses 40 années de service à l'Académie des Arts, Vorobyov a élevé une galaxie de peintres paysagistes remarquables, parmi lesquels se trouvait le célèbre peintre marin I.K. Aivazovsky.

En peinture, au deuxième étage. 19ème siècle le paysage a occupé une place importante dans l'oeuvre Vagabonds. Les peintures d'A.K. Savrasova(« Les tours sont arrivées », 1871 ; « Route de campagne », 1873), qui découvrit la modeste beauté de la nature russe et réussit à en révéler sincèrement la vie la plus profonde dans ses toiles. Savrasov est devenu le fondateur du «paysage d'ambiance» lyrique dans la peinture russe, dont la ligne a été poursuivie par F.A. Vasiliev(« Dégel », 1871 ; « prairie humide», 1872) et II. Lévitan(« Cloches du soir », 1892 ; « or automne", 1895). Je.Je. Chichkine, contrairement à Savrasov, a chanté la force héroïque, l'abondance et la puissance épique de la terre russe ("Rye", 1878; "Forest Dali", 1884). Ses peintures fascinent par l'infinité de l'espace, l'étendue du ciel élevé, la beauté majestueuse des forêts et des champs russes. Une caractéristique de son style de peinture était le dessin soigné des détails, combiné à la monumentalité de la composition. Paysages A.I. Kuindzhi contemporains émerveillés par les effets du clair de lune ou de la lumière du soleil. L'expressivité des peintures largement et librement peintes " Nuit au clair de lune sur le Dniepr" (1880), " Bosquet de bouleaux» (1879) est basé sur des contrastes de lumière et de couleur exactement trouvés. VD Polénov dans les peintures "Moscow Courtyard" et "Grandmother's Garden" (tous deux - 1878), il a subtilement et poétiquement transmis le charme de la vie dans les anciens "nids nobles". Ses œuvres sont peintes avec des notes à peine perceptibles de tristesse, de nostalgie de la culture sortante.

Au tournant des XIXe-XXe siècles. K.A. Korovine(« Paris Café », années 1890) et I.E. Grabar("February Blue", 1904) a écrit des vues de la nature dans l'esprit impressionnisme. PV Kouznetsov, K.S. Petrov-Vodkine, K.F. Bogaïevski, MME. Sarian et d'autres ont créé des paysages qui emmènent le spectateur dans le monde des rêves de terres lointaines épargnées par la civilisation, de grandes époques révolues. Les maîtres de l'art soviétique ont perpétué les grandes traditions de leurs prédécesseurs. Un nouveau genre de paysage industriel est apparu, qui reflétait de manière vivante le pathétique de l'époque (B. N. Yakovlev, G. G. Nissky, P. P. Ossovsky et autres). En con. 20 - tôt. 21e siècle le paysage attire toujours des peintres de différentes générations (N. M. Romadin, N. I. Andronov, V. F. Stozharov, I. A. Starzhenetskaya, N. I. Nesterov et etc.)

Le thème du paysage en tant que genre des beaux-arts est la zone. Du français, le mot "paysage" est traduit par "région, pays". Après tout, le paysage n'est pas seulement l'image de la nature qui nous est familière. Le paysage peut aussi être urbain (architectural par exemple). Dans le paysage urbain, une image précise documentée est distinguée - «principale».

Et si nous parlons du paysage naturel, alors ici ils se distinguent séparément paysage marin, qui s'appelle "marina" (respectivement, les artistes représentant la mer sont appelés "peintres marins"), cosmique (image de l'espace céleste, des étoiles et des planètes).
Mais les paysages diffèrent aussi dans le temps : paysages modernes, historiques, futuristes.
Or, en art, quel que soit le paysage (réel ou fictif), il s'agit toujours d'une image artistique. À cet égard, il est important de comprendre que pour chaque style artistique(classicisme, baroque, romantisme, réalisme, modernisme) se caractérise par sa propre philosophie et esthétique de l'image du paysage.
Bien sûr, le genre paysage s'est développé progressivement - tout comme la science s'est développée. Il semblerait que ce qui est commun entre le paysage et la science ? Beaucoup en commun! Pour créer un paysage réaliste, il faut avoir des connaissances en perspective linéaire et aérienne, en proportionnalité, en composition, en clair-obscur, etc.
Par conséquent, le genre du paysage est considéré comme un genre relativement jeune en peinture. Pendant longtemps, le paysage n'a été qu'un moyen « auxiliaire » : la nature a été représentée en arrière-plan dans les portraits, les icônes et les scènes de genre. Souvent ce n'était pas réel, mais idéalisé, généralisé.
Et bien que le paysage ait commencé à se développer dans l'art oriental ancien, il a acquis une importance indépendante dans l'art d'Europe occidentale à partir du XIVe siècle environ.
Et il serait très intéressant de comprendre pourquoi cela s'est produit. En effet, à cette époque, une personne savait déjà représenter assez correctement des idées abstraites, son apparence, sa vie, des animaux dans des symboles graphiques, mais il est resté longtemps indifférent à la nature. Et ce n'est que maintenant qu'il essaie de comprendre la nature et son essence, parce que dépeindre - vous devez comprendre.

Développement du paysage dans la peinture européenne

L'intérêt pour le paysage devient clairement visible, à commencer par la peinture du début de la Renaissance.
artiste et architecte italien Giotto(vers 1267-1337) ont développé une toute nouvelle approche de la représentation de l'espace. Et bien que dans ses peintures le paysage n'était aussi qu'un moyen auxiliaire, il portait déjà un regard indépendant charge sémantique, l'espace plat et bidimensionnel de l'icône Giotto s'est transformé en trois dimensions, créant l'illusion de profondeur à l'aide du clair-obscur.

Giotto "Fuite en Egypte" (Église de San Francesco à Assise)
La peinture transmet l'ambiance printanière idyllique du paysage.
Le paysage a commencé à jouer un rôle encore plus important à la Haute Renaissance (XVIe siècle). C'est à cette époque que commence la recherche des possibilités de composition, de perspective et d'autres composantes de la peinture pour rendre compte du monde environnant.
Les maîtres de l'école vénitienne ont joué un rôle important dans la création du genre paysager de cette période : Giorgione (1476/7-1510), Titien (1473-1576), Le Greco (1541-1614).

El Greco "Vue de Tolède" (1596-1600). Metropolitan Museum of Art (New York)
La ville espagnole de Tolède est représentée sous un ciel sombre et orageux. Le contraste entre le ciel et la terre est évident. La vue de la ville est donnée d'en bas, la ligne d'horizon est relevée haut, une lumière fantasmagorique est utilisée.
Dans la créativité Pieter Brueghel (l'Ancien) le paysage gagne déjà en ampleur, en liberté et en sincérité. Il écrit simplement, mais dans cette simplicité on peut voir la noblesse de l'âme, capable de voir la beauté de la nature. Il sait rendre à la fois le petit monde sous ses pieds, et l'immensité des champs, des montagnes, des ciels. Il n'a pas de lieux morts et vides - tout vit avec lui et respire.
Nous portons à votre attention deux peintures de P. Brueghel du cycle "Les Saisons".

P. Brueghel (l'Ancien) "Retour du troupeau" (1565). Kunsthistorisches Museum (Vienne)

P. Brueghel (l'Ancien) "Chasseurs dans la neige" (1565). Kunsthistorisches Museum (Vienne)
Dans les peintures de l'artiste espagnol D. Vélasquez déjà vu l'émergence du plein air ( plein air- à partir de fr. en plein air - "en plein air") de la peinture. Dans son œuvre « Vue de la Villa Médicis », la fraîcheur de la verdure est véhiculée, les teintes chaudes de la lumière glissent sur les feuillages des arbres et les hauts murs de pierre.

D. Velasquez "Vue du jardin de la Villa Médicis à Rome" (1630)
Rubens(1577-1640), vivifiante, dynamique, caractéristique de l'œuvre de cet artiste.

P. Rubens "Paysage avec un arc-en-ciel"
Par un artiste français François Boucher(1703-1770) les paysages semblent tissés de nuances bleues, roses, argentées.

F. Boucher "Paysage au moulin à eau" (1755). Galerie nationale (Londres)
Les artistes impressionnistes ont cherché à développer des méthodes et des techniques qui leur permettraient de capturer le plus naturellement et le plus vivement le monde réel dans sa mobilité et sa variabilité, pour transmettre leurs impressions éphémères.

Auguste Renoir "La Grenouille". Metropolitan Museum of Art (New York)
Les peintres postimpressionnistes ont développé la tradition impressionniste dans leur peinture.

Vincent Wag Gogh Nuit étoilée» (1889)
Au XXe siècle. le genre du paysage a été abordé par des représentants de divers directions artistiques: Fauvistes, Cubistes, Surréalistes, Abstractionnistes, Réalistes.
Voici un exemple de paysage d'un artiste américain Hélène (Helen) Frankenthaler(1928-2011), qui a travaillé dans le style de l'art abstrait.

Helen Frankenthaler "Montagnes et mer" (1952)

Quelques types de paysage

paysage architectural

N.V. Gogol a appelé l'architecture la "chronique du monde", parce que elle, à son avis, "parle même lorsque les chansons et les légendes sont déjà silencieuses ...". Nulle part le caractère et le style du temps ne se manifestent avec autant de netteté et de clarté que dans l'architecture. Apparemment, donc, les maîtres de la peinture ont capturé le paysage architectural sur leurs toiles.

F. Ya. Alekseev "Vue de la Bourse et de l'Amirauté depuis Forteresse Pierre et Paul» (1810)
Le tableau représente la broche de l'île Vassilievski. centre de composition son ensemble architectural est le bâtiment de la Bourse. Devant la Bourse, il y a une place semi-circulaire avec un talus de granit. Sur ses deux côtés, il y a des colonnes qui servaient de phares. Au pied des colonnes se trouvent des sculptures en pierre symbolisant les fleuves russes : Volga, Dniepr, Neva et Volkhov. Sur l'autre rive du fleuve, Palais d'Hiver et les bâtiments de l'Amirauté, Place du Sénat. La construction de la Bourse, conçue par Thomas de Thomon, a duré de 1804 à 1810. Lorsque Pouchkine est arrivé à Saint-Pétersbourg en 1811, la Bourse était déjà devenue le centre architectural de la pointe de l'île Vassilievski et l'endroit le plus fréquenté de la ville portuaire. .
Une sorte de paysage architectural est la veduta. À proprement parler, ce paysage de F. Alekseev est le fil conducteur.

Véduta

Veduta est un genre de peinture européenne, particulièrement populaire à Venise au XVIIIe siècle. Il s'agit d'une peinture, d'un dessin ou d'une gravure représentant une représentation détaillée d'un paysage urbain quotidien. Oui, l'artiste néerlandais Jean Vermeer dépeint avec précision sa ville natale de Delft.

Jan Vermeer "Vue de Delft" (1660)
Les maîtres de Veduta ont travaillé dans de nombreux pays européens, dont la Russie (M. I. Makhaev et F. Ya. Alekseev). Un certain nombre de rôles principaux avec des vues russes ont été interprétés par Giacomo Quarenghi.

Marina

Marina - un genre de peinture, une sorte de paysage (de lat. marinus - mer), représentant une vue sur la mer ou une scène de bataille navale, ainsi que d'autres événements se déroulant en mer. En tant que type indépendant de peinture de paysage, la marina s'est imposée au début du XVIIe siècle. en Hollande.
Peintre marin (fr. mariniste) - un artiste qui peint des marinas. Les représentants les plus brillants de ce genre sont les Anglais Guillaume Turner et artiste russe (arménien) Ivan Constantinovitch Aivazovski, qui a écrit environ 6 000 peintures sur le thème marin.

W. Turner ""Le dernier voyage du navire" Courageux ""

I. Aivazovsky "Arc-en-ciel"
Un arc-en-ciel apparu dans une mer orageuse donne de l'espoir pour le sauvetage des personnes d'un navire naufragé.

paysage historique

Tout y est assez simple : montrer le passé à travers le cadre historique, l'environnement naturel et architectural. Ici, nous pouvons nous souvenir des images N. K. Rœrich, images de Moscou au XVIIe siècle. UN M. Vasnetsov, russe baroque XVIIIème dans. SON. Lansère, UN. Benoît, archaïque K.F. Bogaïevski et etc.

N. Roerich "Invités d'outre-mer" (1901)
Ceci est une image du cycle "Le début de la Russie. Slaves". Dans l'article «Sur le chemin des Varègues aux Grecs» (1899), Roerich décrit une image poétique imaginaire: «Les invités de minuit flottent. Une bande claire étire la douce côte du golfe de Finlande. L'eau semblait saturée du bleu d'un ciel clair de printemps ; le vent ondule le long de celui-ci, chassant des rayures et des cercles violets ternes. Un troupeau de mouettes a atterri sur les vagues, s'est balancé négligemment sur elles, et ce n'est que sous la quille même du bateau avant que leurs ailes ont clignoté - quelque chose d'inconnu, sans précédent, a réveillé leur vie paisible. Un nouveau ruisseau se fraye un chemin à travers des eaux stagnantes, il se jette dans la vie slave séculaire, traverse des forêts et des marécages, roule sur un vaste champ, élève des clans slaves - ils verront des invités rares et inconnus, ils s'émerveillent de leur combativité stricte, à leur coutume d'outre-mer. Les tours vont dans une longue rangée! La coloration lumineuse brûle au soleil. Les côtés de la proue sont bien enveloppés, culminant en un nez haut et mince.

K. Bogaevsky "Tour consulaire à Sudak" (1903). Feodosia Art Gallery nommé d'après I.K. Aivazovsky

Paysage futuriste (fantastique)

Peintures artiste belge Jonas De Ro sont des toiles épiques de mondes nouveaux et inconnus. L'objet principal de l'image de Jonas est de vastes images du monde post-apocalyptique, des images futuristes et fantastiques.
En plus du futur de villes absolument réelles, Jonas dessine également des illustrations complètement originales d'une ville abandonnée.

J. De Ro "Civilisation abandonnée"

Philosophie du paysage

Qu'est-ce que c'est?
Au centre de la peinture de paysage se trouve toujours la question de la relation de l'homme à l'environnement - qu'il s'agisse d'une ville ou de la nature. Mais aussi Environnement a aussi son rapport à la personne. Et ces relations peuvent être harmonieuses et inharmonieuses.
Considérez le paysage "Cloches du soir".

I. Levitan "Cloches du soir" (1892). Galerie nationale Tretiakov (Moscou)
Le tableau "Evening Bells" représente un monastère au détour d'une rivière et illuminé par le soleil du soir. Le monastère est entouré d'une forêt d'automne, des nuages ​​flottent dans le ciel - et tout cela se reflète dans la surface miroir d'une rivière qui coule calmement. La joie lumineuse de la nature est fusionnée en harmonie, et tranquillité d'esprit la vie et les sentiments des gens. Je veux regarder cette photo et regarder, ça calme l'âme. C'est une beauté heureuse et idyllique.
Et voici un autre paysage du même artiste - "Au-dessus de la paix éternelle".

I. Levitan "Sur la paix éternelle" (1894). Galerie nationale Tretiakov (Moscou)
Levitan lui-même a écrit à propos de cette image: "... je suis tout dedans, avec toute ma psyché, avec tout mon contenu ...". Dans une autre lettre : "L'éternité, l'éternité redoutable, dans laquelle des générations se sont noyées et d'autres se noieront... Quelle horreur, quelle peur !" C'est à cette formidable éternité que fait penser le tableau de Lévitan. L'eau et le ciel dans l'image capturent, étonnent une personne, éveillent la pensée de l'insignifiance et de la fugacité de la vie. Sur une haute rive escarpée se dresse une église en bois solitaire, à côté d'un cimetière avec des croix branlantes et des tombes abandonnées. Le vent secoue les arbres, chasse les nuages, entraîne le spectateur dans l'étendue infinie du nord. La sombre grandeur de la nature ne s'oppose qu'à une petite lumière dans la fenêtre de l'église.
L'artiste a peut-être voulu répondre avec sa peinture à la question de la relation entre l'homme et la nature, le sens de la vie, en opposant les forces éternelles et puissantes de la nature aux forces faibles et à court terme vie humaine. C'est une tragédie sublime.

Une brève excursion dans l'histoire du développement du genre paysage

Traduit de mot français"paysage" signifie "nature". C'est ainsi que s'appelle le genre dans les beaux-arts, dont la tâche principale est la reproduction de la nature naturelle ou altérée par l'homme.
De plus, le paysage est un béton œuvre de fiction en peinture ou en graphisme, montrant la nature du spectateur. Le "héros" d'une telle œuvre est un motif naturel ou un motif naturel inventé par l'auteur.

"Port de mer", 1er siècle, peinture de Stabiae

Des éléments de paysage se retrouvent déjà dans l'art rupestre. Au néolithique, les maîtres primitifs représentaient schématiquement des rivières ou des lacs, des arbres et des blocs de pierre sur les parois des grottes. Sur le plateau du Tassilin-Ajjer au Sahara, des dessins ont été trouvés avec des scènes de chasse et de conduite de troupeaux. À côté des figurines d'animaux et d'humains, l'artiste antique a esquissé un paysage simple, rendant impossible de préciser la scène. Dans l'art de l'Orient ancien et de la Crète, un motif de paysage est un détail assez courant dans les peintures murales. Ainsi, non loin du village de Beni Hasan en Égypte centrale, des tombes rupestres d'anciens dirigeants égyptiens qui vivaient aux 21e et 20e siècles avant JC ont été découvertes. L'une des nombreuses fresques qui recouvraient les murs des chambres funéraires représente un chat sauvage chassant dans des fourrés denses. Parmi les peintures murales des salles du célèbre palais de Knossos sur l'île de Crète, une peinture a été découverte, appelée par les chercheurs "Perdrix dans les rochers".
Dans l'ancienne ville romaine de Stabia, détruite, comme Pompéi, lors de l'éruption du Vésuve, parmi d'autres peintures trouvées dans l'une des maisons patriciennes, se détache la fresque "Seaport", qui est un véritable paysage marin.
Genre indépendant, le paysage apparaît déjà au VIe siècle dans l'art chinois. Les images de la Chine médiévale véhiculent très poétiquement le monde qui l'entoure. La nature spiritualisée et majestueuse de ces œuvres, réalisées principalement à l'encre sur soie, apparaît comme un vaste univers sans frontières. Les traditions de la peinture de paysage chinoise ont eu une grande influence sur art japonais. Malheureusement, la portée de notre publication ne nous permet pas de parler en détail des peintres paysagistes de Chine et du Japon - c'est un sujet pour un livre séparé.
En Europe, le paysage en tant que genre à part entière est apparu beaucoup plus tard qu'en Chine et au Japon. Au Moyen Âge, où seules les compositions religieuses avaient le droit d'exister, le paysage était interprété par les peintres comme une image de l'habitat des personnages.

P. de Limbourg. "Le mois de mars", XVe siècle, du Luxueux Livre d'Heures du Duc de Berry

Les miniaturistes européens ont joué un rôle important dans la formation de la peinture de paysage. Dans la France médiévale, à la cour des ducs de Bourgogne et de Berry dans les années 1410, de talentueux illustrateurs, les frères Limbourg, créaient de charmantes miniatures pour le livre d'heures du duc de Berry, travaillaient. Ces dessins gracieux et colorés, racontant les saisons et leurs correspondants travail de terrain et de divertissement, montrer au spectateur des paysages naturels, réalisés avec un atelier de l'époque, le transfert de perspective.
Un intérêt prononcé pour le paysage est perceptible dans la peinture du début de la Renaissance. Et bien que les artistes soient encore très maladroits pour rendre l'espace, l'encombrant d'éléments paysagers qui ne s'emboîtent pas dans l'échelle, de nombreuses peintures témoignent de la volonté des peintres de parvenir à une image harmonieuse et holistique de la nature et de l'homme. Telle est la toile "Procession des mages" (première moitié du XVe siècle, Metropolitan Museum of Art, New York) du maître italien Stefano di Giovanni, surnommé Sacetta.
Un pas en avant significatif dans le développement de la peinture de paysage a été fait par l'artiste suisse du XVe siècle, Konrad Witz, qui a montré dans sa composition sur un sujet religieux une zone spécifique - la rive du lac Léman.
Les motifs de paysage ont commencé à jouer un rôle plus important à la Haute Renaissance. De nombreux artistes ont commencé à étudier attentivement la nature. Rejetant la construction habituelle des plans d'espace en forme d'ailes, amas de détails aux échelles incohérentes, ils se tournent vers les développements scientifiques dans le domaine de la perspective linéaire. Désormais, le paysage, présenté comme un tout, devient l'élément le plus important des intrigues artistiques. Ainsi, dans les compositions d'autel, vers lesquelles les peintres se tournent le plus souvent, le paysage ressemble à une scène avec des figures humaines au premier plan.

Stefano di Giovanni. "Procession des Mages", première moitié du XVe siècle, Metropolitan Museum of Art, New York

Malgré ces nets progrès, jusqu'au XVIe siècle, les artistes n'incluent dans leurs œuvres des détails paysagers que comme arrière-plan d'une scène religieuse, d'une composition de genre ou d'un portrait. L'exemple le plus clair en est portrait célèbre Mona Lisa (vers 1503, Louvre, Paris), peinte par Léonard de Vinci.
Le grand peintre avec une habileté remarquable a transmis sur sa toile le lien inextricable entre l'homme et la nature, a montré l'harmonie et la beauté qui, pendant de nombreux siècles, ont fait geler le spectateur dans l'admiration devant la Joconde.
Derrière le dos d'une jeune femme, s'ouvrent les étendues infinies de l'univers : sommets montagneux, forêts, rivières et mers. Ce paysage majestueux confirme l'idée que la personne humaine est aussi multiple et complexe que le monde naturel. Mais les gens ne sont pas capables de comprendre les nombreux secrets du monde environnant, et cela semble être confirmé par un sourire mystérieux sur les lèvres de Mona Lisa.

Léonard de Vinci. "La Joconde", env. 1503, Louvre, Paris

Peu à peu le paysage est allé au-delà des autres genres artistiques. Cela a été facilité par le développement peinture de chevalet. Dans les peintures de petite taille du maître néerlandais I. Patiner et de l'artiste allemand A. Altdorfer, le paysage commence à dominer les scènes présentées au premier plan.
De nombreux chercheurs considèrent Albrecht Altdorfer comme le fondateur de la peinture de paysage allemande. Petites figures humaines sur sa toile "Paysage forestier avec la bataille de Saint-Georges" (1510, Alte Pinakothek, Munich) se perdent parmi les troncs d'arbres puissants, dont les cimes puissantes obscurcissent la terre de la lumière du soleil.
Les peintures ultérieures "Paysage danubien" (vers 1520-1525, Alte Pinakothek, Munich) et "Paysage avec le château de Werth" (vers 1522-1530, Alte Pinakothek, Munich) indiquent que l'image de la nature est désormais la principale et, probablement, , la seule tâche de l'artiste.

A. Altdorfer. Paysage du Danube, ca. 1520-1525, Alte Pinakothek, Munich

Les maîtres de l'école vénitienne ont joué un rôle important dans la création du genre paysage. Le premier artiste qui attacha une grande importance au paysage fut Giorgione, qui travailla au début du XVIe siècle. La nature est le personnage principal de son tableau L'Orage (vers 1506-1507, Galerie de l'Accademia, Venise). Le paysage sur cette toile n'est plus tant l'environnement dans lequel vit une personne, mais plutôt le porteur de sentiments et d'humeurs. « Thunderstorm » invite le spectateur à s'immerger dans le monde de la nature, à écouter attentivement ses voix. Le début émotionnel prend le dessus dans l'image, appelant à la contemplation, à la pénétration dans le monde poétique créé par le maître. La coloration de l'image fait une énorme impression: des couleurs profondes et atténuées de verdure et de terre, des nuances bleu plomb du ciel et de l'eau et des tons rose doré des bâtiments de la ville.
Dans d'autres peintures de Giorgione, le paysage joue un rôle tout aussi important. L'idée de l'unité de l'homme et de la nature se reflète dans des œuvres du maître telles que "Trois philosophes" (1507-1508, Musée de l'histoire de l'art, Vienne) et "Vénus endormie" (1508, Galerie de photos, Dresde). Dans la dernière composition, la jeune femme endormie semble personnifier la délicieuse nature italienne, pénétrée par le chaud soleil du sud.

Giorgione. Orage, env. 1506-1507, Galerie de l'Académie, Venise

Giorgione a eu une influence significative sur Titien, qui a ensuite dirigé l'école vénitienne. Titien a joué un grand rôle dans la formation de tous les genres de la peinture de paysage européenne. Le célèbre artiste n'a pas négligé le paysage. Des images majestueuses de la nature apparaissent sur plusieurs de ses toiles. Les bosquets ombragés sont délicieux, dans lesquels des arbres puissants protègent le voyageur du soleil brûlant. Parmi l'herbe épaisse, des figures de bergers, d'animaux domestiques et d'animaux sauvages sont visibles. Les arbres et les plantes, les hommes et les animaux sont les enfants d'un seul monde de la nature, belle et majestueuse. Déjà dans la première toile de Titien "Fuite en Egypte" (Ermitage, Saint-Pétersbourg), l'image de la nature en arrière-plan éclipse la triste scène de la fuite de la Sainte Famille en Egypte.

Titien. "Flight to Egypt", Ermitage, Saint-Pétersbourg

Les traditions de l'école vénitienne se reflètent dans les peintures de l'artiste espagnol El Greco. Grec d'origine (vrai nom - Domenikos Theotokopoulos), il a quitté son pays natal, Chypre, et s'est rendu à Venise, puis s'est installé en Espagne. Parmi les plus des peintures célèbres maître - paysage "Vue de Tolède" (1610-1614, Metropolitan Museum of Art, New York). El Greco transmet de manière très émotionnelle et vivante la nature au moment d'un orage. Des nuages ​​de plomb se précipitent dans le ciel, illuminés par des éclairs. La ville gelée gris argenté avec ses maisons, ses tours, ses églises apparaît comme une vision fabuleuse dans la mystérieuse lumière phosphorescente. Le drame intense qui imprègne la toile aide l'artiste à transmettre au spectateur son idée de la confrontation entre les forces terrestres et célestes.

Le Greco. "Vue de Tolède", 1610-1614, Metropolitan Museum of Art, New York

En Europe du Nord au XVIe siècle, le paysage a également acquis une place importante dans la peinture.
Les images de la nature occupent une place importante dans l'œuvre de l'artiste néerlandais Pieter Brueghel l'Ancien. Dans les peintures consacrées aux saisons, le maître a montré les paysages rudes du nord d'une manière sincère et poétique. Tous les paysages de Brueghel sont animés par des figures de personnes engagées dans des activités quotidiennes. Ils tondent l'herbe, récoltent le seigle, conduisent les troupeaux, chassent. Le rythme calme et tranquille de la vie humaine est aussi la vie de la nature. Avec son travail, Brueghel semble essayer de prouver que le ciel, les rivières, les lacs et les mers, les arbres et les plantes, les animaux et l'homme sont tous des particules de l'univers, un et éternel.

Pieter Brueghel l'Ancien, Jour sombre, 1565, Kunsthistorisches Museum, Vienne

Au XVIIe siècle, de nombreuses écoles nationales sont apparues, de nouveaux genres et leurs variétés se sont formés. Cette fois a été très réussie pour le développement ultérieur du genre paysage.
Les traditions de Brueghel dans le domaine de la peinture de paysage ont été reprises par des représentants de l'école hollandaise.
La révolution bourgeoise hollandaise (1566-1609) raviva la vie culturelle du pays et contribua au progrès créatif. Le 17ème siècle a vu un extraordinaire épanouissement Peinture hollandaise et tous ses genres, dont le plus courant est le paysage.
Les peintres paysagistes néerlandais ont pu capturer sur leurs toiles une image complète du monde dans toutes ses manifestations. Des œuvres d'artistes tels que H. Averkamp, ​​​​E. van der Poel, J. Porcellis, S. de Vlieger, A.G. Cape, S. van Ruisdael et J. van Ruisdael transmettent la fierté d'une personne pour sa terre, l'admiration pour la beauté de la mer, des champs indigènes, des forêts et des canaux. Le sentiment d'amour sincère et sans limites pour le monde qui l'entoure se ressent dans toutes les œuvres des peintres paysagistes néerlandais.

Hendrik Avercamp_Paysage d'hiver, Pinacothèque Ambrosian, Milan

Des canaux avec des voiliers, des paysages plats, des moulins à vent, des forêts denses, des villages enneigés, des rues urbaines avec des maisons en pierre et des places - tous ces signes indiquent au spectateur qu'il se trouve devant un véritable paysage hollandais.
Pleines de sentiment lyrique et de charme poétique, les peintures dépeignent le monde environnant à différents moments de l'année et à différentes heures de la journée. Pourtant, la plupart de ces paysages transmettent la nature dans des moments de calme, lorsque des nuages ​​bas flottent lentement au-dessus de la terre, enveloppés dans une atmosphère humide et brumeuse, et que les rayons du soleil, traversant les nuages, tombent facilement sur l'eau des canaux, des arbres branches, toits d'immeubles.
La plupart des paysages hollandais se caractérisent par une coloration atténuée, composée de teintes argentées claires, olive-ocre, brunâtres, proches des couleurs naturelles de la nature. Posées sur la toile par touches fines et précises, ces couleurs traduisent de manière convaincante et réaliste la matérialité du monde environnant.
Jan van Goyen, le fondateur du paysage réaliste dans la peinture néerlandaise, ainsi qu'un autre peintre paysagiste néerlandais, Philips Koninck, ont montré des dunes de bruyère, des berges et des marigots de rivières, des arbres, des moulins à vent, des marécages, des canaux, des étendues marines avec une grande certitude.

Jan van Goyen, Pêcheurs

Avec un lyrisme subtil, le merveilleux artiste Meindert Hobbema traduit des routes avec des arbres le long des routes et des allées dans la forêt. La principale caractéristique des paysages d'un autre maître hollandais, Albert Cuyp, est la combinaison du paysage avec genre animalier. Ses peintures ravissent le spectateur par leurs couleurs riches et sonores.

I. Vermeer de Delft. "Rue", avant 1660, Rijksmuseum, Amsterdam

Le célèbre peintre de genre néerlandais Jan Vermeer de Delft s'est également intéressé à la représentation de la nature. Il n'y a que deux paysages dans son vaste héritage créatif, mais même dans ceux-ci, il a réussi à montrer sa plus grande compétence. Une ville merveilleuse, lavée par la pluie et éclairée par de timides rayons de soleil, est présentée sur la toile colorée "Vue de Delft" (avant 1660, Mauritshuis, Amsterdam). Un coin tranquille de la ville est représenté dans le paysage "Street" (avant 1660, Rijksmuseum, Amsterdam). À l'aide d'un motif simple, Vermeer a réussi à donner à son paysage, exécuté dans une gamme de nuances rouge brique, un contenu et une signification profonds. Il est frappant de voir avec quelle habileté l'artiste a réussi à combiner dans ses peintures la minutie dans la représentation de tous les détails avec la transmission virtuose de l'atmosphère lumière-air.
Au XVIIe siècle, l'une des variétés du genre paysager, la marina, se généralise en Hollande. Au pays des marins et des pêcheurs, la marine connaît un immense succès. Parmi les meilleurs peintres de marine figurent V. van de Velde, S. de Vlieger, J. Porsellis, J. van Ruisdael. Ce dernier est devenu célèbre non seulement pour ses vues sur la mer, mais aussi pour ses peintures représentant des plaines, des moulins le long des rives des rivières, des villages parmi les dunes.

Jacob van Ruysdael - "Le Moulin de Wijk" (vers 1670).

Dans la Hollande du XVIIe siècle, les paysages cosmopolites étaient très populaires et leurs auteurs se spécialisaient dans la création de paysages imaginaires à l'italienne. Mais ce ne sont pas eux, mais des toiles aux motifs de modeste nature hollandaise qui ont fait de la peinture hollandaise un phénomène si important dans la culture mondiale.
L'art réaliste d'Espagne, d'Italie et de France a également joué un rôle dans le développement de la peinture de paysage. Dans l'œuvre de Diego Velasquez, il y a des paysages qui reflètent l'observation subtile du grand maître espagnol ("Vue de la Villa Médicis", 1650-1651, Prado, Madrid). Velazquez transmet magistralement la fraîcheur de la verdure, les nuances chaudes de la lumière qui glissent à travers les feuilles des arbres et les hauts murs de pierre.
Les peintures de Velasquez témoignent de l'origine de la peinture en plein air : sortant des ateliers, les artistes allaient travailler en plein air afin de mieux étudier la nature.

D. Vélasquez. "Vue de la Villa Médicis", 1650-1651, Prado, Madrid

Au XVIIe siècle, les principes de création d'un paysage idéal se sont développés dans l'art du classicisme. Les classiques interprétaient la nature comme un monde soumis aux lois de la raison.
Le peintre français Nicolas Poussin, qui a travaillé en Italie, est devenu le créateur du paysage héroïque. Les peintures de Poussin, montrant la grandeur de l'univers, sont habitées par des personnages mythologiques, des héros qui suscitent chez le spectateur des sentiments élevés. L'artiste, qui croyait que le but principal de l'art est l'éducation d'une personne, considérait l'ordre et la structure rationnelle du monde comme la valeur principale. Il peint des œuvres avec une composition équilibrée, des plans d'espace clairement construits et des couleurs réparties selon des règles strictes. Poussin n'a pas fait participer le public à ses peintures. Les spectateurs qui regardaient ses paysages devaient se contenter du rôle de contemplatifs, appréciant l'image et améliorant leur esprit.

N. Poussin. "Paysage avec Polyphème", Ermitage, Saint-Pétersbourg

Dans le cadre du classicisme, Claude Lorrain développe le concept de paysage idyllique. Ses peintures sont empreintes de l'esprit de l'harmonie parfaite. L'artiste construit si habilement des plans - monuments antiques, ruines antiques, arbres aux cimes denses, qu'il y a suffisamment d'espace sur la toile pour transmettre les vastes étendues de distances maritimes, terrestres et aériennes. Et si dans les peintures de Poussin les héros mythologiques sont situés au centre de la composition, alors dans les œuvres de Lorrain, ils ne sont que des personnages.
La nature apparaît différemment sur les toiles des maîtres baroques. Contrairement aux classiques, ils s'efforcent de transmettre la dynamique du monde environnant, la vie turbulente des éléments. Ainsi, les paysages du Flamand Peter Paul Rubens transmettent la puissance et la beauté de la terre, affirment la joie d'être, insufflant au public un sentiment d'optimisme. Tout ce qui précède peut être attribué à son "Paysage avec un arc-en-ciel" (Ermitage, Saint-Pétersbourg), dans lequel le maître a capturé des étendues quittant l'horizon, de hautes collines et des arbres majestueux, une vallée avec des villages tentaculaires, des bergers et des bergers, des troupeaux de vaches et de moutons. Le magnifique paysage est couronné d'un arc-en-ciel étincelant de délicates teintes colorées.

P. P. Rubens. "Paysage avec un arc-en-ciel", Ermitage, Saint-Pétersbourg

P. P. Rubens. Paysage avec Château Sten. Vers 1635, National Gallery, Londres

Des paysages émotionnellement expressifs, reflétant les traditions baroques, ont créé maître italien début du XVIIe siècle par Alessandro Magnasco. Il n'y a rien d'idyllique dans ses peintures. Empreints d'un sentiment inquiétant, ils montrent la complexité de l'ordre mondial. Sur la toile "Seashore", le spectateur voit un tas chaotique de détails. Les vagues de la mer orageuse battent contre le rivage, sur lequel l'artiste a placé de nombreuses figures humaines. Ce sont des gitans, des voleurs, des paysans, des ermites, des marchands.
Il est difficile de comprendre ce que font ces gens. Le paysage romantique est tout aussi mystérieux : une mer agitée, des arbres aux troncs recourbés, de sombres forteresses avec des tours et de hautes falaises grises à l'horizon.
Au XVIIIe siècle, la veduta s'est généralisée - une sorte de genre paysager qui s'est formé en peinture vénitienne. Il trouve son origine dans le paysage urbain, ou architectural, dont les éléments sont apparus dans l'art du Moyen Âge. Les maîtres remarquables de la veduta étaient Francesco Guardi, Antonio Canaletto, Bernardo Bellotto.
Au XVIIIe siècle, la peinture de paysage s'est encore développée dans l'art de la France. Antoine Watteau, qu'on appelait le "peintre des vacances galantes", peint des scènes de rêve sur fond de parcs magnifiques. Ses paysages, aux couleurs délicates et frémissantes, sont très émouvants, ils véhiculent diverses nuances d'humeur ("Pèlerinage à l'île de Cythère", 1717, Louvre, Paris).

Antoine Watteau, Pèlerinage à Cythère, 1717, Louvre

Un représentant éminent de l'art rococo était l'artiste français François Boucher, qui a créé des paysages pleins de charme sensuel.

François Boucher, Pont

Comme s'ils étaient tissés de nuances bleues, roses, argentées, ils semblent être de délicieux rêves magiques ("Paysage aux environs de Beauvais", l'Ermitage, Saint-Pétersbourg). Boucher a étudié avec un autre artiste français qui travaillait dans le style rococo, Jean Honoré Fragonard, dont les paysages colorés, imprégnés d'air et de lumière, traduisent la fraîcheur de l'air, la chaleur des rayons du soleil, le mouvement frémissant du feuillage sur les arbres ( "Jardins de la Villa d'Este", collection Wallace, Londres).

Fragonard, Grande Cascade de Tivoli, 1760, Louvre

Une nouvelle attitude envers la nature apparaît dans l'art dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Dans la peinture de paysage des Lumières, il ne reste aucune trace de l'ancienne conventionnalité idyllique de l'art rocaille. Les artistes ont tenté de montrer au spectateur natureélevé au rang d'idéal esthétique. De nombreux peintres qui ont travaillé durant cette période se sont tournés vers l'Antiquité, y voyant le prototype de la liberté individuelle. ruines majestueuses Rome antique recréer des tableaux d'Hubert Robert. Comme d'autres peintres paysagistes de son temps, Robert associe réalité et fiction dans ses compositions.
Issus d'observations naturelles, les tempêtes marines et les ports de Claude Joseph Vernet, avec leurs jeux de lumières vives, ravirent les contemporains. La peinture de Vernet a eu un impact sur les représentants du courant romantique apparu dans l'art européen et américain dans la première moitié du XIXe siècle. Les représentants les plus brillants du paysage romantique en Angleterre étaient Joseph Mallord William Turner et John Constable, en Allemagne - Caspar David Friedrich.

Joseph Mallord William Turner, La Construction de Carthage, 1815, National Gallery, Londres

John Constable, Hay Wagon. 1821, National Gallery, Londres

La beauté de la nature rurale simple a été ouverte au spectateur par des peintres paysagistes français - représentants de l'école de Barbizon: Théodore Rousseau, Jules Dupre et d'autres.

Théodore Rousseau, Le petit pêcheur, 1849

Proche de l'art des Barbizons se trouve la peinture de Camille Corot, qui cherchait à rendre l'environnement aérien frémissant à l'aide de valers. Camille Corot était considéré comme son prédécesseur par les impressionnistes français. Les paysages de plein air de Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley reflètent le profond intérêt des artistes pour l'environnement changeant de la lumière et de l'air. Les œuvres des impressionnistes montrent non seulement la nature rurale, mais aussi le monde vibrant et dynamique de la ville moderne.

Claude Monet, Nénuphars blancs, 1899, Musée Pouchkine im. A.S. Pouchkine, Moscou

Alfred Sisley, Chemin sur le rivage le soir près de Sauure en Normandie, 1894, Rouen. Musée des beaux-arts

Les traditions modifiées des impressionnistes ont été utilisées dans leur peinture par des artistes post-impressionnistes. De positions art monumental représente la beauté majestueuse et la puissance de la nature par Paul Cezanne. Les paysages de Vincent van Gogh sont empreints d'un sentiment sombre et tragique. Les reflets du soleil à la surface de l'eau, le frémissement de l'air marin et la fraîcheur de la verdure sont rendus par les toiles de Georges Seurat et Paul Signac, réalisées dans la technique divisionniste.
Au XXe siècle, des représentants de divers courants artistiques se sont tournés vers le genre paysage. Des images lumineuses et intensément sonores de la nature ont été créées par les fauvistes : Henri Matisse, André Derain, Albert Marquet, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy et d'autres.

R. Delaunay. "Tour Eiffel", 1926-1928, Musée Solomon Guggenheim, New York

Les cubistes (Pablo Picasso, Georges Braque, Robert Delaunay, et d'autres) ont créé leurs paysages en utilisant des formes géométriques disséquées. Le genre du paysage intéresse les artistes surréalistes (Salvador Dali) et abstractionnistes (Wasily Kandinsky, Helen Frankenthaler), qui écrivent des compositions décoratives où l'essentiel est l'impression d'improvisation directe dans la transmission d'images de la nature.

Salvador Dali, La persistance de la mémoire, 1931

V. Kandinsky. "Murnau - Paysage de montagne avec une église", 1910, Musée de la maison Lenbach, Munich

Les représentants des courants réalistes (Rockwell Kent, George Wesley Bellows, Renato Guttuso) sont également restés des maîtres reconnus de la peinture de paysage au XXe siècle.
Une place particulière est occupée par le paysage dans la peinture russe. Pour la première fois, des motifs de paysage, transmis schématiquement, sont apparus dans la peinture d'icônes russe ancienne. Les figures du Christ, de la Mère de Dieu, des saints et des anges sur des icônes anciennes étaient représentées sur le fond d'un paysage conditionnel, où de basses collines marquaient une zone rocheuse, des arbres rares, dont la race ne pouvait être déterminée, symbolisaient la forêt, et les bâtiments, dépourvus de volumes illusoires, étaient des temples et des chambres.
Les premiers paysages apparus en Russie au XVIIIe siècle étaient des vues topographiques de magnifiques palais et parcs. À l'époque d'Elizabeth Petrovna, un atlas de gravures avec des vues de Saint-Pétersbourg et de ses environs a été publié, réalisé d'après les dessins de M. I. Makhaev. Mais ce n'est qu'avec l'avènement des œuvres de Semyon Fedorovich Shchedrin que nous pouvons dire que le paysage en tant que genre distinct s'est formé dans la peinture russe.

Semyon Fedorovich Shchedrin, Vue du palais Gatchina depuis Silver Lake. 1798. Gouache

Les contemporains de Shchedrin, M.M., ont apporté leur contribution au développement du paysage. Ivanov et F.Ya. Alekseev. La peinture d'Alekseev a influencé de jeunes artistes - M.N. Vorobiev, S. F. Galaktionova, A.E. Martynov, qui ont dédié leur art à Saint-Pétersbourg : ses palais, ses remblais, ses canaux, ses parcs.

M.N. Vorobyov, Vue sur la mer en Italie, 1840

M.N. Vorobyov a élevé toute une galaxie de peintres paysagistes remarquables. Parmi eux se trouvaient les frères G.G. et N.G. Chernetsov, K.I. Rabus et autres Un certain nombre de magnifiques paysages aquarelles lithographiques avec des vues des environs de Saint-Pétersbourg ont été réalisés par A.P. Bryullov, frère du célèbre K.P. Bryullov, qui devint plus tard architecte.

Alexander Pavlovich Bryullov, Vue du château Saint-Ange à Rome. 1823-1826

Mais les œuvres de ces maîtres s'estompent à côté des peintures de Sylvester Feodosievich Shchedrin, qui a capturé la beauté lumineuse de la nature italienne sur ses toiles.
Pour milieu XIXe siècles dans la peinture de paysage russe, certains principes de la perception esthétique de la nature et des méthodes de présentation ont été formés.
De l'école de Vorobyov viennent les traditions romantiques adoptées par ses élèves. Parmi eux se trouve le défunt M.I. Lebedev, L. F. Lagorio et I.K. Aivazovsky, Thème principal dont l'art était la mer.

I. K. Aivazovsky, Brig Mercury, après avoir vaincu deux navires turcs, rencontre l'escadron russe

Une place particulière dans la peinture russe est occupée par l'œuvre d'A.K. Savrasov, qui est devenu le fondateur du paysage lyrique national. Savrasov a influencé son élève et ami, le paysagiste L.L. Kamenev.
Parallèlement à la direction lyrique de la peinture de paysage russe, un paysage épique s'est développé, représentant éminent qui était M.K. Klodt, qui s'est efforcé de créer une image de paysage qui présente au spectateur une image holistique de la Russie.

M. K. Klodt. "Sur des terres arables", 1872, Galerie Tretiakov, Moscou

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, des artistes aussi célèbres que I.I. Chichkine, F.A. Vasiliev, A. Kuindzhi, A.P. Bogolyubov, I.I. Lévitan.

Chichkine, Dans le nord sauvage, 1891

Chichkine, Désert, 1872

Kuindzhi, Elbrouz, 1908

Levitan, A la piscine, 1892

Les traditions du paysage lyrique Levitan ont été reprises par les peintres I.S. Ostroukhov, S.I. Svetoslavsky, N.N. Doubovsky.
La peinture de paysage du XXe siècle est associée aux noms d'I.E. Grabar, A.A. Rylova, K.F. Yuon. Dans l'esprit de l'art symboliste, P.V. Kouznetsov, N.P. Krymov, MS Saryan, V.E. Borissov-Musatov.

A.A. Rylov, Coucher de soleil, 1917

Dans les années 1920, le paysage industriel s'est développé (l'intérêt pour ce genre de genre de paysage est particulièrement visible dans les œuvres de M.S. Saryan et K.F. Bogaevsky).

KF Bogaevsky, Dneprostroy, 1930

Des images expressives et impressionnantes de la nature indigène ont également été créées par les paysagistes G.G. Nissky, S.V. Gerasimov, N.M. Romadin et autres.

N. M. Romadin, Paysage d'hiver, 1961

Sur ce, je terminerai probablement cette courte digression, qui peut se poursuivre indéfiniment. Son but était de souligner brièvement les principales directions du genre paysage, j'espère que dans une certaine mesure j'ai réussi.

Lors de la préparation du message, des matériaux ont été utilisés http://artclassic.edu.ru/catalog.asp?ob_no=13142&cat_ob_no=13079 , http://www.fondart.ru/history_painting/istorija_pejjzazha/ , http://www.artgorizont.com/articles.php?id_article=1188 ,
http://www.newclassics.ru/reviews/346/ et quelques autres.