F.Lippe Madonna

Na początku XV wieku we Włoszech nastąpiły ogromne zmiany w życiu i kulturze. Od XII wieku mieszczanie, kupcy i rzemieślnicy Italii toczyli bohaterską walkę z zależnością feudalną. Rozwijając handel i produkcję, mieszczanie stopniowo bogacili się, odrzucili władzę panów feudalnych i organizowali wolne państwa-miasta. Te wolne włoskie miasta stały się bardzo potężne. Ich obywatele byli dumni ze swoich podbojów. Ogromne bogactwo niezależnych miast włoskich spowodowało ich rozkwit. Włoska burżuazja patrzyła na świat innymi oczami, mocno wierzyła w siebie, we własne siły. Obce im było pragnienie cierpienia, pokory, odrzucenia wszelkich ziemskich radości, które do tej pory im wmawiano. Wzrósł szacunek dla ziemskiego człowieka cieszącego się radościami życia. Ludzie zaczęli przyjmować aktywny stosunek do życia, chętnie poznawać świat, podziwiać jego piękno. W tym okresie rodzą się różne nauki, rozwija się sztuka.

We Włoszech zachowało się wiele zabytków sztuki starożytny Rzym dlatego epoka starożytna ponownie była czczona jako wzór, sztuka antyczna stała się przedmiotem podziwu. Naśladowanie starożytności dało powód do nazwania tego okresu w sztuce – renesansem, co po francusku oznacza „renesans”. Oczywiście nie było to ślepe, dokładne powtórzenie sztuki antycznej, była to już sztuka nowa, ale oparta na antycznych wzorach. Włoski renesans dzieli się na 3 etapy: VIII - XIV wiek - przedrenesans (Proto-renesans lub Trecento - z nim); XV wiek - wczesny renesans (Quattrocento); koniec XV - początek XVI w. - Wysoki renesans.

W całych Włoszech prowadzono wykopaliska archeologiczne w poszukiwaniu starożytnych zabytków. Nowo odkryte posągi, monety, naczynia, broń były pieczołowicie konserwowane i gromadzone w specjalnie do tego celu utworzonych muzeach. Artyści studiowali na tych próbkach starożytności, czerpali je z życia.

Lot do Egiptu (Giotto)

Trecento (przed renesansem)

Prawdziwy początek renesansu wiąże się z nazwą Giotta di Bondone(1266? - 1337). Uważany jest za twórcę malarstwa renesansowego. Florencki Giotto wniósł wielki wkład w historię sztuki. Był odnowicielem, przodkiem całego malarstwa europejskiego po średniowieczu. Giotto tchnął życie w sceny ewangelii, stworzył obrazy prawdziwych ludzi, uduchowionych, ale ziemskich.

Powrót Joachima do pasterzy (Giotto)

Giotto po raz pierwszy tworzy tomy za pomocą światłocienia. Lubi czyste, jasne kolory w chłodnych odcieniach: róże, perłowe szarości, blade fiolety i jasne bzy. Ludzie na freskach Giotta są krępi, z ciężkim bieżnikiem. Mają duże rysy twarzy, szerokie kości policzkowe, wąskie oczy. Jego człowiek jest miły, troskliwy, poważny.

Fresk Giotta w świątyni w Padwie

Spośród dzieł Giotta najlepiej zachowane są freski w świątyniach Padwy. Przedstawił tutaj historie ewangeliczne jako istniejące, ziemskie, rzeczywiste. Opowiada w tych utworach o problemach, które dotyczą człowieka w każdym czasie: o życzliwości i wzajemnym zrozumieniu, podstępie i zdradzie, o głębi, smutku, łagodności, pokorze i wiecznej wszechogarniającej matczynej miłości.

Fresk Giotta

Zamiast rozbieżnych pojedynczych postaci, jak w malarstwie średniowiecznym, Giotto zdołał stworzyć spójną historię, całą narrację o złożonym życiu wewnętrznym bohaterów. Zamiast konwencjonalnego złotego tła mozaiki bizantyjskie, Giotto wprowadza pejzaż w tle. I jeśli w malarstwie bizantyjskim postacie niejako unosiły się, wisiały w przestrzeni, to bohaterowie fresków Giotta znajdowali pod nogami solidny grunt. Poszukiwania Giotta przeniesienia przestrzeni, plastyczności figur, wyrazistości ruchu uczyniły jego sztukę całym etapem renesansu.

Fresk autorstwa S.Martiniego

Jednym ze słynnych mistrzów przedrenesansu jest Simone Martini (1284 - 1344).

W jego malarstwie zachowały się cechy północnego gotyku: postacie Martiniego są wydłużone i z reguły na złotym tle. Ale Martini tworzy obrazy za pomocą światłocienia, nadaje im naturalny ruch, stara się przekazać pewien stan psychiczny.

Fragment fresku. Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Quattrocento (wczesny renesans)

Starożytność odegrała ogromną rolę w kształtowaniu się świeckiej kultury wczesnego renesansu. We Florencji zostaje otwarta Akademia Platońska, biblioteka Laurenziana zawiera najbogatszy zbiór starożytnych rękopisów. Pierwszy muzea sztuki wypełnione posągami, fragmentami starożytnej architektury, marmurami, monetami, ceramiką.

W renesansie wyróżniały się główne ośrodki życia artystycznego Włoch - Florencja, Rzym, Wenecja. Jednym z największych ośrodków, kolebką nowej, realistycznej sztuki była Florencja. W XV wieku mieszkało, studiowało i pracowało tu wielu znanych mistrzów renesansu.

Katedra Santa Maria del Fiore (Katedra we Florencji)

Architektura wczesnego renesansu

Mieszkańcy Florencji odznaczali się wysoką kulturą artystyczną, aktywnie uczestniczyli w tworzeniu miejskich pomników, dyskutowali o możliwościach budowy pięknych budowli. Architekci porzucili wszystko, co przypominało gotyk. Pod wpływem starożytności budowle zwieńczone kopułą zaczęto uważać za najdoskonalsze. Wzorem był tu rzymski Panteon.

Florencja to jedno z najpiękniejszych miast na świecie, miasto-muzeum. Zachował swoją architekturę od starożytności prawie nienaruszoną, najbardziej piękne budynki powstały głównie w okresie renesansu. Ponad dachami z czerwonej cegły starożytnych budynków Florencji wznosi się ogromny budynek miejskiej katedry Santa Maria del Fiore, często nazywanej po prostu katedrą florencką. Jego wysokość sięga 107 metrów. Katedra wieńczy wspaniała kopuła, której harmonię podkreślają żebra z białego kamienia. Kopuła jest imponujących rozmiarów (jej średnica to 43 m), wieńczy całą panoramę miasta. Katedra jest widoczna z niemal każdej ulicy we Florencji, wyraźnie majacząc na tle nieba. Ta wspaniała budowla została zbudowana przez architekta Filippo Brunelleschiego (1377 - 1446).

Katedra św. Piotra (arch. Brunelleschi i Bramante)

Najwspanialszą i najsłynniejszą budowlą renesansową była kopuła Bazylika Świętego Piotra w Rzymie. Budowano go ponad 100 lat. Twórcami oryginalnego projektu byli architekci Bramante i Michał Anioł.

Renesansowe budowle zdobią kolumny, pilastry, głowy lwów i „putta” (nagie dzieci), gipsowe wieńce z kwiatów i owoców, liście i wiele detali, których próbki znaleziono w ruinach starożytnych budowli rzymskich. Łuk półkolisty znów stał się modny. Bogaci ludzie zaczęli budować coraz piękniejsze i wygodniejsze domy. Zamiast ciasno przylegających do siebie domów pojawiły się luksusowe pałace - palazzos.

David (sc.Donatello)

Rzeźba wczesnego renesansu

W XV wieku we Florencji stworzyli dwóch słynnych rzeźbiarzy – Donatello i Verrocchio. Donatello (1386? - 1466)- jeden z pierwszych rzeźbiarzy we Włoszech, który wykorzystał doświadczenia sztuki antycznej. Stworzył jedno z najwspanialszych dzieł wczesnego renesansu - posąg Dawida.

Według biblijnej legendy, prosty pasterz, młody człowiek Dawid pokonał olbrzyma Goliata, a tym samym uratował mieszkańców Judei przed zniewoleniem, a później został królem. Dawid był jednym z ulubionych obrazów renesansu. Rzeźbiarz przedstawia go nie jako pokornego świętego z Biblii, ale jako młodego bohatera, zwycięzcę, obrońcę rodzinnego miasta. W swojej rzeźbie Donatello opiewa człowieka jako ideał pięknej bohaterskiej osobowości, która powstała w renesansie. Dawid jest koronowany wieńcem laurowym zwycięzcy. Donatello nie bał się wprowadzić takiego detalu jak kapelusz pasterski – znak jego prostego pochodzenia. W średniowieczu kościół zabraniał przedstawiania nagiego ciała, uważając je za naczynie zła. Donatello był pierwszym mistrzem, który odważnie złamał ten zakaz. Twierdzi przez to, że ludzkie ciało jest piękne. Posąg Dawida jest pierwszą okrągłą rzeźbą z tamtej epoki.

Pomnik dowódcy Gattamelata (sc. Donatello)

Znana jest również inna piękna rzeźba Donatello - posąg wojownika, dowódcy Gattamelaty. Był to pierwszy pomnik konny renesansu. Stworzony 500 lat temu pomnik ten do dziś stoi na wysokim cokole, zdobiąc plac w Padwie. Po raz pierwszy w rzeźbie uwieczniono nie boga, nie świętego, szlachetnego i bogatego człowieka, ale szlachetnego, walecznego i groźnego wojownika o wielkiej duszy, który zasłużył sobie na sławę wielkimi czynami. Ubrany w antyczną zbroję Gattemelata (to jego przezwisko oznaczające „cętkowany kot”) siedzi na potężnym koniu w spokojnej, majestatycznej pozie. Rysy twarzy wojownika podkreślają zdecydowany, stanowczy charakter.

Pomnik konny kondotiera Colleoniego (Verocchio)

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Najsłynniejszy uczeń Donatella, twórca słynnego pomnika konnego kondotiera Colleoniego, który stanął w Wenecji na placu przy kościele San Giovanni. Najważniejszą rzeczą, która uderza w pomniku, jest wspólny energiczny ruch konia i jeźdźca. Koń niejako pędzi poza marmurowy cokół, na którym wzniesiony jest pomnik.

Colleoni, stojąc w strzemionach, przeciągnął się, wysoko unosząc głowę, spogląda w dal. Na jego twarzy zamarł grymas gniewu i napięcia. W jego postawie czuć ogromną wolę, twarz przypomina drapieżnego ptaka. Obraz jest wypełniony niezniszczalną siłą, energią, surowym autorytetem.

Fresk Masaccia

Malarstwo wczesnego renesansu

Renesans zaktualizował także sztukę malarstwa. Malarze nauczyli się poprawnie oddawać przestrzeń, światło i cień, naturalne pozy, różne ludzkie uczucia. To właśnie wczesny renesans był czasem akumulacji tej wiedzy i umiejętności. Obrazy z tamtych czasów są nasycone światłem i humorem. Tło jest często malowane w jasnych kolorach, podczas gdy budynki i naturalne motywy są obrysowane ostrymi liniami, dominują czyste kolory. Z naiwną pieczołowitością oddano wszystkie szczegóły wydarzenia, postacie są najczęściej ustawione w szeregu i oddzielone od tła wyraźnymi konturami.

Malarstwo wczesnego renesansu dążyło jedynie do perfekcji, jednak dzięki swojej szczerości porusza duszę widza.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, znany jako Masaccio (1401 - 1428)

Uważany jest za następcę Giotta i pierwszego mistrza malarstwa wczesnego renesansu. Masaccio żył zaledwie 28 lat, ale w tak krótkim życiu pozostawił w sztuce ślad trudny do przecenienia. Udało mu się dokończyć rewolucyjne przemiany w malarstwie zapoczątkowane przez Giotta. Jego malarstwo wyróżnia się ciemnym i głębokim kolorem. Ludzie na freskach Masaccio są znacznie gęstsi i potężniejsi niż na obrazach z epoki gotyku.

Fresk Masaccia

Masaccio jako pierwszy poprawnie ułożył obiekty w przestrzeni, uwzględniając perspektywę; zaczął przedstawiać ludzi zgodnie z prawami anatomii.

Umiał połączyć figury i pejzaż w jedną akcję, oddać życie natury i ludzi w dramatyczny, a zarazem całkiem naturalny sposób - i to jest wielka zasługa malarza.

Pokłon Trzech Króli (Masaccio)

Madonna z Dzieciątkiem i czterema aniołami (Masaccio)

Jest to jedno z nielicznych sztalugowych dzieł sztalugowych zamówionych przez Masaccia w 1426 roku do kaplicy w kościele Santa Maria del Carmine w Pizie.

Madonna zasiada na tronie zbudowanym ściśle według praw perspektywy Giotta. Jej postać jest napisana pewnymi i wyraźnymi pociągnięciami, co stwarza wrażenie rzeźbiarskiej objętości. Jej twarz jest spokojna i smutna, jej obojętne spojrzenie nie jest skierowane donikąd. Otulona ciemnoniebieskim płaszczem Matka Boska trzyma w ramionach Dzieciątko, którego złocista postać ostro odcina się od ciemnego tła. Głębokie fałdy płaszcza pozwalają artystce bawić się światłocieniem, co również tworzy specjalny efekt wizualny. Dziecko je czarne winogrona - symbol komunii. Nienagannie narysowane anioły (artysta doskonale znał ludzką anatomię) otaczające Madonnę nadają obrazowi dodatkowego emocjonalnego wydźwięku.

Masaccio Fresk z biblioteki katedry w Sienie, poświęcony biografii humanisty i poety Enei Silvio Piccolomini (1405-1464)

Tutaj przedstawiony jest uroczysty wyjazd kardynała Kapranika do katedry w Bazylei, który trwał prawie 18 lat, od 1431 do 1449 roku, najpierw w Bazylei, a następnie w Lozannie. Młody Piccolomini był także w orszaku kardynała.

W eleganckiej ramie półkolistego łuku przedstawiona jest grupa jeźdźców w towarzystwie paziów i służby. Wydarzenie nie jest tak realne i wiarygodne, ale rycersko wyrafinowane, wręcz fantastyczne.

Na pierwszym planie piękny jeździec na białym koniu, w luksusowym stroju i kapeluszu, odwracając głowę, patrzy na widza - to Eneasz Sylwio. Z przyjemnością artysta pisze bogate stroje, piękne konie w aksamitnych kocach. Wydłużone proporcje postaci, lekko manieryczne ruchy, lekkie przechylenia głowy bliskie są dworskiemu ideałowi.

Życie papieża Piusa II było pełne jasnych wydarzeń, a Pinturicchio opowiadał o spotkaniach papieża z królem Szkocji, z cesarzem Fryderykiem III.

Święci Hieronim i Jan Chrzciciel (Masaccio)

Jedyna szarfa namalowana przez Masaccio do tryptyku dwustronnego. Po przedwczesnej śmierci malarza resztę dzieła, zamówionego przez papieża Marcina V dla kościoła Santa Maria w Rzymie, wykonał artysta Masolino.

Przedstawia dwie surowe, monumentalnie wykonane postacie świętych ubranych na czerwono. Hieronim trzyma otwartą księgę i makietę bazyliki, u jego stóp leży lew. Jan Chrzciciel jest przedstawiony w swojej zwykłej postaci: jest bosy i trzyma krzyż w dłoni. Obie figury imponują anatomiczną precyzją i niemal rzeźbiarskim poczuciem objętości.

Portret chłopca (1480) (Pinturicchio)

Zainteresowanie człowiekiem, zachwyt nad jego pięknem były w renesansie tak wielkie, że doprowadziły do ​​powstania nowy gatunek w malarstwie – gatunek portretowy.

Pinturicchio (wariant Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Pochodzi z Perugii we Włoszech. Przez pewien czas malował miniatury, pomagał Pietro Perugino dekorować freskami Kaplicę Sykstyńską w Rzymie. Zdobywał doświadczenie w najbardziej skomplikowanych formach dekoracyjnego i monumentalnego malarstwa ściennego. Kilka lat później Pinturicchio został niezależnym muralistą. Pracował nad freskami w apartamentach Borgiów w Watykanie. Malowidła ścienne wykonał w bibliotece katedry w Sienie.

Artysta nie tylko przekazuje podobieństwo portretowe, ale stara się ujawnić wewnętrzny stan osoby. Przed nami nastolatek, ubrany w surowy różowy miejski strój, z małą niebieską czapeczką na głowie. Brązowe włosy opadają na ramiona, okalając delikatną twarz, uważne spojrzenie brązowych oczu jest zamyślone, trochę zaniepokojone.

Za chłopcem rozciąga się krajobraz Umbrii z cienkimi drzewami, srebrzystą rzeką i różowym niebem na horyzoncie. Wiosenna czułość natury, będąca echem charakteru bohatera, harmonizuje z poezją i wdziękiem bohatera.

Wizerunek chłopca jest przedstawiony na pierwszym planie, duży i zajmuje prawie całą płaszczyznę obrazu, a pejzaż jest namalowany w tle i bardzo mały.

Stwarza to wrażenie znaczenia osoby, jej dominacji nad otaczającą przyrodę, twierdzi, że człowiek jest najpiękniejszym stworzeniem na ziemi.

Madonna z Dzieciątkiem i dwoma aniołami (F. Lippi)

Filippo Lippi (1406 - 1469)

O życiu Lippiego krążyły legendy. Sam był mnichem, ale opuścił klasztor, został wędrownym artystą, porwał zakonnicę z klasztoru i zmarł otruty przez krewnych młodej kobiety, w której zakochał się w podeszłym wieku. Malował obrazy Madonny z Dzieciątkiem, przepełnione żywymi ludzkimi uczuciami i przeżyciami. W swoich obrazach przedstawiał wiele szczegółów: przedmioty gospodarstwa domowego, otoczenie, więc jego tematy religijne były podobne do obrazów świeckich.

Zwiastowanie (1443) (F. Lippi)

Koronacja Marii (1441-1447) (F. Lippi)

Portret Giovanny Tornabuoni (1488) (Ghirlandaio)

Malował nie tylko tematy religijne, ale także sceny z życia florenckiej szlachty, jej bogactwa i przepychu, portrety szlachty.

Przed nami żona bogatego Florentyńczyka, przyjaciela artysty. W tej niezbyt pięknej, luksusowo ubranej młodej kobiecie artysta wyraził spokój, chwilę bezruchu i ciszy. Wyraz twarzy kobiety jest zimny, obojętny na wszystko, wydaje się, że przewiduje rychłą śmierć: wkrótce po namalowaniu portretu umrze. Kobieta ukazana jest z profilu, co jest charakterystyczne dla wielu ówczesnych portretów.

Chrzest (1458-1460) (P. della Francesca)

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Jedno z najważniejszych nazwisk w malarstwo włoskie XV wiek. Dokonał licznych przeobrażeń w metodach konstruowania perspektywy przestrzeni malowniczej.

Obraz został namalowany na desce topolowej temperą jajeczną - oczywiście do tego czasu artysta nie opanował jeszcze tajników malarstwa olejnego, w technice której miały powstać jego późniejsze prace.

Artysta uchwycił objawienie się tajemnicy Trójcy Świętej w momencie chrztu Chrystusa. Biała gołębica rozpościerająca skrzydła nad głową Chrystusa symbolizuje zstąpienie Ducha Świętego na Zbawiciela. Postacie Chrystusa, Jana Chrzciciela i stojących obok nich aniołów utrzymane są w powściągliwej kolorystyce.

Fresk autorstwa Della Francesca

Jego freski są uroczyste, wzniosłe i majestatyczne. Francesca wierzyła w wysokie przeznaczenie człowieka, aw jego dziełach ludzie zawsze dokonują cudownych rzeczy. Używał subtelnych, delikatnych przejść kolorystycznych. Francesca jako pierwsza malowała w plenerze (w powietrzu).

Martwy Chrystus (Mantegna)

Andrea Mantegna (1431 - 1506)

Wybitny artysta z Padwy. Podziwiał surową wielkość dzieł starożytnych artystów. Jego obrazy przypominają greckie rzeźby - surowe i piękne. W swoich freskach Mantegna wyśpiewywał bohaterską osobowość. Natura na jego obrazach jest opuszczona i niegościnna.

Mantegna. Madonna z Dzieciątkiem z Janem Chrzcicielem i Marią Magdaleną (1500)

Madonna siedzi na szkarłatnym krześle pod baldachimem i trzyma w ramionach nagie Dzieciątko Jezus. W przebraniu Matki Boskiej nie ma nic królewskiego, jest to raczej obraz młodej wieśniaczki. Nagie ciało Dzieciątka wydaje się zaskakująco żywe. Po bokach Madonny stoją Jan Chrzciciel i Maria Magdalena. W rękach Magdaleny znajduje się naczynie z kadzidłem do namaszczenia, krzyż w rękach Jana owinięty jest wokół wstęgi z tekstem o baranku, zadośćuczynieniu za grzechy świata. Postacie są narysowane w zwykły sposób dla artysty i wydają się być wyrzeźbione z kamienia, każda fałda jest ostro zarysowana na ich ubraniach. Tłem jest obraz ogrodu z ciemnymi liśćmi. W tonie ta zieleń kontrastuje z jasnozielonym, jasnym niebem. Praca wywołuje uczucie głębokiego smutku i pewnej zagłady.

Parnas (Mantegna)

Modlitwa o Puchar (Mantegna)

Ten mały obraz przedstawia moment, w którym po Ostatniej Wieczerzy Jezus udaje się wraz ze św. Piotrem i dwoma synami Zebedeusza do ogrodu Getsemane, gdzie zostawia towarzyszących mu apostołów i odchodzi, aby się modlić, zwracając się do Boga Ojca: „ Mój Ojcze! to”.

Centrum kompozycyjne obrazu stanowi klęcząca postać Chrystusa w modlitewnej pozie. Jego oczy są zwrócone ku niebu, gdzie na chmurze widoczna jest grupa aniołów. U podnóża góry śpią apostołowie towarzyszący Chrystusowi.

Na drodze prowadzącej do ogrodu, trafnie ilustrującej słowa Ewangelii: „Oto zbliżył się zdrajca mnie”, widoczna jest grupa strażników, na czele z Judaszem.

Na obrazie jest wiele symboliki: suche drzewo z sępem zwiastuje śmierć, a gałąź z zielonym pędem wskazuje na rychłe zmartwychwstanie; pokorne króliki siedzące na drodze, którą przejdzie oddział rzymskich żołnierzy, by pojmać Chrystusa, mówią o łagodności człowieka w obliczu rychłej śmierci. Trzy pniaki pozostałe po świeżo ściętych drzewach przypominają o zbliżającym się ukrzyżowaniu.

Święta rozmowa (Bellini)

Giovanni Bellini (1427/1430 - 1516)

Bracia Bellini jasno pokazali się we wczesnym renesansie. Szczególnie znany jest Giovanni Bellini, którego często nazywano Gianbellino. Dorastał w rodzinie wielkiego weneckiego malarza. Wraz z bratem od młodości pomagał ojcu w realizacji zleceń artystycznych. Pracował przy dekorowaniu Pałacu Dożów w Wenecji.

Jego malarstwo wyróżnia się delikatną malowniczością, bogatym złotym kolorem. Madonny z Gianbellino wydają się rozpuszczać w krajobrazie, zawsze z nim organicznym.

Madonna na łące (1500-1505) Bellini.

W centrum obrazu znajduje się wizerunek młodej Maryi siedzącej na łące, na której kolanach śpi nagie dziecko. Jej zamyślona twarz jest urocza, ręce złożone w modlitewnym geście są piękne. Figurka boskiego dziecka wydaje się być rzeźbą, co wskazuje na bliską znajomość twórczości Mantegny. Jednak miękkość światłocienia i ogólne nasycenie kolorów sugerują, że Bellini znalazł drogę do malarstwa.

W tle piękny krajobraz. Obraz został namalowany techniką mieszaną, co pozwoliło artystce na zmiękczenie konturów i nasycenie kolorów.

Portret Doża Leonarda Loredana. Belliniego

Ten portret został zamówiony przez Belliniego jako artystę Republiki Weneckiej. Doża ukazany jest tu niemal frontalnie – wbrew obowiązującej wówczas tradycji przedstawiania twarzy z profilu, także na medalach i monetach.

Wyraźny światłocień doskonale rysuje wysokie kości policzkowe, nos i uparty podbródek inteligentnej i zdecydowanej twarzy starszej osoby. Na jasnoniebiesko-zielonym tle kontrastuje biały ze złotym i srebrnym brokatem płaszcz. Doża nosił go w święto Matki Boskiej Gromnicznej – dzień, w którym zaręczył się z morzem, obejmując na rok władzę nad Wenecją. Prace olejne pomogły artyście wypełnić przestrzeń obrazu powietrzem, a tym samym uczynić obraz doża zaskakująco żywym.

Wstęp

Renesans to rewolucja przede wszystkim w systemie wartości, w ocenie wszystkiego, co istnieje iw stosunku do tego. Istnieje przekonanie, że najwyższą wartością jest człowiek. Taki pogląd na osobę determinował najważniejszą cechę kultury renesansu - rozwój indywidualizmu w sferze światopoglądowej, wszechstronną manifestację indywidualności w życie publiczne. Starożytne dziedzictwo kulturowe odegrało ogromną rolę w kształtowaniu się myśli renesansowej. Rezultatem zwiększonego zainteresowania kulturą klasyczną było studiowanie starożytnych tekstów i wykorzystywanie pogańskich prototypów do ucieleśnienia chrześcijańskich obrazów. Odrodzenie starożytności nadało nazwę całej epoce (w końcu renesans tłumaczy się jako odrodzenie).

W okresie renesansu w państwach europejskich, podczas kształtowania się narodów mieszczańskich, języków i kultur narodowych, zauważalne są zmiany w działalności bibliotek. Nowa uczelnia i biblioteki publiczne. Wiele bibliotek klasztornych przechodzi na własność miast. W zbiorach bibliotecznych dominują książki w języki narodowe, kształtują się nowe zasady opracowywania katalogów, organizowania funduszy i obsługi czytelników.

Miasta, tworząc biblioteki, otwierają je nie tylko dla biskupów, zakonników, naukowców, studentów, ale także dla prawników, kupców, marynarzy, rzemieślników. W tym okresie działalność wielu utalentowanych naukowców była związana z praktyką biblioteczną.

Prace B.F. Volodina, LI Vladimirov, OI Talalakina. Ich monografie opowiadają o bibliotekach renesansu, ich powstawaniu, a także o budowie i opisie wnętrza. Prace E. Gombricha i E. Chamberlaina opisują sam renesans, kulturę Włoch. Chciałbym również zwrócić uwagę na prace N.V. Revunenkova, V.G. Kuzniecowa i N.V. Revyakina, która opowiada o pojawieniu się humanizmu i jego roli w powstaniu i rozwoju renesansu.

Celem tej pracy jest przegląd i badanie włoskich bibliotek renesansu.

W trakcie badań rozwiązywane są następujące zadania: identyfikacja głównych cech kultury Włoch w okresie renesansu, rozwój literatury, pojawienie się myśli humanistycznej, badanie bibliotek prywatnych i publicznych, a także ich budowa i opis wnętrza.

Praca składa się ze wstępu; dwa rozdziały: Renesans jako kulturowy rozkwit Italii w XIV-XVI wieku, typy i przeznaczenie bibliotek włoskich; zakończenie i wykaz literatury wykorzystanej w tym kursie.

Renesans jako kulturowy rozkwit Italii w XIV-XVI wieku.

Kultura włoska w okresie renesansu

Epoka renesansu czy europejskiego renesansu to proces rozstania z feudalną przeszłością i czas aktywnego dialogu z antycznymi poprzednikami. Kolebką renesansu są Włochy, gdzie tendencje humanistyczne w życiu miejskim zaczęły się wyraźnie ujawniać w drugiej połowie XIII wieku.

Kultura renesansu jest zwykle podzielona na dwa okresy:

Okres tak zwanego „wczesnego renesansu” we Włoszech obejmuje okres od 1420 do 1500 roku. W ciągu tych osiemdziesięciu lat sztuka nie wyrzekła się jeszcze całkowicie tradycji niedawnej przeszłości, ale stara się wmieszać w nie elementy zapożyczone z klasycznej starożytności. Dopiero później i to krok po kroku, pod wpływem coraz bardziej zmieniających się warunków życia i kultury, artyści całkowicie porzucają średniowieczne założenia i odważnie sięgają po przykłady sztuki antycznej, zarówno w ogólnej koncepcji swoich dzieł, jak iw szczegółach.

Drugi okres renesansu – czas najwspanialszego rozwoju jego stylu – nazywany jest zwykle „wysokim renesansem”. Rozciąga się we Włoszech od około 1500 do 1580 roku. W tym czasie, dzięki wstąpieniu na papieski tron ​​Juliusza II, środek ciężkości sztuki włoskiej przeniósł się z Florencji do Rzymu. Pod jego rządami Rzym staje się niejako nowymi Atenami z czasów Peryklesa: powstaje w nim wiele monumentalnych budowli, wykonywane są wspaniałe dzieła rzeźbiarskie, malowane są freski i obrazy, które do dziś uważane są za perły malarstwa.

Najważniejszą cechą charakterystyczną tej epoki jest powrót w architekturze do zasad i form sztuki starożytnej, głównie rzymskiej. Szczególne znaczenie w tym kierunku przywiązuje się do symetrii, proporcji, geometrii i kolejności elementów, o czym wyraźnie świadczą zachowane przykłady architektury rzymskiej. Złożoną proporcję średniowiecznych budowli zastępuje uporządkowany układ kolumn, pilastrów i nadproży, asymetryczne obrysy półkolem łuku, półkulą kopuły, niszami i edykułami.

Architektura renesansu przeżywała swój największy rozkwit we Włoszech, pozostawiając po sobie dwa monumentalne miasta: Florencję i Wenecję. Nad tworzeniem budowli pracowali tam wielcy architekci - Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Donato Bramante, Giorgio Vasari i wielu innych.

Artyści renesansu, malując obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, zaczęli stosować nowe techniki artystyczne: budowanie trójwymiarowej kompozycji z pejzażem w tle. To pozwoliło im uczynić obrazy bardziej realistycznymi, żywymi, co pokazało wyraźną różnicę między ich twórczością a wcześniejszą tradycją ikonograficzną, pełną konwencji obrazu.

W okresie renesansu muzyka profesjonalna traci charakter sztuki czysto kościelnej i ulega wpływom muzyki ludowej, przesiąkniętej nowym humanistycznym światopoglądem. Sztuka polifonii wokalnej i wokalno-instrumentalnej osiąga wysoki poziom w twórczości przedstawicieli „Nowej Sztuki” we Włoszech.

Pojawiają się różne gatunki świeckiej sztuki muzycznej. Kształtują się nowe gatunki muzyki instrumentalnej, powstają narodowe szkoły gry na lutni, organach i wirtuale. We Włoszech kwitnie sztuka wykonywania instrumentów smyczkowych o bogatych możliwościach wyrazu. Renesans kończy się wraz z pojawieniem się nowych gatunków muzycznych – pieśni solowej, kantaty, oratorium i opery, co przyczyniło się do stopniowego ukształtowania się stylu homofonicznego.

Rozwój wiedzy w XIV-XVI wieku. znacząco wpłynął na wyobrażenia ludzi o świecie i miejscu człowieka w nim. Wielkie odkrycia geograficzne, heliocentryczny system świata Mikołaja Kopernika zmieniły wyobrażenia o wielkości Ziemi i jej miejscu we Wszechświecie oraz dzieła Paracelsusa i Wesaliusza, w których po raz pierwszy po starożytności podjęto próby zbadania budowa człowieka i procesy w nim zachodzące wyznaczyły początek naukowej medycyny i anatomii.

Duże zmiany zaszły również w naukach społecznych. W pracach Jeana Bodina i Niccolo Machiavellego najpierw rozważano procesy historyczne i polityczne jako wynik interakcji różnych grup ludzi i ich interesów. Równocześnie podejmowano próby wypracowania „idealnej” struktury społecznej: „Utopia” Thomasa Morusa, „Miasto słońca” Tommaso Campanelli. Dzięki zainteresowaniu starożytnością przywrócono wiele starożytnych tekstów, wielu humanistów studiowało klasyczną łacinę i starożytną grekę.

Związek między sztuką a nauką jest jedną z charakterystycznych cech kultury renesansu. Prawdziwy obraz świata i człowieka musiał opierać się na ich wiedzy, dlatego zasada poznawcza odgrywała szczególnie ważną rolę w sztuce tego czasu. Naturalnie artyści szukali oparcia w naukach ścisłych, często stymulując ich rozwój.

Czym jest Odrodzenie. Odrodzenie kojarzy nam się z osiągnięciami w dziedzinie kultury, przede wszystkim w dziedzinie sztuk plastycznych. Przed oczami każdego, kto choć trochę zna historię sztuki, harmonijnie piękne i majestatyczne obrazy tworzone przez artystów: łagodne Madonny i mądre święte, dzielne wojowniczki i pełnowartościowi obywatele. Ich postacie wznoszą się uroczyście na tle marmurowych łuków i kolumn, za którymi rozciągają się przezroczyste, jasne krajobrazy.

Sztuka zawsze opowiada o swoim czasie, o ludziach, którzy wtedy żyli. Jacy ludzie tworzyli te obrazy, pełne godności, wewnętrznego spokoju, wiary we własne znaczenie?

Terminu „renesans” po raz pierwszy użył Giorgio Vasari w połowie XVI wieku. w swojej książce o słynnych włoskich malarzach, rzeźbiarzach i architektach XIII-XVI wieku. Nazwa pojawiła się w momencie, gdy kończyła się sama epoka. Vasari nadał temu pojęciu bardzo określone znaczenie: rozkwit, wzrost, odrodzenie sztuki. Później pragnienie odrodzenia starożytnych tradycji w kulturze, nieodłącznie związane z tym okresem, zaczęto uważać za nie mniej ważne.

Zjawisko renesansu zostało wygenerowane przez uwarunkowania i potrzeby społeczeństwa w przededniu New Age (tj. czasu na peryferiach formowania się społeczeństwa przemysłowego), a odwołanie się do starożytności pozwoliło znaleźć odpowiednie formy wyrażenia nowe pomysły i nastroje. Historyczne znaczenie tego okresu polega na ukształtowaniu się nowego typu osobowości i stworzeniu podstaw nowej kultury.

Nowe trendy w życiu społeczeństwa włoskiego. Aby łatwiej zrozumieć istotę przemian, które rozpoczęły się w sferze społecznej i duchowej, trzeba sobie wyobrazić, jak w średniowieczu budowano relacje między jednostką a społeczeństwem. Wtedy osobowość ludzka rozpuściła się w tej małej zbiorowości (gmina chłopska, zakon rycerski, bractwo zakonne, warsztat rzemieślniczy, cech kupiecki), z którą człowiek był związany okolicznościami swojego pochodzenia i urodzenia. On sam i wszyscy wokół postrzegali go przede wszystkim jako np. fra (brata) – członka bractwa zakonnego, a nie jako konkretną osobę o określonym imieniu.

Relacje między ludźmi, normy zachowania i ich postrzeganie zostały opracowane i jasno określone. Jeśli skupimy się tylko na teoretycznej stronie sprawy, to możemy powiedzieć tak: duchowieństwo było zobowiązane do modlitwy za wszystkich świeckich, szlachta do ochrony wszystkich przed ewentualnym zagrożeniem zewnętrznym, a chłopi do wspierania i wyżywienia pierwszych i drugie osiedla. W praktyce wszystko to było oczywiście dalekie od teoretycznej sielanki, ale rozkład funkcji ról był właśnie taki. Nierówność społeczna była mocno utrwalona w świadomości społecznej, każdy stan miał swoje ściśle określone prawa i obowiązki, pełnił rolę społeczną ściśle odpowiadającą jego pozycji społecznej. Narodziny zapewniły jednostce określone miejsce w strukturze społeczeństwa, mogła ona zmieniać swoją pozycję prawie wyłącznie w ramach szczebla drabiny społecznej, do którego należała z pochodzenia.

Przywiązanie do określonej niszy społecznej przeszkadzało w swobodnym rozwoju jednostki ludzkiej, ale dawało jej pewne gwarancje społeczne. Tak więc społeczeństwo średniowieczne było nastawione na niezmienność, stabilność jako stan idealny. Należała do typu społeczeństw tradycyjnych, których głównym warunkiem istnienia jest konserwatyzm, posłuszeństwo tradycjom i zwyczajom.

Stary światopogląd był zorientowany na fakt, że życie ziemskie jest tylko krótkim okresem czasu, w którym człowiek przygotowuje się do głównego, wiecznego życia pozaziemskiego. Wieczność ujarzmiła ulotną rzeczywistość. Nadzieje na dobre zmiany wiązały się wyłącznie z tym prawdziwym życiem, z Wiecznością. Świat ziemski, ta „dolina boleści” była interesująca tylko o tyle, o ile była słabym odbiciem innego, głównego świata. Stosunek do człowieka był ambiwalentny – ściśle dzielił swój ziemski, śmiertelny i grzeszny początek, którym należało pogardzać i nienawidzić, oraz wzniosły, duchowy, który jako jedyny godny był istnienia. Za ideał uważano ascetycznego mnicha, który wyrzekł się radości i niepokojów ziemskiego życia.

Osoba była częścią małej społeczności społecznej, dlatego wszelkie jej działania, w tym twórcze, były postrzegane jako wynik zbiorowych wysiłków. Tak naprawdę twórczość była anonimowa, a nasza wiedza o twórczości konkretnego średniowiecznego rzeźbiarza czy malarza jest przypadkowa i fragmentaryczna. Miasto, społeczność zbudowała katedrę, a wszystkie jej detale były częścią jednej całości, zaprojektowanej do integralnego postrzegania. Mistrzowie architekci, mistrzowie murarstwa, mistrzowie rzeźbiarstwa, mistrzowie malarzy wznosili ściany, tworzyli rzeźby i witraże, malowali ściany i ikony, ale prawie żaden z nich nie starał się uwiecznić swojej nazwy dla potomności. Idealnie byłoby, gdyby powtarzały w najlepszy możliwy sposób, powielały to, co zostało uświęcone przez autorytet starożytności i było uważane za „oryginał”, który należy naśladować.

Pierwszym krokiem w kierunku pojawienia się nowych trendów w życiu społeczeństwa był wzrost i rozwój miast. Półwysep Apeniński, wciśnięty jak wyciągnięty but w bezkres Morza Śródziemnego, zajmował w średniowiecznym świecie niezwykle korzystną pozycję. Korzyści płynące z tej lokalizacji stały się szczególnie widoczne, gdy na Zachodzie zaczęło odradzać się życie gospodarcze i rosła potrzeba kontaktów handlowych z bogatymi krajami Bliskiego Wschodu. Od XII wieku Włoskie miasta zaczęły się rozwijać. Impulsem do szybkiego rozwoju gospodarki miejskiej stały się krucjaty: rycerze wyruszający na podbój Grobu Pańskiego potrzebowali statków, aby przeprawić się przez morze; broń do walki; produkty i różne artykuły gospodarstwa domowego. Wszystko to oferowali włoscy rzemieślnicy, kupcy, żeglarze.

We Włoszech nie było silnej władzy centralnej, więc każde miasto wraz z otaczającą je wsią stawało się stan miasta, którego dobrobyt zależał od umiejętności jego rzemieślników, żwawości kupców, tj. z przedsiębiorczości i energii wszystkich mieszkańców.

Podstawą życia gospodarczego społeczeństwa, które istniało we Włoszech w XIV-XV wieku, był przemysł i handel, skoncentrowane w miastach. Zachowano system cechowy, a prawa obywatelskie posiadali tylko członkowie cechów; nie wszyscy mieszkańcy miasta. Tak, i różne warsztaty różniły się istotnie stopniem oddziaływania: np. we Florencji na 21 warsztatów największy wpływ miały „warsztaty seniorów”, skupiające ludzi najbardziej prestiżowych zawodów. Członkowie warsztatów seniorów, „grubasy”, byli de facto przedsiębiorcami, a nowe cechy życia gospodarczego przejawiały się w powstawaniu elementów (jak na razie tylko elementów!) nowej struktury gospodarczej.

miasto renesansu. Kultura renesansu jest kulturą miejską, ale miasto, które ją zrodziło, wyraźnie różniło się od miasta średniowiecznego. Na zewnątrz nie było to zbyt uderzające: te same wysokie mury, ten sam przypadkowy układ, ta sama katedra na głównym placu, te same wąskie uliczki. „Miasto rosło jak drzewo: zachowując swój kształt, ale powiększając się, a mury miejskie, jak słoje na przecięciu, wyznaczały kamienie milowe jego rozwoju”. Tak więc we Florencji w XIII wieku. rozszerzenie pierścienia murów zajęło dwa razy stulecie. Do połowy XIV wieku. przestrzeń przeznaczona pod zabudowę miejską zwiększono 8-krotnie. Rząd zadbał o budowę i konserwację murów.

Bramy miejskie służyły jako punkt styku z świat zewnętrzny. Strażnicy stojący przy bramie pobierali opłatę od przybywających do miasta kupców i chłopów, chronili też miasto przed ewentualnym atakiem wroga. Przed początkiem ery artylerii mury z mocnymi bramami stanowiły dość niezawodną ochronę przed wtargnięciem z zewnątrz, wystarczyło tylko jedzenie i woda. To ograniczenie sprawiło, że zatłoczono, aby zwiększyć liczbę kondygnacji budynków. Włochy charakteryzują się wznoszeniem wysokich wież przez rywalizujące ze sobą zamożne rodziny, których piony wraz z dzwonnicami kościołów nadawały sylwetce miasta wygląd kamiennego lasu. Na przykład wygląd Sieny jest opisany w wierszach A. Bloka w następujący sposób: „Wbiłeś w niebo wierzchołki kościołów i wież”.

Miasto jest sztucznie zorganizowaną przestrzenią. Ulice i place włoskich miast z XIII wieku. wyłożone kamieniami lub kamykami. Codzienne życie ludzi toczyło się głównie na ulicy. Kupcy, kantorzy i rzemieślnicy dokonywali transakcji pieniężnych na ulicy; rzemieślnicy często pracowali na ulicy pod baldachimem; spotykali się na ulicy lub na placu, aby omówić różne sprawy; narodziny, bankructwa, zgony, małżeństwa, egzekucje. Życie każdego mieszkańca miasta toczyło się na oczach sąsiadów.

Centralny plac został ozdobiony nie tylko majestatyczną katedrą, ale także rzeźbami. Przykładem takiej dekoracji jest we Florencji plac przed Palazzo Vecchio (ratuszem). W części frontowej miasta szczególnie widoczne było sąsiedztwo starej zabudowy romańskiej (w mniejszym stopniu gotyckiej) oraz nowej renesansowej zabudowy. Mieszkańcy sąsiednich miast rywalizowali ze sobą w dekorowaniu placów, kościołów i budynków użyteczności publicznej.

W XIV-XV wieku. we włoskich miastach nastąpiła szybka budowa, stare budynki zostały zburzone i zastąpione nowymi. Niszczenie budynków nie zawsze było tego powodem - zmieniały się gusta, rósł dobrobyt, a jednocześnie chęć zademonstrowania nowych możliwości. Przykładem tego rodzaju jest ta zapoczątkowana w XIV wieku. budowa nowej florenckiej katedry (Duomo, lepiej znanej jako Santa Maria del Fiori), której kopuła była największa jak na swoje czasy na Zachodzie.

Czasami za odrestaurowaną fasadą łączył kilka starych domów zamożnych rodzin. Tak więc architekt L. B. Alberti na zlecenie rodziny Ruchelai zbudował pałac w nowym stylu, ukrywając osiem domów za boniowaną fasadą. Uliczkę między domami zamieniono w dziedziniec. Taka technika pozwoliła na połączenie w jeden zespół pomieszczeń mieszkalnych, magazynów i sklepów, loggii i ogrodu. Główna forma architektoniczna świeckiej zabudowy miejskiej -palazzo - pałace zamożnych mieszczan, który miał kształt prostokąta z dziedzińcem. Fasady pałacu, zwrócone w stronę ulicy, odpowiadały warunkom życia charakterystycznym dla włoskich miast-republik. Dobitnie surowa obróbka kamienia (rustovka), którą wymurowano ścianę dolnej kondygnacji, grube mury, małe okna - wszystko to przypominało, że taki pałac mógł służyć jako niezawodne schronienie podczas licznych wewnątrzmiejskich konfliktów politycznych.

Wnętrza składały się z zespołu pomieszczeń ozdobionych malowidłami ściennymi i nakrytych drewnianymi, rzeźbionymi, rzadziej sztukatorskimi stropami. Przy uroczystych okazjach ściany ozdabiano dywanami ściennymi (kratami), co również przyczyniało się do zachowania ciepła w pomieszczeniach. Przestronny Yu

pomieszczenia (strofy), marmurowe klatki schodowe sprawiały wrażenie podniosłego przepychu. Okna zamykano drewnianymi okiennicami, czasem zasłaniano je olejowanym płótnem, później (ale to już był prawie grzeszny luksus!) Wypełniano je małymi kawałkami szkła włożonymi w ołowianą osłonę. Głównym urządzeniem grzewczym pozostawały paleniska w kuchni oraz kominki w dużych frontowych pomieszczeniach, które raczej zdobiły niż ogrzewały. Dlatego starali się wyposażyć łóżka w baldachim i odgrodzić ciężkie zasłony od otaczającej przestrzeni. Nie można było ogrzać całego pokoju gorącym kamieniem ani butelką gorącej wody. Z reguły tylko głowa rodziny miała „własny” pokój, gabinet-pracownię, „miejsce pracy nad korespondencją rękopisów, przemyśleń, samotnej wiedzy o świecie i sobie”, a reszta domowników mieszkali razem. Na dziedzińcu i otaczających go krużgankach najczęściej toczyło się codzienne życie zamożnej rodziny.

Stosunkowo nieliczne, ale masywne i bogato zdobione rzeźbami i malowidłami meble świadczyły o pragnieniu wygody. Najczęstszymi przykładami mebli były skrzynia weselna (cassonne), skrzynia-ława z oparciem, masywne szafy zdobione detalami architektonicznymi, stoły, fotele i taborety. Wnętrze zdobiły nie tylko malowidła ścienne, ale także lampy z brązu, malowana ceramika (majolika), lustra w rzeźbionych ramach, wyroby ze srebra i szkła oraz koronkowe obrusy.

Wielu architektów marzyło o zmianie wyglądu miast zgodnie z nowymi gustami, ale było to niemożliwe: budowa na dużą skalę wymagała ogromnych funduszy i nie mniej uprawnień do przeprowadzenia masowej rozbiórki domów. W końcu do tego trzeba było rozbić tyle domów, tyle ludzi przesiedlić, ale nie było na to funduszy. Dlatego musieli zadowolić się budową pojedynczych budowli, najczęściej katedr lub pałaców zamożnych rodów. Miasta odbudowywano stopniowo, w miarę potrzeb i możliwości, bez żadnego planu, a ich wygląd zewnętrzny pozostał w dużej mierze średniowieczny.

Idealne miasta renesansowe pojawiały się niemal wyłącznie na planach i jako tło dla kompozycji malarskich. „Model renesansowego miasta jest modelem otwartym. Trzon stanowi... wolna przestrzeń placu, który otwiera się na zewnątrz otworami widokowymi na ulice, z widokami w dal, poza mury miejskie... tak artyści przedstawiali miasto, tak autorzy traktatów architektonicznych. Idealnie miasto renesansowe nie broni się przed otwartą przestrzenią nie-miasta, wręcz przeciwnie, kontroluje je, podporządkowuje sobie… Myśl architektoniczna renesansu… zdecydowanie przeciwstawia się miastu jako sztucznemu i umiejętnie stworzonej pracy, do środowiska naturalnego. Miasto nie powinno być posłuszne lokalności, ale ją podporządkowywać... Miasto średniowiecza było wertykalne. Miasto XV wieku idealnie pomyślane jest jako horyzontalne… „Architekci, którzy projektowali nowe miasta, uwzględnili zmieniające się warunki i zamiast zwykłych murów twierdzy zaproponowali budowę fortów obronnych wokół miasta.

Wygląd ludzi. Zmieniał się wygląd ludzi, zmieniał się świat rzeczy, którymi się otaczali. Oczywiście domy biedoty (niewielki drewniany budynek lub pomieszczenie za sklepem bez okien) pozostały takie same jak przed setkami lat. Zmiany dotknęły dobrze prosperującą, zamożną część społeczeństwa.

Odzież zmieniała się zgodnie z nastrojami i gustami epoki. O gustach decydowały teraz potrzeby i możliwości cywilów, zamożnych obywateli, a nie wojskowa klasa rycerska. Odzież wierzchnią szyto z wielobarwnych, często wzorzystych tkanin, takich jak brokat, aksamit, sukno i ciężki jedwab. Len zaczęto wykorzystywać wyłącznie jako bieliznę, która prześwitywała przez sznurowanie i rozcięcia górnej części sukienki. „Odzież wierzchnia starszego obywatela, nawet jeśli nie piastował żadnego urzędu elekcyjnego, była z konieczności długa, szeroka i nadawała jego wyglądowi odcisk powagi i ważności”. Ubrania młodych ludzi były krótkie. Składał się z koszuli, kamizelki ze stojącym kołnierzem i ciasnych, często wielobarwnych, wiązanych do kamizelki pończoch. Jeśli w XV w preferowano jasne i kontrastowe kolory, a następnie od początku XYI wieku. coraz modniejsze stają się ubrania monochromatyczne, ozdobione futrem i łańcuszkiem ze szlachetnego metalu.

Odzież damska w XV wieku Wyróżniała się miękkością formy i wielobarwnością. Na koszule i suknie z długimi wąskimi rękawami, wysokim stanem i dużym kwadratowym dekoltem zakładały płaszcz (sikora), który składał się z trzech paneli. Tylny panel opadał z tyłu w swobodnych fałdach, a dwie półki były udrapowane według gustu właściciela. Ogólna sylwetka przypominała starożytność. Z początkiem XVI w. w strojach damskich podkreśla się poziomy podział. Dużą rolę w zdobieniu sukni zaczyna odgrywać koronka, obramowująca dekolt i brzegi rękawów. Talia opada do naturalnego miejsca, dekolt jest większy, rękawy są bardziej obszerne, spódnica jest wspanialsza. Ubiór miał podkreślać urodę silnej, zdrowej kobiety.

Odkrycie ludzkiego „ja”. W życiu społeczeństwa włoskiego renesansu stare i nowe współistnieją i przeplatają się. Typowa rodzina tamtej epoki to rodzina wielodzietna, jednocząca kilka pokoleń i kilka gałęzi spokrewnionych, podporządkowana głównemu patriarsze, ale obok tej znanej hierarchii pojawia się inny nurt związany z rozbudzaniem samoświadomości osobistej.

W końcu wraz z pojawieniem się we Włoszech warunków do powstania nowej struktury gospodarczej i nowego społeczeństwa, zmieniły się również wymagania wobec ludzi, ich zachowania, stosunek do spraw ziemskich i trosk. Podstawą życia gospodarczego nowego społeczeństwa był handel i produkcja rzemieślnicza, skoncentrowane w miastach. Ale zanim większość ludności skupiła się w miastach, zanim powstały manufaktury, fabryki, laboratoria, byli ludzie zdolni do ich tworzenia, ludzie energiczni, dążący do ciągłych zmian, walczący o swoje miejsce w życiu. Nastąpiło wyzwolenie ludzkiej świadomości z hipnozy Wieczności, po którym zaczęto silniej odczuwać wartość chwili, znaczenie ulotnego życia, pragnienie pełniejszego odczuwania pełni istnienia.

Powstał nowy typ osobowości, wyróżniający się odwagą, energią, pragnieniem działania, wolny od posłuszeństwa tradycjom i regułom, zdolny do działania w sposób niezwykły. Osoby te interesowały się różnymi problemami życia. Tak więc w księgach rachunkowych florenckich kupców, wśród numerów i zestawień różnych towarów, można znaleźć dyskusje o losach ludzi, o Bogu, o najważniejszych wydarzeniach życia politycznego i artystycznego. Za tym wszystkim odczuwamy wzmożone zainteresowanie Człowiekiem, samym sobą.

Osoba zaczęła uważać swoją indywidualność za coś wyjątkowego i wartościowego, tym bardziej znaczącego, że ma zdolność ciągłego doskonalenia. Przerośnięte poczucie własnej osobowości w całej swej oryginalności pochłania całego człowieka renesansu. Odkrywa własną indywidualność, zanurza się z zachwytem we własnej Święty spokój, wstrząśnięty nowością i złożonością tego świata.

Poeci są szczególnie wrażliwi na uchwycenie i przekazanie nastroju epoki. W lirycznych sonetach Francesca Petrarki, poświęconych pięknej Laurze, widać wyraźnie, że ich głównym bohaterem jest sam autor, a nie obiekt jego kultu. Czytelnik nie dowie się prawie niczego o Laurze poza tym, że jest perfekcją samą w sobie, posiada złote loki i złoty charakter. Ich zachwyt, ich doświadczenie, ich Cierpienie zostało opisane przez Petrarkę w sonetach. Dowiedziawszy się o śmierci Laury, Mój sieroctwo opłakiwał:

Śpiewałem o jej złotych lokach,

Śpiewałem o jej oczach i dłoniach,

Uhonorowanie męki niebiańską błogością,

A teraz jest zimnym pyłem.

A ja bez latarni, w muszli sieroty Przez burzę, która mi nie jest obca,

Płynę przez życie, rządząc na chybił trafił.

Należy pamiętać, że odkrycie osobowego „ja” dotyczyło tylko połowy rodzaju ludzkiego – mężczyzn. Kobiety były postrzegane w tym świecie jako istoty bez własnej wartości. Miały zajmować się domem, rodzić i wychowywać małe dzieci, podobać się mężczyznom swoim przyjemnym wyglądem i manierami.

W realizacji ludzkiego „ja” liczyła się obecność rezultatów, a nie dziedzina działalności, w której zostały osiągnięte – czy to będzie ugruntowana firma handlowa, wspaniała rzeźba, wygrana bitwa, zachwycający wiersz czy obraz. . Dużo wiedz, dużo czytaj, dużo się ucz języki obce, zapoznać się z dziełami starożytnych autorów, interesować się sztuką, dużo rozumieć o malarstwie i poezji - taki był ideał człowieka w renesansie. Wysoki standard wymagań osobowościowych pokazano w eseju Baldasara Castiglione „O dworzaninach” (1528): „Chcę, aby nasz dworzanin był bardziej niż przeciętnie zaznajomiony z literaturą… aby znał nie tylko łacinę, ale także grekę… żeby dobrze znał poetów, a także mówców i historyków i… umiał pisać wierszem i prozą… Nie będę zadowolony z naszego dworzanina, jeśli nie jest jeszcze muzykiem… Jest jeszcze jedna rzecz, do której przywiązuję ogromną wagę: to właśnie umiejętność rysowania i znajomość malarstwa.

Wystarczy wymienić kilka nazwisk sławnych ludzi tamtych czasów, aby zrozumieć, jak różnorodne były zainteresowania tych, których uważano za typowych przedstawicieli swojej epoki. Leon Batista Alberti – architekt, rzeźbiarz, znawca starożytności, inżynier. Lorenzo Medici to mąż stanu, genialny dyplomata, poeta, znawca i mecenas sztuki. Verrocchio jest rzeźbiarzem, malarzem, jubilerem i matematykiem. Michał Anioł Buonarroti – rzeźbiarz, malarz, architekt, poeta. Rafał Santi – malarz, architekt. Wszystkich można nazwać bohaterskimi osobowościami, tytanami. Jednocześnie nie należy zapominać, że wielkość charakteryzuje skalę, ale nie daje oceny ich działań. Tytani renesansu byli nie tylko twórcami, ale także dobrymi geniuszami swojego kraju.

Zwykłe pojęcia o tym, co „dopuszczalne”, a co „nielegalne”, straciły na znaczeniu. Jednocześnie stare zasady relacji między ludźmi straciły na znaczeniu, które być może nie dawały absolutnej swobody twórczej, ale są tak ważne dla życia w społeczeństwie. Chęć zaistnienia przybierała różne formy – taka postawa mogła rodzić i rodziła nie tylko genialnych artystów, poetów, myślicieli, których działalność nastawiona była na tworzenie, ale także geniuszy zniszczenia, geniuszy nikczemności. Przykładem tego rodzaju jest opis porównawczy dwóch wybitnych współczesnych, których szczyt aktywności przypadł na przełom XV-XVI wieku.

Leonardo da Vinci (1452-1519)) - osoba, o której łatwiej powiedzieć, czego nie wiedział, niż wymienić, co potrafił. Słynny malarz, rzeźbiarz, architekt, inżynier, poeta, muzyk, przyrodnik, matematyk, chemik, filozof - wszystko to słusznie odnosi się do Leonarda. Opracował projekt samolotu, czołgu, najbardziej skomplikowanych urządzeń irygacyjnych i wielu innych. Pracował tam, gdzie wygodniej było znaleźć mecenasów spośród rządzącej elity, łatwo ich zmieniając, a zmarł we Francji, gdzie na jego nagrobku wypisano, że był „wielkim francuski artysta". Jego osobowość stała się uosobieniem twórczego ducha renesansu.

Współczesny Leonardowi był słynny kondotier Cesare Borgia (1474-1507). Szerokie wykształcenie łączyło się w nim z wrodzonymi talentami i nieokiełznanym egoizmem. Jego ambicja przejawiała się w próbie stworzenia silnego państwa w centralnej Italii. Marzył o zjednoczeniu całego kraju w razie powodzenia, był zręcznym i odnoszącym sukcesy wodzem oraz sprawnym władcą. Aby osiągnąć swój cel, ten wyrafinowany koneser i znawca piękna uciekł się do przekupstwa, oszustwa i morderstwa. Takie metody wydawały mu się całkiem do przyjęcia, aby osiągnąć wielki cel - stworzenie silnego państwa w centrum Włoch. Okoliczności uniemożliwiły C. Borgii realizację jego planów.

Leonardo da Vinci i Cesare Borgia to współcześni, równie typowi dla swojej epoki krytycznej, kiedy stare zasady i normy życia ludzkiego traciły na znaczeniu, a nowe nie były jeszcze akceptowane przez społeczeństwo. Ludzka osobowość dążyła do autoafirmacji, wykorzystując wszelkie środki i możliwości. Dla niej stare wyobrażenia o „dobrym” i „złym”, „dopuszczalnym” i „nielegalnym” również straciły na znaczeniu. „Ludzie popełniali najdziksze zbrodnie i nie żałowali ich w żaden sposób, a czynili to dlatego, że ostatnim kryterium zachowania się człowieka była wówczas jednostka, która czuła się wyizolowana” . Często w jednej osobie łączyło się bezinteresowne oddanie swojej sztuce i nieokiełznane okrucieństwo. Takim był na przykład rzeźbiarz i jubiler B. Cellini, o którym mówiono: „bandyta o czarodziejskich dłoniach”.

Pragnienie jednostki do wyrażania siebie w jakikolwiek sposób nazywa się tytanizmem. Tytani renesansu stali się uosobieniem epoki, która odkryła wartość człowieka "I", ale zatrzymał się przed problemem ustalenia pewnych zasad w stosunkach między przewoźnikami wielu różnych „ja”.

Stosunek do osoby twórczej i pozycja artysty w społeczeństwie. Nastąpił zwrot w kierunku cywilizacji, w której aktywna jest interwencja człowieka środowisko, - nie tylko samodoskonalenie, ale także przekształcanie środowiska - przyrody, społeczeństwa - poprzez rozwój wiedzy i jej zastosowanie w sferze praktycznej. Tak więc najważniejszą rzeczą w człowieku była jego zdolność do samorealizacji i kreatywności (w najszerszym tego słowa znaczeniu). To z kolei oznaczało odrzucenie kompleksowej regulacji na rzecz uznawania inicjatywy prywatnej. Średniowieczny ideał życia kontemplacyjnego został wyparty przez nowy ideał aktywnego, czynnego życia, które umożliwiło pozostawienie widocznych śladów pobytu człowieka na Ziemi. Aktywność staje się głównym celem istnienia: zbudować piękny budynek, podbić wiele ziem, wyrzeźbić rzeźbę lub namalować obraz, który będzie gloryfikował swojego twórcę, wzbogacić się i zostawić dobrze prosperującą firmę handlową, założyć nowy stan, napisać wiersz czy zostawić liczne potomstwo – wszystko to było w pewnym sensie ekwiwalentem, pozwalało człowiekowi pozostawić po sobie ślad. Sztuka umożliwiła zamanifestowanie się w człowieku zasady twórczej, a rezultaty twórczości na długo zachowały o nim pamięć, przybliżyły go do nieśmiertelności. Ludzie tamtej epoki byli przekonani:

Stworzenie może przeżyć twórcę:

Stwórca odejdzie, pokonany przez naturę,

Jednak obraz, który uchwycił

Rozgrzeje serca na wieki.

Te linie Michała Anioła Buonarrotiego można przypisać nie tylko twórczości artystycznej. Pragnienie autoekspresji, patos autoafirmacji stały się w tym okresie sensem życia duchowego społeczeństwa włoskiego. Osoba twórcza była bardzo ceniona i kojarzona przede wszystkim z artystą twórczym.

Tak postrzegali siebie artyści i nie kłóciło się to z opinią publiczną. Znane są słowa, które rzekomo wypowiedział florencki jubiler i rzeźbiarz Benvenuto Cellini do jednego z dworzan: „Być może na całym świecie jest tylko jeden taki jak ja, ale takich jak ty jest dziesięciu u każdych drzwi”. Legenda głosi, że to władca, któremu dworzanin skarżył się na zuchwałość artysty, poparł Celliniego, a nie dworzanina.

Artysta mógł się wzbogacić jak Perugino, zdobyć tytuł szlachecki jak Mantegna czy Tycjan, dołączyć do ścisłego kręgu władców jak Leonardo czy Rafael, ale większość artystów miała status rzemieślników i za takich uważała się. Rzeźbiarze pracowali w tym samym warsztacie z murarzami, malarze z farmaceutami. Zgodnie z ówczesnymi wyobrażeniami artyści należeli do warstwy średniej mieszczan, a ściślej do dolnej warstwy tej warstwy. Większość z nich była uważana za ludzi z klasy średniej, którzy musieli stale pracować, szukać zleceń. D. Vasari, opowiadając o swojej drodze twórczej, nieustannie zauważa, że ​​aby wykonać jedno zamówienie musiał jechać do Neapolu, drugie do Wenecji, trzecie do Rzymu. W przerwach między tymi wyjazdami wracał do rodzinnego Arezzo, gdzie miał dom, który stale wyposażał, urządzał, rozbudowywał. Niektórzy artyści mieli własne domy (w XV wieku we Florencji dom kosztował 100-200 florenów), inni je wynajmowali. Malarz poświęcił około dwóch lat na namalowanie średniej wielkości fresku, otrzymując za to 15-30 florenów, a kwota ta obejmowała koszt użytego materiału. Rzeźbiarz spędził około roku na wykonaniu rzeźby i otrzymał za swoją pracę około 120 florenów. W tym drugim przypadku trzeba liczyć się z droższymi materiałami eksploatacyjnymi.

Oprócz płatności pieniężnych czasami mistrzowie otrzymywali prawo do jedzenia w klasztorze. Wszechwiedzący Vasari opisał przypadek malarza Paolo Uccello, którego opat karmił serem przez długi czas i sumiennie, aż mistrz przestał przychodzić do pracy. Po tym, jak artysta poskarżył się mnichom, że ma dość sera, a ci poinformowali o tym opata, ten zmienił menu.

Interesujące jest porównanie informacji o sytuacji materialnej dwóch rzeźbiarzy Donatella i Ghibertiego, równie (i wysoko) cenionych przez współczesnych im rzeźbiarzy. Pierwszy z nich, z natury i sposobu życia, był osobą nieostrożną w sprawach pieniężnych. Legenda głosi, że cały swój (pokaźny) dochód włożył do sakiewki wiszącej przy drzwiach, a wszyscy członkowie jego warsztatu mogli brać z tych pieniędzy. Tak więc w 1427 roku chwalebny mistrz Donatello wynajmował dom za 15 florenów rocznie i miał dochód netto (różnica między tym, co był winien, a tym, co był mu winien) - 7 florenów. Gospodarczy Lorenzo Ghiberti w tym samym 1427 roku posiadał dom, działkę, konto bankowe (714 florenów) i dochód netto -185 florenów.

Mistrzowie chętnie podejmowali się realizacji najrozmaitszych zleceń związanych z dekoracją kościołów, bogatych pałaców, dekoracją świąt ogólnomiejskich. „Nie istniała dotychczasowa hierarchia gatunkowa: przedmioty artystyczne z konieczności miały charakter użytkowy... Wizerunki ołtarzowe, malowane skrzynie, portrety, malowane chorągwie wychodziły z jednego warsztatu... Taka była artystyczna samoświadomość i można tylko domyślać się stopnia zaklęcia jedności mistrza z jego dziełem, do którego sam roztarł farby, sam skleił pędzel, sam poskręcał ramę – dlatego nie dostrzegł zasadniczej różnicy między obrazem ołtarz i skrzynia.

Częstą praktyką były konkursy między artystami o prawo do otrzymania dochodowego zamówienia rządowego. Najbardziej znanym z tych konkursów jest konkurs o prawo do wykonania drzwi do florenckiej baptysterium (baptysterium), organizowany w pierwszych latach XV wieku. San Giovanni było drogie wszystkim mieszkańcom miasta, ponieważ tam zostali ochrzczeni, obdarzeni imieniem każdego z nich, stamtąd każdy rozpoczynał swoją życiową podróż. W konkursie brali udział wszyscy znani mistrzowie, a wygrał go Lorenzo Ghiberti, który później z dumą pisał o tym w swoich Notatkach.

Kolejne słynne zawody odbyły się sto lat później. To jest o o zamówieniu na dekorację sali posiedzeń, nadanym przez senorię florencką dwóm najsłynniejszym rywalom, Leonardowi da Vinci i Michałowi Aniołowi Buonarrotiemu. Wystawa kartonów (rysunków naturalnej wielkości) wykonanych przez mistrzów stała się wydarzeniem w życiu publicznym republiki.

Humanizm. Myśliciele średniowiecza gloryfikowali wzniosłą, duchową zasadę w człowieku i przeklinali podłość, cielesną. Ludzie nowej ery śpiewali w człowieku zarówno duszę, jak i ciało, uznając je za równie piękne i równie znaczące. Stąd nazwa tej ideologii – humanizm (homo- Człowiek).

Humanizm renesansu obejmował dwa komponenty: humanizm, wysoką duchowość kultury; oraz zespół dyscyplin humanitarnych mających na celu badanie ziemskiego życia człowieka, takich jak gramatyka, retoryka, filologia, historia, etyka i pedagogika. Humaniści starali się obrócić cały system wiedzy w celu rozwiązania problemów ziemskiego życia człowieka. Semantycznym rdzeniem humanizmu było twierdzenie o nowym rozumieniu jednostki, zdolnej do swobodnego samorozwoju. Manifestowała tym samym główny nurt historycznej perspektywy rozwoju modernizacyjnego – zmiana, odnowa, poprawa.

Humaniści stanowili nie liczną, ale wpływową warstwę społeczną społeczeństwa, prekursorów przyszłej inteligencji. Do inteligencji humanistycznej należeli przedstawiciele mieszczaństwa, szlachty i duchowieństwa. Swoją wiedzę i zainteresowania wykorzystywali w różnorodnych działaniach. Wśród humanistów wymienić można wybitnych polityków, prawników, urzędników sądowych, artystów.

Człowiek w reprezentacji ówczesnych ludzi był porównywany do śmiertelnego boga. Istota renesansu polega na tym, że uznano człowieka za „koronę stworzenia”, a widzialny świat ziemski nabrał niezależnej wartości i znaczenia. Cały światopogląd epoki koncentrował się na gloryfikacji zasług i możliwości człowieka, nieprzypadkowo nazwano go humanizmem.

Średniowieczny teocentryzm został zastąpiony antropocentryzmem. Człowiek jako najdoskonalsze stworzenie Boże znajdował się w centrum uwagi filozofów i artystów. Antropocentryzm renesansu przejawiał się na różne sposoby. W ten sposób dokonane w starożytności porównanie konstrukcji architektonicznych z ludzkim ciałem zostało uzupełnione w duchu chrześcijańskim. „Leon Batista Alberti, który wyodrębnił biblijny antropomorfizm od pogańskiego Witruwiusza, porównując proporcje kolumn ze stosunkami wzrostu i grubości osoby… on, idąc za Augustynem Błogosławionym, skorelował proporcje człowieka z parametrami Noego arka i świątynia Salomona. Maksyma „człowiek jest miarą wszechrzeczy” miała dla renesansu znaczenie arytmetyczne.

Żyjący w drugiej połowie XV wieku humanista włoski potrafił w najbardziej przekonujący sposób oddać istotę antropocentryzmu. Giovanniego Pico della Mirandola (1463-1494 ). Jest właścicielem eseju zatytułowanego „Przemówienie o godności człowieka”. Sama nazwa jest wymowna, w której podkreśla się moment oceny - „godność człowieka”. W traktacie tym Bóg, zwracając się do człowieka, mówi: „Umieściłem cię pośrodku świata, aby łatwiej było ci przeniknąć oczami otoczenie. Stworzyłem cię jako istotę nie niebiańską, ale nie tylko ziemską, nie śmiertelną, ale też nie nieśmiertelną, abyś wolny od ograniczeń sam stał się stwórcą i całkowicie wykuł swój własny obraz.

Człowiek okazuje się być stworzeniem najdoskonalszym, doskonalszym nawet niż istoty niebiańskie, gdyż od początku obdarzony jest własnymi cnotami, a człowiek sam może je rozwinąć, a jego męstwo, jego szlachetność zależeć będzie wyłącznie od jego osobistego cechy. (wirtualny). Oto, co architekt i pisarz Leon Batista Alberti napisał o ludzkich możliwościach: „Zrozumiałem więc, że w naszej mocy jest osiągnięcie wszelkiej chwały, niezależnie od męstwa, z pomocą naszej własnej gorliwości i umiejętności, a nie tylko dzięki łasce natury i czasów...” Humanistyczni naukowcy szukali potwierdzenia swojego stosunku do człowieka u filozofów innych epok i znajdowali podobne poglądy wśród myślicieli starożytności.

Starożytne dziedzictwo. Zwyczaj polegania na jakimś autorytecie zmuszał humanistów do szukania potwierdzenia swoich poglądów tam, gdzie znajdywali bliskie duchowo idee – w dziełach autorów starożytnych. „Miłość do starożytnych” stała się cechą charakterystyczną, wyróżniającą przedstawicieli tego kierunku ideowego. Opanowanie doświadczenia duchowego starożytności miało przyczynić się do ukształtowania człowieka doskonałego moralnie, a co za tym idzie do duchowego oczyszczenia społeczeństwa.

Średniowiecze nigdy całkowicie nie zerwało ze starożytną przeszłością. Włoscy humaniści postrzegali starożytność jako ideał. Myśliciele poprzedniego tysiąclecia wśród autorów starożytnych wyróżniali Arystotelesa, humanistów bardziej pociągali słynni mówcy (Cyceron) czy historycy (Tytus Liwiusz), poeci. W pismach starożytnych najważniejsze wydawały im się myśli o duchowej wielkości, możliwościach twórczych i bohaterskich czynach ludzi. F. Petrarka był jednym z pierwszych, którzy zaczęli specjalnie szukać starożytnych rękopisów, studiować starożytne teksty i odnosić się do starożytnych autorów jako najwyższego autorytetu. Humaniści porzucili średniowieczną łacinę i próbowali pisać swoje utwory po klasycznej łacinie „cycerońskiej”, co zmusiło ich do podporządkowania realiów współczesnego życia wymogom gramatyki. Klasyczna łacina zjednoczyła swoich uczonych w całej Europie, ale oddzieliła ich „republikę uczonych” od tych, którzy nie byli zaznajomieni z subtelnościami łaciny.

Tradycje renesansowe i chrześcijańskie. Nowe warunki życia wymagały odrzucenia starych chrześcijańskich ideałów pokory i obojętności na doczesne życie. Ten patos zaprzeczenia był bardzo widoczny w kulturze renesansu. Jednocześnie nie było odrzucenia nauki chrześcijańskiej. Ludzie renesansu nadal uważali się za dobrych katolików. Krytyka Kościoła i jego przywódców (zwłaszcza monastycyzmu) była bardzo powszechna, ale była to krytyka ludzi Kościoła, a nie doktryny chrześcijańskiej. Co więcej, nie tylko niemoralność postępowania pewnej części duchownych była krytykowana przez humanistów, ale średniowieczny ideał wycofania się, odrzucenia świata był dla nich nie do przyjęcia. Oto, co humanista Caluccio Salutati napisał do swojego przyjaciela, który postanowił zostać mnichem: „Nie wierz, o Pellegrino, że ucieczka od świata, unikanie widoku pięknych rzeczy, zamknięcie się w klasztorze lub udanie się do skete to droga do perfekcji.”

Idee chrześcijańskie współistniały dość pokojowo w umysłach ludzi z nowymi normami postępowania. Wśród obrońców nowych idei było wiele osobistości Kościoła katolickiego, w tym najwyższych rangą, aż do kardynałów i papieży włącznie. W sztuce, zwłaszcza w malarstwie, nadal dominowały motywy religijne. Co najważniejsze, ideały renesansu obejmowały duchowość chrześcijańską, całkowicie obcą starożytności.

Współcześni cenili działalność humanistów jako najwyższe osiągnięcie kultury swoich czasów, a ich potomkowie znają ich wybitne studia raczej ze słyszenia. Dla kolejnych pokoleń ich twórczość, w przeciwieństwie do twórczości artystów, architektów i rzeźbiarzy, jest interesująca jako zjawisko historyczne. Tymczasem to właśnie ci pedantyczni znawcy łaciny, ci miłośnicy rozumowania

Cnoty starożytnych stworzyły podstawy nowego poglądu na świat, człowieka, przyrodę, zaszczepiły w społeczeństwie nowe ideały etyczne i estetyczne. Wszystko to pozwoliło na oderwanie się od tradycji średniowiecza i nadanie nowej odsłony rodzącej się kulturze. Dlatego dla potomnych włoska historia okresu renesansu to przede wszystkim historia rozkwitu sztuki włoskiej.

Problem przenoszenia przestrzeni. Renesans charakteryzuje się pełnym szacunku, niemal pełnym szacunku podejściem do wiedzy, do nauki. W znaczeniu wiedzy w najszerszym tego słowa znaczeniu używano wówczas słowa „nauka”. Był tylko jeden sposób zdobywania wiedzy - obserwacja, kontemplacja. Najbardziej postępową gałęzią wiedzy okazała się wówczas wiedza związana z wizualnym badaniem świata zewnętrznego.

„Długi proces dojrzewania nauk przyrodniczych i przyrodniczych rozpoczyna się już w XIII wieku. A jej początkiem była rewolucja w rozwoju widzenia, związana z postępem optyki i wynalezieniem okularów... Konstrukcja perspektywa liniowa rozszerzył pole widzenia w poziomie i tym samym ograniczył w nim dominację pionu skierowanego na niebo. Źródłem informacji było ludzkie oko. Tylko artysta, osoba, która ma nie tylko bystre oko, ale także umiejętność uchwycenia i przekazania widzowi wyglądu przedmiotu lub zjawiska, którego widz nie widzi, a chciałby poznać, potrafił przekazać informację , stworzyć widzialny obraz dowolnego obiektu. Stąd entuzjazm i duma w słowach D. Vasariego, który napisał: „Oko, zwane oknem duszy, jest głównym sposobem, w jaki ogólne odczucie może w największym bogactwie i splendorze oglądać niekończące się twory Natura ..."

Nic więc dziwnego, że ludzie renesansu czcili malarstwo jako naukę, i to najważniejszą z nauk: „Och, zadziwiająca nauko, utrzymujesz przy życiu śmiertelne piękno śmiertelników, czynisz je trwalszymi niż wytwory natura, nieustannie zmieniana przez czas, co doprowadza ich do nieuniknionej starości… ” Leonardo da Vinci powtarzał na różne sposoby w swoich notatkach.

W tym przypadku przeniesienie iluzji trójwymiarowości obiektu, jego umiejscowienia w przestrzeni, tj. umiejętność tworzenia wiarygodnego rysunku. Kolor pełnił rolę podrzędną, pełnił funkcję dodatkowej dekoracji. „Perspektywa była główną grą intelektualną tamtych czasów…”

Vasari w swoich „Biografiach” szczególnie zwrócił uwagę na entuzjazm wielu artystów XV wieku. nauka o perspektywie liniowej. Tym samym malarz Paolo Uccello dosłownie „zafiksował się” na problemach perspektywy, poświęcił cały swój wysiłek na prawidłowe budowanie przestrzeni, ucząc się, jak oddać iluzję redukcji i zniekształcenia detali architektonicznych. Żona artysty „często mówiła, że ​​Paolo całymi nocami przesiadywał w swojej pracowni w poszukiwaniu praw perspektywy i że kiedy go przywoływała do snu, odpowiadał jej: „Och, jaka przyjemna jest ta perspektywa!”

Etapy włoskiego renesansu. Kultura włoskiego renesansu przeszła kilka etapów. Nazwy okresów są tradycyjnie określane przez stulecia:

• - przełom XIII-XIV wieku. - Ducento, protorenesans (przedrenesans). Centrum - Florencja;
• - XIV wiek. -trecento (wczesny renesans);
• - XV wiek. - quattrocento (święto kultury renesansu). Wraz z Florencją nowe ośrodki kultury pojawiają się w Mediolanie, Ferrarze, Mantui, Urbino, Rimini;
• - XVI wiek. -cinquecento, obejmuje: Wysoki Renesans (pierwsza połowa XVI w.), przywództwo w życiu kulturalnym przechodzi na Rzym, oraz Późny Renesans (lata 50.-80. XVI w.), kiedy Wenecja staje się ostatnim ośrodkiem kultury renesansowej.

Proto-renesans. We wczesnych stadiach renesansu Florencja była głównym ośrodkiem nowej kultury. Kultowy poeta-figura Dante Alighieri (1265-1321 ) i malarza Giotta di Bondone (1276-1337 ), obie wywodzące się z Florencji, obie osobowości są typowe dla nowej epoki historycznej – aktywne, aktywne, energiczne. Tylko jeden z nich, Dante, biorąc czynny udział w walce politycznej, zakończył życie na politycznym wygnaniu, a drugi, Giotto, będąc nie tylko znanym artystą, ale także architektem, żył jako szanowany i zamożny obywatel . (w połowie). Każdy w swojej dziedzinie twórczości był innowatorem i zarazem dopełnieniem tradycji.

Ta ostatnia cecha jest bardziej charakterystyczna dla Dantego. Jego imię uwiecznił wiersz „Boska komedia”, opowiadający o wędrówkach autora po inny świat. Wszystkie główne idee średniowiecznego światopoglądu są skoncentrowane w tej pracy. Stare i nowe w nim obok siebie. Fabuła jest dość średniowieczna, ale opowiedziana w nowy sposób. Przede wszystkim należy zauważyć, że Dante porzucił łacinę. Wiersz napisany jest w dialekcie toskańskim. Dany jest obraz średniowiecznego pionowego obrazu wszechświata: kręgi piekła, góra czyśćca, przestrzenie raju, ale głównym bohaterem jest sam Dante, któremu towarzyszy rzymski poeta Wergiliusz w jego wędrówkach po piekle i Czyśćcu, aw raju spotyka „boską Beatrice”, kobietę, którą poeta kochał przez całe życie. Rola przypisana śmiertelniczce w wierszu wskazuje, że autorka jest zwrócona ku przyszłości, a nie ku przeszłości.

Poemat zamieszkuje wiele postaci, aktywnych, nieposkromionych, energicznych, których zainteresowania zwrócone są ku ziemskiemu życiu, troszczą się o ziemskie namiętności i czyny. Przed czytelnikiem przemykają różne losy, postacie, sytuacje, ale to ludzie nadchodzącej epoki, których duch zwraca się nie ku wieczności, ale ku chwilowemu zainteresowaniu „tu i teraz”. Złoczyńcy i męczennicy, bohaterowie i ofiary, wywołujący współczucie i nienawiść - wszyscy zadziwiają swoją witalnością i miłością do życia. Gigantyczny obraz wszechświata został stworzony przez Dantego.

Artysta Giotto postawił sobie za cel naśladowanie natury, co miało stać się kamieniem węgielnym dla malarzy następnej epoki. Przejawiało się to w chęci oddania objętości przedmiotów, uciekaniu się do modelowania postaci światłem i cieniem, wprowadzaniu do obrazu krajobrazu i wnętrza, próbie uporządkowania obrazu jako platformy scenicznej. Ponadto Giotto porzucił średniowieczną tradycję wypełniania całej przestrzeni ścian i sufitów malowidłami łączącymi różne tematy. Ściany kaplic pokryte są freskami, które ułożone są w pasy, a każdy pas podzielony jest na kilka pojedynczych malowideł poświęconych danemu epizodowi i oprawionych w ornamentalną ramę-wzór. Widz, przechodząc wzdłuż ścian kaplicy, przygląda się różnym epizodom, jakby przewracał kartki księgi.

Najbardziej znanymi dziełami Giotta są malowidła ścienne (freski) w kościołach w Asyżu i Padwie. W Asyżu obraz jest poświęcony życiu

Franciszka z Asyżu, krótko przed kanonizacją jako święty. Z cyklem padewskim związane są opowieści nowotestamentowe, które opowiadają o życiu Marii Panny i Jezusa Chrystusa.

Innowacja Giotta polegała nie tylko na zastosowaniu nowych technik, nie tylko na „kopiowaniu” natury (co było zbyt dosłownie rozumiane przez jego bezpośrednich naśladowców – jottesco), ale w odtwarzaniu nowego światopoglądu za pomocą technik obrazkowych. Tworzone przez niego obrazy są pełne hartu ducha i spokojnej wielkości. Takimi są zarówno Maryja, uroczyście przyjmująca wiadomość o swoim wybrańcu („Zwiastowanie”), jak i dobroduszny św. Franciszka, wielbiącego jedność i harmonię wszechświata („Św. Franciszek przemawia do ptaków”) oraz Chrystusa spokojnie spotykającego się ze zdradzieckim pocałunkiem Judasza („Pocałunek Judasza”). Dante i Giotto są uważani za mistrzów, którzy we włoskim renesansie zaczęli rozwijać temat bohaterskiego człowieka.

Trecento. Chwałę temu okresowi przynieśli mistrzowie, którzy rozwinęli temat liryczny w sztuce. Dźwięczne strofy sonetów Petrarki o pięknej Laurze echem wyrafinowanej linearności dzieł sieneńskich artystów. Malarze ci pozostawali pod wpływem tradycji gotyckich: spiczaste wieże kościołów, ostrołukowe łuki, krzywizna figur w kształcie litery 5, płaskość obrazu i dekoracyjność linii wyróżniają ich sztukę. Rozważany jest najsłynniejszy przedstawiciel szkoły sieneńskiej Simone Martini (1284-1344). Charakterystyczna dla niego jest kompozycja ołtarzowa przedstawiająca scenę Zwiastowania, ujęta w przepiękne złocone rzeźbienia, tworzące wydłużone gotyckie łuki. Złote tło zamienia całą scenę w fantastyczną wizję, a postacie pełne są dekoracyjnej finezji i kapryśnego wdzięku. Zwiewna postać Marii kapryśnie pochylonej na złotym tronie, jej delikatna twarz przywodzi na myśl wersety Bloka: „Podstępne Madonny mrużą długie oczy”. Artyści tego kręgu rozwinęli linię liryczną w sztuce renesansu.

W XIV wieku. kształtowanie się włoskiego języka literackiego. Ówcześni pisarze chętnie komponowali zabawne historie o sprawach ziemskich, kłopotach domowych i perypetiach ludzi. Zajmowali się pytaniami: jak człowiek zachowa się w określonych okolicznościach; W jaki sposób słowa i czyny ludzi odpowiadają sobie nawzajem? Takie opowiadania (opowiadania) łączono w zbiory, które stanowiły swego rodzaju „ludzką komedię” tamtej epoki. Najsłynniejszy z nich, Dekameron » Giovanni Boccaccio (1313-1375 ), jest encyklopedią życia codziennego i zwyczajów życia swoich czasów.

Dla potomności Francesco Petrarka (1304-1374) - pierwszy poeta liryczny czasów nowożytnych. Dla współczesnych był największym myślicielem politycznym, filozofem, mistrzem myśli kilku pokoleń. Jest on nazywany pierwszy humanista. W jego traktatach opracowano główne techniki i tematy właściwe dla humanizmu. To właśnie Petrarka zwrócił się ku studiowaniu starożytnych autorów, stale odwoływał się do ich autorytetu, zaczął pisać poprawną („cycerońską”) łaciną, postrzegał problemy swoich czasów przez pryzmat starożytnej mądrości.

W muzyce nowe nurty pojawiły się w twórczości takich mistrzów jak F. Landini. Kierunek ten nazwano „nową sztuką”. W tym czasie narodziły się nowe muzyczne formy muzyki świeckiej, takie jak ballada i madrygał. Dzięki staraniom kompozytorów „nowej sztuki” melodia, harmonia i rytm zostały połączone w jeden system.

Quattrocento. Okres ten otwiera działalność trzech mistrzów: architekta Filippo Brunelleschiego (1377-1446 ), rzeźbiarz Donatello(1386-1466 ), malarz Masaccio (1401-1428 ). Ich rodzinne miasto Florencja staje się uznanym centrum nowej kultury, której ideowym rdzeniem była gloryfikacja człowieka.

W projektach architektonicznych Brunelleschiego wszystko podporządkowane jest wywyższeniu człowieka. Przejawiało się to w tym, że budowle (nawet ogromne kościoły) budowano w taki sposób, aby człowiek nie wydawał się tam zagubiony i mało znaczący, jak w gotyckiej katedrze. Zewnętrzne empory Domu Dziecka zdobią lekkie arkady (elementy, które nie miały odpowiedników w starożytności), jasne i surowe wnętrza utrzymane w poważnym nastroju, majestatyczna i lekka ośmioboczna kopuła wieńczy przestrzeń Katedry Santa Maria della Fiore. Pełne surowej powściągliwości są elewacje miejskich pałaców-palazzo, w których szorstki mur pierwszego piętra (boniowanie) kontrastują z eleganckimi portalowymi oknami. Wrażenie to osiągnął architekt Filippo Brunelleschi.

Rzeźbiarz Donato, który wszedł do historii sztuki pod pseudonimem Donatello, wskrzesił zapomniany w średniowieczu typ wolnostojącej rzeźby. Udało mu się połączyć starożytny ideał harmonijnie rozwiniętego ludzkiego ciała z chrześcijańską duchowością i intensywną inteligencją. Obrazy, które stworzył, czy to był podekscytowany prorok Avvakum („Zukkone”), zamyślony zwycięzca Dawid, spokojnie skoncentrowana Maria Anunziata, straszny Gattamelata w swojej beznamiętnej wytrwałości, gloryfikują heroiczną zasadę w człowieku.

Tomaso Masaccio kontynuował reformy Giotta w malarstwie. Jego postacie są obszerne i dobitnie materialne („Madonna z Dzieciątkiem i św. Anna”), stoją na ziemi, a nie „unoszą się” w powietrzu („Adam i Ewa wygnani z raju”), umieszczone są w przestrzeń, którą artystce udało się przekazać techniką perspektywy centralnej („Trójca”).

Freski Masaccia w Kaplicy Brancaccich przedstawiają apostołów, którzy towarzyszyli Chrystusowi w Jego ziemskiej wędrówce. To zwykli ludzie, rybacy i rzemieślnicy. Artystka nie stara się jednak ubierać ich w łachmany, by podkreślić ich prostotę, ale unika też bujnych szat, które wskazywałyby na ich wybraństwo, ekskluzywność. Ważne jest dla niego pokazanie ponadczasowego znaczenia tego, co się dzieje.

Renesansowi mistrzowie środkowych Włoch starali się unikać tego rodzaju detali. Uznano, że ważniejsze jest przekazanie typowego, uogólnionego, a nie indywidualnego, przypadkowego, aby przekazać wielkość osoby. Aby to zrobić, na przykład Piero della Francesca sięgnął po takie techniki, jak użycie „niskiego horyzontu” i porównanie postaci ludzkich udrapowanych w szerokie płaszcze do form architektonicznych („Królowa Saby przed Salomonem”).

Wraz z tą heroiczną tradycją rozwinęła się inna liryczna. Dominowała w nim dekoracyjność, wielobarwność (powierzchnia wielu obrazów z tamtej epoki przypomina eleganckie dywany) oraz wzornictwo. Postacie przedstawione przez mistrzów tego kierunku są melancholijnie zamyślone, przepełnione czułym smutkiem. Małe rzeczy w życiu codziennym, kapryśne detale stanowią znaczną część ich atrakcyjności. Do artystów tego kręgu należeli zarówno mistrzowie florenccy, jak i artyści innych szkół. Najbardziej znani z nich to Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Benozzo Gozzoli, Pietro Perugino, Carlo Crivelli.

Najwybitniejszym mistrzem tego kierunku był Florentczyk Sandro Botticellego (1445-1510 ). Wzruszające, przejmujące piękno jego Madonn i Wenus jest dla wielu kojarzone ze sztuką Quattrocento w ogóle. Znakomicie wyblakłe kolory, kapryśne, to płynne, to wijące się linie, lekkie postacie szybujące nad ziemią i nie zauważające się nawzajem. Botticelli to jeden z najbardziej czarujących artystów renesansu, którego twórczość łączy w sobie wpływ estetyki średniowiecznej, biegłość w nowych techniki artystyczne i zapowiedź kryzysu kultury humanistycznej. W jego malarstwie pojawiają się wątki mitologiczne, alegoryczne i biblijne. Te wątki są przekazywane pędzlem prostodusznej i szczerej osoby, która dołączyła do idee filozoficzne neoplatonizm.

Sztuka Botticellego kwitła na dworze nieoficjalnego władcy Florencji, bankiera Lorenza Medici, który był typową postacią społeczno-polityczną swoich czasów: przebiegłym i podejrzanym politykiem, twardym władcą, entuzjastycznym miłośnikiem sztuki, dobrym poetą. Nie popełnił takich okrucieństw jak S. Malatesta czy C. Borgia, ale na ogół trzymał się tych samych zasad w swoich działaniach. Cechowała go (znów w duchu epoki) chęć pokazania zewnętrznego przepychu, przepychu, odświętności. Za jego czasów Florencja słynęła z błyskotliwych karnawałów, których obowiązkowym elementem były kostiumowe procesje, podczas których odgrywano małe przedstawienia teatralne o tematyce mitologicznej i alegorycznej, którym towarzyszyły tańce, śpiewy i recytacje. Uroczystości te zapowiadały powstanie sztuki teatralnej, której rozkwit rozpoczął się w następnym XVI wieku.

Kryzys idei humanizmu. Humanizm skupił się na gloryfikacji człowieka i żywił nadzieję, że wolna osobowość człowieka może się nieustannie doskonalić, a jednocześnie poprawiać życie ludzi, relacje między nimi będą życzliwe i harmonijne. Minęły dwa wieki od początku ruchu humanistycznego. Spontaniczna energia i aktywność ludzi stworzyły wiele - wspaniałe dzieła sztuki, bogate firmy handlowe, traktaty naukowe i dowcipne opowiadania, ale życie nie stało się lepsze. Co więcej, myśl o pośmiertnych losach śmiałych twórców była coraz bardziej niepokojąca. Co może uzasadniać ziemską działalność człowieka z punktu widzenia życia pozagrobowego? Humanizm i cała kultura renesansu nie dały odpowiedzi na to pytanie. Wolność jednostki, wpisana na sztandar humanizmu, zrodziła problem osobistego wyboru między dobrem a złem. Wybór nie zawsze był dokonywany na korzyść dobra. Walka o władzę, wpływy, bogactwo prowadziła do nieustannych krwawych potyczek. Krew zalała ulice, domy, a nawet kościoły Florencji, Mediolanu, Rzymu, Padwy i wszystkich wielkich i małych miast-państw Włoch. Sens życia sprowadzano do osiągania konkretnych i namacalnych sukcesów i osiągnięć, ale jednocześnie nie miało to żadnego wyższego uzasadnienia. Ponadto „gra bez zasad”, która stała się regułą życia, nie mogła trwać zbyt długo. Sytuacja ta zrodziła rosnące pragnienie wprowadzenia w życie społeczeństwa elementu organizacji i pewności. Trzeba było znaleźć wyższe uzasadnienie, wyższy bodziec dla szaleńczego wrzenia ludzkiej energii.

Ani ideologia humanistyczna, zorientowana na rozwiązywanie problemów życia doczesnego, ani stary katolicyzm, którego ideał etyczny został zwrócony ku życiu czysto kontemplacyjnemu, nie potrafiły zapewnić zgodności między zmieniającymi się potrzebami życiowymi a ich ideologicznym wyjaśnieniem. Dogmaty religijne musiały dostosować się do potrzeb społeczeństwa aktywnych, przedsiębiorczych, niezależnych indywidualistów. Jednak próby reformy kościelne w warunkach Włoch, dawnego centrum ideowego i organizacyjnego świata katolickiego, były skazane na niepowodzenie.

Najbardziej jaskrawym tego przykładem jest próba dominikańskiego mnicha Girolamo Savonaroli przeprowadzenia takiej reformy w warunkach florenckich. Po śmierci genialnego Lorenza de' Medici Florencja przeżywała kryzys polityczny i gospodarczy. Wszak świetności dworu Medyceuszy towarzyszyło pogorszenie gospodarki Florencji, osłabienie jej pozycji wśród sąsiednich państw. Surowy mnich dominikański Savonarola zdobył w mieście ogromne wpływy, nawołując do odrzucenia luksusu, pogoni za próżnymi sztukami i ustanowienia sprawiedliwości. Większość mieszczan (w tym artyści tacy jak Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi) entuzjastycznie przystąpiła do walki ze złem, niszcząc luksusowe przedmioty, paląc dzieła sztuki. Dzięki staraniom kurii rzymskiej Savonarola został obalony i stracony, przywrócono władzę oligarchii. Ale dawne, pogodne i radosne zaufanie do ideałów, nastawionych na chwałę doskonałego człowieka, zniknęło.

Wysoki renesans. Rdzeniem ideologii humanistycznej był wywrotowy patos emancypacji, wyzwolenia. Kiedy jego możliwości się wyczerpały, musiał nadejść kryzys. Krótki okres, mniej więcej trzy dekady, to moment ostatniego startu przed rozpoczęciem niszczenia całego systemu idei i nastrojów. Centrum rozwoju kultury przeniosło się w tym czasie z Florencji, która traciła swoją republikańską waleczność i zakony, do Rzymu, centrum monarchii teokratycznej.

Trzej mistrzowie najpełniej wyrazili wysoki renesans w sztuce. Można powiedzieć, choć oczywiście nieco warunkowo, że najstarszy z nich, Leonardo da Vinci (1452-1519 ), śpiewał ludzki intelekt, umysł, który wynosi człowieka ponad otaczającą go przyrodę; najmłodszy, Rafał Santi (1483-1520 ), stworzył doskonale piękne obrazy, ucieleśniające harmonię piękna duchowego i fizycznego; A Michał Anioł Buonarroti (1475-1564) gloryfikował siłę i energię człowieka. Świat wykreowany przez artystów jest rzeczywistością, ale oczyszczoną ze wszystkiego, co małostkowe i przypadkowe.

Najważniejszą rzeczą, którą Leonardo pozostawił ludziom, jest jego malarstwo, wychwalające piękno i umysł człowieka. Już pierwsza z niezależnych prac Leonarda - głowa anioła, napisana na chrzest przez jego nauczyciela Verrocchio, uderzyła słuchaczy swoim przemyślanym i przemyślanym wyglądem. Bohaterowie artysty, czy to młoda Maria bawiąca się z dzieckiem („Madonna Benois”), piękna Cycylia („Dama z gronostajem”), czy apostołowie i Chrystus w scenie „Ostatniej wieczerzy”, są przede wszystkim istoty myślące. Wystarczy przypomnieć obraz znany jako portret Mony Lisy („Gioconda”). Spojrzenie spokojnie siedzącej kobiety jest pełne takiej wnikliwości i głębi, że wydaje się, że widzi i rozumie wszystko: uczucia patrzących na nią ludzi, zawiłości ich życia, nieskończoność Kosmosu. Za nią jest piękny i tajemniczy krajobraz, ale ona wznosi się ponad wszystko, jest najważniejsza na tym świecie, uosabia ludzki intelekt.

W osobowości i twórczości Raphaela Santiego pragnienie harmonii, wewnętrznej równowagi, spokojnej godności charakterystyczne dla włoskiego renesansu przejawiało się ze szczególną pełnią. Pozostawił po sobie nie tylko dzieła malarskie i architektoniczne. Jego obrazy są bardzo zróżnicowane tematycznie, ale kiedy mówią o Rafaelu, jako pierwsze przychodzą na myśl obrazy jego Madonn. Mają sporo podobieństw, przejawiających się w duchowej czystości, dziecięcej czystości i jasności wewnętrznego świata. Wśród nich są zamyśleni, marzycielscy, zalotni, skupieni, każdy ucieleśnia jeden lub drugi aspekt jednego obrazu - kobiety z duszą dziecka.

Z tej serii wypadła najsłynniejsza z Madonn Rafaela, Madonna Sykstyńska. Oto jak opisują wrażenia żołnierzy radzieckich, którzy widzieli go w 1945 r. wydobytego z kopalni, w której ukrywali go naziści: „Na pierwszy rzut oka nic nie przykuwa twojej uwagi; twoje spojrzenie ślizga się, nie zatrzymując się na niczym, aż do tego momentu, aż spotyka inne, poruszające się w kierunku spojrzenia. Ciemne, szeroko rozstawione oczy spokojnie i uważnie patrzą na ciebie, spowite przezroczystym cieniem rzęs; i już coś niejasnego poruszyło się w twojej duszy, budząc czujność… Wciąż próbujesz zrozumieć, o co chodzi, co dokładnie na obrazie cię zaalarmowało, zaniepokoiło. A twoje oczy mimowolnie raz po raz przyciągają jej spojrzenie ... Spojrzenie Madonny Sykstyńskiej, lekko zamglone smutkiem, jest pełne ufności w przyszłość, ku której z taką wielkością i prostotą niesie swojego najdroższego syna .

Podobną percepcję obrazu oddają takie poetyckie wersety: „Królestwa zginęły, morza wyschły, / Cytadele doszczętnie spalone, / Aona w matczynym smutku / Odeszła przeszłość w przyszłość”.

W twórczości Rafaela szczególnie żywe jest pragnienie znalezienia tego, co wspólne, typowe dla jednostki. Mówił o tym, jak musiał zobaczyć wiele pięknych kobiet, aby napisać Piękno.

Artyści włoskiego renesansu, tworząc portret, skupiali się nie na szczegółach, które pomagają ukazać jednostkę w osobie (kształt oczu, długość nosa, kształt ust), ale na uogólnieniu- typowych, stanowiących „gatunkowe” cechy Człowieka.

Michelangelo Buonarroti był zarówno wspaniałym poetą, jak i genialnym rzeźbiarzem, architektem i malarzem. Długie twórcze życie Michała Anioła obejmowało czas największego rozkwitu kultury renesansu; on, który przeżył większość tytanów renesansu, musiał być świadkiem upadku humanistycznych ideałów.

Siła i energia, jakimi przesiąknięte są jego prace, wydają się czasem przesadne, przytłaczające. W twórczości tego mistrza charakterystyczny dla epoki patos kreacji łączy się z tragicznym poczuciem zagłady tego patosu. Kontrast siły fizycznej i niemocy obecny jest w wielu rzeźbiarskich przedstawieniach, jak np. w postaciach „Niewolników”, „Więźniów”, słynna rzeźba„Noc”, a także w obrazach sybilli i proroków na suficie Kaplicy Sykstyńskiej.

Szczególnie tragiczne wrażenie wywiera malowidło przedstawiające scenę Sądu Ostatecznego na zachodniej ścianie Kaplicy Sykstyńskiej. Według krytyka sztuki „podniesiona ręka Chrystusa jest źródłem wirowego ruchu sferycznego, który odbywa się wokół środkowego owalu… Świat jest wprawiony w ruch, wisi nad przepaścią, cały szereg ciał wisi nad otchłań Sądu Ostatecznego... W wybuchu gniewu ręka Chrystusa podniosła się. Nie, nie ukazał się ludziom jako zbawiciel… a Michał Anioł nie chciał ludzi pocieszać… Ten Bóg jest dość niezwykły… jest bez brody i młodzieńczo szybki, jest potężny siłą fizyczną i wszystkim jego siła jest dana gniewowi. Ten Chrystus nie zna litości. Teraz byłoby to tylko przyzwolenie na zło.

Renesans w Wenecji: święto koloru. Bogata republika kupiecka stała się centrum późnego renesansu. Wśród ośrodki kultury Włochy Wenecja zajmowała szczególną pozycję. Nowe trendy przeniknęły tam znacznie później, co tłumaczy się silnymi nastrojami konserwatywnymi panującymi w tej oligarchicznej republice kupieckiej, połączonej bliskimi stosunkami z Bizancjum i pod silnym wpływem „bizantyjskiej maniery”.

Dlatego duch renesansu przejawia się w sztuce Wenecjan dopiero od drugiej połowy XV wieku. w twórczości kilku pokoleń artystów rodziny Bellinich.

Oprócz, malarstwo weneckie ma jeszcze jedną zauważalną różnicę. W sztukach wizualnych innych włoskich szkół najważniejszy był rysunek, umiejętność oddania objętości ciał i przedmiotów za pomocą modelowania światła i cienia (słynny sfumato Leonardo da Vinci), z kolei Wenecjanie przywiązywali dużą wagę do gry kolorów. Wilgotna atmosfera Wenecji sprawiła, że ​​artyści z wielką uwagą traktowali malowniczość swoich prac. Nic dziwnego, że Wenecjanie jako pierwsi włoscy artyści zwrócili się ku technice malarstwa olejnego, rozwiniętej na północy Europy, w Holandii.

Prawdziwy rozkwit szkoły weneckiej związany jest z kreatywnością Giorgione de Castelfranco (1477-1510 ). Ten przedwcześnie zmarły mistrz pozostawił po sobie kilka obrazów. Człowiek i przyroda są tematem przewodnim takich dzieł jak „Koncert country”, „Śpiąca Wenus”, „Burza z piorunami”. „Między naturą a człowiekiem panuje szczęśliwa harmonia, która, ściśle mówiąc, jest głównym tematem obrazu”. W malarstwie Giorgione ważna rola należy do koloru.

Najsłynniejszym przedstawicielem szkoły weneckiej był Tycjan Vecelio, którego rok urodzenia nie jest znany, ale zmarł w bardzo podeszłym wieku, w 1576 r. podczas epidemii dżumy. Malował obrazy o tematyce biblijnej, mitologicznej, alegorycznej. W jego malarstwie jest mocny afirmujący życie początek, bohaterowie i bohaterki są pełni siły i zdrowia fizycznego, majestatyczni i piękni. Ołtarzowy obraz Wniebowstąpienia Marii (Assunta) i antyczny motyw Bachanaliów są jednakowo nasycone energią impulsu i ruchu. Również Denar Cezara (Chrystusa i Judasza) oraz Miłość na ziemi i w niebie przesiąknięte są podtekstem filozoficznym. Artysta śpiewał kobiece piękno(„Wenus z Urbino”, „Danae”, „Dziewczyna z owocami”) i tragiczny moment odejścia człowieka z życia („Opłakiwanie Chrystusa”, „Złożenie do grobu”). Majestatycznie piękne obrazy, harmonijne detale form architektonicznych, piękne rzeczy wypełniające wnętrza, miękka i ciepła kolorystyka obrazów - wszystko to świadczy o umiłowaniu życia tkwiącym w Tycjanie.

Ten sam temat był stale rozwijany przez innego Wenecjanina, Paolo Veronese (1528-1588 ). To jego wielkoformatowe „Biesiady” i „Uroczystości”, jego alegorie ku chwale dobrobytu Republiki Weneckiej, które przychodzą na myśl przede wszystkim ze słowami „malarstwo weneckie”. Veronese brakuje wszechstronności i mądrości Tycjana. Jego malarstwo jest bardziej dekoracyjne. Powstał przede wszystkim po to, by ozdobić pałace weneckiej oligarchii i zaprojektować oficjalne budynki. Wesoły temperament i szczerość sprawiły, że ten panegiryk stał się radosną celebracją życia.

Należy zauważyć, że u Wenecjan częściej niż u przedstawicieli innych szkół włoskich pojawiają się opowieści antyczne.

idee polityczne. Stało się oczywiste, że humanistyczne przekonanie, że człowiek wolny i wszechmocny stanie się szczęśliwy i uszczęśliwi wszystkich wokół niego, nie jest uzasadnione i rozpoczęło się poszukiwanie innych możliwości osiągnięcia szczęścia. Gdy gasła nadzieja na zdolność jednostki do stworzenia warunków do szczęśliwego lub przynajmniej spokojnego życia ludzi, zwrócono uwagę na możliwości zorganizowanej wspólnoty ludzkiej – państwa. U początków myśli politycznej czasów nowożytnych leży Florentyńczyk Niccolo Machiavelli (1469-1527 ), który był mężem stanu, historykiem, dramaturgiem, teoretykiem wojskowości i filozofem. Próbował zrozumieć, jak powinno być zorganizowane społeczeństwo, aby ludzie żyli spokojniej. Silna władza władcy jest tym, co jego zdaniem może zapewnić porządek. Niech władca będzie okrutny jak lew i przebiegły jak lisy, niech strzegąc swej władzy, wyeliminuje wszystkich rywali. Według Machiavellego nieograniczona i niekontrolowana władza powinna przyczynić się do powstania dużego i potężnego państwa. W takim stanie większość ludzi będzie żyła w pokoju, bez obawy o swoje życie i mienie.

Działalność Machiavellego świadczyła o tym, że czas „grania bez reguł” dość zmęczył społeczeństwo, że zaistniała potrzeba stworzenia siły, która mogłaby jednoczyć ludzi, regulować stosunki między nimi, zaprowadzać pokój i sprawiedliwość, a państwo zaczęto uważać za taka siła.

Miejsce sztuki w społeczeństwie. Jak już wspomniano, najbardziej szanowaną dziedziną działalności była wówczas twórczość artystyczna, ponieważ był to język sztuki, który wyrażał się w całej epoce. Świadomość religijna traciła wszechogarniający wpływ na życie społeczne, a wiedza naukowa była jeszcze w powijakach, więc świat postrzegano przez sztukę. Sztuka pełniła rolę, która w średniowieczu należała do religii, aw społeczeństwie czasów nowożytnych i współczesnych nauce. Wszechświat był postrzegany nie jako system mechanistyczny, ale jako integralny organizm. Głównym sposobem poznawania otoczenia była obserwacja, kontemplacja, utrwalanie tego, co widać, a najlepiej dawało to malarstwo. To nie przypadek, że Leonardo da Vinci nazywa malarstwo nauką, zresztą najważniejszą z nauk.

Wiele faktów świadczy o znaczeniu pojawienia się wybitnego dzieła sztuki w oczach współczesnych.

O rywalizacji między artystami o prawo do otrzymania dochodowego zamówienia rządowego była mowa powyżej. Równie kontrowersyjne było pytanie, gdzie powinien stanąć „Dawid” Michała Anioła, a kilkadziesiąt lat później ten sam problem pojawił się w związku z instalacją „Perseusza” B. Celliniego. A to tylko kilka z najbardziej znanych przykładów tego rodzaju. Takie podejście do powstawania nowych kreacji artystycznych, mających upiększać i gloryfikować miasto, było zupełnie naturalne dla miejskiego życia renesansu. Epoka mówiła o sobie językiem dzieł sztuki. Dlatego każde wydarzenie w życiu artystycznym stawało się ważne dla całego społeczeństwa.

Wątki i interpretacja wątków w sztuce włoskiego renesansu. Po raz pierwszy od tysiąca lat istnienia kultury chrześcijańskiej artyści zaczęli przedstawiać ziemski świat, wywyższając go, gloryfikując, ubóstwiając. Tematyka sztuki pozostała prawie wyłącznie religijna, ale w ramach tego tradycyjnego tematu zainteresowanie przesunęło się, relatywnie rzecz biorąc, na tematy afirmujące życie.

Pierwszą rzeczą, która przychodzi na myśl na wzmiankę o włoskim renesansie, jest obraz Marii z dzieckiem, który jest reprezentowany przez młodą kochankę (Madonnę) z wzruszająco pięknym dzieckiem. „Madonna z Dzieciątkiem”, „Madonna ze świętymi” (tzw. „Święty Wywiad”), „Święta Rodzina”, „Pokłon Trzech Króli”, „Boże Narodzenie”, „Pochód Trzech Króli” to ulubione tematy sztuka epoki. Nie, powstały zarówno „Ukrzyżowania”, jak i „Lamentacje”, ale ta notatka nie była główna. Klienci i artyści, którzy ucieleśniali swoje pragnienia w widzialnych obrazach, odnaleźli w tradycyjnych religijnych wątkach coś, co niosło nadzieję i wiarę w jasny początek.

Wśród postaci świętych legend pojawiły się wizerunki prawdziwych ludzi, np dawcy(darczyńców) znajdujących się poza ramami kompozycji ołtarza lub jako bohaterowie zatłoczonych procesji. Wystarczy przypomnieć „Pokłon Trzech Króli” S. Botticellego, gdzie w eleganckim tłumie wiernych rozpoznaje się członków rodu Medyceuszy i gdzie artysta prawdopodobnie umieścił autoportret. Wraz z tym rozpowszechniły się niezależne portrety współczesnych, malowane z natury, z pamięci, zgodnie z opisami. W ostatnich dziesięcioleciach XV w artyści zaczęli coraz częściej przedstawiać sceny o charakterze mitologicznym. Takie wizerunki miały zdobić pomieszczenia palazzo. Sceny z życia nowożytnego włączano do kompozycji religijnych lub mitologicznych. Nowoczesność sama w sobie w swoich codziennych przejawach nie interesowała zbytnio artystów, którzy ubrali wzniosłe, idealne tematy w znajome obrazy wizualne. Mistrzowie renesansu nie byli realistami nowoczesne znaczenie tego słowa odtworzyli dostępnymi im środkami świat Człowieka, oczyszczony z codzienności.

Posługując się techniką perspektywy linearnej, artyści stworzyli na płaszczyźnie iluzję trójwymiarowej przestrzeni wypełnionej figurami i przedmiotami sprawiającymi wrażenie trójwymiarowych. Ludzie na obrazach renesansowych są przedstawiani jako majestatyczni i ważni. Ich pozy i gesty są pełne powagi i powagi. Wąska uliczka czy obszerny plac, elegancko urządzona sala czy swobodnie rozpościerające się wzgórza – wszystko to stanowi tło dla postaci ludzi.

We włoskim malarstwie renesansowym pejzaż lub wnętrze to przede wszystkim rama dla postaci ludzkich; subtelne modelowanie światła i cienia tworzy wrażenie materialności, ale nie topornej, ale niezwykle przewiewnej (nieprzypadkowo Leonardo uznał, że idealny czas na pracę to środek dnia przy pochmurnej pogodzie, kiedy oświetlenie jest miękkie i rozproszone); niski horyzont sprawia, że ​​postacie są monumentalne, jakby dotykały głową nieba, a powściągliwość ich postaw i gestów dodaje im powagi i majestatu. Postacie nie zawsze są piękne w rysach twarzy, ale zawsze są wypełnione wewnętrznym znaczeniem i znaczeniem, uczuciami godność i spokój.

Artyści we wszystkim i zawsze unikają skrajności i wypadków. Oto, jak krytyk sztuki opisał muzealne wrażenia malarstwa włoskiego renesansu: „Sale sztuki włoskiej XIV-XVI wieku wyróżniają się jedną interesującą cechą - są zaskakująco ciche z dużą ilością odwiedzających i różnymi wycieczkami ... Cisza unosi się ze ścian, z obrazów - majestatyczna cisza wysokiego nieba, miękkich wzgórz, wielkich drzew. I -wielcy ludzie... Ludzie są więksi niż niebo. Rozpościerający się za nimi świat - z drogami, ruinami, brzegami rzek, miastami i zamkami rycerskimi - oglądamy jak z lotu ptaka. Jest obszerna, szczegółowa i z szacunkiem usunięta”.

W opowieści o wystawie kartonów wykonanych przez Leonarda i Michała Anioła do Sali Rady (obrazy nigdy nie zostały ukończone ani przez jednego, ani przez drugiego) warto zwrócić uwagę na fakt, że dla Florentczyków szczególnie ważne wydawało się obejrzenie kartony. Szczególnie docenili rysunek, który oddaje formę, objętość przedstawionych przedmiotów i ciał, a także koncepcję ideologiczną, którą mistrz starał się wcielić. Kolor w malarstwie był dla nich raczej dodatkiem, podkreślającym formę stworzoną przez rysunek. I jeszcze jedno: sądząc po zachowanych kopiach, oba dzieła (poświęcone były dwóm bitwom ważnym dla dziejów miasta-państwa Florencji) miały stać się typowym przejawem renesansowego podejścia do sztuki, w którym najważniejsze było mężczyzna. Mimo całej różnicy w kartonach, Leonardo i Michał Anioł splecieni w jedną kulę podczas walki o sztandar konnych żołnierzy pod Leonardo („Bitwa pod Anghiari”) i żołnierzy pędzących do broni, złapani przez wroga podczas pływania w rzece , u Michała Anioła („Bitwa pod Cashine”), - ogólne podejście do przedstawienia przedstawionego jest oczywiste, wymaga wybrania postaci ludzkiej, podporządkowania jej otaczającej przestrzeni. W końcu aktorzy są ważniejsi niż miejsce akcji.

Interesujące jest prześledzenie, w jaki sposób mentalność epoki znalazła odzwierciedlenie w sztuce, porównując kilka prac poświęconych przedstawieniu tej samej tematyki. Jedną z ulubionych historii tamtych czasów była historia św. Sebastiana, który został stracony przez rzymskich żołnierzy za przywiązanie do chrześcijaństwa. Temat ten pozwolił ukazać heroizm osoby ludzkiej, zdolnej do poświęcenia życia za swoje przekonania. Ponadto fabuła pozwoliła zwrócić się do obrazu nagiego ciała, zrealizować humanistyczny ideał - harmonijne połączenie pięknego wyglądu i pięknej ludzkiej duszy.

W połowie XVw. Na ten temat napisano kilka prac. Autorami byli raczej odmienni mistrzowie: Perugino, Antonello de Mesina i inni. Patrząc na ich obrazy, uderza spokój, poczucie wewnętrznej godności, jakie przenika obraz pięknego, nagiego młodzieńca, stojącego przy słupie lub drzewie i marzącego patrzącego w niebo. Za nim rozciąga się spokojny wiejski krajobraz lub przytulny rynek miejski. Dopiero obecność strzał w ciele młodzieńca mówi widzowi, że mamy przed sobą scenę egzekucji. Bólu, tragedii, śmierci nie odczuwa się. Ci piękni młodzieńcy, zjednoczeni losem męczennika Sebastiana, są świadomi swojej nieśmiertelności, tak jak ludzie, którzy żyli we Włoszech w XV wieku, odczuwali ich nietykalność, wszechmoc.

Na obrazie namalowanym przez artystę Andreę Mantegnę odczuwamy tragedię tego, co się dzieje, jego św. Sebastian czuje się, jakby umierał. I wreszcie w połowie XVI wieku. Tycjan Vecelio napisał swoją św. Sebastianie. Na tym płótnie nie ma szczegółowego krajobrazu. Miejsce akcji jest tylko wskazane. Nie ma przypadkowych postaci w tle, nie ma wojowników-katów celujących w swoją ofiarę, nic, co mogłoby powiedzieć widzowi sens sytuacji, a jednocześnie jest poczucie tragicznego końca. To nie jest tylko śmierć człowieka, to śmierć całego świata, płonącego w szkarłatnych błyskach powszechnej katastrofy.

Wartość kultury włoskiego renesansu. Gleba, która dała początek kulturze włoskiego renesansu, została zniszczona w XVI wieku. Większa część kraju została poddana obcym najazdom, nową strukturę gospodarczą zachwiało przesunięcie głównych szlaków handlowych w Europie od Morza Śródziemnego do Atlantyku, republiki Polan dostały się pod panowanie ambitnych kondotierów najemników, a fala indywidualistycznych energia straciła swoje wewnętrzne uzasadnienie i stopniowo wygasła w warunkach odradzających się porządków feudalnych (re-feudalizacji społeczeństwa). Próba stworzenia z inicjatywy przedsiębiorczości nowego społeczeństwa opartego na emancypacji osobowości ludzkiej została na długo przerwana we Włoszech. Kraj był w upadku.

Z drugiej strony tradycja kulturowa stworzona przez to społeczeństwo rozprzestrzeniła się dzięki wysiłkom włoskich mistrzów w całej Europie, stała się standardem dla całej kultury europejskiej, otrzymała poźniejsze życie w jej wersji, której nadano miano kultury „wysokiej”, „naukowej”. Pozostały zabytki kultury renesansu – piękne budowle, posągi, malowidła ścienne, obrazy, wiersze, mądre pisma humanistów, pozostały tradycje, które stały się decydujące dla kultury tych ludów, które znajdowały się pod jej wpływem przez następne trzy i pół wieku (aż do koniec XIX w.), i wpływ ten stopniowo rozprzestrzenił się bardzo szeroko.

Na szczególne podkreślenie zasługuje i podkreślenie znaczenia sztuk pięknych włoskiego renesansu z jego dążeniem do oddania na płaszczyźnie ściany lub deski, kartki papieru zamkniętej w płóciennej ramie iluzji trójwymiarowej przestrzeni wypełnionej iluzorycznymi trójwymiarowe obrazy ludzi i przedmiotów - co można nazwać „okno Leonarda Daniłowa I.E. Włoskie miasto XV wieku. Rzeczywistość, mit, obraz. M., 2000.S. 22, 23. Patrz: Golovin V.P. Świat artysty wczesnego renesansu. M.: Wydawnictwo Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego, 2002. S. 125. Boyadzhiev G. Włoskie zeszyty. M., 1968. S. 104.

Łazariew V.N. Starzy włoscy mistrzowie. M., 1972. S. 362.

Rich E. Listy z Ermitażu // Aurora. 1975. Nr 9. S. 60.

Historia Włoch.

Renesans.

W XIV i XV wieku Włochy, mimo rozdrobnienia politycznego, przechodziły głębokie, choć stopniowe przemiany. Zawirowania polityczne, nagromadzenie bogactwa w tym centrum światowego handlu i wreszcie bogata historia Włochy przyczyniły się do renesansu - odrodzenia tradycji starożytnych cywilizacji Grecji i Rzymu.

Wzrostowi dobrobytu towarzyszyło kształtowanie się społeczeństwa miejskiego, świeckiego i głęboko indywidualistycznego. Miasta, które powstały już w czasach rzymskich i nigdy całkowicie nie zniknęły, odrodziły się dzięki ogromnemu ożywieniu handlu i przemysłu. Co więcej, waśnie między cesarzami a papieżami pozwalały miastom, manewrując między obiema stronami, uwolnić się od zewnętrznej kontroli. Wszędzie, z wyjątkiem południowej części Półwyspu Apenińskiego, miasta zaczęły rozszerzać swoją władzę na okoliczne tereny wiejskie. Szlachta feudalna musiała porzucić dotychczasowy tryb życia i uczestniczyć w życiu intelektualnym i duchowym miast.

Politycznie feudalna anarchia ustąpiła miejsca kompletnemu chaosowi. Z wyjątkiem położonego na południu Królestwa Neapolu, Półwysep Apeniński podzielony był na wiele małych miast-państw, niemal całkowicie niezależnych zarówno od cesarza, jak i od papieża. Oczywiście dochodziło do różnego rodzaju zajęć i fuzji, ale wiele miast mogło skutecznie obronić się i żadne porozumienia ani siły nie były w stanie zmusić ich do zjednoczenia. Jednocześnie ostre sprzeczności społeczne w samych miastach i konieczność stworzenia jednolitego frontu przeciwko zewnętrznym wrogom przyczyniły się do upadku wielu reżimów republikańskich, co ułatwiło despotom przejęcie władzy. Ludzie, zmęczeni niestabilnością, sami zabiegali lub aprobowali pojawienie się takich tyranów, którzy rządzili z pomocą najemników (condottieri), ale jednocześnie starali się zyskać szacunek i poparcie mieszczan. W tym okresie nastąpiła znaczna ekspansja większych państw kosztem małych, a do 1494 r. Pozostało tylko pięć dużych państw i jeszcze mniej miast-państw.

Księstwo Mediolanu, Republiki Florencka i Wenecka, Państwo Kościelne i Królestwo Neapolu były najważniejszymi formacjami politycznymi Półwyspu Apenińskiego. Mediolan, pod rządami rodziny Sforzów, stał się jednym z najbogatszych państw oraz ośrodkiem sztuki i edukacji.

Tak jak Mediolan dominował nad równiną lombardzką i kontrolował alpejskie przełęcze prowadzące do północnej Europy, tak Wenecja, zbudowana na wyspach laguny, dominowała nad Morzem Adriatyckim. Trzymając się z dala od skomplikowanych perypetii włoskiej polityki, Wenecja ze względu na swoje położenie geograficzne pełniła rolę pośrednika w handlu między Europą Zachodnią a Wschodnią. Wenecją rządziły zamożne rody, które wybierały spośród siebie doży, dożywotnią głowę miasta, sprawującą rządy przy pomocy Senatu i Rady Dziesięciu. Na mocy traktatu z 1454 r., zawartego między Wenecją a Mediolanem, ten ostatni uznał Wenecję za państwo kontynentalne we wschodniej Lombardii i na północnych wybrzeżach Adriatyku.

Florencja zachowała pozory republikańskiej formy rządów, jednak częste przewroty, walki między partiami i dominacja oligarchii, składającej się z wąskiego kręgu zamożnych rodzin, doprowadziły do ​​uznania przez mieszkańców miasta w 1434 roku władzy z rodu Medici. Formalnie republikańska forma rządów została zachowana, ale w rzeczywistości Cosimo Medici i jego następcy zachowywali się jak prawdziwi despoty. Okres rozkwitu dynastii przypadł na panowanie Lorenza Wspaniałego (1469–1492), poety, mecenasa sztuki i nauki, męża stanu i dyplomaty.

Państwo Kościelne zajmowało znaczną część środkowych Włoch, w tym Romanię, a na wschodzie sięgało niemal granic Wenecji. Nominalnie terytorium to było rządzone przez papieża, ale w rzeczywistości było podzielone na liczne lenna, w których władcy ustalali własne zasady. Wielu papieży renesansu było równie świeckich jak włoscy władcy i utrzymywało luksusowe dwory. Papieże Mikołaj V (1447-1455), założyciel Biblioteki Watykańskiej, oraz Pius II (1458-1464) uczynili wiele dla ożywienia edukacji w duchu starożytności. Rozkwit renesansu przypadł na panowanie papieży Juliusza II (1503-1513) i Leona X (1513-1521) Królestwo Neapolu obejmowało terytorium Włoch na południe od granic Państwa Kościelnego. Co prawda do 1435 roku Sycylia była odrębnym królestwem, którym rządziła francuska dynastia Andegawenów, aż do przekazania władzy królowi Alfonsowi I z dynastii Aragońskiej. Za panowania Alfonsa Neapol przeżywał okres ożywienia gospodarczego i rozkwitu sztuki, chociaż królestwo to różniło się politycznie od miast-państw północnych Włoch. W 1504 Neapol został podbity przez Hiszpanię i stopniowo tracił niepodległość przez następne dwa stulecia.

W okresie renesansu Włochy prosperowały dzięki delikatnej równowadze czynników politycznych i kulturowych panujących wówczas w Europie i na całym świecie. W XIV - pierwszej połowie XV wieku. Kraj został podzielony na wiele niezależnych państw. Czynniki dynastyczne, instytucjonalne i społeczne uniemożliwiły przekształcenie włoskiej wspólnoty kulturowej w jakąkolwiek realną formę jedności politycznej. Jak przekonywał Machiavelli i inni myśliciele włoscy tamtych czasów, to właśnie w dominującym paradoksie historycznym należy szukać korzeni świetności i tragizmu włoskiego renesansu. Upadek dwóch uniwersalnych systemów władzy średniowiecza – Świętego Cesarstwa Rzymskiego i papiestwa – wielokrotnie wywoływał próby zjednoczenia Italii.

Przez ponad sto lat (1305-1414) energiczne wysiłki skierowane były ku temu z północy, centrum i południa Włoch. Ich celem było osiągnięcie w takiej czy innej formie jedności kraju lub przynajmniej objęcie wielu państw wspólną władzą polityczną. Najważniejsze z tych wysiłków były kolejno wspierane przez Roberto z Neapolu (1308–1343), Cola di Rienzo w Rzymie (1347–1354), arcybiskupa Giovanniego Viscontiego z Mediolanu (1349–1359) i kardynała Egidio Albornoz (1352–1367) Rzymu. Ostatnie dwie poważne próby, odpowiednio, na północy i południu, zostały podjęte pod przywództwem Gian Galeazzo Viscontiego z Mediolanu (1385–1402) i neapolitańskiego króla Władysława (1402–1414). We wszystkich tych przypadkach koalicje innych sił we Włoszech zebrały się pod sztandarem „wolności Włoch” i skutecznie oparły się chęci narzucenia temu krajowi jednego rządu. Po klęsce Gian Galeazzo i Władysława nastąpiła seria wojen między pięcioma największymi państwami włoskimi.

W połowie XV wieku Włochy stanęły w obliczu dwóch nowych niekorzystnych czynników w życiu międzynarodowym. Na Zachodzie, za Alpami, dobiegała końca przedłużająca się walka między feudalnymi dynastiami Europy, w szczególności konflikt angielsko-francuski. Dlatego należało się spodziewać, że duże państwa kontynentalne – Francja, Hiszpania i Austria – wkrótce zainterweniują w sprawy włoskie. Na wschodnich – śródziemnomorskich i adriatyckich – flankach Włoch istniało zagrożenie ze strony Osmanów.

Dalekowzroczni mężowie stanu w każdym z pięciu głównych państw włoskich szybko zdali sobie sprawę, że przedłużająca się włoska „wojna domowa” musi zostać zakończona. Rozpoczęły się negocjacje pokojowe. Z inicjatywy Cosimo de 'Medici z Florencji i papieża Mikołaja V, Francesco Foscari, doża wenecki i Francesco Sforza, książę Mediolanu, zawarli pokój w Łodzi w kwietniu 1454 roku. Narodziła się federacja, do której dołączył król neapolitański Alfons Aragoński i ostatecznie mniejsze państwa włoskie pod rządami papieża. Święta Liga Państw Włoskich wprowadziła zakaz konfliktów w obrębie Półwyspu Apenińskiego i stworzyła nową strukturę pokojowego współistnienia.

Przez prawie czterdzieści lat, od 1454 do 1494 roku, Włochy cieszyły się pokojem i rozkwitem kultury renesansowej, przejawiającej się w sztuce, nauce i filozofii. Do 1492 roku Lorenzo Medici działał jako arbiter w polityce i rządził Włochami bez angażowania ich w sojusze z zagranicznymi mocarstwami europejskimi. Jednak niespełna dwa lata po śmierci Lorenza strach, ambicja i egoizm zrodziły atmosferę wzajemnej nieufności wśród władców państw włoskich.

Francuski król Karol VIII podjął się uwolnienia Włoch od rzeczywistych i częściowo fikcyjnych trudności wywołanych działaniami samolubnych władców. Przywódca religijny Florencji Savonarola otwarcie potępił te działania. W 1494 Karol VIII najechał Włochy i 22 lutego 1495 wkroczył do Rzymu; potem nastąpiły inne najazdy. W 1527 r. Rzym został splądrowany przez wojska cesarza Karola V z dynastii Habsburgów. Na mocy pokoju zawartego w Cambrai w 1529 r. Francuzi musieli zrezygnować ze swoich roszczeń we Włoszech, ale później podjęli nowe, równie nieudane próby wypędzenia Habsburgów z Italii. Wojny włoskie zakończyły się w 1559 r. pokojem Katona Cambresiego, na mocy którego większość Włoch została włączona do imperium Habsburgów.

Wraz ze zwycięstwem Hiszpanii nad Francją na Półwyspie Apenińskim zakończyła się niepodległość państw włoskich, z których wiele pozostawało zależnych od obcych mocarstw przez prawie dwa stulecia. Gwałtowny rozwój handlu śródziemnomorskiego, który zasilał dorobek kulturowy renesansu we Włoszech, wyhamował w XVI wieku, kiedy to po odkryciu Ameryki główne szlaki handlowe przeniosły się nad Atlantyk. Genua i Wenecja przetrwały jako niezależne republiki, ale ich gospodarki również podupadły. Najpotężniejszym z włoskich władców był teraz papież, nie tylko jako świecka głowa Państwa Kościelnego, ale także jako przywódca kontrreformacji. Reforma doktryny katolickiej, przyjęta na Soborze Trydenckim (1545-1563), wpłynęła na życie polityczne, kulturalne i religijne Włoch, a już za czasów papieża Pawła IV (1555-1559) Kościół katolicki zaczął zwalczać herezje. Zaostrzyła się działalność Inkwizycji. Jej ofiarami byli wolnomyślący dominikański ksiądz Giordano Bruno, który został spalony na stosie jako heretyk, oraz Galileo Galilei, który został zmuszony do porzucenia swoich pionierskich teorii naukowych.

Hiszpańska dominacja na Półwyspie Apenińskim trwała do XVII wieku, chociaż była wielokrotnie kwestionowana przez Francję, zwłaszcza za Ludwika XIV. Jednak kiedy Francja została pokonana w wojnie o sukcesję hiszpańską (1701–1714), na mocy pokoju w Utrechcie w 1713 r. Austriaccy Habsburgowie stali się główną dominującą siłą we Włoszech. Traktat zawarty w Aix-la-Chapelle w 1748 r., kończący wojnę o sukcesję austriacką, ostatecznie przyniósł państwom włoskim długo oczekiwany pokój. Od tego czasu ich granice prawie się nie zmieniły przez ponad 100 lat, aż do początku zjednoczenia kraju. Najważniejszym wydarzeniem było nadanie realnej autonomii Piemontowi i Neapolowi (w pierwszym rządziła dynastia sabaudzka, w drugim hiszpańscy Burbonowie). W połowie XVIII wieku całe Włochy przeżyły okres ożywienia gospodarczego i kulturalnego, a Mediolan, Florencja i Neapol stały się głównymi ośrodkami europejskiego oświecenia. Kompozycja Cesare Beccaria (1738–1794) Zbrodnie i kary położył podwaliny pod współczesną kryminologię i prawo karne i wkrótce został przetłumaczony na wiele języków europejskich. Prace te pod wieloma względami pomogły w opracowaniu nowego kodeksu praw wprowadzonego przez księcia Leopolda z Toskanii, jednego z najbardziej postępowych władców włoskich XVIII wieku. W Neapolu, gdzie rządzący Burbonowie byli również aktywnymi reformatorami, Antonio Genovesi (1712–1769) został mianowany szefem pierwszej w Europie katedry ekonomii politycznej.

Dzięki udziałowi tak wielu Włochów w życiu publicznym epoki Oświecenia Włochy ponownie stały się wiodącą siłą w historii Europy, a potrzeba reform wzrosła. Istotne przeobrażenia społeczne rządy austriackie przeprowadziły w Lombardii, a także w Królestwie Sardynii, Księstwie Toskanii i na południu, ale spotkały się z lokalnym oporem w innych częściach Półwyspu Apenińskiego (zwłaszcza w Państwie Kościelnym, Republiki Weneckiej i Genueńskiej), gdzie reformy nie odniosły większego sukcesu.

Decydujący wpływ na państwa włoskie i ich rozwój miała rewolucja francuska 1789 r., która potwierdziła potrzebę radykalnej przemiany społeczeństwa, a kiedy wojska francuskie dowodzone przez Napoleona Bonaparte (1769–1821) najechały w 1796 r. północne Włochy, zwolennicy rewolucji byli w stanie ustanowić rządy republikańskie pod ochroną armii francuskiej. Tak więc Genua stała się Republiką Liguryjską (czerwiec 1797), Mediolan stał się centrum Republiki Przedalpejskiej (lipiec 1797), postęp armii francuskiej na południe doprowadził do powstania Republiki Rzymskiej (luty 1798). Ostatecznie w Neapolu (styczeń 1799) utworzono Republikę Partenopijską.

Ten „republikański” eksperyment był jednak krótkotrwały. W kwietniu 1799 r. Połączone wojska austriacko-rosyjskie pod dowództwem generała A.V. Suworowa pokonały wojska francuskie w północnych Włoszech. Kiedy Francuzi się wycofali, republiki włoskie upadły, a tych, którzy popierali Francuzów, dotknęły surowe represje. Jednak zamach stanu we Francji dokonany przez Napoleona w 1799 r. i jego imponujące zwycięstwo nad Austriakami w bitwie pod Marengo w 1800 r. przygotowały grunt pod dłuższą okupację francuską i późniejsze przerysowanie mapy Półwyspu Apenińskiego. Piemont został przekształcony w państwo zależne od Francji na miejscu dawnej Republiki Przedalpejskiej. Nazywało się Republiką Włoską, a od 1804 roku, kiedy Napoleon ogłosił się cesarzem i przyjął koronę króla Włoch w katedrze w Mediolanie, przemianowano je na Królestwo Włoskie. Królestwo Włoch obejmowało Lombardię, Wenecję (Napoleon zniósł istniejącą od wielu stuleci republikę) i większość Emilii. Wicekrólem został generał Eugene Beauharnais (syn cesarzowej Józefiny). W 1806 Napoleon najechał Neapol. Król i jego dwór uciekli na Sycylię, gdzie do 1814 roku pozostawali pod ochroną floty brytyjskiej. Napoleon mianował swojego brata Józefa królem Neapolu. Jednak w 1808 roku przeniósł się do Madrytu i został królem Hiszpanii, a tron ​​Neapolu przeszedł na zięcia Napoleona, Joachima Murata. Państwo Kościelne zachowało niepodległość aż do sporu między Napoleonem a papieżem Piusem VII (1800-1823) i przyłączenia Rzymu do Francji w 1809 roku.

Do 1814 roku państwa włoskie pozostawały częścią imperium napoleońskiego. Rządy francuskie pomogły Włochom zmodernizować ustrój. Organy finansowe i administracyjne zostały zreorganizowane, a kodeksy prawne zmienione w duchu francuskiego kodeksu cywilnego. Kiedy imperium zaczęło się rozpadać po klęsce armii napoleońskiej w bitwie pod Lipskiem (1813), we Włoszech podniosła się opozycja, domagając się utworzenia rządu konstytucyjnego. U schyłku imperium Joachim Murat w 1814 roku z Rimini namawiał Włochów do zjednoczenia się w celu stworzenia niepodległego państwa. Dzieła włoskiego pisarza Ugo Foscolo (1778–1827) świadczą o wzroście samoświadomości narodowej. Po upadku cesarstwa napoleońskiego kongres wiedeński (1814-1815), ignorując takie apele, przywrócił władzę dawnym władcom państw włoskich. Sugerowało to powrót do sytuacji politycznej sprzed rewolucji francuskiej, choć z pewnymi zmianami. Republika Wenecka nie została przywrócona w jej dawnej formie, a ziemie niegdyś podporządkowane Wenecji stanowiły teraz część Królestwa Lombardii i Wenecji, którym rządził austriacki wicekról osiadły w Mediolanie. Chociaż dominacja austriacka i agresywna polityka Metternicha były głównym celem ataków włoskich nacjonalistów, to już na początku XIX wieku. to Lombardia i Wenecja korzystnie różniły się charakterem rządów od innych ziem włoskich.

W niektórych miejscach dawni władcy odzyskali swoje trony, ale prawie wszędzie stała za nimi Austria. Członkowie rodu Habsburgów rządzili Toskanią oraz małymi księstwami Parmy i Modeny. Papież przywrócił swoje posiadłości w Państwie Kościelnym i wyznaczył swoich emisariuszy do miast Bolonii i Ferrary. Na południu Neapol i Sycylia zostały zjednoczone w monarchii kierowanej przez Burbonów, którzy powrócili do władzy, pod nazwą Królestwa Obojga Sycylii. Oprócz Neapolu tylko Piemont (Królestwo Sardynii) cieszył się pewną rzeczywistą autonomią, a posiadłości dynastii sabaudzkiej powiększyły się poprzez aneksję byłej Republiki Genui. Jednak władcy Piemontu bali się rewolucji i uważali Austrię za swojego głównego sojusznika.