Il n'y a pas de médium plus gratifiant que la peinture à l'huile. Le fait que l'huile ouvre des possibilités infinies pour l'artiste est également incontestable. Depuis sa création, l'huile a été très populaire et la plupart des découvertes dans le monde de la peinture ont été faites dans cette technique.

De toutes les techniques de peinture, la peinture à l'huile est la plus complexe. Surtout cette difficulté se pose dans la transition de l'aquarelle. Un principe complètement différent de composition des nuances apparaît. Dans les aquarelles, le papier était impliqué dans tout à travers la lumière; lorsque l'on travaille avec des peintures à l'huile, la couleur blanche du sol n'a presque aucun sens. Le mélange des couleurs s'opère avec la présence constante du blanc.

Dans la nature, il existe sept couleurs primaires. Si vous commencez à mélanger ces couleurs, il est facile de voir que certaines couleurs primaires sont obtenues en mélangeant d'autres couleurs primaires. Seules trois couleurs - rouge, jaune et bleu - ne peuvent être composées par aucun mélange et doivent être présentes sur la palette sous une forme finie. Sachant cela, un peintre expérimenté ne cherchera pas de peinture prête à l'emploi pour chaque couleur d'un objet, mais réfléchira à la quantité de rouge, de jaune et de bleu qui entrera dans la nuance de couleur souhaitée.

À peinture à l'huile les peintures sont éclaircies par un mélange de blanc (zinc ou plomb). Par conséquent, le peintre doit apprendre par la pratique comment obtenir des nuances de couleur en blanchissant les couleurs de base.

Quel est le meilleur ordre pour presser les peintures sur la palette ? L'ordre peut être différent, mais constant. Il est impossible, par exemple, aujourd'hui d'appliquer l'outremer dans coin supérieur palette, et demain - en bas à gauche. Le peintre est si fermement habitué à la position constante des couleurs qu'il sélectionne des mélanges de couleurs sans les regarder. Tout est fait mécaniquement. De même, la connaissance de l'emplacement des couleurs développée dans la pratique permet de regarder la nature et la toile plus souvent que sur une palette.

Les peintures mélangées entre elles perdent souvent leur saturation (brillance). Il est difficile, par exemple, d'obtenir des oranges, des verts et des peinture violette. C'est pourquoi, parfois, les peintures prêtes à l'emploi orange vif, vert, bleu et violet ne seront pas superflues sur la palette. Mais ceci est facultatif. Seule la peinture noire peut être nécessaire séparément dans un tube, car celle-ci, composée de trois couleurs de base, n'est pas assez foncée. Bien que le noir soit considéré comme le résultat d'une absorption presque complète de toutes les parties du spectre, dans la nature, nous ne rencontrons presque jamais de noir pur, car il n'y a pas d'absorption absolument complète dans la nature. En pratique, le blanc (réfléchissant tous les rayons lumineux) et le noir ont des teintes de couleur. Cela doit être rappelé dans le travail et ne pas utiliser de peinture blanche et noire dans sa forme pure. La peinture noire, habilement utilisée, permet d'obtenir de très beaux et subtils mélanges avec d'autres peintures. Par exemple, mélangé à l'orange de cadmium, il produit un beau vert chaud. Le noir, mélangé à des couleurs chaudes, donne des nuances chaudes complexes, mélangées à des couleurs froides - froides.

Les peintures opaques se déposent en couche épaisse, de sorte que la couche inférieure n'est pas visible. Transparent, au contraire, peut donner une teinte différente à la couche sous-jacente qui les traverse. C'est le glacis - une technique très forte dans la peinture classique. Rien n'empêche les peintures opaques d'être diluées avec un diluant et d'en faire, pour ainsi dire, des peintures transparentes, l'effet de vitrage sera, mais pas aussi juteux qu'avec de vraies peintures transparentes. Les translucides le rendront un peu meilleur. Mais les peintures transparentes sont toujours uniques. Le secret est que si vous les mettez sur lumineux fond blanc, puis ils créent un effet aquarelle, comme s'ils brillaient. Les anciens maîtres utilisaient des peintures glacis et transparentes pour faire des transitions douces des tons de peau. Ils peuvent "combiner" une image de différentes couleurs en la recouvrant d'une fine couche de peinture transparente, cela lui donnera une teinte générale.

Le principe de toute peinture est un pigment et son liant. Cela peut être différent, l'essentiel est qu'il retienne le pigment et conserve sa force lorsqu'il est séché. Les propriétés des liants à sécher rapidement ou lentement donnent différentes techniques pour leur utilisation. En ce sens, le "pétrole" est universel. La peinture à l'huile vous permet d'imiter les peintures à séchage rapide si elle est diluée avec des solvants. Ou, s'il est dilué avec de l'huile, il vous permet de le coiffer lentement, en le mélangeant avec d'autres couleurs, ce qui donne des transitions très douces. Il est opaque, ce qui permet d'écrire en plusieurs couches. En appliquant du vernis sur le dessus, vous pouvez ajuster la brillance (jutosité) ou le voile de l'image. Ses inconvénients, par exemple le blanc à séchage lent, peuvent être "gagnés" en utilisant du blanc acrylique par endroits, ou en y ajoutant des déshydratants (un additif pour accélérer le séchage). Les acryliques peuvent être appliqués sur des peintures à l'huile et vice versa.

Il faut aussi savoir que peintures individuelles(outremer, kraplak), posés sur une surface blanche avec une couche transparente, ressemblent très peu aux blancs de ces peintures. Ainsi, pour réussir la peinture à l'huile, il est nécessaire de n'avoir que cinq couleurs dans le carnet de croquis : blanc de plomb ou de zinc, jaune (citron cadmium), bleu (bleu cobalt ou outremer), rouge (rose thioindigo, rouge cadmium, cinabre), noir à l'état pur (os brûlé, thioindigo). À partir de ces cinq couleurs, vous pouvez créer n'importe quelle couleur qui existe dans la nature, n'importe quelle peinture disponible dans le commerce.

Il est impossible de dire à l'avance quelles couleurs doivent être mélangées pour représenter le visible. Ne mélangez pas plus de trois couleurs, sans compter le blanc. Composer une couleur à partir de deux ou trois couleurs, vous n'avez pas besoin de les mélanger longtemps sur la palette. Lorsque des couleurs pures sont conservées dans le mélange, une variété de nuances est obtenue sur la toile.

L'étirement de la toile sur la civière se fait comme suit. Il est conseillé de laver la nouvelle toile non apprêtée à l'eau chaude pour en éliminer les agents d'encollage. Lors du lavage, la toile rétrécit quelque peu, ce qui a ensuite un effet positif sur la conservation de la peinture. La toile brute doit être redressée et suspendue pour sécher. Il est préférable d'étirer la toile dans un état légèrement humidifié. Placez le faux-châssis horizontalement sur une table ou un bouclier, face vers le haut, retirez les lames des rainures, renversez le faux-châssis plus fermement, vérifiez les distorsions. Ensuite, placez et nivelez la toile sur le dessus de la civière, en l'étirant légèrement en diagonale et en la fixant temporairement avec des clous dans les coins (les clous doivent être martelés sur environ un tiers de la longueur). Ensuite, au centre des côtés de la civière, la toile est tendue et fixée avec 2-3 clous tous les 3-5 cm, de préférence également temporairement. La toile est tendue, il faut veiller soigneusement à ce que les côtés de la civière et les fils de la toile soient strictement parallèles. Pour cela, il convient de noter avec un simple crayon l'un des fils à une distance de 5-6 cm du bord de la toile et assurez-vous que lorsqu'il est étiré, il suit strictement le bord de la barre de civière. La même chose peut être faite lors de l'étirement de la toile des autres côtés.

Les clous ne sont pas martelés en ligne droite, mais un peu au hasard, avec un serpent. Ceci est fait pour ne pas diviser le sous-châssis. Les clous sont enfoncés à égale distance les uns des autres et chaque clou d'un côté doit correspondre à un clou du côté opposé de la civière.

Le collage et l'apprêt de la base est une étape très responsable et difficile dans le travail sur un croquis ou une peinture. La qualité de la peinture, la conservation de la peinture, ainsi que le déroulement et la méthode de réalisation du processus de peinture dépendent en grande partie de la qualité du sol.

La pratique des beaux-arts connaît de nombreuses recettes pour la préparation de sols divers. Chaque artiste, en fonction de ses besoins créatifs, de ses connaissances, de sa manière, de son tempérament, élabore empiriquement sa propre recette de terre. Bien entendu, ces travaux expérimentaux doivent être menés de manière réfléchie, en tenant compte des modèles techniques et technologiques. Il est nécessaire de bien connaître les matériaux pour les sols, les méthodes d'amorçage, la technique de travail avec des matériaux colorés.

Tout en faisant ouvrages d'art le peintre doit se donner pour tâche de réaliser son idée non seulement par la méthode créative, mais aussi par les méthodes techniques les plus avancées, assurant la conservation à long terme de son œuvre.

Il existe de nombreux systèmes de peinture différents, mais le plus courant d'entre eux, en particulier lorsque vous travaillez longtemps, est multicouche. Avec un système multicouche, l'ensemble du processus de travail est divisé en phases principales distinctes, réalisées dans une séquence plus ou moins définie : 1) tonification du sol ; 2) dessiner une image; 3) sous-couche; 4) enregistrement ; 5) vitrage ; 6) achèvement.

Tonification du sol. La couleur du sol est grande importance, car l'effet de couleur de l'image en dépend en grande partie. Un faisceau de lumière, traversant des couches de peintures transparentes et tombant sur un fond teinté, sera partiellement absorbé, et partiellement réfléchi et viendra à la surface du tableau peint d'une couleur ou d'une autre, selon la nuance du sol et la transparence des peintures. Afin d'utiliser au mieux la couleur du sol, il doit être préparé à partir de peintures fortement opaques, et lors d'enregistrements ultérieurs, des peintures principalement transparentes doivent être utilisées, tout en maintenant la translucidité du ton de fond, car les peintures corporelles et denses couvriront le couleur du sol, et cela n'aura pas d'importance. Des peintures transparentes posées sur un fond teinté donnent à la peinture profondeur, expressivité et éclat de ton. Les peintures translucides donnent un grand nombre de tons et de nuances différents, en fonction de l'épaisseur de la couche et de l'intensité de la couleur. Les peintures denses et opaques donnent un très petit nombre de nuances, et en mélange avec des transparentes, elles réduisent la pureté de leur ton. Les peintures de couverture sont principalement utilisées sous forme pure ou comme base sur laquelle sont appliquées des peintures transparentes. Il est vrai que mélangé abondamment avec des vernis ou des enduits de glacis, on peut obtenir une certaine transparence des peintures opaques, mais dans tous les cas, avec une gamme de couleurs très limitée. Les nuances de couleur des peintures peuvent être enrichies en y introduisant des charges transparentes : stéarate d'aluminium, craie, blancfix, kaolin, alumine, verre pilé, etc. En pratique, les artistes utilisent généralement le blanc. L'avantage de la livre blanche est qu'elle peut être utilisée avec n'importe quelle méthode d'écriture, en plus, elle, reflétant presque complètement la lumière, donne de l'intensité aux couleurs.

Les apprêts foncés donnent de la profondeur aux peintures, lorsqu'ils sont appliqués avec une couche pâteuse de blanc de zinc, des lumières fortes sont obtenues. Pour de nombreux artistes, la couleur du sol était le demi-ton principal, et ils ont ensuite résisté à la lumière dans des couleurs supplémentaires au sol. Souvent, le fond teinté était complètement non écrit à certains endroits ou légèrement recouvert de peintures transparentes ou translucides. Rembrandt a préféré un apprêt de couleur ardoise, Rubens - rouge-brun et terre d'ombre, Levitsky - un ton vert neutre de l'apprêt, Borovikovsky a utilisé un apprêt gris neutre, Bryullov a utilisé du marron clair, Alexander Ivanov a teinté l'apprêt avec de l'ocre clair. Par rapport aux apprêts foncés, les apprêts clairs et blancs sont moins dangereux, en cas de changement de couleur de l'apprêt et de diminution de la densité de certaines peintures, l'apprêt ne s'assombrira pas et ne colorera pas la peinture avec son propre ton.

Dessin dessin. Un dessin est préparé soit séparément sur papier avec transfert ultérieur sur toile, soit directement sur toile. Il est souvent recommandé de dessiner sur toile avec un pinceau. Si le dessin est réalisé au pinceau, il est nécessaire de s'assurer que la couche de peinture est uniformément répartie sur la toile, en évitant les traînées de peinture le long des contours du dessin.

Sous-couche Il est de coutume d'appeler la première inscription d'une fondation pittoresque une couleur. C'est une étape préparatoire de travail sur un tableau ou une longue étude avec une méthode de peinture multicouche. Contrairement à l'imprimatura, la sous-couche remplit généralement trois fonctions: compositionnelle, plastique et coloriste. La sous-couche prédétermine à bien des égards le cours du travail et résultat final bâtiments pittoresques.

La sous-couche en blanc peut être multicolore. Le blanc, compte tenu des vitrages supplémentaires, est légèrement teinté avec les nuances de couleur souhaitées. Dans ce cas, la sous-couche semble très claire, les couleurs sont très blanchies. Dans les deux exemples de sous-peinture utilisant du blanc à ce stade du travail, l'attention principale est portée sur la texture de la surface colorée. La surface de la sous-couche de peinture peut être lisse ou, au contraire, en forme de corps, en couches épaisses avec une texture fortement prononcée du relief, jusqu'au transfert illusoire de la texture du matériau de l'objet avec une solution plastique à la forme, une grande masse de lumière et d'ombre.

Lors du travail sur la sous-couche, il est recommandé d'utiliser des peintures qui sèchent bien, du blanc de zinc, etc., ou d'ajouter un liant qui accélère le séchage. Des peintures bien sèches avec l'utilisation de vernis assurent une liaison solide entre la couche de peinture et le sol et servent de base ou, comme on dit, de "lit à peindre".

En tant que liant, une petite quantité de dessicant au cobalt doit être utilisée et, pour diluer les peintures, un té de la composition suivante: mastic ou vernis dammar 200 g, huile polymérisée 20 g.

Aux étapes suivantes - en inscription - sur une sous-couche bien séchée avec de minces glacis transparents et une superposition translucide de couleurs, l'artiste atteint l'intégrité picturale-plastique, coloristique et figurative finale de l'œuvre.

N'appliquez pas de coups de peinture au hasard et au hasard. Cela détruit la forme, introduit la panachure, le désordre et ne contribue pas au transfert de matière, de volume, d'espace. La forme, la direction et la nature du trait en peinture dépendent de la forme de l'objet, de la nature de sa surface et de sa matière. Il faut savoir qu'un coup de pinceau appliqué en couche épaisse (pastoly) rapproche l'image du spectateur, tandis qu'un coup de pinceau appliqué en couche fine et en douceur l'éloigne. Pour cette raison, l'arrière-plan d'une nature morte ou d'un paysage ne doit pas être aussi pâteux que les objets de premier plan. Lors de la représentation du ciel, de la distance ou de la couleur du brouillard, il ne faut pas appliquer de peinture aussi lourdement et épaissement que nous le disons, représentant la terre, des objets denses ou lourds. Il est préférable de les déposer en une couche mince et lâche. La nature de la surface de frottis est différente. Cela dépend de l'outil, de la manière dont le trait est appliqué, de l'épaisseur de la peinture, de la base sur laquelle elle est appliquée. Tout cela, pris ensemble, a une certaine influence sur la qualité et la beauté de la couleur, la solution picturale-plastique et émotionnelle de l'étude, son intégrité. En d'autres termes, la texture de la surface colorée est un moyen important expressivité artistique. Les constructions de factures sont constamment modifiées, améliorées et leur nouvelle solution est trouvée.

A ce qui a été dit, il faut ajouter que l'échelle des taches de couleur, un trait, un trait dépend de la taille du plan pictural. La taille du trait doit être ajustée à la taille de l'étude ou de la peinture. À peinture monumentale l'échelle des patchs de couleur revêt une importance particulière.

Vous pouvez écrire à l'huile uniquement sur une couche de peinture humide ou sèche, mais en aucun cas sur une couche semi-sèche. Si vous écrivez sur de la peinture humide, la peinture perdra sa couleur, se fanera. Lorsque la peinture a déjà commencé à sécher et qu'un film se forme à sa surface, une tentative d'application d'une autre couche par-dessus la couche séchée peut entraîner le fait que le travail sera complètement ruiné. Si vous avez besoin de réécrire un endroit, il est préférable d'enlever la peinture avec un couteau à palette, sans toucher le sol de la toile. Si l'endroit à réécrire est complètement sec, pour coller la nouvelle peinture avec l'ancienne, essuyez-la avec des pommes de terre crues ou des oignons, et une fois sèche, écrivez sur une surface féculente.

Les méthodes et techniques d'imposition d'une couche de peinture et, par conséquent, les textures de la surface colorée des peintures et des croquis obtenus dans ce cas sont différentes. Vous pouvez peindre avec des peintures en couche épaisse ou fine, avec des traits ou ombrer la peinture avec un pinceau, faire des mélanges avec d'autres peintures, avec du blanc ou la mettre sous sa forme pure sans mélanges, diluer liquide les peintures et appliquer des couches transparentes de sorte que les couches colorées inférieures ou la couleur de base sont visibles et créent ainsi une nouvelle tonalité de couleur, etc. .

Parmi toute la variété des méthodes d'imposition d'une couche picturale, on peut distinguer les principales, telles que la vision du processus pictural par la méthode de la peinture multicouche et la conduite du processus pictural par la méthode alla prima, en où la peinture est placée humide en une seule couche. Souvent, ces méthodes de peinture sont combinées en une seule œuvre. Au sein de chaque méthode, différentes manières et techniques de coloration.

La première méthode de peinture multicouche implique la division obligatoire du processus de peinture en un certain nombre d'étapes successives - sous-couche, enregistrement, glaçage (parfois elles sont appelées les premières, principales et dernières couches de peinture). Au-dessus de toutes les couches de peinture, lorsque le travail est terminé et bien séché, une couche supérieure protectrice de vernis ou d'autres composés est appliquée. L'achèvement des travaux à chaque étape doit s'accompagner de pauses pour un séchage complet de la peinture. La méthode de peinture multicouche implique l'utilisation généralisée de vitrages, propriétés optiques des peintures. Ainsi, il est parfois difficile pour un artiste d'obtenir immédiatement l'effet pictural souhaité. Pour ce faire, il peut utiliser deux ou trois superpositions de couches de peinture transparentes et translucides les unes sur les autres. La méthode de peinture multicouche est restée la principale pendant de nombreux siècles. Il est indispensable lors de l'exécution d'œuvres à long terme, de compositions thématiques de genre, de peintures de grande taille.

Une peinture ou une étude achevée, peinte à l'huile, et parfois peintures à la détrempe, vernis et autres composés. La couche supérieure protège la couche de peinture de l'humidité, de la poussière, de la saleté, de la suie, des gaz et augmente en même temps l'intensité du son des couleurs de l'image, étude. Il est recommandé d'appliquer une couche de finition au plus tôt un an à un an et demi après la fin des travaux. Cela est dû à la nécessité d'un séchage complet de la couche de peinture et de l'huile qu'elle contient. Il faut garder à l'esprit qu'en cas de manque de lumière ou dans une pièce sombre, sans apport d'air frais, le séchage de l'huile ralentit, il peut brunir et changer le ton de la peinture. Un tableau exposé à la lumière est mieux conservé à l'avenir.

Le vernissage et le séchage de la couche de finition doivent également être effectués dans une pièce lumineuse, sèche et ventilée à température et humidité ambiantes normales. Il est déconseillé d'appliquer et de sécher la couche de finition par temps de pluie humide, car l'humidité nuit à la résistance et à la transparence des vernis.

Pour le travail, vous pouvez utiliser une flûte ou une brosse à écureuil large. La laque doit être appliquée lentement, sinon elle moussera. Les poils de la brosse qui sont tombés dans la couche de couverture doivent être enlevés immédiatement.

L'image vernie, jusqu'à ce que le vernis ait séché, doit être protégée de la poussière, de la saleté, des dommages mécaniques et autres sur le film de vernis.

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Diverses techniques de peinture à l'huile

Les peintures à l'huile s'adaptent bien à l'apprêt approprié et facilitent le modelage, l'ombrage et la réalisation des transitions imperceptibles les plus fines d'un ton à l'autre, car elles restent longtemps humides, de plus, une fois séchées, elles ne changent pas leur ton d'origine.

Tout meilleurs trucs peinture à l'huile développée pendant la renaissance. La connaissance des propriétés du matériau a permis aux maîtres anciens de créer un style de peinture à l'huile qui n'a jamais été surpassé. Tout au long de l'histoire de la peinture à l'huile, ce style, dans son harmonie entre matière et réalisations artistiques, est le seul.

La connaissance des techniques de peinture a été conservée dans les ateliers des peintres jusqu'au XVIIIe siècle, mais ensuite, avec la séparation de la peinture en tant qu'art d'un métier, sous l'influence de la naissance d'idées nouvelles en elle, elle s'est progressivement perdue.

Déjà dans la première académie de Carracci, l'ancienne formation technique et artistique du peintre a été remplacée par la formation philosophique et artistique. Depuis cette époque, la connaissance technique, qui par le passé a toujours été le support du peintre, apparaît déjà comme une contrainte à la liberté artistique.

Un déclin particulier de la technique de la peinture à l'huile est observé à l'époque des impressionnistes français, qui ont jeté les bases d'un travail non systématique avec des peintures à l'huile, porté à des proportions grandioses par leurs adeptes (néo-impressionnistes).

Le pointillisme a une signification incontestable d'un point de vue artistique, mais il ne découle pas des propriétés et du caractère de la peinture à l'huile ; les nouvelles idées en art doivent chercher d'autres matériaux pour leur réalisation si elles vont à l'encontre des anciennes. Ainsi, d'un point de vue scientifique, l'impressionnisme a donné naissance à un faux style de peinture à l'huile, qui, malheureusement, a encore des adeptes parmi les peintres.

Les travaux dans le domaine de la technique de la peinture, à la fois représentants de l'art et de la science, ont d'abord consisté principalement à révéler et à faire revivre les anciennes techniques perdues de la peinture à l'huile, dont l'ignorance faisait que l'on se sentait si peinture plus tard. Une grande partie des objets perdus a été retrouvée et révélée, mais la peinture elle-même à cette époque s'était trop éloignée des tâches et des principes de la peinture ancienne. Bien sûr, à notre époque, il n'est pas possible de concilier les méthodes de la technique ancienne de la peinture à l'huile avec la compréhension moderne de la peinture, mais la technique de la peinture à l'huile, quelles que soient ses tâches, prétendant créer des œuvres durables, doit découler des propriétés et la nature des matériaux de la peinture à l'huile.

Toutes les méthodes normales de peinture à l'huile se résument à deux techniques caractéristiques.

1) Peindre en une seule étape " toute la prima"(alia prima) - une méthode dans laquelle la peinture est réalisée de telle manière que, avec la connaissance artistique de l'artiste de la matière et des conditions favorables, le travail peut être achevé en une ou plusieurs séances, mais avant que les peintures aient le temps de sécher. Dans ce cas, les ressources chromatiques de la peinture se réduisent uniquement aux tons obtenus à partir du mélange direct des couleurs sur la palette et de leur translucidité sur le fond utilisé dans le cas.

2) Peinture en plusieurs étapes - une méthode dans laquelle le peintre divise sa tâche picturale en plusieurs étapes, dont chacune se voit attribuer une signification particulière, intentionnellement avec un certain calcul ou en raison de la grande taille de l'œuvre, etc. Dans ce cas , le travail est divisé en la première inscription - sous-couche, dans lequel la tâche du peintre se réduit à une solide implantation du tableau, formulaires généraux et clair-obscur. La coloration a soit une importance secondaire, soit elle est effectuée dans des tons tels que seules les prescriptions ultérieures avec des peintures superposées donnent le ton ou l'effet souhaité - sur le deuxième, le troisième, etc. inscription, dans laquelle la tâche se réduit à résoudre les subtilités de la forme et de la couleur. Cette deuxième méthode permet d'utiliser toutes les ressources de la peinture à l'huile.

Peinture "Alla Prima" (tous prime). Sur le plan technique, cette méthode de peinture est la meilleure, car avec elle toute la peinture consiste en une seule couche, dont le séchage, avec une épaisseur modérée, se déroule sans entrave et tout à fait normal, pourquoi, avec un apprêt approprié, il est protégé des fissures , tout comme les peintures elles-mêmes conservent leur fraîcheur d'origine. Mais cette méthode ne peut pas toujours être mise en œuvre dans la pratique et, de plus, elle n'est pas toujours incluse dans la tâche du peintre.

L'apprêt pour la peinture "alla prima" ne doit pas être trop tirant, trop impénétrable et glissant, par conséquent, lors de l'utilisation d'un apprêt adhésif, toutes les mesures nécessaires sont prises pour éviter un changement de couleur trop visible sur celui-ci en raison de la perte de huile. Un sol huileux, en particulier s'il est desséché et donc impénétrable, reçoit une certaine perméabilité, qui est obtenue en le frottant avec de l'alcool ou de la pierre ponce; de plus, choisissez un sol avec une surface rugueuse. En ce qui concerne la couleur de l'apprêt, les plus appropriés dans ce cas sont les apprêts légers avec différentes nuances, selon la tâche de peinture, ainsi que l'apprêt blanc pur. Les nuances de fond rosées, jaunâtres et autres sont obtenues en peignant le fond blanc avec de la peinture transparente.

La méthode de peinture décrite ne nécessite souvent pas l'exécution d'un dessin ordinaire, et l'artiste peut procéder directement aux peintures et à l'écriture, en fonction de la tâche de peinture et de l'expérience du maître.

Si le dessin est nécessaire, il peut se limiter à un léger croquis au fusain. Le dessin au fusain noir avec son fixateur doit être évité, car tout contour noir net apparaîtra plus tard à travers une fine couche de peinture et gâchera ainsi la peinture. La composition du fixateur n'est pas non plus indifférente à sa force.

Afin de pouvoir finir la peinture « à l'état brut », c'est-à-dire avant que les peintures à l'huile ne commencent à sécher, toutes sortes de mesures, mais inoffensives pour la peinture, sont prises, à commencer par le choix des peintures. Les peintures à séchage lent sont préférées ici.

Afin de retarder le plus possible le séchage des peintures, la peinture en cours est placée dans les intervalles entre les travaux au froid, dans l'obscurité et, si possible, le libre accès à l'air est bloqué. La mise en œuvre de ces dernières mesures, malheureusement, ne peut pas toujours être utilisée, surtout lorsque la taille du tableau est importante ; en attendant, ces mesures sont très efficaces.

Les huiles essentielles sont utilisées dans le même but.

La peinture par cette méthode est réalisée différemment et dépend en grande partie de l'individualité de l'artiste; c'est pourquoi, en présentant cette méthode, on peut se borner aux indications les plus essentielles et les plus importantes.

Sous la peinture "alla prima", au sens direct de ces mots, il faut entendre l'une des méthodes par lesquelles l'artiste se donne pour tâche de reproduire immédiatement en peinture tout ce qu'il voit dans la nature, c'est-à-dire couleur, forme, clair-obscur, etc., sans recourir à la division de cette tâche complexe en moments de travail distincts. La difficulté de résoudre ce problème est, bien sûr, grande, et le devient d'autant plus si l'artiste s'efforce de finir son œuvre "à l'état brut", c'est-à-dire avant que les couleurs ne sèchent.

La peinture se fait différemment. Il peut être commencé par des frottis de peintures semi-épaisses, appliqués librement, ton sur ton, sans les mélanger longuement sur la palette, jusqu'à ce que toute la toile soit révélée.

La peinture doit être faite avec des peintures en tube.

Lorsque vous appliquez une couche de peinture trop épaisse qui rend le travail ultérieur difficile, vous devez enlever leur excès avec un couteau à palette, une spatule et un couteau, ainsi qu'appliquer du papier propre sur la couche de peinture, qui est pressée contre elle avec la paume de votre main puis, après enlèvement, prend tous les excédents de peinture .

Il est possible, lorsqu'on peint « alla prima », de commencer par frotter, diluer les peintures pour rien et les appliquer de manière liquide, comme les aquarelles. Cette pose est réalisée à plat, sans modeler les formes, n'ayant pour tâche que d'avoir un large effet global. Pour elle, il est préférable d'utiliser des peintures corporelles en y introduisant du blanc. Ensuite, dans un travail ultérieur, des couleurs pâteuses sont introduites et la vraie peinture commence.

Lorsqu'elles travaillent "alla prima" sur un sol trop tirant, les peintures à l'huile donnent une peinture mate, inférieure à la détrempe en termes de couleur et, de plus, si les peintures sont trop fortement déshuilées, elle est dépourvue de solidité.

La peinture réalisée par "alla prima" a une beauté particulière, elle est plaisante par sa fraîcheur et son immédiateté, révélant le "coup" de l'auteur et son tempérament. Les croquis de I. Repin pour son tableau "Le Conseil d'Etat" peuvent servir d'exemples de ce genre de peinture.

Peinture en plusieurs étapes. Une telle peinture est appelée multicouche.

des trucs peinture multicouche différent. Il peut être réalisé de bout en bout avec des peintures à l'huile ou à l'huile-laque, ainsi qu'une méthode de peinture mixte, qui commence avec des peintures à l'eau et se termine avec des peintures à l'huile et à l'huile-vernis.

Selon la méthode de peinture choisie par l'artiste, l'apprêt de toile utilisé dans le boîtier est également sélectionné.

Le dessin à partir duquel le travail commence est réalisé avec différents matériaux, en fonction de la couleur du sol, de sa composition et des méthodes de sous-peinture picturales. Comme mentionné ci-dessus, il est préférable de le faire séparément sur papier, puis de le transférer sur toile, où il est décrit sur un apprêt adhésif ou en émulsion avec de l'aquarelle et de la détrempe et de la peinture à l'huile diluée liquide, qui sèche rapidement sur un apprêt à l'huile.

Avec une telle approche des affaires, l'apprêt conserve la pureté de sa couleur, en plus de sa surface, qui peut souffrir lors de corrections et de modifications du dessin au fusain, aux crayons, etc.

Ceci est suivi d'une sous-couche, dont le côté technique devrait peut-être mieux convenir à son objectif.

Sous-peinture.Étant donné que la sous-couche de l'image est la première couche de peinture, qui doit ensuite prendre le relais des couches suivantes, alors, dans l'intérêt de la solidité de la peinture, elle doit être faite de telle manière qu'elle permette, avec pleine garantie de la solidité de l'ouvrage, court terme procéder à d'autres inscriptions.

La technique la plus appropriée pour cette tâche sera la peinture à l'eau : aquarelle et détrempe.

La sous-couche avec des peintures à l'eau est effectuée uniquement sur un apprêt en émulsion, sur lequel l'aquarelle et la détrempe s'adaptent assez bien. Cet apprêt doit contenir dans sa composition une quantité d'huile nettement inférieure à celle d'un apprêt en émulsion pour peinture à l'huile.

L'aquarelle, cependant, ne convient qu'aux œuvres de petite taille; de plus, le ton des aquarelles sous vernis n'est pas similaire au ton des peintures à l'huile. C'est pourquoi la sous-couche à l'aquarelle nécessite une couverture complète avec des peintures à l'huile.

La peinture à la détrempe doit être considérée comme la plus applicable en sous-peinture. Il est particulièrement approprié lors de l'exécution de travaux de grande taille. Ici, bien sûr, seule la détrempe peut être utilisée. qualités supérieures, c'est à dire. caséine ou détrempe à l'œuf.

La sous-peinture à la détrempe donne une grande force aux peintures, qui deviennent si intenses sous vernis que la peinture à l'huile qui finit la peinture peut leur céder la place en termes de force de couleur. Cette circonstance doit être prise en compte lors de l'exécution de la sous-peinture. meilleur matériel pour l'immatriculation, la sous-couche sera dans ce cas des peintures laquées à l'huile.

La sous-peinture à la détrempe est réalisée avec des peintures à pâte liquide et transparentes, mais toujours en couche mince sans aucune pâte.

La sous-couche avec des peintures à l'huile, tant sur le plan technique que pictural, est réalisée différemment.

La peinture selon cette méthode sur des apprêts adhésifs et semi-adhésifs est la plus appropriée, car avec l'utilisation de ces derniers, le nombre de couches d'huile est réduit, ce qui a un effet très favorable sur la résistance de la peinture, mais une préparation impeccable un apprêt à l'huile peut également être utilisé.

L'une des manières les plus utilisées et les plus productives de peindre en sous-couche est de la réaliser "frottée" avec des peintures à l'huile, des huiles essentielles diluées, de la térébenthine, de l'huile, etc., ce qui est en quelque sorte pratiqué dans la peinture "Alla Prima".

Les formes, la couleur générale de l'image et tout son ensemble sont ici établis avec une fine couche de peinture, comme à l'aquarelle.

Le séchage de la sous-couche réalisée par cette méthode est très rapide, si les peintures sèchent rapidement, et, de plus, à travers, en raison de la finesse de la couche de peintures, ce qui, bien sûr, est d'une grande importance pour la poursuite des travaux au-dessus de l'image.

Mais il est possible de réaliser une sous-couche avec une écriture empâtée, et sa technique dépendra entièrement des propriétés du sol utilisé dans ce cas.

Les peintures sont appliquées sur l'apprêt adhésif sous la forme dans laquelle elles sont obtenues à partir de tubes, sans aucun diluant.

Les propriétés positives de cette sous-couche sont que ses peintures sèchent rapidement et sont fermement liées au sol. L'inconvénient est le changement de ton des couleurs en cours de peinture, ainsi que lors du frottement de la sous-couche avec du vernis avant son enregistrement ultérieur.

Les maîtres anciens, surtout ceux d'une époque plus éloignée de nous, considéraient leur travail en sous-couche comme une ébauche préparatoire, où toute l'attention du maître était absorbée par la mise en scène du dessin, le modelé des formes, les détails de la composition; quant à la couleur, seule la base nécessaire a été préparée dans la sous-couche, sur la base de laquelle la couleur de l'image a ensuite été créée, dont la fraîcheur est en grande partie due à la méthode de travail décrite ci-dessus.

La peinture moderne adhère, en termes généraux, au même système dans le travail, mais la méthode de peinture "alla prima" y a reçu une très grande importance. Chaque époque, comme on le voit, crée son propre système de peinture, qui, bien sûr, ne peut être ignoré.

La sous-peinture au sens pittoresque doit être effectuée de manière à simplifier, si possible, tout son enregistrement ultérieur. Une sous-peinture correctement exécutée est donc facile à finir avec une petite charge de peinture au deuxième enregistrement.

Une sous-couche remplie de détrempe sera prête à être enregistrée avant les autres sous-couches. Ensuite, dans l'ordre de préparation, suivent les sous-couches à l'huile sur apprêt adhésif et, enfin, les peintures à l'huile pâteuses sur émulsion et apprêts à l'huile. Une peinture bien séchée est reconnaissable à les fonctionnalités suivantes: il ne colle pas ; lorsqu'il est gratté avec un ongle et un couteau, il se transforme en poudre, mais pas en copeaux; lors de la respiration, il ne s'embue pas.

Si une sous-couche est nécessaire, elle peut être bien grattée et lissée avec un couteau, un grattoir spécial, etc. avant de re-graver.

Le grattage, la pierre ponce et le lissage des couches de peinture à l'huile sont particulièrement appropriés lors de la sous-couche avec une couche de peinture empâtée (graisseuse), car la rugosité excessive est coupée ici et, plus important encore, la croûte supérieure de l'huile séchée est enlevée, ce qui, lorsque la peinture à l'huile est très sec, empêche les couches appliquées dessus d'attacher les peintures à l'huile. Après cette opération, la sous-couche est lavée eau propre et sec.

Avec une lettre non pâteuse, la sous-couche n'a pas besoin d'être grattée. Pour que la couche séchée de peinture à l'huile retrouve sa capacité à prendre de la peinture, si elle n'a pas été grattée et polie, elle est frottée avec de l'huile blanchie, qui y est frottée avec la paume de la main. L'huile est appliquée dans la plus petite quantité, de manière à humidifier uniquement la surface censée être réenregistrée.

Au lieu d'huile, la sous-couche peut être recouverte d'une solution liquide chaude de térébenthine vénitienne (baume) dans de la térébenthine, comme cela se pratiquait autrefois, ou d'une solution liquide de vernis à la térébenthine, car les huiles essentielles mouillent facilement la peinture à l'huile séchée. Le même objectif est atteint en mélangeant des vernis de peinture contenant des huiles essentielles avec des peintures.

Si les règles de manipulation de la sous-couche ne sont pas respectées, les couches supérieures de la peinture ont tendance à s'effriter, et plus la sous-couche a résisté plus longtemps; Il y a de nombreux exemples de cela dans les œuvres de la peinture de l'époque ultérieure.

Avec une sous-peinture supplémentaire, des vitrages peuvent être introduits s'ils étaient inclus dans le plan de peinture, ou la prescription secondaire est effectuée par la soi-disant «semi-peinture», c'est-à-dire. une fine couche de peinture corporelle, et la peinture se termine avec cette technique. Il faut garder à l'esprit, cependant, qu'une trop grande accumulation de couleurs dans la peinture à l'huile est considérée comme inacceptable; chaque couche nouvellement appliquée doit être séchée et ce n'est qu'alors que d'autres travaux peuvent être commencés.

Règles fondamentales :

1) ne pas appliquer les peintures à l'huile en couches épaisses en général, et encore moins les peintures riches en huile ;

2) utiliser en peinture toujours un apprêt modérément tirant (à l'huile), ainsi que la sous-couche et, en général, les couches sous-jacentes de la peinture, en les saturant d'huile si sa teneur dans cette dernière est insuffisante.

La meilleure méthode de peinture en seconde inscription est la peinture « alla prima », qui donne de la fraîcheur à la performance picturale.

Le deuxième enregistrement est effectué avec plus de peintures liquides que de sous-couches. Les vernis pour la peinture et les huiles condensées sont applicables ici. Ces derniers sont introduits dans des peintures mélangées à des vernis à l'essence de térébenthine. La deuxième inscription en terme de contenu à ses couleurs classeurs dépasse donc la sous-couche. L'ancien principe de superposition des peintures à l'huile - "gras sur maigre" - est complètement respecté.

Si la sous-couche a été réalisée dans des tons conditionnels, alors pour faciliter le travail, il est utile de commencer le deuxième enregistrement dans des tons locaux de la nature avec un vitrage ou un semi-vitrage, au-dessus duquel la peinture corporelle suit déjà.

Vitrage. Les glaçures sont appelées couches minces, transparentes et translucides d'huile et d'autres peintures appliquées sur d'autres peintures similaires bien séchées pour donner à ces dernières le ton intense et transparent souhaité.

Pratiquement toutes les peintures conviennent aux glacis : certaines pour les transparentes, d'autres pour les translucides. Moins appropriés sont le cadmium, le cinabre, le jaune napolitain, le rouge anglais, le caput-mortuum, le liège noir et la pêche et quelques autres.

Les émaux transparents ne font que changer le ton de la préparation sous-jacente en un ton plus dense et plus transparent, sans affecter le détail de la modélisation et le clair-obscur principal. Les translucides peuvent modifier considérablement, en fonction de leur degré de transparence, le détail de la modélisation de la sous-couche.

Le glacis peut être utilisé pour compléter ou finir presque n'importe quelle peinture commencée d'une manière ou d'une autre, mais des résultats encore meilleurs sont obtenus sur une sous-couche spécialement préparée à cet effet. Dans ce cas, la sous-couche est réalisée de telle sorte que sa peinture soit plus claire et plus froide qu'elle ne l'est supposée dans sa forme finie ; le ton et le clair-obscur appropriés lui sont donnés par un vitrage en combinaison avec des tons de sous-couche.

Les émaux des maîtres anciens étaient d'une grande importance. Titien, Rembrandt, Velasquez, leurs contemporains et autres maîtres d'autrefois les ont parfaitement utilisés dans leur peinture. La popularité des glaçures aux époques passées indique qu'elles étaient les mieux adaptées aux exigences picturales des artistes qui les utilisaient.

Les émaux, en raison de leur structure physique, absorbent fortement la lumière, et donc une image qui en est remplie nécessite beaucoup plus de lumière pour son éclairage qu'une peinture vieillie dans des peintures corporelles, qui réfléchissent plus la lumière qu'elles n'en absorbent.

Pour la même raison, la peinture réalisée avec des glacis manque de légèreté, ce qui est mieux réalisé en peignant avec des peintures à surface mate, qui réfléchissent et diffusent fortement la lumière.

Les tons produits par le vitrage s'avancent plutôt qu'ils ne reculent. Par conséquent, le ciel sur la photo n'est pas peint avec du vitrage.

Les semi-glaçures appliquées dans des tons translucides sont d'un grand intérêt pour l'artiste de notre temps.

Le semi-glaçage est une peinture appliquée en une fine couche translucide. D'un point de vue optique, une telle couche de couleurs est l'un des types de soi-disant "environnements boueux" auxquels certains des couleurs visibles nature. Les tons obtenus en peinture à l'aide de semi-vitrages ont une beauté particulière. Ils ne brillent pas avec force et éclat, mais il n'est pas possible de les obtenir en mélangeant physiquement les couleurs sur la palette. Les anciens maîtres d'une époque ultérieure ont beaucoup utilisé la méthode de peinture décrite; les artistes contemporains l'utilisent aussi, souvent accidentellement ou inconsciemment.

Corrections. Les peintures à l'huile deviennent de plus en plus transparentes avec le temps. Une telle augmentation de la transparence est également observée dans les peintures corporelles, et certaines d'entre elles, comme la céruse, deviennent translucides en raison de la perte de leur pouvoir couvrant, ainsi que de l'amincissement de la couche une fois séchée. Compte tenu de cette caractéristique de la peinture à l'huile, il faut être très prudent sur toutes sortes de correspondances et de modifications radicales de la peinture à l'huile, dont le peintre a parfois besoin, puisque toutes les corrections et notes apportées par une fine couche de peintures corporelles, après un longue période, redeviennent visibles.

Ainsi, dans le portrait équestre de Philippe IV par Velasquez, huit jambes (galerie de Madrid) sont visibles, dont quatre dépassent du ton de la terre, dont l'auteur les a recouvertes, apparemment insatisfait de la position des jambes.

Dans le portrait de l'artiste Litovchenko par I. Kramskoy ( Galerie Tretiakov) à travers le chapeau noir porté sur la tête de l'artiste, le front de Litovchenko brille assez clairement, sur lequel le chapeau a été mis, apparemment plus tard, alors que la tête était déjà peinte. Dans le portrait de Rembrandt "Jan Sobiessky", le bâton que Sobiessky tient dans sa main avait d'abord grandes tailles puis raccourcie. De nombreux exemples de ce genre pourraient être cités.

Les exemples donnés montrent clairement que les corrections faites avec une fine couche, même de peintures opaques, en peinture à l'huile n'atteignent pas leur but. Ici, une superposition approfondie des peintures est nécessaire, avec laquelle seul il est possible de rendre à jamais invisibles les endroits de peinture qu'ils veulent détruire. Dans ce cas, il est même préférable de nettoyer complètement les endroits destinés à la modification de la peinture, puis de les écrire à nouveau sur un sol propre. À l'aide de chloroforme, d'acétone et de benzène, même la peinture à l'huile très ancienne peut être nettoyée rapidement et facilement.

Avec de petites corrections aux endroits critiques (par exemple, la tête, les mains d'un portrait, etc.), il faut tenir compte du possible gonflement et de l'assombrissement habituel sous le vernis des endroits corrigés. Et donc, au début de la correction, les endroits à retravailler sont bien séchés, recouverts de vernis liquide et corrigés avec des peintures avec vernis à peindre, afin d'éviter l'apparition d'affaissement. Dans le même cas, si des affaissements se sont formés, il ne faut pas les recouvrir de vernis à retoucher, mais il faut lui redonner l'éclat et la tonicité perdus par le seul huilage.

Indice de matériau
Cours : Techniques de peinture
PLAN DIDACTIQUE
Introduction
Informations générales sur les peintures

L'une des réalisations de la peinture à l'huile a été la création de règles d'écriture améliorées - un système de séquence claire et d'organisation du travail, composé de trois parties principales: 1) préparer un dessin et le transférer sur la base; 2) travail préliminaire avec des peintures - sous-couche; 3) vitrage final.
Un autre, non moins important, et peut-être le principal avantage de cette technique est les capacités uniques des matériaux huileux et résineux qui leur sont directement liés - les vernis, qui permettent d'étaler la peinture sur la surface en une couche très fine et d'augmenter considérablement leur optique Propriétés. Bien sûr, l'ordre dans le travail et la séquence existaient dans d'autres technologies. Cependant, ni l'encaustique, ni la détrempe, ni la fresque ne possédaient les avantages de glacis, les capacités techniques et les propriétés optiques qui distinguent la peinture à l'huile. Sans aucun doute, de nombreuses techniques de la technologie primitive sont passées à la peinture à l'huile.
Couleur de fond
Toutes les étapes de création travail classique sont étroitement liés. Le travail peut être commencé sur un fond blanc avec un modelage ultérieur des formes avec une peinture ou sur une doublure colorée - imprimatura, où le modelage est fait avec de la grisaille. En règle générale, l'étape précédente est effectuée en tenant compte de la suivante. Dans la sous-couche, le problème de la «texture» est résolu et déjà partiellement - la couleur locale, mais un peu d'une manière froide (chaux). L'exécution ultérieure des émaux dépend de la qualité de la sous-couche.

Les Italiens connaissaient déjà la technique de l'huile au début du XIVe siècle, mais une organisation claire du travail est venue en Italie du nord, où les artistes hollandais à la fin du XIVe siècle. pour la première fois, ils ont commencé à écrire sur un fond blanc sur des bases en bois avec un modelage brun des formes. Cette technique de peinture fut appelée plus tard la "méthode flamande". Progressivement, les fonds blancs sont remplacés par des imprimaturs colorés, assez clairs au départ. Plus tard, sous l'influence des écoles de Giorgione et de Titien, la couleur du sol passe du gris clair au brun foncé puis au brun très foncé et au brun rouge. La notion de « grisaille » apparaît dans la nouvelle méthode. Particularité cette méthode vient des Flamands - les artistes ont immédiatement commencé à travailler sur des terres colorées. La méthode a ensuite été appelée la "méthode italienne". En comparant les méthodes, on peut voir que les artistes de la deuxième étape dans les deux cas ont continué à peindre selon le fond sombre. La seule différence était que dans le premier, le dessin était appliqué sur un fond blanc, suivi d'un modelage brun de la forme, dans le second, le dessin était appliqué sur un fond coloré.
Lorsqu'ils peignaient sur des fonds blancs, après avoir transféré le dessin, les anciens maîtres coloraient soigneusement les formes avec de la détrempe ou de la peinture à l'huile, toujours transparentes, de sorte que le fond blanc puisse être vu à travers, qui à certains endroits était à peine recouvert ou restait blanc. Couleur de modélisation - brun doré. Parfois, une peinture rose transparente de couleur chair était ajoutée au vernis à l'huile et l'ensemble du tableau le traversait ou certaines zones étaient ombrées. Déjà à ce stade, la photo pourrait être très belle. Dans les premiers stades du développement de la technique à l'huile, une œuvre ainsi préparée pouvait être complétée par de multiples émaux colorés ou des inscriptions semi-coquées, dont chaque couleur était préparée séparément. Une autre façon de travailler sur des fonds blancs - après une préparation brun-rose avec des peintures transparentes, la peinture a été poursuivie avec des peintures à l'eau ou à l'huile corporelles et semi-corporelles, en comptant sur un glaçage supplémentaire, ou simplement en terminant le tableau en une seule étape. Dans tous les cas, des couleurs séparées d'une certaine nuance ont été préparées. Sur des sols gris clair, ils ont peint avec des couleurs chaudes peinture marron et des ombres, des tentures sombres et d'autres endroits plus ou moins sombres s'y sont étendus. Cela se faisait souvent avec des peintures à la détrempe ou à la colle qui, après finition, étaient fixées avec du vernis à l'huile. Dans les zones claires, un travail a été effectué sur un vernis à l'huile déshydratant avec de la grisaille ordinaire ou légèrement teintée, en travaillant soigneusement les formes. Après une telle préparation, la peinture a reçu un caractère lisse et brillant - gratté, poli, essuyé avec du vernis. Dans le même temps, la coque (ou semi-coque) isole les zones d'ombre et prescrit les réflexes. En demi-teintes sur préparation grise, la peinture grisaille a été subtilement nuancée, la reliant aux ombres. Les demi-teintes sont toujours restées froides. Cette construction coloristique - lumières chaudes, tons moyens froids et ombres "chaudes" plus intenses - était caractéristique de la sous-couche du corps nu. La préparation a été finie avec de fins vitrages répétés et des accents dans les endroits les plus clairs et les plus sombres.
Le système d'exécution de la peinture sur des fonds brun clair et brun rouge était à peu près similaire au travail sur des fonds gris clair. Mais si sur des fonds gris, ils ont commencé avec des ombres de peinture brune et que les lumières froides n'ont pas été touchées, alors sur des fonds bruns, ils ont commencé avec des zones claires de grisaille et les ombres ont été laissées chaudes. Ensuite, le travail a été effectué à peu près de la même manière que sur des sols gris clair.
Au XVIe siècle. les sols s'assombrissent progressivement. Et à la fin du XVI - début du XVII siècle. les artistes, pour la plupart des écoles du sud, ont commencé à utiliser des fonds très sombres, presque noirs, en y ajoutant souvent du charbon de bois. La peinture sur des sols sombres a commencé, couvrant toute la surface de la peinture avec une sous-peinture corporelle. La vitesse d'exécution a considérablement augmenté, mais plus tard, cela a conduit au fait que les travaux ont été réalisés avec des peintures locales sans sous-couche ni vitrage traditionnels, et se sont terminés en une seule étape.
Sous-couche
Si l'on considère la peinture des maîtres anciens, on remarquera qu'à toutes les étapes la peinture a été réalisée facilement, sans surcharger les formes de ton et, si possible, en une seule fois. Un séchage complet a suivi après chaque session.
En travaillant sur les sous-couches teintées et les glacis, les artistes ont pu revenir sur les ombres et les reflets, dont la base était posée au départ. Mais souvent, les ombres et les reflets sont restés dans leur forme d'origine même aux étapes du dernier vitrage.
La technique de la peinture à l'huile s'est développée dans le contexte des traditions établies de la peinture à la détrempe. Un détail important - les peintures à base d'eau, lorsqu'elles sont humides, ont un ton sombre et dense, qui devient blanchâtre, clair après séchage. Cette différence de ton dépend des propriétés optiques du matériau humide et du film adhésif sec. Pour consolider le ton général de l'image, la sous-couche, réalisée avec de la peinture à base d'eau, a été séchée, grattée, en enlevant l'excédent de peinture avec un couteau bien aiguisé afin que sa couche soit la plus fine possible, et recouverte de vernis à l'huile ou bien préparé huile. L'œuvre a immédiatement pris un aspect différent - considérablement réduit dans le ton, acquérant de l'élasticité, de la profondeur et une teinte dorée. La peinture a été autorisée à sécher et le résultat était une peinture à l'huile. Parfois, il était poli avec un matériau abrasif fin plusieurs fois, après le vernissage, et toujours avec de l'huile.
La tâche de la sous-peinture consiste à travailler soigneusement toutes les lumières de l'image au cas où, la peinture d'empâtement, donnant un effet amélioré, souvent très contrasté de lumière et d'ombre. Il s'agissait principalement de blanc teinté. La sous-couche avec du blanc pur est extrêmement rare. Dans sa forme finale, il a toujours eu un air plus froid et ton clair qu'après les émaux finaux. Ce « refroidissement » s'est intensifié après séchage. Dans la sous-couche, les zones éclairées de la peinture ont été préparées avec plus de force et de soin, plus le rôle accordé à un vitrage supplémentaire est important. La texture du coup de pinceau, qui pouvait être lisse, ombrée ou en relief, avec des marques évidentes laissées par le pinceau, qui devenaient plus apparentes dans les glacis ultérieurs, était d'une grande importance dans la sous-couche. Pour obtenir l'effet d'un coup de pinceau lisse, ils utilisaient souvent la méthode de la cannelure - ombrageant le corps d'un trait avec une flûte sèche ou une peinture d'ombrage posée dans un liquide. Pour cela, des pinceaux de différentes textures, tailles et formes ont été utilisés. L'ombrage sec au stade final de la sous-couche a donné à la peinture un caractère lisse et brillant. Il était souvent utilisé dans le travail de nu.
Dans la peinture des maîtres anciens, une technique a été utilisée qui donne de la force aux endroits éclairés de l'image. Si vous mettez une fine couche liquide de peinture légèrement opaque, elle sera alors plus froide et plus foncée que la même peinture épaisse. Le corps, une peinture épaisse, réfléchissant les rayons de lumière, sera incomparablement plus clair et conservera sa vraie couleur qu'une couleur décolorée liquide.
Mais si le corpus de couleurs était toujours utilisé dans les zones éclairées de l'image, et en particulier lors de l'expression de la brillance, les ombres écrivaient très finement. Souvent, la couleur du sol était visible à travers la couche de peinture, une fine couche de peinture donnait de la transparence, de la légèreté et en même temps de la profondeur aux ombres, surtout après glacis. Si la sous-couche est faite de manière décolorée, légèrement colorée ou grisaille, mais fortement modelée et contrastée, donnée en pleine force de lumière, et que les tons moyens et les ombres restent presque intacts, alors la tâche de glacis (sauf pour rehausser la couleur) est pour affaiblir le contraste de la sous-couche. Le vitrage, placé sur les parties claires de l'image, abaisse leur ton, rehausse la couleur. Elle teinte légèrement les zones d'ombre, leur donnant plus de profondeur.
Dans l'ancienne technique de peinture, il existe des solutions lorsque le clair-obscur est faiblement exprimé dans la sous-couche. Dans ce cas, la tâche du vitrage est de renforcer le contraste de la lumière et de l'ombre. Un tel vitrage est appliqué plus intensément dans les zones d'ombre et très finement dans les zones claires. Souvent, au stade du glacis, il faut réintroduire dans les endroits éclairés de l'image et les renforcer dans le corps, par des retouches.
Dans la sous-couche de peinture, des pinceaux de différentes formes et tailles ont été utilisés: poils, kolinsky, poils d'oreille, furet, écureuil et autres, selon le but. Les pinceaux longs, plats et à poils ramassent beaucoup de peinture et peuvent être utilisés pendant longtemps. Les plus grands traversent de grandes surfaces et organisent la texture du trait, qui peut être large et court ou long et étroit. Ils peuvent tracer des lignes ou mettre des traits les uns à côté des autres, se chevauchant légèrement. L'épaisseur des lignes tracées dépend de la rotation de la lame de la brosse. Ils donnent le frottis texturé le plus dur. Il est pratique d'ombrer la peinture avec des pinceaux à poils plats - à flûter. Il est pratique de couper avec des poils ronds et d'autres pinceaux, en infligeant de petits coups fréquents avec le bout du pinceau sur de la peinture dense ou semi-coque. C'est l'un des types de nivellement de la couche de peinture. Les pinceaux doux kolinsky, écureuil et similaires donnent un coup délicat et doux. Les pinceaux fins de toutes sortes conviennent mieux aux travaux de finition. Ils prescrivent de petits détails : pierres, terre, herbe, feuillage, et en général tout ce qui demande une étude attentive. Pour la finition des traits au premier plan, la finition de la surface rugueuse de la terre, des pierres et d'autres détails, de vieilles brosses à poils ébouriffés et divers couteaux à palette sont utilisés.
glaçage
Le troisième canon de la peinture classique. De manière exagérée, on peut imaginer qu'il s'agit d'habiller un corps nu de vêtements transparents colorés. Dans la technique à l'huile, c'est la technique finale, prescrivant ou frottant une fine couche de peinture transparente sur des parties déjà complètement sèches afin de modifier ou d'améliorer le ton sous-jacent. Le vitrage abaisse toujours le ton de l'œuvre, généralise ou révèle des sections individuelles, améliorant le son des couleurs et la profondeur de l'image. Vitrage souvent en général isole ou refroidit la couleur de l'image. Les vitrages transparents ne modifient aucun des détails élaborés, donnant plus de force soit aux plans rapprochés, soit au réchauffement ou au refroidissement d'autres parties de la composition, en s'efforçant d'obtenir la plénitude de l'effet. L'émaillage était toujours réalisé par les maîtres anciens en fonction de la préparation du corps.
Valer
Traduit du français, c'est la « valeur », et en peinture c'est une certaine nuance de ton, exprimant un état spécifique d'ombre et de lumière. Elle est réalisée en retouchant le tableau avec de la peinture liquide mélangée à du blanc. En cela, il est similaire au vitrage et est souvent mal nommé en tant que tel. Il est plus lié à la deuxième étape de travail de la coque, bien qu'il soit souvent utilisé dans le processus de vitrage. Mais si le glacis est une façon d'écrire uniquement avec des peintures transparentes, appliquées, en règle générale, à plusieurs reprises dans une certaine séquence technologique, alors valer est la peinture elle-même avec des mélanges de peintures, exécutées en une seule fois - parfois facilement dans les zones d'ombre, parfois plus corpusculaire dans les hautes lumières.
La technique était souvent utilisée par de nombreux artistes anciens et modernes pour prescrire le deuxième plan d'une image, pour représenter le brouillard du matin, pour travailler avec des nus, des portraits, etc. C'est à peu près la même chose que ce que nous appelons aujourd'hui la perspective aérienne. Léonard de Vinci l'a utilisé pour la première fois en peinture, l'appelant sfumato (littéralement, "disparu comme la fumée"). Avec les émaux les plus fins et la virtuosité du travail avec de la peinture blanchie à la chaux semi-coque très liquide et très finement posée, il atteint une légèreté, une élégance et une profondeur inégalées dans le développement de l'espace. représentant lumineux une technique similaire était aussi Rubens.
retouche
Une technique de peinture utilisée dans les étapes finales du travail. Il s'apparente dans une certaine mesure à la valerie et au vitrage.
Les artistes en phase finale de travail ne sont pas toujours pleinement capables d'exprimer leurs intentions, et dans ce cas, une retouche s'impose. Parfois, il s'agit d'une étude plus corpus de la lumière et d'un approfondissement des demi-teintes et des reflets ; parfois c'est une combinaison de peinture dans un ton, toujours liquide, qui peut être semi-coque ou transparent. Dans le premier cas, cela peut être attribué à valery, dans le second - au vitrage.
E. Berger écrit à propos de la technique de Rubens de la manière suivante: «Des artistes surchargés comme Rubens donnaient souvent aux étudiants une sous-couche pour leurs peintures, puis les «retouchaient», c'est-à-dire qu'ils parcouraient l'ensemble du tableau de manière à ce qu'il puisse être considéraient leur propre travail. De telles retouches pouvaient être faites en partie avec des glacis, en partie en demi-coque, et parfois de manière expressive forte afin de donner à l'ensemble une écriture magistrale.
Armenini, dans son traité, parle avec une grande approbation de la technique de la retouche, disant qu'elle peut atteindre une grande perfection : « Dans la technique à l'huile, c'est facile à faire si la sous-couche est très avancée ; comme les couleurs s'estompent toujours, ou que les ombres noircissent, il faut y revenir plusieurs fois pour les rendre à nouveau vivantes, fraîches, uniformes, douces et agréables. Pour ce faire, essuyez bien l'endroit avec un morceau de lin, en le trempant légèrement dans de l'huile de noix légère, ce qui rendra le fragment lisse et brillant. Cela fonctionne mieux sur le bois que sur la toile ; dès que l'huile est soigneusement essuyée avec un chiffon blanc sec, les choses déjà écrites repassent immédiatement, si nécessaire, retouchent, éclaircissent, adoucissent, glacis, font des enregistrements corporels et ne laissent jamais la moindre chose qui pourrait souiller l'œil.
Ainsi, les concepts associés à la troisième étape - le vitrage, que l'on retrouve souvent dans la vie quotidienne moderne, doivent être considérés comme toute la variété du travail avec la peinture à l'huile liquide.
Le produit fini des maîtres anciens, exécuté selon la technique de la peinture à l'huile, est comme une eau profonde et transparente, souvent sans fond. Lorsque vous regardez dans ses profondeurs, vous voyez la couleur et la texture du fond, parfois clairement, parfois à peine perceptible : sable, pierres, herbe et êtres vivants qui s'y trouvent. C'est toute l'essence de l'expression - "peinture profonde". La beauté de la peinture dépend aussi de cette profondeur et de cette pureté coloristique.
couleur profonde
C'est le nom de toute couleur pure de base sans blanchiment. Les couleurs profondes accordent une grande importance à la couleur de l'image et, avec la pureté des tons, n'irritent pas l'œil, ne perturbent pas l'harmonie, même si d'autres couleurs pures contrastées sont placées à proximité. La plus grande profondeur de couleur est obtenue par la glaçure, dans laquelle les vernis à base de résine jouent un rôle prédominant : plus le point de fusion des résines est élevé, plus elles contribuent à une plus grande profondeur de peinture. Peu importe la force des contrastes, l'image est peinte, mais si elle est recouverte d'une fine couche transparente de l'une des couleurs de base vives avec un glacis généralisé, toutes les couleurs de l'image trouveront l'harmonie.
Les peintures utilisées au stade du glaçage sont plus ou moins transparentes. Les couleurs moins transparentes associées au blanc deviennent plus froides et perdent leur fraîcheur; les peintures transparentes associées au blanc conservent plus de pureté de couleur.
Pour les vitrages, les peintures suivantes et leurs mélanges sont le plus souvent utilisés: terre de sienne - naturelle et brûlée, terre d'ombre - naturelle et brûlée, vandik brun naturel, mars transparent de toutes les nuances, kraplak rouge et autres types de kraplak, ainsi que d'autres peintures vernis de différentes nuances : ocre rouge transparent naturel, vert émeraude, volkonskoite, outremer naturel, outremer artificiel. Cette liste ne limite pas le nombre de peintures utilisées. En d'autres termes, tous les types de peintures transparentes et translucides utilisées en peinture participent au glacis.
Certaines couleurs vives ne peuvent être obtenues autrement qu'en travaillant sur un fond clair avec des peintures transparentes. Les glacis les plus fins avec des transitions à peine perceptibles de certaines couleurs à d'autres sont plus commodément réalisés sur de l'huile de lin bien préparée, raffinée, compactée et clarifiée. L'huile n'est pas un solvant (comme le pinène, par exemple) et durcit lentement, pour cette raison, en l'utilisant, vous pouvez travailler longtemps et lentement. Glacez sur une surface colorée bien séchée, qui est légèrement essuyée avec un coton-tige avant cela, et de préférence avec des doigts propres avec de l'huile très fine. Si la surface est sèche, il faut la frotter légèrement avec de la térébenthine, du pinène, de la térébenthine purifiée ou du white spirit avant de frotter avec de l'huile, mais vous devez être sûr que ces solvants faibles ne feront qu'adoucir le film de peinture sans le dissoudre.
Le film d'huile a des propriétés optiques inférieures à celles de la laque, de sorte que les laques donnent plus de profondeur à la peinture et sont toujours impliquées dans le processus de glaçage. Les glacis sur du pinène ou de la térébenthine purs n'ont aucun sens, car le pinène, qui dilue l'huile dans les peintures, s'évapore rapidement et un film de peinture à l'huile mince, faible et mat avec de faibles propriétés optiques reste à la surface. Dans ce cas, l'huile s'épaissit et durcit plus rapidement, empêchant la peinture d'être traitée longtemps et finement.
Les grandes surfaces ne nécessitant pas de transitions subtiles d'une couleur à l'autre, pour ne pas faire de salissures, mieux vaut vernir en une seule étape avec un vernis à retoucher sans huile. Les films de laque colorés sèchent plus rapidement que ceux à l'huile en raison de la volatilisation active du pinène. Par conséquent, lors de la réécriture, le pinceau se coincera dans la peinture laquée semi-sèche, formant des taches sales. Mais s'il devient nécessaire de réenregistrer sur le film de vernis, vous devez le laisser suffisamment sécher et le réenregistrer dans de l'huile condensée. Il se combine en douceur avec un vernis semi-sec et estompe délicatement la peinture. Il est préférable d'effectuer de petits ombrages avec les doigts de la main et de grandes zones avec le bord de la paume. En même temps, pour que l'huile ne s'affaisse pas, elle doit être prise le moins possible et ombragée aussi sèche que possible.
Dans certains cas, pour rehausser la texture d'un trait en relief ou pour montrer le grain de la toile au cours d'un travail de glacis, l'artiste enlève l'excès de peinture transparente avec la paume de la main, en l'enlevant des renflements et en ne laissant que dans les rainures.
Il s'agit d'un travail non conventionnel d'une manière proche du glacis, lorsque la peinture teintée blanche, très liquide, recouvre finement et facilement des morceaux individuels de sous-couche. Une telle peinture blanchissante liquide sur une sous-couche sombre donne des teintes verdâtres froides qui, après 2-3 heures, sont complétées par des traits de la même peinture, mais plus épaisse, dans les zones claires. Ainsi, par exemple, la dentelle de voiles blancs est peinte en une seule fois, vous pouvez donc «faire revivre» les parties nues du corps (visages, mains) dans les dernières étapes de la peinture. Il faut parfois revenir plusieurs fois sur cette technique, en répétant les recettes après séchage et essuyage avec retouche ou retouche à l'huile de la couche de peinture précédente.
Il existe des cas de travaux avec glacis au stade de sous-peinture, qui consistent dans le fait que le lendemain du travail, une peinture de carrosserie colorée propre à glacis, semi-glacis ou même très liquide est appliquée sur la sous-peinture semi-sèche.
Plus souvent, cette technique est utilisée en diluant les peintures avec des vernis de retouche. Dans ce cas, il y a une certaine opacification de la peinture, lorsque la peinture est légèrement mélangée avec la partie blanche de la sous-couche, "fondant" littéralement dans la peinture encore humide.
Mais il arrive souvent que même après la fin du vitrage, l'image ne soit pas complètement terminée, au bout d'un moment l'artiste reprend le travail avec une couche de peinture déjà séchée et, si nécessaire, passe par des retouches, fait des accents dans les parties les plus claires de l'image, en ombrageant les formes et en soulignant les détails.
L'un des cas les moins conventionnels de corrections de peinture dans le processus ou à la fin du travail avec vitrage a été utilisé par Van Dyck, lorsqu'il a apporté de toute urgence des corrections à une œuvre apparemment achevée. Il a utilisé du jus d'ail, qui a les propriétés tensioactives de "dégraisser" la surface séchée des peintures à l'huile, a frotté la surface de l'huile séchée avec le jus et, lorsque le jus a séché, formant un film, il a fait des corrections à cet endroit avec de l'eau - peintures à base de gomme. Après séchage, l'artiste les a frottés avec du vernis à l'huile et a terminé la peinture. En règle générale, après séchage d'une chose déjà presque finie, elle est recouverte d'une glaçure unifiante à l'aide de vernis de retouche ou de mélanges d'huile de térébenthine, après quoi l'image devient complète.
Un artiste moderne, travaillant sans cesse et opérant avec un grand nombre de couleurs, essaie de donner à chaque trait un statut particulier sur toute la surface de l'image. vieux maitre,
en règle générale, il limitait le nombre de couleurs et utilisait chaque ton suivant de manière aussi large et variée que possible, en prenant soin de la pureté des couleurs. En conséquence, son travail se terminait toujours par le vitrage.
Décrivant la peinture des maîtres anciens, Erns Berger dit : « A mon avis, raison principale le haut épanouissement de l'art de cette époque ne doit pas être vu dans l'une ou l'autre recette magistrale (qui, selon beaucoup, s'est perdue au fil du temps), mais dans une méthode consciente et opportune d'utilisation de tous les moyens disponibles, à la fois optiques-esthétiques et artisanaux . La bonne compréhension de tout ce qui est indiqué
des auxiliaires au bon endroit et en bonne quantité, et non des recettes individuelles, aussi bonnes soient-elles.
La puissance de l'expression artistique basée sur la connaissance de l'anatomie et de la perspective,
une grande culture dans la compréhension et la représentation des formes et des lignes, de la lumière et de la couleur, de l'espace, etc. - tout cela pris ensemble a permis aux maîtres de la Renaissance d'amener l'art à un tel sommet, qui a ensuite été atteint par très peu.
Glossaire:
Imprimatura (traduit de l'italien - «pour commencer») est une couche supérieure de sol colorée, ou la première couche (inférieure) de peinture, qui joue le rôle coloristique principal dans l'image. Texture - jeter les bases d'un vitrage supplémentaire, sous-couche en relief avec une peinture plus chargée dans les zones éclairées.
Le lait de chaux, réalisé avec des couleurs chaudes (ou brunâtres neutres) ou refroidies, est une préparation de chaux de couleur dans laquelle un petit nombre de couleurs ont été utilisées. Dans le premier cas, des couleurs pourraient être en cause : blanc, noir, ocre jaune, un peu de brun foncé (par exemple terre d'ombre brûlée) et un peu de cinabre. Les peintures d'une teinte froide étaient appelées par les anciens maîtres "peintures mortes", c'est-à-dire non naturel. Ils ont effectué une sous-peinture, qui comprenait du grisâtre, du verdâtre, de l'ocre-verdâtre, du bleuâtre, du rose, etc.
La grisaille (grisaille française de gris - «gris») est la deuxième étape du travail avec des peintures, lorsque, selon l'imprimatura, après le transfert du dessin, une sous-couche monochrome est appliquée de la manière habituelle en blanchissant localement. Peintures de coupe - une technique technique pour niveler et créer une texture fine et à peine perceptible d'une surface colorée. Cette technique était une préparation pour l'étape suivante - le vitrage.
Concepts : la couleur, la couleur et le ton doivent être distingués. La couleur est un concept physique, la propriété de la lumière de provoquer certaines sensations visuelles. Il est impossible de couvrir tel ou tel endroit de l'image avec de la couleur, mais seulement de la couleur.
Kohler - peinture ou mélange de plusieurs couleurs.
La teinte est l'un des signes d'une couleur - sa "qualité" ou sa nuance, en raison de laquelle cette couleur diffère d'une autre.
Le rétrécissement de l'huile de lin fait référence à sa propriété de former un film de surface lorsqu'il est exposé à l'oxygène de l'air. Dans le même temps, les couches supérieures de l'huile durcissent plus rapidement et les couches inférieures, faute d'accès à l'air, plus lentement. Dans une couche épaisse d'huile (et de peintures), en raison de la différence des taux de durcissement de l'huile en profondeur et en surface, le film se plisse dans ses parties supérieures, ce que l'on appelle le « rétrécissement ».
Gummi (lat.) ou gommes (grec) - adhésifs végétaux naturels, qui sont des jus épais provenant de coupures dans l'écorce de certains arbustes et arbres, durcissant à l'air et formant des résines solubles dans l'eau.
Le jus d'ail est préparé de la manière suivante : pressez la tête d'ail dans un petit mortier médical en céramique, versez de l'eau tiède et frottez la masse avec un pilon. Ensuite, pressez-le à travers quatre couches de gaze dans un bol séparé. Avant cela, préparez la surface de l'huile pour les corrections : essuyez-la papier de verre ou un abrasif fin, desserrant le film d'huile et enlevant une couche de peinture en excès; retirez soigneusement la poussière de peinture en recouvrant la surface de jus d'ail avec la paume de la main ou des doigts jusqu'à ce que le jus roule en gouttes, formant un film uniforme.

Les plus grands chefs-d'œuvre ont été peints à la peinture à l'huile, ce sont eux qui ont donné, et donnent encore, leur préférence aux maîtres de la peinture et aux artistes célèbres. Mais travailler avec de telles peintures a ses propres caractéristiques uniques et ses propres différences de techniques. Par conséquent, de nombreux artistes novices ont des difficultés à écrire des images. Dans cet article, nous allons essayer de comprendre comment peindre avec des peintures à l'huile, ce qu'elles sont, et également considérer plusieurs techniques de peinture à l'huile.

Dans les magasins spécialisés, les peintures à l'huile sont présentées dans un large assortiment, il existe de nombreuses marques sous lesquelles ces produits d'art sont vendus. Quelle est la particularité des peintures à l'huile ?

La composition comprend divers pigments : minéraux, organiques, synthétiques et terreux. Les mêmes composants sont présents dans la composition d'autres types de peintures, que ce soit l'acrylique ou l'aquarelle.

Les peintures à l'huile diffèrent des autres par le composant de liaison - il s'agit de l'huile de lin. C'est lui qui donne la luminosité et la saturation de la couleur, et c'est à cause de cela que ces peintures sèchent longtemps. Mais d'un autre côté, une nouvelle couche d'huile appliquée sur la toile se prête au changement, c'est-à-dire que vous pouvez ajuster le dessin à plusieurs reprises et appliquer de nouvelles couches par-dessus les anciennes.

Une autre caractéristique des peintures à l'huile est qu'elles ne sont pas diluées avec de l'eau, mais avec un solvant spécial, qui est également utilisé comme huile végétale. Un tel diluant est vendu dans les magasins d'art, tout comme les peintures elles-mêmes.

Quels sont les types?

Dans chaque magasin spécialisé, vous pouvez trouver trois types de peintures :

• Hautement artistique. Ce sont des peintures qui sont achetées par des professionnels dans leur domaine. Ils ne sont constitués que de composants de haute qualité, ils ont donc un coût élevé. Mais pour une bonne image, il faut de bonnes peintures qui, avec le temps, ne perdront pas leur éclat et ne changeront pas de couleur.

• Studio. Ils ne sont pas moins demandés que la première option, ils se comportent bien sur toile. Convient aux artistes professionnels et débutants.

• Vague. Ils conviennent mieux aux débutants dans le domaine de l'art, car pour un faible coût, vous pouvez acheter une quantité suffisante de peintures et choisir votre propre technique d'application.

Les fabricants de peintures à l'huile sont situés dans de nombreux pays du monde. Les artistes expérimentés ont déjà choisi eux-mêmes les options qui conviennent au travail. Beaucoup combinent leurs kits de différentes entreprises, ce qui est également acceptable.

Les peintures à l'huile fixes sont divisées en transparentes et opaques. Ces derniers ont une structure plus dense et ne laissent donc pas passer la lumière. Chaque colis doit avoir des marquages ​​spéciaux. Par exemple, la désignation "*" indique la durabilité et la durabilité de la peinture sur toile. Plus il y a de tels symboles sur la peinture, plus les toiles finies dureront longtemps. Les meilleures peintures durent plus de 100 ans.

Le symbole sous la forme d'un carré noir rempli signifie que la peinture n'est pas transparente, si elle est à moitié, alors elle est translucide.

Les pigments qui donnent à la peinture une couleur particulière peuvent être divisés en organiques et inorganiques. Le premier type donne des nuances plus vives et le second des couleurs naturelles. Avec un bon rapport de pigments, les fabricants obtiennent de belles nuances de haute qualité.

Pour la production de peintures à l'huile, on utilise généralement de l'huile de lin importée, car le lin poussant en dehors du territoire Fédération Russe, possède des propriétés uniques grâce auxquelles les peintures artistiques ont leurs propres caractéristiques de qualité uniques.

Sur la vidéo: comment choisir les peintures pour la peinture à l'huile.

À propos des techniques de dessin

La préparation à la créativité ne prend pas beaucoup de temps, d'autant plus que dans les magasins d'art moderne, vous pouvez acheter tout ce dont vous avez besoin pour travailler. Les toiles déjà tendues et apprêtées peuvent être trouvées dans n'importe quelle taille - de la plus petite à la plus grande.

Le tableau peint avec des peintures à l'huile est très impressionnant. Les traits appliqués par l'artiste semblent séparés les uns des autres. Beaucoup de gens pensent que la peinture à l'huile est une activité assez simple, mais ce n'est absolument pas le cas. Essayons de comprendre comment apprendre à dessiner avec des peintures à l'huile.

Chaque maître a sa propre technique de dessin, qui se distingue par ses propres caractéristiques. Les standards sont :

• superposition multicouche ;
• alla prima - une couche.

La mise en œuvre d'une superposition multicouche est une technique très complexe dans laquelle il faut être le plus prudent possible, connaissant toutes les propriétés et caractéristiques des peintures à l'huile. Il est nécessaire de travailler dans le même style et de ne pas diluer la peinture afin de terminer le travail plus rapidement. La composition diluée peut apparaître sur la toile plus mate et terne que le reste des détails. Avec cette technique, pas un ou deux tubes de peinture ne prendront tout le travail.

Lors de l'application d'une couche, vous devez vous rappeler que la peinture peut rétrécir et que des fissures apparaîtront sur l'image. Dans ce cas, les artistes laissent sécher complètement la première couche et peignent la seconde. De nombreux artisans utilisent plus souvent cette technique, car la consommation de matière est moindre.

Règles fondamentales

Ainsi, nous apprenons à peindre à l'huile. Quelles règles doivent être suivies :

1. Une condition préalable à l'écriture de toute image est la lumière. Seul le bon éclairage peut obtenir l'effet désiré.
2. Les artistes commencent leur travail avec le contour de la future peinture. Le charbon de bois fonctionne bien pour cela. Il peut être facilement essuyé avec un chiffon et redessiner l'élément défaillant. Les traits tracés au fusain doivent être fixés sur la toile.
3. Dans l'image, tous les tons et les ombres sont obtenus en mélangeant constamment les couleurs. Vous devez clairement comprendre quelles couleurs doivent être mélangées pour obtenir l'une ou l'autre nuance.
4. Les maîtres commencent à peindre leur image avec les éléments les plus brillants de la composition. Autrement dit, vous devez d'abord sélectionner l'élément le plus sombre et le plus clair. Ensuite, vous pouvez commencer tous les autres détails.
5. Une fois l'esquisse de base terminée, vous pouvez passer au dessin. Mais ne vous concentrez pas sur un seul élément. Il faut engager progressivement toute la toile.
6. Les artistes recommandent de prendre du blanc en quantités beaucoup plus importantes que les peintures d'autres couleurs, car elles sont utilisées plus souvent.
7. La peinture finie sèche en trois jours, vous pouvez donc faire des ajustements sur la toile le lendemain après la fin des travaux. L'endroit manquant peut être enlevé avec une spatule. Cela ne nuira ni à la toile ni à l'ensemble de l'image. Le travail restera le même.
8. Pour les artisans novices et les amateurs, il n'est pas rentable d'utiliser des peintures professionnelles, car les débutants dessineront principalement des croquis.
9. Pour les peintures à l'huile, il est nécessaire de préparer un endroit spécial pour le stockage. Ce dont vous avez besoin pour peindre (peintures, pinceaux, toile, palette) doit être au même endroit, et ils peuvent être emportés et utilisés dès que nécessaire.
10. Une fois la toile complètement sèche, il est impossible d'essuyer la surface avec un chiffon sale et de la toucher avec les mains. Ça peut faire mal apparence dessin général.

La peinture étape par étape avec des peintures à l'huile ressemble à ceci.

La façon de dessiner vos premiers tableaux vous sera suggérée par des artistes qui peuvent se vanter d'un grand nombre de toiles. Il existe certaines techniques de peinture pour la peinture à l'huile sur toile. Un artiste novice doit commencer à travailler sous la supervision d'un enseignant expérimenté. Dès que les dessins écrits commencent à apparaître et que vos propres méthodes sont révélées, vous pouvez peindre vous-même à l'huile.

Sur quoi écrire avec des peintures à l'huile et comment commencer à dessiner, les vendeurs de magasins de fournitures d'art peuvent également vous dire. Il existe de nombreuses écoles où les gens de tous âges apprennent à peindre. Apprenez à dessiner uniquement à partir de bons artisans La peinture!

Ateliers peinture à l'huile (2 vidéos)

Peintures par étapes (23 photos)

Bonjour chers amis et followers ! Je me prépare depuis longtemps à ce sujet, car j'ai compris qu'il est généralement très vaste et multiforme. Vous pouvez parler des techniques de peinture à l'huile pendant une semaine sans dire tout ce qui peut et doit être dit.

Et pourtant, il faut simplement dire les choses les plus importantes. Essayez simplement de le trouver n'importe où sur Internet. une sélection complète des techniques de base avec des descriptions eux, de sorte qu'il devient clair pour une personne qui n'a jamais peint auparavant quelles techniques de base existent, comment elles sont caractéristiques et comment elles diffèrent les unes des autres.

Voyez comme c'est difficile. Et il s'avère qu'une personne apprend qu'il y a alla prima, il y a une technique multicouche, et c'est tout ...

En fait, il existe de nombreuses techniques. Et connaître leurs caractéristiques, et plus encore pouvoir les mettre en pratique exactement là où elles sont vraiment nécessaires, est très important pour un artiste professionnel. Après tout, leur possession garantit le professionnalisme et la capacité de transmettre tous les détails de l'image sur toile.

Diverses techniques d'écriture en peinture à l'huile

Chaque méthode (technique) d'application de peinture sur toile a ses avantages et ses inconvénients. Quelque part, l'écriture de l'image joue un rôle important, mais quelque part, la complexité de la couche peinte de détailler l'image est importante.

De quelle méthode d'application de la couche de peinture vous avez utilisé, et la texture de surface de votre image ressemblera à

Par conséquent, un aperçu des techniques de peinture à l'huile s'impose. Si vous êtes nouveau et prenez simplement les pinceaux dans vos mains, puis ce matériel vous sera particulièrement utile. Alors commençons. Et commençons néanmoins par les plus populaires...

Technique multicouche

Cette technique est la plus traditionnelle et la plupart des chefs-d'œuvre mondiaux de la peinture à l'huile y sont écrits.

Son essence réside dans le fait que lors de l'écriture d'une image les couleurs sont appliquées les unes sur les autres, et la couche suivante est superposée après séchage complet le précédent.

La principale caractéristique de cette technique est qu'elle vous permet de créer des parcelles de peinture "subtiles", d'y indiquer des accents importants et de peindre une image pendant longtemps, en prêtant attention à chaque millimètre sur la toile, en travaillant soigneusement ses détails.

Tout commence par une sous-couche légère, qui détermine le ton de l'image.

Le principe de travail en peinture multicouche est le suivant : d'abord, un croquis est fait du dessin et de la sous-couche dans des tons sombres, plus le temps de séchage complet. La deuxième couche est la prescription principale de la peinture avec une couche colorée, plus le temps de séchage. La troisième couche - détails et raffinement dans l'image ...

Cette technique elle-même est très diversifiée et, selon comment et quelles couches séparées sont formées, elle est divisée en d'autres styles d'écriture.… En savoir plus ci-dessous⇓

Alla prima

C'est une technique courante et populaire parmi les artistes professionnels ainsi que les artistes amateurs. On l'appelle aussi la technique à cru ou technique rapide.

Selon la méthode d'application des peintures, il est complètement opposé au multicouche: avec lui, la peinture est appliquée sur la toile en une seule séance ... Et la peinture est mesurée en un à trois jours, jusqu'à ce que les peintures sèchent complètement .... Et voila ! La photo est prête !

Un exemple de mes paysages en technique rapide

Cela ne demande pas un travail très minutieux sur les détails, mais en même temps c'est difficile à cause de la nécessité de travailler, ce qu'on appelle "cru dans cru". Si vous appliquez une nouvelle couche d'encre sur une couche humide existante, il y a toujours le risque de mélanger la couche d'encre et de rendre l'image plus difficile à former.

Alors, la deuxième couche de peinture de la technique Alla prima est appliquée immédiatement, ce qui n'est pas autorisé dans un multicouche.

Les tableaux peints de cette manière, en règle générale, ne transmettent pas toujours l'exactitude des images et des objets. Leur tâche n'est pas de documenter ce que l'artiste voit, mais de capturer sur toile ses sentiments à partir de ce qu'il a vu…. humeur, ambiance, sensations !

En d'autres termes, vous ne pourrez pas peindre un paysage finement détaillé, une nature morte ou une peinture de genre détaillée... car pour les détails, vous aurez peut-être besoin de plus d'une couche pour affiner l'image après séchage. Que veut dire travailler en technique multicouche… Mais vous pouvez certainement écrire une image intéressante!

La technique Alla Prima est très demandée par les professionnels et les amateurs de peinture.

Il n'est pas surprenant que la technique alla prima lors du travail avec des huiles soit devenue largement connue.C'est ce style qui nécessite le transfert d'humeur, la fixation d'un moment qui passe rapidement, et c'est alla prima qui convient le mieux à ces fins.

Il est intéressant de noter que alla prima, malgré sa popularité, est restée une technique indépendante et autosuffisante. Vous pouvez en savoir plus sur cette technique. Mais la technique multicouche, avec une histoire séculaire, comme un arbre fertile luxuriant, a donné lieu à nombre de ses variations. Ils sont devenus à leur tour des techniciens indépendants. Par example…

Technique de peinture à sept couches, technique des maîtres anciens et technique d'émaillage

Beaucoup de gens supposent que des techniques aussi complexes sont oubliées... Mais en fait, beaucoup artistes professionnels travaillant dans ces techniques subtiles. Écrire travail complexe, révélant toutes les possibilités des peintures à l'huile ne peut être qu'une approche particulière de l'écriture.

Par example, copier l'oeuvre des maîtres anciens, nous avons besoin de telles méthodes d'application de peintures, ainsi que de fines couches de vitrage transparent. Ou, populaire et en demande peintures dans le style de l'hyperréalisme, en utilisant des techniques de vitrage pour transmettre subtilement la plausibilité du sujet.

Bien que, pour maîtriser le style de l'hyperréalisme, tout le monde utilise: crayons, peintures, aérographes, marqueurs ... c'est-à-dire que des œuvres sont créées, ce qui ouvre à son tour de grandes opportunités pour l'art et l'humanité dans son ensemble.

Techniques des anciens maîtres flamands, italiens

Peut-être, technique à sept couches- l'une des options les plus complexes pour la technologie multicouche. Cette technique offre la reproduction la plus fiable des couleurs et des jeux de lumière. Il n'y a pas de recette unique et de séquence exacte. Par exemple, certains éléments peuvent changer de place, mais l'essence de l'œuvre demeure. En bref, la séquence avec cela ressemble à ceci:

1. Le sol est teinté (imprimatura);
2. Un dessin est dessiné au crayon et fixé à l'encre;
3. La sous-couche est terminée - grisaille aquarelle translucide ;
4. Une "couche morte" est appliquée - enregistrement de la grisaille de la lumière et de l'ombre ;
5. Écriture en couleur - la couche principale, en tenant compte des couches inférieures d'imprimatura et d'enregistrement;
6. Vitrage - fines couches teintées de peinture transparente;
7. Détails, formation de texture si nécessaire, par exemple, dans les natures mortes, finitions.

Finalement, travailler sur une image dans cette technique peut durer des mois et nécessite la capacité de travailler avec différents types couleurs.

Un exemple de technique de peinture en couches

Il y a un autre nom comme technique de glacis à l'aquarelle... ce sont toutes les mêmes techniques multicouches avec l'application de peintures transparentes - 3 couches, 5 couches si nécessaire, puis 9 couches.

Son essence réside dans le fait que des couches de peinture translucides sont appliquées les unes sur les autres. À la suite d'une telle superposition, de nouvelles nuances apparaissent, un jeu de couleurs est créé, ce qui est difficile (et parfois impossible) à réaliser en superposant des traits opaques.

Les couches de vitrage appliquées les unes sur les autres sont translucides, ce qui rend l'image inhabituellement complexe en nuances et en effets !

Pour le matériel de vitrage doit avoir très surface lisse Toile de sorte que la couche transparente puisse reposer à plat sur la surface. Auparavant, ils écrivaient sur du bois, sa surface est lisse, mais la toile est apparue bien plus tard.

L'apprêt teinté joue un rôle important dans le cas où la peinture est réalisée avec des peintures de glacis et que l'apprêt brille à travers les couches transparentes, en changeant leur couleur.

La couleur du fond facilite les transitions de tons et est souvent le ton principal à certains endroits de l'image et fixe la couleur de l'œuvre. Si posé sur sol teinté s couvrant les peintures, sa couleur n'aura pas d'importance pour la peinture.

La technique d'émaillage de la peinture à l'huile est très complexe. et nécessite non seulement la maîtrise des peintures et des pinceaux, mais aussi une compréhension de la façon dont ils sont combinés dans diverses dilutions.

Les spécialistes partagent également bon nombre des techniques plus étroites de la peinture à l'huile. Par exemple, la technique italienne, la technique néerlandaise, diverses techniques de transition sont connues, qui diffèrent principalement par les nuances individuelles d'application de différentes couches de peinture.

Et aussi la méthode préférée d'application des peintures de Léonard de Vinci est flamande (vitrage). Connaître l'existence de telles techniques est utile pour la perspective générale, mais il n'est pas nécessaire de les utiliser pour écrire de superbes images. En effet, à la Renaissance, il y avait une caractéristique importante, cette documenter l'image aussi précisément que possible, par exemple, un portrait d'une personne noble ou une nature morte juteuse.

Désormais, ce n'est plus nécessaire, et avec l'avènement des caméras dans notre monde, la peinture a tout à fait le droit de se développer dans d'autres directions et manières d'écrire !

Peu de gens savent qu'en plus d'une manière de peindre particulièrement complexe, de nombreux peintres et maîtres anciens, utilisé une camera obscura, qui véhiculait les proportions exactes. Et quel est cet appareil miracle, ⇐

Impasto, Pastose ou technique corporelle

C'est le contraire de la technique du vitrage.

En principe, ce sont des techniques très similaires dans le sens : technique pâteuse ou corporelle (pastoso), et empâtement (impasto) , se traduit par pâte... C'est-à-dire que l'image est "moulée" comme de la pâte

Ici des traits opaques denses se superposent, et la couche sus-jacente chevauche complètement la couche sous-jacente. Dans cette technique, le maître peut travailler activement avec le relief de l'image.

L'intrigue de l'image semble se mouler à la surface de la toile.

De plus, vous pouvez appliquer de la peinture dans cette technique non seulement avec un pinceau, mais également avec un couteau à palette. Vous pouvez également créer divers motifs avec un couteau à palette ou autre chose, par exemple avec une brosse en plastique ordinaire d'un magasin de matériaux de construction.

La technique permet d'avoir une sensation agréable de la matérialité des objets. Cette technique est bonne car permet à l'énergie créatrice de s'exprimer pinceau, couteau à palette ou spatule, par exemple. Vincent Van Gogh Je me suis apitoyé sur moi-même en tant qu'artiste, c'est avec cette technique de peinture que j'ai appliqué de la peinture épaisse sur la toile.

Grisaille

Ce n'est pas tant une technique de peinture à l'huile qu'une manière d'écrire en général. Et elle est l'une des options pour écrire des peintures à l'huile. Son grand principe- N'utilisez qu'une seule couleur pour peindre un tableau. Ici, toutes les bordures et tous les accents sont formés par des nuances distinctes de la même couleur, et non par des couleurs différentes. Avec amo nom vient du motgris, qui est le français pour le gris.

Technique de la grisaille en peinture à l'huile

La technique de la grisaille est utilisée dans la peinture monumentale et alfreine pour peindre les murs et les façades, et cette technique permet également d'imiter parfaitement les sculptures et les reliefs sculpturaux. Mais cela se produit aussi dans l'écriture d'images intéressantes.

Technique du pinceau sec

C'est plutôt méthode graphique d'application de peinture d'une seule couleur. Peut être sur toile, papier, bois ou métal. Il a peu de rapport avec la peinture, mais l'image est appliquée avec de l'huile et des pinceaux.

Manière assez rare où l'auteur utilise des peintures peu diluées, très épaisses. C'est-à-dire qu'il est écrit presque avec un pinceau sec. En règle générale, avec une telle dilution, les peintures ne permettent pas de travailler avec des nuances, mais offrent une plus grande profondeur et saturation de la toile.

Technique au pinceau sec sur papier

On dit que ce style d'écriture a été apporté avec eux par des étudiants chinois qui ont dessiné des portraits à l'encre sur papier il y a environ 30 ans pour ceux qui le souhaitaient dans la rue. Eh bien, nos artistes y ont pensé... et ont créé leur propre version, pas pire que la version chinoise !

Et tout de suite une question pour vous, chers lecteurs : qu'est-ce qui, à votre avis, est le plus important dans l'image : transmettre des sentiments, une atmosphère ou des détails de certains sujet spécifique ou phénomènes ? Quelle technique est la plus proche de vous - multicouche ou alla prima ?

VIDÉO POUR DESSERT : Comment se forme le goût artistique

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