W historii sztuki rosyjskiej XVII wiek był okresem walki dwóch szkół malarskich i powstawania nowych gatunków. Sobór nadal miał ogromny wpływ na życie kulturalne osoba. Artyści również doświadczyli pewnych ograniczeń w swojej działalności.

malowanie ikon

W późnym średniowieczu centrum koncentracji artystów i rzemieślników w Rosji był Kreml, a raczej Komory zbrojowni. Pracowali tam najlepsi mistrzowie architektura, malarstwo i inne rodzaje twórczości.

Pomimo szybkiego rozwoju sztuki w całej Europie malarstwo w Rosji w XVII wieku miało tylko jeden gatunek - malowanie ikon. Artyści zostali zmuszeni do tworzenia pod czujnym nadzorem kościoła, który zdecydowanie sprzeciwiał się jakimkolwiek innowacjom. Rosyjskie malarstwo ikonowe ukształtowało się pod wpływem tradycji malarskich Bizancjum i do tego czasu miało już wyraźnie ukształtowane kanony.

Malarstwo, podobnie jak kultura w Rosji w XVII wieku, było raczej samowystarczalne i rozwijało się bardzo powoli. Jednak jedno wydarzenie doprowadziło do całkowitej reformy gatunku malowania ikon. Podczas pożaru w 1547 roku w Moskwie spłonęło wiele starożytnych ikon. Trzeba było przywrócić utracone. A w trakcie główne zawada Doszło do sporu o naturę twarzy świętych. Zdania były podzielone, wyznawcy dawnych tradycji uważali, że obrazy powinny pozostać symboliczne. Podczas gdy artyści są bardziej nowoczesne widoki opowiadali się za urealnieniem świętych i męczenników.

Podziel się na dwie szkoły

W rezultacie malarstwo w Rosji w XVII wieku zostało podzielone na dwa obozy. Do pierwszej weszli przedstawiciele szkoły „Godunow” (w imieniu Borysa Godunowa). Starali się ożywić tradycje malowania ikon Andrieja Rublowa i innych średniowiecznych mistrzów.

Ci mistrzowie pracowali na zlecenie dworu królewskiego i reprezentowali oficjalną stronę sztuki. charakterystyczne cechy dla tej szkoły były kanoniczne twarze świętych, uproszczone wizerunki tłumu ludzi w postaci wielu głów, złote, czerwone i niebiesko-zielone odcienie. Jednocześnie można zauważyć próby artystów oddania materialności niektórych przedmiotów. Szkoła Godunowa jest najbardziej znana ze swoich malowideł ściennych w komnatach Kremla w Smoleńsku Katedra, Katedra Trójcy Świętej.

Przeciwną szkołą był „Stroganov”. Nazwa kojarzy się z kupcami Stroganowami, dla których wykonano większość zamówień i którzy działali jako „sponsorzy” w rozwoju malarstwa w Rosji w XVII wieku. To dzięki mistrzom z tej szkoły rozpoczął się szybki rozwój sztuki. Jako pierwsi wykonali miniaturowe ikony do domowych modlitw. Przyczyniło się to do ich rozprzestrzenienia się wśród zwykłych obywateli.

Mistrzowie Stroganowa coraz bardziej wykraczali poza kanony kościelne i zaczęli zwracać uwagę na szczegóły otoczenia, wyglądświęci. I tak krajobraz zaczął się powoli rozwijać. Ich ikony były kolorowe i dekoracyjne, a interpretacja postaci biblijnych była bliższa obrazom. prawdziwi ludzie. Najbardziej znane z zachowanych dzieł to ikony „Wojownik Nikita”, „Jan Chrzciciel”.

freski Jarosławia

Wyjątkowym zabytkiem w historii malarstwa XVII wieku w Rosji są freski w kościele proroka Eliasza w Jarosławiu, nad którymi pracowali artyści ze Zbrojowni. Cechą tych fresków są sceny z prawdziwe życie które przeważają historie biblijne. Na przykład w scenie z uzdrowieniem główną część kompozycji zajmuje wizerunek chłopów podczas żniw. Był to pierwszy monumentalny obraz w rodzimym gatunku.

Wśród tych fresków można znaleźć sceny baśniowe i mitologiczne. Uderzają swoim żywe kolory i złożona architektura.

Szymon Uszakow

Na każdym etapie rozwój kulturowy kraje ukazują swoje znaczące twarze. Osobą, która w XVII wieku promowała malarstwo w Rosji w nowym kierunku i przyczyniła się do jego częściowego wyzwolenia z ideologii religijnej, był Szymon Uszakow.

Był nie tylko malarzem dworskim, ale także naukowcem, nauczycielem, teologiem, człowiekiem o szerokich poglądach. Simon był zafascynowany sztuką zachodnią. W szczególności był zainteresowany realistyczny obraz ludzka twarz. Widać to wyraźnie w jego pracy „Zbawiciel nie stworzony rękami”.

Uszakow był innowatorem. Był pierwszym rosyjskim artystą, którego użył farba olejna. Dzięki niemu zaczęła się rozwijać sztuka grawerowania na miedzi. Będąc przez trzydzieści lat naczelnym artystą Zbrojowni, napisał wiele ikon, rycin, a także kilka traktatów. Wśród nich jest „Słowo do miłośnika malowania ikon”, w którym nakreślił swoje myśli, które artysta powinien, jak lustro, zgodnie z prawdą świat. Śledził to w swoich pismach i uczył tego swoich uczniów. W jego notatkach znajdują się odniesienia do atlasu anatomicznego, który chciał napisać i zilustrować rycinami. Ale najwyraźniej nie został opublikowany lub nie został zachowany. Główną zasługą mistrza jest to, że położył podwaliny pod portretowanie XVII wieku w Rosji.

Parsuna

Po znaczących przeobrażeniach w malarstwie ikon zaczął nabierać kształtów gatunek portretowy. Początkowo wykonywano ją w stylu malarstwa ikonowego i nazywano ją „parsuną” (z łac. osoba, osobowość). Artyści coraz częściej pracują z żywą naturą, a plebanie stają się coraz bardziej realistyczne, twarze na nich nabierają objętości.

W tym stylu namalowano portrety Borysa Godunowa, cara Aleksieja Michajłowicza, Fiodora Aleksiejewicza, carycy Jewdokii Łopuchiny, Praskovyi Sałtykowej.

Wiadomo, że na dworze pracowali także artyści zagraniczni. Wnieśli też wielki wkład w ewolucję malarstwa rosyjskiego.

grafika książkowa

Druk również dotarł na ziemie rosyjskie dość późno. Jednak równolegle z jej rozwojem, popularność zyskały również ryciny, które służyły jako ilustracje. Obrazy miały charakter zarówno religijny, jak i domowy. Miniatura książkowa z tego okresu wyróżnia się skomplikowaną ornamentyką, spotykane są także ozdobne litery, a także wizerunki portretowe. Mistrzowie szkoły Stroganowa wnieśli wielki wkład w rozwój miniatur książkowych.

Malarstwo w Rosji w XVII wieku przekształciło się z wysoce duchowego w bardziej świeckie i bliskie ludziom. Mimo sprzeciwu przywódców kościelnych artyści bronili swojego prawa do tworzenia w gatunku realizmu.

Zawartość
Wstęp

1.1. Rembrandt Harmensz van Rijn - największy Holenderski malarz XVII wiek
1.2. Rubens Peter Paul
1.3. Francuski malarz Nicolas Poussin
Rozdział II Rosyjscy artyści XVII wieku
2.1. Zubow Aleksiej Fiodorowicz (1682-1750)
2.2. Nikitin Iwan Nikiticz (1680-1742)
Wniosek
Bibliografia

Wstęp

Malarstwo XVII wieku rozwijało się pod wpływem stylu barokowego, który zdominował sztuka europejska do połowy XVIII wieku. Nowa filozofia świata, polegająca na zmianie sądów o jedności, różnorodności i nieskończoności świata, wywarła wielki wpływ na światopogląd ówczesnych artystów. Splendor i dynamika, intensywność uczuć i patosu, popisowość, realność i iluzoryczność, kontrasty i gra świateł wyróżnia malarstwo tego okresu.
Wiek XVII miał duże znaczenie dla kształtowania się kultur narodowych nowych czasów. W tym czasie zakończył się proces lokalizacji szkół artystycznych, których zróżnicowanie determinowały głównie warunki rozwoju historycznego i utrwalone tradycje w poszczególnych krajach. Rosyjscy artyści XVII wieku zajmowali się głównie malarstwem ikon. Hiszpańscy artyści XVII wieku powstawali pod ideologią zakonów, więc główne zamówienia na dzieła sztuki pochodziły ze sfery duchowej. Włoscy artyści XVII wieku uważnie studiowali różne nauki: nauki przyrodnicze, perspektywę, anatomię i inne. Sceny religijne przedstawiali na obrazach jako świeckie. W odcinkach nauczyli się przekazywać charakter i ujawniać głębokie uczucia osoby. Patrząc na „Ukrzyżowanie” napisane przez Andreę Mantegna. Holenderscy artyści XVII wieku wyróżniali się tym, że dominowały wśród nich niemal wszystkie rodzaje malarstwa. Ten zawód nie należał do rzadkości, wśród pierwszych artystów była poważna konkurencja. W Holandii obrazy artystów z XVII wieku zdobiły domy nie tylko zamożnych członków społeczeństwa, ale także zwykłych rzemieślników i chłopów.
Rozdział I Artyści zagraniczni XVII wieku
1.1 Rembrandt Harmensz van Rijn – największy holenderski artysta XVII wieku
Dzieło holenderskiego artysty Rembrandta Harmensa Van Rijna (1606-1669) jest jednym ze szczytów światowego malarstwa realistycznego. Rembrandt malował tematy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże. Był największym mistrzem rysunku i akwaforty w Europie. Jego twórczość charakteryzuje chęć: refleksja filozoficznażycie, uczciwość wobec siebie i ludzi, zainteresowanie światem duchowym człowieka. Moralna ocena wydarzeń i osoby to główny nerw sztuki mistrza. Artysta doskonale oddał duchowość modela i dramaturgię wydarzenia poprzez efekty światłocienia, kiedy przestrzeń wydaje się tonąć w cieniu, w złotym zmierzchu, a snopem światła uwydatnia się poszczególne postacie ludzi, ich twarze, gesty i ruchy. W tej metodzie malarskiej konstrukcji obrazu Rembrandt nie miał sobie równych (jedynie włoski Caravaggio może konkurować z nim w umiejętności posługiwania się światłocieniem). Jak to często bywa w historii sztuki, mimo genialnego talentu Rembrandt zmarł w biedzie i samotności, zapomniany, bezużyteczny mistrz. Ale jego twórczość żyje od wieków, więc bez przesady można powiedzieć, że Rembrandt jest jednym z najwybitniejszych artystów w historii sztuki światowej. Wielu nazwałoby go niezrównanym malarzem, nawet znacznie większym niż Raphael czy Leonardo. Wydawałoby się, że jego twórczość była skrępowana tradycjami i dogmatami holenderskiej sztuki protestanckiej, ponieważ nigdy nie podróżował poza Holandię. A jednak Rembrandt nie tylko zachwyca genialną techniką malarską, ale też swoją twórczością ujawnia objawienie: nikt jeszcze nie mówił tak głęboko, czule, ciekawie i przenikliwie o prostych ludzkich uczuciach. W swoich scenach historycznych i biblijnych, w portretach współczesnych sięga do głębi psychologicznej ekspresji. Jego mądrość, współczucie i wnikliwość są najprawdopodobniej wynikiem samowiedzy: wielokrotnie, jak nikt inny, malował autoportrety i utrwalał swoją drogę życiową, począwszy od młodości i sukcesu, a skończywszy na starości, który przyniósł smutki i trudy. W obecnie znanych jest ponad sto autoportretów Rembrandta, z których każdy jest niesamowitym arcydziełem. Dzięki szczęśliwym okolicznościom historycznym Rosja posiada obecnie jedną z najbogatszych kolekcji malarstwa Rembrandta. Prawie wszystkie z nich są przechowywane w Państwowym Muzeum Ermitażu w Petersburgu, w tym tak słynne arcydzieła jak „Powrót syna marnotrawnego”, „Danae”, „Portret Saskii jako Flory”, „Portret starca w czerwieni ”, „Dawid i Uria” itp. Więcej niż jedno pokolenie rosyjskich artystów studiowało na obrazach Rembrandta z Ermitażu. Jeśli nie masz możliwości odwiedzenia Państwowego Ermitażu, zapraszamy do naszej wirtualnej galerii malarstwa Rembrandta. Tutaj możesz zobaczyć prawie wszystkie słynne arcydzieła mistrza, z których wiele jest szczegółowo opisanych. Miłej podróży do urzekającego świata niesamowity artysta i osoba wrażliwa - Rembrandt.

1.2. Peter Paul Rubens

Peter Paul Rubens, 1577-1640 - Flamandzki malarz i dyplomata. Urodzony w Siegen w Westfalii 28 czerwca 1577 r. w rodzinie Jana Rubensa, prawnika z Antwerpii. Kiedy Peter Paul Rubens miał jedenaście lat, zmarł jego ojciec, a matka przeprowadziła się z dziećmi do Antwerpii. Przyszły artysta kształcił się w szkole jezuickiej. Znajomość języków (mówił w sześciu językach) pozwoliła mu nie tylko opanować dziedzictwo kulturowe swojej epoki, ale także odnieść znaczące sukcesy na polu dyplomatycznym. Rubens studiował u trzech flamandzkich malarzy - Tobiasa Verhachta, Adama van Noorta i Otto van Vena. W 1598 został przyjęty do cechu św. Łukasz. W 1600 roku artysta przybył do Włoch; studiował tam architekturę i rzeźbę antyczną, malarstwo włoskie, a także malował portrety (głównie w Genui) i ołtarze (w Rzymie i Mantui). W 1603 włoski patron Rubensa Vicenzo Gonzaga wysłał go do Hiszpanii w ramach misji dyplomatycznej. W 1608 Rubens został nadwornym malarzem Izabeli Austriackiej, osiadł w Antwerpii, aw 1609 poślubił arystokratkę Izabelę Brant. Z tego małżeństwa urodziło się troje dzieci. Aby sprostać rosnącemu zapotrzebowaniu na swoje obrazy, Rubens w ciągu kilku lat stworzył duży warsztat, w którym pracowali A. van Dyck, Jacob Jordaens i F. Snyders. Wykonywał szkice, które jego uczniowie i asystenci przenieśli na płótno, a następnie pod koniec pracy nieznacznie poprawiał obrazy. Zorganizował nawet szkołę grawerowania, aby jeszcze szerzej rozpowszechniać swoją pracę. Obrazy Rubensa z tamtych lat są pełne namiętnej dynamiki. Wśród wątków, scen myśliwskich, bitew, żywych i dramatycznych epizodów ewangelicznych oraz scen z życia świętych dominują kompozycje alegoryczne i mitologiczne; w nich Rubens lubił pisać energiczne, potężne ciała, które tak bardzo lubili jego rówieśnicy. Oprócz zamówień od lokalnych kościołów i antwerpskich arystokratów artysta otrzymywał zamówienia z zagranicy, głównie z Anglii. Duży warsztat, którego budynek zaprojektował w stylu genueńskiego palazzo (odrestaurowany w latach 1937-1946), wkrótce stał się centrum społecznym i wizytówką Antwerpii. W latach 20. XVII wieku Rubens pracował dla francuskiego domu królewskiego. Napisał dla Marii de Medici cykl alegorycznych plansz ze scenami z jej życia i wykonał tekturowe gobeliny na zamówienie Ludwika XIII, a także rozpoczął cykl kompozycji z epizodami z życia króla Francji Henryka IV Nawarry, które pozostały niedokończone. Od początku lat 20. XVII w. Rubens działał w dyplomacji. W latach 1628 i 1630 Rubens udał się na misje dyplomatyczne do Madrytu i Londynu i uczestniczył w zawarciu traktatu pokojowego między Hiszpanią, Anglią i Holandią. Po powrocie do Antwerpii Rubens został przyjęty z wielkimi honorami; król hiszpański nadał mu tytuł doradcy państwowego, a król angielski – szlachtę osobistą. Rubens wkrótce poślubił szesnastoletnią Elenę Fourman; mieli pięcioro dzieci. W ciągu tych lat zmienił się styl Rubensa – kompozycje budowane są w swobodnym i płynnym rytmie, charakterystycznym dla wczesny okres kreatywność, sztywna rzeźbiarska interpretacja form zostaje zastąpiona lżejszym i zwiewnym modelowaniem kolorystycznym. Widać w nich wpływ dzieł Tycjana, które Rubens kopiował podczas pobytu w Madrycie. Pomimo tego, że spędził dużo czasu pracując nad dużymi kompozycjami i konstrukcjami dekoracyjnymi (malowanie sufitu w sali bankietowej w Whitehall Palace w Londynie; łuki triumfalne na cześć wjazdu Infante Ferdynanda do Antwerpii; dekoracja Torre de la zamek myśliwski Parada), Rubensowi udało się napisać także bardziej kameralne, liryczne utwory. Wśród nich jest portret „Heleny Fourman Fur Coat” (ok. 1638-1640, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum), „Kermessa” (ok. 1635-1636, Luwr), a zwłaszcza kilka promiennych, jasno oświetlonych krajobrazów powstałych w ostatnich pięciu latach lata życia w wiejskiej posiadłości niedaleko Mechlina. Rubens zmarł 30 maja 1640 r.
W swoich pracach Rubensowi udało się osiągnąć to, do czego dążyły trzy poprzednie pokolenia artystów flamandzkich: połączenie flamandzkiego realizmu z klasyczną tradycją wskrzeszoną przez włoski renesans. Artysta obdarzony był wielką energią twórczą i niewyczerpaną wyobraźnią; czerpiąc inspiracje z różnych źródeł, stworzył własny, niepowtarzalny styl. Wykonane przez niego obrazy ołtarzowe cechuje zmysłowość i emocjonalność; dekorując zamki arystokracji epoki rodzącego się absolutyzmu, przyczynił się do upowszechnienia stylu barokowego – artystycznego języka nie tylko kontrreformacji, ale także kultura świecka tym razem.

1.3. Francuski malarz Nicolas Poussin
Urodzony w 1594 w Les Andelys w Normandii. Pierwszym nauczycielem Poussina był Quentin Varin z Amiens, który mieszkał w Les Andelys w latach 1611-1612. W 1612 r. Poussin przybył do Paryża, gdzie Alexandre Cutois, kamerdyner króla, dał młodemu artyście możliwość zwiedzenia królewskiej kolekcji obrazów; tam po raz pierwszy zobaczył prace Rafaela i mistrzów jego szkoły. W Paryżu Poussin poznał poetę Giovanniego Battistę Marino, dla którego następnie zrealizował wspaniałą serię rysunków opartych na tematach Owidiusza, Wergiliusza i Tytusa Liwiusza, przechowywaną obecnie w zamku Windsor.
Wiosną 1624 artysta przybył do Rzymu i zamieszkał tam do końca życia. W 1640 roku, kiedy sława Poussina dotarła wreszcie do jego ojczyzny, otrzymał zaproszenie od Ludwika XIII i zmuszony był na jakiś czas wrócić do Paryża. W Paryżu Poussin stworzył takie dzieła jak Eucharystia, Cud św. Francis Xavier (oba w Luwrze) i Czas ratuje prawdę przed zawiścią i niezgodą (Lily, Muzeum Sztuk Pięknych). Ten ostatni został zamówiony przez kardynała Richelieu i miał ozdobić sufit. Wiadomo, że życie na dworze królewskim mocno ciążyło Poussinowi, który w 1642 powrócił do Rzymu.
Głównymi źródłami malarstwa Poussina są dzieła starożytności klasycznej i włoskiego renesansu. Liczne rysunki świadczą o jego dużym zainteresowaniu zabytkami starożytnego Rzymu. Posiada wiele szkiców antycznych płaskorzeźb, posągów i sarkofagów. Jednak klasyczne motywy, tak liczne w twórczości Poussina, są prawie zawsze przez niego zmieniane i przerabiane zgodnie z własnymi artystycznymi celami. Z dzieł mistrzów włoski renesans najsilniejszy wpływ na artystę wywarło malarstwo Rafaela i Tycjana. W późniejszych pracach Apolla i Daphne (ok. 1664) oraz serii czterech obrazów Pory roku (1660–1664, wszystkie w Luwrze) Poussin sięga po motywy liryczne; prace te są bogatsze w kompozycję i doskonalsze w technice niż czysto romantyczne płótna z wczesnego okresu. Seria Pory roku ze scenami biblijnymi Raj (wiosna), Ruth (lato), Exodus (jesień) i Powódź (zima) to jeden z najlepszych pejzaży Poussin.
Poussin tworzy dzieła, które antycypują surowe obywatelstwo późnego klasycyzmu („Śmierć Germanika”, ok. 1628, Institute of Arts, Minneapolis), płótna barokowe („Męczeństwo nad Erazmem”, ok. 1628-1629, Pinakoteka Watykańska), obrazy oświeceniowo-poetyckie o tematyce mitologicznej i literackiej, naznaczonej szczególną aktywnością systemu kolorów, bliską tradycjom szkoły weneckiej. („Śpiąca Wenus”, Galeria Sztuki, Drezno; „Narcyz i echo”, Luwr, Paryż; „Rinaldo i Armida”, Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkin, Moskwa; wszystkie trzy - około 1625-1627; "Królestwo Flory", ok. 1631-1632, Galeria Sztuki, Drezno; „Tankred i Erminia”). Klasyczne zasady Poussina wyraźniej ujawniają się na płótnach drugiej połowy lat 30. XX wieku. („Gwałt Sabinek”, wersja II, ok. 1635; „Israel Gathering Manna”, ok. 1637-1639; obie w Luwrze, Paryż). Pogoń za rytmem kompozycyjnym panującym w tych utworach odbierana jest jako bezpośrednie odzwierciedlenie zasady rozumu, która łagodzi podstawowe popędy i nadaje wielkość szlachetnym czynom człowieka. W latach 1640-1642 Nicolas Poussin pracował w Paryżu na dworze Ludwika XIII („Czas ratuje Prawdę przed zakusami zawiści i niezgody”, ok. 1641-1642, Muzeum Sztuki w Lille). Intrygi nadwornych artystów, którym przewodził S. Vue, skłaniają Poussina do powrotu do Rzymu.

Rozdział II Rosyjscy artyści XVII wieku
2.1. Zubow Aleksiej Fiodorowicz
Początkowo był malarzem w Zbrojowni, od 1699 uczył się u Adriana Schchonebeka „robienia herbów” (na papier znaczkowy). Aby udowodnić swoją znajomość rytu, już w 1701 r. Zubow przekazał do Zbrojowni kopię holenderskiej Biblii z 1674 r., podpisaną: „Z fresku Zejście Ducha Świętego”.
Zubov wkrótce stał się wykwalifikowanym grawerem i grawerował wiele dużych arkuszy, w których osiągnął wysoką technologię. Olbrzymi widok Petersburga, wyryty przez niego na 8 planszach, w parze widok Moskwy, wyryty przez Jana Bliklandta, to najlepsze dzieło Zubowa. Posiada również obrazy z bitew morskich („Bitwa pod Grengam”, 1721), uroczystości z okazji zwycięstw („Uroczysty wjazd wojsk rosyjskich do Moskwy po zwycięstwie pod Połtawą”, 1711) i innych ważnych wydarzeń tamtych czasów. Zubov uzupełnił przednią część takich obrazów dokładnie oddanymi szczegółami życia. Tworzył ryciny, korzystając z rysunków i projektów architektów, na przykład M.G. Zemtsova. Dokumentalny charakter kompozycji połączono z dekoracyjnością rytowanej blachy i wizerunkiem domniemanych budowli. Widoki miasta artysta przedstawił „z lotu ptaka”, co przyczyniło się do odczucia skali wspaniałych scen – panoram brzegów Newy.
Od 1714 Zubow pracował w Petersburgu. Był starszym mistrzem w drukarni petersburskiej. Po śmierci Piotra I, za panowania Katarzyny I, Zubow wykonuje portret cesarzowej (1726, z oryginału autorstwa I. Adolskiego), graweruje wraz z P. Pikartem portret konny Piotra (1726), na zlecenie AD Mienszykowa portrety jego żony i córek „najbardziej pogodnego” księcia - D.M. i M. A. Mienszykowa (1726). Jesienią 1727 r. zamknięto petersburską drukarnię, w której Zubow przebywał od czasu przybycia do północnej stolicy. Po rezygnacji zmuszony był, podobnie jak jego brat, stać się mistrzem popularnych druków popularnych. Artysta próbował dostać pracę w Izbie Grawerskiej Akademii Nauk, ale nigdy nie dostał tam stałej pracy. Do 1730 wrócił do Moskwy.
W starej stolicy Zubow nadal bardzo intensywnie pracuje. W 1734 tworzy portrety Piotra I, Piotra II i Anny Ioannovny. Dużo pracuje na zamówienia kościołów i zamożnych obywateli. Ale rzeczy Zubova z tego czasu pokazują, jak cienka była warstwa nowa kultura jak silnie zależni rosyjscy artyści od środowiska, jak silne były tradycje epoki przed Piotrowej. Świadczy o tym słynny „Widok na klasztor Sołowiecki” - ogromny rycina wykonana przez Zubowa wraz z jego bratem Iwanem w 1744 roku. Jakby nie było widoków Petersburga, bitew, portretów. Jakby nie było samej epoki Piotrowej. Jakby nigdy nie opuścił moskiewskiego Zubowa i Zbrojowni. Ostatnie znane nam dzieła rytownika datowane są na 1745 r., a ostatnia wzmianka o nim to 1749 r. Mistrz zmarł w ubóstwie i zapomnieniu.
Ostatni sztychowany przez Zubowa arkusz zanotowano w 1741 roku. Jego najlepsze portrety w czarnym stylu: „Katarzyna I”, „Piotr I”, dwie księżniczki „Daria i Marya Mieńszykow” – są niezwykle rzadkie; dłuto - „Katarzyna I”, „Gołowin” i „Stefan Jaworski”. Rovinsky („Rosyjscy rytownicy”, M. 1870) podaje listę 110 tablic Zubowa. Niektóre płyty przetrwały do ​​dziś i są nawet w stanie dawać nadal dobre wydruki.

2.2. Nikitin Iwan Nikiticz
Urodzony w Moskwie syn księdza Nikity Nikitina, który służył w Izmailowie, brat księdza Irodiona Nikitina, późniejszego arcykapłana katedry Archanioła na Kremlu i malarza Romana Nikitina.
Studiował w Moskwie, podobno w Zbrojowni, prawdopodobnie pod kierunkiem Holendra Szchonebeka w warsztacie grawerskim. W 1711 został przeniesiony do Petersburga, studiował u Johanna Tannauera, niemieckiego artysty, który jako jeden z pierwszych przyjął zaproszenie Piotra Wielkiego do przeprowadzki do Petersburga, aby uczyć malarstwa perspektywicznego artystów rosyjskich. Szybko zdobywa autorytet na dworze. W latach 1716-1720 na emeryturze państwowej, wraz z bratem Romanem, został wysłany wśród dwudziestu osób na studia do Włoch, Wenecji i Florencji. Studiował u takich mistrzów jak Tommaso Redi i J.G. Dangauer. Po powrocie zostaje malarzem dworskim. Tak więc Nikitin jest właścicielem portretu umierającego Piotra Wielkiego. W 1732 r. wraz ze swoim bratem Romanem, również artystą, został aresztowany w związku z dystrybucją zniesławień przeciwko Feofanowi Prokopowiczowi. Po pięciu latach tymczasowego aresztowania w Twierdza Piotra i Pawła został pobity pejczami i zesłany na całe życie do Tobolska. W 1741 roku, po śmierci Anny Ioannovny, otrzymał zgodę na powrót do Petersburga. Wyjechał w 1742 roku i zmarł w drodze.
Istnieją tylko trzy sygnowane prace Nikitina, razem z przypisywanymi mu tylko około dziesięciu. Wczesna praca nadal zawierają ślady parsuny, która była jedynym stylem portretowym w Rosji w XVII wieku. Nikitin jest jednym z pierwszych (często określanych jako pierwszy) rosyjskich artystów, którzy odeszli od tradycyjnego stylu malowania ikon w malarstwie rosyjskim i zaczęli malować perspektywicznie, tak jak to robili w tym czasie w Europie. Jest więc założycielem tradycji rosyjskiej
itp.................

Korzystanie z dorobku renesansu jako gotowy system artystyczny (perspektywa liniowa i powietrzna, światłocienie, zbliżona barwa tonalna, studium natury). Głęboki rozwój poszczególnych elementów konstrukcyjnych systemu w trosce o wyrazistość. Test wytrzymałości systemu. Rozwój indywidualnych manier twórczych. Szkoły wielkich mistrzów(studenci, naśladowcy). Studiowanie dzieł mistrza, pomników sztuki, rozumienie zasad sztuki mistrza, kopiowanie jego dzieł, tworzenie własnych dzieł na sposób mistrza, formowanie własnej maniery sięgającej maniery nauczyciela. Edukacja artystyczna uzyskuje autonomię od strony rzemieślniczej. technika malowania: ciemne podłoże, pastowata podmalówka - modelowanie jasnym i cieniowanym formy, przepisywanie - rozwiązanie kolorystyczne, uszczegółowienie form, glazurowanie - nakładanie cienkich przezroczystych warstw farby w celu zniuansowania koloru, nadania obrazowi ogólnego tonu. Malarstwo na płótnie (wcześniej dominowało drewno).

Malarze: Caravaggio (Włochy) - zainteresowanie przedstawianiem natury, instalacja na temat prawdy w sztuce, kompozycje figur "martwa natura". Opiekunowie ludowi, unikający idealizacji obrazów, przyziemnej interpretacji tematów mitologicznych i chrześcijańskich, akcentowanie światłem i cieniem, modelowanie brył (rzeźba), neutralność ciemne tła, ścisła kolorystyka, lakonizm kompozycji, statyczny charakter, impastowe podmalowanie, gładkie pismo górnych warstw obrazu. Rembrandt (Holandia) – światłocieniowe modelowanie form, oddanie atmosfery, malowanie impastowe (otwarta kreska), ciepła barwa tonalna bogata w niuanse, emocjonalne niuanse stanów psychicznych w portretach, wizerunkach religijnych i mitologicznych, surowa przyroda, duchowe piękno brzydka osoba. Velasquez (Hiszpania) - surowa natura, kompozycje figur "martwa natura", Godność jednostki z zewnętrzną brzydotą, subtelne niuanse kolorystyczne bogate w odcienie, maniery malarskiej, złożone kompozycje przestrzenne (planowane). Rubens (Flandria) - styl barokowy, przepych form, materialna hojność świata, burzliwa dynamika, diagonalna konstrukcja kompozycji, swobodny styl malarski, bogactwo kolorystyczne, subtelne niuanse koloru. Poussin (Francja) - styl "klasycyzmu", wyrazistość, równowaga, spokój i harmonia kompozycji, klarowność konstrukcji przestrzennych, orientacja na estetykę antyku, idealizacja postaci, oddanie barwy lokalnej za pomocą opracowania światłocieniowego, balans plam barwnych . El Greco (Hiszpania) - wyjście poza renesansowy system artystyczny, subiektywne widzenie formy, zniekształcenie proporcji, anatomia, pionowo wydłużone postacie, spłaszczenie przestrzeni, unikanie obiektywnego światłocienia, świecenie światłem i kolorem, swobodny sposób malowania, wzmożona ekspresja duchowa.

14. Style w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.

Styl- podporządkowanie artystycznych środków sztuki jakiejkolwiek idei formacyjnej; charakteryzują się pewnymi zasadami kształtowania i określonym zestawem elementów (motywów). Przyczyny zmiany stylów: nieartystyczne - ekonomia, polityka, ideologia; intraartystyczny - logika rozwoju sztuki i percepcji artystycznej. W XVII wieku w Europie ukształtowały się style „baroku”, „klasycyzmu”. Ich wspólnym źródłem jest sztuka renesansu. Barokowy- bujny, luksusowy styl; ważenie mas, wzrost zmysłowości, materialność form, estetyka nadmiaru, dynamika kompozycji, napięcie. Kluczowym elementem jest zakrzywiona linia, organiczna forma. Przyczyny powstania: rozwój kapitalizmu, nowy zamożny konsument sztuki, katolicka zemsta w walce z reformacją, przesyt emocji widza, pragnienie kolejnych emocji od sztuki. Źródła stylu: twórczość Michała Anioła, Veronese, Tintoretto. Architekci: Bernini, Borromini (Włochy, XVII w.), Rastrelli (Rosja, XVIII w.). Rzeźbiarze: Bernini (Włochy, XVII w.), Szubin (Rosja, XVIII w.). Malarze: Rubens, van Dyck, Snyders (Flandria, XVII w.), Correggio (Włochy, XVII w.) Rokoko- Późny barok (XVIII w.) - wyrafinowanie form, dekoracyjność, elegancja. Kluczowym elementem jest umywalka. Malarstwo: Watteau, Fragonard (Francja), Hogarth (Anglia), Rokotov, Levitsky (Rosja).

Klasycyzm- wyrazistość, spokój, równowaga form, harmonia proporcji, miara, statyka, symetria, przywiązanie do estetyki antyku. Kluczowym elementem jest linia prosta, figura geometryczna, zamówienie. Przyczyny występowania: absolutyzm (Francja, Hiszpania), pragnienie normatywności widza, harmonia, poprawność w sztuce (konserwatyzm gustów). Źródła stylu: antyk, renesans (twórczość Bramantego, Palladia, Leonarda da Vinci, Rafaela). Architektura: zespoły Luwru, Wersal (Francja, XVII-XVIII w.), budynki architektów Bazhenowa, Kazakow (Rosja, koniec XVIII w.). Malarstwo: Poussin, Claude Lorrain (Francja, XVII w.), Losenko (Rosja, XVIII w.), Venetsianov, A. Ivanov (Rosja, XIX w.). Imperium– późny klasycyzm, uproszczenie, stereometria form, cytowanie archeologiczne antycznych inkluzji. Architektura: Zacharow, Beauvais (Rosja, I ćw. XIX w.). Klasycyzm o różnym znaczeniu przetrwał do dziś. Początek 20 wieku - neoklasycyzm, 30 - 50s. XX wiek - klasycyzm totalitarny (Niemcy, Rosja), dziś - jeden z nurtów postmodernizmu. Eklektyzm- kierunek artystyczny w sztuce europejskiej środka - druga połowa XIX wieku, polegający na naśladowaniu różnych stylów historycznych i narodowych (forokoko, neogotyk, styl pseudorosyjski...). Przykład: budynek Muzeum Historycznego w Moskwie (architekt Sherwood). Nowoczesny- styl z przełomu XIX i XX wieku, oparty na organicznej krzywoliniowej stylizacji form. Przykład: dwór Riabuszynskiego w Moskwie (architekt Szechtel).

Na przełomie XVI i XVII wieku dwa kierunki artystyczne: jeden związany jest ze sztuką Caravaggia, drugi - z twórczością braci Caracci. Działania tych mistrzów nie tylko w dużej mierze determinowały charakter Malarstwo włoskie. Ale miało to również wpływ na sztukę wszystkich Europejczyków szkoły artystyczne XVII wiek.

Istotą reformy Caravaggia było całkowicie bezwarunkowe uznanie estetycznej wartości rzeczywistości, którą starał się przedstawiać w swoim malarstwie. Eksperymenty Caravaggia wczesny etap kreatywność jest jednym ze źródeł rozwoju gospodarstwa domowego Malarstwo rodzajowe w sztuce XVII wieku, na przykład obraz „Wróżka”.

Caravaggio „Wróżka”

Jednak w malarstwie o tematyce tradycyjnej Caravaggio pozostaje wierny sobie - „przetłumaczył” Świętą Historię na język miejscowy. Sztuka Caravaggia dała początek całemu nurtowi - karawaggizmowi, który rozpowszechnił się nie tylko we Włoszech, ale także w Hiszpanii, Flandrii, Holandii i Francji.

Caravaggisowie nazywani są zarówno prawdziwymi wyznawcami, którzy pojmowali istotę reformy Caravaggia (Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine), jak i licznymi naśladowcami, którzy czerpią motywy i techniki z prac artysty.

We Włoszech w XVII wieku ekspresywnie rozwinięta forma baroku, z nieodłącznym poczuciem „naturalności”, zdawała się zacierać granicę między iluzją a rzeczywistością. Klasycyzm i realizm, charakterystyczne dla tamtej epoki tendencje, przeciwstawiano stylowi barokowemu lub innym jego składowym. Wielki malarz pejzaży Salvator Rosa, Alessandro Magnasco, Giovanni Serodine, Domenico Fetti - to nie jest pełna lista zwolenników Caravaggia.

Włoski malarz Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573-1610) jest największym mistrzem sztuki realistycznej XVII wieku. Staje się prawdziwym spadkobiercą renesansu, będąc buntownikiem w sztuce iw życiu śmiało łamie akademickie kanony. Na zdjęciu z jego wczesnego dzieła „Wróżka” opisuje kobietę w białej marynarce, która przepowiada swój los młodzieńcowi ubranemu w jedwabną halkę i kapeluszu ze strusim piórem.

Bohaterami artysty są zwykli ludzie, stara się ich ubrać w piękne stroje i upiększyć jak tylko się da. W obrazie Caravaggia „Wniebowzięcie Maryi” uwagę zwracają przede wszystkim zrozpaczeni i zgromadzeni wokół zmarłej Matki Bożej apostołowie. Dziewica leży w szkarłatnych szatach, ramiona ma bezwładnie opuszczone, oczy zamknięte, blady wygląd, podkreślony przez nałożony szkarłatny kolor, typowy dla dzieł Caravaggia.

Ci, którzy przyszli pożegnać się ze zmarłym, tłoczyli się w pokoju. Łyse głowy mężczyzn skłoniły się w żałobnym milczeniu, niektórzy z żalem ocierają łzę. Rozpaczająca dziewczyna siedzi na małym krześle. Złamana żalem ukryła głowę w dłoniach i rozpłakała się.

Najciekawszym ze wszystkich jest caravaggist Giovanni Serodine (1600-1630). Urodzony w północnych Włoszech, studiował w Rzymie i porwany przez karawagizm, młody człowiek się rozwinął własny styl malowanie obrazów.

W Kazaniu Chrystusa w świątyni ostre światło wydobywa wyrazistą paletę Serodiny, zdominowaną przez odcienie brązu i czerwieni. Dramatyczny efekt świetlny wyprzedza obrazy Rembrandta. Serodine maluje szybkimi, mocnymi pociągnięciami, nadając swoim obrazom dramatyczną intensywność, a kolor i światło dają organiczną jedność malarską.

Wraz z realistyczną sztuką stylu Caravaggio w XVII wieku pojawiło się również inne zjawisko artystyczne, takie jak akademizm boloński, który powstał w ścisłym związku z kształtowaniem się nowego stylu w architekturze i malarstwie – baroku. Udało się to artystom - braciom Agostino i Annibale Caracci oraz ich bratu Lodovico Caracci. Bracia starali się wykorzystać dziedzictwo renesansu, szczególnie utalentowany był Annibale Caracci. W rzeczywistości był wiodącą postacią w nowym nurcie. Annibale Caracci stworzył uroczystą sztuka monumentalna, stosowany zwłaszcza w malarstwie kościołów, pałaców i ołtarzy. Powstaje nowy typ malarstwa ołtarzowego, np. Madonna ukazująca się św. Łukaszowi.

Reprodukcja Annibale Caracci „Madonna ukazująca się św. Łukaszowi”.

Urodzony w Pizie toskański artysta Orazio Gentileschi (1565-1639), na zawsze zachował cechy kultury toskańskiej: upodobanie do wyszukanych draperii, wyrazistych form i zimnych kolorów. Był także naśladowcą Caravaggia, ale zwracał większą uwagę na idylliczne oddanie obrazów, jak np. w obrazie „Odpoczynek w locie do Egiptu”

Zdjęcie obrazu Orazia Gentileschiego „Odpoczynek w locie do Egiptu”

Poszukiwania gatunkowo realistyczne najdobitniej wyrażały się w twórczości artysty Domenico Fetti (1589-1623). Fetti oddał hołd zarówno realistycznemu karawagizmowi, jak i malarstwu barokowemu; w jego twórczości najbardziej widoczny jest wpływ weneckich malarzy Rubensa i pejzażysty Elsheimera. Sam Fetty okazał się znakomitym kolorystą, malując drobnymi wibracyjnymi pociągnięciami i ożywiając płótna niebiesko-zielonymi i brązowo-szarymi farbami. Ma tendencję do pisania bardziej gatunkowo-lirycznych obrazów, interpretując obrazy religijne, jak na przykład w obrazie „Przypowieść o utraconej drachmie”.

Reprodukcja obrazu Domenico Fettiego "Przypowieść o zaginionej drachmie".

Artysta w prosty i poetycki sposób opowiada o przypowieści o utraconej drachmie. W prawie pustym pokoju młoda kobieta w milczeniu skłoniła się w poszukiwaniu monety. Niewielka lampka umieszczona na podłodze oświetla sylwetkę i część pokoju, jednocześnie tworząc na podłodze i ścianie kapryśny oscylujący cień. Na styku światła i cienia rozświetlają się złote, białe i czerwone barwy obrazu. Obraz wydaje się być ocieplony delikatnym liryzmem.

Nazwisko Salvatore Rosa z Neapolu (1615-1673) często kojarzy się z wyobrażeniami o tzw. pejzażach romantycznych iw ogóle o charakterystycznym „romantycznym” kierunku w malarstwie XVII wieku.

Malownicza twórczość Salvatora Rosy jest bardzo nierówna i sprzeczna. Pracował w różnych gatunkach – historycznym, portretowym, bitewnym i pejzażowym, a także malował obrazy o tematyce religijnej. Wiele jego prac jest niejako zależnych od sztuki akademickiej. Inni świadczą o zamiłowaniu do karawagizmu. Taki jest na przykład obraz „Syn marnotrawny”, który przedstawia klęczącego młodego pasterza obok owcy i krowy. Brudne obcasy klęczącego syna marnotrawnego przedstawione bezpośrednio na obrazie pierwszoplanowy, bardzo przypominający techniki Caravaggia.

Zdjęcie obrazu Salvatora Rosy „Syn marnotrawny”

Romantyczny opis pejzażu i scen rodzajowych w twórczości Rose był niejako zaprzeczeniem oficjalnego barokowego malarstwa akademickiego.

Twórcza działalność braci Carracci przyciągała do nich młodych artystów w Bolonii i Rzymie, którzy kontynuowali idee Carracciego w monumentalno-dekoracyjnych i pejzaż. Spośród jego uczniów i współpracowników najsłynniejszymi są Guido Reni i Domenichino. W ich twórczości styl akademizmu bolońskiego osiąga ostateczną kanonizację.

Guido Reni (1575-1642) znany jest jako autor wielu dzieł religijnych i mitologicznych, umiejętnie wykonanych, ale nudnych i sentymentalnych. Nazwisko tego utalentowanego artysty stało się synonimem wszystkiego, co w malarstwie akademickim było nudne, martwe i fałszywe.

Zdjęcie obrazu Guido Reni "Aurora".

Ta piękna kompozycja, pełna lekkiego wdzięku i ruchu, namalowana w zimnej gamie srebrno-szarej, niebieskiej i złotej, dobrze charakteryzuje wyrafinowanie i umowność stylu Reni, który bardzo różni się od szorstkiej plastyczności i bogatej kolorystyki zmysłowego wizerunki braci Carracci.

Cechy elementów klasycyzmu najpełniej oddaje twórczość innego przedstawiciela akademizmu bolońskiego Tsampieri Domenico, czyli Domenichino (1581-1641). Jako uczeń Annibale Carracciego asystował mu w malowaniu galerii Farnese, Domenichino słynął ze słynnych cykli freskowych w Rzymie i Neapolu. Większość jego prac niewiele odstaje od twórczości innych artystów stylu akademickiego. Tylko te obrazy, w których pejzażom poświęca się więcej miejsca, nie są pozbawione poetyckiej świeżości, np. „Polowanie na Dianę”

Zdjęcie obrazu Domenichino „Polująca Diana”

Artysta przedstawił na zdjęciu rywalizację nimf w celności strzelania, opisaną w Eneidzie przez starożytnego rzymskiego poetę Wergiliusza. Jedna strzała miała trafić w drzewo, druga w wstążkę, a trzecia w szybującego ptaka. Diana zademonstrowała swoje umiejętności i nie kryje radości, potrząsając w powietrzu łukiem i kołczanem.

Włochy, odgrywające w okresie renesansu wiodącą rolę w malarstwie, architekturze i kulturze krajów Europy Zachodniej, pod koniec XVII wieku stopniowo ją tracą. Ale przez długi czas była rozpoznawana przez wszystkich jako wyznacznika artystycznych gustów i przez kilka stuleci do Włoch przybywały całe rzesze pielgrzymów ze sztuki, a na artystycznej arenie krajów europejskich powstawały potężne nowe szkoły.

Spinki do mankietów: