बीसवीं शताब्दी को कला और साहित्य में कई नवाचारों द्वारा चिह्नित किया गया था जो क्रांतियों और विश्व युद्धों के दौरान जनता के दिमाग में विनाशकारी परिवर्तनों से जुड़े थे। सामाजिक यथार्थ की नई परिस्थितियों ने समग्र रूप से संपूर्ण कलात्मक संस्कृति पर प्रभाव डाला, एक ओर शास्त्रीय परंपरा को एक नई सांस दी, और दूसरी ओर, एक नई कला को जन्म दिया - नव-gardism (फ्रांसीसी अवांट-फॉरवर्ड और गार्ड डिटेचमेंट से), याआधुनिकता(अक्षांश से। आधुनिक - नया, आधुनिक), सबसे पूरी तरह से समय के चेहरे को दर्शाता है। संक्षेप में, "आधुनिकतावाद" शब्द का अर्थ है कलात्मक रुझान, बीसवीं शताब्दी के व्यक्तिगत स्वामी के रुझान, स्कूल और गतिविधियाँ, जिन्होंने अपनी रचनात्मक पद्धति के आधार के रूप में अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता की घोषणा की।
कलात्मक संस्कृति ने अब तक अभूतपूर्व, तेजी से अलग-अलग आंदोलनों में एक भव्य गोलमाल का अनुभव किया।
इन तूफानी और कई कलात्मक आंदोलनों में, कई मुख्य लोगों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है: फौविज्म, अभिव्यक्तिवाद, अमूर्तवाद, भविष्यवाद, क्यूबिज्म, अतियथार्थवाद, शुद्धतावाद, ऑर्फिज्म, रचनावाद।
सांस्कृतिक और ऐतिहासिक महत्व के दृष्टिकोण से, अवंत-गार्डे के रुझानों और कलाकारों में वैश्विक हैं, और संकीर्ण स्थानीय भी हैं। वैश्विक लोगों के लिए जिन्होंने पाठ्यक्रम और विकास को नाटकीय रूप से प्रभावित किया कलात्मक संस्कृति, अमूर्त कला, दादावाद, रचनावाद, अतियथार्थवाद, अवधारणावाद, दृश्य कला में पिकासो का काम शामिल हैं; संगीत में डोडेकैफोनी और एलिएटोरिक; साहित्य में जोइस्ट प्राउस्ट, खलेबनिकोव।
अवंत-गार्डिज़्म पारंपरिक सौंदर्य मानदंडों और सिद्धांतों, रूपों और कलात्मक अभिव्यक्ति के तरीकों का ढीला और विनाश हैइस क्षेत्र में असीमित नवाचारों की संभावना को खोलना, अक्सर विज्ञान और प्रौद्योगिकी की नवीनतम उपलब्धियों के आधार पर, कलात्मक संस्कृति के एक नई गुणवत्ता के संक्रमण के लिए रास्ता खोल दिया। कलात्मक और सौंदर्य मूल्य के संदर्भ में, यह आज पहले से ही स्पष्ट है कि इसके अधिकांश प्रतिनिधियों ने क्षणिक कार्यों का निर्माण किया, जिनका विशुद्ध रूप से प्रयोगात्मक मूल्य था। इसके साथ, अवांट-गार्डिज्म ने नई यूरोपीय संस्कृति में अपना कार्य पूरा किया और मूल रूप से 60 और 70 के दशक में एक तरह की वैश्विक घटना के रूप में अपने अस्तित्व को समाप्त कर दिया। हालांकि, यह अवांट-गार्डिज्म था जिसने 20 वीं शताब्दी के सबसे बड़े आंकड़ों को जन्म दिया, जो पहले ही विश्व कला के इतिहास में प्रवेश कर चुके हैं: कैंडिंस्की, चागल, मालेविच, पिकासो, मैटिस, मोदिग्लिआनी, डाली, जॉयस, प्राउस्ट, काफ्का, एलियट , Ionescu, Le Corbusier और कई अन्य।
संगीत अवांट-गार्डिज्म आमतौर पर तथाकथित ठोस संगीत को संदर्भित करता है, जो स्वर सामंजस्य की स्वतंत्रता पर आधारित होता है, न कि हार्मोनिक श्रृंखला पर: सोनोरिज्म, इलेक्ट्रॉनिक संगीत।
इस दिशा में पहली खोज 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूसी संगीतकार ए.एन. स्क्रिबिन।
वर्तमान में, कई देशों के सबसे बड़े संगीतकार संगीत अवंत-गार्डे से संबंधित हैं - के। स्टॉकहौसेन, जे। जेनाकिस, पी। बौलेज़, एल। नोनो, डी। केज, डी। लिगेटी, एचवी हेन, एल। बर्नो, के. पेंडरेत्स्की।
प्रदर्शन की कठिनाई, माधुर्य की कमी, संगीतकार की नवीन संगीतमय भाषा, धारणा की दुर्गमता, कर्कशता - ये बीसवीं शताब्दी के संगीत से संबंधित कुछ अभिधारणाएँ हैं। न केवल संगीत के लिए, बल्कि सामान्य रूप से कला की सभी शैलियों के लिए परंपराओं को तोड़ना और आक्रामक रूप से नवीन प्रवृत्तियों की विशेषता थी। हालांकि, सदी के संगीत रुझानों की एक सामान्य बिना शर्त विशेषता को सुरक्षित रूप से विविधता कहा जा सकता है: विभिन्न प्रकार के रुझान, शैली और भाषा जो समृद्ध हुई हैं संगीत कलादूसरी सहस्राब्दी के अंत में और इसे सबसे रोमांचक और असाधारण घटनाओं में से एक बना दिया।
20वीं सदी की संगीत कला नवीन विचारों से भरी हुई है। यह संगीत भाषा के सभी पहलुओं में एक मौलिक परिवर्तन का प्रतीक है। बीसवीं शताब्दी में, संगीत अक्सर भयानक युग को प्रदर्शित करने के लिए एक स्रोत के रूप में कार्य करता था ऐतिहासिक घटनाओंजिसके साक्षी और समकालीन इस युग के अधिकांश महान रचनाकार थे, जो नवप्रवर्तक और सुधारक बने। इन नवीन प्रवृत्तियों के मानक वाहक अर्नोल्ड स्कोनबर्ग, पॉल हिंडेमिथ, ओलिवियर मेसियान, पियरे बोलेज़, एंटोन वेबर्न, कार्लहेन्ज़ स्टॉकहौसेन जैसे संगीतकार थे। 20 के दशक की संगीतमय भाषा की विशेषताओं में से एक। नई सदी की शुरुआत संगीत की सोच के सिद्धांतों और बैरोक युग, क्लासिकवाद और देर से पुनर्जागरण की विशेषता शैलियों के लिए एक अपील थी। नवशास्त्रवाद 19वीं शताब्दी की रोमांटिक परंपरा के साथ-साथ इससे जुड़े आंदोलनों (प्रभाववाद, अभिव्यक्तिवाद, सत्यवाद, आदि) के विरोध में से एक बन गया। इसके अलावा, लोककथाओं में रुचि बढ़ी, जिससे एक संपूर्ण अनुशासन का निर्माण हुआ - नृवंशविज्ञान, जो संगीत लोककथाओं के विकास का अध्ययन करता है और संगीत और सांस्कृतिक प्रक्रियाओं की तुलना करता है। विभिन्न लोगशांति।
19 वीं शताब्दी के सौंदर्य सिद्धांतों का पतन, नई सदी की शुरुआत के राजनीतिक और आर्थिक संकट, अजीब तरह से पर्याप्त, ने एक नए संश्लेषण के निर्माण में योगदान दिया, जिससे संगीत में अन्य प्रकार की कला का प्रवेश हुआ: पेंटिंग , ग्राफिक्स, वास्तुकला, साहित्य और यहां तक कि छायांकन भी। हालांकि, जे एस बाख के समय से संगीतकार अभ्यास पर हावी होने वाले सामान्य संरचनात्मक और हार्मोनिक कानूनों का उल्लंघन किया गया और उन्हें बदल दिया गया।
20वीं सदी विविधता की सदी थी। लेकिन इस सदी के सभी कार्यों में एक स्पष्ट अवांट-गार्डे चरित्र नहीं था। कई संगीतकारों ने अतीत की रोमांटिक परंपराओं (एस.वी. राचमानिनॉफ, रिचर्ड स्ट्रॉस) को जारी रखने के लिए अपने काम की मांग की या क्लासिकिज्म और बारोक (मौरिस रवेल, पॉल हिंडेमिथ, जीन लुइस मार्टिनेट) के युग में प्रेरणा की तलाश की। कुछ प्राचीन संस्कृतियों (कार्ल ओर्फ़) की उत्पत्ति की ओर मुड़ते हैं या पूरी तरह से निर्भर करते हैं लोक कला(लियोस जनसेक, बेला बार्टोक, ज़ोल्टन कोडाई)। साथ ही, संगीतकार अपनी रचनाओं में सक्रिय रूप से प्रयोग करना जारी रखते हैं और हार्मोनिक भाषा, छवियों और संरचनाओं के नए पहलुओं और संभावनाओं की खोज करते हैं।
संगीत में नए विचारों का अवतार हमेशा जनता द्वारा उत्साह के साथ नहीं माना जाता था। शास्त्रीय परंपरा ने श्रोता को भव्यता की एक आश्चर्यजनक दुनिया में पेश किया, जो कि एक आदर्श प्रणाली के साथ सामंजस्य स्थापित करता है। एक वैकल्पिक ध्वनि की उपस्थिति, जो एक अद्भुत वाद्य संयोजन और समय के रूप में परिलक्षित होती है, को हमेशा पर्याप्त रूप से नहीं माना जाता था। आधुनिक संगीत में नए रुझानों के निस्संदेह पूर्ववर्ती रिचर्ड वैगनर, गुस्ताव महलर और क्लाउड डेब्यू थे, जिन्होंने अपने काम में बीसवीं शताब्दी के संगीत के लगभग सभी बुनियादी सिद्धांतों को निर्धारित किया। इगोर फेडोरोविच स्ट्राविंस्की, बेला बार्टोक और अर्नोल्ड शॉनबर्ग - यह अभिनव संगीतकारों की त्रयी है, जिनका काम सभी के लिए आधार बन गया संगीत संस्कृतिसदी और, सबसे पहले, अपने छात्रों के लिए - अल्बान बर्ग, एंटोन वेबर्न, एस.एस. प्रोकोफिव, डी। डी। शोस्ताकोविच, पॉल हिंडेमिथ।
प्रमुख संगीत प्रवृत्तियों और उनके प्रमुख प्रतिनिधियों का संक्षिप्त विवरण।
देर से रोमांटिकवाद।
20वीं सदी की शुरुआत (1900-1910) आखिरी सुनहरे दिनों के संकेत के तहत गुजरी और साथ ही साथ रोमांटिक संगीत संस्कृति का संकट भी। इसके संकेत विशेष रूप से ऑस्ट्रो-जर्मन संस्कृति, संगीतमय रूमानियत के ऐतिहासिक केंद्र में ध्यान देने योग्य हैं। रिचर्ड स्ट्रॉस (1864-1949), गुस्ताव महलर (1860-1911)।
आर. स्ट्रॉस और जी. महलर के संगीत में, हम एक उदात्त, वीर शैली की अंतिम अभिव्यक्ति देखते हैं, जो 19 वीं शताब्दी की परंपराओं से निकटता से जुड़ी हुई है: एल। वैन बीथोवेन की सिम्फनी, एफ। के गीत और वाद्य रचनाएँ। शुबर्ट, एफ। लिज़्ट की सिम्फोनिक कविताएँ, आर। वैगनर के संगीत नाटक। स्ट्रॉस और महलर दोनों ही विशाल स्वर्गीय रोमांटिक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के अपने कुशल, आविष्कारशील उपयोग के लिए प्रसिद्ध हुए। सदी की शुरुआत के इन संगीतकारों का काम एक शानदार गैलरी है रोमांटिक हीरो- उज्ज्वल, थोड़ा मादक। उसी समय, ऑस्कर वाइल्ड द्वारा इसी नाम के नाटक पर आधारित अपने ओपेरा "सैलोम" में आर। स्ट्रॉस ने स्पष्ट रूप से शातिर पात्रों की एक पूरी गैलरी खोली - बीसवीं शताब्दी की शुरुआत के संगीत के नायक।
पुरानी रोमांटिक परंपरा के अनुसार, आर. स्ट्रॉस और जी. महलर ने अपनी रचनाओं में अपनी आत्मा की आदर्श दुनिया (और उनके नायकों की आत्माओं की दुनिया) की तुलना क्षुद्र-बुर्जुआ जीवन और बुर्जुआ सौंदर्यशास्त्र की अश्लीलता और जड़ता के साथ की है। सार्वजनिक नैतिकता का पाखंड। हालांकि, विश्वासइस समय के अनेक कलाकारों को उच्चतम आदर्श बड़ी कठिनाई से दिए गए हैं - वीरों के आध्यात्मिक जगत में शुद्ध और उदात्त भावनाओं के स्थान पर आधार जुनून, दर्दनाक भय और कल्पनाएँ, डरावनी, निराशाएँ पाई जाती हैं। आस-पास की वास्तविकता की संगीतमय छवि एक खुले तौर पर विचित्र चरित्र प्राप्त करती है ("झूठी" ध्वनि वाले सामंजस्य की शुरूआत के कारण, आदिम अश्लील लय, कलहपूर्ण, तेज वाद्य समय, आदि)। रोमांटिक संगीत की आदर्शीकृत स्पष्टता को भयावह और चौंकाने वाले खुलासे से बदल दिया जाता है, जो अक्सर एक कामुक प्रकृति का होता है। कलाकार अपने आंतरिक जीवन के रहस्यों को उजागर करता है, जो आमतौर पर छिपे रहते हैं।
यह कोई संयोग नहीं है कि 20वीं सदी की शुरुआत में इस तरह का संगीत विएना में फलता-फूलता है। यहीं पर सिगमंड फ्रायड के मनोविश्लेषणात्मक सिद्धांत ने बहुत लोकप्रियता हासिल की। मनोविश्लेषणात्मक सत्र सत्य, आत्मा और अस्तित्व के अंतरतम रहस्यों को जानने का एक तरीका बन गया। दिवंगत रोमांटिक कलाकार एक रहस्यमय व्यक्ति है, वह एक भविष्यवक्ता होने का दावा करता है, और उसकी भविष्यवाणियों में अक्सर एक उदास, सर्वनाशकारी चरित्र होता है। अध्यात्मवाद के लिए जुनून, पूर्वी लोगों सहित गुप्त शिक्षाएं, रहस्यमय दर्शन भी इस ऐतिहासिक प्रकार के कलाकारों की बहुत विशेषता है।
पुरानी पीढ़ी (आर। स्ट्रॉस, जी। महलर) और युवा (तथाकथित नए) के संगीतकारों के काम में विख्यात विशेषताएं अलग-अलग तरीकों से और अलग-अलग डिग्री में प्रकट हुईं। विनीज़ स्कूल: ए शॉनबर्ग और उनके छात्र ए बर्ग और ए वेबर्न)।
अभिव्यक्तिवाद।
अर्नोल्ड स्कोनबर्ग (1874-1951) उन संगीतकारों में से एक बन गए जिन्होंने 20 वीं शताब्दी के संगीत रुझानों को मौलिक रूप से प्रभावित किया। उनकी पहली कृतियाँ हैं स्ट्रिंग सेक्सेट "एनलाइटेड नाइट" (1899) और सिम्फोनिक कविता"पेलेस एट मेलिसांडे" (1903) अभी भी पोस्ट-रोमांटिकवाद की प्रवृत्तियों को सहन करते हैं।
पिछली सदी, दुर्भाग्यपूर्ण और सुंदर, ने मानवता को सबसे कठिन परीक्षणों के अधीन किया है, लेकिन इसे अद्भुत खजाने से भी संपन्न किया है। बीसवीं सदी वैज्ञानिक और तकनीकी क्रांति का युग है। बीसवीं सदी भी कला का एक शानदार टेक-ऑफ है, कई राष्ट्रीय स्कूलों का शानदार फूल, शानदार कलाकारों की एक पूरी आकाशगंगा।
20वीं सदी में लिखी गई कई रचनाएँ काफी जटिल हैं। उनकी पूर्ण धारणा के लिए श्रोता से एक उच्च संगीत और अधिक व्यापक रूप से, कलात्मक संस्कृति की आवश्यकता होती है। आधुनिक कार्यों की अवधारणा में प्रवेश करने के लिए, यह समझने के लिए कि उनके लेखकों ने क्या चिंतित किया, वे क्या चाहते थे, यह केवल उस विकास से परिचित होने से संभव है जो संगीत कला ने अपने लंबे इतिहास में विभिन्न दिशाओं और स्कूलों, शैलियों और तकनीकों का अध्ययन किया है। रचना का।
19वीं सदी के अंत - 20वीं सदी की शुरुआत की संगीत संस्कृति इतिहास के तथाकथित महत्वपूर्ण मोड़ों में से एक है। विदेशी संगीत के इतिहास में इस अवधि को ध्यान में रखते हुए, एक फिर से आश्वस्त हो जाता है कि वास्तव में विभिन्न सांस्कृतिक और ऐतिहासिक श्रृंखलाएं इसमें सह-अस्तित्व में हैं।
एक ओर, 19वीं शताब्दी के अंत में, संगीतकारों का काम जो मध्य या शताब्दी के अंतिम तीसरे में सामने आया, के आधार पर पारंपरिक नींवसंगीत कला और उनके पूर्ववर्तियों की विरासत से निकटता से संबंधित है। इस तरह के संगीतकार विन्सेंट डी, एंडी और गेब्रियल फॉरे, इटालियन गियाकोमो पुक्किनी, जर्मन मैक्स रेगर, अंग्रेज वॉन विलियम्स, चेक लियोस जेनसेक, नॉर्वेजियन एडवर्ड ग्रिग, फिन जान सिबेलियस, डेन कार्ल नीलसन थे ...
इन सभी संगीतकारों ने विकसित किया - बेशक, प्रत्येक अपने तरीके से - अपने महान पूर्ववर्तियों की परंपराएं। कुछ लोगों ने राष्ट्रीय-रोमांटिक लाइन को जारी रखा, लोककथाओं के नए कार्यान्वयन, लोक महाकाव्य के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है। दूसरों पर गहन मनोविज्ञान का प्रभुत्व था, आधुनिक मनुष्य की आध्यात्मिक दुनिया के लिए एक अपील।
कभी-कभी उन्होंने ऐसे गोदाम के कलाकारों को "रूढ़िवादी", "परंपरावादी" के रूप में चिह्नित करने की कोशिश की। हालाँकि, जैसा कि कवि ने कहा, "कोई आमने-सामने नहीं देख सकता। बड़ी दूर से दिखती है..." पिछले दशकों की दूरी पर, 19 वीं और 20 वीं शताब्दी के मोड़ पर कला में इस "शाखा" से संबंधित संगीतकारों के संगीत नवाचार की विशेषताएं अधिक से अधिक स्पष्ट हो रही हैं। कुछ नया करने की उनकी खोज कट्टरपंथी प्रकृति की नहीं थी, लेकिन फिर भी उन्हें संगीतमय अभिव्यक्ति के माध्यम से रचनाओं की आलंकारिक संरचना में महसूस किया जाता है। कार्यात्मक-हार्मोनिक कनेक्शन के पारंपरिक तर्क के लिए पारंपरिक बड़े पैमाने पर संगीत रूप के लिए एक अपरिवर्तनीय आकर्षण के साथ ऐसे लेखकों में अभिनव आकांक्षाओं को व्यवस्थित रूप से जोड़ा जाता है।
दूसरी ओर, उन्हीं वर्षों में, अब तक अज्ञात युवा संगीतकार सामने आते हैं, और उनके लिए धन्यवाद, नए कलात्मक रुझान अक्सर दिखाई देते हैं, समकालीनों को उनकी असामान्यता से प्रभावित करते हैं, जो सदी के मोड़ पर ठीक आकार लेते हैं। फ्रांस में ऐसे संगीतकार थे क्लाउड डेब्यू और मौरिस रवेल, जर्मनी में - रिचर्ड स्ट्रॉस, ऑस्ट्रिया में - गुस्ताव महलर, पोलैंड में - करोल सिज़मानोव्स्की, स्पेन में - मैनुअल डी फला। विचारों की नवीनता और ताजगी ने छवियों की एक नई प्रणाली, नए रूपों और संगीत अभिव्यक्ति के साधनों को जन्म दिया।
संगीत संस्कृति के विकास में एक महत्वपूर्ण कारक तकनीकी प्रगति की सबसे बड़ी उपलब्धियां थीं। उनमें से कुछ - रेडियो, सिनेमा, रिकॉर्डिंग - ने कला के विकास और समाज में इसके व्यापक प्रसार के लिए सबसे समृद्ध अवसर खोले हैं।
दार्शनिक विचारों के गहन विकास का संगीत कला के विकास पर भी ध्यान देने योग्य प्रभाव पड़ा। यूरोपीय कलात्मक बुद्धिजीवियों के विचारों के शासकों में से एक जर्मन दार्शनिक आर्थर शोपेनहावर थे।
उनके दृष्टिकोण से, दुनिया सर्वशक्तिमान "विश्व इच्छा" का एक उत्पाद था, जिसके खिलाफ एक व्यक्ति लड़ने में सक्षम नहीं है। अपनी पुस्तक द वर्ल्ड एज़ विल एंड रिप्रेजेंटेशन में, शोपेनहावर ने जोर दिया विशेष अर्थसंगीत, जो कला के अन्य रूपों की तुलना में जीवन की वास्तविकताओं से अधिक स्वतंत्र है।
कुछ समय बाद, एक अन्य जर्मन दार्शनिक, फ्रेडरिक नीत्शे के विचारों ने अत्यधिक प्रभाव प्राप्त किया। शोपेनहावर के विपरीत, जो मानते थे कि "जीने की इच्छा" अलग व्यक्तिसर्वशक्तिमान "विश्व इच्छा" के खिलाफ शक्तिहीन, नीत्शे ने "इच्छा से शक्ति" का प्रचार किया, जिसे चुने हुए लोगों के साथ संपन्न किया जाना चाहिए, भीड़ के ऊपर। रचनात्मक व्यक्तिवाद, अभिजात वर्ग की पसंद - ये नीत्शे के मुख्य पद हैं, जिनके शिक्षण का नायक "सुपरमैन" है, जो आम लोगों में निहित भावनाओं से रहित है।
अंतर्ज्ञान का पंथ, आंतरिक चिंतन उस समय की दार्शनिक अवधारणाओं की विशेषता है।
इस तरह की दार्शनिक अवधारणाओं ने, निश्चित रूप से, लेखकों, कलाकारों, संगीतकारों के काम को प्रभावित किया और आधुनिकता के रूप में वर्गीकृत विभिन्न कलात्मक आंदोलनों के सदी के अंत में उभरने में योगदान दिया। यह शब्द फ्रांसीसी शब्द मॉडर्न - न्यू, मॉडर्न से आया है। कभी-कभी 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में कला में नए रुझानों को पतन कहा जाता था (फ्रांसीसी शब्द पतन - गिरावट से), जो उनके प्रति अक्सर सामना किए गए नकारात्मक दृष्टिकोण को दर्शाता है।
आलंकारिक संरचना के अनुसार, शैली, नाम - प्रतीकवाद, प्रभाववाद, अभिव्यक्तिवाद - ये तेजी से एक दूसरे की जगह ले रहे हैं, और कभी-कभी एक ही समय में मौजूद होते हैं, दिशाएं अलग थीं, कभी-कभी ध्रुवीय विपरीत भी। हालांकि, कुछ थे सामान्य सुविधाएं, जो स्वाभाविक है, क्योंकि वे उसी युग की उपज थे।
आमतौर पर, साहित्य या ललित कला में पहले नए रुझान पैदा हुए, और फिर संगीत में एक तरह का अपवर्तन हुआ। इन प्रवृत्तियों में से एक ऑपरेटिव वेरिस्मो था। और शायद सदी के मोड़ की नई दिशाओं में सबसे प्रभावशाली प्रभाववाद था, जिसका जन्मस्थान फ्रांस था। "इंप्रेशनिज़्म" नाम फ्रांसीसी शब्द इम्प्रेशन - इम्प्रेशन से आया है। इसकी उत्पत्ति की तारीख 1874 मानी जाती है, जब पेरिस में चित्रकला और मूर्तिकला अकादमी का खुलकर विरोध करने वाले कलाकारों के एक समूह की पहली प्रदर्शनी हुई। इस समूह में एडौर्ड मानेट, एडगर डेगास, केमिली पिसारो, अगस्टे रेनॉयर, पॉल सेज़ेन, जॉर्जेस सेराट, विन्सेंट वैन गॉग, अल्फ्रेड सिसली, पॉल गाउगिन और हेनरी टूलूज़-लॉट्रेक शामिल थे। लेकिन इसकी नई दिशा का नाम क्लाउड मोनेट की पेंटिंग "इंप्रेशन" के कारण पड़ा।
इन कलाकारों का लक्ष्य क्या था? आसपास की दुनिया को उसकी सभी मौलिकता, परिवर्तनशीलता, गतिशीलता में प्रदर्शित करने के लिए। प्राकृतिक घटनाओं, स्थापत्य संरचनाओं, लोगों, जानवरों की धारणा से उनके प्रत्यक्ष, कभी-कभी क्षणभंगुर छापों और संवेदनाओं को यथासंभव पूरी तरह से और मज़बूती से व्यक्त करने के लिए।
उन्नीसवीं शताब्दी के अंतिम दशक में, संगीतकारों ने उस युग के यथार्थवादी साहित्य से ली गई जीवन कहानियों की ओर रुख किया। गियाकोमो पुक्किनी (1858-1924) के दृश्य पर आने से पहले, वेरिस्मो अभी तक अपनी परिपक्वता तक नहीं पहुंचा था। उनके ओपेरा, जैसे कि मैनन लेस्कॉट (1893), ला बोहेम (1896), तोस्का (!900), मैडम बटरफ्लाई (1904), इतालवी वेरिस्मो के सबसे मर्मज्ञ और मार्मिक ओपेरा हैं।
संगीत कला में, इस प्रवृत्ति का सबसे चमकीला प्रतिनिधि था क्लाउड डिबस्सि (1862-1918)। निस्संदेह, प्रभाववादी कलाकारों का उन पर बहुत प्रभाव था, अद्भुत परिदृश्यों को पकड़ने में उल्लेखनीय कौशल के साथ, बादलों की आवाजाही, प्रकाश और छाया का खेल, पानी का अतिप्रवाह, फ्रांस की बहुत हवा, अब पारदर्शी और स्पष्ट, अब इसे घेर रही है सुंदर गिरजाघर और कोहरे के साथ तटबंध।
किसी भी हद तक, उन्हें फ्रांसीसी प्रतीकवादियों - चार्ल्स बौडेलेयर, पॉल वेरलाइन, स्टीफन मल्लार्मे की कविताओं द्वारा पकड़ लिया गया था। डेब्यू का मुखर चक्र "फॉरगॉटन एरिएट्स" वेरलाइन के छंदों पर एक उपशीर्षक के साथ लिखा गया था जो इस संगीतकार के संगीत के संबंध को न केवल कविता के साथ, बल्कि पेंटिंग के साथ भी प्रकट करता है: "गाने, बेल्जियम के परिदृश्य और जल रंग।"चक्र में "एक्स्टसी", "मेरे दिल के आँसू", "पेड़ों की छाया", "हरा", "लकड़ी का घोड़ा", "प्लीहा" जैसे काम शामिल हैं। उसी 80 के दशक में उन्होंने चार्ल्स बौडेलेयर की कविताओं के आधार पर "फाइव पोएम्स" बनाई: "बालकनी", "इवनिंग हार्मनी", प्ले ऑफ वॉटर", "थॉट", "डेथ ऑफ लवर्स"।
परिष्कार, कविता, परिष्कार - ये डेब्यू की शैली की मुख्य विशेषताएं हैं। उन्हें अक्सर हाफ़टोन का मास्टर कहा जाता है।
रूसी संगीतकारों (विशेषकर मुसॉर्स्की, रिमस्की-कोर्साकोव) और वैगनर के प्रभाव का अनुभव करने के बाद, डेब्यू एक मूल, मूल शैली बनाने के लिए आए। उनके आर्केस्ट्रा कार्यों में - "दोपहर का एक फौन", "निशाचर"। "इमेज", "सी", ओपेरा "पेलीस एंड मेलिसांडे" में, पियानो के टुकड़ों में, जिसके बीच प्रस्तावना की दो पुस्तकें केंद्रीय स्थान पर कब्जा कर लेती हैं, संगीतकार ने एक उज्ज्वल नवप्रवर्तनक के रूप में काम किया, जिसने श्रोताओं को एक नई दुनिया से परिचित कराया, असामान्य के लिए उन्हें, ध्वनि रंगों के बेहतरीन रंगों में से, अप्रत्याशित ध्वनि पैच। आश्चर्यजनक समय के निष्कर्ष, प्राकृतिक मुखर पाठ।
डेब्यू की संगीत शैली की विलक्षणता काफी हद तक उनकी हार्मोनिक भाषा की नवीनता में थी। उनके कार्यों में, बहुत बार मूल होते हैं, जो पारंपरिक राग अनुक्रमों और उनके संयोजन से दूर होते हैं। सदियों से स्थिर ध्वनियों में विकसित हुई अस्थिर ध्वनियों और सामंजस्य के गुरुत्वाकर्षण के नियमों का उल्लंघन करते हुए, वे हवा में "लटके" लगते हैं।
उनकी रचनाओं का ऑर्केस्ट्रेशन भी उतना ही असामान्य है - पारदर्शी, "फीता"। डेब्यूसी के लिए, "क्लीन" टिम्बर्स बहुत विशिष्ट होते हैं, जब एक राग किसी एक वाद्य - जैसे, एक बांसुरी या शहनाई द्वारा किया जाता है। संगीतकार अक्सर सनकी, दबी हुई आवाज़ों का सहारा लेता है, जिसके खिलाफ अप्रत्याशित उज्ज्वल "फट" दिखाई देते हैं और एक पल में सचमुच गायब हो जाते हैं।
और डेब्यूसी की एक अद्भुत ध्वनि वातावरण विशेषता है, जो क्लाउड मोनेट, अल्फ्रेड सिसली के चित्रों के साथ जुड़ाव पैदा करती है ... कोई आश्चर्य नहीं कि डेब्यू के पियानो प्रस्तावनाओं में से एक को "साउंड्स एंड अरोमास इन द इवनिंग एयर" कहा जाता है।
वैसे, संगीतकार का पियानो संगीत भी खोज और खोजों से भरा हुआ है - ये प्रस्तावनाएँ हैं, जिनके नाम अत्यंत काव्यात्मक हैं (उदाहरण के लिए, "सन-रंग के बालों वाली लड़की", "चाँदनी से रोशन छत", "परियाँ हैं प्यारे डांसर्स"), और "चिल्ड्रन कॉर्नर", और "प्रिंट्स", और "सूट बर्गमो", और "आइलैंड ऑफ़ जॉय", और "इमेज", और कई अन्य
डेब्यू की तरह, मौरिस रवेली(1875-1937) ने कई बार प्रभाववादी संगीतकार का लेबल लगाया। इस तथ्य के बावजूद कि एक का दूसरे पर प्रभाव था, रवेल की शैली पूरी तरह से व्यक्तिगत और मौलिक हो जाती है।
रवेल के आर्केस्ट्रा कार्यों को सुनना - "स्पैनिश रैप्सोडी", कोरियोग्राफिक कविता "वाल्ट्ज", सरल, विश्व प्रसिद्ध "बोलेरो", बैले "डफनीस एंड क्लो", रमणीय पियानो चक्र "प्रतिबिंब" और नाटक "द प्ले ऑफ ऑफ पानी", आप समझते हैं कि "द सी" और "पेलेस एट मेलिसांडे" के निर्माता की विशेषता की तुलना में उनके निर्माता की हार्मोनिक भाषा बहुत अधिक तीखी और तीखी हो गई है।
रवेल स्पेनिश संगीत के लिए एक विशेष प्रेम से भी प्रतिष्ठित है, जो आकस्मिक नहीं है। 1875 में फ्रांसीसी स्पेन के सिबोरेवो में जन्मे, रवेल को अपने पिता, एक स्विस इंजीनियर, संगीत और विभिन्न यांत्रिक उपकरणों से प्यार था, जो घड़ियों के लिए उनके जुनून में सन्निहित थे, और उनकी माँ (बास्क) से, स्पेन के लिए उनका आकर्षण, स्रोत भविष्य के कई कार्यों के लिए प्रेरणा। यह कुछ भी नहीं है कि उनकी विरासत में ऑर्केस्ट्रा के लिए पहले से ही "स्पैनिश रैप्सोडी" और ओपेरा "स्पैनिश ऑवर", और दो पियानो "हैबनेरा" के लिए टुकड़ा, और मुखर चक्र "डॉन क्विक्सोट डलसिनी" शामिल है।
उसी समय, रवेल रूसी संगीत - मुसॉर्स्की के काम से भी प्रभावित थे। बालाकिरेव, बोरोडिन और, शायद, विशेष रूप से रिमस्की-कोर्साकोव। जिन लोगों के साथ संगीतकार ने बात की उनमें स्ट्राविंस्की और डायगिलेव, निजिंस्की और फोकिन थे। यह फोकिन थे जिन्होंने रवेल को एक प्राचीन विषय पर एक बैले बनाने के लिए प्रेरित किया। इस तरह बैले डैफनीस और क्लो का उदय हुआ, जो संगीतकार की सर्वोच्च उपलब्धियों में से एक बन गया।
रवेल ने 4 हाथों में पियानो के लिए संगीतमय चित्र भी लिखे हैं, और फिर सामान्य शीर्षक "टेल्स ऑफ़ मदर गूज़" के तहत बच्चों के लिए परियों की कहानियों के लिए ऑर्केस्ट्रा की व्यवस्था की: "पवन ऑफ़ द स्लीपिंग ब्यूटी", "थंब बॉय", "प्रिंसेस अग्ली" ”, "मैजिक गार्डन"।
रवेल का अभिनव उपहार भी स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ जब उन्होंने शास्त्रीय शैलियों की ओर रुख किया, क्योंकि उनकी विरासत में एक सोनाटीना, एक चौकड़ी, एक तिकड़ी और दो प्रसिद्ध पियानो संगीत कार्यक्रम शामिल हैं, जो इंगित करते हैं कि उनका निर्माता एक शानदार पियानोवादक था। पियानो कला के सभी रहस्यों में संगीतकार की त्रुटिहीन महारत ने नाइट सूट में गैसपार्ड में खुद को प्रकट किया, जहां अलॉयसियस बर्ट्रेंड द्वारा उसी नाम के काम की छवियों को संगीतमय रूप से सन्निहित किया गया था, और पियानो चक्र कूपरिन के मकबरे में, जिसमें रवेल ने भुगतान किया था न केवल कूपरिन को, बल्कि सभी फ्रांसीसी संगीत को श्रद्धांजलि।18वीं सदी।
आधुनिकतावाद से लेकर अतिसूक्ष्मवाद तक, 20वीं शताब्दी संगीत की उपलब्धियों का खजाना थी, जिसके बारे में हमने शुरुआत में सपने देखने की हिम्मत नहीं की होगी। आज संगीत युद्ध, नस्लीय भेदभाव, लिंग और राजनीति के विषयों से भ्रमित नहीं है; जैसे ही ये विषय वैश्विक संस्कृति को प्रभावित करते हैं, वैसे ही वे समकालीन संगीत को परिभाषित करते हैं।
बेशक, सिबेलियस, बार्टोक, रोस्ट्रोपोविच, लिगेटी, जनसेक और कई अन्य जैसे नामों में, केवल 10 को चुनना और यह तय करना मुश्किल है कि कौन सबसे अच्छा है, क्योंकि प्रत्येक उल्लेखित स्वामी ने अद्वितीय काम किए हैं जो आश्चर्यचकित, प्रसन्न और स्पर्श करते हैं। सभी देशों में सार्वजनिक। हालांकि, हमने दस प्रतिभाओं को चुनने का जोखिम उठाया, जिन्होंने हमारी राय में, इसे सबसे अच्छा किया।
अर्नोल्ड स्कोनबर्ग
एक संगीतकार जो पश्चिमी संगीत के सामंजस्य के खिलाफ जाने और शास्त्रीय संगीत की आवाज़ को हमेशा के लिए बदलने में कामयाब रहे। संगीतकार ने खुद की तुलना अक्सर आर्कटिक के अग्रदूतों से की - वे लोग जो निडर होकर, और कभी-कभी निराशाजनक रूप से दुनिया में नया ज्ञान लाने के लिए आगे बढ़े। अर्नोल्ड स्कोनबर्ग सीरियल टेक्नोलॉजी के संस्थापक हैं संगीत रचनाऔर पहले अभिव्यक्तिवादी संगीतकार। दो कक्ष सिम्फनी और ओपेरा "मूसा और हारून" के लेखक संगीतकारों के नए विनीज़ स्कूल का आधार बने।
इगोर स्ट्राविंस्की
समकालीन संगीत पर इस प्रतिभाशाली संगीतकार के प्रभाव को अतिरंजित नहीं किया जा सकता है। उनके विचारों, स्वरों और सामंजस्य पर पुनर्विचार, नियमों से मुक्ति और असंगत के संयोजन ने न केवल शास्त्रीय संगीत, बल्कि जैज़, रॉक, ब्लूज़ आदि को भी प्रभावित किया। उनके शानदार कार्यों के अलावा, जिनमें बैले "द फायरबर्ड" शामिल हैं। , "द रीट ऑफ़ स्प्रिंग" और "पेट्रुस्का", स्ट्राविंस्की अपने स्वयं के संगीत पर पुनर्विचार करने के साथ-साथ अन्य संगीतकारों के संगीत के लिए अपने असाधारण दृष्टिकोण के लिए प्रसिद्ध हैं, लोक मंशाऔर चर्च के गाने। उदाहरण के लिए, उन्होंने कैथोलिक भजनों को उनके लैटिन ग्रंथों के साथ संगत रूढ़िवादी गीतों के संगीत में सेट किया।
जॉर्ज गेर्शविन
संगीतकार, जो अपने पूरे करियर में लोकलुभावनवाद के आलोचकों द्वारा शास्त्रीय संगीत को "हल्का" करने और इसे पॉप संस्कृति के साथ विलय करने का आरोप लगाया गया था। वास्तव में, गेर्शविन के संगीत का जैज़ पर बहुत प्रभाव था और आम लोगों के बीच अविश्वसनीय रूप से लोकप्रिय था। उनकी ब्लूज़-शैली की धुन ने शास्त्रीय संगीत रचना की धारणा को उल्टा कर दिया और दिखाया कि पियानो और ऑर्केस्ट्रा क्या कर सकते हैं। सहकर्मियों की आलोचना के बावजूद, गेर्शविन ने अपने विवादास्पद और सुंदर संगीत को जन-जन तक पहुँचाना जारी रखा, जो उनके प्रति वफादार रहे।
ड्यूक एलिंगटन
20 वीं शताब्दी के सबसे अधिक उत्पादक संगीतकारों में से एक, एडवर्ड "ड्यूक" एलिंगटन ने संगीत शैलियों की सीमाओं को नहीं देखा और असंभव को बनाया। वास्तव में, एलिंगटन का काम एक प्रकार का जैज़ स्कूल है, क्योंकि यह वह था जिसने अपने ऑर्केस्ट्रा के संगीतकारों की कामचलाऊ क्षमता को ध्यान में रखते हुए संगीत लिखना शुरू किया था। इस आदमी के लिए कोई विदेशी दृश्य नहीं था, वह सहज महसूस कर रहा था जैसे कि रंगमंच मंच, और एक नाइट क्लब में; कैथेड्रल और कैबरे दोनों में, उनका संगीत हमेशा बना रहता था।
दिमित्री शोस्ताकोविच
एक "स्मारकीय" संगीतकार, शोस्ताकोविच कई सिम्फनी और संगीत कार्यक्रम, तीन बैले और ओपेरा, चैम्बर काम करता है, दोनों कीबोर्ड के लिए और के लिए लेखक हैं स्ट्रिंग उपकरणसाथ ही फिल्मों और नाटकों के लिए संगीत। शोस्ताकोविच का करियर उतार-चढ़ाव से गुजरा। स्टालिनवादी दमन के दौरान, संगीतकार को अपने कार्यों के नाटक और गैर-अनुरूपता पर लगाम लगाने के लिए मजबूर किया गया था, क्योंकि उन्हें पेशेवर काम के लिए अनुपयुक्त घोषित किया गया था और काम से वंचित किया गया था। शोस्ताकोविच ने चैम्बर संगीत में अपनी सभी भावनाओं और अनुभवों को उकेरा। उनकी प्रसिद्ध स्ट्रिंग चौकड़ी ने संगीत की एक नई भाषा बोली और संगीतकार को रचनात्मकता की स्वतंत्रता दी जो सेंसरशिप ने बड़े कार्यों से छीन ली।
जॉन केज
एक कलाकार, दार्शनिक और लेखक के रूप में, युद्ध के बाद के अवंत-गार्डे के प्रतिभाशाली संगीतकार ने कला की एक अवधारणा में संगीत और रचनात्मकता के अन्य रूपों को संयोजित करने की मांग की। उन्होंने इलेक्ट्रॉनिक्स और साइलेंस सहित हर संभव उपकरण के साथ प्रयोग किया। उनके अनुसार, मौन मौजूद नहीं है, क्योंकि हम हमेशा असंख्यों से घिरे रहते हैं अलग-अलग आवाजेंजिसे हम अक्सर नज़रअंदाज कर देते हैं।
बेंजामिन ब्रिटन
रचना के संदर्भ में, ब्रिटन का काम सूचीबद्ध संगीतकारों की तुलना में बहुत अधिक रूढ़िवादी था, लेकिन ओपेरा के विकास पर उनका प्रभाव न केवल एक संगीत के रूप में बल्कि एक सांस्कृतिक घटना के रूप में भी था, जिसने उन्हें सबसे प्रभावशाली संगीतकारों की सूची में एक स्थान दिया। शताब्दी। ब्रिटन द्वारा लिखे गए ओपेरा भागों को सादगी और भावुकता से अलग किया गया था - एक ऐसा संयोजन जो दर्शकों और कलाकारों दोनों को समान रूप से पसंद आया।
लियोनार्ड बर्नस्टीन
बर्नस्टीन एक लोकलुभावन व्यक्ति थे और उन्होंने संगीत को जन-जन तक पहुँचाने और इसे दुनिया भर के अधिक से अधिक लोगों को उपलब्ध कराने का प्रयास किया। भविष्य के संगीतकार को बचपन से ही संगीत पसंद था, और उनके लिए कला के उच्चतम और निम्नतम रूपों में कोई अंतर नहीं था। यह अजीबोगरीब "सर्वभक्षी" और सादगी उनके काम में स्पष्ट रूप से देखी जाती है। बर्नस्टीन ऐसे काम बनाने में कामयाब रहे जो उन लोगों के जीवन का हिस्सा बन गए जिन्होंने उन्हें कम से कम एक बार सुना है। इस संगीतकार द्वारा बनाया गया संगीत हर व्यक्ति की आत्मा में जगह पाता है, चाहे वह कला से कितना भी दूर क्यों न हो।
पियरे बोल्ज़ो
कई वर्षों तक, फ्रांसीसी अवांट-गार्डे के स्थायी नेता और संगीत की एक जीवित किंवदंती, 90 वर्ष की आयु में भी, उस अनुग्रह और ऊर्जा को बरकरार रखते हैं जिसके साथ उन्होंने प्रवेश किया संगीत की दुनिया. कई वर्षों तक उन्होंने व्यावहारिक रूप से शास्त्रीय संगीत की दिशा तय की है, लगातार अपनी सीमाओं का विस्तार करना जारी रखा है।
फिलिप ग्लास
संगीत की एक और जीवित किंवदंती, वह अपने अतिसूक्ष्मवाद और क्लासिकवाद के लिए समान रूप से प्रसिद्ध है। 30 ओपेरा, 10 सिम्फनी, कई कंसर्ट और चैम्बर रचनाओं के लेखक एक संगीत गिरगिट हैं और एक दोहरावदार संरचना और शास्त्रीय सामंजस्य के साथ दोनों कार्यों को बनाने में सक्षम हैं। फिलिप ग्लास अपनी लोकप्रियता के कारण सबसे अधिक अनुकरणीय समकालीन संगीतकार हैं।
इगोर फ्योडोरोविच स्ट्राविन्स्की
संगीतकार, रूस में पैदा हुए, लेकिन रहते थे लंबे सालयूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में, एक मास्टर, जिसकी रचनात्मकता के बिना रूसी और दोनों की कल्पना करना असंभव है पश्चिमी यूरोपीय संस्कृति XX सदी।
I. F. Stravinsky का जन्म सेंट पीटर्सबर्ग में शिक्षित ओरानियनबाम में हुआ था, और 10 के दशक के उत्तरार्ध से वह स्थायी रूप से यूरोप में रहते थे।
एक पियानोवादक और कंडक्टर के रूप में, स्ट्राविंस्की ने बड़े पैमाने पर दौरा किया, विशेष रूप से, 1962 में वह यूएसएसआर में आए। विदेशों में रहने वाले अपने अधिकांश हमवतन के विपरीत, संगीतकार ने पश्चिम में आत्मविश्वास और स्वाभाविक महसूस किया, लेकिन उन्होंने हमेशा अपने संगीत को रूसी संस्कृति का हिस्सा माना।
रचनात्मकता की प्रारंभिक अवधि (10-20 के दशक तक) में, स्ट्राविंस्की ने रूसी विषयों को विकसित किया: "द फायरबर्ड", "पेट्रुस्का" और "द राइट ऑफ स्प्रिंग"।
10-20 के मोड़ पर। संगीतकार के काम में साहसिक प्रयोग शुरू हुए। उनमें से एक जटिल मंच कार्रवाई "द वेडिंग" (1917-1923) है। यह काम कोरल गायन और बैले के तत्वों को जोड़ता है; यह कोई संयोग नहीं है कि लेखक ने अपने काम को उपशीर्षक "गायन और संगीत के साथ रूसी कोरियोग्राफिक दृश्य" दिया।
"द स्टोरी ऑफ़ अ सोल्जर" में संगीतकार ने रोज़मर्रा और नृत्य शैलियों (फ्रांसीसी "सिक्स" का प्रभाव प्रभावित) के स्वरों की ओर रुख किया। बाद में, इस तरह की एक मूल तकनीक (ऑर्केस्ट्रा के साथ कथाकार की आवाज का संयोजन) का उपयोग एस.एस. प्रोकोफिव द्वारा प्रसिद्ध बच्चों की परी कथा "पीटर एंड द वुल्फ" में किया जाता है। बैले पुल्सिनेला (1920) में गायन और नृत्यकला को भी जोड़ा गया है। केवल इस बार संगीतकार ने इतालवी संगीत की परंपराओं की ओर रुख किया।
बैले "पुलसिनेला" पर काम स्ट्राविंस्की के काम में नवशास्त्रवाद की अवधि की शुरुआत थी, जो लगभग 30 वर्षों तक चली।
50 के दशक की शुरुआत में। स्ट्राविंस्की के काम में डोडेकैफोनी की ओर एक मोड़ था (लेख "द न्यू विनीज़ स्कूल" देखें)। यह सब और अधिक आश्चर्यजनक है क्योंकि संगीतकार ने लगभग अपने पूरे जीवन में इस प्रणाली की आलोचना की थी और अपने लेखों में इसके निर्माता अर्नोल्ड शॉनबर्ग के साथ एक से अधिक बार तर्क दिया था। धारावाहिक तकनीक का उपयोग सेप्टेट (1952), बैले एगॉन (1957), और अपेक्षित (1966) जैसी रचनाओं में किया गया था। स्ट्राविंस्की ने निश्चित रूप से शॉनबर्ग द्वारा प्रस्तावित नियमों का बिल्कुल पालन नहीं किया; ऐसा लगता है कि रूसी संगीतकार एक निश्चित रागिनी पर भरोसा करते थे।
के काम में आई.एफ. स्ट्राविंस्की का संगीत एक व्यापक कला के रूप में प्रकट होता है जो समय, शैलियों और राष्ट्रीय परंपराओं में सख्त भेद नहीं जानता है। संगीतकार ने आसानी से काम की दिशा बदल दी, लेकिन फिर भी, वह हमेशा एक बहुत ही अभिन्न गुरु बने रहे। इस पूर्णता का प्रतीक उनके अंतिम कार्यों में से एक माना जा सकता है - रूसी विषय पर ऑर्केस्ट्रा के लिए कैनन (1965) लोक - गीत. अपने जीवन के अंत में, स्ट्राविंस्की अपने रचनात्मक पथ की उत्पत्ति के लिए एक पुल का निर्माण कर रहा है। उन्होंने अपने पहले बैले, द फायरबर्ड में उसी लोक गीत का इस्तेमाल किया।
सर्गेई सर्गेइविच प्रोकोफ़िएव
सर्गेई सर्गेइविच प्रोकोफिव का काम न केवल रूसी में, बल्कि 20 वीं शताब्दी की विश्व संगीत संस्कृति में भी एक प्रमुख घटना है। विशेष फ़ीचरउनकी शैली - नवाचार की इच्छा। प्रोकोफ़िएव के कार्यों को अक्सर जनता द्वारा चकित किया जाता था, और कभी-कभी कलाकारों द्वारा, संगीतकार पर अत्यधिक जटिलता, अशिष्टता और यहां तक कि "संगीत गुंडागर्दी" का आरोप लगाया जाता था।
S. S. Prokofiev का जन्म येकातेरिनोस्लाव प्रांत (अब यूक्रेनी गणराज्य के डोनेट्स्क क्षेत्र) के सोंत्सोव्का की संपत्ति में हुआ था। संगीतकार की संगीत क्षमता जल्दी दिखाई दी - पांच साल की उम्र से उन्होंने पहले ही रचना कर ली थी, और नौ साल की उम्र में उन्होंने एक ओपेरा लिखने की कोशिश की। सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी से स्नातक किया।
प्रोकोफ़िएव के रचनात्मक पथ को तीन अवधियों में विभाजित किया जा सकता है: प्रारंभिक (1908-1918), विदेश में (1917-1932) और यूएसएसआर में जीवन की अवधि (1932-1953)।
प्रारंभिक अवधि को कभी-कभी "आत्म-पुष्टि का समय" कहा जाता है। संगीतकार की पहली रचनाओं ने रूसी संगीत समुदाय को भ्रमित किया, हालांकि, श्रोताओं और आलोचकों दोनों ने उनकी प्रतिभा की ताकत को पहचाना।
इस अवधि की सबसे महत्वपूर्ण कृतियाँ प्रथम पियानो कॉन्सर्टो (1912), बैले "अला एंड लॉली" (1915) और "शास्त्रीय" सिम्फनी (1917) हैं। तेज सामंजस्य, टूटी धुन, असामान्य लय के साथ, पहला कॉन्सर्टो फ्रांसीसी "सिक्स" के संगीतकारों के कार्यों जैसा दिखता है। संगीत कार्यक्रम में, उस समय के रूसी संगीत के लिए पियानो के लिए एक नया दृष्टिकोण महसूस किया जाता है, जब वाद्य यंत्र की आवाज ऑर्केस्ट्रा को वश में कर लेती है।
"शास्त्रीय" सिम्फनी रूसी संगीत में नवशास्त्रवाद के दुर्लभ उदाहरणों में से एक है। नाम से ही पता चलता है कि काम की कल्पना विनीज़ शास्त्रीय स्कूल की परंपराओं की याद के रूप में की जाती है। प्रोकोफिव हेडन और शुरुआती मोजार्ट की सिम्फनी की कलात्मक तकनीकों का सूक्ष्म रूप से अनुकरण करता है, लेकिन धुन और सामंजस्य के निर्माण में लेखक की अपनी शैली संरक्षित है। नतीजतन, लेखक को एक उत्कृष्ट, मजाकिया और बहुत कुछ मिला समकालीन कार्य: शास्त्रीय रूप संगीत की मौलिकता पर जोर देते हैं।
1918 में प्रोकोफ़िएव विदेश चला गया और वहाँ पंद्रह साल तक रहा। इस अवधि के दौरान, संगीतकार ने विभिन्न शैलियों में काम किया; उन्होंने ओपेरा संगीत पर विशेष ध्यान दिया। ओपेरा द गैंबलर (एफएम दोस्तोवस्की द्वारा उसी नाम के उपन्यास के मूल पाठ पर आधारित) पर काम 1915 की शुरुआत में शुरू हुआ। 1917 में, उत्कृष्ट निर्देशक वसेवोलॉड एमिलिविच मेयरहोल्ड द्वारा मरिंस्की थिएटर में काम का मंचन किया जाने वाला था। . हालांकि, ऑर्केस्ट्रा और गायकों ने ओपेरा को बहुत जटिल और समझ से बाहर बताते हुए सीखने से इनकार कर दिया। 1922 में, पहले से ही जर्मनी में, Prokofiev ने ओपेरा को संशोधित किया। प्रीमियर 1929 में ब्रसेल्स में हुआ था। संगीत "प्लेयर" सस्वर पाठ पर बनाया गया है। वर्ण जटिल मनोवैज्ञानिक विशेषताओं से संपन्न हैं।
जटिल, मजबूत और अस्पष्ट पात्रों के लिए संगीतकार की लालसा ने ओपेरा द फेयरी एंजेल (1927) को जीवंत कर दिया। यह रूसी प्रतीकवादी कवि वालेरी याकोवलेविच ब्रायसोव द्वारा इसी नाम की कहानी पर आधारित है।
1932 में प्रोकोफिव अपनी मातृभूमि लौट आए। सोवियत संघ में जीवन आसान नहीं था। संगीतकार का संगीत "औपचारिकता" के आरोपों से बच नहीं पाया है। हालांकि, यह अवधि विशेष रूप से फलदायी साबित हुई। नए ओपेरा, बैले, सिम्फनी, बच्चों के लिए एक सिम्फोनिक परी कथा "पीटर एंड द वुल्फ" (1936) दिखाई दी। संगीतकार ने सर्गेई मिखाइलोविच ईसेनस्टीन द्वारा निर्देशित फिल्मों के लिए संगीत पर काम किया - "अलेक्जेंडर नेवस्की" (1938; बाद में एक कैंटटा में संशोधित) और "इवान द टेरिबल" (1942-1945)।
30 के दशक के केंद्रीय कार्यों में से एक। - शेक्सपियर की त्रासदी पर आधारित बैले "रोमियो एंड जूलियट" (1936)। 1940 में लेनिनग्राद में इसका उत्पादन (महान बैलेरीना गैलिना सर्गेवना उलानोवा द्वारा मुख्य भूमिका निभाई गई थी) बैले कला के इतिहास में एक उत्कृष्ट घटना बन गई, और अब यह विश्वास करना कठिन है कि संगीत को पहली बार कलाकारों द्वारा "गैर के रूप में पहचाना गया था। -नृत्य"। पिछले कार्यों की तुलना में, संगीतकार की शैली में नए गुण दिखाई दिए, विशेष रूप से, संगीत विषयों के निर्माण में सादगी और स्पष्टता की इच्छा।
ओपेरा 30-40 के दशक में प्रोकोफिव का काम करता है। - यह "वीरता" और "देशभक्ति" की अवधारणाओं में ऐतिहासिक समस्याओं को समझने का एक प्रयास है, जो संगीतकार के लिए बहुत महत्वपूर्ण हैं, जो मूल रूप से अपनी मातृभूमि से दूर नहीं रहना चाहते थे। एल.एन. टॉल्स्टॉय के उपन्यास पर आधारित ओपेरा "वॉर एंड पीस" (1943), 19 वीं शताब्दी के रूसी ओपेरा संगीत की ऐतिहासिक परंपरा के अनुरूप किया गया था। रचना, आकार में भव्य, दो शामों में प्रदर्शन करने के लिए डिज़ाइन की गई है (बाद में लेखक ने एक छोटा संस्करण बनाया)। महाकाव्य की शुरुआत में संगीत का बोलबाला है। यह महसूस किया जाता है, उदाहरण के लिए, ओपेरा के असामान्य परिचय में: यह ध्वनि नहीं करता है आर्केस्ट्रा संगीत, और टॉल्स्टॉय के बिल्कुल "गैर-ओपेरा" पाठ के लिए एक शक्तिशाली कोरल पाठ ("यूरोप की बारह भाषाओं की सेना रूस में टूट गई")।
प्रोकोफिव के कई अन्य कार्यों की तरह, ओपेरा "वॉर एंड पीस" को संगीतकारों ने बड़ी मुश्किल से स्वीकार किया था। मैं न केवल संगीत की भाषा की जटिलता और मौलिकता से प्रभावित हुआ, बल्कि इस तथ्य से भी प्रभावित हुआ कि टॉल्स्टॉय के प्रसिद्ध नायक बचपन से ही गाते थे।
प्रतिभा एस.एस. Prokofiev एक गहरी आंतरिक आशावाद और खुशी की इच्छा से प्रतिष्ठित है, जो नाटकीय और दुखद रचनाओं में भी प्रकट होता है। सबसे बड़ी ताकत के साथ, सिम्फनी में प्रकाश और सद्भाव की प्यास व्यक्त की गई थी, और विशेष रूप से आखिरी, सातवें (1952) में, जहां सूक्ष्म गीत, और हास्य, और लगभग बचकानी ईमानदारी से मस्ती के लिए जगह है।
दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच
संगीतकार दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच के काम के केंद्र में जीवन और मृत्यु, आध्यात्मिक और नैतिक समस्याओं पर प्रतिबिंब हैं। उनके काम, संगीत की भाषा में जटिल और सामग्री में बोल्ड, एक सोच, तैयार श्रोता की आवश्यकता होती है, और यह ठीक इसके लिए था कि मास्टर को अक्सर आधिकारिक आलोचना द्वारा गंभीर रूप से हमला किया जाता था। यह वह था जो 1948 के डिक्री का "नायक" निकला।
डी डी शोस्ताकोविच का जन्म सेंट पीटर्सबर्ग में हुआ था, संगीत शिक्षासेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी (1919-1926) में प्राप्त किया। अपनी युवावस्था में यूरोप की संगीत संस्कृति से परिचित, संगीतकार ने अपने पूरे जीवन को इसके स्तर के अनुरूप बनाने के लिए प्रयास किया।
शोस्ताकोविच के काम की मुख्य विधाएं एक सिम्फनी, एक वाद्य संगीत कार्यक्रम (पैमाने में एक सिम्फनी के करीब) और चैम्बर पहनावा के लिए संगीत है। पांचवीं (1937) और सातवीं सिम्फनी सबसे लोकप्रिय हैं। वे शोस्ताकोविच के संगीत की मुख्य छवियों और मनोदशाओं को केंद्रित करते हैं: सख्त, साहसी दु: ख, प्रबुद्ध शांति, कास्टिक कटाक्ष।
प्रत्येक भाग में विषयवस्तु तेजी से विकसित होती है, और आंतरिक ऊर्जा धीमी गेय भागों में भी महसूस होती है।
सातवीं सिम्फनी (1942), "लेनिनग्राद" उपशीर्षक का एक विशेष इतिहास है। संगीतकार ने इसे द्वितीय विश्व युद्ध और जर्मन सैनिकों द्वारा लेनिनग्राद की नाकाबंदी के दौरान सितंबर - दिसंबर 1941 में बनाया था। सिम्फनी के पहले प्रदर्शनों में से एक 9 अगस्त, 1942 को लेनिनग्राद में हुआ - जर्मन कमांड द्वारा चुना गया दिन शहर में प्रवेश करने के लिए। प्रीमियर संगीतकारों के लिए एक वास्तविक उपलब्धि थी, शोस्ताकोविच की रचना ने शहर के निवासियों की भावना का समर्थन किया। पहला भाग आमतौर पर सीधे सैन्य आयोजनों से जुड़ा होता है।
सबसे पहले, आक्रमण का विषय बांसुरी पर बजता है - ढोल की हल्की संगत के लिए एक शांत, सरल धुन। फिर इसे एक से अधिक बार दोहराया जाता है, और प्रत्येक पुनरावृत्ति के साथ प्रदर्शन करने वाले उपकरणों की संख्या बढ़ जाती है; नतीजतन, विषय पूरे ऑर्केस्ट्रा द्वारा खेले जाने वाले एक अशुभ मार्च में बदल जाता है। आक्रमण विषय का तनाव एक आश्चर्य में बदल जाता है - प्रदर्शनी के लगभग सभी प्रमुख विषय नाबालिग में ध्वनि करते हैं, इस प्रकार आंदोलन की दुखद सामग्री को मजबूत करते हैं। सिम्फनी का एक दिलचस्प अंत। यह विजय के धीमे, गंभीर विषय के साथ समाप्त होता है, बुराई पर विजय। हालाँकि, संगीत में इतनी गंभीरता और कठोर दुःख है कि सुनने वाला समझता है: हम जीवन की कीमत पर जीती गई जीत की बात कर रहे हैं।
तेरहवीं और चौदहवीं सिम्फनी में, शोस्ताकोविच ने पहली बार रूसी संगीत में सिम्फनी शैली को एक गंभीर काव्य पाठ (बीथोवेन की नौवीं सिम्फनी, महलर के "सॉन्ग ऑफ द अर्थ" आदि से जाना जाता है) के संयोजन के अनुभव को मूर्त रूप दिया। तेरहवीं सिम्फनी (1962) को संगीतकार ने "वोकल-सिम्फोनिक सूट" कहा है। पुरुष गाना बजानेवालों, ऑर्केस्ट्रा और बास एकल कलाकार के लिए यह पांच-भाग वाला संगीत कैनवास कवि येवगेनी अलेक्जेंड्रोविच येवतुशेंको के छंदों को लिखा गया था। अभिव्यंजक और सार्वजनिक रूप से तीखी कविताएँ उन विषयों पर स्पर्श करती हैं जिन पर 60 के दशक की शुरुआत में चर्चा की गई थी। यह बोलना सुरक्षित नहीं था: यहूदी-विरोधी (भाग एक, "बाबी यार"), गरीबी (भाग तीन, "स्टोर में"), स्टालिनवादी दमन (भाग छह, "भय")। सिम्फनी का बड़े पैमाने पर और नाटकीय रूप से तीव्र संगीत पाठ की सामग्री को समृद्ध करता है। यह काम संगीतकार की संगीत में अपनी नागरिक स्थिति की खुली अभिव्यक्ति का एक दुर्लभ उदाहरण है।
शोस्ताकोविच का सबसे दुखद काम चौदहवीं सिम्फनी (1969) है। यह जीवन और मृत्यु पर प्रतिबिंब के लिए समर्पित है। संगीतकार ने कहा कि यह विचार एमपी मुसॉर्स्की के "सॉन्ग्स एंड डांस ऑफ़ डेथ" के मुखर चक्र के ऑर्केस्ट्रेशन पर उनके काम के प्रभाव में उत्पन्न हुआ - उन्होंने इस काम को जारी रखने का फैसला किया।
शोस्ताकोविच का चैम्बर संगीत बहुत दिलचस्प है। भावनात्मक अभिव्यक्ति और आध्यात्मिक ध्यान के संदर्भ में, स्ट्रिंग चौकड़ी सर्वश्रेष्ठ सिम्फनी से कम नहीं हैं। वायोला और पियानो (1975) के लिए सोनाटा में - संगीतकार का अंतिम काम - विभिन्न भावनाओं को जोड़ा जाता है: पीड़ा, आंतरिक ज्ञान, विचार की कठोरता। मुखर चक्रों में, संगीतकार ने माइकल एंजेलो, अन्ना एंड्रीवाना अखमतोवा, साशा चेर्नी के काम की ओर रुख किया।
डी डी शोस्ताकोविच, जिनके काम को कई लोग बहुत जटिल मानते थे, ने भी आम जनता के लिए काम किया। इसका प्रमाण सिनेमा के लिए संगीत है। इस क्षेत्र में, संगीतकार के पास उत्कृष्ट कृतियाँ भी हैं - फिल्मों के लिए संगीत "हेमलेट" (1964) जी.एम. कोज़िंतसेवा और "गैडली" (1955) ए.एम. फ़िनज़िमर।
20 वीं शताब्दी का रूसी संगीत, जिसने विदेशी और घरेलू संगीतकारों की परंपराओं को सफलतापूर्वक विकसित किया, एक ही समय में नए मार्ग प्रशस्त किए और साहसिक प्रयोग किए। आधुनिक समय की क्रांतिकारी उथल-पुथल और सामाजिक प्रलय के बावजूद, इसने सबसे प्रतिभाशाली शास्त्रीय संगीतकारों के काम का प्रतिनिधित्व करने वाली विभिन्न शैलियों और प्रवृत्तियों को व्यवस्थित रूप से जोड़ा। ए। एन। स्क्रीबिन, एस। वी। राचमानिनोव, आई। एफ। स्ट्राविंस्की, एस। एस। प्रोकोफिव, डी। डी। शोस्ताकोविच, जी। वी। स्विरिडोव की कई रचनाएँ विश्व संगीत संस्कृति की उत्कृष्ट कृतियों से संबंधित हैं। रूसी अवंत-गार्डे संगीतकारों की उपलब्धियां भी स्थायी महत्व की हैं और अभी भी दुनिया के कई देशों में श्रोताओं का ध्यान आकर्षित करती हैं।
बीसवीं सदी की राष्ट्रीय संगीत संस्कृति का मूल तरीका। एक अनूठी घटना को परिभाषित करता है सामूहिक गीतजिसका दुनिया में कोई एनालॉग नहीं है।
सदी के मोड़ के संगीत ने रूसी रोमांटिक संगीतकारों और शक्तिशाली मुट्ठी भर संगीतकारों की सर्वश्रेष्ठ परंपराओं को सफलतापूर्वक विकसित किया। उसी समय, उन्होंने रूप और सामग्री के क्षेत्र में अपनी साहसिक खोज जारी रखी, दर्शकों के लिए मूल रचनाएँ प्रस्तुत कीं, विचार की नवीनता और इसके कार्यान्वयन के साथ प्रहार किया।
निर्माण अलेक्जेंडर निकोलाइविच स्क्रिपबीन(1872-1915), बीसवीं सदी की शुरुआत के सबसे प्रतिभाशाली संगीतकारों में से एक, अक्सर प्रतीकवाद से जुड़ा होता है। दरअसल, स्क्रिपाइन की कलात्मक खोज काफी हद तक प्रतीकात्मक कवियों के साथ-साथ समकालीन दार्शनिक और रहस्यमय शिक्षाओं द्वारा निर्धारित की गई थी। अपने कार्यों में, उन्होंने दुनिया को अस्थिर और परिष्कृत मानवीय अनुभवों से अवगत कराने की कोशिश की। वह आध्यात्मिक आवेग, प्रसन्नता और संदेह, आत्मा की सुस्ती और जुनून की शक्ति को सुंदर छवियों-प्रतीकों में अनुवाद कर सकता था जिसे श्रोता लंबे समय तक याद रखेंगे। यह कोई संयोग नहीं है कि उनका रचनात्मक आदर्श वाक्य उनकी युवावस्था में बोले गए शब्द थे: "मैं लोगों को यह बताने जा रहा हूं कि वे मजबूत और शक्तिशाली हैं।"
वह एक सपने देखने वाला था। अपने पूरे करियर के दौरान, स्क्रिपाइन कला संश्लेषण के विचार से आकर्षित हुए। में "आग की कविता"के रूप में भी जाना जाता है "प्रोमेथियस(1910), उन्होंने ध्वनि और रंग के संयोजन का सपना देखा। एक सार्वभौमिक "डायोनिसियन नृत्य" के सपने ने उसे कभी नहीं छोड़ा। यहां तक कि ऑर्केस्ट्रा, उनकी राय में, निरंतर गति में होना चाहिए - नृत्य करने के लिए। अपने कठिन समय के अंतर्विरोधों को तीव्रता से महसूस करते हुए, उन्होंने मानव जाति के सार्वभौमिक सद्भाव का सपना देखा। उनका पोषित सपना भारत में एक पहाड़ी झील के किनारे एक मंदिर था जो रहस्यों के एक अवास्तविक कार्य का मंचन करता था।
वह मनोरंजन के लिए एक पल की तलाश नहीं कर रहा था,
धुनों के साथ सांत्वना और मोहित करना;
उच्चतम का सपना देखा: देवता की महिमा करने के लिए
और ध्वनियों में आत्मा के रसातल को रोशन करें।
वी. हां ब्रायसोव
वह अथक रूप से कला की विशेष शक्ति में विश्वास करते थे, जो दुनिया और मनुष्य को बदलने, बदलने में सक्षम है। यह कोई संयोग नहीं है कि पहली सिम्फनी (1900) उनके अपने छंदों के साथ समाप्त हुई:
दुनिया के सभी देशों में आओ,
चलो कला की महिमा गाते हैं!
स्क्रिपाइन उन्नीस पियानो कविताओं, तीन सिम्फनी, एक पियानो कॉन्सर्टो, दस सोनाटा, एक माज़ुरका, वाल्ट्ज और एट्यूड्स के लेखक हैं। प्रत्येक कार्य में संगीतकार की नायाब प्रतिभा और कौशल प्रभावित होता है।
स्क्रिपियन के शीर्ष कार्यों में शामिल हैं "एक्स्टसी की कविता"(1907)। में लिखा गया यह एक महान कार्य है सोनाटा फॉर्म, मानव आत्मा की सर्व-विजेता शक्ति के लिए एक प्रकार का भजन है। यह बताता है कि कैसे मानव आत्मा अस्पष्ट पूर्वाभास और चिंता से उच्चतम आध्यात्मिक आनंद तक एक कठिन रास्ते से गुजरती है, जबरदस्त शक्ति और ऊर्जा प्राप्त करती है। "खतरनाक लय" में यह पहली रूसी क्रांति के तनावपूर्ण माहौल को बताता है, आसन्न आपदाओं का एक तनावपूर्ण पूर्वाभास। यह कोई संयोग नहीं है कि कार्यक्रम के काव्य पाठ में, स्क्रिपियन ने ब्रह्मांड का उल्लेख "सार्वभौमिक आग" में किया।
परमानंद की कविता पहली बार 1909 में रूस में प्रदर्शित की गई थी। यह एक बड़ी सफलता थी। ग्यारहवीं बार, मॉस्को कंज़र्वेटरी के स्नातक को ग्लिंका पुरस्कार से सम्मानित किया गया। प्रसिद्ध "पोम ऑफ फायर" ("प्रोमेथियस") ने संगीत में अपना शानदार मार्ग जारी रखा, मानव निर्माता की आध्यात्मिक शक्ति का महिमामंडन किया, जिसने अंधेरे और उदासी की ताकतों को हराया।
स्क्रिपिन का संगीत बहुतों पर लगा संगीत कार्यक्रम स्थलदुनिया, एस.पी. दिगिलेव के प्रसिद्ध रूसी मौसमों सहित। संगीतकार का आगे का भाग्य दुखद था: 44 वर्ष की आयु में, उनकी अप्रत्याशित रूप से रक्त विषाक्तता से मृत्यु हो गई। कई समकालीनों ने स्क्रिपियन की मृत्यु पर प्रतिक्रिया व्यक्त की, जिसमें प्रसिद्ध कवि वी। या। ब्रायसोव भी शामिल थे:
उन्होंने धुनों की धातु को पिघलाने का साहस किया
और मैं नए रूपों को नए रूपों में डालना चाहता था;
वह अथक रूप से जीने और जीने के लिए तरस रहा था,
एक पूर्ण स्मारक बनाने के लिए ...
सौभाग्य से, कवि के शब्दों का सच होना तय था: स्क्रिपाइन "पहले परिमाण का सितारा" था और बना हुआ है ( एन ए रिमस्की-कोर्साकोव).
किसी भी कम प्रसिद्ध ने रचनात्मकता हासिल नहीं की है सर्गेई वासिलीविच राचमानिनॉफ़(1873-1943), मॉस्को कंज़र्वेटरी के स्नातक भी, जिन्होंने स्वर्ण पदक के साथ स्नातक किया। स्क्रिपियन के विपरीत, जो काफी हद तक अपने से जुड़ा था रचनात्मक तरीकाप्रतीकात्मकता के साथ, राचमानिनॉफ ने संगीत में रोमांटिक दिशा का पालन किया। आधुनिकतावादी नवाचारों को मान्यता नहीं देते हुए उन्होंने लिखा:
"कला में, कुछ समझने का मतलब प्यार करना है। आधुनिकता मेरे लिए व्यवस्थित रूप से समझ से बाहर है, और मैं इसे खुले तौर पर स्वीकार करने से नहीं डरता। मेरे लिए यह सिर्फ एक चीनी पत्र है...
अभिव्यंजक असंगति सुंदर है, लेकिन एक अंतहीन कैकोफनी, जिसे क्रूर चरम सीमा तक ले जाया जाता है, कभी भी कला नहीं हो सकती है और न ही हो सकती है।
एस। वी। राचमानिनोव की संगीत रचनात्मकता लयबद्ध ऊर्जा, उत्तेजना, सबसे मजबूत तनाव तक पहुंचने और एक ही समय में गीतात्मक स्वप्नदोष और भावुकता से प्रतिष्ठित है। उनकी शैली का सबसे महत्वपूर्ण तत्व है रागजिसे उन्होंने सर्वोपरि महत्व दिया।
"मेलोडी संगीत है। सभी संगीत का मुख्य आधार, चूंकि एक आदर्श माधुर्य का तात्पर्य है और इसके हार्मोनिक डिजाइन को जीवंत करता है ... शब्द के उच्चतम अर्थों में मधुर सरलता संगीतकार का मुख्य जीवन लक्ष्य है।
उन्नीस साल की उम्र में, उन्होंने पुश्किन की कविता द जिप्सी के कथानक पर आधारित वन-एक्ट ओपेरा अलेको (1892) बनाया, जिसे पी। आई। त्चिकोवस्की ने बहुत सराहा। यह सर्वोच्च पुरस्कार था थीसिसनवोदित संगीतकार। बीस साल की उम्र में संगीत - कार्यक्रम का सभागृहउत्साही दर्शकों ने उनकी सराहना की। उनके प्रशंसकों के सर्कल में उस समय के सबसे प्रसिद्ध सांस्कृतिक आंकड़े शामिल थे: एल। एन। टॉल्स्टॉय, ए। पी। चेखव, आई। ई। रेपिन, के.एस. स्टानिस्लावस्की, एफ। आई। चालियापिन, एम। गोर्की, रजत युग के कई कवि। और फिर भी राचमानिनोव का जीवन शांत और निर्मल नहीं लगता: वह न केवल उतार-चढ़ाव जानता था, बल्कि चढ़ाव भी जानता था। राचमानिनॉफ ने दो विश्व युद्ध देखे और दो रूसी क्रांति. उन्होंने tsarist शासन के पतन का उत्साहपूर्वक स्वागत किया, लेकिन अक्टूबर को स्वीकार नहीं किया। उन्होंने अपना लगभग आधा जीवन अपनी मातृभूमि से दूर बिताया, लेकिन इससे पहले आखिरी दिनएक रूसी व्यक्ति की तरह महसूस किया:
"मैं एक रूसी संगीतकार हूं, और मेरी मातृभूमि ने मेरे चरित्र और मेरे विचारों पर अपनी छाप छोड़ी है। मेरा संगीत मेरे चरित्र का फल है, और इसलिए यह रूसी संगीत है ...
संगीतकार के संगीत को उस देश की भावना को व्यक्त करना चाहिए जिसमें वह पैदा हुआ था, उसका प्यार, उसका विश्वास और विचार जो किताबों, चित्रों के प्रभाव में पैदा हुए थे, जिन्हें वह प्यार करता है। यह सब कुछ का योग होना चाहिए। जीवनानुभवसंगीतकार।"
राचमानिनोव की बहुमुखी प्रतिभा ने कई संगीत शैलियों में खुद को प्रकट किया। उन्होंने दो ओपेरा ("द मिसरली नाइट" और "फ्रांसेस्का दा रिमिनी"), मुखर-सिम्फोनिक कविता "द बेल्स" (1913), सोनाटास, इंप्रोमेप्टु, प्रस्तावना का निर्माण किया। गाना बजानेवालों के लिए, उन्होंने पवित्र संगीत की रचना की, जो प्राचीन रूसी ज़्नेमेनी मंत्रों (सेंट जॉन क्राइसोस्टॉम की लिटुरजी, 1909, और द ऑल-नाइट विजिल, 1915) में वापस डेटिंग करते हैं। वह रूसी और विदेशी कवियों के छंदों पर आधारित लगभग अस्सी रोमांस के लेखक हैं।
राचमानिनोव अपनी पियानो रचनाओं के लिए विशेष रूप से प्रसिद्ध थे। उनके द्वारा बनाए गए पियानो संगीत की विशेष शैली एक अद्भुत विविधता और ध्वनि की परिपूर्णता से अलग है। ऐसा लगता था कि रंगों की समृद्धि से वह पियानो की तुलना हर चीज से करना चाहता था सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा. सबसे प्रसिद्ध निबंध है दूसरा पियानो कॉन्सर्टो(1901), जिसने उनकी रचना प्रतिभा की सर्वोत्तम विशेषताओं को प्रकट किया। "असाधारण, अद्भुत सुंदरता" का एक काम ( एस. एस. प्रोकोफ़िएव) हड़ताली सटीक रूप से असंगति से अवगत कराया नया युगऔर अपने सख्त शिक्षक एस.आई. तन्यव के मूल्यांकन की वैधता की पुष्टि की: "यह शानदार है।" इस काम के लिए, राचमानिनोव को 1904 में ग्लिंका पुरस्कार से सम्मानित किया गया था।
राचमानिनोव न केवल एक संगीतकार के रूप में, बल्कि एक उत्कृष्ट पियानोवादक और कंडक्टर के रूप में भी विश्व प्रसिद्ध हैं। "तीन व्यक्तियों में देवता," उनके समकालीनों में से एक ने उनके बारे में कहा। प्रदर्शन कला की तकनीक में जल्दी से महारत हासिल करने के बाद, राचमानिनोव ने एक शानदार दुभाषिया की असाधारण प्रतिभा की खोज की। संगीतमय कार्य. अपनी ताकत में उनका शक्तिशाली खेल पूरे ऑर्केस्ट्रा के बराबर हो सकता है और श्रोताओं पर जबरदस्त प्रभाव डालता है।
1917 के अंत में, राचमानिनोव यूरोप और फिर CIIIA के दौरे पर गए। वह रूस नहीं लौटा। प्रवास के सभी 25 वर्षों में, उनकी मातृभूमि में जो हो रहा था, उसमें उनकी गहरी दिलचस्पी थी। महान के वर्षों के दौरान देशभक्ति युद्धसंगीतकार ने लाल सेना का समर्थन करने के लिए अपने संगीत कार्यक्रमों से बार-बार धन हस्तांतरित किया। आज, राचमानिनोव के काम हमारे देश के कई कॉन्सर्ट हॉल में सुने जाते हैं; संगीत प्रतियोगिताऔर त्योहार।
बीसवीं सदी की संगीतमय तस्वीर की कल्पना करना मुश्किल है। रचनात्मकता के बिना इगोर फेडोरोविच स्ट्राविंस्की(1882-1971) - विश्व क्लासिक्स के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक। अपने करियर के छह दशकों में, उन्होंने विभिन्न संगीत शैलियों में लगभग 150 काम किए, और संगीतकार की मूल प्रतिभा ने उनमें से प्रत्येक को प्रभावित किया। उनमें से बैले के लिए संगीत हैं और ओपेरा हाउस, वाद्य रचनाएँ, कोरल और मुखर कार्य।
उन्होंने विश्व संगीत संस्कृति के इतिहास में एक साहसी नवप्रवर्तनक के रूप में प्रवेश किया, कला में अपने स्वयं के पथ बनाने के लिए अथक प्रयास किया। दुर्लभ मामलों में, वह संगीत में नए रुझानों के प्रति उदासीन रहे। इसके विपरीत, उन्होंने हमेशा वही जवाब दिया जो उन्हें मूल और दिलचस्प लगता था। संगीत में स्ट्राविंस्की का मार्ग रूमानियत और प्रभाववाद से नवशास्त्रवाद, डोडेकैफोनी और अवंत-गार्डे संगीत तक का मार्ग है। अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, उन्हें जैज़ की कला और इलेक्ट्रॉनिक संगीत के क्षेत्र में उपलब्धियों में गहरी दिलचस्पी थी।
एक रचना के ढांचे के भीतर, वह विभिन्न संगीत युगों (बारोक, क्लासिकवाद, रोमांटिकवाद) की शैली को स्वतंत्र रूप से जोड़ सकता था। अतीत की संगीत परंपराओं की अपील ने उन्हें प्रयोग करने से नहीं रोका, कार्यों को आधुनिकता की भावना से भर दिया। यहाँ उन्होंने इस बारे में क्या कहा:
"परंपरा... न केवल पिता से बच्चों में" संचारित "होती है, बल्कि एक जीवन प्रक्रिया से गुजरती है: यह पैदा होती है, बढ़ती है, परिपक्वता तक पहुँचती है, गिरावट आती है और कभी-कभी, पुनर्जन्म होता है ...
पिछली पीढ़ियों की भाषा बोलना रचनात्मकता नहीं है, यह एक कला नहीं है, बल्कि एक दिनचर्या है। ”
1909 में एस। पी। दिगिलेव के साथ बैठक ने बड़े पैमाने पर संगीतकार के व्यक्तिगत और रचनात्मक भाग्य को निर्धारित किया। उन्हें बैले के लिए संगीत लिखने के लिए कहा गया था "फायरबर्ड"दुष्ट काशी की कहानी और उसके काले साम्राज्य के पतन के विषय पर।
25 जून, 1910, पेरिस के ग्रैंड ओपेरा के मंच पर बैले के प्रीमियर की तारीख, स्ट्राविंस्की की विश्व प्रसिद्धि की शुरुआत बन जाती है। संगीत आर्केस्ट्रा ध्वनियों की भव्यता, लय की असामान्यता और परी-कथा प्रतीकों की प्रचुरता से प्रभावित हुआ। विशेष रुचि "काशीव साम्राज्य का बेईमानी नृत्य" थी - बुराई और हिंसा की एक विचित्र छवि।
एक साल बाद - बैले का एक नया, कम शानदार प्रीमियर नहीं "अजमोद". स्ट्राविंस्की ने अपना मुख्य ध्यान अपने प्रिय के गहरे मनोवैज्ञानिक नाटक पर केंद्रित किया लोक नायकपेट्रुष्का, जो निराशाजनक रूप से बेवकूफ बैलेरीना से प्यार करती है, जो आत्म-संतुष्ट मूर को पसंद करती है। नायक की पीड़ा के बारे में, दयालु, शरारती और कभी निराश नहीं होने के बारे में, स्ट्राविंस्की ने शानदार ढंग से संगीत की भाषा में बात की। विशेष रूप से हड़ताली पेत्रुस्का के जीवन की विदाई का अंतिम दृश्य था। अद्भुत खोजसंगीतकार एक झटकेदार "सोबिंग", बांसुरी की "साँस छोड़ना" और फर्श पर फेंके गए डफ से एक अजीब आवाज थी। कुछ समय पहले तक, मरते हुए आदमी के सामने अनर्गल नाचने वाली भीड़ जम जाती थी। पेट्रुस्का की आत्मा के प्रस्थान के दुखद क्षण में बेहतर दुनियानिवर्तमान जीवन के रोमांच को व्यक्त करते हुए अद्भुत संगीत लगता है। मास्लेनित्सा बूथ की गूँज और पुनर्जीवित पेट्रुस्का की भेदी धूमधाम से कार्रवाई पूरी होती है।
इस काम में स्ट्राविंस्की के सह-लेखक कोरियोग्राफर एम.एम. फॉकिन (1880-1942) और लिबरेटिस्ट, कलाकार ए.एन. बेनोइस थे। मुख्य भूमिकाएँ तमारा कार्सविना और वत्सलाव निजिंस्की ने निभाई थीं। बैले "पेट्रुस्का" एस.पी. दिगिलेव के रूसी सीज़न का मुख्य आकर्षण बन गया। स्ट्राविंस्की के तीसरे का प्रीमियर, कोई कम प्रसिद्ध बैले नहीं "पवित्र वसंत"(1913) पेरिस में एक अभूतपूर्व घोटाले का कारण बना। लेखक ने बाद में याद किया:
"जब पर्दा उठ गया और मंच पर लोलिता का एक समूह कूद रहा था, उनके घुटने बाहर की ओर मुड़े हुए थे और लंबी चोटी ... एक तूफान आया। मेरे पीछे "अपना गला बंद करो! .." के नारे थे, मैं गुस्से में हॉल से निकल गया।
मधुर और सुस्त ध्वनियों के आदी श्रोताओं के लाड़ले कान ने एक विदेशी मूर्तिपूजक तत्व को सुना। यह कोई संयोग नहीं है कि बैले को "मूर्तिपूजक रूस की तस्वीरें" उपशीर्षक दिया गया था। स्ट्राविंस्की ने संगीत में बुतपरस्त जनजातियों के रीति-रिवाजों की मौलिक गंभीरता को फिर से बनाने की कोशिश की, जिसका नेतृत्व एल्डर-वाइज कर रहे थे। तनावपूर्ण विसंगतियों, जटिल लय और अप्रत्याशित विरोधाभासों को व्यक्त करने का इरादा था जादुई शक्तिप्रकृति के मंत्र, वसंत की भविष्यवाणी, पृथ्वी के चुंबन का सबसे प्राचीन संस्कार, चुने हुए का उत्थान। शास्त्रीय बैले की तकनीकों को त्यागने वाले अभिनेताओं की चाल और हावभाव भारी और कोणीय थे। उन दिनों, आलोचकों में से एक ने लिखा था:
"वसंत के संस्कार के पेरिस प्रीमियर को वाटरलू की लड़ाई की तरह, एक गर्म हवा के गुब्बारे की पहली उड़ान की तरह कुछ बहुत ही महत्वपूर्ण के रूप में याद किया जाता है।"
कुछ साल बाद, सिम्फोनिक काम के रूप में प्रदर्शन किए गए द राइट ऑफ स्प्रिंग ने दर्शकों से तालियों की गड़गड़ाहट का कारण बना।
बी सोवियत काल के संगीतकार
1937 में प्रसिद्ध संगीतकार सर्गेई सर्गेइविच प्रोकोफ़िएव(1891-1953) ने इन शब्दों को अपनी नोटबुक में दर्ज किया:
"अब वह समय नहीं है जब संगीत सौंदर्यशास्त्र के एक छोटे से चक्र के लिए लिखा गया था। अब गंभीर संगीत के साथ लोगों की भारी भीड़ आमने-सामने आ गई है और पूछताछ की प्रतीक्षा कर रही है। संगीतकार, इस क्षण पर पूरा ध्यान दें: यदि आप इन भीड़ को दूर धकेलते हैं, तो वे चले जाएंगे ... यदि आप उन्हें रखते हैं, तो आपको ऐसे दर्शक मिलेंगे जो कभी कहीं और किसी भी समय नहीं रहे हैं ..."
दरअसल, सोवियत काल ने संगीतकारों के लिए काफी विशिष्ट कार्य किए। श्रोताओं की व्यापक जनता के लिए उन्मुख रचनात्मकता को अपने समय की भावना के अनुरूप होना था। सोवियत राज्य की विचारधारा के साथ रचनात्मकता को जोड़ने की स्पष्ट रूप से व्यक्त इच्छा के बावजूद, छह स्टालिन पुरस्कारों के विजेता प्रोकोफिव हमेशा खुद को, एक दृढ़ और स्वतंत्र चरित्र का व्यक्ति बने रहे। यहीं से संगीत में उनका रचनात्मक मार्ग शुरू हुआ। 1914 में सेंट पीटर्सबर्ग कंज़र्वेटरी को खत्म करते हुए, उन्होंने परीक्षा समिति के सामने अपना पहला कॉन्सर्ट खेलने का फैसला किया। संगीत ने दर्शकों पर कब्जा कर लिया, और प्रोकोफिव ने सम्मान के साथ एक डिप्लोमा और ए जी रुबिनस्टीन पुरस्कार (एक उपहार के रूप में एक शानदार पियानो) प्राप्त किया।
उन्होंने कभी किसी की नकल नहीं की, हालांकि उनके पसंदीदा संगीतकार और शिक्षक थे। उदाहरण के लिए, प्रोकोफिव इस बात से बिल्कुल भी शर्मिंदा नहीं थे कि उनके दूसरे पियानो कॉन्सर्टो को दर्शकों ने कितना बुरा माना।
आठ ओपेरा, सात बैले, सात सिम्फनी और प्रत्येक संगीत कार्यक्रम, बड़ी संख्या में कक्ष, पियानो और मुखर कार्य, फिल्मों के लिए संगीत - संगीत में प्रोकोफिव का पथ ऐसा है।
संगीतकार की उत्कृष्ट कृतियों में से एक बैले थी "रोमियो और जूलियट"(1936)। बैले बनाने का विचार कई लोगों को असफलता के लिए बर्बाद लग रहा था, लेकिन प्रोकोफिव पहले से ही पूरी तरह से शेक्सपियर की शक्ति में था: बेलगाम फंतासी ने पहले को जन्म दिया संगीत विषय; स्क्रिप्ट के विवरण और भविष्य के काम की नाटकीयता पर चर्चा की गई। जब सब कुछ तैयार था, आम तौर पर स्वीकृत एकल नृत्य, युगल, तिकड़ी, एडैगियोस और वाल्ट्ज के बजाय, स्कोर में सुनने के लिए असामान्य नाम शामिल थे: "रोमियो", "ऑर्डर ऑफ द ड्यूक", "जूलियट द गर्ल", "टायबाल्ट के साथ लड़ता है" Mercutio", "रोमियो और जूलियट बिदाई से पहले ... सब कुछ अप्रत्याशित और असामान्य था। नाटक का मंचन करने का निर्णय किए जाने में बहुत समय नहीं लगा था। संगीतकार ने कुछ भी फिर से करने से साफ इनकार कर दिया।
प्रीमियर 1940 में लेनिनग्राद में प्रसिद्ध मरिंस्की (in .) में हुआ था सोवियत वर्षकिरोव) थिएटर। प्रदर्शन में मुख्य भाग अतुलनीय जी.एस. उलानोवा द्वारा किया गया था। संगीत ने घटनाओं के नाटक, पात्रों की भावनाओं और अनुभवों को बहुत सटीक रूप से व्यक्त किया। युवा जूलियट की प्रेरक और काव्यात्मक छवि ने दर्शकों को झकझोर कर रख दिया। यहाँ वह है, सभी विनम्रता और आज्ञाकारिता, पेरिस, भविष्य के दूल्हे के साथ गेंद पर नाच रही है। जूलियट प्रेम दृश्यों में मार्मिक रूप से गेय और कोमल है ... धुन धीरे-धीरे और सुचारू रूप से बहती है, वे चमकने लगती हैं, सांस लेती हैं ... इसलिए वह एक घातक पेय पीने का फैसला करती है ... दुखद पूर्वाभास, भय और निर्विवाद प्रेम जूलियट को ताकत देते हैं यह घातक कदम उठाएं।
अद्भुत थे और भीड़ के दृश्यबैले उनमें, लेखक एक हंसमुख सड़क भीड़ की शोर ऊर्जा को व्यक्त करने में कामयाब रहा, कैपुलेट बॉल पर कुलीनता के नृत्यों में कठोरता, जूलियट के बिस्तर पर लिली के साथ लड़कियों के थोड़े धीमे नृत्य की कृपा जो सो गई। हावभाव, चेहरे के भाव, चाल और गति के तरीके के माध्यम से, संगीतकार ने प्रत्येक पात्र के पात्रों के सार को शानदार ढंग से व्यक्त किया। प्रोकोफ़िएव का बैले "रोमियो एंड जूलियट" अभी भी दुनिया के सिनेमाघरों में सबसे अधिक प्रदर्शनों में से एक है।
संगीतकार के ऑपरेटिव कार्यों में से ओपेरा को बाहर करना चाहिए "युद्ध और शांति"जिस पर उन्होंने किसी और काम से ज्यादा काम किया। कई वर्षों (1943 से 1952 तक) के लिए वह बार-बार "वॉर एंड पीस" में लौट आया, नाटकीयता में समायोजन किया, एपिसोड जोड़ा, बदला या बहिष्कृत किया। एक ओपेरा को साहित्यिक स्रोत से जोड़ने का कार्य अविश्वसनीय लग रहा था। इसके अलावा, लेखक के इरादे के अनुसार, यह एल एन टॉल्स्टॉय के उपन्यास का मूल पाठ ...
प्रदर्शन का पहला संस्करण दो शामों के लिए डिज़ाइन किया गया था, लेकिन बाद में ओपेरा ने सामान्य ओपेरा प्रदर्शनों की शैली की रूपरेखा हासिल कर ली। साठ से अधिक वर्ण, गेंद पर मेहमानों की गिनती नहीं, सैनिकों, किसानों और पक्षपातियों ...
ओपेरा की सबसे अच्छी तस्वीरें नताशा रोस्तोवा की पहली गेंद हैं, जिसमें अद्भुत सुंदरता का एक वाल्ट्ज लगता है, जो एक युवा लड़की के भोली आकर्षण और सुंदर अनुग्रह को व्यक्त करता है; ये ओट्राडनॉय और नताशा की मितिशची में घातक रूप से घायल आंद्रेई बोल्कॉन्स्की के साथ मुलाकात के दृश्य हैं।
प्रोकोफिव ने ओपेरा में लोक और वीर विषयों पर बहुत ध्यान दिया, विशेष रूप से लोकप्रिय कमांडर कुतुज़ोव की छवि। उनका अद्भुत अरिया "अतुलनीय लोग!", मंत्रों की याद दिलाता है लोक संगीत, कार्रवाई को एक महाकाव्य गुंजाइश और भव्यता प्रदान की।
प्रोकोफिव के काम में एक महान स्थान एस एम ईसेनस्टीन "अलेक्जेंडर नेवस्की" (1938) और "इवान द टेरिबल" (1942-1945) की फिल्मों के लिए संगीत द्वारा कब्जा कर लिया गया है।
सोवियत काल के रचनाकारों में रचनात्मकता दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच(1906-1975) बीसवीं सदी के रूसी संगीत में शास्त्रीय प्रवृत्ति को काफी हद तक निर्धारित करता है। लेनिनग्राद कंज़र्वेटरी के उन्नीस वर्षीय स्नातक द्वारा लिखित, फर्स्ट सिम्फनी (1926) ने दर्शकों को आशावाद और ध्वनि की ताजगी से प्रभावित किया। उसने तुरंत घरेलू और विदेशी कंडक्टरों के प्रदर्शनों की सूची में प्रवेश किया।
रचनात्मकता की आधी सदी की अवधि में, पहली सिम्फनी में चौदह और जोड़े जाएंगे। शोस्ताकोविच ने लगभग सभी संगीत शैलियों में काम किया: पंद्रह चौकड़ी, दो ओपेरा (मत्सेंस्क जिले की नाक और लेडी मैकबेथ), तीन बैले (द गोल्डन एज, द बोल्ट और द ब्राइट स्ट्रीम), छह वाद्य संगीत कार्यक्रम, साइकिल रोमांस, संग्रह पियानो प्रस्तावना और फ्यूग्यूज, कैंटटास, ऑरेटोरियो ("सॉन्ग ऑफ द फॉरेस्ट"), फिल्मों के लिए संगीत और नाटकीय प्रदर्शन।
निर्माण द्वारा संगीतकार के लिए काफी प्रसिद्धि लाई गई थी ओपेरा "नाक"(1927-1928) एन.वी. गोगोल के उपन्यास पर आधारित। संगीत में, मेजर कोवालेव की नाक के साथ एक "अविश्वसनीय घटना" चकित दर्शकों के सामने सामने आई। गोगोल की कहानी की व्यंग्य संरचना संगीतकार को एक नया रास्ता सुझाती थी, जो मूल रूप से ओपेरा कला की परंपराओं को तोड़ती थी। उसके अंदर सब कुछ कैरिकेचर और अजीबोगरीब था, सब कुछ पीछे हट गया, अंदर बाहर हो गया। सामान्य गायन के बजाय, एक ऐंठनदार गपशप सुनाई दी, आठ चौकीदारों के एक कलहपूर्ण पहनावा ने बाधित किया और एक दूसरे को नहीं सुना। पुलिस अधिकारी, एक नाई, एक फ़ारसी राजकुमार, बैगेल और छतरियां इस शानदार कार्रवाई में शामिल हो गए... हंसमुख कैनकनों की जगह सरपट और पोल्का ने ले ली। दर्शकों का गाना बजानेवालों ने उत्साह से ठहाका लगाया।
इस तथ्य के बावजूद कि ओपेरा ने 19 वीं शताब्दी में गोगोल के रूस की घटनाओं को पुन: प्रस्तुत किया, सोवियत काल के क्षुद्र-बुर्जुआ जीवन पर व्यंग्य का अनुमान लगाना आसान था। प्रीमियर जनवरी 1930 में हुआ। फिल्म निर्देशक जी.एम. कोज़िंत्सेव (1905-1973) ने कहा:
"गर्जने वाले सरपट और निराला पोल्का के लिए, वी। दिमित्रीव के दृश्यों काता, काता: गोगोल का फैंटमसागोरिया ध्वनि और रंग बन गया ... गोगोल का विचित्र क्रोध: यहाँ एक प्रहसन क्या था, भविष्यवाणी क्या थी?
अतुल्य आर्केस्ट्रा संयोजन, गायन के लिए अकल्पनीय ग्रंथ ... असामान्य लय ... उन सभी चीजों में महारत हासिल करना जो पहले काव्य-विरोधी, संगीत-विरोधी, अश्लील लगती थीं, लेकिन वास्तव में एक जीवित स्वर, एक पैरोडी - सम्मेलन के खिलाफ संघर्ष ... यह एक बहुत ही मजेदार प्रदर्शन था"।
नोज़ ओपेरा दो साल में सोलह प्रदर्शनों तक चला, जिसके बाद यह लंबे समय तक मंच से गायब रहा।
शोस्ताकोविच के दूसरे ओपेरा का भाग्य काफी अलग निकला। "मत्सेंस्क जिले की लेडी मैकबेथ" ("कतेरिना इस्माइलोवा", 1930-1932) एन.एस. लेसकोव द्वारा इसी नाम की कहानी पर आधारित है। लेकिन अब यह ओपेरा की पैरोडी नहीं थी, बल्कि कई अजीब और व्यंग्यपूर्ण दृश्यों के साथ एक उच्च त्रासदी थी। मुख्य चरित्र, कतेरीना इस्माइलोवा, सबसे कठिन परीक्षणों से गुज़रने के बाद, आसपास के जीवन को चुनौती दी।
ओपेरा को जनता द्वारा गर्मजोशी से प्राप्त किया गया था, लेकिन जनवरी 1936 में प्रावदा अखबार ने "संगीत के बजाय मडल" नामक एक गुमनाम लेख प्रकाशित किया, जिसमें संगीतकार पर "चरम औपचारिकता", "सकल प्रकृतिवाद" और "मेलोडिक स्क्वालर" का आरोप लगाया गया था।
कुछ दिनों बाद, बैले "द ब्राइट स्ट्रीम" के संगीत के खिलाफ निर्देशित एक दूसरा कमीशन लेख, "बैले फाल्सनेस" दिखाई दिया। इस बार, शोस्ताकोविच पर "जीवन के कठपुतली चित्रण" और "लोककथाओं के लिए एक औपचारिक दृष्टिकोण" का आरोप लगाया गया था। ओपेरा और बैले को तुरंत प्रदर्शनों की सूची से हटा दिया गया। संगीतकार के खिलाफ एक अभूतपूर्व उत्पीड़न शुरू किया गया था। लंबे समय तक, वह जो चाहता था उसे लिखने के अवसर से वंचित था। तब कुछ ही निडरता से अपमानित संगीतकार की मदद कर सकते थे। उनमें से ए ए अखमतोवा थे, जिन्होंने "संगीत" कविता की इन पंक्तियों को उन्हें समर्पित किया:
उसमें कुछ चमत्कारी जलता है,
और इसके किनारों की आंखों के सामने,
वो मुझसे अकेली बात करती है
जब दूसरे पास आने से डरते हैं।
कब आखिरी दोस्तनज़रें फेर ली
वह मेरी कब्र में मेरे साथ थी।
और पहली आंधी की तरह गाया
या मानो सारे फूल बोले।
1930 के दशक के उत्तरार्ध में, शोस्ताकोविच ने वाद्य यंत्र की ओर रुख किया सिम्फोनिक संगीत. इस समय के सबसे बड़े कार्यों में से एक था पांचवीं सिम्फनी(1937), जिसे कई लोगों ने संगीतकार की "आशावादी त्रासदी" कहा है। यह एक सिम्फनी-मोनोलॉग था, जो ईमानदारी से कठिन खोज के बारे में बता रहा था जीवन का रास्ता. इसमें अक्सर एकल वाद्ययंत्रों के मोनोलॉग शामिल होते हैं: बांसुरी, वायलिन, वीणा और सेलेस्टा। काम को सर्वसम्मति से रूसी और विश्व सिम्फनी की चोटियों में से एक के रूप में मान्यता दी गई थी।
विश्व प्रसिद्ध शोस्ताकोविच प्रसिद्ध लाया सातवीं सिम्फनी ("लेनिनग्राद", 1942), पहली बार घिरे लेनिनग्राद में प्रदर्शन किया।
शोस्ताकोविच का कक्ष और मुखर संगीत बहुत रुचि का है। कौशल और अभिव्यक्ति के मामले में, उनकी स्ट्रिंग चौकड़ी सर्वश्रेष्ठ सिम्फनी से कम नहीं थी। मुखर चक्रों में, उन्होंने माइकल एंजेलो, ए। पुश्किन, एम। लेर्मोंटोव, ए। अखमतोवा, ए। ब्लोक, एम। स्वेतेवा, साशा चेर्नी, जापानी, स्पेनिश और फ्रांसीसी कवियों के काव्य कार्यों की ओर रुख किया।
संगीतकार के काम में एक विशेष स्थान पर फिल्मों और नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत का कब्जा था। क्रांतिकारी पेत्रोग्राद के बाद भी, शोस्ताकोविच ने छोटे सिनेमा हॉल में पियानोवादक के रूप में काम किया, मूक फिल्मों के प्रदर्शन के दौरान पियानो पर काम किया। जब 1928 में फिल्म संगीत का युग शुरू होता है, तो वह आनंद के साथ सिनेमैटोग्राफी में प्रवेश करता है, जहाँ वह "ट्रिलॉजी अबाउट मैक्सिम", "इवान मिचुरिन", "मीटिंग ऑन द एल्बे", "यंग गार्ड" फिल्मों के लिए कई शानदार संगीत रचनाएँ बनाता है। ", "द फॉल ऑफ बर्लिन", "द गैडफ्लाई", "हैमलेट", "किंग लियर"। फिल्म "आने वाली" ("सुबह हमें ठंडक से मिलती है") का गीत तुरंत दर्शकों के प्यार में पड़ गया। महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध के बाद, इसे संयुक्त राष्ट्र के आधिकारिक गान के रूप में अपनाया गया था। शोस्ताकोविच ने कभी भी फिल्मी संगीत को फिल्म का आभूषण नहीं माना। इसके विपरीत, यह स्क्रीन एक्शन के आंतरिक अर्थ को प्रकट करने का सबसे महत्वपूर्ण साधन था।
उसी समय, संगीतकार एन। हां। मायास्कोव्स्की (1881-1950), आर। एम। ग्लियर (1875-1956), ए। आई। खाचटुरियन (1903-1978), जी। वी। स्विरिडोव (1915 --1998), डीवी कबलेव्स्की (1904--1987) ), टीएन ख्रेनिकोव (बी। 1913), आरके शेड्रिन (बी। 1932)।
संगीतमय अवंत-गार्डे, जो 60 और 70 के दशक के मोड़ पर उत्पन्न हुआ, राष्ट्रीय संगीत संस्कृति में एक उल्लेखनीय घटना बन गया। इसके प्रतिभाशाली प्रतिनिधि ए। जी। श्नीटके (1934-1999), एस। ए। गुबैदुलिना (बी। 1931), ई। वी। डेनिसोव (1929-1996) हैं। उनमें से प्रत्येक की रचनात्मकता संगीत विषयों को सुलझाने में एक अभिनव खोज, साहस और मौलिकता है, प्रदर्शन के तरीके की भावनात्मकता।
बी मास सॉन्ग फेनोमेनन
सामूहिक गीत संगीत रचनात्मकता की एक अनूठी शैली है, जो हमारे राज्य के इतिहास का एक प्रकार का कालक्रम है। व्यापक रूप से ज्ञात शब्द कि "गीत हमें निर्माण और जीने में मदद करता है" सोवियत लोगों की कई पीढ़ियों के जीवन के लिए आवश्यक हो गया।
के बाद बनाए गए गाने अक्टूबर क्रांतिऔर गृहयुद्ध, अक्सर एक स्पष्ट क्रांतिकारी चरित्र था। उनमें से कई अनायास लाल सेना और पहले कोम्सोमोल सदस्यों के बीच पैदा हुए थे। उनमें से "हम साहसपूर्वक युद्ध में जाएंगे", "यंग गार्ड" ("आगे, भोर की ओर ..."), "वहां, दूरी में, नदी से परे", "तचांका", "बुडायनी मार्च" गाने हैं। "
पहली पंचवर्षीय योजनाओं के वर्षों के दौरान उन्हें ऐसे गीतों से बदल दिया गया जो लोगों को श्रम शोषण के लिए प्रेरित करते थे। उनमें से सर्वश्रेष्ठ संगीतकार के सहयोग से बनाए गए थे इसहाक ओसिपोविच दुनायेव्स्की(1900-1955) और कवि VI लेबेदेव-कुमाच फिल्मों के लिए "जॉली फेलो" ("मार्च ऑफ मेरी फेलो"), "चिल्ड्रन ऑफ कैप्टन ग्रांट" ("सॉन्ग ऑफ द मीरा विंड"), "सर्कस" ("गीत मातृभूमि")। डुनायेव्स्की को मार्च-गीत शैली ("उत्साही मार्च", "स्पोर्ट्स मार्च", "ट्रैक्टर ड्राइवरों का मार्च", "स्प्रिंग मार्च") का निर्माता माना जाता है। उन्होंने गाने की शैली को बहुत समृद्ध किया, इसमें आपरेटा और जैज़ के तत्वों का परिचय दिया। "वोल्गा-वोल्गा", "क्यूबन कोसैक्स", "स्प्रिंग", "थ्री कॉमरेड्स" फिल्मों में बजने वाले गाने लोगों को पसंद आए और जल्द ही अपना जीवन जीने लगे।
महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध के कठिन वर्षों में, गीत ने उन लोगों को एकजुट किया जो समान चिंताओं और भावनाओं के साथ रहते थे, विजय का सपना। युद्ध के पहले दिनों से, गीत शायद सबसे आवश्यक निकला संगीत शैली. सबसे प्रसिद्ध - "धर्म युद्द" A. V. Aleksandrov और V. I. Lebedev-Kumach, ने पहली बार मास्को में बेलोरुस्की रेलवे स्टेशन के मंच पर लाल सेना के पहनावे द्वारा प्रदर्शन किया। मोर्चे पर जाने वाले सैनिकों ने तुरंत उसके शब्दों को याद किया:
उठो, महान देश,
मौत की लड़ाई के लिए खड़े हो जाओ...
“संगीत ने, अपनी आमंत्रित ध्वनि के साथ, सचमुच हमें झकझोर दिया। उत्तेजना से उसका गला कस गया, उसकी आँखों से आँसू छलक पड़े। रोने की आवाज़, साहसी क्षेत्र, श्रोताओं में तुरंत दुश्मन के खिलाफ लड़ाई में जाने का दृढ़ संकल्प पैदा कर दिया ”(वी। ए। अलेक्जेंड्रोव)।
24 जून, 1941 को कुछ ही घंटों में बनाए गए इस गीत ने उन दिनों की सोच को व्यक्त किया। यह एक प्रतीक बन गया, महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध का युद्ध गान।
में कठोर वर्षपरीक्षणों के लिए, लोगों को न केवल वीर गीतों की आवश्यकता थी जो मनोबल बढ़ा सकें। पैतृक घर के बारे में गीत, वहां छोड़े गए रिश्तेदारों के बारे में विशेष प्रेम का आनंद लिया। संगीतकार वी. सोलोविओव-सेडॉय, एम. ब्लैंटर, एन. बोगोस्लोवस्की, ए. नोविकोव, टी. ख्रेनिकोव के गीतों ने प्रेम और निष्ठा के बारे में दिल से बात की। ये "इवनिंग ऑन द रोडस्टेड", "डगआउट", "फ्रंट के पास जंगल में", "कत्युषा", "डार्क नाइट", "नाइटिंगेल्स" हैं।
गीत शैली में सैन्य विषय अटूट निकला। युद्ध के 30 साल बाद लिखा जाएगा गीत "विजय दिवस"डी। तुखमनोव और वी। खारिटोनोव। "आंखों में आंसू के साथ खुशी" और साथ ही साथ बड़े नुकसान की कड़वाहट को अत्यंत ईमानदारी के साथ व्यक्त किया गया था।
महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध के बाद, संगीत में नए विषय और स्वर आए। 1957 में मास्को में युवाओं और छात्रों के छठे विश्व महोत्सव के दौरान, पसंदीदा लोक गीतों में से एक दिखाई दिया "मास्को नाइट्स"वी. सोलोविओव-सेडॉय द्वारा संगीत और एम. माटुसोव्स्की के गीत। लय और प्रचार की पंक्तियों को आगे बढ़ाने के बजाय, रूसी लोगों की ईमानदारी से सौहार्द और प्रतिक्रिया उसमें सुनाई दे रही थी। आकर्षक, गेय माधुर्य किसी भी दर्शक को जीतने में सक्षम था। मायाक रेडियो कार्यक्रम में उसके कॉल संकेत अभी भी सुने जाते हैं।
50 के दशक के अंत में - 80 के दशक की शुरुआत में, गाने व्यापक रूप से सुने जाते थे एलेक्जेंड्रा निकोलेवना पखमुटोवा. युवा उत्साह, सड़कों का रोमांस और नई जमीनों का विकास, जोश खेल प्रतियोगिताएंऔर गेय कोमलता पखमुटोवा के गीतों की मुख्य सामग्री को निर्धारित करती है। "चिंतित युवाओं का गीत", "भूवैज्ञानिक", "क्या आप जानते हैं कि वह किस तरह का लड़का था", "एक कायर हॉकी नहीं खेलता", "उग्र निर्माण ब्रिगेड", "हम कितने युवा थे", "कोमलता", "मेलोडी", "होप" लंबे समय से संगीतकार के सबसे प्रिय और प्रदर्शन किए गए कार्यों में से हैं। 1980 में मास्को ओलंपिक के विदाई के दिनों में लिखे गए एन डोब्रोनोव के शब्दों में "अलविदा, मास्को" गीत लोगों के पसंदीदा गीतों में से एक बन गया है।
संगीत की एक और शक्तिशाली परत है बर्डीक, या लेखक का, गीत, ए। गैलिच, बी। ओकुदज़ाहवा, वी। वैयोट्स्की, यू। विज़बोर, ए। गोरोडनित्सकी, यू। किम, एन। मतवेवा, वी। डोलिना के कार्यों द्वारा दर्शाया गया है।
बार्ड गीत शहरी लोककथाओं की एक विशेष संगीत और काव्य शैली है, जिसे श्रोताओं और लेखक के बीच सीधे संचार के लिए डिज़ाइन किया गया है। आधुनिक बार्ड गीत अक्सर रोमांचक घटनाओं के लिए एक जीवंत प्रतिक्रिया है। इस शैली में अधिक महत्वपूर्ण क्या है: शब्द या संगीत? यहां बताया गया है कि इसके लेखक और कलाकार जूलियस किम इस प्रश्न का उत्तर कैसे देते हैं:
"हमारे सबसे अच्छे गीत वे हैं जिनमें एक प्रकार का अविनाशी संपूर्ण पाया जाता है। कविता के रूप में छपे हमारे गीत बहुत कुछ खोते हैं, अवश्य ही ध्वनि चाहिए। फिर भी, हम कविता के साथ काम कर रहे हैं, क्योंकि कथानक, और तुकबंदी, और लय, और माधुर्य मुख्य रूप से अर्थ प्रकट करने का काम करते हैं। हालाँकि, यह एक विशेष, गीत कविता है, जिसकी छवि संगीत और मौखिक दोनों है। इसलिए मैं अविनाशी समग्र की बात करता हूं। यह हमारी अभिव्यक्ति का साधन है।"
मास गीत आज अपने सार में बहुत बदल गया है। ज्यादातर पॉप संगीत समकालीन बैंडऔर कलाकार। उनमें से, किसी को विशेष वरीयता देना मुश्किल है, क्योंकि प्रत्येक श्रोता की अपनी पसंद और प्राथमिकताएं होती हैं, जो हमेशा बहुमत द्वारा साझा नहीं की जाती हैं। बेशक, ये पूरी तरह से अलग गाने हैं जिनका मंच पर अपना जीवन है।
अधिमानतः एक रिपोर्ट के रूप में, धन्यवाद!
20वीं शताब्दी विश्व संस्कृति, विशेष रूप से संगीत में महान परिवर्तनों का युग है। एक तरफ विश्व युद्ध और कई क्रांतियों दोनों ने दुनिया में सामान्य अशांत स्थिति को प्रभावित किया दूसरी ओर, यह हमारी आंखों के सामने प्रगति कर रहा है तकनीकी विकासमौलिक रूप से नई शैलियों, शैलियों, प्रवृत्तियों, संगीत अभिव्यक्ति के तरीकों के निर्माण के लिए नेतृत्व किया। इसके बावजूद, 20वीं शताब्दी के कुछ संगीतकारों ने पारंपरिक शास्त्रीय रूपों को नहीं छोड़ा और इस कला रूप को विकसित और समृद्ध किया। इस लेख के ढांचे के भीतर, हम ऐसे नवीन संगीतकार स्कूलों और संगीतकारों के बारे में बात करेंगे जैसे न्यू वियना स्कूल और इसके प्रतिनिधि "फ्रेंच सिक्स" अवंत-गार्डे संगीतकार न्यू वियना स्कूल के संगीतकार और डोडेकाफोन प्रणाली का निर्माण किया। उनके छात्रों ने पीछा किया - अल्बान बर्ग और एंटोन वेबर्न - ने तानवाला प्रणाली को पूरी तरह से त्याग दिया, इस प्रकार एटोनल संगीत का निर्माण किया, जिसका अर्थ है टॉनिक (मुख्य ध्वनि) की अस्वीकृति। अपवाद है नवीनतम कार्यए बर्ग। अधिकांशतः अभिव्यंजनावादी शैली में रचना की, जिस पर युद्ध, भूख, ठंड और गरीबी के दौरान प्रियजनों के नुकसान से मानवता की क्रूर उथल-पुथल के निशान हैं। एटोनल सिस्टम कुछ समय के लिए खुद को समाप्त कर चुका है, हालांकि, भविष्य में, 20 वीं शताब्दी से लेकर आज तक, कई संगीतकार इस तकनीक का उपयोग करने के लिए अपना हाथ आजमाते हैं। छक्के, एक सामान्य विश्वदृष्टि से एकजुट। ये हैं ए। होनेगर, डी। मिल्हौद, एफ। पोलेन्क, जे। औरिक, एल। दुरय, जे। तायेफर। "सिक्स" के संगीतकार संगीत की कला को आबादी के सभी वर्गों के प्रतिनिधियों के लिए सुलभ बनाना चाहते थे। फिर भी, उनका संगीत कई शास्त्रीय कार्यों के बराबर था। "सिक्स" के रचनाकारों ने अपने कार्यों में शहरों के विकास और 20 वीं शताब्दी की उच्च तकनीक की प्रगति से जुड़े शहरीकरण की दिशा को बढ़ावा दिया। कार्यों में विभिन्न ध्वनि प्रभावों का उपयोग (विशेषकर ए। होनेगर के कार्यों में) - बीप, स्टीम लोकोमोटिव की लय, आदि - शहरीकरण की दिशा में एक प्रकार की श्रद्धांजलि है। 50 के दशक का अवंत-गार्डे पिछली शताब्दी के 50 के दशक में, अवंत-गार्डे संगीतकार पी। बौलेज़ (फ्रांस), के। स्टॉकहौसेन (जर्मनी), एल। नोनो और एल। बेरियो (इटली) अखाड़े में दिखाई दिए। इन संगीतकारों के लिए संगीत प्रयोग के क्षेत्र में बदल जाता है, जहां संगीत कैनवास की सामग्री के बजाय ध्वनि रेंज के निर्माण पर अधिक ध्यान दिया जाता है। उनके काम में एक विशेष स्थान पर धारावाहिक तकनीक का कब्जा है, जो डोडेकेफोनिक प्रणाली से उत्पन्न होता है और इसे अपने चरम पर लाया जाता है। कुल धारावाहिकता निर्मित होती है - इस लेखन तकनीक में, संगीतमय संपूर्ण (ताल, माधुर्य, गतिशील रंग, आदि) के सभी तत्वों में क्रमबद्धता परिलक्षित होती है। अवंत-गार्डे संगीतकार इलेक्ट्रॉनिक, कंक्रीट, न्यूनतम संगीत और पॉइंटिलिज्म तकनीकों के संस्थापक भी हैं।
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