Francúzska literatúra je jedným z pokladov svetovej kultúry. Zaslúži si, aby sa čítala vo všetkých krajinách a v každom veku. Problémy nastolené v ich dielach francúzskych spisovateľov, vždy znepokojovali ľudí a nikdy nepríde čas, keď nechajú čitateľa ľahostajným. Obdobia, historické prostredie, kostýmy postáv sa menia, ale vášne, podstata vzťahov medzi mužmi a ženami, ich šťastie a utrpenie zostávajú nezmenené. V tradícii sedemnásteho, osemnásteho a devätnásteho storočia pokračovali moderní francúzski spisovatelia, spisovatelia XX storočia.

Spoločnosť ruských a francúzskych literárnych škôl

Čo vieme o európskych majstroch slova vo vzťahu k nedávnej minulosti? Samozrejme, že mnohé krajiny výrazne prispeli k celkovému výsledku kultúrne dedičstvo. Veľké knihy napísali aj Británia, Nemecko, Rakúsko, Španielsko, ale z hľadiska počtu vynikajúcich diel sú na prvých miestach samozrejme ruskí a francúzski spisovatelia. Ich zoznam (knihy aj autorov) je skutočne obrovský. Niet divu, že existuje viacero publikácií, množstvo čitateľov a dnes, v dobe internetu, je pôsobivý aj zoznam úprav. Aké je tajomstvo tejto popularity? Rusko aj Francúzsko majú dlhoročné humanistické tradície. Na čele sprisahania spravidla nie je historická udalosť, nech je akokoľvek výnimočná, ale osoba so svojimi vášňami, cnosťami, nedostatkami a dokonca aj slabosťami a neresťami. Autor sa nezaväzuje odsudzovať svoje postavy, ale radšej necháva čitateľovi, aby si sám urobil záver o tom, aký osud si zvolí. Dokonca ľutuje tých z nich, ktorí sa vybrali nesprávnou cestou. Príkladov je veľa.

Ako Flaubertovi bolo ľúto svojej madame Bovaryovej

Gustave Flaubert sa narodil 12. decembra 1821 v Rouene. Monotónnosť provinčného života mu bola známa od detstva a dokonca aj v zrelé roky málokedy opúšťal svoje mesto, iba raz podnikol dlhú cestu na východ (Alžírsko, Tunisko) a, samozrejme, navštívil Paríž. Tento francúzsky básnik a spisovateľ komponoval básne, ktoré sa vtedy mnohým kritikom (dnes je taký názor) zdali príliš melancholické a malátne. V roku 1857 napísal román Madame Bovary, ktorý bol v tom čase notoricky známy. Príbeh ženy, ktorá sa snažila vymaniť z nenávistného kruhu každodennosti, a preto podvádzala svojho manžela, potom pôsobil nielen kontroverzne, ale dokonca aj neslušne.

Táto zápletka je však, bohužiaľ, v živote pomerne častá, v podaní veľkého majstra, ďaleko presahuje obvyklú obscénnu anekdotu. Flaubert sa s veľkým úspechom snaží preniknúť do psychológie svojich postáv, voči ktorým občas pociťuje hnev, vyjadrený nemilosrdnou satirou, no častejšie ľútosťou. Jeho hrdinka tragicky zomiera, opovrhovaný a milujúci manžel zrejme (to sa dá skôr uhádnuť podľa toho, čo je naznačené v texte) vie o všetkom, no úprimne smúti a smúti za nevernou manželkou. A Flaubert a ďalší Francúzi 19. spisovatelia storočí pomerne veľa prác venovaných otázkam vernosti a lásky.

Maupassant

OD ľahká ruka veľa literárnych spisovateľov je považovaný takmer za zakladateľa romantickej erotiky v literatúre. Tento názor vychádza z niektorých momentov v jeho dielach obsahujúcich neskromné, na pomery 19. storočia, opisy scén intímneho charakteru. Z dnešných artkritických polôh vyzerajú tieto epizódy celkom slušne a vo všeobecnosti sú opodstatnené zápletkou. Navyše v románoch, príbehoch a poviedkach tohto pozoruhodného spisovateľa to vôbec nie je to hlavné. Prvé miesto v dôležitosti opäť zaujímajú vzťahy medzi ľuďmi a také osobné vlastnosti, ako je skazenosť, schopnosť milovať, odpúšťať a byť šťastný. Podobne ako iní slávni francúzski spisovatelia, aj Maupassant študuje ľudskú dušu a odhaľuje nevyhnutné podmienky pre jeho slobodu. Trápi ho pokrytectvo verejný názor“, vytvorili práve tí, ktorí sami nie sú v žiadnom prípade dokonalí, ale každému vnucujú svoje predstavy o slušnosti.

Napríklad v príbehu "Zolotar" opisuje príbeh dojemnej lásky francúzskeho vojaka k černošskému obyvateľovi kolónie. Jeho šťastie sa nekonalo, príbuzní nechápali jeho pocity a báli sa možného odsúdenia susedov.

Zaujímavé sú spisovateľove aforizmy o vojne, ktorú prirovnáva k stroskotaniu lode a ktorej by sa mali všetci svetoví lídri vyhýbať s rovnakou opatrnosťou, ako sa kapitáni lodí obávajú útesov. Maupassant prejavuje pozorovanie a stavia proti nízkemu sebavedomiu prílišnú spokojnosť, pričom obe tieto vlastnosti považuje za škodlivé.

Zola

Nemenej a možno oveľa viac šokoval čitateľov francúzskeho spisovateľa Emila Zolu. Za základ zápletky si ochotne zobral život kurtizán (Pasca, Nana), obyvateľov spoločenského dna (Lono Paríža), podrobne opísal ťažký život uhliarov (Germinal) a dokonca aj psychológiu tzv. vražedný maniak (Man-Beast). ). Všeobecná literárna forma, ktorú autor zvolil, je nezvyčajná.

Väčšinu svojich diel spojil do dvadsaťzväzkovej zbierky, ktorá dostala všeobecný názov „Rougon-Macquart“. Pri všetkej rozmanitosti zápletiek a výrazových foriem je to niečo, čo treba brať ako celok. Ktorýkoľvek zo Zolov román sa však dá čítať aj samostatne, čím sa nestane menej zaujímavým.

Jules Verne, fantázia

Ďalšieho francúzskeho spisovateľa Julesa Verna netreba predstavovať, stal sa zakladateľom žánru, ktorý neskôr dostal definíciu „sci-fi“. Na čo tento úžasný rozprávač nepomyslel, keď predvídal výskyt jadrových ponoriek, torpéd, lunárnych rakiet a iných moderných atribútov, ktoré sa stali majetkom ľudstva až v dvadsiatom storočí. Mnohé z jeho fantázií sa dnes môžu zdať naivné, no romány sa čítajú ľahko, a to je ich hlavná výhoda.

Okrem toho zápletky moderných hollywoodskych trhákov o dinosauroch vzkriesených zo zabudnutia vyzerajú oveľa menej vierohodne ako príbeh o predpotopných jašteroch, ktoré nikdy nevyhynuli na jedinej latinskoamerickej náhornej plošine, ktoré našli odvážni cestovatelia („“ stratený svet"). A román o tom, ako Zem kričala z neľútostného bodnutia obrovskou ihlou, úplne presahuje žáner, je vnímaný ako prorocké podobenstvo.

Hugo

Nemenej fascinujúci je vo svojich románoch aj francúzsky spisovateľ Hugo. Jeho postavy sa ocitajú v rôznych okolnostiach a vykazujú jasné osobnostné črty. Dokonca zlí chlapci(napríklad Javert z Les Misérables alebo Claude Frollo z Katedrály Notre Dame v Paríži“) majú určité čaro.

Dôležitá je aj historická zložka rozprávania, z ktorej sa čitateľ ľahko a so záujmom mnohé dozvie užitočné fakty najmä o okolnostiach Francúzska revolúcia a bonapartizmus vo Francúzsku. Jean Voljean z „Les Misérables“ sa stal zosobnením dômyselnej vznešenosti a čestnosti.

Exupery

Moderní francúzski spisovatelia a literárni kritici zahŕňajú všetkých autorov éry „Heminway-Fitzgerald“, ktorí tiež urobili veľa pre to, aby ľudstvo bolo múdrejšie a láskavejšie. Dvadsiate storočie nedoprialo Európanom pokojné desaťročia a spomienky na Veľkú vojnu v rokoch 1914-1918 čoskoro dostali reminiscenciu v podobe ďalšej globálnej tragédie.

Francúzsky spisovateľ Exupery, romantik, tvorca nezabudnuteľného obrazu Malého princa a vojenský pilot, nezostal bokom od boja čestných ľudí na celom svete proti fašizmu. Posmrtnú popularitu tohto spisovateľa v ZSSR päťdesiatych a šesťdesiatych rokov mohlo závidieť mnohé popové hviezdy, ktoré predvádzali piesne, vrátane tých, ktoré sú venované jeho pamiatke a hlavnej postave. A dnes myšlienky vyjadrené chlapcom z inej planéty stále volajú po láskavosti a zodpovednosti za svoje činy.

Dumas, syn a otec

Boli vlastne dvaja, otec a syn, a obaja úžasní francúzski spisovatelia. Kto by nepoznal slávnych mušketierov a ich naozajstný priateľ D'Artagnan? Početné filmové spracovania preslávili tieto postavy, ale žiadna z nich nedokázala sprostredkovať čaro literárneho zdroja. Osud väzňa If Castle nenechá nikoho ľahostajným ("Gróf Monte Cristo") a ďalšie diela sú veľmi zaujímavé. Budú užitočné aj pre mladých ľudí, ktorých osobnostný rozvoj sa ešte len začína, príkladov skutočnej noblesy je v románoch Dumasa Pèrea viac než dosť.

Čo sa týka syna, ten tiež slávnemu priezvisku hanbu neurobil. Romány „Doktor Servan“, „Tri silní muži“ a ďalšie diela jasne vyzdvihli črty a buržoázne črty súčasnej spoločnosti a „Dáma s kaméliami“ sa tešila nielen zaslúženému čitateľskému úspechu, ale inšpirovala aj talianskeho skladateľa Verdiho. k napísaniu opery „La Traviata“, vytvorila základ jej libreta.

Simenon

Detektívka bude vždy jedným z najčítanejších žánrov. Čitateľa zaujíma všetko, čo je v ňom - ​​a kto spáchal zločin, motívy, dôkazy a nevyhnutné odhalenie páchateľov. Ale detektívne detektívne spory. Jeden z najlepší spisovatelia modernej doby je samozrejme Georges Simenon, tvorca nezabudnuteľného obrazu Maigreta, komisára parížskej polície. Sám výtvarná technika Vo svetovej literatúre celkom bežný obraz detektíva-intelektuála s nepostrádateľnou črtou vzhľadu a rozpoznateľným zvykom sa opakovane využíval.

Megre Simenon sa od mnohých svojich „kolegov“ opäť odlišuje svojou charakteristikou francúzska literatúra láskavosť a úprimnosť. Občas je pripravený stretnúť zakopnutého človeka a dokonca (och, hrôza!) porušiť jednotlivé formálne články zákona, pričom mu zostáva verný v tom hlavnom, nie v litere, v duchu („A predsa je lieska zelená").

Proste úžasný spisovateľ.

gra

Ak odignorujeme minulé storočia a opäť sa mentálne vrátime do súčasnosti, tak pozornosť si zaslúži francúzsky spisovateľ Cedric Gras, veľký priateľ našej krajiny, ktorý venoval dve knihy ruštine Ďaleký východ a jej obyvateľov. Keď videl mnoho exotických oblastí planéty, začal sa zaujímať o Rusko, žil v ňom mnoho rokov, naučil sa jazyk, čo mu nepochybne pomáha spoznať notoricky známu „tajomnú dušu“, o ktorej už dokončuje tretiu kniha na rovnakú tému. Tu Gras našiel niečo, čo mu zjavne v jeho prosperujúcej a pohodlnej vlasti tak veľmi chýbalo. Priťahuje ho nejaká „zvláštnosť“ (z pohľadu Európana) národný charakter, túžba mužov byť odvážna, ich nerozvážnosť a otvorenosť. Pre ruského čitateľa francúzskeho spisovateľa Cédrica Grasa zaujíma práve tento „pohľad zvonku“, ktorý sa nám postupne stáva čoraz viac naším.

Sartre

Snáď neexistuje žiadny iný francúzsky spisovateľ, ktorý by bol tak blízky ruskému srdcu. Veľa vo svojej tvorbe pripomína ďalšiu veľkú literárnu postavu všetkých čias a národov – Fjodora Michajloviča Dostojevského. Prvý román Jeana-Paula Sartra Nevoľnosť (mnohí ho považujú za najlepší) potvrdil koncepciu slobody ako vnútornej kategórie nepodliehajúcej vonkajším okolnostiam, ku ktorej je človek odsúdený už samotným faktom svojho narodenia.

Postavenie autora potvrdzovali nielen jeho romány, eseje a hry, ale aj jeho osobné správanie, preukazujúce úplnú nezávislosť. Muž ľavicových názorov však kritizoval politiku ZSSR v povojnovom období, čo mu však nebránilo v tom, aby opustil prestížne nobelová cena ocenený za údajne protisovietske publikácie. Z rovnakých dôvodov neprijal Rád čestnej légie. Takýto nonkonformný človek si zaslúži rešpekt a pozornosť, určite stojí za prečítanie.

Vive la France!

Článok nespomína mnohých ďalších vynikajúcich francúzskych spisovateľov, nie preto, že by si menej zaslúžili lásku a pozornosť. Dá sa o nich rozprávať donekonečna, nadšene a zanietene, no kým si čitateľ knihu sám nezdvihne, neotvorí, nepodľahne čaru úžasných línií, ostrých myšlienok, humoru, sarkazmu, ľahkého smútku a láskavosti vyžarovanej stránkami. . Neexistujú žiadne priemerné národy, existujú však, samozrejme, vynikajúci ľudia, ktorí mimoriadne prispeli do svetovej pokladnice kultúry. Pre tých, ktorí milujú ruskú literatúru, bude oboznámenie sa s dielami francúzskych autorov obzvlášť príjemné a užitočné.

V dejinách talianskej hudby v prvej polovici 20. storočia. Respighi vstúpil ako autor jasných programových symfonických diel (básne „Rímske fontány“, „Špendlíky Ríma“).

Budúci skladateľ sa narodil v rodine hudobníkov. Jeho starý otec bol organista, jeho otec bol klavirista, mal Respighi a chodil na prvé hodiny klavíra. V rokoch 1891-99. Respighi študuje na Hudobnom lýceu v Bologni: hru na husliach u F. Sartiho, kontrapunkt a fúgu u Dalla Olia, skladbu u L. Torqua a J. Martucciho. Od roku 1899 koncertuje ako huslista. V roku 1900 napísal jednu zo svojich prvých skladieb – „Symfonické variácie“ pre orchester.

V roku 1901 prišiel Respighi ako huslista v orchestri na turné do Petrohradu s talianskym operným súborom. Tu je významné stretnutie s N. Rimským-Korsakovom. Ctihodný ruský skladateľ neznámeho návštevníka chladne privítal, no po zhliadnutí jeho partitúry ho zaujalo a súhlasil so štúdiom u mladého Taliana. Kurzy trvali 5 mesiacov. Pod vedením Rimského-Korsakova napísal Respighi pre orchester Prelúdium, Chorál a Fúgu. Táto esej sa stala jeho diplomovej práce na Bolonskom lýceu a jeho učiteľ Martucci poznamenal: "Respighi už nie je študent, ale majster." Napriek tomu sa skladateľ neustále zdokonaľoval: v roku 1902 absolvoval hodiny kompozície u M. Brucha v Berlíne. O rok neskôr Respighi opäť navštívi Rusko s operným súborom, žije v Petrohrade a Moskve. Po zvládnutí ruského jazyka sa so záujmom oboznamuje s umeleckým životom týchto miest, vysoko oceňuje moskovské operné a baletné predstavenia s kulisami a kostýmami K. Korovina a L. Baksta. Väzby s Ruskom neprestávajú ani po návrate do vlasti. Na univerzite v Bologni študoval A. Lunacharskij, ktorý neskôr, v 20. rokoch 20. storočia, vyslovil želanie, aby Respighi opäť prišiel do Ruska.

Respighi je jedným z prvých talianskych skladateľov ktorý znovu objavil polozabudnuté stránky talianskej hudby. Začiatkom 20. storočia vytvára novú orchestráciu „Ariadnin nárek“ od C. Monteverdiho a skladba je s úspechom uvedená v Berlínskej filharmónii.

V roku 1914 je Respighi už autorom troch opier, no práca v tejto oblasti mu neprináša úspech. Na druhej strane vytvorením symfonickej básne Rímske fontány (1917) sa skladateľ dostal do popredia talianskych hudobníkov. Ide o prvú časť akejsi symfonickej trilógie: Rímske fontány, Rímske borovice (1924) a Rímske sviatky (1928). G. Puccini, ktorý skladateľa poznal blízko a bol s ním aj kamarát, povedal: „Viete, kto prvý študuje Respighiho partitúry? I. Od vydavateľstva Ricordi dostávam prvý výtlačok každej z jeho nových partitúr a stále viac obdivujem jeho neprekonateľné umenie inštrumentácie.

Zoznámenie sa s I. Stravinským, S. Diaghilevom, M. Fokinom a V. Nižinským mali veľký význam pre kreativitu Respighi. V roku 1919 Diaghilevov súbor uviedol v Londýne jeho balet The Miracle Shop na hudbu klavírnych skladieb G. Rossiniho.

Od roku 1921 Respighi často vystupoval ako dirigent s predstaveniami vlastných skladieb a ako klavirista absolvoval turné po Európe, USA a Brazílii. Od roku 1913 až do konca života vyučoval na Akadémii Santa Cecilia v Ríme a v rokoch 1924-26. je jej riaditeľom.

Respighiho symfonická tvorba sa spája svojráznym spôsobom moderná technológia písanie, pestrá orchestrácia (spomínaná symfonická trilógia, „Brazílske impresie“) a príklon k archaickej melodike, antickým formám, teda prvkom neoklasicizmu. Viaceré skladateľove diela boli napísané na témy gregoriánskeho chorálu („Gregorianský koncert“ pre husle, „Koncert v mixolydskom režime“ a 3 predohry na gregoriánske melódie pre klavír, „Doria Quartet“). Respighi vlastní voľné úpravy opier Sluha-pani od G. Pergolesiho, Ženské triky od G. Cimarosa, Orfeo od C. Monteverdiho a ďalšie diela starých talianskych skladateľov, orchestráciu piatich Etud-Maľieb od S. Rachmaninova, organ passacaglia c mol J. S. Bach.

Medzi skladateľmi generácie 80. rokov 19. storočia má Ottorino Respighi osobitné postavenie. Keďže sa spolu s Pizzetti, Malipierom a Casellou objavil v boji za „arte di avangardia“ („avantgardné umenie“), mal ďaleko od extrémnych foriem štýlových inovácií. Jeho tvorba vychádza z akejsi fúzie prvkov neskorého romantizmu (najmä symfonického programu R. Straussa), Debussyho impresionizmu, orchestrálneho štýlu Rimského-Korsakova. Vo vzťahu k neoklasicizmu bol Respighi trochu v rozpore so svojimi talianskymi súčasníkmi, hovoril na obranu romantických tradícií a varoval pred nadmerným racionalizmom. Bol ďaleko od hlbokého psychologizmu a grotesky Malipiera, ako aj od náboženských ašpirácií Pizzettiho.

Po Puccinim bol Respighi prvým talianskym skladateľom, ktorý získal široké uznanie po celom svete. Ale na rozdiel od autora Toscy sa preslávil predovšetkým svojimi symfonickými dielami.

Respighi sa narodil 9. júla 1879 v Bologni v rodine hudobníka. V roku 1891 ako dvanásťročný vstúpil na hudobné lýceum, kde študoval hru na husliach a viole a tiež hudobnú teóriu a kompozíciu v triedach vynikajúcich znalcov starej hudby L. Torquaya a J. Martucciho. Dôkladne študuje klasikov, najmä Beethovena a Wagnera, hrá aj na klavíri. V roku 1899 Respighi absolvoval lýceum v husľovej triede a začal pracovať ako huslista. V tom istom roku boli v Bologni uvedené jeho Symfonické variácie - výsledok tried kompozície.

Po pozvaní do orchestra Talianskej opery v Petrohrade pôsobil Respighi v tomto divadle dve sezóny - 1900/01 a 1901/02. Pobyt v Rusku zohral obrovskú úlohu pri formovaní jeho tvorivej osobnosti. Päť mesiacov štúdia u Rimského-Korsakova v roku 1901 malo naňho obzvlášť veľký vplyv. Okrem toho vplyv všeobecná atmosféra Ruský umelecký život, mimoriadne intenzívny na začiatku 20. storočia. Zblíženie so S. Diaghilevom zaviedlo Respighiho do prostredia „Sveta umenia“, kde sa zoznámil s dielami A. Benoisa, K. Korovina, L. Baksta. Počul vynikajúcich ruských spevákov (vrátane Chaliapina), operný orchester pod vedením Napravnika, symfonické koncerty Petersburg. To všetko citeľne ovplyvnilo skladateľa: šťavnatosť, jas jeho orchestrálnej farby, citlivý prístup k ľudovému piesňovému materiálu, svojrázna farebnosť dur-mol s archaickými modálnymi obratmi – v tom všetkom cítiť ruské vplyvy.

Pobyt v Berlíne (1902) dáva Respighimu príležitosť dostať sa do úzkeho kontaktu s dielom R. Straussa a ďalších nemeckých majstrov, pokračovať v profesionálnom rozvoji u M. Brucha. Medzitým stále viac skúša komponovanie. V roku 1902, ku koncu lýcea, predstavil partitúru napísanú v Petrohrade – Prelúdium, chorál a fúga pre orchester. Jeho ďalšími opusmi boli Klavírny koncert (1902), Päť kusov pre husle a klavír (1904), Nokturno (1905) a Burleska pre orchester, množstvo romancí. Najvýznamnejším dielom týchto rokov je komická opera „Kráľ Enzo“ (1905) v podaní študentov Bolonskej univerzity, s ktorými Respighi nadviazal priateľské vzťahy (medzi jeho priateľov patrili A. Lunacharskij, ktorý študoval v Bologni na r. v tom čase a mladý španielsky skladateľ Joaquin Ning).

Od roku 1906 sa Respighi zúčastňuje ako interpret na viole a viole d "amour v Súbore starej hudby B. Mugeliniho a od roku 1908 pôsobí ako klavirista na Škole spevu v Berlíne. Činnosť profesionála interpret ho vedie k hlbokému štúdiu domácej hudobnej klasiky, istý čas sa venuje úpravám diel starých Talianov.Po spracovaní Monteverdiho Náreku Ariadny robí transkripcie Tartiniho Pastorály pre husle a sláčikové kvinteto, Vitaliho Chaconne pre husle, sláčikové kvinteto a organ, objavujú sa aj jeho úpravy sólových sonát Locatelliho, Tartiniho, Veraciniho pre husle a klavír A v roku 1908 vytvoril Respighi originálny Koncert v starom štýle pre husle a orchester.

Po návrate do Talianska v polovici roku 1909 skladateľ komponuje druhú operu Semiramide. Jeho premiéra sa čoskoro konala v Bologni a vyvolala rozporuplné ohlasy. Dramatickou intenzitou a zložitosťou orchestrálnej látky „Semiramide“ pripomínala „Salome“ od R. Straussa, no vokálne party zostali v medziach tradičných talianskych melódií. Neúspech postihol skladateľa v ďalšej opere - "Marie-Victoire" (nebola inscenovaná).

Pozoruhodným dielom z roku 1911 bola báseň pre mezzosoprán a orchester „Arethusa“ na text P. B. Shelleyho, vyznačujúca sa jemnou brilantnosťou orchestrálneho písania.

Hoci Respighiho diela boli v tom čase ešte málo uvádzané, jeho autorita ako skladateľa a interpreta bola už dosť vysoká. Určili sa aj jednotlivé znaky jeho štýlu, ktoré sa ďalej obohacovali: expresívna, plastická melodika (skôr inštrumentálna ako vokálna), diatonické ladotonálne myslenie, výrazná úloha harmónie, pôsobiaci ako aktívny činiteľ v tvarovaní a timbrovej dramaturgii. Pozornosť upútala aj bohatosť a rôznorodosť textúry a rytmu. Najvýznamnejším úspechom skladateľa v týchto rokoch bolo majstrovstvo v inštrumentálnej tvorbe, orchestrálnej aj komornej. Jeho inštrumentálna kreativita preukázala jasné umenie, virtuozitu, bohatosť zafarbenia, dokonalosť formy. Jeho štýl bol však stále do značnej miery eklektický.

Po presťahovaní do Ríma v roku 1913 sa Respighi stal vedúcim triedy kompozície na Hudobnom lýceu na rímskej akadémii Santa Cecilia. V tých istých rokoch stretol Stravinského, Fokina, Nižinského a Casalsa počas ich návštev Talianska. Pozorne študuje diela Debussyho, Ravela, Stravinského, no ignoruje experimenty s hlukovou hudbou talianskych futuristov, pričom je ľahostajný k tvorbe skladateľov novovenskej školy.

Z jeho diel počas 1. svetovej vojny stojí za zmienku suita Staroveké piesne a tance pre lutnu vytvorená v roku 1917 (prepis pre orchester). Skúsenosti so spracovaním lutnovej hudby pokračovali v druhej (1923) a tretej (1931) podobnej suite.

1917 je významným dátumom v diele Respighiho. Skladateľ dokončuje štvordielnu symfonickú báseň " Fontány Ríma„- dielo, v ktorom sa jasne prejavil jeho pôvodný talent symfonika. Odteraz je v jeho umení potvrdená téma Ríma, ktorá sa bude opakovane deklarovať v ďalších dielach. Prvé uvedenie básne nebolo veľmi úspešné, odozva verejnosti bola zdržanlivá, recenzie kritikov boli rozporuplné, v niektorých rozsudkoch sa prejavilo zjavné nepochopenie významu tohto inovatívneho programu pre taliansky program. symfonická hudba Tvorba. O rok neskôr dirigoval veľký Toscanini Rímske fontány a tentoraz vyvolali nadšené prijatie u verejnosti i kritikov a priniesli autorovi básne veľkú slávu.

V Ríme, meste, kde je minulosť a súčasnosť talianskej kultúry zložito prepletené, našiel Respighi sám seba nevyčerpateľný zdroj inšpiráciu. AT tento prípad jeho pozornosť upútali fontány, ktoré sú považované za jednu z hlavných atrakcií talianskej metropoly. Ako podstatný detail architektúry zdobia námestia, záhrady, fasády palácov, ulice, úspešne zapadajúce do celku mesta a okolitej krajiny. Skladateľ urobil zo štyroch slávnych fontán „hrdinov“ svojej prvej symfonickej básne a podľa tohto plánu predpísal jej časti nasledujúcimi nadpismi: „Fontána „Balle Giulia“ za úsvitu, „Fontána“ Triton „ráno“, „ Fontána di Trevi" na poludnie", "Fontána Villa Medici pri zapadajúcom slnku."

"Balle Giulia", jedna z najstarších rímskych fontán, je podľa autorovho programu spojená s krajinou na okraji mesta. Fontána Triton sa nachádza na námestí Piazza Barberini; vyznačuje sa sochárskymi obrazmi mytologické bytosti- bizarné postavy tritonov, najád a sirén, ktoré sa zdajú byť pohybujúce sa cez prúdy vody. Fontána di Trevi - najznámejšia z rímskych fontán - bola postavená na ozdobu jednej z fasád paláca Polo; centrom jeho kompozície je mohutná socha boha morí Neptúna, stojaceho na obrovskom škrupinovom voze a vládnucej ôsmim obrovským morským koníkom. Fontána vily Medici tvorí jeden celok so samotnou vilou.

Prvá časť básne je impresionistická krajina, ktorá je vytvorená pomocou jemných orchestrálnych farieb; je to jeden z prvých prominentných príkladov impresionistického písania v talianskej hudbe. Druhá časť je riešená inak: staticko-krajinársky charakter hudby tu nahrádza tanec. Toto fantastické scherzo je najdynamickejšou časťou básne. Začína sa rýchlym úvodom, ktorý vytvára dojem mohutného stúpania fontánového prúdu. hlavnú úlohu pri dosahovaní tohto efektu patria rohy, ktorých hlasný krik je zdôraznený rýchlym vzostupom zvyšku nástrojov orchestra.

Počas prvej svetovej vojny, keď boli možnosti koncertnej činnosti značne obmedzené, Respighi tvrdo pracoval na prekladoch do Talianský jazyk"Mobilný kontrapunkt prísneho písania" od Taneyeva a "Učenie o harmónii" od Schoenberga (aj keď tieto preklady neboli dokončené). Neopúšťa ani kreativitu: v roku 1917 skomponoval veľkolepú Sonátu pre husle a klavír a päť romancí, v roku 1918 komorné básne „Západ slnka“ a „Mimóza“ na Shelleyho verše pre hlas a sláčikové kvarteto. Potom na príkaz Diaghileva napísal balet „The Shop of Miracles“ (založený na klavírnych skladbách Rossiniho), ktorý bol úspešne predstavený v Londýne v júni 1919 *.

* Obchod zázrakov bol druhým z baletov na objednávku Diaghileva na základe spracovania diel starých majstrov talianskej hudby: v roku 1917 jeho súbor prvýkrát uviedol v Ríme balet V. Tommasiniho „Ženy dobrého charakteru. “ (podľa C. Goldoniho) na hudbu sonátu D. Scarlatti; tretím „talianskym“ baletom bola Stravinského „Pulcinella“ na hudbu Pergolesiho (premiéra sa konala v Paríži v roku 1919).

V roku 1920, v reakcii na oživenie záujmu o baletný žáner v Taliansku, spôsobené dojmami z vystúpení súboru Diaghilev, skladateľ napísal balet Čarovný hrniec (na základe ruského hudobného materiálu).

Rozvíja sa aj Respighiho inštrumentálna kreativita. V roku 1920 vytvoril orchestrálnu Baladu o trpaslíkoch a v roku 1921 vznikli Tri prelúdiá na gregoriánske melódie pre klavír, pozoruhodné svojou jemnosťou. Nemenej pozoruhodné z hľadiska poézie a múdrej stručnosti písania sú Štyri arménske piesne pre hlas a klavír (1921). Nepochybnými počinmi skladateľa sú Gregoriánsky koncert pre husle a orchester (1922), ktorý je atraktívnou a citlivou interpretáciou starého režimu, a Dorianovo kvarteto pre sláčikové nástroje (1924), ktoré má prísnu farbu. Po nich nasleduje Klavírny koncert v myceolydskom spôsobe (1924) a brilantná symfonická báseň Pines of Rome, ktorá zaznela v sále Augusteum pod taktovkou Toscaniniho s triumfálnym úspechom.

Súčasne so vznikom uvedených inštrumentálnych diel Respighi v rokoch 1921-1923 pracoval na komickej opere Belfagor podľa G. Hauptmanna, ktorej libreto napísal jeho priateľ spisovateľ C. Guastalla, ktorý sa stal libretistom všetkých nasledujúcich opery skladateľa. V Belfagore Respighi vychádza z princípov hudobnej dramaturgie Verdiho Falstaffa. A v jeho neskoršej opernej tvorbe zohrali rozhodujúcu úlohu princípy neskorej Verdiho opernej dramaturgie.

Ďaleko od politického života, v rokoch fašizmu zostal Respighi stranou duchovného boja opozičnej talianskej inteligencie. Autorita svetoznámeho skladateľa mu zároveň pomohla zachovať si určitú tvorivú nezávislosť.

Od roku 1924 Respighi, preťažený povinnosťami rektora konzervatória Santa Cecilia *,

* V roku 1919 sa Hudobné lýceum na Akadémii Santa Cecilia premenilo na konzervatórium.

nepíše skoro nič. V druhej polovici 20. rokov sa však vrátil k tvorivosti. V roku 1927 dokončil štvoraktovú operu Potopený zvon podľa rovnomennej Hauptmannovej drámy (libreto Guastalla). S veľkým úspechom bola uvedená v novembri toho istého roku v Hamburgu a potom na viacerých operných scénach v Európe, USA a Argentíne. Ale najvýznamnejšie úspechy Respighiho boli v oblasti symfonickej hudby. V prvom rade tu treba spomenúť Botticelliho Triptych pre sláčikový orchester (1927), ktorého obrazný obsah je inšpirovaný Botticelliho obrazmi „Jar“, „Klaňanie troch kráľov“, „Zrodenie Venuše“. Nemožno neobdivovať vycibrenú zručnosť skladateľa, ktorý založil prvú časť triptychu žánrov ľudového tanca, druhú - ľudové vianočné piesne, tretiu - podmanivú melódiu violončela na starogrécke spôsoby. Atraktívna je orchestrálna suita „Cirkevné vitráže“ (1926), pozostávajúca z častí „Útek do Egypta“, „Archanjel Michal“, „Ráno sv. Kláry“ a „Sv. Gregor Veľký“. Jej hudba, presiaknutá vysokou poéziou, je zároveň poznačená črtami naivného archaizmu a bezprostrednosti; naplno sa v ňom prejavil autorovi vlastný zmysel pre zvukovú farebnosť, virtuózne zvládnutie orchestrálnych prostriedkov.

V roku 1927 napísal Respighi suitu Birds pre malý orchester - ďalší príklad kreatívneho prehodnotenia požičaného starého materiálu, charakteristického pre éru (spomeňte si na Stravinského) a pre samotného Respighiho. Suitu otvára krátka Predohra na tému skladateľa B. Pasquiniho zo 17. storočia, po ktorej nasleduje hra Holubica podľa spracovania elegantného námetu francúzskeho lutnistu 17. storočia A. Galla; tretia časť - "Kura" - je napísaná na tému J.-F. Štvrtý Rameau - "The Nightingale" - na námet neznámeho anglického lutnistu 16. storočia (Respighi do jeho vývoja uvádza vtipnú paródiu na Wagnerov "Šuchot lesa"). Toccata, ktorá suitu uzatvára, je napísaná na tému Pasquiniho kukučky.

V roku 1929 Respighi dokončil monumentálnu symfonickú báseň „ rímske slávnosti“, ktoré spolu s „Rímskymi fontánami“ a „Rímskymi borovicami“ tvorili symfonickú trilógiu.

Najživšie sa to prejavilo na „rímskych slávnostiach“. národné črty hudba Respighi. Skladateľ hojne využíva taliansky folklór, ktorého výrazové možnosti umne odkrýva moderná hudobná tvorba. Z folklóru si vypožičiava intonačno-rytmické črty, žánrovú obraznosť, ktorú umne realizuje pomocou odvážnych metód orchestrálnej tvorby, založenej na virtuóznom využití expresivity inštrumentálnych timbrov. Obrovský orchester básne je pozoruhodný rozšírením skupiny bicích nástrojov (vzhľadom na veľkú úlohu rytmického začiatku v tomto diele) a drevených dychov, použitie napr. nezvyčajné nástroje ako mandolína, soprán buccin, klavír, organ.

Prvá časť básne – „Cirkusové predstavenie“ – uvádza rímsky dav do atmosféry búriacich vášní, čakajúcich v cirkuse na začiatok krutého, krvavého predstavenia. Je postavená na kontrastnej opozícii navzájom nepriateľských obrazov – kresťanských mučeníkov, zvierat a davu. Druhá časť – „Jubileum“ – zavedie poslucháčov do Ríma stredoveku *.

* Jubileum – sviatok, ktorý v roku 1300 zaviedol pápež Bonifác VIII., aby prilákal pútnikov (tých, ktorí navštívili Rím v r. jubilejný rok všetky hriechy boli odpustené). Spočiatku sa konal raz za sto rokov, ale potom v snahe získať obrovské príjmy, ktoré návštevy pútnikov do katolíckej cirkvi prinášali, začali po päťdesiatich, ba až po dvadsiatich piatich rokoch organizovať jubilejné slávnosti.

Skladateľ sa tu odvoláva na gregoriánsky chorál, na intonáciách ktorého Hlavná téma táto časť. Hudba zobrazuje dav pútnikov, ktorí smerujú do stredu katolíckeho sveta a unavene spievajú smutnú zborovú melódiu. Postupne, ako sa blížia k Rímu, pútnikov zachváti duchovné pozdvihnutie a chorál sa zmení na jasavý hymnus. Tretia časť básne - Októbrové prázdniny - nás zavedie do renesancie, čerpá ľudovú zábavu, ktorá kontrastuje s epizódami, ktoré sprostredkúvajú atmosféru poeticky vznešených pocitov a myšlienok vtedajších ľudí. Táto časť je založená na rozmarnom striedaní epizód, ktoré do seba voľne prechádzajú a tvoria kaleidoskopicky jasnú, voľnú štruktúru hudobná forma. Báseň končí obrazom hromadnej slávnosti na jednom z veľkých rímskych námestí („Sviatok krstu“). Vo finále je živo zachytený obraz ľudí – skutočného vlastníka veľkého mesta. Predstavuje sa nám úžasný obraz bujarého, povahovo rozmanitého ľudového jasotu, majstrovsky sprostredkovaného skladateľom s intonáciami talianskej piesne a tanca.

jemné pochopenie hudobných štýlov rôzne epochy sa brilantne prejavili v dvoch orchestrálnych transkripciách Respighiho - Chaconne od J. S. Bacha (1929), vykonaných na želanie Toscaniniho a zaujali pevné miesto v programe veľkého dirigenta, a orchestrálnej úprave piatich etúd-maľieb od Rachmaninova, čo vzbudilo potešenie ich autora. Okrem Chaconne vznikli aj ďalšie Bachove transkripcie: Prelúdium a fúga in D-dur (1930), Tri organové chorály (1931), Passacaglia in c-moll (1934). Štýlom písania sa k nim pripája pôvodné dielo z roku 1930 - Metamorfózy rozdúchané archaickou poéziou v režime XII (téma s variáciami). Najnovšie dielo, ktorý zavŕšil inštrumentálnu líniu Respighiho tvorby, bol Koncert pre hoboj, lesný roh, husle, kontrabas, klavír a sláčikový orchester (1934), napísaný v žánri concerto grosso. Spomeňme divadelné kompozície týchto rokov: balet „Balkis, kráľovná zo Sáby“ (1931) na motívy arabského a židovského folklóru, ako aj mystérium „Mária Egyptská“ (1932).

V roku 1932 Respighi spolu so skupinou ďalších skladateľov zverejnil manifest vyzývajúci na posilnenie väzieb s národnými tradíciami. Manifest obsahoval aj výzvu na oživenie romantickej kultúry citov a protest proti chradnúcemu racionalizmu. modernistické hnutia(predovšetkým bola myslená dodekafónia novovenskej školy, ale kritika smerovala aj proti neoklasicizmu, čím sa Respighi odklonil od Casella a Malipiera). V podmienkach fašistickej diktatúry mal manifest dvojaký význam: výzva k nasledovaniu národné tradície hral do rúk nacionalistickým tendenciám režimu, pričom túžba vrátiť hudbe emocionalitu romantického plánu mala skladateľov varovať pred nebezpečenstvom abstraktného racionalizmu.

V roku 1932 bol Respighi zvolený za člena Kráľovskej akadémie Talianska. Nástup na srdcovú chorobu značne obmedzil jeho koncertnú činnosť a 18. apríla 1936 v Ríme zomrel. Jeho posledné hudobné a scénické dielo – „Lucretia“ (podľa autorovho žánrového vymedzenia „príbeh“) na libreto Guastallu – zostalo nedokončené a dokončila ho skladateľova manželka a študentka Elsa Respighi. Z neskorších skladateľových diel treba spomenúť jeho voľnú rekonštrukciu Monteverdiho opery Orfeus, ako aj úpravu kantáty B. Marcella Dido (1935).

V dejinách talianskej hudby v prvej polovici 20. storočia. Respighi vstúpil ako autor jasných programových symfonických diel (básne „Rímske fontány“, „Špendlíky Ríma“).

Budúci skladateľ sa narodil v rodine hudobníkov. Jeho starý otec bol organista, jeho otec bol klavirista, mal Respighi a chodil na prvé hodiny klavíra. V rokoch 1891-99. Respighi študuje na Hudobnom lýceu v Bologni: hru na husliach u F. Sartiho, kontrapunkt a fúgu u Dalla Olia, skladbu u L. Torqua a J. Martucciho. Od roku 1899 koncertuje ako huslista. V roku 1900 napísal jednu zo svojich prvých skladieb – „Symfonické variácie“ pre orchester.

V roku 1901 prišiel Respighi ako huslista v orchestri na turné do Petrohradu s talianskym operným súborom. Tu je významné stretnutie s N. Rimským-Korsakovom. Ctihodný ruský skladateľ neznámeho návštevníka chladne privítal, no po zhliadnutí jeho partitúry ho zaujalo a súhlasil so štúdiom u mladého Taliana. Kurzy trvali 5 mesiacov. Pod vedením Rimského-Korsakova napísal Respighi pre orchester Prelúdium, Chorál a Fúgu. Táto esej sa stala jeho absolventskou prácou na Bologskom lýceu a jeho učiteľ Martucci poznamenal: "Respighi už nie je študent, ale majster." Napriek tomu sa skladateľ neustále zdokonaľoval: v roku 1902 absolvoval hodiny kompozície u M. Brucha v Berlíne. O rok neskôr Respighi opäť navštívi Rusko s operným súborom, žije v Petrohrade a Moskve. Po zvládnutí ruského jazyka sa so záujmom oboznamuje s umeleckým životom týchto miest, vysoko oceňuje moskovské operné a baletné predstavenia s kulisami a kostýmami K. Korovina a L. Baksta. Väzby s Ruskom neprestávajú ani po návrate do vlasti. Na univerzite v Bologni študoval A. Lunacharskij, ktorý neskôr, v 20. rokoch 20. storočia, vyslovil želanie, aby Respighi opäť prišiel do Ruska.

Respighi je jedným z prvých talianskych skladateľov, ktorí znovu objavili polozabudnuté stránky talianskej hudby. Začiatkom 20. storočia vytvára novú orchestráciu „Ariadnin nárek“ od C. Monteverdiho a skladba je s úspechom uvedená v Berlínskej filharmónii.

V roku 1914 je Respighi už autorom troch opier, no práca v tejto oblasti mu neprináša úspech. Na druhej strane vytvorením symfonickej básne Rímske fontány (1917) sa skladateľ dostal do popredia talianskych hudobníkov. Ide o prvú časť akejsi symfonickej trilógie: Rímske fontány, Rímske borovice (1924) a Rímske sviatky (1928). G. Puccini, ktorý skladateľa poznal blízko a bol s ním aj kamarát, povedal: „Viete, kto prvý študuje Respighiho partitúry? I. Od vydavateľstva Ricordi dostávam prvý výtlačok každej z jeho nových partitúr a stále viac obdivujem jeho neprekonateľné umenie inštrumentácie.

Veľký význam pre Respighiho tvorbu malo zoznámenie sa s I. Stravinským, S. Ďaghilevom, M. Fokinom a V. Nižinským. V roku 1919 Diaghilevov súbor uviedol v Londýne jeho balet The Miracle Shop na hudbu klavírnych skladieb G. Rossiniho.

Od roku 1921 Respighi často vystupoval ako dirigent s predstaveniami vlastných skladieb a ako klavirista absolvoval turné po Európe, USA a Brazílii. Od roku 1913 až do konca života vyučoval na Akadémii Santa Cecilia v Ríme a v rokoch 1924-26. je jej riaditeľom.

Respighiho symfonická tvorba jedinečne spája modernú techniku ​​písania, farebnú orchestráciu (spomínaná symfonická trilógia „Brazílske impresie“) a sklon k archaickej melodike, antickým formám, teda prvkom neoklasicizmu. Viaceré skladateľove diela boli napísané na témy gregoriánskeho chorálu („Gregorianský koncert“ pre husle, „Koncert v mixolydskom režime“ a 3 predohry na gregoriánske melódie pre klavír, „Doria Quartet“). Respighi vlastní voľné úpravy opier Sluha-pani od G. Pergolesiho, Ženské triky od G. Cimarosa, Orfeo od C. Monteverdiho a ďalšie diela starých talianskych skladateľov, orchestráciu piatich Etud-Maľieb od S. Rachmaninova, organ passacaglia c mol J. S. Bach.

V. Ilyeva

O.Respighi Symfonická báseň"The Pines of Rome" (1924)

1. Borovice z Villa Borghese

2. Borovice pri katakombách

3. Borovice na Janiculi

4. Borovice Appianskej cesty

V Ríme, meste, kde je minulosť a súčasnosť talianskej kultúry zložito prepletené, našiel Respighi pre seba nevyčerpateľný zdroj inšpirácie. Je však pozoruhodné, že zobrazením mesta v slávnom triptychu symfonických básní („Rímske fontány“, „Rímske borovice“, „Rímske slávnosti“) má skladateľ ďaleko od motívov moderného urbanizmu. Jeho Rím je mesto fontán ozdobených borovicami, Rím „večný“, nie moderný. Štyri časti „Pinias“ sa nevzťahujú ani tak na mestskú krajinu, ako na rímsku históriu.