La relation entre culture et créativité
Dans chaque type d'activité il y a un moment de créativité, chaque personne est un créateur, il crée toute sa vie. Chaque activité est créativité. D'autre part, la créativité est la réalisation de quelque chose de nouveau socialement important des idées, c'est-à-dire ils doivent être reconnus par la société comme nouveaux et importants.
Il y a la créativité, qui s'incarne dans les idées, puis dans les objets matériels. Et puis il y a le processus créatif lui-même. Il y a de la créativité, dont le résultat est un changement dans la personne elle-même.
En raison de la créativité, le rapport entre le nouveau et le déjà connu est de 10 à 90%, si le nouveau est supérieur à 10%, cela devient incompréhensible pour les contemporains. Dès lors, le génie n'est pas celui qui a inventé, mais celui qui a réussi à s'incarner quand la société s'y intéresse.
Chaque culture a la sienne dominante - en Italie la peinture, en Russie la littérature, en Allemagne les philosophes. Tout ce qui a de la valeur dans le passé dominant devient la base du développement nouvelle culture. Chaque culture trouve sa direction prioritaire.
Création - activité cognitive (cognitive) qui mène à une nouvelle ( socialement significatif) ou vision inhabituelle d'un problème ou d'une situation.
En création artistique, il est presque impossible d'obtenir le même résultat de deux auteurs, et en science c'est même possible.
Tout processus créatif implique un sujet - un créateur, une personnalité humaine, un porteur la créativité. Dans la créativité, la personnalité se manifeste comme quelque chose de libre, d'indivisible.
Le principal ennemi de la créativité est la peur, la peur des nouvelles réalisations, la peur de l'échec. Nous incluons également la paresse, la passivité, le manque de ressources, etc.
Motifs de créativité : réalisation de soi, satisfaction des désirs réels, externes, internes.
Culture humanitaire et technique
La culture est un ensemble de significations qui se manifestent sous la forme d'idées, de valeurs et de normes. La culture technique n'est qu'idées et normes, elle est de service, elle régule les processus, la vie de la société. Et l'humanitaire fixe des valeurs et des idéaux. Leur relation est la fin et les moyens, mais souvent ces concepts sont décalés. Parfois, vous ne pouvez survivre qu'au détriment de la culture technocratique.
Au début du développement de la culture, l'humanitaire (créativité) a servi le technique - ils ont inventé des outils, etc. Puis la créativité a pris le dessus - les outils ont commencé à décorer. Aujourd'hui, le désir de créer prend également le dessus. Nous avons besoin d'une voiture non seulement pour conduire, mais aussi belle. Lorsque la culture technocratique prend le devant de la scène, de nombreux problèmes surgissent (de l'environnemental à l'extrémisme). Quand l'utilité, le confort priment, ce n'est pas très bon pour la culture dans son ensemble. Il est impossible de dire sans équivoque que K. humanitaire fonctionne sans normes, et technocratique sans valeurs. Il a ses propres valeurs - efficacité, économie, etc.
VI Conférence Internationale Théorique et Pratique
"Créativité et culture à la lumière de la réflexion philosophique. Créativité de la culture et culture de la créativité"
État d'Oulianovsk Université technique
Faculté des sciences humaines
Département de philosophie
Février 2018
Chers collègues!
FBGOU VO "Université technique d'État d'Oulianovsk" en février 2018 prévoit de mener VI Conférence théorique et pratique internationale dédiée à la mémoire du docteur en philosophie, le professeur Georgy Fedorovich Mironov Créativité et culture à la lumière de la réflexion philosophique. Créativité de la culture et culture de la créativité ».
La participation à la conférence est gratuite.
Suggestion de répartition thématique de la conférence :
· La créatologie comme direction de la philosophie moderne
· Ontologie de la créativité
· Dialectique de la créativité : création, existence, destruction
· Philosophie de la créativité artistique
· Le phénomène de la créativité dans le miroir de la fiction
· Psychologie de la créativité : problèmes réels
· L'auto-création comme base de l'existence humaine dans le monde
· La culture comme créativité des formes et des valeurs
· Logique et méthodologie de la créativité scientifique
· Pratique de la recherche
· Le phénomène de la créativité historique
· Créativité et révolution
· Concepts philosophiques modernes de la culture
· Culture et civilisation
· "Le déclin de l'Europe": la crise du potentiel de formation de la culture de la civilisation occidentale moderne
· Pratique sociale et culture
· Créativité dans la philosophie russe : spécificité de la compréhension
· Le phénomène de la créativité dans la philosophie classique allemande
· Concepts structuralistes et post-structuralistes de la créativité et de la culture
· Créativité et religion
· Créativité et transgression
La conférence comprendra les éléments suivants événements parallèles:
· Présentation des livres par V.T. Faritova, N. A. Balakleets et R.V. Leushkin, publié en 2017 dans le cadre des projets soutenus par le RFBR n° 15-33-01222 et n° 15-34-11045 ;
· Discussion sur le thème "Créativité et liberté" (docteur en sciences philosophiques, professeur au département de philosophie V.T. Faritov);
· Visite des musées "Maison de Goncharov", "Maison de Yazykovs", "Simbirsk Gymnase classique pour hommes".
La conférence est prévue Février 2018
Il existe deux formes de participation à la conférence - à temps plein et à temps partiel. En cas de participation absente, les rapports sont considérés comme des affiches et la collection de documents est envoyée à l'adresse indiquée par l'auteur. En cas de participation à temps plein, les frais de voyage des participants à la conférence sont payés par la partie d'envoi.
La collection d'articles basée sur les résultats de la conférence se verra attribuer un numéro ISBN, les articles sont inclus dans le RSCI.
Pour participer à la conférence jusqu'au 1er octobre 2017 inclus, vous devez envoyer une demande de participation à la conférence et jusqu'au 1er décembre 2017 texte inclusif de l'article d'un montant pouvant aller jusqu'à 20 mille. caractères avec espaces (0,5 pp).
La candidature et le texte de l'article (rapport) sont acceptés dans au format électronique aux formats *.doc, *.rtf. Les matériaux sont envoyés à : conf-créature [courriel protégé] courrier. ru et/ou vfar @ mail . fr
Le fichier devrait ressembler à : Ivanov.doc
Dans l'objet de la lettre, indiquer : Conférence « Créativité et culture à la lumière de la réflexion philosophique. Créativité de la culture et culture de la créativité.
Formulaire de demande
1. Sujet du rapport (articles) ;
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9. Adresse e-mail ;
10. Forme de participation à la conférence (plein temps/correspondance) ;
11. Besoin d'un logement temporaire (oui/non) ;
12. Nécessité invitation officielle du comité d'organisation (oui/non);
Révolution et culture. La révolution de 1917 a divisé l'intelligentsia artistique de la Russie en deux parties. L'une d'elles, bien que n'acceptant pas tout au Conseil des députés (comme beaucoup appelaient alors le pays des soviets), croyait au renouveau de la Russie et consacrait ses forces au service de la cause révolutionnaire ; l'autre méprisait négativement le gouvernement bolchevique et soutenait ses opposants sous diverses formes.
En octobre 1917, VV Mayakovsky, dans son autobiographie littéraire originale "Moi-même", décrivait sa position comme suit : "Accepter ou ne pas accepter ? Il n'y avait pas une telle question pour moi (et pour d'autres Moscovites-futuristes). Ma révolution. Pendant la guerre civile, le poète a travaillé dans les soi-disant "Windows of Satire ROSTA" (ROSTA - Agence télégraphique russe), où des affiches satiriques, des dessins animés, lubok images avec des vers courts. Ils ont ridiculisé les ennemis du gouvernement soviétique - généraux, propriétaires terriens, capitalistes, interventionnistes étrangers, ont parlé des tâches de construction économique. Les futurs écrivains soviétiques ont servi dans l'Armée rouge : par exemple, D. A. Furmanov était le commissaire de la division commandée par Chapaev ; I. E. Babel était un combattant de la célèbre 1ère armée de cavalerie ; A.P. Gaidar à l'âge de seize ans commandait un détachement de jeunes en Khakassie.
Les futurs écrivains émigrants ont participé au mouvement blanc: RB Gul a combattu dans le cadre de l'armée des volontaires, qui a fait la célèbre «campagne de glace» du Don au Kouban, GI Gazdanov, après avoir obtenu son diplôme de la 7e année du gymnase, s'est porté volontaire pour le Armée Wrangel. I. A. Bunin a appelé ses journaux de la période de la guerre civile " jours maudits". M. I. Tsvetaeva a écrit un cycle de poèmes sous le titre significatif "Swan Camp" - une lamentation remplie d'images religieuses pour la Russie blanche. Le thème du caractère pernicieux de la guerre civile pour la nature humaine a été imprégné par les œuvres des écrivains émigrés M. A. Aldanov ("Suicide"), M. A. Osorgin ("Témoin de l'histoire"), I. S. Shmelev (" soleil des morts»).
Par la suite, la culture russe s'est développée selon deux courants : dans le pays soviétique et dans l'émigration. Les écrivains et poètes I. A. Bunin, lauréats du prix Nobel de littérature en 1933, D. S. Merezhkovsky et Z. N. Gippius, les principaux auteurs du livre de programme anti-soviétique «Le royaume de l'Antéchrist», ont travaillé dans un pays étranger. Certains écrivains, comme VV Nabokov, sont entrés dans la littérature déjà en exil. C'est à l'étranger que les artistes V. Kandinsky, O. Zadkine, M. Chagall ont acquis une renommée mondiale.
Si les œuvres des écrivains émigrés (M. Aldanov, I. Shmelev et d'autres) étaient imprégnées du thème de la perversité de la révolution et de la guerre civile, les œuvres des écrivains soviétiques respiraient le pathétique révolutionnaire. 
Du pluralisme artistique au réalisme socialiste. Au cours de la première décennie post-révolutionnaire, le développement de la culture en Russie a été caractérisé par l'expérimentation, la recherche de nouveaux formes d'art et signifie - un esprit artistique révolutionnaire. La culture de cette décennie, d'une part, était enracinée dans " âge d'argent», et d'autre part, il a adopté à partir de la révolution une tendance à renoncer aux canons esthétiques classiques, à la nouveauté thématique et intrigue. De nombreux écrivains considéraient qu'il était de leur devoir de servir les idéaux de la révolution. Cela s'est manifesté dans la politisation de l'œuvre poétique de Maïakovski, dans la création du mouvement "Octobre théâtral" par Meyerhold, dans la formation de l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire (AHRR), etc.
Les poètes S. A. Yesenin, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, qui ont commencé leur chemin poétique au début du siècle, ont continué à créer. Un mot nouveau dans la littérature a été dit par la génération qui y est venue déjà en L'heure soviétique- M. A. Boulgakov, M. A. Sholokhov, V. P. Kataev, A. A. Fadeev, M. M. Zoshchenko.
Si dans les années 20 la littérature et les beaux-arts se distinguaient par une diversité exceptionnelle, puis dans les années 30, dans les conditions de la dictature idéologique, la soi-disant réalisme socialiste. Selon ses canons, la réflexion de la réalité dans les œuvres littéraires et artistiques devait être subordonnée aux tâches de l'éducation socialiste. Petit à petit au lieu de réalisme critique et une variété de tendances d'avant-garde dans culture artistique pseudo-réalisme a été établi, c'est-à-dire image idéalisée de la réalité soviétique et Homme soviétique.
La culture artistique était sous le contrôle du Parti communiste. Au début des années 30. De nombreuses associations de travailleurs de l'art ont été liquidées. Au lieu de cela, des syndicats unis d'écrivains, d'artistes, de cinéastes, d'artistes et de compositeurs soviétiques ont été créés. Bien qu'officiellement ils étaient indépendants organismes publics, l'intelligentsia créative devait être entièrement subordonnée aux autorités. En même temps, les syndicats, disposant de fonds et de maisons de créativité, créent certaines conditions pour le travail de l'intelligentsia artistique. L'État entretenait des théâtres, finançait le tournage de films, fournissait des studios aux artistes, etc. La seule chose exigée des artistes était de servir fidèlement le parti communiste. Les écrivains, artistes et musiciens qui déviaient des canons imposés par les autorités devaient être « élaborés » et réprimés (O. E. Mandelstam, V. E. Meyerhold, B. A. Pilnyak et bien d'autres sont morts dans les cachots staliniens).
Une place importante dans la culture artistique soviétique était occupée par des thèmes historiques et révolutionnaires. La tragédie de la révolution et de la guerre civile se reflétait dans les livres de M. A. Sholokhov (« Calme Don”), A. N. Tolstoï (“Marcher à travers les tourments”), I. E. Babel (collection d'histoires “Konarmiya”), peintures de M. B. Grekov (“Tachanka”), A. A. Deineki (“ Défense de Petrograd). En cinématographie, les films consacrés à la révolution et guerre civile. Les plus célèbres d'entre eux étaient "Chapaev", une trilogie cinématographique sur Maxim, "Nous sommes de Kronstadt". Le thème glorifié n'a pas quitté la capitale et
des scènes de théâtre de province. Un symbole caractéristique des beaux-arts soviétiques était la sculpture de V. I. Mukhina "Ouvrière et femme de ferme collective", qui ornait le pavillon soviétique sur exposition mondialeà Paris en 1937. Des artistes célèbres et peu connus ont créé des portraits de groupe pompeux avec Lénine et Staline. Parallèlement, un succès remarquable dans le portrait et peinture de paysage atteint M. V. Nesterov, P. D. Korin, P. P. Konchalovsky et d'autres artistes talentueux.
Positions éminentes dans l'art mondial des années 20-30. occupée par le cinéma soviétique. Il a présenté des réalisateurs tels que SM. Eisenstein («Le cuirassé Potemkine», «Alexandre Nevski», etc.), le fondateur de la comédie musicale excentrique soviétique GV Aleksandrov («Merry Fellows», «Volga-Volga», etc.), le fondateur du cinéma ukrainien A P. Dovzhenko (Arsenal, Shchors, etc.). Les stars du cinéma sonore soviétique brillaient dans le ciel artistique: L. P. Orlova, V. V. Serova, N. K. Cherkasov, B. P. Chirkov et d'autres.
La Grande Guerre patriotique et l'intelligentsia artistique. Pas même une semaine ne s'était écoulée depuis le jour de l'attaque nazie contre l'URSS, lorsque "Windows TASS" (TASS - Agence télégraphique de l'Union soviétique) est apparu dans le centre de Moscou, poursuivant les traditions de la propagande et des affiches et caricatures politiques "Windows ROSTA". Pendant la guerre, 130 artistes et 80 poètes ont participé aux travaux d'Okon TASS, qui a publié plus d'un million d'affiches et de dessins animés. Aux premiers jours de la guerre, les fameuses affiches "The Motherland Calls!" (I. M. Toidze), "Notre cause est juste, la victoire sera à nous" (V. A. Serov), "Guerrier de l'Armée rouge, sauve!" (V. B. Koretsky). A Leningrad, l'association d'artistes "Fighting Pencil" a lancé la production d'affiches-dépliants en petit format.
Pendant les années du Grand Guerre patriotique de nombreux écrivains se sont tournés vers le genre du journalisme. Les journaux ont publié des essais, des articles et des poèmes militaires. Le publiciste le plus célèbre était I. G. Ehrenburg. Poème
A. T. Tvardovsky "Vasily Terkin", les poèmes de première ligne de K. M. Simonov ("Attendez-moi") incarnaient les sentiments du peuple. Un reflet réaliste du sort des gens se reflétait dans la prose militaire de A. A. Bek ("Autoroute de Volokolamsk"), V. S. Grossman ("Le peuple est immortel"),
V. A. Nekrasov (« Dans les tranchées de Stalingrad »), K. M. Simonov (« Jours et nuits »). Des performances sur la vie de première ligne sont apparues dans le répertoire des théâtres. Il est significatif que les pièces de A. E. Korneichuk "The Front" et K. M. Simonov "Russian People" aient été publiées dans les journaux avec des rapports du Bureau des formulaires soviétiques sur la situation sur les fronts.
Les concerts de première ligne et les rencontres d'artistes avec les blessés dans les hôpitaux sont devenus la partie la plus importante de la vie artistique des années de guerre. Les Russes étaient très populaires chansons folkloriques interprété par L. A. Ruslanova, pop - interprété par K. I. Shulzhenko et L. O. Utesov. Les chansons lyriques de K. Ya. Listov ("Dans la pirogue"), NV Bogoslovsky ("Dark Night"), MI Blanter ("Dans la forêt près du front"), qui sont apparus pendant les années de guerre, ont été largement utilisés à l'avant et à l'arrière. , V. P. Solovyov-Sedogo ("Nightingales").
Des chroniques de guerre sont diffusées dans tous les cinémas. Le tournage a été réalisé par des opérateurs dans des conditions de première ligne, avec un grand danger de mort. Le premier long métrage documentaire était consacré à la défaite des troupes nazies près de Moscou. Ensuite, les films "Leningrad on Fire", "Stalingrad", "People's Avengers" et plusieurs autres ont été créés. Certains de ces films ont été projetés après la guerre lors des procès de Nuremberg comme preuves documentaires des crimes nazis. 
Culture artistique de la seconde moitié du XXe siècle. Après la Grande Guerre patriotique, de nouveaux noms sont apparus dans l'art soviétique, et à partir du tournant des années 50 et 60. de nouvelles orientations thématiques ont commencé à se former. Dans le cadre de l'exposition du culte de la personnalité de Staline, le dépassement de l'art franchement "vernissant", qui était particulièrement caractéristique des années 30 et 40, a eu lieu.
Depuis le milieu des années 50. La littérature et l'art ont commencé à jouer dans la société soviétique le même rôle éducatif qu'ils jouaient dans Russie XIX- le début du XXe siècle. L'extrême tension idéologique (et censurée) de la pensée sociopolitique a contribué au fait que la discussion de nombreux problèmes de société a été transférée à la sphère de la littérature et critique littéraire. Le nouveau développement le plus significatif a été la réflexion critique sur les réalités de l'époque de Staline. Les publications au début des années 60 font sensation. œuvres d'A. I. Soljenitsyne ("Un jour dans la vie d'Ivan Denisovitch", histoires) et A. T. Tvardovsky ("Terkin dans l'Autre Monde"). Avec Soljenitsyne est entré dans la littérature thème du camp, et le poème de Tvardovsky (ainsi que les poèmes du jeune E. A. Yevtushenko) ont marqué le début d'une attaque artistique contre le culte de la personnalité de Staline. Au milieu des années 60. Au XVIIIe siècle, le roman de M. A. Boulgakov Le Maître et Marguerite, écrit avant la guerre, est publié pour la première fois, avec son symbolisme religieux et mystique, qui n'est pas caractéristique de la littérature soviétique. Cependant, l'intelligentsia artistique subissait encore les diktats idéologiques du parti. Ainsi, B. Pasternak, qui a reçu prix Nobel pour le roman anti-soviétique déclaré "Docteur Jivago", a été contraint de l'abandonner.
La poésie a toujours joué un rôle important dans la vie culturelle de la société soviétique. Dans les années 60. poètes d'une nouvelle génération - B. A. Akhmadoulina,
A. A. Voznesensky, E. A. Yevtushenko, R. I. Rozhdestvensky - avec leur citoyenneté et leur orientation journalistique, les paroles sont devenues des idoles du public lecteur. Les soirées poétiques à Moscou Musée Polytechnique, palais des sports, supérieur les établissements d'enseignement.
Dans les années 60-70. apparu prose militaire"nouveau modèle" - livres de V. P. Astafyev ("Starfall"), G. Ya. Baklanov ("Les morts n'ont pas honte"), Yu. V. Bondarev ("Hot snow"), B. L. Vasiliev (" Et les aurores ici sont calmes...), KD Vorobyeva ("Tué près de Moscou"), VL Kondratiev ("Sasha"). Ils reproduisent l'expérience autobiographique d'écrivains qui sont passés par le creuset de la Grande Guerre patriotique, traduisent l'impitoyable cruauté de la guerre qu'ils ressentent, analysent ses leçons de morale. Dans le même temps, la direction de la soi-disant prose villageoise s'est formée dans la littérature soviétique. Il était représenté par les œuvres de F. A. Abramov (la trilogie "Pryasliny"), V. I. Belov ("Histoires de charpentier"), B. A. Mozhaev ("Hommes et femmes"), V. G. Rasputin ("Vivre et se souvenir", "Adieu à Matera" ), VM Shukshin (histoires "Villageois"). Les livres de ces écrivains reflétaient l'ascèse du travail dans l'armée lourde et années d'après-guerre, les processus de dépaysantisation, la perte des traditions spirituelles et valeurs morales, l'adaptation complexe du rural d'hier à la vie urbaine.
Contrairement à la littérature des années 1930 et 1940, les meilleures œuvres en prose de la seconde moitié du siècle se distinguaient par leur complexité modèle psychologique, le désir des écrivains de pénétrer au plus profond l'âme humaine. Telles sont, par exemple, les histoires « moscovites » de Yu. V. Trifonov (« Exchange », « Another Life », « House on the Embankment »).
Depuis les années 60. sur le scènes de théâtre des performances basées sur des pièces pleines d'action de dramaturges soviétiques (A. M. Volodin, A. I. Gelman, M. F. Shatrov) sont apparues et le répertoire classique dans l'interprétation de réalisateurs innovants a acquis un son réel. Telles étaient, par exemple, les productions des nouveaux théâtres Sovremennik (dirigés par O. N. Efremov, puis G. B. Volchek), le Taganka Drama and Comedy Theatre (Yu. P. Lyubimov).
Les principales tendances du développement de la culture post-soviétique. Une des caractéristiques du développement culture russe tournant des XX-XXI siècles. est sa désidéologisation et le pluralisme de la recherche créative. Dans l'élite fiction Et beaux-Arts Dans la Russie post-soviétique, les œuvres de la direction avant-gardiste sont apparues au premier plan. Ceux-ci incluent, par exemple, des livres de V. Pelevin, T. Tolstoy, L. Ulitskaya et d'autres auteurs. L'avant-gardisme est également la tendance prédominante en peinture. Dans le théâtre domestique moderne, les productions du réalisateur R. G. Viktyuk sont imprégnées du symbolisme du principe irrationnel chez une personne.
Depuis la période de la "perestroïka" a commencé à surmonter l'isolement de la culture russe de la vie culturelle des pays étrangers. Résidents de l'URSS, et plus tard Fédération Russe ont pu lire des livres, voir des films qui leur étaient auparavant inaccessibles pour des raisons idéologiques. De nombreux écrivains qui avaient été privés de citoyenneté par les autorités soviétiques sont retournés dans leur patrie. Un espace unique de la culture russe a émergé, réunissant écrivains, artistes, musiciens, réalisateurs et acteurs, quel que soit leur lieu de résidence. Ainsi, par exemple, les sculpteurs E. I. Neizvestny (un monument funéraire à N. S. Khrouchtchev, un monument aux victimes des répressions staliniennes à Vorkouta) et M. M. Shemyakin (un monument à Pierre Ier à Saint-Pétersbourg) vivent aux États-Unis. Et les sculptures de V. A. Sidur, qui vivait à Moscou («À ceux qui sont morts de la violence», etc.), ont été installées dans les villes d'Allemagne. Les réalisateurs N. S. Mikhalkov et A. S. Konchalovsky réalisent des films tant au pays qu'à l'étranger.
L'effondrement radical du système politique et économique a conduit non seulement à libérer la culture des carcans idéologiques, mais a également rendu nécessaire une adaptation à la réduction, voire parfois à la suppression totale des financements de l'État. La commercialisation de la littérature et de l'art a conduit à la prolifération d'œuvres qui n'ont pas une grande valeur artistique. D'autre part, même dans les nouvelles conditions, les meilleurs représentants de la culture se tournent vers l'analyse des problèmes sociaux les plus aigus, à la recherche de voies d'amélioration spirituelle de l'homme. Ces œuvres incluent, en particulier, les œuvres des réalisateurs V. Yu. Abdrashitov («Dancer's Time»), NS Mikhalkov («Burnt by the Sun», «The Barber of Siberia»), VP Todorovsky («Country of the Deaf ”) , S. A. Solovieva ("Âge tendre"). 
Art musical. Les représentants de la Russie ont apporté une contribution majeure au monde culture musicale XXe siècle. Les plus grands compositeurs, dont les œuvres ont été jouées à plusieurs reprises dans salles de concert et des opéras dans de nombreux pays du monde, étaient S. S. Prokofiev (œuvres symphoniques, l'opéra "Guerre et Paix", les ballets "Cendrillon", "Roméo et Juliette"), D. D. Chostakovitch (6e symphonie, opéra "Lady Macbeth du District de Mtsensk »), AG Schnittke (3e symphonie, Requiem). Les productions d'opéra et de ballet étaient mondialement connues Théâtre Bolchoïà Moscou. Sur sa scène, il y avait à la fois des œuvres du répertoire classique et des œuvres de compositeurs Période soviétique- T. N. Khrennikova, R. K. Shchedrin, A. Ya. Eshpay.
Toute une constellation de musiciens et chanteurs d'opéra talentueux qui ont acquis une renommée mondiale ont travaillé dans le pays (pianistes E. G. Gilels, S. T. Richter, violoniste D. F. Oistrakh, chanteurs S. Ya. Lemeshev, E. V. Obraztsova) . Certains d'entre eux n'ont pas pu accepter la dure pression idéologique et ont été contraints de quitter leur patrie (le chanteur G. P. Vishnevskaya, le violoncelliste M. L. Rostropovich).
Les musiciens qui jouaient de la musique jazz subissaient également une pression constante - ils étaient critiqués comme adeptes de la culture "bourgeoise". Néanmoins, les orchestres de jazz dirigés par le chanteur L. O. Utyosov, le chef d'orchestre O. L. Lundstrem et le brillant improvisateur-trompettiste E. I. Rozner ont acquis une immense popularité en Union soviétique.
Le plus commun genre musicalétait une chanson pop. Les œuvres des auteurs les plus talentueux, qui ont réussi à surmonter l'opportunisme momentané dans leur travail, sont finalement devenues partie intégrante de la culture du peuple. Il s'agit notamment de « Katyusha » de M. I. Blanter, « The Volga Flows » de M. G. Fradkin, « Hope » de A. N. Pakhmutova et bien d'autres chansons.
Dans les années 60. dans une vie culturelle La société soviétique a inclus la chanson de l'auteur, dans laquelle les débuts professionnels et amateurs se sont fermés. Le travail des bardes, qui se produisaient, en règle générale, dans un cadre informel, n'était pas contrôlé par les institutions culturelles. Dans les chansons interprétées à la guitare par B. Sh. Okudzhava, A. A. Galich, Yu. Le travail créatif de V. S. Vysotsky, qui combinait les talents d'un poète, d'un acteur et d'un chanteur, était rempli d'un puissant pathos civique et d'une grande variété de genres.
Il a reçu un contenu social encore plus profond dans les années 70-80. Musique rock soviétique. Ses représentants - A. V. Makarevich (groupe "Time Machine"), K. N. Nikolsky, A. D. Romanov ("Resurrection"), B. B. Grebenshchikov ("Aquarium") - ont réussi à passer de l'imitation de musiciens occidentaux à des œuvres indépendantes qui, avec les chansons de bardes, étaient le folklore de l'ère urbaine. 
Architecture. Dans les années 20-30. l'esprit des architectes était occupé par l'idée de la transformation socialiste des villes. Ainsi, le premier plan de ce type - "Nouveau Moscou" - a été développé au début des années 1920. A.V. Shchusev et V.V. Zholtovsky. Des projets ont été créés pour de nouveaux types de logements - maisons communales avec services de consommation socialisés, bâtiments publiques- clubs ouvriers et palais de la culture. Le style architectural dominant était le constructivisme, qui prévoyait l'opportunité fonctionnelle de la planification, une combinaison de formes et de détails variés clairement définis géométriquement, la simplicité extérieure et l'absence de décorations. Les recherches créatives de l'architecte soviétique K. S. Melnikov (club nommé d'après I. V. Rusakov, sa propre maison à Moscou) ont acquis une renommée mondiale.
Au milieu des années 30. Dans les années 1990, le Plan général de reconstruction de Moscou a été adopté (réaménagement de la partie centrale de la ville, pose d'autoroutes, construction du métro), des plans similaires ont été élaborés pour d'autres grandes villes. Dans le même temps, la liberté de créativité des architectes était limitée par les instructions du «chef des peuples». La construction de structures pompeuses a commencé, reflétant, à son avis, l'idée de la puissance de l'URSS. L'aspect des bâtiments a changé - le constructivisme a été progressivement remplacé par le néoclassicisme "stalinien". Des éléments d'architecture classique sont clairement visibles, par exemple, dans l'apparition du Théâtre central de l'Armée rouge, stations de métro de Moscou.
Une construction grandiose s'est déroulée dans les années d'après-guerre. De nouvelles zones résidentielles ont surgi dans les vieilles villes. L'image de Moscou a été mise à jour en raison des "gratte-ciel" construits dans la zone du Garden Ring, ainsi que du nouveau bâtiment de l'Université sur les collines de Lénine (Sparrow). Depuis le milieu des années 50. La direction principale de la construction résidentielle est devenue la construction de logements en panneaux de masse. Les nouveaux bâtiments urbains, s'étant débarrassés des "excès architecturaux", ont acquis un aspect monotone et terne. Dans les années 60-70. de nouveaux bâtiments administratifs sont apparus dans les centres républicains et régionaux, parmi lesquels les comités régionaux du PCUS se sont démarqués par leur grandeur. Sur le territoire du Kremlin de Moscou, le Palais des Congrès a été construit, dont les motifs architecturaux sonnent dissonants dans le contexte du développement historique.
De belles opportunités pour travail créatif architectes a ouvert ses portes dans la dernière décennie du XXe siècle. Le capital privé, avec l'État, a commencé à agir en tant que client pendant la construction. Développer des projets pour des bâtiments d'hôtels, de banques, de centres commerciaux, d'installations sportives, architectes russes interpréter de manière créative l'héritage du classicisme, de la modernité, du constructivisme. La construction de manoirs et de chalets est de nouveau entrée en vigueur, dont beaucoup sont construits selon des projets individuels.
Deux tendances opposées ont été observées dans la culture soviétique: l'art politisé, vernissant la réalité, et l'art, formellement socialiste, mais, par essence, reflétant de manière critique la réalité (en raison de la position consciente de l'artiste ou du talent, surmontant les obstacles de la censure). C'est cette dernière direction (avec les meilleures oeuvres créé en exil) a donné des échantillons qui ont été inclus dans le fonds d'or de la culture mondiale.
V.O. Volobuev "La Russie et le monde".
SOCIETE PHILOSOPHIQUE RUSSE
SECTION "THÉORIE ET MÉTHODOLOGIE DE LA CRÉATIVITÉ"
DÉVELOPPEMENT DES SCIENCES
ET CRÉATIVITÉ
Monographie
Moscou 2002
Développement de la science et de la créativité. Monographie. Éd. UNE. Loshchilina, N.P. Français. M. : RFO RAN, 2002.
Sous la direction générale
Docteur en philosophie, Professeur A.N. Loschilina,
Docteur en philosophie, Professeur N.P. français
La monographie collective « Développement de la science et de la créativité » est la quatrième travail collectif, consacré à la généralisation systématique, à la présentation des idées et à l'expérience des membres de la section "Théorie et méthodologie de la créativité" du Présidium de la Société philosophique russe. Si la première monographie "Philosophie de la créativité" était consacrée aux problèmes théoriques et méthodologiques de la créativité, les deuxième et troisième "Créativité et développement de la culture", "La créativité dans l'espace et le temps de la culture" - à l'analyse du rôle de la créativité dans le développement de la culture, puis cette monographie examine les problèmes méthodologiques du développement de la science et de la créativité scientifique.
Le travail peut être utile pour les chercheurs sur les questions créatives, pour ceux qui s'intéressent aux problèmes de la créativité, pour les étudiants et les étudiants diplômés, ainsi que pour la préparation de cours et de cours spéciaux sur la philosophie de la culture, la philosophie de la créativité.
Réviseurs :
Docteur en philosophie, Professeur V.A. Titov,
Docteur en philosophie, Professeur V.A. Vasiliev
doctorat Aleshnya S.V. , Ph.D., Assoc. Grishunin S.I. (1.3.), Ph.D., prof. Ignatiev V.A. (1.8.), Candidat en sciences philologiques, Assoc. Kataeva O.V. (2.11.), Candidat en sciences philologiques, Assoc. Kononova L.I. (2.9.), Kapitonova T.A. (1.9.), Koroleva S.A. (2.4.), Ph.D., prof. Loshchilin A.N. (2.9.), Loshchilina M.A. (2.6., 2.7., 2.8., 2.9.), Ph.D., Lyubimova T.B. (2.5.), Ph.D. - MD, Assoc. Mikhailova E.M. (1.5.), Ph.D. Markelov V.E., Ph.D., prof. Metlenkov NF1.6.), Ph.D., Assoc. Nedzvetskaya E.A., Svetlov S.V. (1.7.), Ph.D., prof. Surkova L.V. (2.1.), Tikhomirova E.A. (2.9.), Ph.D., prof. Frantsuzova N.P. (1.1.), Ph.D., Assoc. Chelyshev P.V. (1.4.), Ph.D., prof. Yakovlev V.A. (1.2.), Ph.D., prof. Yatsenko L.V. (2.2.).
Ó russe académie des sciences,
Société philosophique russe,
Section "Théorie et méthodologie de la créativité"
AVANT-PROPOS
Dans cette monographie collective "Développement de la science et de la créativité", le travail de synthèse de l'expérience des études antérieures des membres de la section "Théorie et méthodologie de la créativité" se poursuit. La direction de la section s'est donné pour tâche de résumer certains résultats de la recherche scientifique menée par les membres de la section dans les années 80-90 du 20e siècle et au début du 21e siècle sur les problèmes du développement de la science et créativité scientifique, afin de résumer l'expérience et de formuler les principales tâches de recherche ultérieure dans le cadre de la section "Créativité théorique et méthodologique" du Présidium de la Société philosophique russe pour les années à venir.
Cette monographie collective s'inscrit dans la continuité du travail qui a été mené dans les monographies collectives précédentes : "Philosophie de la Créativité". M., 2002., "Créativité et développement de la culture." M., 2002., « La créativité dans l'espace et le temps de la culture ». M., 2002. Si les trois premières monographies étaient consacrées aux problèmes philosophiques de la créativité, au rôle de la créativité dans le développement de la culture, alors cet ouvrage est consacré aux problèmes du développement de la science, de la créativité scientifique, des problèmes méthodologiques de la création activité.
Au XXe siècle, surtout dans sa seconde moitié, des recherches approfondies ont été menées sur les problèmes de la créativité scientifique. Cela est dû, d'une part, au développement rapide de la science, ainsi qu'en lien avec les travaux fondamentaux de K. Popper, T. Kuhn, P. Feyerabend, L.A. Mikeshina, A.T. Shumilina, I.S. Ladenko, N.P. Frantsuzova, MS Kagan, Ya.A. Ponomareva, B.Ya. Pakhomov, S.N. Semenov et de nombreux autres chercheurs étrangers et nationaux du développement de la science et de la créativité scientifique. Des travaux fondamentaux sur les problèmes du développement de la science ont permis à bien des égards d'envisager d'une manière nouvelle le processus et l'essence des activités des scientifiques en tant que communauté scientifique, les changements évolutifs et révolutionnaires dans le développement de la science, le rôle d'un vision paradigmatique du monde, la formation image scientifique monde, le rôle du principe collectif dans le développement de la science et bien d'autres aspects. Mais en même temps, de nombreux facteurs de détermination interne et externe de la créativité scientifique, l'essence et le rôle des inclinations créatives et la créativité, les voies de leur formation et de leur développement. Il ne fait aucun doute que le développement de la science est assuré par la communauté scientifique. Mais toute communauté scientifique se compose d'équipes scientifiques, de personnes spécifiques avec certaines capacités, besoins et intérêts. Et, comme l'a noté Altshuller, même si un millier de creuseurs creusent un fossé, chacun le creuse à sa manière. À cet égard, la tâche d'étudier l'essence et les spécificités de la créativité non seulement collective, mais aussi individuelle se pose.
Les membres du comité de rédaction étaient loin d'être partiaux dans leur appréciation de certaines idées, dispositions théoriques, qui ont été reflétées dans certaines sections de cette monographie collective, même si les points de vue des auteurs divergent largement sur certaines questions.
Cette monographie collective ne prétend pas être une réponse globale et exhaustive à tous les problèmes de la science, et il est impossible de le faire en principe. Les auteurs ont tenté de révéler uniquement les aspects de la tâche qui sont actuellement les plus pertinents. Nous espérons continuer notre travail à l'avenir.
CRÉATIVITÉ ET DÉVELOPPEMENT DE LA SCIENCE.
Réfléchir à l'idée de culture, identifier les significations qu'elle contient conduit inévitablement à l'idée de créativité. L'idée de créativité est généralement beaucoup plus ancienne que l'idée de culture. Depuis des milliers d'années, la créativité a été appréhendée par l'homme de telle manière qu'elle n'avait rien de commun avec ce qui allait devenir plus tard la pensée de la culture. Le point ici est que l'idée de culture est inséparable de l'homme. Il n'apparaît vraiment que lorsqu'une personne commence à penser à tout ce qui existe à travers le prisme de ses propres efforts de transformation par rapport à la nature. L'idée de créativité, à partir de l'ère primitive et jusqu'à la Renaissance, était exclusivement corrélée aux êtres surhumains, aux dieux (Dieu). Une personne qui a fait des revendications créatives, a ainsi assumé les fonctions d'une divinité. Le magicien pouvait agir comme un être, dominant les éléments naturels, les subordonnant à ses propres fins. Mais c'est précisément pourquoi il a violé la mesure de l'humain, son activité n'était pas légale, le magicien a cherché à entrer dans la sphère de la réalité surhumaine, il était un rival des dieux, pour ainsi dire - un dieu imposteur. Lorsque, dans la nouvelle ère européenne (Renaissance et post-Renaissance), l'idée de créativité est associée à une personne, lorsqu'elle commence à se percevoir comme un créateur, alors seulement l'idée de culture surgit dans sa base. Au sens originel, l'idée de culture est l'idée de divinité humaine, l'auto-déification humaine. Et ce n'est pas du tout par hasard qu'à la Renaissance elle s'accompagne indissociablement de l'idée de la dignité divine de l'homme. Avant de sortir, de rendre sans pertinence toute idée sur Dieu, une personne se considérait, sinon directement comme Dieu, du moins dans Son rôle.
L'affirmation selon laquelle l'idée de créativité est très ancienne doit être comprise dans un sens limité. C'est ainsi et pas tout à fait. Si tout est réduit au schéma le plus général et le plus simple, alors pendant des milliers d'années, deux types d'idées sur la créativité ont dominé dans la conscience et le subconscient d'une personne. L'un et l'autre sont également insuffisants, en même temps qu'ils révèlent quelque chose d'essentiel dans l'acte créateur et ne l'obscurcissent pas moins.
Le premier d'entre eux, d'une manière ou d'une autre, identifie la créativité avec le principe génératif. D'abord, créer, c'est donner naissance. L'accouchement est au cœur de tout. Non seulement les mères donnent naissance à leurs enfants, des animaux - des petits. Le monde entier est un immense corps cosmique et tout ce qui surgit en lui, d'une manière ou d'une autre, est né du principe maternel. Deuxièmement, la créativité a été conçue comme une conception. Il semble que la différence ne soit pas significative ici, cela nous semble naturel : pour accoucher, il faut d'abord concevoir. Mais la conscience primitive archaïque n'identifiait pas directement conception et accouchement. Non seulement la naissance, mais aussi la conception étaient entièrement liées au principe maternel, le déplacement de l'accent sur la conception mettant en avant le principe masculin associé à l'activité, et non à la pure spontanéité.
Il convient de noter en particulier que dans de nombreuses mythologies, le thème de la créativité est associé à l'image de la mort, de la décadence, du démembrement d'une certaine intégrité originelle de l'être. Disons pour les Allemands, les Indiens, les Égyptiens, etc. le cosmos-monde est créé dans le processus de mise à mort et de division en parties de l'être primordial qui a précédé le monde.
Toutes les modifications répertoriées de l'idée de créativité ont une chose en commun: elles sont de nature naturaliste, la créativité en elles est un processus naturel.
Le deuxième type de conception de la créativité procède de l'assimilation de la créativité à l'activité productive de l'homme, bien que ses sujets soient des divinités. L'analogie avec la production artisanale est très courante : l'acte de créativité suppose intelligence, conception, habileté. C'est déjà un processus surnaturel. Une personne compare la créativité non pas à ce qui est en dessous de lui, mais à ce qui lui est égal en tant que personne. Il peut sembler que l'idée de la créativité en tant qu'activité productive soit plus adéquate que d'autres. Après tout, il exprime le moment de rationalité, la séquence d'actions, la fixation d'objectifs. Plus significatif, cependant, est que les deux types d'idées sur la créativité sont unies par l'essentiel. Dans les deux cas, le nouveau (et la créativité est toujours porteuse de nouveauté et d'unicité) est en quelque sorte présent d'avance. Soit quelque chose d'embryonnaire se révèle dans son intégralité - le premier type de représentations, soit le produit de la créativité est réduit à la combinatoire du préexistant (l'idée dans la tête du créateur, son savoir-faire, la matière de l'activité transformatrice) - le second type de représentations.
Comme vous pouvez le voir, l'original images mythologiques la créativité qui y est la plus essentielle n'est pas saisie. Ils ne répondent pas aux questions principales : d'où vient le créé, qu'est-ce que la création de l'inexistant auparavant, comment s'effectue le processus de transition de l'inexistence à l'existence ? La réponse à ces questions n'a pas été trouvée en dehors des idées mythologiques - ni la philosophie ni les connaissances scientifiques. Les études culturelles ne font pas exception ici.
Et la question n'est pas dans l'imperfection du philosophique ou savoir scientifique. Il faut être conscient du fait que le thème et l'image de la créativité, étant primordialement associés au monde divin, étaient ainsi pensés et présentés comme quelque chose de surnaturel. Dans toute religion, Dieu ou les dieux sont incompréhensibles du fait qu'il existe un abîme entre la réalité divine et la réalité humaine. En conséquence, la créativité en tant qu'attribut d'une divinité est également incompréhensible. Après tout, la créativité et la création sont l'adresse de Dieu au monde, qui aboutit à l'émergence, avec la réalité surnaturelle-divine, de la réalité naturelle-naturelle. Le résultat de l'émergence d'une personne est donné, les fins du processus sont devant ses yeux et entre ses mains, mais les débuts, les origines se perdent dans une hauteur inaccessible monde divin. Une personne ne peut les atteindre qu'en devenant Dieu. Si une personne n'a aucune prétention à l'auto-déification, pour elle l'idée de l'incompréhensibilité de la créativité sera toujours préservée. Telle en est, en particulier, dans le christianisme.
La vision chrétienne de la créativité est une compréhension de celle-ci en tant que création. Dieu crée le monde à partir de rien, à partir du pur néant absolu. Dès que le christianisme fait une concession et admet au moins d'une manière ou d'une autre que Dieu crée à partir de lui-même (disons, à partir d'idées éternellement présentes en lui) ou à partir d'un semblant de matière première, une sorte de réalité qui existe en dehors de Dieu, et les fondements mêmes de la doctrine chrétienne sera ébranlée. Parallèlement à la question trinitaire (la trinité de Dieu) avec le problème de la nature divino-humaine du Christ, l'idée de la création à partir de rien est à la base des fondements du christianisme. Dans le Credo, la naissance et la création sont divorcées. Dieu ne crée que Dieu. Il est Son Fils. Les gens sont créés par la nature, ils sont nés en Dieu par grâce.
Mais si vous comprenez et réfléchissez clairement à l'idée de création à partir de
rien n'est possible, alors tu peux t'approcher, le sentir quelques instants
présence. ET jjin^o.^ceu^qHaji^BrvicKaej^^JuQSb- prvdёdZ§l^éternel.
Vous pouvez dire "th ~ comme ceci : cou_t<^нешъ^&^ше\^шшшне\л^гпуб\лне
identique*
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la stupéfaction n'a pas du tout fasciné ou paralysé l'esprit et la volonté d'un chrétien. L'idée de création est si incroyablement riche et inépuisable dans ses conséquences, elle ouvre de tels horizons pour une personne, elle imprègne tellement le monde de vie et de sens qu'il suffit amplement d'en découler et de ne pas le regarder , affolé par une tension impuissante.
A la base de la créativité humaine se trouvent les mêmes actes d'objectivation (incarnation) et de pdépridmarkirovaniya (désincarnation). De même, bien qu'à leur manière, les deux sont créatifs, bien qu'au niveau ordinaire nous appelions habituellement créativité principalement ou même exclusivement l'acte d'objectivation. Lorsque l'unicité humaine du monde intérieur devient un être extérieur, une nouvelle réalité objective, jusque-là non antérieure, d'une œuvre d'art ou d'un texte philosophique, la créativité dans ce cas n'est rien de plus qu'un changement dans la manière d'être individu-personnel. Du monde fluide et mobile des images, des idées, des idées, il passe dans une forme figée, séparée de la première personne. La créativité^v^_t^1^s^]^s^o^commence non seulement^ko_p^r^^od,_ox_shU1Vennogo état^o^externe, mais aussi clarification, ordonnancement, harmonisation de ce qui était \ monde intérieur ^_tv£rtsak_Pour l'idée de culture, il est évident "|Gv1azhZh^^ ^homme" comme Ttv^schuu~ en puissance. L'idée de culture ne connaît pas la division immuable des peuples selon le principe « d'appartenir ou de ne pas appartenir à la culture ». Qj-1 c'est ici l'universalité de la nature créatrice de l'homme. que la nature créatrice de l'homme dans la grande majorité des cas n'est pas actualisée.Les créateurs potentiels ne révèlent pas son monde intérieur unique, il ne devient pas une œuvre, restant un état d'esprit, amorphe et peu clair.Probablement la preuve la plus impressionnante de la nature créative d'une personne sont des rêves.Pour beaucoup de gens, ils représentent le domaine de l'harmonie, des sons, des couleurs, des lignes.Leur différence des œuvres de génie en un.Ces rêves ne deviennent pas
ils sont immergés dans la réalité objective, restant un accessoire de la vie intérieure et spirituelle d'une personne.
La créativité en tant qu'objectivation peut être désignée comme productive, à laquelle s'ajoute, bien que cela soit moins évident, la créativité en tant qu'auto-création. Il est basé sur la déconstruction (développé p ^ g Vsht & ^ ac ^ - v préfiguration (par exemple, lecture d'un livre), une personne fait de sa propriété intérieure le monde intérieur d'une autre personne précédemment objectivée dans le texte. En conséquence, il est littéralement taodite. Ce n'est qu'en contraste avec le productif ^ gO "tv" op ^ "essence ^ nag Gravé_pas_dehors_, mais à l'intérieur_S£mrgo d'une personne, qu'il crée. hamo1O.s^bya. Après tout, le même livre lu S'il est vraiment lu, quelque chose des changements dans le monde intérieur d'une personne, il y a un changement dans sa vision du monde, des cordes spirituelles auparavant malsaines sont affectées, etc.
Outre les deux types de créativité mentionnés, productif et autocréatif, le moment créatif apporte également la communication (communication). Dans le processus de communication, les gens ^o1d^yuTmperpes créent ee1ya "Et-ceux avec qui ils communiquent. La communication comprend des moments d'objectivation et de désobjectivation, avec la seule caractéristique qu'ils passent continuellement l'un dans l'autre. Ainsi, dans une conversation en tant que type de communication, la parole (objectivation) devient directement l'état de celui à qui elle s'adresse, c'est-à-dire désobjectivée, devenant le monde intérieur de l'interlocuteur.
La communication non seulement peut être et est créativité, mais rend également, oh "tpfit/iftdes ;^ yoytsYayyshhe plus d'influence ffa ■■ "ami Utsshdg jnnjv4(*bxfta_Qfipa L'attention portée au matériel historique et culturel indique que la créativité prbd-éducative ne forme trop souvent que la pointe de l'iceberg, dont la partie sous-marine est la créativité en tant que communication. Des percées créatives au cours des siècles et même des millénaires ont été réalisées à travers les activités des communautés culturelles qui sont inconcevables sans une communication continue, cercles, canojbLOB, syndicats, confréries, etc. Les académies platoniciennes et florentines, le cercle des romantiques d'Iéna, l'association "Monde de l'art" - dans toutes ces petites communautés plus ou moins fermées, il s'est passé à peu près la même chose. Au préalable, ce qui a été dit, précisé, a mis en lumière ce qui est devenu plus tard le produit de l'activité d'un seul créateur. Bien sûr, il ne s'est pas contenté d'écrire, de mémoriser, mais en tout cas, dans le processus de communication, quelque chose d'une importance décisive a été stimulé et initié en lui. Ce qui, hors de la communauté, serait demeuré une obscurité spirituelle, quelque chose qui ne s'est pas concrétisé dans l'acte de se révéler et de s'exprimer. Par conséquent, très souvent, un créateur individuel n'est pas du tout un sujet de créativité autonome et fermé. Il est plutôt un concepteur, un finisseur, un interprète de ce qui a surgi ensemble dans le processus de communication.
Pour comprendre l'essence de la créativité, il est très important de prendre en compte le fait qu'elle coïncide non seulement avec la culture, en forme le noyau, mais que des contradictions entre la culture créative sont possibles et existent réellement. Pour les clarifier, revenons une fois de plus à l'idée de culture.
Jusqu'ici, parlant de la culture dans sa séparation d'avec la nature, de la culture comme unité d'objectivation et de désobjectivation, nous avons laissé de côté le fait que l'existence de la culture présuppose la disposition harmonieuse de l'homme. En tant que sujet de culture, dans ses efforts de transformation, une personne crée une "seconde nature" (la sienne et extérieure, l'entourant) comme une harmonie supérieure, par rapport à l'harmonie purement naturelle. Après tout, l'idée de culture ne surgit que lorsqu'une personne se sent non seulement comme un créateur, mais aussi comme un être capable de créer un monde plus sublime et plus beau que celui qu'il trouve.
C'est précisément sur le point d'harmonie que les contradictions les plus aiguës entre créativité et culture sont possibles.
en des mots, à l'incarnation de la plus haute vérité, bonté et beauté dans le produit de la créativité - c'est l'homme lui-même dans son incarnation objective, surtout dans la dimension de l'activité. Du point de vue de la culture, une personne ne peut pas être complètement subordonnée à ce qu'elle crée, à ce qu'elle objective dans le produit. Peu importe à quel point de grandes œuvres sont créées, elles sont créées pour une personne et n'ont aucun sens en dehors de lui. De plus, ils doivent contribuer à son développement harmonieux et global - telle est l'exigence de la culture par rapport à la créativité, tel est l'idéal culturel. Une autre question est de savoir dans quelle mesure cela est réalisable pour une personne créativement productive. Pas dans tout, pas toujours et pas pour tout le monde. Tournons-nous vers les témoignages des créateurs eux-mêmes. Tous deux ne sont pas seulement les plus grands écrivains du XXe siècle, mais aussi des personnes qui se sont penchées sur le problème de la créativité.
La première caractéristique de la créativité appartient à V. Nabokov. "J'ai remarqué plus d'une fois", écrit V. Nabokov dans son roman autobiographique "Other Shores", que dès que je donne à un personnage fictif une bagatelle vivante de mon enfance, il commence à s'estomper et à s'effacer dans ma mémoire. transféré avec succès à l'histoire crumble dans l'âme, il est complètement silencieux, comme dans une explosion dans un cinéma muet" 1 . Essayons de traduire la prose chassée de Nabokov dans la langue des études culturelles. "Donnez à un personnage fictif une bagatelle vivante de votre enfance" - après tout, c'est pour objectiver, objectiver votre monde intérieur dans son aspect unique, personnel et intime. "Des maisons entières s'effondrent dans l'âme." Est-ce à dire que l'objectivé cesse d'être mon monde intérieur ? Il est émacié et amaigri. Dans l'âme il y a des échecs de non-existence. Où est le développement harmonieux et global du créateur dans le processus et le résultat de la créativité ? Il n'est pas. Il y a l'existence de la culture pour l'autre, pour le lecteur. Il aura sans doute un acte de désobjectivation créé par un grand écrivain russe.
La deuxième preuve de créativité dans sa corrélation avec la culture est contenue dans la lettre de T. Mann au chercheur de son travail: «Non sans un geste de déni timide, je remarque parfois, par exemple, que sur la base de mes livres, ils me considèrent un esprit carrément universel, un homme au savoir encyclopédique. Illusion tragique. En fait, pour un écrivain... un mondialement connu, incroyablement inculte. À l'école, je n'ai rien appris d'autre que la lecture et l'écriture, une petite table de multiplication et un peu Latin Tout le reste, je l'ai rejeté avec une obstination stupide et j'ai été considéré comme un paresseux invétéré - prématurément, car plus tard j'ai fait preuve d'une excellente diligence lorsqu'il était nécessaire d'apporter une base scientifique à toute œuvre poétique, c'est-à-dire d'acquérir des connaissances positives afin de les battre littéraires . .. J'ai donc été tour à tour médecin et biologiste instruit, orientaliste averti, égyptologue, mythologue et historien des religions, spécialiste de la culture et de la poésie médiévales, etc. seul le travail pour lequel j'ai fait tant de dépenses scientifiques est terminé et mis de côté, j'oublie à une vitesse incroyable tout ce que j'ai appris pour ce cas et la tête vide je reste dans une pitoyable conscience de ma complète ignorance, si bien qu'on peut imaginer le rire amer avec lequel il répond à ces louanges ma conscience" 1 . Tenons compte du fait que dans la lettre de T. Mann, il y a une certaine dose d'autodérision et d'exagération. De plus, ce qu'il exagère doit être pris au sérieux.
Tout d'abord, l'attention est attirée sur le fait que l'écrivain allemand a un motif similaire à Nabokov : la créativité-objectivation dévaste l'artiste lorsque, après avoir créé une œuvre, il « oublie tout ce qu'il a appris avec une vitesse incroyable » et « reste dans le misérable conscience de sa complète ignorance. Mann a également des accents supplémentaires. Ainsi, il sonne clairement le motif de l'incompatibilité de la créativité avec l'universalisme, c'est-à-dire développement complet de l'individu. Et un autre motif: une personne est rivée à sa créativité, la créativité le contrôle, et non il possède la créativité. L'homme est soumis à un pouvoir extérieur à lui. Et cela est déjà incompatible avec l'idéal d'auto-direction et la plus haute valeur de l'individu, si importante pour l'idée de culture. Cet idéal est ébranlé et miné par l'acte créateur. Si vous posez la question la plus simple, qu'est-ce qui est préférable - "emporter tout avec vous", sentir la présence des connaissances, des idées, des images acquises par l'éducation, ou les oublier à chaque fois, en les donnant à l'incarné dans le travail, alors du point de vue de la culture, il est également important à la fois: à la fois la richesse intérieure de l'individu et sa réalisation dans un produit créatif. T. Mann a exprimé une expérience différente, l'expérience de l'oubli, et donc de la mort de l'âme, car la vie d'une personne consiste également en des impressions momentanées, ici et maintenant durables et en la capacité de se souvenir et de se remémorer.
Comme on l'a déjà noté, la contradiction entre créativité productive et culture est d'origine relativement récente. Elle est particulièrement aiguë au XXe siècle. On peut l'attribuer à l'un des symptômes de la crise de la culture. Mais il y a eu des époques qui n'ont pas connu cette crise. En particulier, parce que la créativité-objectivation productive était plus équilibrée par la créativité-auto-création et la créativité-communication. Le Créateur lui-même n'a pas réduit sa vie à l'objectif écrasant d'incarner son monde intérieur, mais s'est efforcé de vivre de manière holistique et diversifiée. De plus, souvent la créativité-l'auto-création ou, comme on disait au siècle dernier, «l'auto-amélioration» n'était pas moins, sinon plus, valorisée que la productivité.