Dvadeseto stoljeće obilježile su mnoge inovacije u umjetnosti i književnosti povezane s katastrofalnim promjenama u svijesti javnosti tijekom revolucija i svjetskih ratova. Novi uvjeti društvene stvarnosti utjecali su na cjelokupnu umjetničku kulturu u cjelini, s jedne strane, dajući novi dah klasičnoj tradiciji, as druge strane, stvarajući novu umjetnost - AVANTGARDIZAM (od francuskog avant-forward and guard detachment), odnMODERNIZAM(od lat. modernus - nov, moderan), najpotpunije odražava lice vremena. U biti, pojam "modernizam" se odnosi na umjetnički trendovi, trendovi, škole i aktivnosti pojedinih majstora XX. stoljeća, koji su slobodu izražavanja proklamirali kao temelj svoje kreativne metode.
Umjetnička kultura doživjela je grandiozan raspad na oštro različite pokrete, dosad neviđene.
U tim burnim i brojnim umjetničkim pokretima može se izdvojiti nekoliko glavnih: fovizam, ekspresionizam, apstraktivizam, futurizam, kubizam, nadrealizam, purizam, orfizam, konstruktivizam.
S gledišta kulturno-povijesnog značaja, među trendovima i umjetnicima avangarde postoje globalni, a postoje i uski lokalni. Na globalne koje su dramatično utjecale na tijek i razvoj umjetničke kulture, uključuju apstraktnu umjetnost, dadaizam, konstruktivizam, nadrealizam, konceptualizam, Picassov rad u vizualnim umjetnostima; dodekafonija i aleatorika u glazbi; Joist Proust, Hlebnikov u književnosti.
Avangardizam je labavljenje i uništavanje tradicionalnih estetskih normi i načela, oblika i metoda umjetničkog izražavanja iOtvaranje mogućnosti neograničenih inovacija na ovom području, često temeljenih na najnovijim dostignućima znanosti i tehnologije, otvorilo je put za prijelaz umjetničke kulture na novu kvalitetu. Što se tiče umjetničke i estetske vrijednosti, već je danas jasno da je većina njegovih predstavnika stvarala prolazna djela koja su imala isključivo eksperimentalnu vrijednost. Time je avangardizam ispunio svoju funkciju u novoj europskoj kulturi i u osnovi okončao svoje postojanje kao svojevrsni globalni fenomen 60-ih i 70-ih godina. Međutim, upravo je avangardizam iznjedrio najveće ličnosti 20. stoljeća, koje su već ušle u povijest svjetske umjetnosti: Kandinski, Chagall, Malevich, Picasso, Matisse, Modigliani, Dali, Joyce, Proust, Kafka, Eliot , Ionescu, Le Corbusier i mnogi drugi.
Glazbeni avangardizam obično se odnosi na tzv. konkretnu glazbu, utemeljenu na slobodi tonskih harmonija, a ne na harmonijskom nizu: sonorizam, elektronska glazba.
Prva traganja u ovom smjeru poduzeo je na samom početku 20. stoljeća ruski skladatelj A.N. Skrjabin.
Trenutno najveći skladatelji niza zemalja pripadaju glazbenoj avangardi - K. Stockhausen, J. Xenakis, P. Boulez, L. Nono, D. Cage, D. Ligeti, HV Hen, L. Berno, K. Penderetsky.
Teškoća izvedbe, nedostatak melodije, inovativan glazbeni jezik skladatelja, nedostupnost percepcije, kakofonija - samo su neki od postulata vezanih uz glazbu dvadesetog stoljeća. Kršenje tradicije i agresivno inovativni trendovi bili su karakteristični ne samo za glazbu, već i za sve žanrove umjetnosti općenito. Međutim, zajednička bezuvjetna karakteristika glazbenih trendova stoljeća može se sa sigurnošću nazvati različitošću: raznolikost trendova, stilova i jezika koji su obogatili glazbena umjetnost kraja drugog tisućljeća i učinio ga jednim od najuzbudljivijih i najneobičnijih fenomena.
Glazbena umjetnost 20. stoljeća ispunjena je inovativnim idejama. Označava temeljnu promjenu u svim aspektima glazbenog jezika. U dvadesetom stoljeću glazba je često služila kao izvor za prikazivanje strašnih epohalnih povijesni događaji, čiji su svjedoci i suvremenici bili većina velikih skladatelja ovoga doba, koji su postali inovatori i reformatori. Nositelji ovih inovativnih trendova bili su skladatelji kao što su Arnold Schoenberg, Paul Hindemith, Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Anton Webern, Karlheinz Stockhausen. Jedna od značajki glazbenog jezika 20-ih. novog stoljeća bio je poziv na načela glazbenog mišljenja i žanrove karakteristične za doba baroka, klasicizma i kasne renesanse. Neoklasicizam je postao jedna od opozicija romantičnoj tradiciji 19. stoljeća, kao i s njom povezanim pokretima (impresionizam, ekspresionizam, verizam itd.). Osim toga, povećao se interes za folklor, što je dovelo do stvaranja cijele discipline - etnomuzikologije, koja proučava razvoj glazbenog folklora i uspoređuje glazbene i kulturne procese među raznih naroda mir.
Pad estetskih načela 19. stoljeća, politička i ekonomska kriza početka novog stoljeća, začudo, pridonijeli su stvaranju nove sinteze, što je dovelo do prodora drugih vrsta umjetnosti u glazbu: slikarstva. , grafiku, arhitekturu, književnost, pa čak i kinematografiju. Međutim, narušeni su i transformirani opći strukturni i harmonijski zakoni koji su dominirali skladateljskom praksom od vremena J. S. Bacha.
20. stoljeće je bilo stoljeće različitosti. Ali nisu sva djela ovoga stoljeća imala izražen avangardni karakter. Mnogi su skladatelji u svom stvaralaštvu nastojali nastaviti romantičnu tradiciju prošlosti (S. V. Rachmaninov, Richard Strauss) ili su tražili inspiraciju u epohama klasicizma i baroka (Maurice Ravel, Paul Hindemith, Jean Louis Martinet). Neki se okreću podrijetlu drevnih kultura (Carl Orff) ili se u potpunosti oslanjaju na narodna umjetnost(Leos Janaček, Bela Bartok, Zoltan Kodai). Istodobno, skladatelji aktivno nastavljaju eksperimentirati u svojim skladbama i otkrivati nove aspekte i mogućnosti harmonijskog jezika, slika i struktura.
Utjelovljenje novih ideja u glazbi javnost nije uvijek doživljavala s entuzijazmom. Klasična tradicija uvela je slušatelja u zadivljujući svijet sjaja, sklada sa savršenim sustavom tonaliteta. Pojava alternativnog zvuka, koja se ogleda u načinu nevjerojatne instrumentalne kombinacije i tembre, nije uvijek bila percipirana na odgovarajući način. Nedvojbeni prethodnici novih trendova u modernoj glazbi bili su Richard Wagner, Gustav Mahler i Claude Debussy, koji su u svom radu postavili gotovo sva osnovna načela glazbe dvadesetog stoljeća. Igor Fjodorovič Stravinski, Bela Bartok i Arnold Schoenberg - to je trijada inovativnih skladatelja čiji je rad postao temelj za sve glazbene kulture stoljeća i, prije svega, za njihove učenike - Albana Berga, Antona Weberna, S. S. Prokofjeva, D. D. Šostakoviča, Paula Hindemita.
Kratak opis vodećih glazbenih pravaca i njihovih istaknutih predstavnika.
kasnog romantizma.
Početak 20. stoljeća (1900.-1910.) prošao je u znaku posljednjeg procvata, a ujedno i krize romantične glazbene kulture. Znakovi toga posebno su uočljivi u austro-njemačkoj kulturi, povijesnom središtu glazbenog romantizma. Richard Strauss (1864-1949), Gustav Mahler (1860-1911).
U glazbi R. Straussa i G. Mahlera vidimo posljednju manifestaciju uzvišenog, herojskog stila, usko povezanog s tradicijom 19. stoljeća: simfonije L. van Beethovena, pjesme i instrumentalne skladbe F. Schuberta, simfonijske pjesme F. Liszta, glazbene drame R. Wagnera. I Strauss i Mahler postali su poznati po svom majstorskom, inventivnom korištenju golemog kasnoromantičarskog simfonijskog orkestra. Djelo ovih skladatelja s početka stoljeća je briljantna galerija romantični junaci- bistar, pomalo narcisoidan. Istodobno, R. Strauss u svojoj operi "Salome" prema istoimenoj drami Oscara Wildea otvara čitavu galeriju iskreno zlobnih likova - heroja glazbe ranog dvadesetog stoljeća.
Prema staroj romantičarskoj tradiciji, R. Strauss i G. Mahler u svojim djelima suprotstavljaju idealizirani svijet svojih duša (i svijet duša svojih junaka) s vulgarnošću i inertnošću malograđanskog života i buržoaske estetike, s licemjerje javnog morala. Međutim, vjera uNajviši ideali daju se mnogim umjetnicima ovoga vremena s velikom mukom - u duhovnom svijetu heroja, umjesto čistih i uzvišenih osjećaja, nalaze se niske strasti, bolni strahovi i fantazije, užas, beznađe. Glazbena slika okolne stvarnosti dobiva otvoreno groteskni karakter (zbog uvođenja „lažnih” zvučnih harmonija, primitivno vulgarnih ritmova, neskladnih, oštrih instrumentalnih tonova itd.). Idealiziranu iskrenost romantične glazbe zamjenjuju zastrašujuća i šokantna otkrića, često erotske prirode. Umjetnik otkriva tajne svog unutarnjeg života, koje su obično skrivene.
Nije slučajno da ovakva glazba cvjeta u Beču početkom 20. stoljeća. Ovdje je psihoanalitička teorija Sigmunda Freuda stekla veliku popularnost. Psihoanalitička seansa postala je način spoznavanja istine, najskrivenijih tajni duše i bića. Pokojni romantičarski umjetnik mistična je figura, tvrdi da je prorok, a njegova proročanstva često imaju tmuran, apokaliptični karakter. Strast prema spiritualizmu, okultnim učenjima, uključujući i istočnjačka, mistična filozofija također je vrlo karakteristična za umjetnike ovog povijesnog tipa.
Zapažene značajke očitovale su se na različite načine iu različitom stupnju u stvaralaštvu skladatelja starije generacije (R. Strauss, G. Mahler) i mlađe (tzv. nove generacije). bečka škola: A. Schoenberg i njegovi učenici A. Berg i A. Webern).
Ekspresionizam.
Arnold Schoenberg (1874-1951) postao je jedan od skladatelja koji su radikalno utjecali na glazbene trendove 20. stoljeća. Njegova prva djela su gudački sekstet "Prosvjetljena noć" (1899.) i simfonijska pjesma"Pelléas et Mélisande" (1903.) još uvijek nosi tendencije postromantizma.
Prošlo stoljeće, nesretno i lijepo, izložilo je čovječanstvo najtežim iskušenjima, ali ga je i obdarilo nevjerojatnim blagom. Dvadeseto stoljeće je doba znanstvene i tehnološke revolucije. Dvadeseto stoljeće je također veličanstven uzlet umjetnosti, briljantan procvat mnogih nacionalnih škola, cijela galaksija briljantnih umjetnika.
Mnoga djela napisana u 20. stoljeću prilično su složena. Njihova puna percepcija zahtijeva od slušatelja visoku glazbenu i, šire, umjetničku kulturu. Proniknuti u koncept modernih djela, razumjeti što je zabrinjavalo njihove autore, čemu su težili, moguće je samo upoznavanjem s evolucijom koju je glazbena umjetnost prošla kroz svoju dugu povijest, proučavajući različite smjerove i škole, stilove i tehnike. sastava.
Glazbena kultura kasnog 19. - početka 20. stoljeća jedna je od tzv. prekretnica u povijesti. Promatrajući ovo razdoblje u povijesti strane glazbe, ponovno se uvjerava da u njemu doista koegzistiraju različiti kulturno-povijesni nizovi.
S jedne strane, krajem 19. stoljeća stvaralaštvo skladatelja koji je do izražaja došlo sredinom ili posljednjoj trećini stoljeća, na temelju tradicionalnim temeljima glazbene umjetnosti i usko vezani uz naslijeđe svojih prethodnika. Takvi su skladatelji bili Vincent d, Andy i Gabriel Fauré, Talijan Giacomo Puccini, Nijemac Max Reger, Englez Vaughan Williams, Čeh Leos Janachek, Norvežanin Edvard Grieg, Finac Jan Sibelius, Danac Carl Nielsen...
Svi su ti skladatelji razvili - naravno, svaki na svoj način - tradiciju svojih velikih prethodnika. Neki su nastavili nacionalno-romantičarsku liniju, usko vezanu uz novu provedbu folklora, pučku epiku. Drugima je dominirao dubinski psihologizam, apel na duhovni svijet suvremenog čovjeka.
Ponekad su umjetnike takvog skladišta pokušavali okarakterizirati kao "konzervativce", "tradicionaliste". Međutim, kako je pjesnik rekao, “ne može se vidjeti licem u lice. Veliko se vidi na daljinu…”. Na udaljenosti od prošlih desetljeća, sve su jasnije značajke glazbene inovativnosti skladatelja koji pripadaju ovoj „grani“ umjetnosti na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće. Njihova potraga za nečim novim nije bila radikalne naravi, ali se ipak osjećaju u figurativnoj strukturi skladbi, u sredstvima glazbenog izražavanja. U takvim se autorima organski spajaju inovativne težnje s nepromjenjivom privlačnošću prema tradicionalnoj velikoj glazbenoj formi, prema tradicionalnoj logici funkcionalno-harmonijskih veza.
S druge strane, u istim godinama do izražaja dolaze dotad nepoznati mladi glazbenici, zahvaljujući kojima se često pojavljuju novi umjetnički trendovi koji svojom neobičnošću zadivljuju suvremenike koji su se oblikovali upravo na prijelazu stoljeća. U Francuskoj su takvi glazbenici bili Claude Debussy i Maurice Ravel, u Njemačkoj - Richard Strauss, u Austriji - Gustav Mahler, u Poljskoj - Karol Szymanowski, u Španjolskoj - Manuel de Falla. Novost i svježina misli iznjedrile su novi sustav slika, nove oblike i sredstva glazbenog izražavanja.
Važan čimbenik u razvoju glazbene kulture bila su najveća dostignuća tehnološkog napretka. Neki od njih - radio, kino, snimanje - otvorili su najbogatije mogućnosti za razvoj umjetnosti i njezino širenje u društvu.
Intenzivan razvoj filozofske misli također je imao zamjetan utjecaj na evoluciju glazbene umjetnosti. Jedan od vladara misli europske umjetničke inteligencije bio je njemački filozof Arthur Schopenhauer.
Svijet je, s njegove točke gledišta, bio proizvod svemoćne "svjetske volje", protiv koje se pojedinac nije u stanju boriti. Schopenhauer je u svojoj knjizi Svijet kao volja i reprezentacija naglasio posebno značenje glazbe, koja je neovisnija o životnoj stvarnosti od drugih oblika umjetnosti.
Nešto kasnije, ideje drugog njemačkog filozofa, Friedricha Nietzschea, stekle su golem utjecaj. Za razliku od Schopenhauera, koji je vjerovao da je "volja za životom" zaseban pojedinac nemoćan protiv svemoćne "svjetske volje", Nietzsche je propovijedao "volju za moć", kojom bi trebao biti obdaren izabrani narod, nadvivši se nad gomilom. Kreativni individualizam, aristokratska odabranost - to su glavni Nietzscheovi postulati, junak čijeg učenja je "nadčovjek", lišen osjećaja svojstvenih običnim ljudima.
Kult intuicije, unutarnje kontemplacije karakterističan je za filozofske koncepte tog vremena.
Filozofski koncepti ove vrste, dakako, utjecali su na rad književnika, umjetnika, glazbenika i pridonijeli nastanku na prijelazu stoljeća raznih umjetničkih pokreta svrstana u modernizam. Ovaj pojam dolazi od francuske riječi modern - nov, moderan. Ponekad su se novi trendovi u umjetnosti s kraja 19. i početka 20. stoljeća nazivali dekadencijom (od francuske riječi dekadencija - pad), što je odražavalo često nailazio negativan stav prema njima.
Prema figurativnoj strukturi, stilu, nazivima - simbolizam, impresionizam, ekspresionizam - oni se ubrzano smjenjuju, a katkad postoje istovremeno, pravci su bili različiti, ponekad čak i polarne suprotnosti jedan drugome. Međutim, bilo ih je zajedničke značajke, što je prirodno, jer su bili proizvod istog doba.
Obično su se novi trendovi prvo pojavljivali u književnosti ili likovnoj umjetnosti, a zatim su dobili neku vrstu prelamanja u glazbi. Jedan od tih trendova bio je i operni verizam. A možda najutjecajniji među novim smjerovima prijelaza stoljeća bio je impresionizam, čije je rodno mjesto bila Francuska. Naziv “impresionizam” dolazi od francuske riječi impression – dojam. Datumom nastanka smatra se 1874., kada je održana prva izložba skupine umjetnika koji su se otvoreno suprotstavili Akademiji za slikarstvo i kiparstvo u Parizu. U ovu grupu spadali su Edouard Manet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Paul Cezanne, Georges Seurat, Vincent van Gogh, Alfred Sisley, Paul Gauguin i Henri Toulouse-Lautrec. No, naziv njegovog novog smjera dobio je zbog slike Claudea Moneta "Impresija".
Čemu su ovi umjetnici težili? Kako bi se okolni svijet prikazao u svoj njegovoj originalnosti, promjenjivosti, pokretljivosti. Kako bi što potpunije i pouzdanije prenijeli svoje izravne, ponekad čak i prolazne dojmove i senzacije iz percepcije prirodnih fenomena, arhitektonskih građevina, ljudi, životinja.
U posljednjem desetljeću 19. stoljeća skladatelji su se okrenuli životnim pričama preuzetim iz realističke književnosti tog doba. Prije nego što se Giacomo Puccini (1858-1924) pojavio na sceni, verismo još nije dosegao svoju zrelost. Njegove opere, kao što su Manon Lescaut (1893.), La bohème (1896.), Tosca (!900), Madama Butterfly (1904.), spadaju među najprodornije i najdirljivije opere talijanskog verizma.
U glazbenoj umjetnosti najsjajniji predstavnik ovog trenda bio je Claude Debussy (1862-1918). Nedvojbeno su impresionistički umjetnici imali veliki utjecaj na njega, izvanrednom vještinom bilježeći nevjerojatne pejzaže, kretanje oblaka, igru svjetla i sjene, prelijevanje vode, sam zrak Francuske, čas proziran i bistar, čas obavijajući lijepe katedrale i nasipi s maglom.
U ništa manjoj mjeri, zarobile su ga pjesme francuskih simbolista - Charlesa Baudelairea, Paula Verlainea, Stefana Mallarméa. Debussyjev vokalni ciklus "Zaboravljene Ariette" napisan je na Verlaineove stihove s podnaslovom koji otkriva povezanost glazbe ovog skladatelja ne samo s poezijom, već i sa slikarstvom: "Pjesme, belgijski pejzaži i akvareli".Ciklus uključuje djela kao što su "Ecstasy", "Suze mog srca", "Sjena drveća", "Zeleno", "Drveni konj", "Slezena". Istih 80-ih stvara "Pet pjesama" prema pjesmama Charlesa Baudelairea: "Balkon", "Večernja harmonija", Igra vode, "Misao", "Smrt ljubavnika".
Profinjenost, poezija, profinjenost - to su glavne značajke Debussyjeva stila. Često ga nazivaju majstorom polutonova.
Nakon što je iskusio utjecaj ruskih skladatelja (osobito Musorgskog, Rimskog-Korsakova) i Wagnera, Debussy je došao do stvaranja originalnog, originalnog stila. U svojim orkestralnim djelima - "Popodne jednog Fauna", "Nokturna". "Slike", "More", u operi "Pelleas i Mélisande", u klavirskim komadima, među kojima središnje mjesto zauzimaju dvije knjige preludija, skladatelj je djelovao kao bistar inovator koji je slušaoce uveo u novi svijet, neobičan za njih, najfinijih nijansi zvučnih boja, neočekivanih zvučnih zakrpa. Zadivljujući nalazi tembra, prirodna vokalna recitacija.
Posebnost Debussyjeva glazbenog stila uvelike je ležala u novosti njegova harmonijskog jezika. U njegovim djelima vrlo često postoje originalni, daleko od tradicionalnih akordnih nizova konsonancije i njihove kombinacije. Kršeći zakone gravitacije nestabilnih zvukova i harmonija koji su se stoljećima razvili u stabilne, oni kao da "vise" u zraku.
Jednako neobična je i orkestracija njegovih skladbi – prozirna, “čipkasta”. Za Debussyja su vrlo tipični "čisti" tembrovi, kada melodiju izvodi bilo koji instrument - recimo, flauta ili klarinet. Skladatelj često pribjegava hirovitim, prigušenim zvukovima, protiv kojih se pojavljuju neočekivani svijetli "rafali" i nestaju doslovno u trenu.
A tu je i nevjerojatna, karakteristična zvučna atmosfera za Debussyja, koja izaziva asocijacije na slike Claudea Moneta, Alfreda Sisleya... Nije uzalud jedan od Debussyjevih klavirskih preludija „Zvukovi i mirisi u večernjem zraku“.
Inače, skladateljeva klavirska glazba također je prepuna nalaza i otkrića - to su preludiji, čiji su nazivi izrazito poetični (na primjer, "Djevojka s kosom boje lana", "Terasa obasjana mjesečinom", "Vile su ljupke plesačice"), i "Dječji kutak", i "Otisci", i "Suite Bergamo", i "Otok radosti", i "Slike", i mnoge druge
Kao Debussy, Maurice Ravel(1875.-1937.) mnogo puta etiketiran kao glazbenik impresionista. Unatoč činjenici da je postojao utjecaj jednih na druge, Ravelov stil postaje potpuno osoban i originalan.
Slušajući Ravelova orkestralna djela - "Španjolsku rapsodiju", koreografsku pjesmu "Valcer", domišljati, svjetski poznati "Bolero", balet "Dafnis i Chloe", ljupki klavirski ciklus "Reflections" i predstavu "The Play of Voda", shvaćate da je harmonični jezik njihovog tvorca postao mnogo oštriji i trplji u odnosu na ono što je karakteristično za tvorca "Mora" i "Pelléas et Mélisande".
Ravel se odlikuje i posebnom ljubavlju prema španjolskoj glazbi, što nije slučajno. Rođen 1875. u Sibourevu, u francuskoj Španjolskoj, Ravel je od oca, švicarskog inženjera, naslijedio ljubav prema glazbi i raznim mehaničkim uređajima, oličenu u strasti za satovima, a od majke (baskijske) privlačnost Španjolskoj, izvoru inspiracija za mnoge buduće radove. Nije uzalud u njegovoj ostavštini već nazvana "Španjolska rapsodija" za orkestar, i opera "Španjolski sat", te komad za dva klavira "Habanera", te vokalni ciklus "Don Quijote Dulcinee".
Istodobno, Ravel je bio i pod utjecajem ruske glazbe - djela Musorgskog. Balakirev, Borodin i, možda, posebno Rimsky-Korsakov. Među onima s kojima je skladatelj razgovarao bili su Stravinski i Djagiljev, Nižinski i Fokine, a upravo je Fokine potaknuo Ravela da stvori balet na antičku temu. Tako je nastao balet Daphnis i Chloe, koji je postao jedno od najvećih skladateljskih ostvarenja.
Ravel ima i glazbene ilustracije napisane za klavir u 4 ruke, a potom aranžirane za orkestar, za bajke za djecu pod općim naslovom “Priče o mami guski”: “Pavan od Trnoružice”, “Palac”, “Ružna princeza ”, „Čarobni vrt”.
Ravelov inovativni dar jasno se očitovao i kada se okrenuo klasičnim žanrovima, jer njegova ostavština uključuje sonatinu, kvartet, trio i dva poznata klavirska koncerta, što ukazuje da je njihov tvorac bio sjajan pijanist. Skladateljevo besprijekorno ovladavanje svim tajnama klavirske umjetnosti očitovalo se u suiti Gaspard u noći, gdje su glazbeno utjelovljene slike istoimenog djela Aloysiusa Bertranda, te u klavirskom ciklusu Couperinova grobnica, u kojem je Ravel platio počast ne samo Couperinu, nego i cijeloj francuskoj glazbi 18. stoljeća.
Od modernizma do minimalizma, 20. stoljeće bilo je riznica glazbenih dostignuća o kojima se na samom početku ne bismo usudili ni sanjati. Danas glazbu ne zbunjuju teme rata, rasne diskriminacije, spola i politike; kao što ove teme utječu na globalnu kulturu, one postaju ono što definira suvremenu glazbu.
Naravno, među imenima kao što su Sibelius, Bartok, Rostropovich, Ligeti, Janacek i mnogi drugi, teško je izabrati samo 10 i odlučiti tko je najbolji, jer je svaki od spomenutih majstora stvorio jedinstvena djela koja iznenađuju, oduševljavaju i dotiču javnosti u svim zemljama. No, riskirali smo i odabrali deset genijalaca koji su, po našem mišljenju, to najbolje napravili.
Arnold Schoenberg
Skladatelj koji je uspio ići protiv harmonije zapadnjačke glazbe i zauvijek promijeniti zvuk klasične glazbe. Sam se glazbenik često uspoređivao s pionirima Arktika - ljudima koji su neustrašivo, a ponekad i beznadno išli naprijed kako bi svijetu donijeli nova znanja. Arnold Schoenberg je utemeljitelj serijske tehnologije glazbena kompozicija i prvi ekspresionistički skladatelj. Autor dviju komornih simfonija i opere "Mojsije i Aron" postali su temelj nove bečke skladateljske škole.
Igor Stravinski
Utjecaj ovog genijalnog skladatelja na suvremenu glazbu ne može se preuveličati. Njegove ideje, promišljanje tonaliteta i harmonija, sloboda od pravila i kombinacija nespojivog utjecali su ne samo na klasičnu glazbu, već i na jazz, rock, blues itd. Osim njegovih veličanstvenih djela, među kojima su i baleti “Žar ptica” , “Posvećenje proljeća” i “Petrushka”, Stravinski je poznat po svom izvanrednom pristupu promišljanju vlastite glazbe, ali i glazbe drugih skladatelja, narodni motivi i crkvene pjesme. Na primjer, postavio je katoličke himne s njihovim latinskim tekstovima na glazbu odgovarajućih pravoslavnih pjesama.
George Gershwin
Skladatelja, kojeg su kritičari tijekom karijere optuživali za populizam, da je klasičnu glazbu "osvijetlio" i spojio s pop kulturom. Doista, Gershwinova je glazba imala ogroman utjecaj na jazz i bila je nevjerojatno popularna među običnim ljudima. Njegova rapsodija u blues stilu preokrenula je percepciju klasične glazbene kompozicije i pokazala što mogu klavir i orkestar. Unatoč kritikama kolega, Gershwin je nastavio donositi svoju kontroverznu i lijepu glazbu u mase, koje su mu ostale vjerne.
Duke Ellington
Jedan od najproduktivnijih skladatelja 20. stoljeća, Edward "Duke" Ellington nije vidio granice glazbenih žanrova i stvorio je nemoguće. Zapravo, Ellingtonov rad je svojevrsna jazz škola, budući da je upravo on počeo pisati glazbu, uzimajući u obzir improvizacijski potencijal glazbenika njegovog orkestra. Za ovog čovjeka nije bilo strane scene, osjećao se opušteno kao da je na njemu kazališna pozornica, te u noćnom klubu; i u katedrali i u kabareu njegova je glazba uvijek bila na mjestu.
Dmitrij Šostakovič
"Monumentalni" skladatelj, Šostakovič je autor mnogih simfonija i koncerata, tri baleta i opera, komornih djela, kako za klavijature, tako i za gudački instrumenti kao i glazba za filmove i predstave. Šostakovičeva karijera prolazila je kroz uspone i padove. Tijekom staljinističkih represija, skladatelj je bio prisiljen obuzdati dramatičnost i nesukladnost svojih djela, jer je proglašen nepodobnim za profesionalni rad i lišen posla. Šostakovič je sve svoje emocije i doživljaje izlio u komornoj glazbi. Njegovi poznati gudački kvarteti progovorili su novim jezikom glazbe i dali skladatelju slobodu stvaralaštva koju je cenzura oduzela većim djelima.
John Cage
Kao umjetnik, filozof i pisac, najsjajniji skladatelj poslijeratne avangarde nastojao je spojiti glazbu i druge oblike stvaralaštva u jedinstven koncept umjetnosti. Eksperimentirao je sa svim mogućim instrumentima, uključujući elektroniku i tišinu. Prema njemu, tišina ne postoji, budući da smo uvijek okruženi nebrojenim brojem različite zvukove koje najčešće jednostavno ignoriramo.
Benjamin Britten
Kompozicijski je Brittenov rad bio puno konzervativniji od nabrojanih skladatelja, no utjecaj koji je imao na razvoj opere, ne samo kao glazbenog nego i kao kulturnog fenomena, priskrbio mu je mjesto na listama najutjecajnijih skladatelji stoljeća. Operne dijelove Brittena odlikovala je jednostavnost i emocionalnost - kombinacija koja se podjednako svidjela i publici i izvođačima.
Leonard Bernstein
Bernstein je bio populist i nastojao je donijeti glazbu masama i učiniti je dostupnom što većem broju ljudi diljem svijeta. Od djetinjstva, budući skladatelj volio je glazbu i za njega nije bilo razlike između najviših i najnižih oblika umjetnosti. Ta osebujna "svejedinost" i jednostavnost jasno se vide u njegovom radu. Bernstein je uspio stvoriti djela koja postaju dio života ljudi koji su ih čuli barem jednom. Glazba koju stvara ovaj skladatelj nalazi mjesto u duši svakog čovjeka, ma koliko on bio daleko od umjetnosti.
Pierre Boulez
Dugi niz godina stalni vođa francuske avangarde i živa legenda glazbe i u svojoj 90. godini zadržava gracioznost i energiju s kojom je ušao u glazbeni svijet. Dugi niz godina praktički diktira smjer klasične glazbe, neprestano nastavljajući širiti njezine granice.
Filip Glass
Još jedna živa legenda glazbe, jednako je poznat po svom minimalizmu i klasicizmu. Autor 30 opera, 10 simfonija, mnogih koncerata i komornih skladbi glazbeni je kameleon i sposoban je stvoriti kako djela s repetitivnom strukturom, tako i klasične harmonije. Philip Glass je najimitiraniji suvremeni skladatelj zbog svoje popularnosti.
IGOR FJODOROVIČ STRAVINSKI
Skladatelj, rođen u Rusiji, ali živio duge godine u Europi i SAD-u, majstor, bez čije je kreativnosti nemoguće zamisliti i ruske i zapadnoeuropska kultura XX. stoljeće.
I. F. Stravinsky rođen je u Oranienbaumu, školovao se u Sankt Peterburgu, a od druge polovice 10-ih je stalno živio u Europi.
Kao pijanist i dirigent, Stravinski je bio na turnejama, posebice 1962. došao je u SSSR. Za razliku od većine svojih sunarodnjaka koji su živjeli u inozemstvu, skladatelj se na Zapadu osjećao samouvjereno i prirodno, ali je svoju glazbu uvijek smatrao dijelom ruske kulture.
U ranom razdoblju stvaralaštva (do prijelaza 10-20-ih) Stravinski je razvio ruske teme: "Žar ptica", "Petruška" i "Obred proljeća".
Na prijelazu iz 10.-20. počeli su smjeli eksperimenti u skladateljevom radu. Jedna od njih je složena scenska radnja "Vjenčanje" (1917.-1923.). Ovo djelo spaja elemente zborskog pjevanja i baleta; Nije slučajno da je autor svom djelu dao podnaslov "Ruske koreografske scene s pjevanjem i glazbom".
U "Priči o vojniku" skladatelj se okrenuo intonacijama svakodnevnih i plesnih žanrova (utjecao je utjecaj francuske "Šestorice"). Kasnije, takvu originalnu tehniku (kombiniranje glasa pripovjedača s orkestrom) koristi S. S. Prokofjev u poznatoj dječjoj bajci "Petar i vuk". Pjevanje i koreografija također su spojeni u baletu Pulcinella (1920). Samo se ovaj put skladatelj okrenuo tradiciji talijanske glazbe.
Rad na baletu "Pulcinella" bio je početak razdoblja neoklasicizma u stvaralaštvu Stravinskog, koje je trajalo oko 30 godina.
Početkom 50-ih godina. u djelu Stravinskog došlo je do zaokreta prema dodekafoniji (vidi članak "Nova bečka škola"). To je tim više iznenađujuće jer je skladatelj gotovo cijeloga života bio kritičan prema ovom sustavu i više puta se u svojim člancima raspravljao s njegovim tvorcem Arnoldom Schoenbergom. Serijska tehnika korištena je u skladbama kao što su septet (1952), balet Agon (1957) i rekvijem (1966). Stravinski sigurno nije baš slijedio pravila koja je predložio Schoenberg; osjeća se da se ruski skladatelj oslanjao na određeni tonalitet.
U radu I.F. Glazba Stravinskog javlja se kao cjelovita umjetnost koja ne poznaje stroge razlike u vremenu, stilovima i nacionalnim tradicijama. Skladatelj je lako promijenio smjer rada, ali je, ipak, uvijek ostao vrlo integralni majstor. Simbolom ove cjelovitosti može se smatrati jedno od njegovih posljednjih djela - Kanon za orkestar (1965.) na temu ruskog narodna pjesma. Na kraju života Stravinski kao da gradi most do ishodišta svog stvaralačkog puta. Istu narodnu pjesmu koristio je u svom prvom baletu Žar ptica.
SERGEJ SERGEJEVIČ PROKOFJEV
Djelo Sergeja Sergejeviča Prokofjeva veliki je fenomen ne samo u ruskoj, već iu svjetskoj glazbenoj kulturi 20. stoljeća. Prepoznatljiva značajka njegov stil – želja za inovacijom. Prokofjevljeva djela često su nailazila na zbunjenost u javnosti, a ponekad i od strane izvođača, skladatelja su optuživali za pretjeranu složenost, grubost, pa čak i "glazbeni huliganizam".
S. S. Prokofjev rođen je u imanju Sontsovka, Jekaterinoslavska gubernija (danas Donjecka regija Ukrajinske Republike). Skladateljeve glazbene sposobnosti pokazale su se rano - s pet godina već je skladao, a s devet je pokušao napisati operu. Diplomirao na Konzervatoriju u Sankt Peterburgu.
Prokofjevljev stvaralački put može se podijeliti u tri razdoblja: rano (1908-1918), u inozemstvu (1917-1932) i razdoblje života u SSSR-u (1932-1953).
Rano razdoblje se ponekad naziva "vrijeme samopotvrđivanja". Prve skladateljske skladbe zbunile su rusku glazbenu zajednicu, međutim, i slušatelji i kritičari prepoznali su snagu njegovog talenta.
Najznačajnija djela ovog razdoblja su Prvi klavirski koncert (1912), balet "Ala i Lolly" (1915) i "Klasična" simfonija (1917). Oštrim harmonijama, isprekidanim melodijama, neobičnim ritmovima, Prvi koncert podsjeća na djela skladatelja francuske „Šestice“. U koncertu se osjeća novi pristup klavirskoj ruskoj glazbi tog vremena, kada zvuk instrumenta pokorava orkestar.
"Klasična" simfonija jedan je od rijetkih primjera neoklasicizma u ruskoj glazbi. Sam naziv govori da je djelo zamišljeno kao prisjećanje na tradiciju bečke klasične škole. Prokofjev suptilno oponaša umjetničke tehnike simfonija Haydna i ranog Mozarta, ali je sačuvan autorov vlastiti stil u građenju melodija i harmonija. Kao rezultat toga, autor je dobio izvrstan, duhovit i vrlo suvremeni rad: klasični oblici ističu originalnost glazbe.
Godine 1918. Prokofjev je otišao u inozemstvo i tamo živio petnaest godina. U tom razdoblju skladatelj je radio u raznim žanrovima; posebnu pažnju posvetio je opernoj glazbi. Rad na operi Kockar (prema originalnom tekstu istoimenog romana F.M. Dostojevskog) započeo je već 1915. godine. 1917. djelo je u Marijinskom kazalištu trebao postaviti istaknuti redatelj Vsevolod Emilievich Meyerhold. . Međutim, orkestar i pjevači odbili su naučiti operu, nazvavši je previše kompliciranom i nerazumljivom. Godine 1922., već u Njemačkoj, Prokofjev je revidirao operu. Premijera je održana 1929. u Bruxellesu. Glazba "Player" izgrađena je na recitativu. Likovi su obdareni složenim psihološkim karakteristikama.
Skladateljeva žudnja za složenim, snažnim i dvosmislenim likovima oživjela je operu Vatreni anđeo (1927). Temelji se na istoimenoj priči ruskog simbolističkog pjesnika Valerija Jakovljeviča Brjusova.
Godine 1932. Prokofjev se vratio u domovinu. Život u Sovjetskom Savezu nije bio lak. Skladateljeva glazba nije izbjegla optužbe za “formalizam”. Međutim, to se razdoblje pokazalo posebno plodnim. Pojavile su se nove opere, baleti, simfonije, simfonijska bajka za djecu "Petar i vuk" (1936.). Skladatelj je radio na glazbi za filmove Sergeja Mihajloviča Eisensteina - "Aleksandar Nevski" (1938; kasnije prerađen u kantatu) i "Ivan Grozni" (1942-1945).
Jedno od središnjih djela 30-ih godina. - balet "Romeo i Julija" (1936.) prema Shakespeareovoj tragediji. Njegova produkcija u Lenjingradu 1940. (glavnu ulogu je izvela velika balerina Galina Sergejevna Ulanova) postala je izvanredan događaj u povijesti baletne umjetnosti, a sada je teško povjerovati da su umjetnici prvi put prepoznali glazbu kao "ne". -ples". U usporedbi s prethodnim djelima, pojavile su se nove kvalitete u skladateljevom stilu, posebice želja za jednostavnošću i jasnoćom u građenju glazbenih tema.
Operna djela Prokofjeva 30-40-ih godina. - ovo je pokušaj razumijevanja povijesnih problema, u pojmovima "herojstva" i "domoljublja", koji su vrlo važni za skladatelja, koji u osnovi nije želio živjeti daleko od svoje domovine. Opera "Rat i mir" (1943.), prema romanu L. N. Tolstoja, izvedena je u skladu s povijesnom tradicijom ruske operne glazbe 19. stoljeća. Skladba, grandiozna po veličini, zamišljena je za izvođenje u dvije večeri (kasnije je autor napravio skraćenu verziju). U glazbi dominira epski početak. To se osjeti, na primjer, u neobičnom uvodu u operu: ne zvuči orkestralna glazba, te snažan zborski recitativ na apsolutno „neoperni“ tekst Tolstoja („Snage dvanaest jezika Europe provalile su u Rusiju“).
Kao i mnoga druga djela Prokofjeva, operu "Rat i mir" glazbenici su teško prihvatili. Oduševila me ne samo složenost i originalnost glazbenog jezika, već i sama činjenica da će poznati Tolstojevi junaci pjevati od djetinjstva.
Talent S.S. Prokofjeva odlikuje duboki unutarnji optimizam i želja za radošću, koja se očituje čak iu dramatičnim i tragičnim skladbama. Žeđ za svjetlom i harmonijom najvećom je snagom izražena u simfonijama, a posebno u posljednjoj, Sedmoj (1952.), gdje ima mjesta suptilnoj lirici, humoru i gotovo dječjoj iskrenoj zabavi.
DMITRI DMITRIEVIĆ ŠOSTAKOVIČ
U središtu rada skladatelja Dmitrija Dmitrijeviča Šostakoviča su razmišljanja o životu i smrti, duhovnim i moralnim problemima. Njegova djela, složena u glazbenom jeziku i hrabra u sadržaju, zahtijevaju promišljenog, pripremljenog slušatelja, a upravo je zbog toga majstor često bio žestoko napadan od strane službene kritike. Ispostavilo se da je on bio "protagonist" Uredbe iz 1948.
D. D. Šostakovič rođen je u St. glazbeno obrazovanje primio na Konzervatoriju u Sankt Peterburgu (1919-1926). U mladosti upoznat s glazbenom kulturom Europe, skladatelj je cijeli svoj život nastojao odgovarati njezinoj razini.
Glavni žanrovi Šostakovičevog djela su simfonija, instrumentalni koncert (po ljestvici blizak simfoniji) i glazba za komorne ansamble. Najpopularnije su Peta (1937) i Sedma simfonija. Čini se da koncentriraju glavne slike i raspoloženja Šostakovičeve glazbe: strogu, hrabru tugu, prosvijetljeni mir, zajedljiv sarkazam.
Teme se u svakom dijelu ubrzano razvijaju, a unutarnja energija osjeća se i u sporim lirskim dijelovima.
Sedma simfonija (1942.), podnaslovljena "Lenjingrad", ima posebnu povijest. Skladatelj ju je stvorio tijekom Drugog svjetskog rata i blokade Lenjingrada od strane njemačkih trupa, u rujnu - prosincu 1941. Jedna od prvih izvedbi simfonije održana je u Lenjingradu 9. kolovoza 1942. - na dan po izboru njemačkog zapovjedništva. ući u grad. Praizvedba je bila pravi podvig za glazbenike, Šostakovičeva je skladba podržala duh stanovnika grada. Prvi je dio obično izravno povezan s vojnim događajima.
Prvo, tema invazije zvuči na flautama - tiha, nepretenciozna melodija uz laganu pratnju bubnjeva. Zatim se ponavlja više puta, a svakim se ponavljanjem povećava broj izvođačkih instrumenata; kao rezultat, tema se pretvara u zlokobnu koračnicu koju svira cijeli orkestar. Napetost teme invazije pretvara se u reprizu - gotovo sve glavne teme izlaganja zvuče u molu, pojačavajući tako tragični sadržaj stavka. Zanimljiv završetak simfonije. Završava sporom, svečanom temom pobjede, trijumfa nad zlom. No, u glazbi ima toliko strogosti i neumoljive tuge da slušatelj razumije: govorimo o pobjedi izvojevanoj po cijenu života.
U Trinaestoj i Četrnaestoj simfoniji Šostakovič je prvi put u ruskoj glazbi utjelovio iskustvo spajanja simfonijskog žanra s ozbiljnim poetskim tekstom (poznatim iz Beethovenove Devete simfonije, Mahlerove "Pjesme o zemlji" itd.). Trinaestu simfoniju (1962.) skladatelj naziva "vokalno-simfonijskom suitom". Ovo monumentalno peterodijelno glazbeno platno za muški zbor, orkestar i bas solista napisano je na stihove pjesnika Jevgenija Aleksandroviča Jevtušenka. Izražajne i publicistički oštre pjesme dotiču se tema o kojima se raspravljalo početkom 60-ih. nije bilo sigurno govoriti: antisemitizam (prvi dio, "Babi Jar"), siromaštvo (treći dio, "U dućanu"), staljinističke represije (šesti dio, "Strahovi"). Opsežna i dramatično intenzivna glazba simfonije obogaćuje sadržaj teksta. Ovo djelo rijedak je primjer skladateljevog otvorenog izražavanja svoje građanske pozicije u glazbi.
Najtragičnije Šostakovičevo djelo je Četrnaesta simfonija (1969.). Posvećena je razmišljanjima o životu i smrti. Skladatelj je rekao da je ideja nastala pod utjecajem njegovog rada na orkestraciji vokalnog ciklusa "Pjesme i plesovi smrti" MP Musorgskog - odlučio je stvoriti nastavak ovog djela.
Šostakovičeva je komorna glazba vrlo zanimljiva. Po emocionalnoj ekspresivnosti i duhovnoj usmjerenosti gudački kvarteti nisu inferiorni najboljim simfonijama. U sonati za violu i klavir (1975.) - posljednjem skladateljevom djelu - spojeni su različiti osjećaji: patnja, unutarnje prosvjetljenje, strogost misli. U vokalnim ciklusima, skladatelj se okrenuo djelu Michelangela, Anne Andreevne Akhmatove, Sasha Cherny.
D. D. Šostakovič, čiji su rad mnogi smatrali previše kompliciranim, radio je i za širu javnost. Dokaz za to je glazba za kino. Na ovom području skladatelj ima i remek-djela - glazbu za filmove "Hamlet" (1964.) G.M. Kozintseva i "Gadfly" (1955.) A.M. Feinzimmer.
Ruska glazba 20. stoljeća, koja je uspješno razvijala tradiciju stranih i domaćih skladatelja, istodobno je utabala nove putove i provodila hrabre eksperimente. Unatoč revolucionarnim prevratima i društvenim kataklizmama modernog doba, organski je spojio različite stilove i trendove predstavljene djelima najdarovitijih klasičnih skladatelja. Mnoga djela A. N. Skryabina, S. V. Rahmanjinova, I. F. Stravinskog, S. S. Prokofjeva, D. D. Šostakoviča, G. V. Sviridova pripadaju remek-djelima svjetske glazbene kulture. Postignuća ruskih avangardnih skladatelja također su od trajne važnosti i još uvijek privlače pozornost slušatelja u mnogim zemljama svijeta.
Izvorni način nacionalne glazbene kulture XX. stoljeća. definira jedinstveni fenomen misna pjesma koji nema analoga u svijetu.
Glazba prijelaza stoljeća uspješno je razvila najbolje tradicije ruskih romantičarskih skladatelja i skladatelja Moćne šačice. Istodobno, nastavila je hrabru potragu na polju forme i sadržaja, predstavljajući publici originalne skladbe, zadivljujući novitetom ideje i njezinom izvedbom.
Stvaranje Aleksandar Nikolajevič Skrjabin(1872.-1915.), jednog od najdarovitijih skladatelja ranog dvadesetog stoljeća, često se povezuje sa simbolizmom. Doista, Skrjabinovu umjetničku potragu uvelike su odredili pjesnici simbolisti, kao i suvremena filozofska i mistična učenja. U svojim je djelima nastojao prenijeti svijet nestalnih i profinjenih ljudskih iskustava. Duhovni poriv, oduševljenje i sumnju, klonulost duha i snagu strasti mogao je pretočiti u prekrasne slike-simbole koje će slušatelji dugo pamtiti. Nije slučajno da su njegov kreativni moto bile riječi izrečene u mladosti: "Reći ću ljudima da su jaki i moćni."
Bio je sanjar. Tijekom svoje karijere Skrjabina je privlačila ideja sinteze umjetnosti. U "Pjesma vatre" također poznat kao "Prometej(1910.), sanjao je spoj zvuka i boje. San o univerzalnom "Dionizijskom plesu" nikad ga nije napustio. Čak je i orkestar, po njegovom mišljenju, morao biti u stalnom pokretu – plesati. Akutno osjećajući kontradiktornosti svog teškog vremena, sanjao je o univerzalnom skladu čovječanstva. Njegov cijenjeni san bio je hram u Indiji na obali planinskog jezera za uprizorenje neostvarenog djela Misterija.
Nije tražio trenutak za zabavu,
Utješiti i očarati melodijama;
Sanjao najviše: slaviti Božanstvo
I zvukovima osvijetli ponor duha.
V. Ya. Bryusov
Neumorno je vjerovao u posebnu moć umjetnosti, sposobnu promijeniti, preobraziti svijet i čovjeka. Nije slučajno što je Prva simfonija (1900.) završila njegovim vlastitim stihovima:
Dođite svi narodi svijeta,
Pjevajmo slavu umjetnosti!
Skrjabin je autor devetnaest klavirskih pjesama, tri simfonije, klavirskog koncerta, deset sonata, mazurke, valcera i etida. U svakom djelu utjecao je nenadmašni talent i vještina skladatelja.
Vrhunska djela Skrjabina uključuju "Poema ekstaze"(1907). Ovo je sjajno djelo napisano sonatni oblik, svojevrsni je hvalospjev svepobjednoj snazi ljudskog duha. Govori o tome kako ljudska duša prolazi težak put od nejasnih slutnji i tjeskobe do najviše duhovne radosti, stječući ogromnu snagu i energiju. U "alarmantnim ritmovima" prenosi napetu atmosferu prve ruske revolucije, napetu slutnju nadolazećih katastrofa. Nije slučajno što je u pjesničkom tekstu programa Skrjabin spomenuo Svemir zahvaćen “univerzalnom vatrom”.
Pjesma ekstaze prvi put je izvedena u Rusiji 1909. Doživjela je ogroman uspjeh. Jedanaesti put diplomac Moskovskog konzervatorija dobio je nagradu Glinka. Poznata “Ognjena pjesma” (“Prometej”) nastavila je svoj sjajan put u glazbi, veličajući duhovnu snagu ljudskog tvorca koji je pobijedio sile tame i tmine.
Skrjabinova glazba zvučala je na mnogima koncertna mjesta svijetu, uključujući i poznate ruske sezone S. P. Djagiljeva. Daljnja sudbina skladatelja bila je tragična: u dobi od 44 godine neočekivano je umro od trovanja krvi. Mnogi suvremenici odgovorili su na Skrjabinovu smrt, uključujući poznatog pjesnika V. Ya. Bryusova:
Usudio se rastopiti metal melodija
I htio sam nove forme pretočiti u nove forme;
Neumorno je žudio da živi i živi,
Za podizanje završenog spomenika...
Na sreću, riječi pjesnika su se obistinile: Skrjabin je bio i ostao "zvijezda prve veličine" ( N. A. Rimski-Korsakov).
Ništa manje poznat je stekao kreativnost Sergej Vasiljevič Rahmanjinov(1873.-1943.), također apsolvent Moskovskog konzervatorija, koji je diplomirao sa zlatnom medaljom. Za razliku od Skrjabina, koji je uvelike povezao svoje kreativan način simbolizmom se Rahmanjinov držao romantičnog pravca u glazbi. Ne prepoznajući modernističke inovacije, napisao je:
“U umjetnosti razumjeti nešto znači voljeti. Modernizam mi je organski neshvatljiv i ne bojim se to otvoreno priznati. Za mene je to samo kinesko slovo...
Ekspresivna disonanca je lijepa, ali beskrajna kakofonija, dovedena do nemilosrdnih krajnosti, nikada nije i ne može biti umjetnost.
Glazbeno stvaralaštvo S. V. Rahmanjinova odlikuje se ritmičkom energijom, uzbuđenjem, dostizanjem najjače napetosti, te istodobno lirskom sanjivošću i emocionalnošću. Najvažniji element njegovog stila je melodija kojoj je pridavao iznimnu važnost.
“Melodija je glazba. Glavna osnova svake glazbe, budući da savršena melodija podrazumijeva i oživljava njen harmonijski dizajn... Melodična domišljatost u najvišem smislu riječi glavni je životni cilj skladatelja.
S devetnaest godina stvorio je jednočinku Aleko (1892.) na temelju radnje Puškinove pjesme Cigani, koju je P. I. Čajkovski vrlo cijenio. Bila je to najviša nagrada teza nadobudni skladatelj. S dvadeset godina koncertne dvorane pljeskala mu je oduševljena publika. U krugu njegovih štovatelja bili su najpoznatije kulturne ličnosti tog vremena: L. N. Tolstoj, A. P. Čehov, I. E. Repin, K. S. Stanislavski, F. I. Chaliapin, M. Gorki, mnogi pjesnici srebrnog doba. Pa ipak, život Rahmanjinova ne izgleda miran i spokojan: poznavao je ne samo uspone, već i padove. Rahmanjinov je bio svjedok dva svjetska rata i dva ruske revolucije. S oduševljenjem je dočekao slom carskog režima, ali nije prihvatio listopad. Gotovo pola života proveo je daleko od domovine, ali prije zadnji dan osjećao se kao Rus:
“Ja sam ruski skladatelj i moja domovina je ostavila traga na mom karakteru i mojim pogledima. Moja glazba je plod mog karaktera, pa je to ruska glazba...
Skladateljeva glazba treba izražavati duh zemlje u kojoj je rođen, njegovu ljubav, njegovu vjeru i misli koje su nastale pod utjecajem knjiga, slika koje voli. To bi trebao biti zbroj svega. životno iskustvo skladatelj."
Rahmanjinovljev višestruki talent očitovao se u mnogim glazbenim žanrovima. Napravio je dvije opere (“Škrtavi vitez” i “Francesca da Rimini”), vokalno-simfonijsku pjesmu “Zvona” (1913), sonate, improvizirane, preludije. Za zbor je skladao i sakralnu glazbu, sežući do staroruskih znamenskih napjeva (Liturgija Ivana Zlatoustog, 1909. i Cjelonoćno bdijenje, 1915.). Autor je osamdesetak romansi na stihove ruskih i stranih pjesnika.
Rahmanjinov je bio posebno poznat po svojim klavirskim skladbama. Poseban stil klavirske glazbe koju je stvorio izvanredan je po svojoj nevjerojatnoj raznolikosti i punoći zvuka. Činilo se da je bogatstvom boja nastojao usporediti klavir sa svime Simfonijski orkestar. Najpoznatiji esej je Drugi klavirski koncert(1901.), što je otkrilo najbolje osobine njegova skladateljskog talenta. Djelo "izvanredne, nevjerojatne ljepote" ( S. S. Prokofjev) zapanjujuće točno prenio nedosljednost nova era i potvrdio valjanost ocjene svog strogog učitelja S.I.Taneyeva: "Ovo je briljantno." Za ovo djelo Rahmanjinov je 1904. godine dobio nagradu Glinka.
Rahmanjinov je svjetski poznat ne samo kao skladatelj, već i kao izvanredan pijanist i dirigent. “Božanstvo u tri osobe”, rekao je o njemu jedan od njegovih suvremenika. Brzo ovladavši tehnikom izvedbenih umjetnosti, Rahmanjinov je otkrio izvanredan talent briljantnog tumača. glazbena djela. Njegovo moćno sviranje po svojoj snazi moglo se izjednačiti s cijelim orkestrom i ostavilo ogroman dojam na slušatelje.
Krajem 1917. Rahmanjinov odlazi na turneju po Europi, a potom u CIIIA. Nije se vratio u Rusiju. Svih 25 godina emigracije živo ga je zanimalo što se događa u njegovoj domovini. Tijekom godina Velikog Domovinski rat skladatelj je više puta prenosio sredstva sa svojih koncerata za potporu Crvenoj armiji. Danas se Rahmanjinova djela čuju u mnogim koncertnim dvoranama naše zemlje; glazbena natjecanja i festivali.
Teško je zamisliti glazbenu sliku dvadesetog stoljeća. bez kreativnosti Igor Fjodorovič Stravinski(1882-1971) - jedan od najsjajnijih predstavnika svjetskih klasika. Tijekom šest desetljeća svoje stvaralačke karijere stvorio je oko 150 djela u različitim glazbenim žanrovima, a izvorni skladateljski talent utjecao je na svako od njih. Među njima su glazba za balet i operne kuće, instrumentalne skladbe, zborska i vokalna djela.
U povijest svjetske glazbene kulture ušao je kao hrabar inovator, neumorno tvoreći vlastite staze u umjetnosti. U rijetkim slučajevima ostao je ravnodušan prema novim trendovima u glazbi. Naprotiv, uvijek je odgovarao na ono što mu se činilo originalnim i zanimljivim. Put Stravinskog u glazbi je put od romantizma i impresionizma do neoklasicizma, dodekafonije i avangardne glazbe. Posljednjih godina života živo se zanimao za umjetnost jazza i dostignuća na području elektronske glazbe.
U okviru jedne skladbe mogao je slobodno kombinirati stilove raznih glazbenih epoha (barok, klasicizam, romantizam). Apel na glazbene tradicije prošlosti nije ga spriječio da eksperimentira, ispunjavajući djela duhom modernosti. Evo što je rekao o tome:
“Tradicija... ne samo da se “prenosi” s očeva na djecu, već prolazi kroz životni proces: rađa se, raste, sazrijeva, opada i ponekad se ponovno rađa...
Govoriti jezikom prošlih generacija nije kreativnost, nije umjetnost, već rutina.”
Susret sa S. P. Diaghilevom 1909. uvelike je odredio daljnju osobnu i stvaralačku sudbinu skladatelja. Zamolili su ga da napiše glazbu za balet "Žar ptica" na temu priče o zlom Kashcheiju i padu njegovog mračnog kraljevstva.
25. lipnja 1910., datum praizvedbe baleta na pozornici pariške Velike opere, postaje početak svjetske slave Stravinskog. Glazba je oduševila raskošom orkestralnih zvukova, neobičnošću ritmova i obiljem bajkovitih simbola. Posebno je zanimljiv bio "Glavni ples Kaščejevskog kraljevstva" - groteskna slika zla i nasilja.
Godinu dana kasnije - nova, ništa manje briljantna premijera baleta "Peršin". Stravinski je svoju glavnu pozornost usmjerio na duboku psihološku dramu svoje voljene narodni heroj Petrushka, koja je beznadno zaljubljena u glupu balerinu, koja više voli samozadovoljnog Maura. O patnji glavnog junaka, ljubaznog, nestašnog i nikad obeshrabrenog, Stravinski je briljantno govorio jezikom glazbe. Posebno je upečatljiva bila posljednja scena Petruškina oproštaja od života. Nevjerojatan nalaz skladatelj je bio trzavo "jecanje", "izdisaj" flauta i čudan zvuk tambure bačene na pod. Sve donedavno neobuzdano rasplesano mnoštvo smrzava se pred umirućim. U tragičnom trenutku odlaska Petruškine duše u bolji svijet nevjerojatna glazba zvuči, prenoseći uzbuđenje odlazećeg života. Odjeci štanda Maslenice i prodorne fanfare oživljene Petruške upotpunjuju akciju.
Koautori Stravinskog u ovom djelu bili su koreograf M. M. Fokin (1880-1942) i libretist, umjetnik A. N. Benois. Glavne uloge tumačili su Tamara Karsavina i Vatslav Nijinsky. Balet "Petrushka" postao je vrhunac ruskih godišnjih doba S. P. Djagiljeva. Premijera trećeg, ništa manje poznatog baleta Stravinskog "sveto proljeće"(1913.) izazvao neviđeni skandal u Parizu. Autor se kasnije prisjetio:
“Kad se zavjesa podignula i na pozornici je bila skupina skakaćih Lolita s izvrnutim koljenima i dugim pletenicama... izbila je oluja. Iza mene su se čuli povici "Začepi grlo!.." Ja sam bijesan napustio dvoranu.
Razmaženo uho slušatelja, naviknuto na slatke i mlohave zvukove, čulo je strani poganski element. Nije slučajno što je balet nosio podnaslov “Slike poganske Rusije”. Stravinski je pokušao u glazbi ponovno stvoriti iskonsku strogost običaja poganskih plemena, na čelu sa Starijim Mudrim. Napete disonancije, složeni ritmovi i neočekivani kontrasti željeli su se prenijeti magična moćčarolije prirode, proljetno gatanje, najstariji obred poljupca zemlje, uzdizanje Odabranice. Pokreti i geste glumaca, koji su napustili tehnike klasičnog baleta, bili su teški i uglati. Tih je dana jedan od kritičara napisao:
"Pariška premijera Obreda proljeća zapamćena je kao nešto vrlo značajno, poput bitke kod Waterlooa, poput prvog leta balona na vrući zrak."
Nekoliko godina kasnije, Obred proljeća, izveden kao simfonijsko djelo, izazvao je buran pljesak publike.
b Skladatelji sovjetskog doba
Godine 1937 poznati skladatelj Sergej Sergejevič Prokofjev(1891-1953) upisao je ove riječi u svoju bilježnicu:
“Sada nije vrijeme kada je glazba pisana za mali krug esteta. Sada su se ogromne gomile ljudi susrele licem u lice s ozbiljnom glazbom i upitno čekaju. Skladatelji, obratite pozornost na ovaj trenutak: ako odgurnete ove gužve, oni će otići... ako ih zadržite, dobit ćete publiku koja nikad nigdje i u bilo koje vrijeme nije bila...”
Doista, sovjetsko doba postavilo je sasvim specifične zadatke za skladatelje. Kreativnost, usmjerena na široke mase slušatelja, morala je odgovarati duhu svoga vremena. Unatoč jasno izraženoj želji da se kreativnost spoji s ideologijom sovjetske države, Prokofjev, dobitnik šest Staljinovih nagrada, uvijek je ostao sam, čovjek čvrstog i neovisnog karaktera. Tako je započeo njegov stvaralački put u glazbi. Završivši Konzervatorij u Sankt Peterburgu 1914., odlučio je odsvirati vlastiti Prvi koncert pred ispitnim povjerenstvom. Glazba je osvojila publiku, a Prokofjev je dobio diplomu s pohvalama i nagradu A. G. Rubinstein (veličanstveni klavir na poklon).
Nikada nikoga nije oponašao, iako je imao svoje omiljene skladatelje i učitelje. Primjerice, Prokofjevu nije bilo nimalo neugodno koliko je publika loše doživjela njegov Drugi klavirski koncert.
Osam opera, sedam baleta, po sedam simfonija i koncerata, veliki broj komornih, klavirskih i vokalna djela, glazba za filmove - takav je Prokofjevljev put u glazbi.
Jedno od remek-djela skladatelja bio je balet "Romeo i Julija"(1936). Ideja o stvaranju baleta mnogima se činila osuđenom na neuspjeh, ali Prokofjev je već bio potpuno u vlasti Shakespearea: neobuzdana fantazija rodila je prvu glazbene teme; razgovaralo se o detaljima scenarija i dramaturgiji budućeg djela. Kad je sve bilo spremno, umjesto općeprihvaćenih solo plesova, dueta, trija, adagija i valcera, partitura je uključivala neobična imena za slušanje: “Romeo”, “Red vojvode”, “Djevojčica Julija”, “Tybalt se bori s Mercutio”, “Romeo i Julija prije rastanka... Sve je bilo neočekivano i neobično. Nije prošlo mnogo vremena prije nego što je donesena odluka o postavljanju predstave. Skladatelj je odlučno odbio išta ponoviti.
Premijera je održana u Lenjingradu 1940. u poznatom Mariinsky (in Sovjetske godine Kirov) kazalište. Glavnu ulogu u izvedbi izvela je neusporediva G. S. Ulanova. Glazba je vrlo precizno prenijela dramatičnost događaja, osjećaje i doživljaje likova. Nadahnuta i poetska slika mlade Julije potresla je publiku do suza. Evo je, sva poniznost i poslušnost, pleše na balu s Parisom, budućim mladoženjom. Juliet je dirljivo lirična i nježna u ljubavnim prizorima... Melodije teku polako i glatko, kao da žare, dišu... Pa odluči popiti smrtonosno piće... Tužne slutnje, strah i neugasiva ljubav daju Juliet snagu da poduzeti ovaj kobni korak.
bili su prekrasni i scene gužve balet. U njima je autor uspio prenijeti bučnu energiju vesele ulične gomile, ukočenost u plesovima plemstva na balu Capulet, gracioznost pomalo sporog plesa djevojaka s ljiljanima uz krevet Julije koja je zaspala. Gestom, mimikom, hodom i načinom pokreta skladatelj je sjajno prenio bit karaktera svakog od likova. Prokofjevljev balet "Romeo i Julija" i danas je jedan od najrepertoarnijih u svjetskim kazalištima.
Među skladateljevim opernim djelima treba izdvojiti operu "Rat i mir", na kojem je radio više nego na bilo kojem drugom djelu. Nekoliko godina (od 1943. do 1952.) iznova se vraćao u "Rat i mir", prilagođavao dramu, dodavao, mijenjao ili isključivao epizode. Sam zadatak povezivanja opere s književnim izvorom činio se nevjerojatnim. Štoviše, prema autorovoj namjeri, trebao je zvučati ... izvorni tekst romana L. N. Tolstoja ...
Prvo izdanje izvedbe zamišljeno je za dvije večeri, no kasnije je opera dobila žanrovski okvir uobičajenih opernih predstava. Više od šezdeset likova, ne računajući goste na balu, vojnike, seljake i partizane...
Najbolje slike opere su prvi bal Natashe Rostove, u kojem zvuči valcer nevjerojatne ljepote, prenoseći naivni šarm i gracioznu gracioznost mlade djevojke; to su scene u Otradnom i Natašin susret sa smrtno ranjenim Andrejem Bolkonskim u Mytishchiju.
Prokofjev je veliku pozornost posvetio narodnim i herojskim temama u operi, osobito slici popularnog zapovjednika Kutuzova. Njegova divna arija "Neusporedivi ljudi!", koja podsjeća na napjeve folk pjesme, dao je radnji epski domet i veličinu.
Veliko mjesto u radu Prokofjeva zauzima glazba za filmove S. M. Eisensteina "Aleksandar Nevski" (1938) i "Ivan Grozni" (1942-1945).
Među skladateljima sovjetske ere, kreativnost Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič(1906--1975) uvelike određuje klasični trend u ruskoj glazbi dvadesetog stoljeća. Prva simfonija (1926.) koju je napisao devetnaestogodišnji diplomac Lenjingradskog konzervatorija pogodila je publiku optimizmom i svježinom zvuka. Odmah je ušla na repertoar domaćih i stranih dirigenta.
Tijekom polustoljetnog razdoblja stvaralaštva, Prvoj simfoniji bit će dodano još četrnaest. Šostakovič je stvorio djela u gotovo svim glazbenim žanrovima: petnaest kvarteta, dvije opere (Nos i Lady Macbeth iz okruga Mtsensk), tri baleta (Zlatno doba, Bolt i Svijetli potok), šest instrumentalnih koncerata, cikluse romanse, zbirke klavirski preludiji i fuge, kantate, oratorij (“Pjesma o šumama”), glazba za filmove i dramske izvedbe.
Produkcija je skladatelju donijela značajnu slavu opera "Nos"(1927-1928) prema romanu N.V. Gogola. U glazbi se pred zaprepaštenom publikom razvio "nevjerojatan incident" s nosom bojnika Kovaljeva. Satirična struktura Gogoljeve priče kao da je sugerirala skladatelju novi put, temeljno razbijajući tradiciju operne umjetnosti. Sve je u njoj bilo na granici karikature i groteske, sve je okrenuto unatrag, izvrnuto naopačke. Umjesto uobičajenog pjevanja, začulo se grčevito lupkanje, prekinula je nesklada od osam domara i nisu se čuli. U fantastičnu akciju uvučeni su policajci, brijač, perzijski princ, đevreci i kišobrani... Vesele kancane zamijenili su galopi i polke. Zbor promatrača uzbuđeno je frknuo.
Unatoč činjenici da je opera reproducirala događaje Gogoljeve Rusije u 19. stoljeću, bilo je lako pogoditi satiru o malograđanskom životu sovjetskog doba. Premijera je održana u siječnju 1930. Filmski redatelj G. M. Kozintsev (1905-1973) zabilježio je:
„U grohotne galope i otkačene polke, scenografija V. Dmitrijeva se vrtjela, vrtjela: Gogoljeva fantazmagorija postala je zvuk i boja... Pobjesnila je Gogoljeva groteska: što je ovdje bila farsa, što je bilo proročanstvo?
Nevjerojatne orkestralne kombinacije, tekstovi nezamislivi za pjevanje... neobični ritmovi... svladavanje svega što je prije izgledalo antipoetično, antiglazbeno, vulgarno, a zapravo je bila živa intonacija, parodija - borba protiv konvencije... bio je vrlo zabavan nastup".
Opera Nos je u dvije godine imala šesnaest predstava, nakon čega je na duže vrijeme nestala s pozornice.
Sudbina druge Šostakovičeve opere ispala je sasvim drugačije. "Lady Macbeth iz okruga Mtsensk" ("Katerina Izmailova", 1930-1932) prema istoimenoj priči N. S. Leskova. Ali sada to više nije bila parodija na operu, već visoka tragedija s mnogo grotesknih i satiričnih prizora. glavni lik, Katerina Izmailova, prošavši kroz najteža iskušenja, izazvala je okolni život.
Opera je bila toplo prihvaćena u javnosti, no u siječnju 1936. novine Pravda objavile su anonimni članak pod naslovom "Zbrka umjesto glazbe", u kojem je skladatelja optužili za "ekstremni formalizam", "grubi naturalizam" i "melodičnu bijedu".
Nekoliko dana kasnije pojavio se drugi naručeni članak, "Baletna laž", usmjerena protiv glazbe za balet "Svijetli potok". Ovoga puta Šostakoviča su optužili za "maonetsko prikazivanje života" i "formalistički pristup folkloru". Opera i balet su odmah skinuti s repertoara. Protiv skladatelja je pokrenut neviđeni progon. Dugo je bio lišen mogućnosti da sklada što želi. Malo tko je tada mogao hrabro pružiti ruku pomoći osramoćenom skladatelju. Među njima je bila i A. A. Akhmatova, koja mu je posvetila ove stihove pjesme "Muzika":
Nešto čudesno gori u njoj,
I pred očima su njegovi rubovi fasetirani,
Ona razgovara sama sa mnom
Kad se drugi boje prići.
Kada zadnji prijatelj odvratio oči
Bila je sa mnom u mom grobu.
I pjevao kao prva grmljavina
Ili kao da je sve cvijeće progovorilo.
Krajem 1930-ih Šostakovič se okrenuo instrumentalnom i simfonijska glazba. Jedno od najvećih djela ovoga vremena bilo je Peta simfonija(1937.), koju su mnogi nazvali skladateljevom "optimističkom tragedijom". Bila je to simfonija-monolog, iskreno govoreći o teškoj potrazi životni put. Često je uključivao monologe solo instrumenata: flaute, violine, harfe i celeste. Djelo je jednoglasno prepoznato kao jedan od vrhunaca ruske i svjetske simfonije.
Svjetski poznati Šostakovič doveo je slavne Sedma simfonija ("Lenjingrad", 1942.), prvi put izvedena u opkoljenom Lenjingradu.
Šostakovičeva komorna i vokalna glazba izaziva veliki interes. Po umijeću i izražajnosti njegovi gudački kvarteti nisu zaostajali najboljim simfonijama. U vokalnim ciklusima obratio se pjesničkim djelima Michelangela, A. Puškina, M. Lermontova, A. Ahmatove, A. Bloka, M. Cvetaeve, Saše Černog, japanskih, španjolskih i francuskih pjesnika.
Posebno mjesto u skladateljevu stvaralaštvu zauzimala je glazba za filmove i dramske izvedbe. Čak je i u postrevolucionarnom Petrogradu Šostakovič radio kao pijanist u malim kino dvoranama, improvizirajući na klaviru tijekom demonstracije nijemih filmova. Kada 1928. počinje doba filmske glazbe, sa zadovoljstvom ulazi u kinematografiju, gdje stvara niz briljantnih glazbenih djela za filmove "Trilogija o Maksimu", "Ivan Mičurin", "Susret na Elbi", "Mlada garda ", "Pad Berlina", "Gadfly", "Hamlet", "Kralj Lear". Pjesma iz filma "Oncoming" ("Jutro nas hladnoćom upoznaje") odmah se zaljubila u publiku. Nakon Velikog domovinskog rata usvojena je kao službena himna UN-a. Šostakovič nikada nije smatrao filmsku glazbu ukrasom za film. Naprotiv, bio je to najvažnije sredstvo otkrivanja unutarnjeg značenja ekranske radnje.
U isto vrijeme, skladatelji N. Ya. Myaskovsky (1881.-1950.), R. M. Glier (1875.-1956.), A. I. Khachaturian (1903.-1978.), G. V. Sviridov (1915. -1998.), DV Kabalevsky (1904.-198. ), TN Khrennikov (r. 1913.), RK Shchedrin (r. 1932.).
Glazbena avangarda, nastala na prijelazu iz 60-ih u 70-e, postala je zamjetan fenomen u nacionalnoj glazbenoj kulturi. Njegovi talentirani predstavnici su A. G. Schnittke (1934-1999), S. A. Gubaidulina (r. 1931), E. V. Denisov (1929-1996). Kreativnost svakog od njih je inovativna potraga, hrabrost i originalnost u rješavanju glazbenih tema, emocionalnost izvedbenog načina.
b Fenomen masovne pjesme
Misna pjesma jedinstvena je vrsta glazbenog stvaralaštva, svojevrsna kronika povijesti naše države. Nadaleko poznate riječi da nam "pjesma pomaže graditi i živjeti" pokazale su se neophodnim za život nekoliko generacija sovjetskih ljudi.
Pjesme nastale nakon listopadska revolucija I građanski rat, najčešće je imao izražen revolucionarni karakter. Mnogi od njih spontano su rođeni među Crvenoarmejcima i prvim komsomolcem. Među njima su pjesme "Mi ćemo hrabro ići u boj", "Mlada garda" ("Naprijed, prema zori ..."), "Tamo, u daljini, iza rijeke", "Tačanka", "Budyonny March ”.
U godinama prvih petogodišnjih planova zamijenile su ih pjesme koje su ljude nadahnjivale na radne podvige. Najbolji od njih nastali su u suradnji sa skladateljem Isaac Osipovič Dunayevsky(1900-1955) i pjesnik VI Lebedev-Kumach za filmove "Jolly Fellows" ("Marš veselih kolega"), "Djeca kapetana Granta" ("Pjesma veselog vjetra"), "Cirkus" ("Pjesma domovine"). Dunayevsky se s pravom smatra tvorcem žanra marš-pjesme ("Marš entuzijasta", "Sportski marš", "Marš traktorista", "Proljetni marš"). Umnogome je obogatio žanr pjesme, uvodeći u nju elemente operete i jazza. Pjesme koje su zvučale u filmovima "Volga-Volga", "Kubanski kozaci", "Proljeće", "Tri druga" postale su voljene u narodu i ubrzo su počele živjeti vlastitim životima.
U teškim godinama Velikog domovinskog rata pjesma je ujedinila ljude koji su živjeli s istim tjeskobama i osjećajima, snom o pobjedi. Od prvih dana rata pjesma se pokazala možda najpotrebnijom glazbeni žanr. Jedan od najpoznatijih - "Sveti rat" A. V. Aleksandrov i V. I. Lebedev-Kumach, prvi put u izvedbi ansambla Crvene armije na peronu Bjeloruskog željezničkog kolodvora u Moskvi. Vojnici koji su otišli na front odmah su zapamtili njene riječi:
Ustani velika zemlja,
Ustani za borbu smrti...
“Glazba nas je svojim primamljivim zvukom doslovno šokirala. Grlo mu se steglo od uzbuđenja, suze su mu navrle na oči. Intonacije vapaja, hrabra zona, izazvale su u slušateljima odlučnost da odmah krenu u borbu protiv neprijatelja ”(V. A. Aleksandrov).
Pjesma nastala u nekoliko sati 24. lipnja 1941. izražavala je ono što su svi mislili tih dana. Postala je simbol, borbena himna Velikog domovinskog rata.
U teške godine suđenja, ljudima nisu bile potrebne samo junačke pjesme koje bi mogle podići moral. Posebnu ljubav uživale su pjesme o rodnom domu, o rodbini koja je tu ostala. Pjesme skladatelja V. Solovyov-Sedoy, M. Blanter, N. Bogoslovsky, A. Novikov, T. Khrennikov od srca su govorile o ljubavi i vjernosti. To su "Večer na putu", "Zemunica", "U šumi blizu fronta", "Katyusha", "Tamna noć", "Slavuji".
Vojna tema u žanru pjesme pokazala se neiscrpnom. 30 godina nakon rata bit će napisana pjesma "Dan pobjede" D. Tukhmanov i V. Kharitonov. “Radost sa suzama u očima” i ujedno gorčina velikih gubitaka izražena je u njemu s najvećom iskrenošću.
Nakon Velikog domovinskog rata u glazbu dolaze nove teme i intonacije. Tijekom Šestog svjetskog festivala omladine i studenata u Moskvi 1957. pojavila se jedna od omiljenih narodnih pjesama "Moskovske noći" na glazbu V. Solovyov-Sedoy i tekst M. Matusovsky. Umjesto marširajućih ritmova i predizbornih linija, u njemu je zvučala iskrena srdačnost i odaziv ruskog naroda. Šarmantna, lirska melodija uspjela je osvojiti svaku publiku. Njezini se pozivni znakovi još čuju u programu radija Mayak.
Kasnih 50-ih - ranih 80-ih, pjesme su se naširoko čule Aleksandra Nikolajevna Pakhmutova. Omladinski entuzijazam, romantika cesta i razvoj novih zemalja, duh sportska natjecanja a lirska nježnost određuju glavni sadržaj Pakhmutovih pjesama. “Pjesma tjeskobne mladosti”, “Geolozi”, “Znaš li kakav je tip bio”, “Kukavica ne igra hokej”, “Bjesna građevinska brigada”, “Kako smo bili mladi”, “Nježnost”, “ Melodija“, „Nada“ dugo su bili među najomiljenijim i najizvođenijim skladateljevim djelima. Pjesma "Zbogom, Moskvo" na riječi N. Dobronravova, napisana na dane oproštaja od moskovskih Olimpijskih igara 1980. godine, postala je jedna od omiljenih pjesama naroda.
Još jedan moćan sloj glazbe je bardijski, ili autorski, pjesma, predstavljen djelima A. Galicha, B. Okudzhave, V. Vysotskog, Yu. Vizbora, A. Gorodnitskog, Yu. Kim, N. Matveeve, V. Doline.
Bardova pjesma je poseban glazbeno-poetski žanr urbanog folklora, osmišljen za izravnu komunikaciju između slušatelja i autora. Moderna bardova pjesma najčešće je živa reakcija na uzbudljive događaje. Što je važnije u ovom žanru: riječi ili glazba? Evo kako na ovo pitanje odgovara jedan od njegovih autora i izvođača Julius Kim:
“Najbolje naše pjesme su one u kojima se nalazi neka nerastavljiva cjelina. Tiskane u pjesničkom obliku, naše pjesme mnogo gube, svakako moraju zvučati. Ipak, radi se o poeziji, jer radnja, i rima, i ritam, i melodija služe prvenstveno otkrivanju smisla. No, riječ je o posebnoj, pjesničkoj poeziji, čija je slika i glazbena i verbalna. Zato govorim o neraskidivoj cjelini. To je naše sredstvo izražavanja."
Misna pjesma danas se dosta promijenila u svojoj biti. Uglavnom pop glazba suvremeni bendovi i izvođači. Među njima je teško nekome dati posebnu prednost, jer svaki slušatelj ima svoje ukuse i sklonosti, koje ne dijeli uvijek većina. Naravno, riječ je o potpuno različitim pjesmama koje imaju svoj život na estradi.
po mogućnosti u obliku izvješća, hvala!
20. stoljeće je doba velikih transformacija svjetske kulture, posebice glazbe. S jedne strane, oba svjetska rata i mnoge revolucije utjecali su na opću turbulentnu situaciju u svijetu, s druge strane, ona napreduje pred našim očima. tehnološki razvoj dovela do stvaranja radikalno novih žanrova, stilova, trendova, načina glazbenog izražavanja. Unatoč tome, neki skladatelji 20. stoljeća nisu napustili tradicionalne klasične forme te su ovu umjetnost razvijali i obogaćivali. U okviru ovog članka govorit ćemo o inovativnim skladateljskim školama i skladateljima kao što su New Vienna School i njeni predstavnici Skladatelji nove bečke škole avangardnih skladatelja "Francuske šestorke" i stvorili sustav dodekafona. Slijede njegovi učenici - Alban Berg i Anton Webern - potpuno su napustili tonski sustav stvarajući tako atonalnu glazbu, što znači odbacivanje tonike (glavnog zvuka). Iznimka je najnoviji radovi A. Berg. Skladatelji atonalisti uglavnom su skladali u ekspresionističkom stilu, na kojemu leže otisci okrutnih prevrata čovječanstva od gubitka najmilijih tijekom rata, gladi, hladnoće i siromaštva. Atonalni sustav se već neko vrijeme iscrpio, međutim, u budućnosti, kroz cijelo 20. stoljeće do danas, mnogi se skladatelji okušavaju u korištenju ove tehnike.šestice, ujedinjene zajedničkim svjetonazorom. To su A. Honegger, D. Milhaud, F. Poulenc, J. Auric, L. Duray, J. Tayefer. Skladatelji "Šestorice" željeli su učiniti glazbenu umjetnost dostupnom predstavnicima svih slojeva stanovništva. Ipak, njihova je glazba bila na razini mnogih klasičnih djela. Skladatelji "Šestorice" u svojim su djelima promovirali smjer urbanizma povezan s rastom gradova i visokotehnološkim napretkom 20. stoljeća. Korištenje raznih zvučnih efekata u djelima (osobito u djelima A. Honeggera) – bipovi, ritam parne lokomotive i dr. – svojevrsna je počast smjeru urbanizacije. Avangarda 50-ih Pedesetih godina na sceni su se pojavili avangardni skladatelji P. Boulez (Francuska), K. Stockhausen (Njemačka), L. Nono i L. Berio (Italija). Glazba za ove skladatelje pretvara se u polje za eksperimentiranje, gdje se više pažnje pridaje izgradnji zvučnog raspona, a ne samom sadržaju glazbenog platna. Posebno mjesto u njihovom radu zauzima serijska tehnika koja potječe iz dodekafonskog sustava i dovedena je do svog vrhunca. Stvara se totalni serijalizam - u ovoj tehnici pisanja serijalnost se ogleda u svim elementima glazbene cjeline (ritam, melodija, dinamičke nijanse itd.). Avangardni skladatelji također su začetnici elektroničke, konkretne, minimalne glazbe i tehnika pointilizma.
Odgovoriti