Introduction

Ce n'est un secret pour personne que le théâtre d'aujourd'hui est à bien des égards une sorte de mort. De nos jours, toute une génération de personnes a grandi et est en bonne santé, n'est jamais allée au théâtre et, de plus, ne se considère pas privée de quelque chose à cet égard. Le théâtre a été remplacé par le cinéma et la télévision. Pourquoi aller quelque part quand vous pouvez simplement appuyer sur un bouton de la télécommande et voir tout ce que vous voulez et même plus ; pourquoi spéculer et imaginer, quand le cinéma dessine complaisamment n'importe quelles couleurs, et que le héros informatisé dépeint des tours possibles et impossibles. Cependant, à côté de ces faits franchement « philistins », il y en a d'autres qui ont conduit au déclin du théâtre, comme sa désuétude, son aliénation au commun des mortels. Ce qu'il faut, c'est une « nouvelle vision », un « flux vivant », quelque chose qui fera revivre le théâtre, l'amènera à un stade qualitativement nouveau de développement.

L'une des "découvertes" du nouveau théâtre a été l'œuvre d'Evgeny Grishkovets, qui a relancé le monodrame et lui a donné un son qualitativement différent. Il y a à peine dix ans, E. Grishkovets est monté sur scène avec son œuvre «Comment j'ai mangé un chien» et aujourd'hui, ils en parlent partout - à la télévision et à la radio, dans les journaux et magazines, sur Internet, à l'étranger et, bien sûr, bien sûr, au théâtre. Certains l'aiment, d'autres l'admirent, d'autres le trouvent banal, et d'autres encore ne considèrent même pas son travail comme de l'art. Une telle variété de sentiments et d'émotions du spectateur ne fait que dire que cette personne a sans aucun doute un talent qui ne laisse personne indifférent. Dix ans, c'est très long selon les normes humaines, mais selon les normes culturelles, c'est un moment. Le phénomène d'Evgeny Grishkovets n'a pas encore été étudié en détail, bien que de nombreux critiques littéraires, critiques et journalistes se soient tournés à plusieurs reprises vers son travail, essayant de trouver les origines de sa popularité et de son talent. Dans cet article, nous essaierons de déterminer l'essence du phénomène d'E. Grishkovets sur la base de l'analyse d'une de ses pièces.

Le phénomène de l'écrivain et dramaturge Evgeny Grishkovets

En fait, il existe de nombreuses sources de la phénoménalité d'E. Grishkovets. C'est d'abord l'étonnante polyvalence de son talent, puisqu'il agit en tant qu'écrivain et dramaturge, acteur et metteur en scène, voire « chanteur ». Il est déjà propriétaire de plusieurs prix prestigieux, tels que Antibooker, Golden Mask, Russian Diamond, il a reçu la médaille Symbol of Science et la projection de toutes ses performances en solo au festival Golden Mask a été incluse dans le livre Guinness des records. le même jour. . Deuxièmement, il s'agit bien sûr de sa reprise d'une œuvre dramatique aussi difficile qu'un monodrame. Et pas seulement sur papier, mais aussi sur scène. En général, monodrame - " travail dramatique, joué du début à la fin par un seul acteur " Basé sur les matériaux de la littérature dictionnaire encyclopédique termes et concepts. Si cet acteur unique joue un rôle, alors le monodrame est un monologue étendu qui peut s'adresser directement au spectateur, un personnage muet présent, ou un personnage hors scène. Evreinov N. N. dans son travail sur le monodrame Evreinov N.N. "Introduction au Monodrame". Saint-Pétersbourg, 1909 met en avant la centralisation interne de l'action, la transformation du "drame qui m'est étranger" en "mon drame", c'est-à-dire le drame du spectateur lui-même, en empathie avec le personnage central "acteur" de la pièce. Cet "acteur" Evreinov appelle le "sujet de l'action" ou simplement "je". La relation de ce "je" au monde, ses perceptions subjectives des gens et des choses déterminent la nature de l'action qui se déroule du monodrame. À l'époque soviétique, certains échos de la théorie d'Evreinov se retrouvent dans la pratique des réalisateurs du camp esthético-formaliste. Dans le même temps, ils ont tiré le principe du monodrame non pas de sa source première (Evreinov), mais de la pratique de la réalisation cinématographique, qui a canonisé la technique du «montage monodramatique» de Timoshenko S.A. "Art, cinéma et montage de films". L., 1926., dont la tâche est de montrer au spectateur ce qui est vu ou ressenti par le héros, du point de vue de ce héros. Reprise par les "nouveaux" théâtres sous le nom d'"influx", cette technique s'est généralisée. Les applications les plus frappantes en ont été données par Meyerhold V. E. («L'inspecteur du gouvernement») et Sokolovsky M.V., directeur du TRAM de Leningrad («Les jours fondent», «La fusée réfléchie», etc.). Dans ce dernier cas, l'application de ce principe a été soutenue par le théoricien TRAM - Piotrovsky A.I. - comme recherche d'une "forme de dramaturgie dialectique et volumineuse" Piotrovsky A. I. "Cinématisation des Arts". L., 1929. Cependant, revenant au travail d'Evgeny Grishkovets lui-même, il est intéressant de noter la manière même dont il écrivait les monodrames. Parce qu'il y a d'abord une performance et ensuite seulement le texte. « Tout existe en tant que thème. (...) Je le joue, et donc je ne répète pas, mais travaille avec le texte. Grishkovets E.V. Air "Echo de Moscou", 28.01. 2001. Cette façon unique de travailler sur une pièce trouve son origine dans le théâtre de Kemerovo "Lodge", où travaillaient Grishkovets. Les comédiens ne prenaient pas de pièces toutes faites, mais créaient un spectacle lors des répétitions sur un thème déterminé à l'avance. « Nos performances ont grandi comme un cristal. On a beaucoup parlé, inventé, et donc les acteurs sont devenus en quelque sorte co-auteurs du texte. Grishkovets E.V. gzt "Soirée Moscou" n° 40, 28.02.2001. C'est pourquoi il a écrit son premier texte "Comment j'ai mangé un chien" seulement un an après la représentation du spectacle, et seulement parce que les éditeurs le lui ont demandé. Cependant, l'auteur lui-même n'aime pas le texte transféré sur papier, car il a perdu des "effets spéciaux" supplémentaires, tels que: le charme incontestable du héros, son intonation, la pantomime, etc. Et les œuvres imprimées, respectivement, sont devenues le matériau de la critique et de l'analyse littéraires. Et maintenant, les avantages du one-man show ont été séparés du monodrame lui-même. Mais de manière inattendue, le texte parlé s'est avéré facile à lire, agréable et même artistiquement précieux. La manière dont l'auteur transmet sa pensée est constituée d'histoires, de petites intrigues qui s'entremêlent de temps en temps dans la toile du texte. De nombreux critiques les appellent des contes, des anecdotes, une variante de la "comique stand-up" américaine Bolotyan I. "Grishkovets: Author, Phenomenon, Syndrome", GZT. "Russie littéraire" n° 42, 20/10/2006. En général, les textes de Grishkovets sont une combinaison d'associations, de souvenirs du héros qui surgissent au fur et à mesure qu'il raconte l'intrigue principale, s'il y en a une. En fait, les mono-pièces de Grishkovets sont des monologues "lyriques" dans lesquels les sentiments du héros sont révélés, l'expression de la perception personnelle et de l'état d'esprit. Et ici, tout ce qui détournera le spectateur du monologue, y compris une scénographie excessive, peut être superflu. Par conséquent, il est toujours minimal, souvent amateur et en même temps élégant, comme tout ce qui est simple et ingénieux. Des cordes marines et un seau d'eau pour le one-man show "How I Ate a Dog", des tableaux "Human Anatomy" et un éventail pour "En même temps", un bassin d'eau où flottent des bateaux en papier pour "Dreadnoughts". Le plus grand décor de la pièce "Planet", où il y a une fenêtre et derrière une petite pièce, des branches près de la fenêtre, un avion sur une ficelle et un satellite sur un bâton. Tout est conditionnel : ce ne sont que des images, à travers des symboles de ses œuvres.

Cependant, ce qui attire principalement les gens, c'est une certaine implication de chacun dans le processus de création. Car, parlant de ses propres expériences, Grishkovets parle de ce qu'il y a dans la vie de chacun. Mais une personne ordinaire considère un auteur qui écrit sur lui, le lecteur, comme talentueux. Et il n'écrit pas seulement, mais écrit clairement et clairement, en collectant de petits morceaux - des humeurs, des phrases drôles ou maladroites, des actions, toute une mosaïque, une mosaïque vie humaine. Et ici déjà Evgeny Grishkovets a de nombreux égaux. Les spectateurs ou les lecteurs, quittant la salle ou lisant son travail, se sentent propriétaires - "Cela m'est arrivé!". Peut-être est-ce dans ce secret principal son succès, et finalement son phénomène.

Le texte de l'œuvre est placé sans images ni formules.
Version complète l'oeuvre est disponible dans l'onglet "Fichiers de l'oeuvre" au format PDF

Introduction

Portrait de la parole- ce sont les préférences de parole de l'individu, un ensemble de caractéristiques qui le rendent reconnaissable.

Dans cet article, nous essayons d'explorer le "portrait de la parole" d'un héros littéraire. La pertinence du travail est due au développement insuffisant des aspects théoriques et pratiques sur le sujet de recherche, il n'existe pas de schéma d'analyse unique généralement accepté.

Nouveauté scientifique la recherche consiste en une tentative de composition d'un portrait-discours d'Eugène Onéguine. Nous explorons les niveaux lexicaux et syntaxiques, caractéristiques du comportement de la parole, qui sont considérés en conjonction avec les caractéristiques linguistiques.

Le portrait de discours d'un héros littéraire comme mode d'expression d'une personnalité linguistique est une question intéressante et pertinente. La personnalité linguistique d'Eugène Onéguine du roman du même nom en vers de A.S. Pouchkine est devenue l'objet de notre étude.

Sujet d'étude- Les monologues d'Eugene Onegin en tant que reflet dans le langage des traits individuels du caractère d'une personne dans leur corrélation avec la manifestation du typique dans le comportement de parole de ses contemporains.

But de l'étude- faire un discours portrait d'un héros littéraire.

Pour atteindre cet objectif, il est nécessaire de résoudre les problèmes suivants Tâches:

Étudier la littérature consacrée à l'étude du portrait de la parole en linguistique russe;

Analysez les monologues du personnage, décrivez les traits lexicaux et syntaxiques du discours d'Eugène Onéguine;

Révéler les caractéristiques individuelles et typiques du comportement de la parole et leur reflet dans la langue du personnage.

Les buts et objectifs de l'étude ont déterminé la structure du travail, qui consiste en une introduction, la partie principale, qui comprend deux chapitres, des conclusions et une liste de références.

Le premier chapitre de cet ouvrage aborde les fondements théoriques de l'étude du portrait de parole comme reflet des manifestations individuelles et typiques d'une personnalité linguistique. Le deuxième chapitre est consacré aux caractéristiques du portrait de la parole d'un héros littéraire, à l'analyse linguistique du texte, à ses caractéristiques lexicales et syntaxiques et au comportement de la parole d'Eugene Onegin.

En écrivant ce travail, les travaux dans le domaine du "portrait de la parole" d'auteurs tels que: Karaulov Yu.N., Goncharova E.A., Churilina L.N., Kitaigorodskaya M.V., les matériaux du Literary Encyclopedic Dictionary sous la direction générale de V. M. Kozhevnikova, PA Nikolaïev. Dans les travaux de ces chercheurs, décrivant le « portrait de parole », les caractéristiques nécessaires à l'analyse du portrait de parole sont mises en évidence. Il s'agit notamment des caractéristiques des unités linguistiques et du comportement de la parole, qui présentent le plus grand intérêt en termes de recherche. C'est pourquoi, dans la description du "portrait de la parole" d'un héros littéraire, nous considérerons les principales méthodes possibles et mises en œuvre dans la linguistique moderne de son analyse.

Les résultats de ce travail peuvent être utilisés pour obtenir des résultats méta-sujets dans les leçons de langue et littérature russes dans la pratique scolaire.

Portrait de la parole comme reflet des manifestations individuelles et typiques d'une personnalité linguistique

En linguistique, une direction spéciale a été formée qui étudie la personnalité linguistique du point de vue de la description de son portrait de la parole.

L'étude du concept de "portrait de la parole" commence historiquement par un portrait phonétique, méthodes importantes de description qui sont développées au milieu des années 60 du XXe siècle par M.V. Panov. Analysant la prononciation des individus, M.V. Panov crée un certain nombre de portraits phonétiques d'hommes politiques, d'écrivains et de scientifiques.

TP Tarasenko définit le concept de portrait de parole comme "un ensemble de caractéristiques linguistiques et de parole d'une personnalité communicative ou d'une certaine société à une période particulière de l'existence". Le chercheur identifie un certain nombre de caractéristiques de la personnalité reflétées dans le portrait de la parole : âge, sexe, psychologique, social, ethnoculturel et linguistique.

Créer un portrait de la parole est possible par rapport à n'importe quelle sphère de communication. Il existe de nombreuses études consacrées à la personnalité linguistique d'un homme politique moderne, étudiant, écolier. A cela s'ajoute la notion de portrait national de la parole, qui implique la définition de traits inhérents à une personnalité linguistique nationale.

L'objet d'étude peut aussi être le caractère d'une œuvre d'art. En littérature, un portrait parlé est un moyen de créer une image artistique. La structure de la parole de l'image artistique est considérée par L.K. Churilina, E.A. Gontcharova, E.A. Ivanova, Yu.N. Kourganov, M.V. Pyanova, A. K. Zhunisbaeva.

LN Churilina révèle la relation entre les concepts de "lexique mental", "lexique interne" et "lexique individuel" et présente le dictionnaire du personnage - "une liste de mots qui, ensemble, composent son discours". Le lexique individuel dans son travail est décrit comme "un système qui sert les besoins communicatifs d'un individu", à l'aide duquel il est possible de reconstruire "des fragments d'une image individuelle du monde".

Le discours du personnage du point de vue du vocabulaire et de la syntaxe est considéré par E.A. Goncharova: "La composition lexicale de la phrase donne une idée de la sphère figurative-conceptuelle du personnage, et son organisation syntaxique reflète les particularités du couplage logique-expressif des images et des concepts dans le processus de leur cognition." Une attention particulière est portée aux phénomènes de répétition et d'ambiguïté. D'après E.A. Goncharova, une idée des caractéristiques de la structure de la parole du personnage est donnée non seulement par les répétitions du niveau lexical - vocabulaire préféré, vocabulaire socialement et territorialement coloré - mais aussi par l'attrait pour le même type de constructions syntaxiques.

M.V. Kitaygorodskaya et N.N. Rozanov appelle le portrait de la parole un "modèle fonctionnel d'une personnalité linguistique" et met en évidence les paramètres par lesquels ce modèle est analysé. L'un de ces paramètres est le lexique d'une personnalité linguistique - un niveau qui reflète la possession du fonds lexical et grammatical de la langue. À ce niveau, le stock de mots et de phrases utilisés par une personnalité linguistique particulière est analysé. Les chercheurs appellent l'étape suivante le thésaurus, qui représente l'image linguistique du monde. Lors de la description d'un portrait de discours, l'accent est mis sur l'utilisation de formules familières, de tours de parole, d'un vocabulaire spécial qui rendent une personne reconnaissable. Le troisième niveau est le pragmaticon, qui comprend un système de motivations, d'objectifs, de rôles communicatifs auxquels une personne adhère dans le processus de communication.

Les trois niveaux de ce modèle correspondent aux niveaux de personnalité linguistique en Yu.N. Karaulova. Selon Yu.N. Karaulova, une personnalité linguistique "est une personnalité exprimée dans la langue (des textes) et à travers la langue, il y a une personnalité reconstruite dans ses traits principaux sur la base de moyens linguistiques" . Dans la personnalité linguistique, selon lui, trois niveaux structuraux peuvent être distingués. Premier niveau - verbal-sémantique(invariant), reflétant le degré de maîtrise de la langue courante, le niveau de culture de la parole. Deuxième niveau - cognitif, actualiser les connaissances et les idées inhérentes à la société (en fait une personnalité linguistique) et créer un espace cognitif collectif et (ou) individuel. Ce niveau implique la réflexion du modèle linguistique du monde de l'individu, l'expression et la réflexion des significations de valeur, à la fois personnelles et culturelles-historiques. Et le troisième niveau est pragmatique, qui comprend l'identification des motivations et des objectifs qui animent le développement d'une personnalité linguistique.

Les paramètres de la personnalité linguistique ne sont pas encore pleinement développés. Habituellement, il se caractérise par un certain stock de mots qui ont une fréquence d'utilisation particulière, qui remplissent des modèles syntaxiques. Si les modèles sont suffisamment typiques pour un représentant d'une communauté linguistique donnée, alors le lexique et la manière de parler peuvent indiquer son appartenance à une société particulière, indiquer le niveau d'éducation, le type de caractère, indiquer le sexe et l'âge, etc., qui c'est-à-dire qu'ils deviennent des composants du portrait de la parole.

Il n'existe pas encore de définition unique du concept de "portrait de la parole" en science. Dans notre travail, sous le portrait de la parole, nous comprendrons un ensemble de certaines qualités d'une personnalité linguistique, qui sont, en règle générale, le reflet dans la parole des caractéristiques psychologiques qui lui sont inhérentes et sont exprimées par un certain ensemble de moyens linguistiques .

Ainsi, un portrait de discours individuel démontre caractéristiques lumineuses caractère d'un individu, mais reflète nécessairement certaines caractéristiques (typiques) du comportement de parole de groupe. Actuellement, les modèles de description d'un portrait de parole sont basés sur l'étude des caractéristiques de fonctionnement dans des textes créés par une personnalité linguistique, des unités différents niveaux système linguistique, principalement lexical et grammatical, ainsi que l'étude et la description des caractéristiques du comportement de la parole.

Portrait de discours d'Eugene Onegin - le héros du roman en vers de A.S. Pouchkine

2.1. Caractéristiques linguistiques des monologues

L'image du héros d'une œuvre d'art est composée de nombreux facteurs - c'est le caractère, l'apparence, les loisirs, le cercle de connaissances et l'attitude envers soi-même et les autres. L'un des principaux est le discours du personnage, qui révèle pleinement et monde intérieur, et style de vie. La caractérisation de la parole du héros, créée avec talent, est une parure du texte artistique et une touche importante au portrait du personnage. L'utilisation habile des caractéristiques de la parole est l'un des outils d'un écrivain professionnel. Un portrait de discours est une sélection de spéciaux pour chaque personnage Travail littéraire mots et expressions comme moyen image artistique personnages. Dans certains cas, les mots et les constructions syntaxiques du discours du livre sont utilisés à cette fin, dans d'autres, le vocabulaire vernaculaire et la syntaxe brute, etc., ainsi que les «mots» et les tournures de parole préférés, dont la dépendance caractérise personnage littéraire d'un côté ou de l'autre (culturel général, social, professionnel).

En tenant compte du modèle à trois niveaux d'une personnalité linguistique proposé par Yu.N. Karaulov, il existe plusieurs paramètres pour décrire le portrait de la parole. L'un des plus informatifs est le lexique - à ce niveau, le vocabulaire d'une personnalité linguistique particulière, le niveau de maîtrise des moyens lexicaux et grammaticaux de la langue sont étudiés. Sur la base de l'analyse du lexique, il est possible de distinguer des significations généralisées qui donneront une idée du système de valeurs dans l'image du monde d'une personne donnée reflétée par des œuvres de parole. Au niveau suivant, les caractéristiques du comportement de la parole sont analysées, y compris les motifs et les objectifs du système rôles sociaux qui caractérisent une personnalité linguistique donnée et se réalisent dans une situation de communication spécifique. Lors de la première étape de l'étude, après avoir lu le roman en vers de A.S. Pouchkine "Eugene Onegin", nous avons eu une idée de nombreux traits de caractère du protagoniste de la propre histoire de l'auteur. Onéguine est un jeune homme laïc, un aristocrate métropolitain qui a reçu une éducation typique de l'époque sous la direction d'un tuteur français. Bien qu'Onéguine ait appris "quelque chose et d'une manière ou d'une autre", il a toujours un haut niveau de culture, différent à cet égard de la plupart des représentants de la société noble des années 20 du XIXe siècle. La noblesse de l'âme, "un esprit vif et glacé" le distinguant du milieu de la jeunesse aristocratique, l'amène peu à peu à la déception de la vie : "Non, ses sentiments se sont refroidis tôt. Il s'ennuyait avec le bruit de la lumière..." Le vide de la vie tourmente Onéguine, il est pris de spleen, d'ennui, et il quitte la société laïque, essayant de se livrer à des activités socialement utiles. L'éducation seigneuriale, le manque d'habitude du travail («le travail acharné lui était écoeurant») ont joué un rôle, et Onegin ne termine aucune de ses entreprises. Il vit « sans but, sans travail ». Au village, il est encore plus tourmenté par ses propres humeurs, un sentiment de vide de vie.

La raison des contradictions dans le personnage du héros, l'étrangeté de son blues avec le bien-être extérieur des conditions de vie, aident à comprendre ses monologues. Nous avons étudié 3 extraits de l'ouvrage : dans la première strophe du roman, le raisonnement du héros sur son oncle, un monologue-aveu fait en réponse à une lettre à Tatyana Larina (chapitre 4), et la lettre d'Onéguine au chapitre 8. Sur la base de l'analyse, nous pouvons dire que le héros parle la langue littéraire correcte. Onéguine n'est pas verbeux : dans ces passages, le nombre total d'utilisations de mots est de 629, dont 139 sont des noms, 108 sont des verbes, 46 sont des adjectifs et 32 ​​sont des adverbes. Comme vous pouvez le voir, les noms prédominent dans la structure morphologique du discours. , ce qui permet de considérer la personnalité linguistique d'Eugène Onéguine de type nominal. Dans la prédominance des parties nominales du discours, des traits de caractère tels que la retenue, l'équilibre et la prudence trouvent une expression linguistique. Nous supposons qu'un tel nombre de verbes indique la capacité d'agir. Un petit nombre d'adjectifs et d'adverbes indique un manque d'émotivité ; la froideur, le secret et l'indifférence prédominent dans le personnage.

Considérez les caractéristiques lexicales et grammaticales des monologues d'Eugene Onegin.

Caractéristiques lexicales

La première strophe du roman, représentant le discours direct du héros, introduit directement le lecteur au milieu de l'action, qui ne se poursuit qu'à la fin du chapitre des strophes LII à LIV. Le caractère quotidien et satirique accentué de l'épisode donne au début un caractère parodique. Il y a 61 unités lexicales dans le texte. Les plus fréquents sont les noms - 15 et les verbes - 13. Il n'y a qu'un seul thème - le gémissement d'un jeune homme à cause de la nécessité de "s'asseoir avec le patient jour et nuit". Ceci est également lié à l'injection dans la première strophe d'unités phraséologiques du discours familier : « le plus règles équitables", "Je suis gravement tombé malade", "Je n'aurais pas pu mieux y penser", "son exemple pour les autres, c'est la science", faisant apparemment l'éloge de mon oncle. Mais l'expression « je me suis forcé à respecter », qui peut être considérée comme un oxymore, est déroutante. Est-il possible de forcer le respect ? À travers ces unités phraséologiques, l'attitude d'Onéguine face à la situation s'exprime. Un jeune homme est obligé d'aller chez son oncle mourant, pour prendre soin de lui. Sinon, il ne recevra pas l'héritage. Et, n'éprouvant aucun sentiment apparenté pour les «malades», «à moitié morts», Onéguine pense avec nostalgie à l'ennui qui l'attend, qualifiant de «faible tromperie» les soins forcés d'un parent riche mourant. Dans une strophe, la mention à la fois de dieu et du diable, témoigne probablement de la frivolité du héros.

Le vocabulaire du monologue-confession du chapitre 4 représente deux groupes thématiques, qui peuvent être appelés conditionnellement "sentiments", "famille". Il y a environ 296 unités lexicales dans ce monologue. Les plus fréquents sont les noms - 61. La confession d'Onéguine, qui s'est transformée en "sermon", s'oppose à la lettre de Tatiana. En premier lieu, il y a le vocabulaire associé aux sentiments - amour, sincérité, excitation, bonheur. La solennité et la grandiloquence du discours sont données par l'utilisation de formes grammaticales dépassées et d'un vocabulaire élevé (attention, dit, trouvé, jeune fille, vraiment), une définition formée à partir de terme littéraire("sans étincelles de madrigal"), épithètes émotionnelles et expressives ("amour innocent", "sentiments silencieux", "jours tristes", "âme crédule", "âme pure et ardente", "destin strict", "rêves légers") , métaphores (« confessions de l'âme », « le sort commandé »). La répétition répétée du mot "âme" - 4 usages - sert à opposer les héros: Onéguine sur lui-même - "mon âme est étrangère", "je ne renouvellerai pas mon âme", et sur Tatiana - "confession confiante de l'âme" , "âme pure et ardente". Le vocabulaire de la scène d'explication d'Onéguine avec Tatiana captive avec une grande noblesse et honnêteté: "sentiments silencieux", "captivés". En lisant un "sermon" dur à Tatyana, Onegin essaie d'être sincère. Il évalue objectivement son caractère, ses habitudes, son style de vie. Dans ses aveux, Onegin avoue à Tatyana qu'il ne peut pas être elle un bon mari. Le texte présente un groupe thématique de mots ayant le sens "famille, foyer": cercle familial, père, époux, épouse, petite amie, mariage, famille, épouse, mari, frère. L'ironie explicite résonne lors de la description d'une famille possible: la paraphrase «quel genre de roses l'Hymen nous préparera-t-il», les mots «faible», style familier et quotidien «enragé», «le destin, cependant, maudissant». Onéguine dit : "Le mariage sera un tourment pour nous." Les épithètes qu'Onéguine récompense un éventuel mari portent une connotation négative : « indigne », « ennuyeux », « fronçant les sourcils, silencieux, en colère et froidement jaloux ». Un tel mari ne pourra pas rendre Tatiana heureuse. Onéguine ne croit pas à l'amour, il le compare à un "arbre" qui perd ses feuilles de temps en temps, Onéguine pense que l'amour entre les gens est tout aussi inconstant, et qu'il ne peut donc aimer Tatiana qu'avec "l'amour du frère". Les plus fréquents dans ce passage sont les noms à racine unique unis par le thème "amour" - 6 usages de mots. Mais ce ne sont pas des déclarations d'amour, au contraire, un déni de celui-ci : "peu importe combien je t'aime, en m'y habituant, je cesserai de t'aimer tout de suite", "j'aime mon frère d'amour". Apparemment, le sentiment amoureux est inaccessible à Onéguine. Onéguine ne fait confiance ici qu'à sa raison et à son expérience de vie, sans faire confiance à son âme. Onéguine, essayant de convaincre Tatiana, s'appuie sur beaucoup - 2 phrases: "... quand je serais père, un lot agréable m'a ordonné d'être un mari", "... est-ce que beaucoup vous sont assignés par un strict sort." Il rejette l'amour de Tatyana Larina, une fille douée, moralement pure, incapable de démêler la profondeur de ses demandes, l'originalité de la nature. Le sens du discours d'Onéguine est que, de manière inattendue pour Tatiana, il ne s'est pas comporté comme un héros littéraire ("sauveur" ou "séducteur"), mais simplement comme une personne bien élevée et tout à fait décente qui "a agi très bien avec la triste Tanya". Onéguine ne se comportait pas selon les lois de la littérature, mais selon les normes et les règles qui guidaient dans la vie une personne digne du cercle de Pouchkine.

Il y a 272 unités lexicales dans la lettre d'Onéguine du chapitre 8. Les plus fréquents sont les noms - 63, les verbes - 51. Un groupe thématique peut être distingué dans la lettre d'Onéguine. sujet principal le passage est lié au concept d '«amour» («une explication d'un triste secret», «remarquant une étincelle de tendresse en vous», «attraper avec des yeux aimants», «pâlir et sortir ... voici béatitude ! », « languir d'une soif d'amour »). Le huitième chapitre révèle chez Onéguine des opportunités qu'il n'avait pas auparavant. C'est la montée du héros, dans laquelle l'amour désintéressé, spontané et le sentiment poétique se révèlent. Onéguine au début du roman et à la fin de celui-ci est personnes différentes. Dans le deuxième passage, le nombre de pronoms personnels «je», «le mien» prévaut - 22 utilisations de mots par rapport à «tu», «tu» - 15, c'est-à-dire que le héros a davantage parlé de lui-même, a même montré sa supériorité, n'a pas avoué, mais "a prêché Eugène ": "Apprenez à vous dominer: tout le monde ne vous comprendra pas, comme moi: l'inexpérience mène aux ennuis." Dans le troisième passage, le nombre de pronoms "je" (17) - "tu" (19) et leurs dérivés est approximativement le même. Une personne pense déjà non seulement à elle-même, mais aussi à sa bien-aimée. La lettre est écrite par le "second" Onéguine, qui a changé au cours de ses pérégrinations et est capable d'aimer. Avec l'amour d'Onéguine pour Tatyana, Pouchkine souligne que son héros est capable de renaissance morale, qu'il n'est pas un homme qui s'est refroidi à tout, les forces de la vie et de la passion bouillonnent encore en lui. En témoignent des métaphores émotionnelles (« une étincelle de tendresse », « des entreprises de ruse », « languissant d'une soif d'amour », « une excitation dans le sang »), un oxymore (mauvaise gaieté), des épithètes (« un triste secret », « mépris amer », « un regard fier », « douce habitude », « liberté détestable », « humble prière », « froideur feinte », « ruse ignoble »). On y trouve du vocabulaire « élevé » (« écouter », « douloureux », « humble »), des mots de « bas », de style courant familier (« je crapahute »), des slavismes (« gueule », « froid », « plus », « reproche »). Dans la lettre, Onéguine utilise souvent des mots liés aux "puissances supérieures" ("âme", "Mon Dieu", "c'est le bonheur", "au hasard", "jours comptés par le destin", "dans la prière de mon humble », « votre reproche », « et abandonnez-vous à mon sort »). Dans le discours du protagoniste, qui est le chef d'orchestre des pensées de l'auteur lui-même, un aphorisme apparaît: "J'ai pensé: liberté et paix // Remplacement du bonheur."

Comme Tatyana, il enfreint les lois non écrites de la moralité publique - il écrit une lettre d'amour à une femme mariée. Réalisant qu'il pourrait nuire à la réputation de Tatiana, Onéguine ne la met en aucun cas en danger, ne demande rien : seulement « te voir, te suivre partout ». C'est tout, il n'ose pas en dire plus. Maintenant, c'est une personne complètement différente. L'ancien Onéguine - celui-là même qui a réprimandé si sévèrement Tatiana dans le parc - ne pouvait pas complètement se soumettre à un tel sentiment, ne pouvait pas aimer comme ça: «Et, en sanglotant, à vos pieds / Déversez des prières, des aveux, des sanctions .” Et à la fin, le héros avoue qu'il est vaincu : « Je suis tout seul // je ne peux plus résister ; // Tout est décidé : je suis dans ta volonté // Et m'abandonne à mon sort. Voici une répétition presque textuelle de la lettre de Tatiana: "Tout est décidé: je suis dans ton testament", écrit Onéguine, et elle: "Maintenant, je sais, dans ton testament ...". Être "dans la volonté de quelqu'un d'autre", dépendre de quelqu'un - à la fois bonheur et malheur.

Ainsi, l'analyse de l'organisation lexicale des passages reflète le processus d'illumination spirituelle de la personnalité du héros. En témoignent les évolutions du vocabulaire : dans la composition quantitative, et plus encore dans la composition qualitative du vocabulaire. Le caractère quotidien accentué du premier monologue d'Onéguine au vocabulaire familier laconique est remplacé par un discours émotionnel riche en vocabulaire élevé, métaphores, épithètes.

Caractéristiques syntaxiques

Les énoncés monologues que nous avons étudiés sont de petit volume : dans la première strophe il y a 3 phrases, dans les deux passages suivants il y a 18 phrases chacun. Il y a 59 phrases au total, dont seulement 10 sont simples, le reste est complexe, et avec une prédominance significative de phrases complexes non syndiquées (19), 7 phrases complexes. Les phrases simples sont le plus souvent exclamatives (Quel mépris amer / / Votre regard fier traduira !) ou interrogatives (Qu'est-ce que je veux ? Dans quel but vais-je t'ouvrir mon âme ?). La non-union de phrases complexes à plusieurs rangées de membres homogènes donne du dynamisme au vers, exprimant l'émotion du héros. Parmi les composants compliquant la structure, il y a aussi mots d'introduction(peut-être, mais w), qui indique la capacité de réflexion.

Les moyens d'exprimer les émotions sont des constructions syntaxiques expressives, parmi lesquelles on trouve :

Répétitions lexicales : "... le jour m'est cher, l'heure m'est chère" ; "de tout ce qui est cher au coeur, alors j'ai déchiré mon coeur";

Renversements : "Je te verrai dans l'après-midi" ; "dans la prière de mes humbles"; « Je t'ouvrirai mon âme » ;

- anaphore : "Chaque fois que la vie est à la maison / / Je voulais la limiter; / / Quand je serais un père, un conjoint / / Un sort agréable commandé; / / Quand ce serait une photo de famille / / J'étais captivé même pour un célibataire moment ... ";

Gradation: "verse des prières, des confessions, des sanctions ...", "... avant que tu ne te figes à l'agonie, pâlis et sors … ».

Ainsi, l'utilisation par Onéguine dans son discours de phrases à prédominance complexe, l'expression des émotions à travers des constructions syntaxiques expressives parle de l'éducation du héros, qui connaît toutes les normes de la langue littéraire.

2.2. Caractéristiques du comportement de la parole

La création d'un portrait vocal comprend une analyse du comportement de la parole. Le comportement de la parole est généralement compris comme des actes de parole conscients (rarement inconscients) effectués par une personnalité linguistique dans une certaine situation de communication et visant à résoudre une tâche de communication. Dans le comportement de la parole, ainsi que dans l'utilisation des unités linguistiques, des caractéristiques individuelles et typiques d'une personnalité linguistique se manifestent.

Les monologues et la lettre d'Onéguine sont des actes de langage. La nature informelle de la communication permet au destinataire d'exprimer ses pensées et ses sentiments avec un maximum de liberté et d'exhaustivité.

Au début du roman, le monologue d'Onéguine s'adresse à lui-même, sa malédiction sur le voyage forcé au village est une conversation avec lui-même. On ne connaît pas encore le héros, il y a une intrigue, une envie de connaître les détails de la vie du "jeune débauché".

Le chapitre 4 décrit la rencontre entre Tatyana Larina et Eugene Onegin, un dialogue entre jeunes est supposé, mais on n'entend que Onegin. "Respirant à peine, sans objection, Tatyana l'a écouté." Par conséquent, à notre avis, ce passage peut être qualifié de monologue dans lequel le personnage d'Onéguine commence à se révéler. On peut dire que ce jeune homme est sincère non seulement envers lui-même, mais aussi envers Tatyana. Onéguine essaie de faire comprendre dans son discours qu'ils ne peuvent pas être ensemble. Il ne l'aime pas, lui, fatigué et déçu de la vie, n'arrive pas à l'apprécier.

Au huitième chapitre, "le chagrin d'amour lui est déjà devenu insupportable", et Onéguine est prêt à mourir ("Je suis prêt à écrire à l'avance à mes arrière-grands-pères au sujet d'une rencontre imminente"). Il a vraiment réussi à « s'oublier » : la dévotion au sentiment est plus forte que la peur de la mort, il est « comme un enfant amoureux ». Il chérit chaque moment de la vie dans lequel Tatyana est présente.

Une étiquette obligatoire faisant partie d'un monologue et d'une lettre est un appel. La connaissance des formules d'étiquette et la capacité de les utiliser est un élément important de la compétence communicative: leur utilisation est un signe de politesse, indiquant le respect du destinataire et un signe d'éducation de l'écrivain lui-même. Onéguine tout au long de la lettre fait référence à Tatiana comme "vous" ("vous offenser"; "vous regarder"). Est-ce une démonstration de politesse ou de retenue des sentiments ? Il n'est pas capable de s'oublier dans son sentiment d'amour et passe involontairement (comme Tatiana) à « toi ». Onéguine n'a pas ce dévouement complet : il semblerait qu'il soit amoureux, mais, confessant passionnément son amour, continue de contrôler ses sentiments, ses pensées, sa parole.

Ainsi, les caractéristiques du comportement de la parole non seulement sont en corrélation avec les significations de valeur d'une personnalité linguistique donnée que nous avons identifiées, mais sont également déterminées par elles. Le discours d'Eugène Onéguine est impeccable du point de vue du respect des normes linguistiques correspondant non seulement à la 1ère moitié du 19ème siècle, mais aussi au début du 21ème siècle. Le discours d'un héros littéraire se distingue par l'expressivité, la logique, l'accessibilité, la clarté de la présentation, la richesse du vocabulaire. Il y a un strict respect de tous normes éthiques communication : connaissance et application des formules de discours de salutation, demande, adieu, gratitude, appel à "vous". La composante culturelle générale fournit une richesse de vocabulaire passif et actif. La capacité de penser assure la présentation logique des pensées.

Conclusion

Au cours de l'étude des monologues du roman "Eugène Onéguine", nous avons été convaincus que dans fiction le portrait de la parole révèle les traits distinctifs et les propriétés acteursœuvres dans leur propre discours direct, ainsi que dans la description de ses caractéristiques par l'auteur. A.S. Pouchkine sélectionne pour le discours de ses héros les tournures de discours qui traduisent le mieux les principales caractéristiques des personnages qu'il dépeint et permettent au lecteur de se faire une idée de leur culture, de leur environnement social et de leur psychologie. Ceci est réalisé grâce à un choix judicieux des formes de discours lexicales et intonationales-syntaxiques, lui conférant une identité individuelle. Tout cela crée caractéristique de la parole, dont l'analyse est importante pour comprendre les traits individuels et typiques du discours des personnages.

Dans les monologues, Eugene Onegin apparaît comme une personne unique - avec son propre ensemble de mots, des tournures de discours caractéristiques, des constructions syntaxiques "préférées". L'analyse du langage des monologues nous a permis d'identifier ceux valeurs morales qui étaient importants pour Onéguine dans différentes périodes la vie. L'étude a permis de retracer l'évolution du caractère du personnage depuis le début de l'œuvre jusqu'à sa fin.

Chaque personnalité linguistique existe dans l'espace de la culture de son temps et de la couche sociale à laquelle elle appartient. Par conséquent, les caractéristiques typiques du portrait de parole collectif se reflètent nécessairement dans le portrait de parole individuel. Ainsi, dans le portrait du discours d'Eugène Onéguine, les traits d'un représentant typique de la noble intelligentsia russe des années 20 du XIXe siècle se reflétaient, qui, «vivant sans but ni travail», critiquait le mode de vie du noble la société et la politique gouvernementale, n'ont pas trouvé le sens de la vie, n'ont pas su aimer et n'ont pas pu devenir heureux.

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Connaissance.

Savez-vous qui est Evgeny Grishkovets ?.. Oh-oh-oh ! Maintenant, je vais vous parler de lui. Pour comprendre en général quel genre de personne il est, il suffit de dire qu'il est dramaturge-prosateur scénariste-metteur en scène-acteur, et d'ailleurs, depuis tout récemment, membre à part entière du groupe musical Curlers. Mais c'est en général, et maintenant sur les détails.

Notre héros est né dans la ville de Kemerovo en 1967 dans une famille d'étudiants. Grishkovets lui-même dit: «Mes parents ne m'ont pas jeté sur mes grands-mères, ils m'ont emmené partout avec eux, même lorsqu'ils sont partis pour des études supérieures. C'était une famille, et c'était son principal bien-être. Ces informations sont suffisantes pour comprendre quelque chose sur l'enfance de l'auteur, sur son éducation et sur les origines de son bon travail en général. En 1984, il entre à la Faculté de philologie et obtient son diplôme dix ans plus tard, en 1994. Et cela s'est produit parce que le processus d'apprentissage a été interrompu par l'un des événements les plus importants, à mon avis, de la vie créative de Grishkovets: il a été appelé au service militaire. Il a consacré trois ans de sa vie au récurage insensé des ponts, à la faim, à la peur et à l'indifférence, en général - à Morflot, en tirant de là des pousses de gloire en retour, qui en 1998, sur la base du talent, ont donné des racines si puissantes que, en fait, au même moment, un arbre a poussé à partir des pousses et a commencé à porter des fruits. Mais plus là-dessus plus tard.

À la fin de son service en 1990, Grishkovets a tenté d'émigrer de Russie, dans l'espoir d'une vie européenne merveilleuse, mais en a rapidement été déçu et la même année, déjà chez lui, à Kemerovo, il a organisé le théâtre Lozha, où il produit une représentation par an. Mais en 1998, ce projet s'étant épuisé, Grishkovets a fermement décidé de quitter sa ville natale et s'est retrouvé à Moscou. Sur ce, on peut sans risque terminer la première partie de la biographie de notre héros et passer à la seconde, qui en elle-même sera forcément, peut-être pas très metteur en scène, mais tout de même un portrait.

"Qui est-ce?"

En fait, il est presque impossible de déterminer exactement qui est Grishkovets. Je pense qu'il Homme bon. Mais une bonne personne n'est, comme vous le savez, pas une profession. Disons qu'il est dramaturge. Mais en lisant une pièce de Grishkovets, sans jamais entendre comment il lit lui-même ses œuvres, il est difficile de comprendre ce qui se passe en général, et il est absolument difficile d'imaginer à quoi cela devrait ressembler sur scène. Et vous regardez sa performance - et tout est merveilleux, tout est clair, tout est intéressant. Il doit donc être un bon réalisateur. Mais il ne fait que ses propres œuvres. Et quand vous pensez que Grishkovets va commencer à mettre en scène Gorky, vous vous signez nerveusement et pensez : « Dieu merci, jusqu'à présent tout a fonctionné ! ». Ensuite, il doit être un excellent acteur, dans la bouche duquel tout texte devient poésie, un mot - une image, une pensée - un problème ... eh bien, un non-sens, vous voyez. Avec sa physiologie spécifique, sa plasticité complètement ridicule, avec son appareil de parole, qu'il a lui-même dit "non sans défaut", il est extrêmement difficile de transformer même un beau poème en poésie. Et que se passe-t-il ? Il s'avère que Grishkovets est un mauvais dramaturge, un mauvais réalisateur et un mauvais acteur. En fait ce n'est pas le cas, c'est juste il est tout pour lui. Maintenant, je vais tout expliquer.

La dramaturgie de Grishkovets est structurée de telle manière qu'elle est beaucoup plus intéressante et agréable à percevoir à l'oreille qu'à lire. Et en aucun cas il ne faut le « jouer », il faut le dire. Et c'est là la force de l'union de Grishkovets-dramaturge et Grishkovets-acteur : seul ce dernier peut, sans agir, sans agir, dire ce que le premier a écrit, car c'est sa langue, la langue de sa pensée. Tout autre acteur, prenant sa pièce, ne parlera plus sa propre langue et, par conséquent, agira, ce qui changera radicalement l'essence de la pièce. Et cette chose importante s'avère le plus souvent être la sincérité et la franchise, avec lesquelles Grishkovets fascine tant. Et lorsque les pièces arrivent à un autre réalisateur, leur destin devient immédiatement plutôt indescriptible et prévisible ... En partie parce qu'elles finissent généralement dans "l'école jeu moderne". Là, ils ne sont pas joués sans succès, les problèmes spatiaux sont résolus, mais le pire est qu'ils essaient d'interpréter (le point culminant de la direction interprétative de Reichelgauz est venu dans le deuxième acte de la pièce "House"). Par conséquent, il devient clair que le meilleur acteur pour les pièces de Grishkovets est Grishkovets, le meilleur réalisateur pour ce dramaturge est Grishkovets, c'est-à-dire Grishkovets pour Grishkovets, c'est comme Tchekhov pour Stanislavsky ou Efros pour Rozov. (Il convient de noter que la principale réalisation de Grishkovets était ses mono-pièces et ses performances en solo, donc dans cet article, je ne parlerai délibérément pas beaucoup du reste de sa dramaturgie).

Et ici, bien sûr, il convient de mentionner le Titanic. Vous devriez être surpris que la première représentation dont j'ai parlé ne soit pas tout à fait mono et pas tout à fait Grishkovets. Le fait est que le narrateur ici est Pavel Kolesnikov. Mais, comme je l'ai déjà dit, seul leur auteur peut devenir le narrateur de ses histoires, et celui qui les raconte, même avec une exactitude verbatim et intonative, sera l'interprète du rôle du narrateur. Bien sûr, cela n'a aucun sens de dire que Kolesnikov joue mal son rôle : il le joue bien, comme il se doit, comme peut le jouer un commerçant de Volgograd. Il est impossible de détourner le regard de sa silhouette dodue dans une veste courte à double boutonnage, il fascine simplement par son sérieux et son dilettantisme. Il lit alors le texte de Grishkovets, un texte né en 1992 dans cette même « Loge », un texte que l'auteur lui-même dans le prologue qualifie d'amateur, tout comme l'ensemble du spectacle. Et ce petit homme potelé se présente au spectateur et, alors que le maire annonce l'arrivée de l'auditeur, nous informe que "le monde se meurt". Et il est là, en fait, pour trouver les causes de la mort, les expliquer, éliminer et tout réparer. Une sorte de petit titan. Par conséquent, le nom de la performance n'est en aucun cas lié à la mort tragique d'un immense navire, ni à Kate Winslet, ni même à Leonardo DiCaprio. Cette performance parle d'un petit titan - "Titanic", qui essaie de comprendre le sens de l'autodestruction sans fin et de la destruction mutuelle des peuples, le sens de la mort et de la vie. Inutile de dire que ces sujets soulevés par Grishkovets et parlés par la bouche de Kolesnikov ne peuvent être perçus sans éclats de rire. Et quand à la fin ils nous demandent : « Pourquoi tu rigoles tout le temps ?! Je raconte des choses terribles! », Vous rembobinez vraiment la performance, vous vous souvenez de toutes les histoires et vous vous émerveillez de leur horreur. Et pendant quelques secondes, vous pensez que le monde est vraiment en train de mourir. Mais ensuite vous reprenez vos esprits, vous regardez le Titanic-Kolesnikov - et encore une fois c'est drôle.

Ainsi, le texte de la pièce et la représentation se transforment en une bonne comédie sur des gens qui ne savent pas ce qu'ils font. Et la raison en est non pas le texte lui-même, mais, bien sûr, son interprète. Je suis sûr que dans la bouche de Grishkovets tout cela n'en serait pas moins drôle, mais en plus ce serait empreint d'un sens sincèrement dérangeant, empathique, qui ne permettrait pas au spectateur d'attribuer entièrement cette performance à une comédie. Ce ne serait ni une tragédie, ni une farce tragique, ni un drame sentimental, ni une comédie, ni un vaudeville : ce serait une autre représentation d'Evgeny Grishkovets.

Grishkovets est sans problème.

Les gens aiment Grishkovets. Les gens trouvent en lui quelque chose dans lequel le « vrai » théâtre trompe souvent. Il trouve chez Grishkovets intelligibilité, clarté, amusement et gentillesse. Mais ce n'est pas le sujet. L'essentiel est que les gens voient devant eux un homme, un homme ordinaire, en chemise unie, en pantalon, tantôt en toile, tantôt de Dieu sait quoi, un homme avec du chaume sur le visage, avec une voix ordinaire et avec des gestes ordinaires. Le spectateur voit les siens sur scène. Et de quoi parle cette personne ordinaire ? Il parle de choses qui sont presque aussi familières à tout le monde : aller à l'école, voyager en train, bouleaux trembles, tomber amoureux, boire un verre et avoir la gueule de bois du matin. Oui, pour ne pas lister tout ce qu'il raconte, mais dans chaque histoire chacun se reconnaît avec grand plaisir. Et celui-ci n'a pas honte de se reconnaître, car Grishkovets parle de lui sans reproche, sans sarcasme, sans négativité. Il en parle avec amour. Plus précisément, il ne parle pas de lui, il parle de lui, et là, excusez-moi, il n'y a pas de chemin sans amour. Mais il aime son prochain autant qu'il s'aime lui-même. Et il s'aime parce qu'il aime une personne en général. Une personne ordinaire ordinaire : un enfant, un militant, un oisif, un scélérat, un Américain, un Russe, n'importe qui. Et il est engagé dans le fait qu'il essaie de justifier cette personne. Et le spectateur est ravi, émerveillé: comment se fait-il qu'un simple paysan de Kemerovo ait réussi à dire avec des mots aussi ordinaires ce que tout le monde pense, à décrire si habilement la situation dans laquelle chacun s'est retrouvé, à retenir exactement les mots, à consoler et à rassurer que Je ne suis pas le seul comme ça. Et en effet, au moment de la représentation, on comprend qu'un citoyen corpulent en costard rit de la même chose qu'une jeune fille de dix-sept ans aux baskets déchirées. Et cette fille ne rit pas de quelque chose, mais d'elle-même, de sa similitude avec ce citoyen, avec le paysan de Kemerovo et avec tout le monde dans la salle. Et chaque spectateur ressent à peu près la même chose. Et il adore ça. (A moins, bien sûr, qu'il se positionne comme un élément antisocial et qu'il n'essaie pas de toutes ses tripes de montrer son originalité et sa dissemblance aux autres). Et pour cela, les gens aiment Grishkovets.

Grishkovets est problématique.

Mais le critique a une attitude contradictoire envers Grishkovets. D'un côté, il comprend que le peuple se réjouit, que les performances sont bonnes, mais il est dangereux de se fier à l'avis du peuple. Et s'il s'agissait d'un truc ordinaire de culte de masse, dont personne ne se souviendrait dans cinq ans ? Et puis le critique commence à creuser. Mais ici, l'essentiel n'est pas de s'enterrer et de sentir le bord. Après tout, le critique déterre souvent quelque chose de complètement différent de ce que l'auteur a établi, et parfois il trouve des diamants là où l'auteur ne s'attendait pas du tout. Donc, maintenant, de par la nature de mon activité, je vais essayer de donner tort à ceux qui prétendent que Grishkovets est un chanteur du quotidien et que derrière ses histoires il n'y a que le charme de la reconnaissance.

Commençons par ce que dit Grishkovets sur le sujet éternel - sur l'homme. Tout le monde a écrit à ce sujet sans relâche et à tout moment. Grishkovets a également écrit. Et il ne parle pas d'une profonde souffrance, pas d'une précipitation, pas d'un opprimé, mais d'une personne trompée. Et le principal sel et intrigue est que cette personne n'a pas été trompée par quelqu'un, mais par elle-même. Cela est particulièrement évident dans deux, peut-être, les meilleures performances Grishkovets: "Comment j'ai mangé un chien" et "Dreadnoughts". "Comment j'ai mangé le chien" est, à mon avis, une histoire de tromperie. Et son marin nous dit, qui a trompé l'enfant sans défense qu'il était lui-même. Maintenant, je vais tout expliquer.

Le fait est que «Comment j'ai mangé un chien» ressemble à l'histoire de l'ancien marin Grishkovets à propos de son service. Et tout ce qu'il ne dit pas sur le service est en quelque sorte tacitement considéré comme " digression". Mais si vous y regardez de plus près, vous constaterez qu'en plus du thème principal « Mornaval », la pièce raconte l'enfance de ce marin. Et cette histoire ne va pas du tout en parallèle, mais est constamment entrelacée avec la principale à des moments clés. Ainsi, aller à l'école par un sombre matin d'hiver s'avère assez similaire à la manière dont les conscrits à Vladivostok, attendre un anniversaire avec des cadeaux, durant toute une année, s'avère être similaire à une attente de trois ans pour la fin de service. Et la déception du cadeau s'avère tout aussi amère que la déception du dernier matin du service, du dernier « retransfert », du dernier départ du terrain de parade. Ce garçon de l'enfance a tout le temps attendu, et tout le temps espéré ce marin. Et le marin a trompé le garçon, il n'est pas devenu sa suite. Et le garçon était parti… le marin l'a détruit. Pas mal, pas intentionnellement, imperceptiblement, mais en quelque sorte par lui-même, donc le marin n'est pas à blâmer, le temps et le hasard sont à blâmer.

Grishkovets parle de la même supercherie, mais d'importance secondaire, dans Dreadnoughts. Seulement ici, il parle des garçons sur les photographies, des garçons que nous étions autrefois et des garçons qui sont devenus quelque chose. Et peu importe ce que ces garçons sont devenus, l'important est qu'ils aient été meilleurs que ce qu'ils sont devenus et se soient révélés trahis. Et Grishkovets a toujours honte devant celui représenté sur sa photo d'enfance, et nombre de ses histoires et intonations, gestes et vues sont saturés de cette honte. Ainsi dans la "Planète" il a honte devant ses espoirs injustifiés, avant de tomber amoureux, dans "En même temps" - devant des attentes déçues. Grishkovets n'essaie pas de parler de grandes vertus, de tourments spirituels au niveau de Dostoïevski, il ne prétend pas à des sentiments et des formes élevés. Il touche ces cordes dans l'âme d'une personne qui sont responsables de certains sentiments plus petits et plus privés, mais avec ses histoires, il essaie de mettre ces cordes dans un état favorable, de les accorder, ce qui, en fin de compte, peut nous faire au moins un un peu mieux. Et c'est déjà beaucoup.

Eh bien, une sorte de composition.

Maintenant, je crois, le moment est venu de déconstruire la performance de Grishkovets et d'essayer de discerner ses composants. Et ici, nous attendons pour le plaisir ...

Eh bien, tout d'abord, il s'avérera que dans ce "comme une performance", il y a tous les éléments qui sont toujours présents, par exemple, au théâtre Maly, au théâtre Bolchoï ... dans n'importe quel théâtre. Il y a de la scénographie, de la lumière et du son. Ensuite, il y a l'acteur, il y a les métaphores (particulièrement vives dans Dreadnoughts), l'ambiance et le public.

Comment fonctionne la lumière ? Et la lumière fonctionne très simplement : elle brûle, puis s'éteint, puis brille en jaune, puis en rouge. Dire que la lumière en porte charge sémantique c'est impossible, il est là pour souligner l'état du narrateur, et l'atmosphère de ce qui est décrit. La scénographie va dans le même sens. Et quel genre de scénographie est ici : une chaise pour s'asseoir, un sol pour se tenir debout, et quelques éléments supplémentaires (un seau, un bassin avec des bateaux, une table avec une bouteille), qui, s'ils sont déjà présents, tireront certainement , et assurez-vous d'être fonctionnel.

Et que dire du travail d'un acteur jouant le drame de Grishkovets dans un tel espace ? L'acteur est le principal ici, il est le principal de tous : le dramaturge, le metteur en scène et le scénographe. D'ailleurs, lui-même est tout cela. Grishkovets-acteur dès le début s'est voué à l'honnêteté confessionnelle, qui ne nécessite aucun visuel et effets sonores en raison de son autosuffisance. Et c'est ce qui a rendu la construction de la performance telle que nous la voyons. Et on voit un narrateur sur scène, racontant soit sa propre vie, soit la vie de quelqu'un d'autre. Et ce narrateur nous rappelle parfois que cette performance n'est pas tout à fait réelle, qu'elle ne s'appelle que comme ça, mais qu'en fait c'est comme ça, une conversation. Ce rappel est particulièrement captivant dans la pièce «Dreadnoughts», où la musique commence soudainement à retentir, les lumières s'éteignent et le méfiant Grishkovets dit au public: «Entendez-vous la musique dérangeante? Cela signifie que nous avons en quelque sorte abordé le sujet. Si j'avais des moyens expressifs, alors je les utiliserais tous maintenant ... mais je n'ai que de la fumée, donc je vais laisser entrer la fumée (laisser entrer la fumée) ... Mais si nous avions une vraie performance ici, maintenant de tels personnages seraient venus sur scène en forme, auraient pris des poses significatives, ils auraient entamé une sorte de dialogue, vous savez, eh bien ... la représentation aurait commencé ! .... Et maintenant rien ne va commencer ici, ce qui se passait va continuer...". Et dans ce déni de soi comme « théâtre » réside b sur la plus grande partie de la théâtralité de Grishkovets. Même le fait qu'à chaque fois il fasse un prologue et un petit épilogue le montre. Il veut constamment dire qu'il n'a pas de performance et en même temps il arrange constamment des performances dans sa performance. Il gravite volontairement ou involontairement vers une théâtralité très conditionnelle avec ses spectacles, comment quelqu'un bouge, comment il rêve (par exemple, jouer de la basse dans sa chanson préférée, tout en jouant dans un film en marin tué à la première prise, etc. . ), il montre des épisodes de sa vie, les montre avec plaisir, parfois en rapide, parfois comme ça (comme c'était par exemple le cas dans "The Dog", dans l'épisode sur le combat le plus court avec un pilote japonais). Et dans tous ces sketchs et digressions, il n'y a pas de miracles de technique d'acteur, pas de professionnalisme, mais il y a cette sincérité et cette théâtralité absolues. Et en plus, c'est un truc banal : c'est dur d'écouter un burry man pendant deux heures sans interruption, et tous les spectacles détournent tant bien que mal de l'histoire générale, permettent de se détendre et de rire de la plasticité très honnête et très ridicule du narrateur bien-aimé.

"Où est grand-mère?" - "Je suis pour elle !"

Comme vous le savez, dans tout travail, il doit y avoir un héros. Au moins quelques. Et qui est le héros de la pièce de Grishkovets basée sur la pièce de Grishkovets avec l'acteur Grishkovets ? C'est vrai, Grishkovets (la pièce "Dreadnoughts" est une exception et à ce sujet un peu plus tard). Mais ici naît une autre question : « Est-ce un héros ou juste comme ça ? ». Mon opinion est que Grishkovets a réussi à créer la bonne image au bon moment, qui peut être appelée en toute sécurité, par exemple, "Je suis aimé". Et mettant ce "je" au centre de la créativité, Grishkovets a inventé un nouveau forme théâtrale: pas une conversation d'une personne sur un malheur qui s'est produit il y a deux cents ans avec la fille d'un riche marchand, et trouvant des situations similaires dans cette histoire, mais une conversation sur lui-même, une introspection, qui pour une raison quelconque s'est avérée si intéressante au public. Et il aime le dire, il aime chercher des phrases d'une justesse colossale, et on aime l'écouter, si semblable et si proche. N'est-il pas possible d'appeler le héros de celui dont la masse la plus diverse de personnes réunies dans une salle est tombée amoureuse? Et ce héros est tout Grishkovets.

Dans le même temps, il convient de tenir compte du fait que le héros de chaque représentation de Grishkovets est différent. Et cette différence, c'est qu'il ne parle pas de lui bien-aimé en général, mais de lui-même très précisément. Maintenant, je vais tout expliquer. Le fait est que chaque représentation nous parle de Grishkovets à travers un sentiment dominant, et donc chaque représentation nous montre un peu de Grishkovets nouveaux et différents. Dans "Comment j'ai mangé un chien", on voit une sorte de marin sans prétention qui parle exactement la même chose que l'homme du prologue, qui a la même physiologie que cet homme et en général c'est une seule personne. Mais l'homme du prologue est un Grishkovets vivant, dont nous ne savons rien, et l'homme de la pièce est déjà un marin assez spécifique qui n'est plus là, qui n'a vécu que trois ans et a en même temps radicalement changé la vie de l'homme du prologue. Et on reconnaît Grishkovets à travers l'objectif de sa honte devant nous dans l'enfance, devant sa mère, qui lui envoyait des colis quand il n'était plus là, mais il y avait un marin à sa place, on apprend des papillons écrasés, des quelques actions dont "je ne sais pas c'est bien de se souvenir, mais ce n'est pas agréable pour toi de l'écouter"... et c'est très drôle, sincèrement drôle, d'une manière bienveillante.

Et dans "Simultanément", nous voyons Grishkovets déçu de ses attentes. Et là, lui aussi, a un peu honte de la tromperie de ces mêmes attentes. Il est mécontent de l'incapacité de créer les conditions dans lesquelles l'événement devrait provoquer l'effet escompté. Et il s'inquiète sincèrement de cette tromperie des espoirs ... et, encore une fois, c'est très drôle.

Et dans la "Planète", il parle d'amour, divisé et indivis, heureux et malheureux, court et sans fin, et on voit déjà un héros lyrique qui rêve de voler dans un rêve et dans la réalité, avec des manières clairement romantiques (même le nom parle de quelque chose de très abstrait et romantique - "planète"). Et il s'inquiète aussi, explique ses expériences, se console et regrette... et encore c'est drôle, parce que c'est familier.

Mais maintenant, cela vaut la peine d'en dire un peu plus sur le héros des Dreadnoughts. Le fait est que ce n'est pas une performance très familière à Grishkovets. Et même ceux qui disent que notre héros ne parle que de lui et amuse le public comprendront que dans cette représentation il y a de la pensée et de la douleur, qu'il n'a pas dû trouver chez les autres. Et ce sous-titre astucieux "une performance pour les femmes" ou "une performance qui n'a pas fonctionné" est immédiatement alarmant : qu'en est-il des navires de guerre - et pour les femmes, comment cela n'a-t-il pas fonctionné, mais est-ce que ça continue ? Bien sûr, ils nous expliquent plus tard de quoi il s'agit, ils nous disent qu'une femme n'ouvrira jamais un livre sur les navires et ne connaîtra donc jamais l'héroïsme des hommes, et que la représentation, en général, consiste à parler aux femmes de ces mêmes héros. Mais Grishkovets est préoccupé par une question légèrement différente: pourquoi les marins sont-ils morts sur les îles Falkland, pourquoi John Cornwell, seize ans, a-t-il tourné la roue du canon, réalisant qu'il ne tirerait pas, pourquoi ont-ils ouvert les navires de Kingston , sur lequel il y avait plusieurs centaines d'officiers et de marins, pour quoi ils n'ont pas baissé le drapeau. Et il ne trouve pas la réponse exacte, car il ne trouve pas le sens pour lequel on peut donner sa vie. Et le principal conflit est que pour ces marins il y avait un sens, et c'était dans le drapeau, dans ces fils entrelacés, et ils sont morts pour cela avec des chants et avec un sentiment de bonheur. Ils se sont battus pour de vrai, ont servi pour de vrai et ont vécu pour de vrai, parce qu'ils avaient ce drapeau et la possibilité de mourir comme ça. « Et quelles sont mes options ? Grishkovets demande désespérément au spectateur. Et ce n'est plus très drôle. Parce que le spectateur est habitué au gentil humaniste Grishkovets, qui raconte des histoires quotidiennes sincères, et ici il commence à parler non pas tant du non-sens de la vie, mais de quelque chose de plus terrible - du non-sens de la mort. La mort que quiconque n'a pas ce même drapeau meurt. Mais en même temps, il se donne à lui-même et au spectateur l'espoir que «nous aussi, en principe, pouvons, si nous en avons l'occasion», mourir comme ça, ressembler à ça, pour ainsi dire. Et ce spectacle est pour les femmes uniquement parce qu'il s'agit de vrais hommes, de héros que nous pouvons soudainement devenir. Et nous sommes comme ça. Et si vous vous levez pendant la représentation et demandez à Grishkovets: "Où est le héros?", alors il répondra probablement: "Je suis pour lui ..."

Et alors?

Ainsi, Grishkovets dans ses "Dreadnoughts" ne visait pas les thèmes éternels de la trahison et du meurtre, de l'amour et de la déception, etc. Il vient de parler de choses aussi importantes que l'héroïsme, qu'on commence à oublier, de l'amitié et de la fraternité.

En général, pour un représentant art contemporain Grishkovets est assez conservateur. Il ne parle jamais des coins sombres du sale l'âme humaine, à propos de la conscience déformée l'homme moderne et la société. Il parle parfois de ce à quoi tout le monde pense, mais il ne le dit jamais, de peur d'être vulgaire. Parfois, il parle de sentiments très compréhensibles que beaucoup ont également ressentis et qu'il considère également vulgaires à dire à leur sujet. Et Grishkovets dit. Et ça n'a pas marché du tout. Peut-être que par endroits, c'est trop simple et sentimental, mais du cœur et sans pathos ni pathos. C'est tellement naturel quand une personne simple dit des choses simples.

Mais ici, il ne faut pas minimiser la contribution de Grishkovets au théâtre, car il a créé un nouveau théâtre presque improvisé. Bien sûr, il est facile de discuter avec moi, en montrant le jeu et en disant : "Tous les coups sont écrits ici !". Mais après tout, tout dans cette pièce indique l'improvisation de ce qui se passe, prenez par exemple la remarque initiale de la pièce « Comment j'ai mangé le chien » : « Le texte peut être complété par vos propres histoires et observations. Ces moments que vous n'aimez pas particulièrement peuvent être omis. Il est souhaitable de raconter cette histoire pendant au moins une heure, mais pas plus d'une heure et demie. L'interprète est voué à l'improvisation. Oui, et Grishkovets lui-même dit constamment un texte qui ne ressemble qu'à une pièce de théâtre, mais qui ne lui correspond pas complètement. Il a créé un théâtre du conte libre, n'ayant pas peur de s'insérer au centre de l'expérimentation. Et ça doit faire très peur : inventer un "théâtre", se remémorer les histoires de sa propre vie, réunir quinze personnes au buffet du théâtre Armée soviétique et racontez-leur tout. Mais c'est exactement ainsi qu'a eu lieu la première de la pièce «Comment j'ai mangé un chien», qui est entrée dans l'histoire, bien sûr, non pas comme révolutionnaire ou réformatrice, mais certainement comme innovante. Et même si ce théâtre s'est aujourd'hui épuisé, il a prouvé que la scène théâtrale est ouverte à tout ce qui est vraiment nouveau, même à complètement personne ordinaire, avec des problèmes et des points de vue universels, avec une âme ouverte, des yeux bienveillants et une idée simple mais honnête. J'aurais peur de le prouver, et je ne pourrais pas. Mais Grishkovets le pouvait. Applaudissons-le.

Récemment, Evgeny Grishkovets a dirigé son « guerre silencieuse avec Channel One. Guerre pour votre bon nom. Il n'a pas l'habitude. La biographie de l'écrivain et dramaturge n'a pas toujours été facile du tout. De tout temps.

Evgeny Grishkovets nous a parlé de lui toute sa vie. En conséquence, nous ne savons presque rien de lui. Merveilleux personne fermée: monte sur scène, écrit des livres, joue dans des films - et en même temps reste un mystère. Entre-temps, il est devenu le symbole de toute une génération. Des gens qui ont trouvé la force d'être faibles. Toute la première moitié des années 2000 a été marquée par cette génération. Ils ont courageusement défendu leur droit de ne rien faire de spécial, de ne pas être des héros. Vivre, pas survivre. Le droit d'être un peu puéril, confus, dubitatif.

"The Bear" a essayé de comprendre qui se cache derrière l'image créée par Grishkovets.

Enterrement d'un ange

- Zhenya, tu te souviens bien de ton enfance ?

Mal. Dans l'enfance, il n'y a pas de temps, il semble qu'il soit sans fin. Je me souviens seulement que je rêvais de jouer dans des films. Ne joue même pas, non. Entrez simplement dans les films, dans la télévision, laissez-le en arrière-plan. Je voulais même aller à la manifestation pour pouvoir me voir plus tard à la télé. Mais c'était une émission en direct, donc, hélas, rien ne s'est passé. Je ne sais pas pourquoi je voulais tant être à la télé. Je ne peux pas expliquer.

- Voulez-vous maintenant?

Et maintenant encore plus fort. Mais pour une raison quelconque, les rôles dont je rêve ne me sont pas proposés. Je veux vraiment jouer quelque chose d'héroïque, vraiment héroïque. Et on me propose le plus souvent de jouer moi-même, Evgeny Grishkovets. Dans le même temps, Grishkovets est compris absolument faux. Comme un tel intellectuel nostalgique. Eh bien, je n'ai aucune nostalgie ni dans les livres ni dans les performances. Du tout! Mais le peuple a une illusion stable sur ce point. Même toutes les parodies de moi sont liées à certains détails du passé: combien coûtait la saucisse, quelle était la cravate de pionnier, quel était l'uniforme scolaire ... Je nettoie soigneusement tout cela de mes textes. Je reçois beaucoup de lettres où, disons, Description détaillée cour, raconte comment l'auteur de la lettre était habillé comme un enfant, quels étaient les noms de ses amis, quels Jardin d'enfants est allé. C'est-à-dire que le lecteur me démontre qu'il se souvient lui-même très bien de tout, même si je n'ai rien de proche de cela. Tous les détails sont perçus par moi comme archaïques. Je n'ai jamais été intéressé par la représentation réaliste de l'époque. Et maintenant, il n'est plus intéressé. Le fait d'une biographie humaine n'est pas aussi important que les sentiments à propos de ce fait. Et les expériences sont universelles.

- Pour une raison quelconque, je suis sûr que vous n'avez jamais tenu de journal...

Jamais. Je n'emporte jamais non plus d'appareil photo avec moi et ne collectionne pas d'archives. J'ai essayé de me stimuler en achetant un nouvel appareil photo chaque année pour qu'il y ait un appareil technique intéressant. C'est une activité en soi - appuyer sur des boutons. Mais j'ai réalisé que non, la vie est plus importante. Il faut soit tirer soit regarder.

Mais rappelons-nous quand même. Avez-vous vraiment mangé du chien quand vous étiez dans l'armée ?

Dans la flotte. Oui, mangé. C'était sur l'île Russky dans l'océan Pacifique. C'était déjà la toute fin de l'Union soviétique. Personne ne croyait ou n'essayait de croire en quoi que ce soit. Mais il y avait des codes d'honneur locaux. Il fallait soit les accepter, soit leur résister. Je ne pouvais pas les accepter. J'ai été brisé plusieurs fois et j'ai vécu selon ces lois. C'était honteux. En général, beaucoup de honte est liée à mes souvenirs du service. Je n'oublierai jamais cela, et l'insulte, bien sûr, est restée. Sur l'État, sur le peuple, sur l'époque. Mais je lutte avec ce ressentiment. Ce n'est pas un hasard si la première chose avec laquelle je suis arrivé à Moscou, "Comment j'ai mangé un chien", était militaire. J'espérais qu'en prenant la parole, je pourrais me séparer de ces expériences, de ces rêves, de ces griefs.

- Géré ?

Bien sûr que non. Mais d'un autre côté, c'est peut-être une bonne chose. Si je n'avais pas servi, si je n'avais pas été dans la marine, je n'aurais rien écrit ni joué. Jamais.

- En quelle année était-ce ?

1985e. Pendant le service, il m'a semblé que rien ne pouvait être plus difficile et plus important que mes expériences. Et quand je suis revenue, j'ai réalisé que ce que j'avais vécu dans le service était un langage de bébé. L'amour, le départ de la ville natale, ou même l'enterrement d'un chien, que je décris dans l'histoire "L'enterrement d'un ange", tout cela signifie bien plus pour moi que le service militaire. Ce sont tous de très grands événements pour une personne normale. Ce n'est pas un hasard si je n'ai pas de personnages dans des livres qui sont soudainement devenus députés ou ont accompli un exploit militaire. Ou ils ont inventé un programme Internet et l'ont vendu pour un milliard de dollars. Cela ne m'est jamais arrivé et ne m'arrivera jamais. Tout cela est extrême, c'est à la périphérie de la vie, je ne vois absolument aucun intérêt à écrire à ce sujet.

Cependant, vous communiquez avec un très des gens inhabituels. Du moins très riche. Parmi eux, par exemple, le banquier Alexander Mamut ...

Mamut et moi nous sommes rencontrés il y a une dizaine d'années et sommes devenus amis. Il est venu à plusieurs reprises à mes performances, et c'était plutôt son initiative - apprendre à se connaître. Pour être honnête, je ne savais même pas ce qu'il faisait. Le nom de famille était bien connu, mais je ne connaissais pas les détails. Et donc nous nous sommes rencontrés. Comme indiqué dans le roman Treasure Island , "Silver s'est avéré être un causeur incroyablement intéressant."

- Le traitez-vous comme un méchant ?

Bien sûr que non. Je ne comparerai pas mon ami à Silver, c'est juste un causeur vraiment intéressant. Il connaît la poésie et la peinture bien mieux que moi. En général, il a une expérience incroyablement intéressante et inaccessible pour moi.

- On dit que Grishkovets, avec tout son talent, n'aurait jamais réussi sans Mamut.

J'ai rencontré des gens riches, dont Mamut, déjà quand je me suis fait connaître du grand public. C'est toute la réponse. Mais il y a une ombre de vérité dans ces rumeurs. Parce que certaines personnes riches... Non, pas comme ça. Les gens qui se croient riches proposent souvent de m'aider. Après tout, de leur point de vue, je suis presque un mendiant. Les offres sont différentes. Par exemple, une personne me dit : « Je commence la construction d'une nouvelle maison. Investissez cent mille là-bas, vous en obtenez trois cents.

- Et tu?

Je refuse. Tout d'abord, je comprends que rien ne se passe comme ça. Pas dans le sens où j'ai été trompé. Mais je sais avec certitude que je devrai penser à cette entreprise, mais je ne veux vraiment pas y penser et faire tout cela. Dans mes mains, il n'y a que l'argent que les gens ont payé pour un billet pour les représentations. Ou payé des livres. Je n'avais pas d'autre argent. Eh bien, toujours des frais pour le tournage d'un film. Dans l'exercice de son métier, il devrait y avoir une nécessité vitale obligatoire. J'ai besoin de jouer un certain nombre de représentations pour maintenir le niveau de vie auquel je suis habitué. Et je ne ferai jamais en sorte que je donne cent et reçoive trois cents. Parce que si je fais ça, je ne sais pas si je peux m'empêcher de répéter cette astuce. Investissez trois cents et obtenez neuf cents. Et puis on ne sait plus pourquoi jouer des performances et écrire des livres. Ensuite, tout cela se transformera en une sorte de passe-temps et de charité. Mais un passe-temps ne mènera jamais à des résultats significatifs. Et dans ce sens, je suis très protecteur de ma vie et de ma profession des influences extérieures.

- Mais votre métier, le métier d'artiste, peut aujourd'hui être interprété assez largement. Prenons, par exemple, les événements d'entreprise. Avez-vous une telle expérience?

Je joue parfois, très rarement, des soirées corporatives avec le groupe Curlers. Il y avait de nombreuses propositions pour organiser une sorte d'événements. Et je me suis même vu sur la liste des hébergeurs les plus chers il y a quelques années. Mon nom était à la huitième place du classement. Des montants importants ont été indiqués. Et seulement en face de mon nom de famille était écrit "ne mène pas". Mais l'argent a été offert, vraiment. J'essaie juste de ne pas le savoir. Et mon directeur ne m'en parle pas. Je lui ai demandé de ne rien dire. Je suis scrupuleux dans ce sens. Je comprends que si je dois organiser une sorte de mariage ou d'anniversaire, ou l'anniversaire d'une banque, ce sera tellement gênant que ... Ainsi, je perdrai tous les téléspectateurs et lecteurs qui seront à cette fête d'entreprise. Et j'ai très peur de les perdre. Bien qu'il y ait eu des performances avec le groupe Curler lors de tels événements, cependant. Nous avons des disques qui sortent, mais ils ne se vendent pas bien parce qu'il y a tellement de copies piratées sur le marché. Et c'est absolument impossible à gagner. Et les musiciens, mes amis, avec qui nous travaillons, passent beaucoup de temps et d'énergie à enregistrer des albums. Et pour que ce projet porte ses fruits, il faut aller à des soirées d'entreprise. Et encore une chose : quand on se produit dans un genre musical et qu'on interprète quelque chose de déjà préparé, on est quand même un peu à l'écart du public, protégé. Seulement j'ai une exigence. Je ne peux pas jouer quand quelqu'un mange. Bien sûr, c'est la propreté. Mais néanmoins, les gens, s'ils veulent vraiment me voir, acceptent cette condition.

C'est une soirée privée

- On a remarqué depuis longtemps que vos performances ont un effet psychothérapeutique. Le principe est le même qu'en psychanalyse. Avez-vous un problème? Veux-tu en parler? Parlons et tu te sentiras mieux.

Oui je comprends. Une fois, j'ai reçu un grand nombre d'offres de psychothérapeutes pour participer à certaines de leurs affaires, à des séances. Nos méthodes leur ressemblent vraiment. Mais les tâches sont différentes. La tâche du psychothérapeute est de calmer la personne. Ma tâche et la tâche de l'art en général sont différentes - alarmer. Aiguisez la perception. Assurez-vous qu'une personne se réveille et fait face à son problème. Oui, je n'aurais pas assumé une telle responsabilité - résoudre les problèmes des autres. J'ai une vision plutôt pessimiste des relations humaines. Il est impossible de vraiment comprendre même une personne très proche. Et nous n'avons presque aucune chance de nous faire comprendre. Je suis très équipé pour exprimer et expliquer mes actions, mais il y a tellement de côtés cachés, de territoires et de moments pour lesquels il n'y a pas de mots pour expliquer cela à la personne la plus proche. Oui, même à lui-même.

- Faut-il expliquer quoi que ce soit dans ce cas ? Vous vivez et vivez...

Nécessaire. Une autre chose est que la tâche est impossible. La tentative est vouée à l'échec. Mais le résultat de cette tentative sont mes textes. Ma formule est très simple : je ne comprends pas ce qu'est la vie, mais néanmoins je continue à vivre. Je ne comprends pas ce qu'est la littérature, bien que j'en connaisse beaucoup. Et plus j'en sais sur la littérature, moins je comprends son phénomène. Mais je suis prêt à en parler. Soit dit en passant, je suis sûr qu'il faut en dire plus. À propos de tout. Je n'accepte pas de telles phrases : "Je ne veux pas en parler" ou "Ce n'est pas le moment d'en parler". Dans une tentative de parler - salut. Pendant la conversation, vous ne pouvez être d'accord sur rien. Mais assurez-vous que les gens sont au moins chers les uns aux autres. C'est déjà beaucoup. C'est, je dirais, beaucoup.

Mais vous avez commencé au théâtre pas du tout par des conversations, mais par la pantomime. Et d'une manière étrange, ils sont arrivés au genre, qui s'appelle maintenant «Grishkovets».

C'était il y a très longtemps. A l'époque du théâtre Kemerovo "Lodge". J'avais 25 ans et, bien sûr, à cette époque, personne ne m'aurait écouté comme on m'écoute maintenant. Il a fallu près de dix ans pour réaliser des performances postmodernes, provocatrices, expérimentales afin d'en arriver finalement à une expression artistique directe. Quand il est apparu, alors ils ont commencé à écouter. Et au début c'était le postmodernisme le plus tendre. Je me souviens combien j'aimais dans ces années-là, au début des années 90, la pantomime, c'est-à-dire l'art extrêmement abstrait, métaphorique, allégorique. Ensuite, en général, tout ce qui était allégorique et miraculeux était l'essentiel. L'idole, l'homme principal de l'époque était Vyacheslav Polunin.

- Puis vous avez soudainement tout quitté et quitté Kemerovo pour Moscou. Un acte fort. Ramassez et n'allez nulle part.

Pas fort du tout. Vice versa. Après tout, j'ai effectivement déserté, fui les difficultés. A Kemerovo, c'était déjà insupportable. Je n'avais pas assez d'espace et je ne savais pas à qui m'adresser depuis la scène. De plus, à Kemerovo, s'il y a théâtre dramatique il n'y avait toujours pas d'environnement théâtral. Il y avait le seul théâtre-studio "Vstrecha", où nous allions tous en tant que spectateurs. Et nous étions, notre théâtre "Lodge", comme une alternative à tout cela. Tout, il n'y avait rien d'autre dans la ville.

- Et Kemerovo est une grande ville.

Toutes les villes sont petites, sauf Moscou... Et je suis parti. Au lieu de résister aux circonstances, il a décidé de les changer. Il n'y a pas beaucoup de courage ici. En fait, j'ai été sauvé. Il me semblait que ce que je faisais n'était nécessaire à personne, il n'y avait tout simplement personne à qui le montrer. De plus, j'étais conscient que le théâtre est impossible de gagner sa vie. Et voici 1998. Une crise. Année de naissance de la pièce "Comment j'ai mangé le chien". Je suis arrivé à Moscou à la fin de l'automne, en novembre. Les pensées étaient telles qu'il était temps d'en finir avec le théâtre et de vivre sa vie. C'était presque la dernière tentative pour réaliser quelque chose. Juste pour me vider la conscience.

- Et puis vous avez couvert le succès.

N'a pas couvert. Tout s'est fait très progressivement. Avant de jouer au Théâtre de l'Ermitage au Masque d'Or, il y avait de nombreuses représentations gratuites dans de petites salles, pour vingt à trente spectateurs. Dans certains festivals, j'en ai joué de petits. Et cela a duré un certain temps. Et ce n'est qu'alors qu'il y a eu le Masque d'Or, puis le Prix Antibooker. Tout cela était plus tard. À ce moment-là, deux petites brochures de mes pièces étaient sorties, et ainsi de suite. Autrement dit, ce n'était pas comme ça une fois - et je me suis réveillé célèbre. Et il y avait encore une vie très longue et dure dans dernières annéesà Kemerovo, déménagement à Kaliningrad, pénible s'habituer à cette ville. Une décision angoissante qu'il faut en finir avec le théâtre et passer à un tout autre état de vie. Parce que j'ai pensé : bon, bon, maintenant le prix, et après ? Je n'ai jamais eu le sentiment que je l'ai fait, je l'ai fait, et ça a marché. Et maintenant non. Dès que le travail sur une pièce de théâtre ou un livre est terminé, je suis une personne sans plan pendant un certain temps. Et je pense : peut-être que je vais juste maintenant me reposer pendant un an. Mais c'est là qu'intervient l'idée. Et il doit être mis en œuvre.

Si on vous montrait les Grishkovets actuels il y a vingt ans, seriez-vous satisfait de cette personne, ne vous causerait-il pas déception et rejet?

Je serais probablement très surpris. Je serais choqué que cet homme écrive des livres. Et j'ai vraiment l'air mieux maintenant qu'alors.

- Vous n'aimiez pas votre apparence ?

Je n'ai pas aimé du tout. J'étais sérieusement préoccupé par ma propre apparence et je ne l'aimais pas beaucoup.

- Et maintenant?

Et maintenant, dans une certaine mesure, je m'en fous.

- Tu sais, tu as l'image d'une personne très douce. Et semble fonctionner pour cela aussi. Regard mal rasé, fatigué et myope sous les lunettes. Tout est en quelque sorte bon, à la maison. Je ne peux pas t'imaginer te mettre en colère ou crier sur quelqu'un.

La plupart du temps, je suis à la hauteur des attentes. Mais cela vaut la peine, par exemple, de réagir durement à une déclaration sur Internet, car les gens commencent immédiatement à devenir hystériques: "Nous pensions que vous étiez bon, mais il s'avère que vous êtes mauvais." Quelqu'un est venu vers moi et a commencé à me gronder ou à dire quelque chose avec lequel je suis fortement en désaccord. Eh bien, je ne peux pas, je ne peux pas résister. Au final, ça se passe toujours sur mon territoire, dans mon LiveJournal.

- Comme le dit la chanson du groupe "Curlers", "c'est une soirée privée"... Hélas, des foules entières envahissent le territoire privé avec leurs revendications et revendications. Vous pouvez bien sûr leur expliquer ce qui est bien et ce qui est mal. Vous pouvez en quelque sorte les combattre. Mais vous, à mon avis, n'êtes pas du tout un combattant. Si vous vous battez pour quelque chose, alors pour le droit de ne rien faire de spécial, de ne pas accomplir d'exploits.

«Je ne veux vraiment rien faire de spécial. Vous savez ce que disent certaines femmes ? "Dieu, comme je suis fatigué d'être fort !" Moi aussi, je suis fatigué d'être fort et j'ai le droit d'être faible. Comme tout le monde, vraiment.

- Et que se passe-t-il maintenant sur ce front, sur le front de la lutte pour le droit d'être faible ?

« Il y a des batailles locales en cours. Parfois, avec le recul, il s'avère que vous êtes passé à l'attaque. Mais le plus souvent, il y a une retraite lente avec des batailles.

Alors, est-ce une retraite ?

A mon monde

Dmitri Kolmychek

SOCIOTYPE D'EVGENY GRISHKOVETS

Evgeny Valerievich Grishkovets - célèbre écrivain russe, réalisateur et acteur. Engagé dans la créativité depuis 1990. Puis il a organisé un théâtre indépendant "Lodge", dans lequel 10 représentations ont été mises en scène en 7 ans. En 1998, il s'installe à Kaliningrad, où il vit actuellement.

À ce jour, Evgeny Grishkovets a présenté 12 pièces de théâtre et 10 livres au public. Représentations théâtrales Grishkovets se distinguent par leur atmosphère de chambre (en règle générale, ce sont des performances en solo). Son œuvre la plus célèbre est la pièce « Comment j'ai mangé un chien… », pour laquelle l'auteur a reçu le Golden Mask Award dans les nominations au prix de l'innovation et de la critique.

Le 24 décembre 2010, une conférence en ligne avec l'écrivain a eu lieu sur le site Lenta.Ru. L'orthographe et la ponctuation des réponses de l'auteur ont été préservées, ce qui nous donne l'opportunité d'utiliser les matériaux de la conférence pour déterminer le type socionique d'Evgeny Grishkovets.

"Je fais une performance sans fin…"

Le signe de "l'extraversion-introversion" détermine en grande partie la direction de l'activité humaine. Un extraverti se caractérise par l'expansion, le désir d'élargir les limites de la sphère de son activité, d'y impliquer de nouveaux objets. Un introverti, en revanche, a tendance à plonger dans une sphère choisie, à « creuser profondément », à y trouver de nouvelles facettes, des relations subtiles.

Evgeny Grishkovets donne la description suivante des limites de ses activités :

Question: Nous sommes assez sympathiques à votre travail, cependant, à notre avis, avec votre accès au grand public, vous avez occupé un créneau spécifique et restez à ce jour dans son cadre. Allez-vous/envisagez-vous de changer la nature de votre travail ?
Réponse: Dans aucun cas. C'est mon créneau. Je n'ai pas occupé le créneau de quelqu'un d'autre. La niche n'a pas de frontières. Je ferai ce que je pense nécessaire. Comme je suis allé à Kemerovo il y a longtemps, au théâtre Lozha, pour me livrer à ce type de théâtre, à ce type d'énoncé, c'est comme ça que je fais. Je fais une performance sans fin et j'écris un méga-texte sans fin, et j'ai l'intention de continuer à le faire. La portée m'en est inconnue. S'ils sont dirigés par quelqu'un, alors le drapeau est entre ses mains.

Comme vous le savez, les extravertis, lorsqu'ils parlent de leurs impressions sur un lieu particulier, préfèrent donner une image panoramique et objective - comme à vol d'oiseau. Les introvertis, décrivant la géographie d'une région, parlent principalement de leurs sentiments intérieurs, de leurs marques subjectives (atmosphère, esprit, attitude, etc.).

Question: Bien sûr, vous avez été dans de très nombreux pays étrangers. Quel pays/ville/endroit vous a le plus impressionné ? Où recommanderiez-vous à tout le monde de visiter ?
Réponse: Tout d'abord, à Tbilissi. Toute personne russe qui aime la littérature, l'art, l'amour de la vie doit absolument visiter Tbilissi - c'est une ville fantastique, que je ne connais pas plus belle. C'est la ville où je pourrais vivre. Je recommande à tous de visiter Sébastopol. Je l'aime beaucoup, bien qu'il soit terriblement mutilé, mais il y a tant de choses dans cette ville, c'est si profondément versé avec le sang de vrais héros. Il y a un si bel endroit que vous devriez certainement visiter cette ville. J'aime Kyiv. C'est une ville incroyablement douce. Son visage change, de nombreux ploucs apparaissent, il devient vulgaire-bourgeois, cette tendresse disparaît, mais pour autant elle est toujours là. Vous devez vous y tenir. Il est beau. J'aime vraiment les villes polonaises, par exemple, Wroclaw, Poznan. On a toujours dit qu'"un poulet n'est pas un oiseau, la Pologne n'est pas un pays étranger", et donc dans ces villes, vous pouvez voir à quoi ressemblait l'Europe d'avant-guerre. Vilnius est une ville merveilleuse. De toutes les villes baltes, bien sûr, Vilnius est la plus belle. C'est petit, il n'y a pas de folie de Riga, pas de marionnette de Tallinn, une ville merveilleuse, probablement, et je pourrais aussi y vivre. Paris est une ville où je pourrais vivre beaucoup de temps. Je pense que c'est assez de géographie.

Evgeny Grishkovets préfère l'immersion dans ses activités, et ses descriptions d'autres villes contiennent des caractéristiques stylistiques exclusivement subjectives ("c'est une ville dans laquelle je pourrais vivre", "une ville incroyablement douce", "une ville où je pourrais vivre longtemps temps »). Après analyse de ces réponses, on peut raisonnablement penser que l'écrivain appartient au type introverti.

"Quand je communique avec les jeunes, je me souviens de ma jeunesse"

Une place importante dans les réponses d'Evgeny Valerievich est occupée par le thème de l'âge et du temps. Mais ce n'est pas le temps exprimé en minutes, heures et dates. Le temps de Grishkovets est un flux continu, changeant et intégral, dont chaque instant contient le présent, le passé et le futur :

Question: Evgeniy, qu'est-ce qui influence le plus votre travail - une expérience passée profondément significative ou une perception aiguë de la vie qui s'écoule rapidement autour de vous ? PS J'aime vos œuvres précisément pour la douce nostalgie de l'enfance et de la jeunesse soviétiques. Merci.
Réponse: Pourtant, c'est plutôt le vrai vivre aujourd'hui d'un moment de vie. Quand je vois des enfants, même mes propres enfants, je me rappelle immédiatement mon enfance sensuellement. Quand je communique avec les jeunes, je me souviens de ma jeunesse. Il n'y a pas de processus de remémoration ici, tout existe dans un moment de la vie : à la fois le vécu aigu du moment présent, et la réaction au moment, et le frisson associé au déjà vécu.

Même les gens sont décrits principalement en termes de temps - âge :

Question: Il n'y a pas si longtemps, ma fille, et elle a 12 ans, a lu votre livre "Shirt". Elle a vraiment aimé ça. S'il vous plaît dites-moi, quel âge voyez-vous votre lecteur, auditeur, téléspectateur ?
Réponse: Un cas curieux - à l'âge de 12 ans pour lire un roman sur l'amour. Je vois mon lecteur-spectateur idéal quelque part à l'âge de 25-35 ans, c'est l'épine dorsale principale. Mais je connais des gens qui ont plus de 70 ans et qui lisent. Je connais aussi des jeunes de 16-17 ans qui lisent et écoutent. Chaque œuvre a son propre public cible plus spécifique. Disons que les auditeurs de notre projet avec "Curlers" ne sont pas exactement les mêmes personnes qui ont lu le roman "Asphalt".

Les personnes qui ont une forte intuition introvertie ont tendance à avoir un grand sens du style. Ils peuvent non seulement être transportés dans leur imagination à tout moment et ressentir son atmosphère, mais ils peuvent aussi "emporter avec eux" un morceau de ce temps, l'exprimant, par exemple, dans une œuvre d'art. Les personnes de ce type ont une attitude créative face au temps, elles sont capables non seulement de transmettre avec précision l'atmosphère du passé, mais aussi de «jouer» avec:

Question: La dernière fois que j'ai assisté à la pièce "Comment j'ai mangé un chien", j'ai été très surpris des changements qui y ont été apportés. Pourquoi essayez-vous si fort d'effacer des moments du passé? Je n'ai que 20 ans, mais j'ai parfaitement compris et retenu ces dessins animés de marionnettes dont vous parliez si merveilleusement. Et avant la représentation, tu as dit que les jeunes ne comprendraient pas
Réponse: Vous ne pouvez pas m'attribuer ce que je ne peux pas dire en principe. Que veut dire « les jeunes ne comprendront pas » ? Mon public principal, ce sont les jeunes, surtout ceux qui aiment ce que je fais en musique. Les jeunes comprendront tout pas pire que moi, mais à leur manière, et après un certain temps encore plus profondément, c'est-à-dire de manière adéquate à la manière dont cela a été dit. Juste expérience de la vie— est une chose essentielle. Je ne veux pas parler du passé. Je veux que la pièce "Comment j'ai mangé un chien" soit l'histoire d'aujourd'hui. Mais il n'y a plus de dessins animés de marionnettes pour les enfants d'aujourd'hui dans le contexte d'aujourd'hui. Il y a 11 ans, quand j'ai commencé à dire ça dans la pièce, ils étaient toujours là, mais maintenant c'est une référence au passé. Même si les gens s'en souviennent, ce sera un moment de mémoire, et je veux qu'il soit significatif aujourd'hui, pour qu'il ne fasse pas référence à une sorte de passé, également soviétique. Je veux juste que la performance sonne bien aujourd'hui et ne soit pas une sorte d'image nostalgique.

Une pièce écrite par l'auteur à partir de ses propres souvenirs n'est pas du tout une œuvre sur le passé. Un sens subtil du style permet à Grishkovets d'apporter à la performance de telles modifications qui la transforment d'une «image nostalgique» en l'intrigue d'aujourd'hui.

Les réponses de l'écrivain dans la conférence en ligne sont "saturées" avec le temps. Si le lecteur reprend les descriptions géographiques données par Grishkovets, il remarquera que même la description des villes leur est donnée à travers le temps (« Paris est une ville où je pourrais vivre longtemps »).

Ainsi, on peut affirmer avec un degré élevé de certitude que l'une des fonctions fortes du sociotype Grishkovets est l'intuition du temps.

"Mon tarif, à Moscou, à Almaty, à Kaliningrad, est le même, ni plus ni moins..."

Jouer et écrire n'est pas seulement de la créativité et entrer dans le personnage sur scène. Une place tout aussi importante y est occupée par le volet administratif et financier. Négocier avec un éditeur, organiser un programme de tournée, approuver le montant de la redevance - c'est ce que doit faire un créatif s'il n'a pas son propre manager.

D'après les réponses d'Evgeny Grishkovets, on peut voir qu'il connaît bien les aspects économiques de ses activités, qu'il a une idée claire du prix des billets pour ses représentations, quelle que soit la ville où elles se déroulent, ainsi que de la solvabilité du public :

Question: J'étais à votre concert à Almaty, j'ai beaucoup aimé. Dites-moi, selon votre compréhension, si j'étais à votre concert (50 USD), ai-je le droit moral de télécharger votre album à partir de torrents gratuits (le coût de votre album en magasin est de 7-8 dollars) ?
Réponse: Vous n'y avez pas droit, car c'est un crime. Les droits moraux vous appartiennent. Vous devez comprendre que sur les 50 $ que vous avez payés pour la majeure partie du loyer du théâtre où j'ai joué, vous avez payé des billets coûteux, car ils étaient fabriqués de cette façon.
A Almaty, tout est devenu beaucoup plus cher, les prix des hôtels ont augmenté. Mes honoraires, à Moscou, à Almaty, à Kaliningrad, sont les mêmes, ni plus ni moins, que j'aille loin ou près. Je communique souvent avec des directeurs de théâtre qui dirigent des agences gouvernementales, pas des magasins privés. Ils les louent et accumulent de telles sommes ! A Almaty, la location d'un théâtre était plus chère qu'à Moscou. Là, je n'ai pas pu demander pourquoi un tel prix, car je n'ai tout simplement pas pu rencontrer le réalisateur. Mais généralement, je demande dans différentes villes: "Excusez-moi, s'il vous plaît, ici vous rompez un tel bail, comprenez-vous que les billets seront chers pour vos compatriotes?" Ils clignent des yeux et continuent de faire ce qu'ils ont fait parce qu'ils s'en fichent.

Grishkovets a un grand sens des ressources. Il lui est facile de corréler les avantages (matériels et immatériels) et les perspectives des étudiants soviétiques avec ceux des étudiants modernes, et aussi de donner à ce rapport une évaluation d'expert. C'est le signe d'une logique métier forte :

Question: Dans votre dernier article sur LiveJournal à propos des étudiants, la nostalgie de l'ère soviétique est clairement visible, lorsque le monde n'était pas imprégné de l'esprit de consommation, lorsque les étudiants regardaient sans crainte vers l'avenir. Mais en même temps, vous parliez toujours des communistes avec hostilité. Pourquoi?
Réponse: Je ne me souviens pas avoir jamais parlé des communistes, donc c'est une sorte de spéculation. Je n'ai aucune nostalgie de l'Union soviétique, dans ce post j'ai exprimé de la sympathie pour les étudiants dans le sens où nous avions plus de temps, parce que le temps passait plus lentement. Nous n'avions pas peur d'être diplômés de l'université, car même si vous ne trouvez pas travail intéressant, vous serez alors distribué et, en tant que jeune spécialiste, vous recevrez vos 110 roubles. Ils ne vous laisseront pas à la rue, ils vous donneront au moins une chambre dans une auberge ou un lit. Que ce soit un centre de quartier, une école pauvre, mais vous ne mourrez pas de faim et vous ne resterez pas dans la rue. Cela permettait de lire beaucoup, de ne pas gagner d'argent supplémentaire, de ne pas chercher de travail, etc. Et maintenant, c'est beaucoup plus difficile pour les étudiants. Ils ont moins de temps pour lire des livres, moins de temps et d'énergie à consacrer à un apprentissage ciblé. C'est de cela que je parlais. J'ai exprimé ma sympathie que c'est maintenant beaucoup plus difficile pour eux, même si, semble-t-il, il y a plus d'opportunités. Il semblait juste que nous n'avions pas de telles opportunités, mais nous avions plus de bonheur de jeunesse, de bonheur de jeunesse et d'étudiants sereins.

De ce qui précède, il ressort que les fonctions fortes du sociotype de l'écrivain sont l'intuition du temps et la logique métier. En combinaison avec le signe "introversion", cela donne le type « Balzac ».

Introverti irrationnel intuitif-logique « Balzac » a une excellente vision du temps, du style et un sens des ressources. Les personnes de ce sociotype ont une idée transparente des actions qui entraînent certaines conséquences et de ce que signifie travailler pour l'avenir.

"Je ne sais pas du tout comment être offensé, être offensé est stupide"

Sur la quatrième position Modèle A type « Balzac » il y a une éthique extravertie. Les situations qui nécessitent une implication dramatique dans les expériences des autres, une participation créative dans le feu des passions, sont très douloureusement vécues par une personne de ce type. Dès lors, les provocations émotionnelles (émotions forcées, bouffonneries, parodie) peuvent être perçues par lui comme un comportement inamical et stupide :

Question: Pourquoi êtes-vous souvent si impoli dans vos commentaires de Journal ? Après tout, il suffit simplement de ne pas répondre à un commentaire stupide ou naïf. Vous n'arrivez pas à vous contenir ?
Réponse: Je ne considère pas nécessaire de me retenir dans ces commentaires. J'ai été extrêmement clair dans le post et je veux que les idiots commentent moins. Je l'ai fait, commentez moins. Je n'ai pas honte du fait que je suis une personne normale et vivante. Enthousiaste, en colère, peu importe. Je ne veux pas jouer avec des idiots ou des gens impolis, je ne le ferai pas ! Ne réponds-tu pas ? Un homme est venu me voir, a écrit une sorte d'absurdité, c'est la même chose que de la merde sur mon territoire. Je continuerai à l'être.

Question:Êtes-vous offensé par les parodies? Selon vous, qui est votre meilleur imitateur ?
Réponse: Je ne sais pas du tout comment être offensé, être offensé est stupide. J'ai un peu grandi. Je peux être en colère, je peux être contrarié, mais il n'y a pas d'offense. Les parodies ne me dérangent pas.

La logique introvertie dans la huitième cellule du modèle A de Balzac lui donne une qualité telle que "l'oreille absolue pour la bêtise" et un sens inconscient de la justice. Un exemple de la présence de cette fonctionnalité dans Yevgeny Grishkovets peut être la réponse suivante :

Question: Quelle est votre position politique ? Avez-vous besoin d'un poste politique?
Réponse: J'ai une position civile, certaines de mes croyances et de mes sentiments. Bien que je comprenne que la justice n'existe pas, j'ai un certain sens de la justice, sociale et autre, mais pas politique.

Conclusion

Dans le texte de l'article, l'auteur ne cite qu'une partie des déclarations d'Evgeny Valerievich, sur la base desquelles des conclusions sur son sociotype sont tirées. Les fragments qui reproduisent une illustration d'une caractéristique particulière, ainsi que les parties du texte qui nécessitent trop de citations, ne sont pas inclus dans cet ouvrage.

Les personnes de ce type comprennent L. Parfenov, G. Gref, A. Pochinok, K. Orbakaite, ainsi que tous personnage célèbreâne Bourriquet.