Même à l'époque védique c. En Inde, les représentations théâtrales ont été jouées par le ciel. Au début de notre ère, les premiers petits locaux théâtraux sont apparus dans le pays. Ils n'avaient pas de décor, les accessoires de théâtre étaient extrêmement pauvres, ils étaient remplacés par d'autres conventions artistiques : une certaine démarche, des mimiques, des gestes.

Une grande attention a été accordée à la conception musicale des performances. Cependant, contrairement aux performances indiennes modernes, qui, selon les amateurs de théâtre européens, sont sursaturées de chant, dans les anciens monologues et dialogues indiens, les artistes récitaient ou chantaient, mais ne chantaient pas. Une caractéristique notable de l'ancien théâtre indien était. Son penchant pour le mélodrame et le pathétique est inhérent à l'art théâtral actuel du pays. Les intrigues tragiques n'étaient pas autorisées sur scène pour les raisons qu'il y a assez de tragique dans la vraie vie.

Le théâtre était extrêmement populaire en. Ancien. L'Inde, en particulier parmi l'intelligentsia, mais la profession d'artiste n'appartenait pas au prestigieux, était considérée comme "méchante", les artistes eux-mêmes étaient des Shudras

Les anciens Indiens ont créé une série instruments de musique, dont la plus courante était similaire à l'ancienne lyre à vin égyptienne. Les musiciens jouaient également de la flûte, d'autres instruments à anches et à percussion.

Il s'est développé en Ancien. L'Inde a aussi l'art du chant. Le chant était le plus souvent une variation d'une simple mélodie, réduite littéralement à une seule phrase musicale.

L'art indien de la danse a peu changé au cours des siècles.

Dans les danses anciennes, le rythme musical et les gestes jouaient également le rôle principal, et presque toutes les parties du corps du danseur ou du danseur participaient à la danse, un petit mouvement du petit doigt ou des sourcils racontait toute l'histoire à l'initié dans les secrets de cet art. L'art de la danse indienne est très complexe. Il a fallu des années de travail acharné pour le maîtriser.

Classement du théâtre indien

Dans la culture indienne, il existe une division du théâtre en plusieurs types :

• Populaire. Ce type d'art scénique avait un scénario basé sur l'épopée et la mythologie indienne. Métier d'acteur pas respecté en Inde. Cela est dû au fait que l'artiste a dépeint les dieux d'une manière drôle et obscène. Les acteurs ont été humiliés et considérés comme les couches inférieures de la société. Mais pour acquérir la maîtrise de ce métier, il fallait être une personne assez instruite ;

• Courtisan. Des représentations ont eu lieu dans les cours de la noblesse à des fins de divertissement.

Les troupes de théâtre indiennes comprenaient à la fois des hommes et des femmes. Ils erraient constamment de ville en ville, donnant des spectacles aux gens.

Les principaux éléments des productions théâtrales en Inde étaient la danse et la musique. Toutes les actions des participants à la performance étaient subordonnées aux sons de la musique. La danse est la base de tout le théâtre indien. Il doit son origine aux danses rituelles qui, après s'être développées et améliorées, sont devenues exactement ce que nous voyons aujourd'hui.

Particulièrement populaire en Inde théâtre national kathakali, originaire du sud de ce pays. Le Kathakali est basé sur un rituel religieux, et la musique instrumentale, les expressions faciales et les gestes ne sont qu'un ajout. Ce genre d'art théâtral a plusieurs caractéristiques. Premièrement, il commence toujours au coucher du soleil, et deuxièmement, il dure au moins six heures.

Le théâtre indien est les plus anciens théâtres monde : sa théorie et sa pratique se sont développées autour du IIe siècle. avant JC e. Il est non seulement original, mais il a aussi porté cette originalité à travers l'épaisseur des siècles. La maîtrise du théâtre classique indien est si filigrane qu'il est presque impossible pour les représentants d'autres pays et peuples de le maîtriser.

De manière générale, le théâtre indien en termes historiques et factuels peut être divisé en drame sanskrit classique, théâtre folklorique et théâtre de norme européenne.

Il y a une opinion que le drame sanskrit classique est dans une certaine mesure lié à l'art grec classique, qui a pénétré en Inde à la suite de la campagne d'Alexandre le Grand (la toile de fond sur la scène du théâtre lors de la formation de la poésie sanskrite classique s'appelait " yavanika", c'est-à-dire "grec"). Mais il n'y a aucune preuve directe de cela. Quoi qu'il en soit, mais au IIe siècle. avant JC e. l'œuvre fondamentale du sage Bharata «Traité sur l'art théâtral» («Natyashastra») apparaît, qui traite de questions telles que les moyens artistiques et expressifs du rituel et mise en scène, y compris les mouvements et les chants, l'accompagnement musical des danses et des chants, la description des instruments de musique, les principes de création œuvres dramatiques, la théorie de la versification, l'histoire des arts du spectacle, etc. Natyashastra a été écrit en forme poétique distique.

drame classique (attaque) avait dix variétés canoniques:

1) en fait attaque de une intrigue tirée de légendes populaires;

2) prokarana avec une intrigue inventée ou révisée par l'auteur ;

3) samvakara avec une intrigue tirée de légendes sur les dieux et les démons;

4) ihmrita avec une histoire empruntée ou partiellement composée par l'auteur sur un héros qui cherche à s'unir à sa bien-aimée;

5) dima s une histoire empruntée sur diverses créatures mythologiques;

6) vyyoga - un drame en un acte avec une intrigue empruntée de contenu comique ou érotique;

8) prahasana - pièce en un acte- une farce avec une intrigue de la vie quotidienne;

10) avec salut - une pièce en un acte qui diffère du bhana par le nombre d'interprètes (deux ou trois).

Considéré comme le premier dramaturge indien Ashwaghoshu(IIe siècle ap. J.-C.). Mais le drame classique a atteint sa plus grande floraison sous calitiret(IVe siècle ap. J.-C.). En plus de Kalidasa, les noms de cinq dramaturges plus célèbres sont donnés : Shudraka, Harsha, Visakhadatta, Bhasa et Bhavabhutna.

Le drame classique a atteint son apogée aux IVe-Ve siècles. n.m. e. Vers le 8ème siècle elle est tombée en désuétude. Cependant, même aujourd'hui, le plus ancien théâtre traditionnel du Kerala continue de vivre. qudiyat-là, tout en maintenant son école de formation d'acteurs.

Le théâtre folklorique est un autre phénomène spécifique de l'art théâtral indien. Très probablement, il est apparu comme une sorte de synthèse du drame classique, patronné par les dirigeants, et des mystères folkloriques, soutenus par le peuple.

Le théâtre de style européen en Inde a ses propres spécificités qui le distinguent des théâtres européens dans notre compréhension du mot. Il n'y a pas d'opéra, de ballet ou de théâtre fixe en Inde. théâtres dramatiques avec leur troupe permanente, leur vaste répertoire et leurs nombreuses années d'existence.

Le théâtre indien de type européen est hétérogène, extrêmement instable en termes de troupe d'acteurs et de répertoire. Selon les Indiens, la date réelle de la fondation du théâtre de style européen en Inde est 1831, lorsque Prasanna Kumar Thakur a ouvert le théâtre hindou (Hindu Rangmanch) à Calcutta, mettant en scène une traduction anglaise du drame sanskrit Uttar Ramcharitam du dramaturge Bhavbhuti (7e siècle après JC).

Dans les premiers théâtres européens, seules des pièces anglaises étaient jouées et uniquement pour les Anglais (l'entrée des Indiens était interdite). Cependant, en 1852, la première "Parsi Theatre Company" a été fondée, et bien que les représentations de ces compagnies et de certaines autres compagnies de théâtre soient principalement en anglais pour attirer un public anglophone, leur contenu était basé sur le matériel de la littérature classique indienne.

un rôle particulier dans le développement théâtre contemporain joué par la communauté Parsi, qui a dominé les affaires théâtrales pendant presque tout le XIXe siècle. Le théâtre Parsi aspirait à devenir un théâtre de masse, il mettait donc en scène des pièces qui répondaient aux intérêts du grand public indien. Parallèlement aux pièces en prose, des drames musicaux ont également été mis en scène. Le matériel littéraire des premières pièces laissait beaucoup à désirer. Ils regorgeaient parfois d'épisodes naturalistes, lorsqu'ils étaient coupés sur scène, coupés de têtes et raccrochés. De plus, les personnages des pièces se suicidaient souvent. De tels mélodrames sanglants ressemblaient à des films d'horreur modernes et poursuivaient les mêmes objectifs - chatouiller les nerfs du public. Cependant, avec l'avènement d'auteurs dont la langue maternelle était l'ourdou (les représentations du théâtre Parsi étaient en langue gujarati), il y a eu une amélioration notable du contenu littéraire des pièces.

Une place particulière dans la vie théâtrale de l'Inde est occupée par la dramaturgie musicale et poétique de R. Tagore, qui a essayé de combiner le drame indien traditionnel avec son accompagnement musical canonique avec des éléments de musique occidentale, introduisant la mélodie de la marche dans son premier pièce de théâtre, Le Génie de Valmiki (la première eut lieu en 1881), qui devint le leitmotiv de l'action. Dans la pièce de Tagore, pour la première fois dans l'histoire du théâtre indien, une fille de haute caste (la nièce de Tagore) jouait le rôle féminin. Dans le même ordre d'idées, R. Tagore a écrit plusieurs autres drames, dont certains figurent encore au répertoire des théâtres indiens, notamment bengalis.

Selon les experts, la dramaturgie indienne moderne s'est concentrée sur la mise en lumière des questions suivantes : les principaux problèmes de l'existence humaine en Inde, le déclin des mœurs et des mœurs, la relation des individus dans la société moderne. Dans certains endroits, il y a une fusion du théâtre folklorique et moderne. Les pièces de théâtre en langues régionales font tomber les barrières linguistiques et deviennent un événement pan-indien. Il y a aussi des dramaturges talentueux qui écrivent en anglais. Ainsi, la pièce a reçu une reconnaissance internationale Manjuly Padmanabhan"Pain amer" ("BitterHarvest").

Malgré les nombreuses difficultés existantes, le théâtre indien moderne vit et se développe sans aucun doute.

Un des styles les plus anciens bharat natya est venu à nous grâce à devasi - danseurs du temple qui ont consacré leur vie à la divinité. Au fil du temps, la danse est devenue un moyen de divertissement pour l'aristocratie féodale, et le nom "devasi" est devenu synonyme de courtisane. La danse était une combinaison nritya(récit de danse) et snritta(la danse dans sa forme la plus pure). Puis un intermède a été joué ( paddam), dans lequel le danseur transmet par des gestes le contenu de la chanson interprétée en sanskrit. La polyphonie sémantique de l'intermède est née de la répétition par le chanteur d'un même vers, auquel il a donné des interprétations différentes, et des diverses interprétations d'un même texte par le danseur.

Au 15ème siècle en Inde du Nord, un style de danse classique émerge kathak.À cette époque, un État s'était développé dans lequel les conquérants musulmans se sont assimilés et ont donné une impulsion à la fusion de l'art musulman et hindou. kathakétait le résultat d'une fusion de deux cultures. La danse était exécutée en costumes persans, mais était une continuation des légendes sur l'amour de Vadhi et Krishna. Contrairement à bharat natyam où les mouvements des jambes sont synchronisés avec le mouvement des mains et des yeux, kathak construit sur l'improvisation. Il se caractérise par des mouvements de pieds habiles, la variété et la complexité des rythmes. Pour tester l'art du danseur, le batteur masque de temps en temps le rythme principal. À son tour, la danseuse cherche à changer de rythme, essayant de faire tomber le batteur du rythme. Le jeu des rythmes se termine par l'accord général de la danse et de l'accompagnement rythmique, qui s'accompagne toujours du ravissement du public.

Au 17ème siècle le théâtre est né en Inde du Sud kathakali. Le drame de danse pantomimique raconte les dieux et les démons, leur amour et leur haine. La représentation est donnée soit dans la cour du temple, soit en plein air. Ses spectateurs sont les paysans des villages environnants, qui quittent leurs soucis et leurs actions du soir, entendant à peine le son du tambour. La représentation théâtrale est donnée sur un fond noir de la nuit. Les acteurs au maquillage lumineux - vert, rouge et noir - surgissent de l'obscurité et disparaissent dans l'obscurité. Le maquillage et son dessin ont une signification symbolique, bien connue du spectateur.

Personnages kathakali classés en sept types : Paccia- nobles héros; mignonne - arrogant et arrogant; à barbe rousse- les méchants et les ambitieux ; à barbe blanche, ce sont le plus souvent les conseillers du roi singe Hanuman, image noble et héroïque ; à barbe noire- les gens de la forêt et les chasseurs ; cari - géantes maléfiques et démons féminins; minuku - sages, ermites, brahmanes et femmes.

La maîtrise kathakali comprendre dès l'enfance sous la direction d'un gourou. L'acteur apprend à comprendre l'essence profonde du représenté, qu'il s'agisse d'une personne, d'une fleur ou d'un oiseau.

Quant à la théorie théâtrale, le premier traité sanskrit sur le théâtre était l'œuvre de l'ancien sage Bharata Natyashastra (Traité sur l'art de l'acteur). Les scientifiques attribuent l'apparition du traité aux IIIe-IVe siècles. Jusqu'à présent, les règles établies dans ce livre restent la loi pour les acteurs indiens de toutes les générations.

Selon le traité, il existe quatre principaux moyens d'expression - angine,moudra,wachika,acharya.Angika - langage des gestes conventionnels des mains, des doigts, des lèvres, du cou et des pieds. Treize mouvements de la tête sont prescrits, sept mouvements pour les sourcils, trente-six pour les yeux ; six pour le nez, six pour les joues, sept pour le menton, trente-deux pour les jambes. Il existe différentes positions des jambes et différentes allures - une allure majestueuse, un hachage ou un tressage, etc. Sage - un geste qui a une signification symbolique. Il y a vingt-quatre gestes de base, chacun avec plus de trente significations différentes. . Vachika- la diction, l'intonation et le rythme de la parole qui créent une certaine humeur. Acharya - couleur canonisée et détails du costume, maquillage. Pour les dieux et les filles célestes - maquillage orange, pour le soleil et Brahma - or, pour l'Himalaya et le Gange - blanc. Les démons et les nains portent des cornes - cerf, bélier ou buffle. Chez les gens, le maquillage dépend de leur statut social, de leur appartenance à une caste. Les représentants des castes supérieures - Brahmanes et Kshatriyas - ont un maquillage rouge, les Shudras ont du bleu foncé, les rois ont du rose pâle, les ermites ont du lilas.

composante théâtrale, sattvika sont les états d'esprit véhiculés par l'acteur (bhava), et l'ambiance du public après ce qu'il a vu sur scène ( course). L'acteur doit s'habituer aux sentiments de son personnage et être capable de transmettre les expériences les plus subtiles, pour lesquelles il doit maîtriser la technique de jeu. La capacité de verser une larme, de montrer comment la peau du visage se resserre à cause du froid, comment un frisson parcourt tout le corps à cause de la peur, c'est-à-dire la maîtrise de la technique d'acteur peut provoquer une certaine humeur chez le spectateur. Toute la conception esthétique des arts du spectacle indiens repose sur l'enseignement bhava et course. Littéralement, le mot "rasa" signifie goût ou goût, c'est-à-dire ambiance, qui reste avec le public après la représentation. Course Il en existe neuf sortes : érotique, comique, triste, colérique, héroïque, effrayant, dégoûtant, étonnant, apaisant. Chaque course dénoté certaine couleur: dans l'ordre - transparent verdâtre, blanc, gris cendré, rouge, orange clair, noir, bleu, jaune. Neuf course match neuf bhava, qui à son tour peut être stable ou transitoire.

Natyashastraécrite sous une forme archaïque difficile à lire et accompagnée de nombreux commentaires au cours des siècles.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle en Inde, une nouvelle dramaturgie et un nouveau théâtre dramatique sont en train de naître. Les premières tentatives de création d'un nouveau drame appartiennent aux dramaturges bengalis Dinobondhu Mitro, Modhuschudon Dotto, Ramcharinou Tarkorotn. Leurs œuvres se distinguaient par leur profondeur sociale et leur orientation anti-britannique. Parallèlement, des troupes de théâtre apparaissent dans d'autres provinces du pays. La formation du théâtre hindi est associée au nom de Bharatendu Harishchandra, dont le travail combinait les traditions de la dramaturgie nationale et occidentale.

Les idées de la lutte de libération nationale, la revendication d'indépendance se reflètent dans l'œuvre de S. Govindas ( Le chemin du service, Pourquoi souffrir et etc.). Dans les années 1940, la vie théâtrale du pays est devenue beaucoup plus active. L'Association des théâtres folkloriques de l'Inde est en cours de création, dont les activités ont eu un impact significatif sur le développement de la culture théâtrale dans le pays. Après l'indépendance en 1947, les conditions ont été créées en Inde pour le développement de formes traditionnelles l'art théâtral et pour le théâtre dramatique. L'Académie indienne de musique et de théâtre a été créée, qui mène des travaux scientifiques dans le domaine de l'art théâtral. Scène des théâtres en Inde les meilleures oeuvres drame mondial, dont Shakespeare, Ibsen, Molière, Tourgueniev, Gorki, Tchekhov.

THÉÂTRE DE CHINE

La base du théâtre chinois est la musique, qui a façonné le drame musical classique. xiqu, qui est vivant et dans la période actuelle. L'emplacement de la musique dans l'État depuis l'Antiquité a été fixé par les premiers dirigeants de son importante fonction dans les rituels religieux. Mais avant de commencer à créer de la musique, le créateur devait l'entendre dans les sons cosmiques de l'univers, puis l'organiser selon les lois de l'univers, l'univers étant établi. Les voix de l'univers parvenaient à une personne lorsqu'elle écoutait les sons du vent et le débit des rivières, le bruit des arbres et le chant des oiseaux, observant les habitudes des animaux et créant des mélodies et des danses, en accord avec les rythmes de la fusion Qi Le ciel et la terre.

La musique, la mélodie, les compétences vocales sont les domaines auxquels la théorie théâtrale a accordé le plus d'attention. Une cinquantaine de traités théâtraux, qui constituaient un volume de 10 Collection de traités sur le théâtre classique chinois(1959 et 1982), entièrement ou partiellement consacrée à la musique. Et bien que la musique du théâtre dans le tableau des grades chinois représente un regard bas et commun ( Su Yue- l'art par opposition à la haute ( je t'aime) musique rituelle, le théâtre lui-même n'a jamais oublié ses origines, déplorant souvent la perte de la musique des anciens chanoines.

Les origines de l'art théâtral chinois remontent aux rituels chamaniques de la période Shang (1766-1122 av. J.-C.). Déjà sur les os Yin (I millénaire avant JC) il y a une image de hiéroglyphes tu es(musique) et à(Danse). Pendant l'ère Zhou (1027-1256 av. J.-C.), les rituels religieux et les festivités du palais ont affiné la technique de la danse, développant un canon de mouvement scénique. Même alors, les acteurs de chant et de danse se distinguaient ( chan-yu) et bouffons, acteurs et comédiens ( payer - tu). Hors des murs du palais, le théâtre donnait lieu à des rituels folkloriques et à des fêtes. Un élément tangible de théâtralité était présent dans les rituels, les cérémonies, les danses pantomimes associées au culte du culte des ancêtres. soi-disant. les «jeux morts» impliquaient l'imitation du défunt lors de la représentation de ses actes et faits d'armes.

À l'ère Han (206 av. J.-C. - 220 apr. J.-C.), une puissante impulsion au développement du théâtre fut donnée par la musique folklorique qui accompagna la lutte de plusieurs participants. Ce spectacle est entré dans le spectacle jiaodisi(butting, compétition de force), qui à son tour fait partie de baïsi(cent jeux, cent représentations). C'était une constellation de genres de cirque, tels que la danse, l'acrobatie, la déglutition d'épée, la marche sur corde raide, l'escrime avec des tridents, des haches de guerre, des pinces, dans lesquelles les artistes chinois sont considérés maîtres inégalés Jusqu'ici.

Dans la même période, le théâtre de marionnettes est né. Cependant, bien avant cela, on a appris l'existence du maître Zhou Yan-shi, qui était habile à sculpter des poupées. Ses poupées pouvaient bouger au rythme de la musique comme si elles étaient vivantes. Mais alors les poupées étaient un accessoire du rituel funéraire, accompagnant le défunt dans sa transition vers l'Autre Monde. Sous les Han, la marionnette montait sur scène lorsque les marionnettistes étaient invités à des banquets chez la noblesse. Temps Tang (618–907) - une période de développement Théâtre de marionnettes, qui était représenté par des marionnettes, des marionnettes sur l'eau, des marionnettes en cuir. La période Song (960-1279) est considérée comme l'âge d'or de la marionnette. Les spectacles de marionnettes sur l'eau étaient particulièrement populaires. Les théâtres de bateaux étaient équipés de machines qui faisaient des merveilles : l'élément eau donnait naissance et absorbait poisson géant et les dragons d'eau. Les acteurs-marionnettistes se cachaient dans l'eau, contrôlant imperceptiblement le mouvement des marionnettes. Un vaste répertoire de marionnettes, les capacités techniques des marionnettistes ont sans aucun doute attiré l'attention du théâtre d'acteurs en direct, qui ne faisait que se renforcer. Cependant, l'influence du théâtre de marionnettes sur l'art de ces derniers n'a pas été aussi importante que l'influence des marionnettes sur l'art des acteurs de kabuki au Japon. Dans le théâtre chinois, un processus mûrissait qui a conduit à la naissance de l'individualité de l'acteur en tant que valeur esthétique du théâtre. Cela nécessitait la mobilité intérieure de la sphère émotionnelle de l'action. À ce stade, l'acteur en direct s'est séparé de la marionnette. Au 18ème siècle la théorie théâtrale a déjà pointé la constriction statique comme un vice qui transforme un acteur en marionnette.

L'ère Tang a été marquée par la croissance des villes et de l'artisanat, l'expansion des relations commerciales avec les États Asie centrale et l'Inde. L'influence du bouddhisme sur la littérature, la peinture, la musique et, bien sûr, l'art théâtral s'est renforcée. Les danses basées sur des thèmes bouddhistes ont un grand succès à la cour. L'un d'eux Robe à plumes arc-en-ciel -à propos d'une belle fée céleste. Une forme dramatique s'est également développée, basée sur de petites pièces dialoguées au contenu comique et satirique. canjun xi(jeux sur canjun). Les premiers rôles y apparaissent - un esprit ingénieux canjun et son partenaire collet. Au fil du temps, les dialogues parlés ont commencé à s'entremêler avec le chant et la danse. Au cours de la période Tang est né théâtre professionnel, qui a reçu le nom de "Pear Garden", car dans le jardin de poires du palais impérial, ils ont commencé à enseigner aux enfants des talents d'acteur.

Pendant la période Song, les formes dramatiques déjà connues continuent d'être améliorées, les performances des conteurs folkloriques avec chant sur accompagnement musical. Les types régionaux de théâtre commencent à prendre forme - celui du nord, basé sur le son nord, aigu et strict de la mélodie, et celui du sud, avec un flux doux et fluide de la mélodie. Les textes des pièces ont été perdus, nous laissant une liste de 200 titres. Parmi eux figurent les historiques Chanson Chuang Tzu, aimer Sima Xiangru et Wenjun, À propos d'en-en etc. Il y avait des théâtres fixes de la ville pour les gens ordinaires et des théâtres avec une salle derrière la scène et salle pour le public aisé.

La période Yuan (1280-1367) est l'époque de la conquête de la Chine par les Mongols, qui ont opprimé non seulement les gens ordinaires, mais aussi les segments éduqués et vénérés de la population. Le sentiment d'humiliation nationale commun à tous a rapproché les personnes hautement éduquées de la vie des gens ordinaires, a aidé à comprendre leurs problèmes et leurs besoins. Le théâtre pendant la période de domination mongole est devenu très populaire dans la société, ce qui a contribué à la naissance du drame Yuan, un phénomène important dans l'histoire du théâtre chinois. Le drame Yuan est construit sur le type de mélodies du nord, il se caractérise par une composition en quatre parties. Peu à peu, il y a eu une convergence des mélodies du nord et du sud, ce qui a créé les conditions préalables à la création d'un théâtre national à l'avenir.

Guan Hanqing (né vers 1230 - mort vers 1300) était un dramaturge exceptionnel du drame Yuan. L'une des pièces les plus célèbres Le ressentiment Dou E sur la mort innocente d'une jeune veuve qui a assumé la faute de quelqu'un d'autre. Sa profondeur émotionnelle a influencé l'amélioration des compétences d'acteur des rôles féminins. La pièce a survécu dans le répertoire du théâtre d'aujourd'hui.

L'ère Ming (1368-1644) - l'âge d'or culture chinoise, ses réalisations maximales dans le domaine du théâtre. Cette époque est marquée par la naissance et l'essor du théâtre kunqu. Originaire de la campagne, il s'est rapidement déplacé vers de grands centres culturels, où il attire l'attention d'écrivains et de musiciens professionnels. L'un d'eux, chanteur et musicien, Wei Lianfu a combiné les caractéristiques des écoles vocales du nord et du sud, a élargi la composition de l'orchestre, grâce à laquelle de nouvelles mélodies de Kunshan sont apparues et nouveau style accompagnement musical.

Tang Xianzu (1550-1616), dramaturge et théoricien, réformateur du théâtre et de l'art théâtral, essayiste et critique littéraire. Il a créé quatre volumineuses œuvres dramatiques sous le titre général Quatre rêves à Linchuan ou Quatre rêves de la salle du beau théier(note: Linchuan est le lieu de naissance du dramaturge; "Hall of the Beautiful Tea Bush" est la devise de la salle d'étude du dramaturge, qu'il choisissait traditionnellement lui-même). Gazebo pivoine- une œuvre exceptionnelle du dramaturge. C'était une chanson d'amour et de la toute-puissance du sentiment. L'héroïne est prête à mourir, mais pas à vivre sans amour. En tant que théoricien, Tang Xianzu considérait le sentiment comme le principal critère d'action.

L'apogée de la dramaturgie kunqu influencé l'amélioration du jeu d'acteur. Ceci est confirmé par le développement rapide de la théorie théâtrale. Vers la fin du XVIIe siècle. kunqu atteint l'apogée de sa popularité, conquiert le public métropolitain, s'installe à la cour de l'empereur. Se concentrer sur l'aristocratie kunqu perd l'audience de masse. Au 18ème siècle le théâtre d'élite fait place à des mélodies folkloriques qui mettent en scène jingxi(Drame Capital ou Opéra de Pékin).

Une caractéristique des nouvelles mélodies était un rythme clair, qui a conduit à un développement tendu de l'action et à une abondance de scènes de bataille, ce qui a fait des acteurs populaires qui maîtrisaient les techniques des arts martiaux. Le nouveau théâtre emprunte le répertoire kunqu, en l'élargissant avec la création de cycles de pièces basées sur des romans épiques célèbres : trois Royaumes, marigots de la rivière, Voyage à l'ouest. Les performances-séries sont devenues à la mode, qui ont duré plusieurs jours d'affilée, s'interrompant à chaque fois à l'épisode le plus intéressant.

Du milieu du 19ème siècle Le drame de la capitale est devenu le genre théâtral le plus populaire, dans lequel se sont fusionnées deux courants qui ont nourri l'art théâtral chinois depuis l'Antiquité : courtois, gracieux, présenté kunqu et « fleuri, métissé », associé à l'art des théâtres locaux communs. Ça faisait jingxi un théâtre national, populaire à la maison et célèbre à l'étranger. Sa renommée est constituée d'une galaxie d'interprètes remarquables : Zhou Xinfang (1895-1966) - interprète de rôles masculins au plan héroïque, qui combinait dans son art les techniques de divers rôles masculins ; Mei Lanfang (1894-1961) - une réformatrice et une interprète exceptionnelle d'héroïnes féminines, qui a combiné plusieurs rôles féminins qui ont fait la renommée mondiale de l'acteur chinois; Cheng Yanqiu (1904–1958) était une interprète féminine qui a créé une école originale d'art vocal.

L'Opéra de Pékin a quatre rôles principaux : sheng(héros), hommage(héroïne), chanter(personnage masculin, soi-disant "visage peint" ( hualien) et bouffe(comédien). À partir des XVIe-XVIIe siècles. avec le développement de la dramaturgie, le détail des rôles a eu lieu : sheng commencé à distinguer xiaosheng(jeune héros) laosheng(ancien héros) puis(héros militaire, commandant); rôle féminin distingué laodan(héroïnes plus âgées) qingyi(« femmes en habit bleu », héroïnes vertueuses et pudiques), leur antipode était huadan("une fille dans une tenue colorée"), en règle générale, une servante de la maîtresse. L'abondance de scènes de bataille a rendu le sous-rôle populaire oudan(escrimeuses) et daomadan(femmes cavalières). Le rôle des "visages peints" est un personnage masculin positif ou négatif, qui peut être civil ou militaire. Bouffe- un petit rôle comique ou "petit visage peint", pouvant être des personnages militaires ou civils. Jusqu'au milieu du XXe siècle. tous les rôles féminins étaient joués par des hommes, mais il y avait aussi des troupes féminines où les femmes interprétaient des rôles masculins. Les troupes mixtes n'apparaissent qu'au XXe siècle.

Se maquiller. À l'exception du rôle des "visages peints", le maquillage ne servait que d'outil de maquillage. Pour les rôles féminins, il portait un personnage érotique, mettant l'accent sur la plénitude des lèvres, la beauté des yeux. La coiffure et les ornements de tête avaient le même but. Des "nuages ​​de cheveux" disposés en chignons retenus par des clous de belle finition. L'épingle à cheveux en Chine était considérée comme un symbole de la femme elle-même, les amoureux échangeaient des épingles à cheveux.

Se maquiller hualien souvent appelé masque, bien que le masque réel soit assez rare dans le théâtre chinois. L'acteur étudie l'art du maquillage depuis l'enfance et le maîtrise magistralement. La palette de couleurs est réglementée et a une signification symbolique: rouge - loyauté et honnêteté, blanc - tromperie, noir - courage, violet - sang-froid, bleu et vert - cruauté et obstination. Peinture or et argent - pour les loups-garous et les célestes, etc. L'ornement de maquillage est également symbolique : un monogramme vert sur l'arête du nez sous la forme d'un chauve souris signifie le courage et la cruauté du héros; une ombre noire autour des yeux, les faisant ressembler aux yeux du mythique oiseau phénix, la large expansion des sourcils témoigne de la volonté du héros de profiter de la plénitude du pouvoir.

Symbolique étaient l'espace scénique et talents d'acteur. Le carré de la scène symbolisait la Terre, et le mouvement de l'acteur le long de trajectoires ovales symbolisait le Ciel. Cela donne à l'action scénique une échelle cosmique, permettant au personnage de se déplacer librement sur terre et au ciel. Les conventions adoptées par le théâtre et compréhensibles pour le spectateur rendent le langage scénique plus spacieux et expressif : après avoir fait un pas conditionnel, le héros sort de la maison ; grimpant sur la table, il se retrouve sur une colline ; agitez un fouet - et tout le monde sait que le héros court à cheval; les deux essaient de se peloter et de rater la scène éclairée - tout le monde devine que cela se passe dans le noir.

La canonisation du personnage a fixé certains moyens expressifs pour le rôle. Plus de vingt manières de rire sont connues. Tout geste est reproduit par l'acteur avec des mouvements arrondis, dans lesquels l'influence de l'école gracieuse se devine. kunqu. Les mouvements du bras et de la main sont très divers : la main pensante, la main interdisant, la main impuissante, etc. Il existe de nombreuses options pour un pas de scène: un pas volant pour les célestes, des «castagnettes fleuries» - un pas pour huadan etc.

Selon le niveau de compétence, la théorie théâtrale distingue des acteurs brillants et parfaits ( miao), Divin ( shen), beau, beau ( Peut), habile ( Nan).

Après 1949, le théâtre traditionnel subit une réforme théâtrale, dans le but de moderniser le répertoire et de l'adapter aux tâches idéologiques modernes. soi-disant. La « révolution culturelle » qui a secoué le pays dans la seconde moitié des années 1970 a causé des dommages irréparables à l'art théâtral traditionnel. Il a fallu des années pour restaurer le théâtre. À l'heure actuelle, le théâtre traditionnel n'est plus aussi populaire dans leur pays d'origine.

Au début du 20ème siècle il y a un théâtre dramatique qui s'est tourné vers l'expérience du théâtre européen. La date de naissance est considérée comme 1907, lorsque des étudiants chinois étudiant au Japon ont organisé la troupe Spring Willow. Cela n'a duré que deux ans. Dans le même 1907, la troupe "Spring Sun" est créée. Il y avait des spectacles comme L'histoire de l'âme perdue d'un fumeur d'opium, La Case de l'oncle Tom- dramatisation du roman de Beecher Stowe, La nouvelle dame des camélias, Mieux vaut revenir, Deuxième Dame Chen Toutes les représentations étaient une combinaison éclectique de la tradition théâtrale nationale avec la tradition théâtrale européenne, bien qu'il y ait eu des tentatives de mettre en scène des représentations purement dramatiques.

Dans les années 1920 et 1930, le nombre de troupes amateurs augmente ; à Pékin, une société théâtrale "Nouvelle Chine" a été créée, ce qui a eu un impact positif sur la formation des acteurs et des réalisateurs. Dans les années 1940-1950, le théâtre dramatique est devenu capable de mettre en scène des pièces de la dramaturgie mondiale - Shakespeare, Tchekhov, Ibsen, Gorki.

Après la "révolution culturelle", le théâtre dramatique a peu à peu retrouvé sa force. De nouveaux jeunes dramaturges sont apparus, créant des œuvres sur des questions d'actualité.

THÉÂTRE DU JAPON

La culture japonaise est la culture de la Voie (Ch. Dao, japonais. Avant de), c'est pourquoi différents types les arts étaient désignés par le mot "Voie". Alors la Voie du Théâtre Mais - Nogaduko. Suivre la Voie signifie suivre la Loi Universelle, et en cela le théâtre japonais ne diffère pas du théâtre chinois, d'où les hiéroglyphes, les classiques confucéens et le canon bouddhique sont venus au Japon. Mais ayant bien appris les choses étrangères, le Japon les a assimilées d'un point de vue japonais. C'est ainsi que la formule de la culture japonaise est née - " wakon kansai"("L'âme japonaise - la connaissance chinoise").

Aux VIIe-VIIIe siècles des acteurs coréens et chinois sont apparus au Japon, ce qui a donné une impulsion à la naissance de deux formes théâtrales – gigaku et bugaku.

Gigaku(art du théâtre) - une forme de chant et de danse avec accompagnement musical et pièce de théâtre. Les artistes portaient des masques, qui ont survécu à ce jour.

Bugaku(danse et musique), dans son contenu la forme ressemble baïsi(cent jeux) de théâtre chinois : danses entrecoupées de combats à l'épée ; la danse "Ball Game" imitait le jeu de balle populaire japonais venu de Chine et ses participants étaient à cheval ; danse du dragon; danse des oiseaux fantastiques ; des scènes de danse ont été réalisées avec les personnages du panthéon indien des dieux.

La naissance du théâtre No (« maîtrise ») a son propre passé. Ses origines remontent au culte solaire de la déesse Uzume, en l'honneur de laquelle des mystères avaient lieu sous le pin sacré d'un sanctuaire shinto dans l'ancienne capitale du Japon, la ville de Nara. C'est ce pin qui est représenté au fond de la scène du théâtre Nô.

L'histoire du théâtre lui-même commence au XIIIe siècle. et vers le milieu du XIVe siècle. il atteint son apogée. Cela coïncide avec l'ère Kamakura (1192-1333), dont la vision du monde était une fusion de la doctrine bouddhiste, de la mythologie shinto, du taoïsme chinois et de l'éthique confucéenne. On pense que le théâtre Nô a été créé par des mimes errants. sarugaku-hoshi(« action, théâtre des moines »), dont l'art était déjà populaire au VIIIe siècle. Au 11ème siècle ils ont joué des sketchs farfelus construits sur l'improvisation et comprenant de brefs dialogues ou monologues comiques. Compte tenu de leur popularité, les monastères ont commencé à assurer leur patronage, invitant des acteurs à se produire les jours de offices festifs. Au 12ème siècle ces représentations comprenaient déjà un chant et une danse de prière Okina (Aîné), qui entra plus tard au répertoire du No. Au 13ème siècle pièces sarugaku a obtenu le nom pas de kyogen (Kyogen- Obsession de parler).

Une nouvelle étape dans l'histoire du théâtre japonais est ouverte par l'œuvre de Kanami Kiyotsugu (1333-1384), acteur et dramaturge. Il a créé un drame d'auteur à part entière et une nouvelle performance. Dans l'art de l'acteur Kanami met avant tout la capacité "d'imiter" ( monomane), qui introduit le principe de stylisation dans la danse, la transformant en une danse pantomime et subordonnant le mouvement scénique à un rythme musical strict. C'est alors qu'il comprit l'importance du principe Yugen, qui était utilisé par les acteurs pour désigner la beauté du spectacle. Plus tard Yugen est devenue l'une des principales catégories de l'esthétique japonaise, signifiant "la beauté de l'intime". En tant que dramaturge, il a créé nouveau type drame, fortement conflictuel, plein de tension interne, contrairement aux pièces narratives et illustratives antérieures de No. dans son drame Sotoba Komachi l'image d'un héros à moitié fou et obsédé apparaît, exprimant le degré extrême de la souffrance humaine. A partir de cette époque commence l'histoire de la dramaturgie nationale. Dans le 19ème siècle le drame Nô s'appelle "yokyoku". Le drame du No à l'époque Muromachi (1333-1573) prend une tonalité bouddhique sous l'influence de la diffusion de la secte bouddhique zen. Représentation Maisétaient très populaires à cette époque non seulement parmi les spectateurs ordinaires, mais attiraient également l'attention du shogun, qui prit la troupe No sous sa protection. Cela a contribué au développement des talents d'acteur et des voyages des acteurs dans les provinces, ce qui a élargi le cercle de leurs admirateurs. Un acteur exceptionnel de cette période était Zeami. Il élargit les thèmes de la dramaturgie nô, orientant les pièces aux goûts de la classe des samouraïs. Zeami crée un cycle de pièces sur les guerriers légendaires des clans Taira et Minamoto, qui ont dirigé le XIIe siècle. lutte sanglante pour le pouvoir.

À l'époque d'Edo (1617-1868), les meilleures troupes de No se sont déplacées à Edo (Tokyo) et, par décrets spéciaux des autorités, l'art du No s'est transformé en « théâtre de cérémonie ». la classe dirigeante. La performance a été donnée le caractère d'une action magique rituelle. Une plus grande attention a été accordée à la technique du jeu. Tous les éléments de l'action scénique - scène, accessoires, costumes, masques, gestes, danse, intonations étaient strictement réglementés. Drama Noh a eu une grande influence sur le théâtre de marionnettes et le théâtre Kabuki émergent. La suite de l'histoire du drame Nô est l'histoire de sa vie scénique.

Dans le drame n° trois à cinq acteurs. Personnage principal tamis("acteur"), c'est le nom du rôle. Deuxième personnage - waki("côté") est aussi un rôle, l'histoire du héros lui est adressée, il s'y intéresse et exprime sa sympathie. Tsure("satellite") accompagne le protagoniste dans ses hauts et ses bas. Waki – sûr("Côté Spoutnik") partage le sort du deuxième personnage. Certains drames ont un caractère kokata("enfant") dans les rôles d'enfants, d'empereurs ou de dirigeants militaires. La coutume de jouer les empereurs par un garçon acteur a été établie au 14ème siècle. dans le cadre de l'interdiction de la reproduction de personnages impériaux sur scène. Le jeu a cinq mouvements d'intrigue ( Danois), dont chacun est accompagné d'une mélodie spéciale. Le jeu d'acteur a été canonisé et porté à la perfection formelle. Le mouvement scénique se compose de 250 mouvements de base simples − kata et comprend la technique canonisée de la démarche, les mouvements de danse, les postures, le jeu avec un éventail, le mouvement des bras, des épaules, etc. L'image du rôle est donnée, l'acteur doit faire tout ce que le rôle et le masque prescrivent.

Le masque au théâtre Mais joue rôle important, créant un charme particulier du jeu, basé sur l'expressivité et la spiritualité du geste avec l'immobilité du visage. Seul le premier acteur joue masqué, et parfois sûr(si c'est une femme). Il existe quatre catégories de masques : les anciens, les guerriers, les femmes et les démons. Chaque masque peut avoir des options - le masque d'une beauté, d'une fée, d'une femme fanée, d'un effrayant esprit de jalousie. Les masques sont en cyprès, de petite taille, ils ne couvrent pas tout le visage avec des fentes étroites pour les yeux, ce qui correspond à l'idéal esthétique : il était considéré comme beau d'avoir une petite tête avec un corps massif. Les masques des femmes avaient un front haut, les sourcils étaient dessinés à la racine des cheveux. Sur le masque - un demi-sourire figé sous un éclairage spécial a créé l'impression d'un changement d'humeur, un certain mystère caché dans la "demi-expression" du masque-visage. Par la capacité à porter un masque, ils jugent l'habileté de l'acteur et sa réalisation de la «beauté de l'intime» ( Yugen).

La scène du théâtre Nô, lisse comme un miroir, est en cyprès japonais. Plate-forme 6ґ 6 prolongée dans salle avec une plate-forme attenante à angle aigu ( hachigakarki).

La couleur du costume indique symboliquement l'humeur du personnage, son statut social, son âge. La couleur la plus noble - blanc, rouge - pour les costumes des divinités, des personnes nobles, des beautés. Une ceinture tissée de fleurs aux petits pétales rouges évoque l'ancienne beauté de la vieille femme.

Dans le Japon moderne, le théâtre No suscite l'intérêt d'un public d'élite.

Le théâtre Kabuki est né en 1603 - la première année de l'ère Tokugawa, qui a mis fin à l'ère du féodalisme japonais. La croissance des villes en tant que centres commerciaux, l'émergence de nouvelles classes commerciales ont créé les conditions pour de nouvelles formes de littérature, de peinture et de théâtre. La bourgeoisie naissante voulait voir dans le théâtre le reflet de ses goûts et de ses aspirations. La naissance de Kabuki est associée au nom du danseur Okuni d'un sanctuaire shintoïste. Sa troupe, composée de filles vives et attirantes, a interprété des chansons, des scènes à contenu érotique, qui ont immédiatement attiré l'attention du public. Peut-être, d'où le nom du théâtre : le verbe " kabuku» signifie « s'écarter », « sortir de l'ordinaire ». Plus tard, la courtisane Kabuki a été bannie par les autorités par crainte de répandre l'immoralité. Pour remplacer les femmes kabuki sont venus les "jeunes Kabuki", qui ont contribué à la propagation de la prostitution masculine. En 1652, les jeunes hommes ont été interdits de se produire à Kabuki par un décret spécial. Des mesures prohibitives n'ont pas pu freiner le développement du genre populaire, bien que la réglementation de la scène et Vie courante les troupes de théâtre et les acteurs étaient très stricts.

Développement Le kabuki est intimement lié au succès du théâtre de marionnettes et du conte musical-chanté. joruri. Des spectacles de marionnettes ont été introduits au Japon depuis la Chine dès le VIIe siècle, mais le théâtre de marionnettes ne s'est développé qu'au XVIe siècle. Ensuite, ils ont commencé à exprimer des performances avec l'aide de légendes. joruri, et les intrigues ont été tirées du répertoire du théâtre No. Au fil du temps, la nouvelle direction s'appelait joruri, et de la fin du XIXe siècle. le deuxième nom est entré en usage Bunraku lorsque le principal théâtre de marionnettes "Bunraku ku-dza" a ouvert ses portes à Osaka. Apparu Kabuki commence à emprunter le répertoire et à imiter les acteurs de marionnettes dans son jeu. A la fin du 17ème siècle l'auteur-compositeur-interprète Takemoto Gidayu a créé un nouveau style de performance joruri, qui a été conservé dans le théâtre de marionnettes moderne. Chikamatsu Monzaemon (1653-1724) est considéré comme le plus grand dramaturge de Kabuki. Il a écrit cent trente pièces, dont plus de trente étaient pour son acteur et metteur en scène idole Sakata Tojuro (1647-1709). Parmi les pièces les plus célèbres Suicide des amants à Sonezaki, qui est basé sur histoire vraie. Il a également écrit pour le théâtre de marionnettes, surtout après qu'il ait été dirigé par Gidayu. Au 18ème siècle Kabuki a créé le sien propre style performance et atteint le sommet de son développement. Les troupes de kabuki étaient regroupées dans deux grands centres - Edo (Tokyo) et Osaka-Kyoto, qui ont marqué le style de la dramaturgie et de la représentation scénique : à Edo, la classe de service préférait le drame samouraï avec duels et batailles et, en conséquence, la style de jeu a été formé Aragoto("style dur, rugueux"). Les marchands et artisans qui habitaient Osaka-Kyota étaient des amateurs de drames sentimentaux, qui formaient un style élégamment romantique. vagoto("style pacifique"). Jusqu'au milieu du XIXe siècle. kabuki possède complètement le cœur de ses téléspectateurs. Après la révolution Meiji au Japon, l'heure était à la modernisation et à l'occidentalisation. Le kabuki commence à être perçu comme un anachronisme, il tente donc de pallier le refroidissement du public. Vers la fin du 19ème siècle le théâtre parvient à regagner l'amour du public, grâce à des tentatives de réforme. A apporté une grande contribution acteurs célèbres Ichikawa Donjura le neuvième (1838-1903), Onoe Kikugoro le cinquième (1844-1903). Ils ont mis à jour le répertoire, essayé de rendre l'action plus réaliste. Après leur mort, les travaux sont restés inachevés. Dans la seconde moitié du XXe siècle Le Kabuki a retrouvé le grand public, mais c'est un public éduqué au goût délicat.

Le canon artistique du Kabuki est aussi strict que celui du théâtre Nô. Le spectateur de Kabuki moderne se retrouve dans une autre dimension historique. L'action commence par le son des maillets en bois. Un homme en noir apparaît sur scène brun) - acteur assistant sur scène. Une plate-forme s'étend du bord gauche de la scène dans le hall hanamichi("route des fleurs"), où les acteurs préférés recevaient des offrandes et des cadeaux de leurs fans. Plus tard, la plate-forme élargit la place de l'action scénique. En 1758, une scène tournante fait son apparition dans le théâtre Kabuki. Si nécessaire, une partie de la scène pourrait être surélevée.

Rôle. Rôles masculins : tatiyaku – noble héros, qui se divise en trois types : itsugoto- sauge Aragoto- guerrier vagoto- Héros amoureux ; méchants katakiyaku divisé en "vrais méchants" ( jitsuaku), méchants aristocrates ( kugeaku), séducteurs insidieux ( iroaçu). Personnages comiques de deux types : positif ( dokakata) et négatif ( dokataki khan). Le plus célèbre est le rôle féminin ( onnagata). Ces rôles sont tenus par des hommes. Il y avait des dynasties entières de personnages féminins célèbres tels que Nakamura Utaemon et Onoe Baiko. Les rôles onnagata subdivisé en rôles de courtisanes; filles d'une famille noble; épouses nobles; des femmes maîtrisant l'art du combat à l'épée ; femmes nuisibles.

Se maquiller (kumadori) est spécifique à chaque rôle. Le maquillage masculin consiste en l'application de lignes colorées sur le visage, chacune ayant une signification symbolique : le rouge indique le courage, la gentillesse et la passion de la nature, le bleu indique la méchanceté et la lâcheté. Onnagata blanchissez le visage et les mains, puis appliquez des produits cosmétiques en exagérant l'intensité de la couleur.

Les techniques de scène comme dans No sont appelées kata. Ils sont strictement fixés et y sont formés dès l'enfance. Les tours de combat et acrobatiques sont particulièrement spectaculaires, par exemple, un saut périlleux dans un saut ou un retrait instantané d'un costume, sous lequel un autre costume se trouve. Un effet esthétique spécial est obtenu par la posture moi, c'est à dire. posture fixe à l'apogée de l'action. quelquefois moi sont multi-figurés, provoquant le ravissement du public.

Le jeu d'acteur se situe pour la plupart en dehors du discours scénique. Sa quintessence est dans le mouvement scénique, dans lequel l'acteur suit le principe pictural, c'est-à-dire telle ou telle pose. moi doit ressembler à un tableau bien connu. arts performants Kabuki, comme ses talents d'acteur, vise à atteindre un objectif unique, que le grand Chikamatsu a formulé comme le désir d'être "à la frontière de la vérité et de la fiction".

Au début du 20ème siècle dans le théâtre japonais, de nouvelles tendances naissent associées à l'influence du théâtre dramatique occidental. Un genre éclectique est apparu plus tôt que d'autres Shingeki("Théâtre nouvelle école”), qui combinait les techniques du Kabuki avec des éléments du drame occidental. Le célèbre personnage théâtral Kawakami Otojiro (1846-1911) est devenu le créateur de ce style. En 1900, Kawakami fait une tournée en Europe avec une petite troupe, visitant également la Russie. Il se trouve que le soi-disant Kabuki est venu en Europe plus tôt que le vrai Kabuki. Mais la première actrice, la femme de Kawakami, Sada Yakko, a fait forte impression sur le public européen. Son jeu a été apprécié par Stanislavsky, le jeune Meyerhold.

La troupe "Gekidan Simpa" ("New Simpa Theatre") a travaillé dans le même sens. Les techniques de Kabuki, par exemple, moi côte à côte avec le style de jeu européen. jeu célèbre devenu drame de Kawaguchi Matsutaro (1899-1985) femme Meiji basé sur une véritable histoire de crime. En 1911, la "Société Littéraire et Artistique" met en scène le premier "spectacle occidental" Hamlet. Plus tard, les classiques du drame occidental ont régné sur la scène : Ibsen, Tchekhov, Strindberg, Gorki. Dans les années 1950, des pièces de Mishima Yukio (1925-1970) ont été mises en scène à Broadway sous le titre général Théâtre Nô moderne, qui étaient une interprétation des histoires classiques.

À partir des années 1960, des troupes de théâtre voient le jour, regroupées autour d'un auteur dramatique. Le nom Abe Kobo est devenu presque iconique. Ses œuvres sont conçues pour un public de chambre, mais sa pièce fantômes parmi nous allaient dans les grandes salles de théâtre.

Plus de 40 troupes ont travaillé au Japon dans les années 1970 et 1980 shingeki.

Svetlana Serova

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Représentations théâtrales en Inde, toute vie de culte, service dans les temples, processions s'accompagne de musique. De plus, la musique a longtemps pénétré profondément dans la vie des peuples indiens et occupe une place élevée parmi les arts qui ornent la vie. Il existe des légendes sur l'origine de la musique, de nombreuses études lui sont consacrées. il est fait par des professionnels et des amateurs.

Dans cet état de la musique, il est tout à fait compréhensible que de nombreux instruments différents soient apparus. Ces instruments sont souvent d'origine locale, mais dans de nombreux cas, ils ont été importés d'Asie occidentale ou centrale avec d'autres. bien culturel. Vie musicale L'Inde s'est grandement enrichie pendant la domination musulmane. On sait que les empereurs moghols, par exemple Babar, étaient de grands amateurs et connaisseurs de cet art. Contrairement à l'Europe, l'utilisation d'instruments de musique en Inde est limitée par un certain nombre d'interdictions.

Par exemple, les hindous des castes supérieures ne peuvent pas jouer d'instruments contenant des parties d'animaux abattus, comme des tympans en peau ou des cordes en boyau. Un certain nombre d'instruments ne sont utilisés que pour des activités cultuelles, dont, par contre, d'autres instruments sont exclus. Il existe des instruments spéciaux pour les femmes dont les hommes ne jouent pas, et vice versa. Avec la variété et la richesse des instruments de musique, leurs qualités sonores relativement faibles sont frappantes. Dans le même temps, une autre attention est accordée à la décoration extérieure sous forme de sculpture, de peinture et d'invention de formes bizarres.

Cela tient à diverses raisons : tout d'abord, la production d'instruments de musique est une occupation secondaire de tourneurs, menuisiers, forgerons, qui, bien entendu, ne sont pas spécialisés dans les caractéristiques sonores ; deuxièmement, la musique instrumentale ne joue pas le même rôle indépendant en Inde que dans notre pays ; il accompagne principalement le chant, ou est calculé pour des effets bruts, comme lors de processions ou de danses ; troisièmement, comme dans toute la culture indienne, toute l'attention est accordée à l'habileté et au savoir-faire d'une personne qui extrait des résultats hautement artistiques à partir de matériaux mal adaptés et avec des outils primitifs. Un musicien indien extrait d'une simple pipe en bambou des figures musicales qui feraient réfléchir un bon flûtiste ou clarinettiste européen. Habituellement, les instruments de musique sont divisés en trois grands groupes selon la méthode de production sonore : percussions, instruments à vent et à cordes.

Art théâtral Inde Le théâtre indien est l'un des plus anciens théâtres du monde : sa théorie et sa pratique se sont développées vers le IIe siècle av. avant JC e. Il est non seulement original, mais il a aussi porté cette originalité à travers l'épaisseur des siècles. La maîtrise du théâtre classique indien est si filigrane qu'il est presque impossible pour les représentants d'autres pays et peuples de le maîtriser.

De manière générale, le théâtre indien en termes historiques et factuels peut être divisé en théâtre sanskrit classique, théâtre folklorique et théâtre de style européen.

Il y a une opinion que le drame sanskrit classique est dans une certaine mesure lié à l'art grec classique, qui a pénétré l'Inde à la suite de la campagne d'Alexandre le Grand (la toile de fond sur la scène théâtrale lors de la formation de la poésie sanskrite classique s'appelait " yavanika", c'est-à-dire "grec"). Mais il n'y a aucune preuve directe de cela. Quoi qu'il en soit, mais au IIe siècle. avant JC e. apparaît l'œuvre fondamentale du sage Bharata "Traité sur l'art théâtral" ("Natyashastra"), qui traite de questions telles que les moyens d'expression artistique des actions rituelles et scéniques, y compris les mouvements et les chants, l'accompagnement musical des danses et des chansons, la description de la musique instruments, principes de création d'œuvres dramatiques, théorie de la versification, histoire des arts de la scène, etc. Natyashastra est écrit sous forme de couplets en vers.

Le théâtre folklorique est un autre phénomène spécifique de l'art théâtral indien. Très probablement, il est apparu comme une sorte de synthèse du drame classique, patronné par les dirigeants, et des mystères folkloriques, soutenus par le peuple. Le théâtre de style européen en Inde a ses propres spécificités qui le distinguent des théâtres européens dans notre compréhension du mot. Il n'y a pas de théâtre d'opéra, de ballet ou de théâtre fixe en Inde avec sa troupe permanente, son vaste répertoire et ses nombreuses années d'existence.

Selon les experts, la dramaturgie indienne moderne s'est concentrée sur la mise en lumière des questions suivantes : les principaux problèmes de l'existence humaine en Inde, le déclin de la moralité et des mœurs, le rapport des individus dans la société moderne. Dans certains endroits, il y a une fusion du théâtre folklorique et moderne. Les pièces de théâtre en langues régionales font tomber les barrières linguistiques et deviennent un événement pan-indien. Il y a aussi des dramaturges talentueux qui écrivent en anglais. Ainsi, la pièce de Manjula Padmanabhan "Bitter Bread" ("Bitter. Harvest") a reçu une reconnaissance internationale. Malgré les nombreuses difficultés existantes, le théâtre indien moderne vit et se développe sans aucun doute.

Même à l'époque védique c. En Inde, les représentations théâtrales ont été jouées par le ciel. Au début de notre ère, les premiers petits locaux théâtraux sont apparus dans le pays. Ils n'avaient pas de décor, les accessoires de théâtre étaient extrêmement pauvres, ils ont été remplacés par d'autres conventions artistiques : une certaine démarche, des expressions faciales, la gesticulation est mince.

Une grande attention a été accordée à la conception musicale des performances. Cependant, contrairement aux performances indiennes modernes, qui, selon les amateurs de théâtre européens, sont sursaturées de chant, dans les anciens monologues et dialogues indiens, les artistes récitaient ou chantaient, mais ne chantaient pas. Une caractéristique notable de l'ancien théâtre indien était. Son penchant pour le mélodrame et le pathétique est inhérent à l'art théâtral actuel du pays. Les intrigues tragiques n'étaient pas autorisées sur scène pour les raisons qu'il y a assez de tragique dans la vraie vie.

Le théâtre était extrêmement populaire en. Ancien. L'Inde, en particulier parmi l'intelligentsia, mais la profession d'artiste n'appartenait pas au prestigieux, était considérée comme "méchante", les artistes eux-mêmes étaient des Shudras

Les anciens Indiens disaient : "Celui qui ne connaît ni la musique, ni la littérature, ni aucun autre art, n'est pas un homme, mais du bétail, bien qu'il n'ait ni queue ni cornes." La musique jouait un rôle important dans leur vie. M. L'art des musiciens et danseurs professionnels s'est amusé avec les Rajas. Et les nobles, et dans les mythes indiens, n'ont pas hésité à ce divertissement et aux dieux, qui étaient servis par la musique et les danseurs célestes.

Sur le développement de l'Inde ancienne culture musicale raconte le traité. Natyashastra, probablement compilé dans les premiers siècles de notre ère. Il témoigne qu'à cette époque un système musical bien établi existait déjà dans le pays, qui formera plus tard la base des musiciens "classiques" indiens.

L'écoute d'une mélodie indienne européenne frappe par son exotisme. Dans l'échelle de l'échelle indienne, il existe de nombreux demi-tons et même des quarts de ton. Les mélodies indiennes sont classées par cors - une certaine séquence de cinq tons ou plus qui forment la base de la mélodie. Chaque para a sa propre charge émotionnelle, symbolise la joie, le plaisir, l'amour, la paix, la peur, etc. Il existe des ragas "matin", "après-midi", "soir", etc. *. Les vieilles mélodies indiennes sont dépourvues de base harmonique et sont basées sur le rythme instruments à percussion. Une caractéristique importante de la musique indienne ancienne est aussi que le musicien de la famille est toujours un improvisateur. Il interprète la phrase musicale clé, puis la fait varier à l'infini, et à chaque fois d'une manière nouvelle, de sorte que chaque exécution d'une même mélodie soit unique dès la seconde.

Les anciens Indiens ont créé un certain nombre d'instruments de musique, dont le plus courant était similaire à l'ancienne lyre à vin égyptienne. Les musiciens jouaient également de la flûte, d'autres instruments à anches et à percussion.

Il s'est développé en Ancien. L'Inde a aussi l'art du chant. Le chant était le plus souvent une variation d'une simple mélodie, réduite littéralement à une seule phrase musicale.

L'art indien de la danse a peu changé au cours des siècles. Dans les danses anciennes, le rôle principal était également joué par le rythme musical et les gestes, et presque toutes les parties du corps du danseur ika ou danseur participaient à la danse ; un petit mouvement du petit doigt ou du sourcil racontait à l'initié les secrets de cet art; Avec seulement le code le plus complexe des positions de ses mains et de ses doigts, il a transmis un large éventail d'émotions, a parlé avec enthousiasme de divers événements de la vie des dieux, des gens, des zhivoarin.

L'art de la danse indienne est très complexe. Il a fallu des années de travail acharné pour le maîtriser. Par conséquent, dans Ancien. Les danses indiennes ont toujours été interprétées par des professionnels du tabou social sur cette forme de divertissement au ch. Les siècles Libin, semble-t-il, n'existaient pas (ils n'étaient guéris que par le sacerdoce).