Niesamowita rzecz: Aleksander Iwanowicz Tairow - osoba otwarta, łatwa, artystyczna w komunikacji, z cudownym poczuciem humoru i wyraźnie wyrażoną autoironią, która nikogo niczego nie uczy, w szczególny sposób wpływa na swoich rozmówców.

I to jest jakiś rzadki prezent, zauważony nie tylko przeze mnie: po spotkaniu z nim codzienne zamieszanie wokół niektórych, choć na krótki okres czasu, wydaje się nabierać więcej żywe kolory a nawet zharmonizowane. Może dlatego, że znanego nowosybirskiego artystę, projektanta, a od trzech lat gospodarza niezwykle popularnych spotkań artystycznych w Miejskim Centrum Sztuki, na wiele lat uchwycił jeden głęboki pomysł marzeń. A ona, mimo różnorodności jego spraw i zainteresowań, również w dużej mierze buduje, porządkując jego życie.

Cały świat w formacie monitora
- Aleksandrze Iwanowiczu, nazywasz się głównym artystą i projektantem NSTU, a dawniej NETI: od wielu lat kierujesz artystycznym biurem projektowym - strukturą edukacyjną, która istnieje między innymi po to, by projektować i tworzyć nowoczesne wnętrza środowiska na samej uczelni. Biorąc pod uwagę, że liczba absolwentów uczelni na przestrzeni lat wyniosła dziesiątki tysięcy, to słusznie można uważać się za tego, który zaszczepił im dobry gust…

Nie mam skłonności do przeceniania lub niedoceniania tego, co robimy. Myślę jednak, że ta niewielka, codzienna forma oddziaływania estetycznego w jakiś sposób wpływa na percepcję studentów… Niestety, jeśli spojrzeć szerzej, piękno dziś dla wielu ludzi koncentruje się tylko w obrazie transmitowanym przez telewizor, monitor komputera czy smartfon. Wtedy, obawiam się, postęp technologiczny doda tutaj stereofoniczny obraz, poczwórny dźwięk, jakiś specjalny hełm, a ludzka egzystencja w końcu przeniesie się w świat iluzji.

Mówiłam już o tym na spotkaniach artystycznych: rzeczywistość jest teraz tak nierealna jak świat wirtualny. A obrazy, które są prezentowane, oprócz namiastki piękna i przepychu, to okrucieństwa, masakry - ich nowoczesny mężczyzna wygląda, siedząc w wygodnym fotelu z filiżanką herbaty lub puszką piwa. Dlaczego występuje aberracja świadomości, rodzaj substytucji, jak w gry komputerowe kiedy będziesz mógł zrestartować i wszystko będzie dobrze. Z drugiej strony pojawia się uczucie zmęczenia. A najgłębsi ludzie mają tendencję do odrzucania tego wszystkiego od siebie i powrotu do korzeni, aby na przykład poczuć smak wyhodowanego przez siebie produktu, studni wody i tak dalej.

- Czy to trend?

Myślę, że tak. Wszakże dzisiaj cała siła przemysłu i odkryć technologicznych w dużej mierze skierowana jest na zaspokojenie najbardziej pustych potrzeb ludności krajów rozwiniętych. Otóż ​​gigantyczne środki wydaje się tylko na to, żeby jakiś młody osioł jeździł luksusowym samochodem po mieście z wielką prędkością dla własnej przyjemności… Niestety ludność biednych krajów jest też zarażona wirusem konsumpcjonizmu, a do tego , jak w „Opowieści o rybaku i rybach”, końca nie widać. Nikt nie chce myśleć, że jeśli ludzkość chce dalej istnieć, musi szukać innych znaczeń i zasad swojego istnienia.

- Na przykład?

Dla siebie wydedukowałem tzw. triadę korespondencji: miara, trafność, aktualność. Każdy sam wie, że w jego życiu wszystko zaczęło się psuć, gdy w jakiś sposób przekroczył poprzeczkę lub zrobił coś niewłaściwego w określonej sytuacji lub zrobił to w złym czasie. Uważałbym się za szczęśliwy, gdybym osiągnął poziom harmonii tej triady.

U źródła snu
- Mówiąc o swoim Działania edukacyjne, o tych samych spotkaniach artystycznych, na których opowiadasz o twórczości wielkich artystów, jaki jest ich cel w tym kontekście?

To długa rozmowa. Ale to on zasadniczo tłumaczy to, co robię przez całe życie, dążąc do tego, by Nowosybirsk stał się prawdziwą stolicą kultury. Nie żebym wyobrażał sobie osobę zdolną do tego, ale każdy ruch, każdy wysiłek w tym kierunku jest dla mnie ważny.

- Co, czy to nie stolica?

Cóż, po pierwsze, w porównaniu z innymi miastami, jest bardzo młoda. Po drugie, powstał, by tak rzec, szarpnięciami, pod wpływem pewnych namiętnych momentów: to budowa mostu przez inżynierów kolejowych w Petersburgu; drugi impuls rozwoju - kiedy stał się centrum administracyjnym rozległego regionu; potem - wojna, ewakuacja tu największych fabryk i instytucji kulturalnych; w latach 50. - powstanie Akademgorodok...

Tutaj nie było konsekwentnej kumulacji warstwy kulturowej; A kiedy ta kumulacja w końcu zaczęła się pojawiać - Nowosybirsk zamienił się w miasto inżynierów, naukowców, artystów, intelektualistów, którzy nadal kształtowali i poprawiali jego wygląd, wybuchły lata 90. Co moim zdaniem było nieszczęściem. Przybyła tu fala ludzi z dala od kultury, którzy nagle się wzbogacili. Wszystko zaczęło dyktować pieniądze. W tych miastach, w których istniały wielowiekowe tradycje, nie mogły one mieć tak fatalnego wpływu, jak na młode, kruche miasto. Ma ogromną energię, a wydarzenia, w wyniku których powstał, nie pozwalają mu w żaden sposób się uspokoić. Nie jest świadomy siebie i nie do końca rozumie...

(Jak się okazało, Aleksander Iwanowicz ma z czym się porównywać, zauważa nawet niektóre swoje „siniaki” obrazem miasta własnego dzieciństwa. A Sasza Tairow dorastał w centrum Tbilisi, w inteligentnej rodzinie, gdzie jest dobra domowa biblioteczka i, jak mówi Okudżawa, „na spacery w nałogu samotności” kładła się w nim kontemplacja, marzycielstwo i domowa, jak mówi, filozofia. Co jest własnością nosicieli kultury pięknego miasta z historią półtora tysiąca lat, odkąd przeprowadził się tu w wieku 18 lat, marzy o tym samym przystojnym mężczyźnie z zakorzenionymi tradycjami kulturowymi (patrz Nowosybirsk).

- To znaczy spotkania artystyczne w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych na Swierdłowie - czy to część twojego własnego planu handlu kulturą?

Co ty, nigdy nie wyobrażałem sobie siebie w tej hipostazie! Wszystko działo się dość spontanicznie. Kilka lat temu w Nowosybirsku powstało Miejskie Centrum Sztuki (swoją drogą zaprojektowałem część jego wnętrz i dość niestandardowe wejście - z daszkiem i latarniami), a dzięki staraniom dyrektora i całej zespołu, na szczęście wytworzyła się tu atmosfera, która wyróżnia ją spośród innych przestrzeni wystawienniczych, a także niektórych nieformalnych i ciekawe wydarzenia. Prototyp spotkań artystycznych narodził się dwa lata temu w Noc Muzeów, kiedy na prośbę moich studentów pracowni (tu prowadzę pracownię - uczę rysunku i malarstwa) opowiedziałem im o obrazie Rembrandta Straż nocna, ogromna reprodukcja, która została wystawiona w jednej z sal do innego projektu. Słuchaliśmy z zainteresowaniem, dołączyli się inni goście. Ale nie przywiązywałem do tego żadnej wagi.

Jakiś czas później, tego samego wieczoru, znajomi poprosili mnie, żebym opowiedziała o tym samym zdjęciu. Znów zebrał się tłum, oklaskiwali mnie, a kilka osób przyznało, że słuchało mojej historii po raz drugi. To było niesamowite, a Natalya Vladimirovna Sergeeva, dyrektor Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych, i ja postanowiliśmy podczas następnej Nocy Muzeów zawiesić reprodukcję obrazu Botticellego „Narodziny Wenus”, a w rezultacie sztuczka, ponieważ powiedzmy, zostało powtórzone.

… I zakochane panie
- Teraz w programie spotkań jest już prawie dwadzieścia nazwisk artystów, odbywają się one w każdą pierwszą sobotę miesiąca, a miejsca w ogóle lepiej rezerwować z wyprzedzeniem.

Ja sam nadal nie mogę się do tego przyzwyczaić - sala jest zawsze pełna. Wydaje mi się, że nie robię nic specjalnego - cóż, mówię i opowiadam, ale okazuje się, że ludzie widzą to nie jako wykład, ale jako solowy występ.

- Byłem na spotkaniu poświęconym twórczości Klimta, mogę potwierdzić: w twojej historii jest jakaś magia, od pierwszych fraz wprowadzających nieoczekiwanie zanurzasz się głęboko w epokę, w okoliczności życia artysty i mimowolnie przeciągasz słuchacze do tej „puli” ...

Przyznaję, dla mnie jeden niesamowity efekt przejawia się na spotkaniach artystycznych. Kilka ciekawych myśli, obrazów rodzi się właśnie tam. Tak więc, kiedy mówiłem o Pietrowie-Wodkinie, absolutną improwizacją było myślenie, że postać przedstawiona na jego sławny obraz czerwony koń to Rosja, piękna, potężna, pełna nieokiełznanej mocy, a jeździec to jej dusza, naga, młoda, roztrzęsiona, zaczarowana... Słowem, nie mam zadania zapoznawać publiczność z biografią mistrza dążę do zanurzenia ich w atmosferze swojego życia - udręki, poszukiwań, chwil szczęścia. I aktywnie wczuwają się w moją historię, przyznają, że wychodzą z tych spotkań emocjonalnie ogłuszeni, oderwani od codzienności…

- Och, Aleksandrze Iwanowiczu, nie mogę się powstrzymać od zadania podchwytliwego pytania: może to twój osobisty urok? A czy są wśród tych mdlejących kobiet zakochanych w tobie?

Cóż, przede wszystkim na widowni są mężczyźni. Po drugie, nie zawracam sobie głowy takimi domysłami. Cóż, wysoki wzrost, faktura: może dla żeńskiej części widowni ma to znaczenie, wywołuje jakieś przyjazne uczucia, ale nie jestem w wieku, w którym może odurzyć, oszołomić lub ogłupić… W przyszłości ja ogólnie chcesz zaprosić do naszej sztuki - klubu różnych ciekawi ludzie i działać jako moderator. Idea przedrewolucyjnych salonów artystycznych, w których zbierali się jednocześnie pisarze, artyści, muzycy dla stosunkowo młodego miasta, nabywającego własne tradycje kulturowe, wydaje mi się bardzo słuszna.

CIĘŻKIE BOMBARDOWANIE
- Na co nie masz wystarczająco dużo czasu, co innego byś zrobił, gdyby w ciągu dnia było więcej godzin?
- Czytać literaturę filozoficzną i dobrą beletrystykę. Przyjdzie czas, na pewno nauczy się nowych rzemiosł i umiejętności.

- Z ciągłym kłopotem - twoje hobby?
- Regularnie chodzę na siłownię, wykonuję określony zestaw ćwiczeń w domu. To część filozofii życia – każde życie jest pracą. Ciało to dom, w którym mieszka dusza. Jeśli dom nie zostanie zaopiekowany, w końcu pod jego gruzami dusza może zostać poważnie naruszona.

- Najjaśniejsze wrażenie z ostatniego razu?
- Jako kontemplator dawno nie odczuwałem żywych wrażeń i cieszę się rzeczami, które na pierwszy rzut oka nie są jasne - szelest liści, odcienie nieba, przeplatanie się gałęzi... Bo w sztuce najsilniejsze wrażenia nie powstają z kontrastów, ale z niuansów.

ODNIESIENIE
Aleksander Tairow, grafik, projektant, plakacista, członek Związku Artystów ZSRR, od 1985 - Rosja. Prace znajdują się w Państwowym Muzeum Sztuki w Nowosybirsku.

HIT NA PORTRET
Przez wiele lat Aleksander Tairow był głównym artystą świąt miejskich i wymyślił jego główny symbol - nie jakieś egzotyczne zwierzę, ale Gorodowiczkę, niezależny intelektualny chłopiec, który bardzo podobał się mieszczanom. Chodziło o to, aby Tairov był głównym artystą miasta, ale na spotkaniu z głównym architektem nie był entuzjastycznie nastawiony do wyglądu metropolii, co bardzo oburzyło jego kolegę, a do powołania nie doszło.

Chyba każdy zna to zdjęcie - „Portret Arnolfinis” holenderskiego artysty Jana Van Eycka. Boleśnie znajoma twarz - Londyńczyk Galeria Narodowa nawet przeniósł to zdjęcie do sala centralna, do najbardziej dostępnego miejsca. Każdy chce zobaczyć Putina)

A ja uczestniczyłem w wykładzie Aleksandra Tairowa w Centrum Sztuk Pięknych (kiedy wymyślają dla siebie niezapomniane imię). Spotkanie Aleksandra Tairowa trudno nazwać wykładem, tak inspirująco, ciekawie i emocjonalnie opowiada o twórczości różnych artystów. Emocjonalnie i bardzo technicznie szczegółowo o komponencie artystycznym, o historycznym i ekonomicznym tle każdego obrazu. Tak obszerny wygląd jest po prostu hipnotyzujący. Od stu lat nie byłam w teatrze dramatycznym i jakoś nie ciągnie – wszystko tam wydaje się zbyt fałszywe i nudne.

Ale za ten wykład 300 rubli to bez wątpienia żadna szkoda. Gorąco polecam transmisję na żywo lub obejrzenie filmu. https://vk.com/art_meeting_nsk Ale życie jest ciekawsze.

Co tu widzimy. Ma to miejsce na początku XV wieku. Zamożni ludzie zdecydowali się na legalne małżeństwo. Wydaje się, że wszystko jest proste - ale wokół są symbole.
Na przykład okno. Nic dziwnego, że widzimy tam liście i niebo – nie, życie w tym bogatym wnętrzu nie jest ograniczone, a małżeństwo nie jest powodem do ukrywania się w rodzinnym gnieździe. Tam za oknem pokusy i przyjemności są i będą obecne w życiu.
Przebiegłe twarze bohaterów wskazują również, że nie należy wkładać palca do ust, przygnębiony wygląd kobiety jest bardzo niejednoznaczny.
Ale obok psa jest symbolem wierności.
Płonąca świeca jest symbolem obecności Boga. Lustro jest soczewką, co jest w tej zniekształconej świadomości, czy ktoś się w nim odbija, jacyś goście?
Czerwień to symbol pasji, a owoce mówią o przyjemności. Zielony to znak piękna i integralności. Chociaż nie wiemy na pewno, czy to jego żona.
Mężczyzna i kobieta podają sobie ręce - biorą ślub. W tamtych latach nie trzeba było chodzić do kościoła, aby nazywać się mężem i żoną.

Oczywiście nie zamierzam tu powtarzać całego wykładu, piszę to, co pamiętam z ciężkiego życia lat dwudziestych XIV wieku.

Spotkanie odbywa się w tak kameralnej atmosferze. Dziękuję za wiele wysokiej jakości reprodukcji.

W czołówce był belgijski artysta Jan Van Eyck Renesans północny. Co się tam działo na początku XV wieku? Czasy były dzikie, ludzie żyli w biedzie, zimnie i nudie. Po zachodzie słońca wszyscy zamknęli się w swoich domach i usiedli przy drzazdze. A samo życie było postrzegane jako stan pośredni na drodze do czegoś jasnego.

I tak wszystko było dosłownie szare. Farby były drogie i farby olejne jeszcze droższe.
Teraz trudno nam sobie wyobrazić, że wokół są miliony bodźców wizualnych - przeciążenie informacjami i miganie jasnych obrazów. A w tamtych latach nawet kolorowe ubrania były rzadkością i przywilejem bardzo zamożnych obywateli. Większość była ubrana w szare i brązowe ubrania. Szare domy, szara jesień i zima, bez prądu i ogrzewania publicznego.

Film najlepiej ilustruje tę beznadziejność. Wszystko jest szare, zimne, kto do diabła wie jakie operacje chirurgiczne i tylko niebieskie oczy protagonisty jakoś nie pozwalają mu wyjść z kina, by zapomnieć o tej ciemności. Polecany, świetny film.

Więc. I w tym nędznym życiu, gdzieś nieurodzaje, potem wojna, potem jakaś inna cholera, wiara w Boga była niezniszczalna.

Portret mężczyzny w czerwonym turbanie. Istnieje opinia, że ​​jest to autoportret. Jest bardzo mało informacji o Van Eycku. Nawet data urodzenia jest zamazana - albo 1390, albo 1400.
Ten człowiek był znakomicie wykształcony - mówił kilkoma językami, jednak dla ówczesnych Europejczyków była to rzecz powszechna. Służył na dworze księcia Filipa Burgnudu, vel Filipa Dobrego. Rzeczywiście był człowiekiem życzliwym, starał się unikać konfliktów zbrojnych na ile to było możliwe.

Van Eyck oprócz malarstwa, które uważano za niezwykle ważną sprawę, zajmował się także misjami dyplomatycznymi, które udzielał przez ponad rok. Zajmował się również projektowaniem wnętrz i organizacją uroczystości.

Przy okazji, więcej o efekty wizualne. Potem było napięcie ze szkłem, nie było dżetów, biżuterii też. A prawdziwe jasne klejnoty były cenione nawet bardziej niż teraz, że tak powiem. Na przykład ten sam Filip z Burgundii mógł przynieść na plac skrzynię ze swoją biżuterią, aby pokazać ludziom. Słuchajcie obywatele - jaki jestem bogaty.
Jednak mijają stulecia, a ludzie nie przestali kochać dekorowania się kamieniami)

Żoną artysty jest Margaret. Mieli dziesięcioro dzieci.

Alexander Yakovlevich Tairov - rosyjski reżyser radziecki, założyciel i dyrektor Teatru Kameralnego. Spektakle „Famira-kifared” (1916), „Salome” (1917), „Fedra” (1922), „Miłość pod wiązami” (1926), „Tragedia optymistyczna” (1933), „Madame Bovary” (1940) , „Mewa (1944), Winny bez winy (1944) i inne.

Aleksander Jakowlewicz Tairow urodził się 6 lipca (24 czerwca) 1885 r. W mieście Romny w obwodzie połtawskim w rodzinie nauczyciela. Jego pierwsze wrażenia teatralne związane są z występami braci Adelnheim - tragików, którzy podróżowali po rosyjskich prowincjach. Tairov zaczął grać w przedstawieniach amatorskich.

Po ukończeniu gimnazjum Aleksander wstępuje na wydział prawa Uniwersytetu Kijowskiego. Przez te lata zetknął się bezpośrednio z teatrem prowincjonalnym, grając na scenie i oglądając grę dobrych prowincjonalnych aktorów. W sezonie 1906-1907 Tairow występował w Teatrze Komissarzhevskaya. Tu, w spektaklach Meyerholda, zapoznał się z mistrzostwem autorskiej reżyserii, ale raz na zawsze odrzucił estetykę konwencjonalnego teatru. Następnie - Mobilny Teatr „MKhAT” P.P. Gaideburow, Nowy Teatr Dramatyczny w Petersburgu. Już w Mobilnym Teatrze Tairow pełni funkcję reżysera. Jednak niewzruszona rutyna Nowego Teatru, dołączona do wcześniejszych teatralnych rozczarowań, stała się katalizatorem decyzji Tairowa o zerwaniu z teatrem.

W 1913 ukończył studia prawnicze na uniwersytecie w Petersburgu i wstąpił do adwokatury w Moskwie. Tairowowi wydaje się, że jest rozczarowany teatrem. Ale kiedy pojawia się K.A. Marjanow ze swoim fantastycznym pomysłem na Wolny Teatr, który miał łączyć tragedię i operetkę, dramat i farsę, operę i pantomimę – Tairow przyjmuje propozycję wejścia do tego teatru jako reżyser.

To Całun Pierretty Schnitzlera i chińska bajka Żółta kurtka wystawiona przez Tairowa przyniosły Wolnemu Teatrowi sławę i okazały się nieoczekiwanymi i interesującymi odkryciami. W tych przedstawieniach Tairow proklamował „teatralizację teatru” i zaproponował zasadę „gestu emocjonalnego” zamiast gestu obrazowego czy światowo autentycznego.

Premiera Welonu Pierrette odbyła się 4 listopada 1913 roku. Tairow oczywiście odgadł nastrój tamtych czasów w fabule w młodej dwudziestoczteroletniej aktorce o dźwięcznym imieniu Alisa Koonen. Arogancki fatalizm, impuls i zacięcie, podniecenie nieoddanych nadziei... Wszystko to było w jego pierwszym przedstawieniu na scenie Wolnego Teatru. A 25 grudnia 1914 r. Tairow został otwarty w Moskwie nowy teatr- Izba, która stała się symbolem nowej sztuki dla młodszego pokolenia lat 1910-1920.

Oczywiście okoliczności sprzyjały Tairowowi. Nie zapomni ich wymienić: oddanych, podobnie myślących aktorów, prawdziwych przyjaciół, doskonałego lokalu - XVIII-wiecznej rezydencji na Bulwar Twerskoj, prawie cudownie odziedziczone pieniądze. Ale to by nie wystarczyło, gdyby nie wiara Tairowa, gdyby nie jego odwaga, gdyby wreszcie nie miłość do Alisy Koonen, która na scenie uosabiała bardzo szczególny typ (być może Koonen jest jedyną tragiczną aktorką teatr sowiecki). W imię tej miłości powstał Teatr Kameralny. Reżyser i aktorka pobrali się w 1914 roku. Teatr odebrał im wszystko, nie pozostawiając miejsca ani na dzieci, ani na szczególnie przyjazne uczucia.

1914 Idzie pierwszy Wojna światowa. A Tairow ćwiczy dramat starożytnego indyjskiego klasyka Kalidasa „Sakuntala”. To, co skłoniło go do wyboru tej sztuki Prawdopodobnie miłość do Wschodu, doskonałe tłumaczenie K. Balmonta, zwycięska rola Koonena, obrazy stepowe i Buchary Pavla Kuzniecowa, które Tairow lubił na wystawie World of Art za ich wytworność prostota linii i kolorów.

W ówczesnych nastrojach panował pesymizm. Tairow na scenie zapewnił możliwość innego, piękny świat w której dominuje piękno, mądrość i pełnia życia duchowego. Początkowo Tairow był zmuszony pokazywać kilkanaście premier w sezonie. Ale od razu pojawił się jeden trend, oczyścił i uwolnił przestrzeń sceny. Dążył do stworzenia trójwymiarowej przestrzeni scenicznej jako jedynej odpowiadającej trójwymiarowemu ciału aktora. Reżyserowi pomagała artystka Alexandra Exter. Sceneria została przez nią ustalona w stylu kubizmu. Ten pomysł w szczególności ucieleśniał sztukę „Famira-Kifare”. Piramidy, sześciany, pochyłe platformy, po których poruszali się aktorzy, tworzyły rodzaj skojarzeniowego obrazu starożytna Grecja. Famirę grał orientalny przystojny Nikołaj Cereteli, „wypatrywany” przez Tairowa w gąszczu statystów Moskiewskiego Teatru Artystycznego.

Po Famirze Tairow zwrócił się do Salome Oscara Wilde'a. Dekorując przedstawienie, Exter, oprócz tkanin, zastosował cienkie metalowe ramy, obręcze, a nawet sklejkę.

Imponujący opis tego, jak Alisa Koonen grała Salome, pozostawił Leonid Grossman „Ale z niemal sakramentalnym gestem Salome podnosi ręce do oczu, z szacunkiem dla bóstwa, które się jej ukazało. „Kocham twoje ciało” – mówi z modlitwą księżniczka, jakby zaślepiona pojawieniem się Boga. A potem, w zmieszaniu i przerażeniu, jej ręce zaczynają wić się jak węże, gotowe zaplątać i zacisnąć zamierzoną ofiarę w pierścieniach na śmierć "...

W 1917 roku Teatr Kameralny został wyrzucony z rezydencji przy Tverskoy Boulevard, ponieważ nie było co płacić za czynsz. Nowa siedziba – giełda aktorska u bram Nikitskich – nie nadawała się zbytnio do wystawiania spektakli. Włożono naprawdę tytaniczne wysiłki, aby podnieść temperaturę na scenie i w sali z czterech stopni do co najmniej sześciu…

Aby otworzyć sezon 191920 na scenie zwróconej przez Narkompros, Tairow wybrał stary melodramat Adrienne Lecouvrere E. Scribe'a. Spektakl ten stanie się jednym z najbardziej wyprzedanych spektakli w stolicy i pozostanie w repertuarze Teatru Kameralnego do czasu jego zamknięcia. Po 750. spektaklu francuski pisarz Jean-Richard Blok powie, że Tairov i Koonen podnieśli melodramat Scribe'a do rangi tragedii.

4 maja 1920 roku w Teatrze Kameralnym odbyła się kolejna premiera - spektakl capriccio E.A. Hoffmann „Księżniczka Brambilla”. „Śmiech jest żywy, a radość jest żywa – to jest zadanie spektaklu” – wyjaśnił reżyser. Ekstrawagancko hojne przeplatanie się rzeczywistości i fantazji, ekscentrii i groteski, przedstawień cyrkowych i akrobatycznych - to królestwo „Księżniczki Brambilla” stworzonej przez Tairowa i artystę G. Jakulowa.

W 1922 r. Tairow wraz z Jakułowem wystawił kolejny wesoły spektakl - „Żirofle-Żiroflja” na podstawie operetki Lecoqa. Tutaj był corps de ballet, jak oczekiwano w spektaklu, i oczywiście „gwiazdy” Koonen, grający, zgodnie z librettem, obie bohaterki i Cereteli, który wcielił się w jednego z zalotników. Tairow afirmował w spektaklu najważniejsze zasady estetyczne swojego teatru, tu rozwinęła się kultura ruchu, kultura słowa i oczywiście wewnętrzna pełnia emocjonalna była w centrum wszystkiego.

Tairow uważał, że pierwszy etap jego poszukiwań w Teatrze Kameralnym zakończył się wystawieniem Fedry Racine'a (1922). Wiele scen z tego spektaklu przeszło do historii teatru światowego. Pierwsze wyjście Koonen-Phaedry, jakby pękające pod ciężarem jej katastrofalnej namiętności, stało się legendą, szła bardzo wolno, a fioletowy płaszcz ciągnął się za nią jak ogromna smuga ognia.

Premiery z 1922 r. – „Fedra” i „Żyrofle-Żiroflya” wyniosły Teatr Kameralny na niespotykaną dotąd wysokość. Są z tego dumni, ściągają do niego obcokrajowców, wysyłają na zagraniczne tournee. Obchody 10-lecia Teatru Kameralnego odbywają się w Teatr Bolszoj.

Wiele osób pamiętało wycieczki w 1923 i 1925 roku we Francji i Niemczech. Doksologia i besztanie w prasie; przekupionych klakierów, którym nie udało się rozbić Fedry, oraz odpowiedzialne przyjęcie wydane przez emigracyjną elitę na cześć aktorów Teatru Kameralnego; rozkosze Cocteau, Picassa, Léger... On Wystawa międzynarodowa w Paryżu w 1925 roku zwycięża Teatr Kameralny duża nagroda. Tairow wrócił z wyprawy jako zwycięzca. „No cóż, jacy to są bolszewicy”, wykrzyknął sławny francuski krytyk Alfred Dęblin to 200 procent burżua, artystów produkujących dobra luksusowe”.

Tairow szukał sposobów na ożywienie klasycznej tragedii, starając się zbliżyć ją do współczesnej publiczności. Negował pseudoklasyczny sposób przedstawienia tragedii, który zakorzenił się zarówno na francuskiej, jak i rosyjskiej scenie. Jak wspomina Alisa Koonen, Tairow chciał przedstawić królów i królowe ze sztuki Racine'a jako zwykłych ludzi „Nie graj królów!” - powtarzał na próbach Tsereteli i Eggertcie, którzy grali Hipolita i Tezeusza. Jednak te zwykli ludzie były opętane fatalnymi namiętnościami i zaangażowane w zaciekłą walkę. Ideę Tairowa najpełniej ucieleśniała Koonen-Fedra. Tragiczna koncentracja namiętności, której nie można ugasić, była główną treścią tego obrazu.

W planach Tairowa zadanie stworzenia nowoczesnej tragedii jest wciąż na pierwszym miejscu. Na tej ścieżce reżyser kilkakrotnie powracał do Burzy Ostrowskiego. Dostaje coraz mniej zewnętrzne piękno i coraz bardziej dąży do zrozumienia tragicznych podstaw bytu.

W połowie lat dwudziestych Tairow znalazł „swojego” autora, amerykańskiego dramatopisarza O'Neilla, który wierzył, że tylko tragedia może wyrazić procesy współczesnego życia. 11 listopada 1926 odbyła się premiera sztuki „Miłość pod wiązami”, która miała przejść do historii teatru światowego.

Prosta fabuła dramatu O'Neilla z życia amerykańskich rolników XIX wieku posiadała dla Tairowa dwuznaczność mitu „Wierzę, że w tej sztuce O'Neill wzniósł się na wyżyny, wskrzeszając w literatura współczesna najlepsze tradycje starożytna tragedia. Sztuka pokazała historię tragiczna miłość macocha (A. Koonen) z pasierbem (N. Tsereteli) i ich zaciekła rywalizacja o gospodarstwo. Maksymalna światowa przekonywalność, maksymalna wiarygodność pasji – i minimum codziennych detali.

W sztuce „Murzyn” na podstawie sztuki O'Neilla (1929) na scenie pojawiła się historia miłosna Elli i Murzyna Jima. Koonen-Ella, która w spektaklu żyje całe życie swojej bohaterki, od dziecinnej dziewczynki po cierpiącą szaloną kobietę, wzniosła się w swoim spektaklu na tragiczne wyżyny. Na uwagę zasługuje reakcja samego O’Neilla na spektakle „Murzyn” i „Miłość pod wiązami”: „Jak wielki był mój podziw i wdzięczność, gdy zobaczyłem wasze występy… W pełni oddawały wewnętrzny sens mojej pracy. Teatr twórczej fantazji zawsze był moim ideałem. Teatr Kameralny spełnił to marzenie.”

Tymczasem nowoczesność uporczywie domagała się od teatru stworzenia spektaklu „na miarę rewolucji” i pokazania nowoczesnego cukiereczku. Tairow przerobił, wyciął albo powieść S. Semenova „Natalia Tarpova” (1929), potem scenariusz N. Nikitina „Linia ognia” (1931), potem romantyczna tragedia M. Kulisha „Patetyczna Sonata” (1931) , następnie sztuka L. Pierwomajskiego „Nieznani żołnierze (1932). Ale inscenizacja tych bardzo niedoskonałych sztuk była w dużej mierze wymuszona.

Spotkanie Teatru Kameralnego z Wsiewołodem Wiszniewskim było godne uwagi z tego, że dramaturg i kreatywna drużyna były bardzo bliskie w sztuce. Zarówno pisarz, jak i teatr szukali monumentalnych, epickich, romantycznych form twórczości scenicznej. „Tragedia optymistyczna” Wiszniewskiego to wzburzona opowieść o tym, jak anarchistyczny oddział marynarzy, pod wpływem kobiety komisarz (A. Koonen), staje się zwartym pułkiem rewolucyjnym. „Cała emocjonalna, plastyczna i rytmiczna linia produkcji”, powiedział Tairow, „powinna być zbudowana na pewnego rodzaju krzywej prowadzącej od zaprzeczenia do afirmacji, od śmierci do życia, od chaosu do harmonii, od anarchii do świadomej dyscypliny”. Szczytem wznoszącej się spirali była śmierć komisarz, oświetlona zwycięstwem jej pomysłu. „Niebo, Ziemia, Człowiek” – krótkie motto spektaklu, wymyślone przez jego artystę V. Ryndina, trafnie formułuje ideę Tairowa. Spektakl mówił o zwycięstwie ludzkiego ducha, uwielbieniu człowieka i uwierzeniu w niego.

W premierze następnego sezonu – „Noce egipskie” – Tairow planował połączyć w jednym spektaklu „Cezar i Kleopatra” Bernarda Shawa, „Noce egipskie” Puszkina, „Antoni i Kleopatra” Szekspira. Ryzykowny eksperyment polegał głównie na odwadze i ambicji aktorskiej Koonena, którego od dawna przyciągał wizerunek wielkiego Egipcjanina. Jednak po tym spektaklu, zarówno w prasie, jak iw dyskusjach, Teatr Kameralny zaczęto nazywać formalistycznym, dostrzeżono więc filozoficzne uogólnienia Tairowa, który mówił o związku losów człowieka z losami epoki.

Po tragedii "Noce egipskie" teatr wystawił operę komiczną A. Borodina "Bogatyrs" (1936) z nowym tekstem Demyana Bedny'ego. Spektakl okazał się jasny, kolorowy, lekko stylizowany na miniatury Palekhów. Wkrótce pojawiły się oskarżenia o wypaczanie historycznej przeszłości narodu rosyjskiego. Sztuka została sfilmowana.

Krytyka spadła na Teatr Kameralny i jego lidera ze wszystkich stron. Argumentowano, że w praktyce teatru istnieje cały „system zamaskowanych ataków na naszą partię, system sowiecki i Rewolucja październikowa”. Trzeba było przerwać prace nad operą Prokofiewa „Eugeniusz Oniegin”. W sierpniu 1937 roku Teatr Kameralny Tairowa i Teatr Realistyczny Ochlopkowa zostały połączone w jedno. Trwało to dwa lata. W sztucznie zjednoczonej trupie panował chaos.

W 1940 był kolejny świetny występ Tairow, gdzie potężnie zabrzmiał tragiczny talent Alisy Koonen, „Madame Bovary” według Flauberta. Reżyser nie wystawił Flauberta w tradycyjnym tego słowa znaczeniu - ujawnił dramat tej powieści, zaglądając w głąb ludzka dusza.

Wojna zastała teatr na tournee w Leningradzie. Pospieszny wyjazd do Moskwy. Na początku września odbyła się premiera sztuki „The Battalion Goes West” G. Mdivaniego.

Sam teatr kameralny podczas ewakuacji w Balkhash i Barnaul dał ponad 500 przedstawień. Wśród premier z tego okresu są „Front” A. Korneichuka, „Niebo Moskwy” G. Mdivaniego, „Aż zatrzyma się serce” K. Paustovsky'ego, „Morze rozprzestrzenia się szeroko” i „Pod ścianami Leningrad” autorstwa Vs. Wiszniewski.

W 1944 Mewa została wystawiona w Teatrze Kameralnym. Główną zasadą spektaklu były słowa Czechowa „Nie potrzeba teatralności. Po prostu potrzebujesz wszystkiego, to bardzo proste.” Wyjaśniając wybór sztuki, Tairow powiedział, że „Mewa” brzmi „jak stworzona teraz sztuka, pokazująca, jak człowiek podbija wszystko i wchodzi w życie, bo Nina Zarecznaja będzie świetną aktorką. „Mewa” to gra wielkiej wiary w człowieka, w jego gwiazdę, w jego przyszłość, w jego możliwości.

Reżyser wziął tylko fragmenty tekstu Czechowa. Aktorzy grali bez makijażu - czytali tekst według swoich ról, od czasu do czasu zmieniając mise-en-scene na prawie pustej scenie. Przemówienie „Mewy” brzmiało jak muzyka, łącząca się z melodiami Czajkowskiego.

Kolejny występ Tairowa w 1944 roku, Winny bez winy, z pomocą artysty V. Ryndina, powrócił A.N. Ostrovsky, blask, słodycz i smutek starego teatru. „Było coś z samotności albatrosa Baudelaire w tej Kruchininie Koonenowa, w jej obojętnym spojrzeniu, skierowanym w dal, nad głowami otaczających ludzi, w jej ruchach, mimowolnie szybkich i ostrych, nieproporcjonalnych do rytmów i tempa w które poruszył tłum innych postaci” – napisze w dniach premiery B. Alpers.

Ostatnie lata Teatru Kameralnego były bardzo dramatyczne. W kraju rozwinęła się tak zwana „walka z służalczością wobec Zachodu”. Dla Tairowa sowiecka dramaturgia lat czterdziestych nie dawała wielkiego wyboru. Do tego trzeba dodać trudności w samym zespole, kiepskie wyszkolenie, zamknięcie szkoły aktorskiej przy teatrze, zrujnowany budynek, który wymagał remontu…

Oczywiście Tairow walczył. Kłócił się, bronił, udał się do władz, wyznał swoje błędy. Miał też nadzieję na uratowanie teatru. Stał w obliczu bezowocnych poszukiwań nowych autorów i sztuk. I czekał na niego pusty pokój. I zamieszanie za kulisami. I komisje badające stan rzeczy w teatrze. A 19 maja 1949 r. Decyzją Komitetu Sztuki Tairow został usunięty z Teatru Kameralnego.

29 maja po raz ostatni wydali "Adrienne Lecouvrere". Alisa Koonen bawiła się z natchnieniem, bezinteresownie. „Teatr, moje serce nie będzie już bić z podniecenia sukcesu. Och, jak kochałem teatr... Sztuka! I nie zostanie ze mnie nic, tylko wspomnienia...”. Ostatnie słowa Adrienne stały się pożegnaniem z widzami twórców Teatru Kameralnego.

Po zaciągnięciu kurtyny oklaski, okrzyki wdzięczności, łzy. Kurtyna została podana niezliczoną ilość razy, ale publiczność nie rozeszła się. Wreszcie na rozkaz Tairowa opuszczono żelazną kurtynę. Wszystko się skończyło.

Komitet Sztuki przeniósł Koonena i Tairowa (jako innego reżysera) do Teatru Wachtangowa. Nie pozostali tam długo, nie zaoferowano im pracy i nie obiecano im na przyszłość. Wkrótce Tairow i Koonen otrzymali gazetę, w której w imieniu rządu podziękowano im za wieloletnią pracę i zaproponowano, że pójdą na „honorowy odpoczynek, aby przejść na emeryturę z wiekiem” (Tairow miał wtedy około 65 lat, Koonen - 59). To był ostatni cios, jaki musiał znieść Aleksander Jakowlewicz.

9 sierpnia 1950 roku Teatr Kameralny został przemianowany na Moskiewski Teatr Dramatyczny im. A.S. Puszkina i tym samym praktycznie wyeliminowane.

We wrześniu stan zdrowia Aleksandra Jakowlewicza znacznie się pogorszył. Tairow zmarł 25 września 1950 r. w szpitalu Sołowjowa...

Spotkania artystyczne z Aleksandrem Tairowem. Artysta o artystach!

Aleksander Tairov- osoba, która potrafi zaskoczyć, zainspirować, pobudzić nasze serca do odkrywania nowych emocji i wiedzy, zanurzyć nas w życie artysty Gustava Klimta.

Aleksander Tairov - sławny artysta, krytyk sztuki, członek Związku Artystów od 1985 roku, gospodarz spotkań artystycznych w Moskwie, Nowosybirsku, Krasnojarsku, Petersburgu!

Drodzy przyjaciele, najważniejsze jest, aby nie przechodzić obok takich gawędziarzy jak Aleksander Tairow. Jego słowa, niczym kula lecąca dokładnie w cel, przeszyją twoje serce, zmieniając w ułamku sekundy twój światopogląd i kładąc w nim coś nowego, początkowo nieznanego.

Osobowość artysty, o którym mówi Aleksander, ujawnia się warstwami i przypomina płótno, na które krok po kroku nakładane są farby z jednej palety, a pod koniec wieczoru wyraźnie widać pismo artysty.

Odbywają się spotkania artystyczne w formacie wystawy reprodukcji i to jest wyjątkowe, bo wielu nie widziało, a może nigdy nie zobaczy wszystkich obrazów Klimta w jednym miejscu – są one rozproszone w muzeach na całym świecie lub znajdują się w prywatnych kolekcjach.

„Zmysłowa secesja Gustava Klimta”

Gustav Klimt- wybitny austriacki artysta XX wieku. Założyciel nowoczesnego stylu.

malarstwo ozdobne Gustav Klimt w najdziwaczniejszy sposób tka realistyczne wizerunki bohaterów swoich obrazów.

Malownicze pejzaże Gustava Klimta to celebracja niezwykle stylizowanej natury, malowanej jaskrawo, mozaikowo, graficznie.

Artysta w swojej twórczości często sięgał po temat alegorii, pisał liryczne obrazy kobiet i kwiatów, wychwalając zmysłowe piękno i starając się uchwycić nieuchwytne chwile harmonii. Tworzenie na zamówienie portrety kobiet Gustav Klimt „uratował” piękno i młodość swoich modeli, czyniąc ich wizerunki nieśmiertelnymi.

Obcy prawie nie wierzyli, że Gustav Klimt był artystą. Zewnętrzne podobieństwo do prostego chłopa, potężnej postaci, wysokiego i silne ręce nie pasował do wizerunku wyrafinowanego konesera piękna, którego twórczość pełna jest czułych uczuć i złotych odcieni.

Dzieje się to na naszych oczach występ solowy charyzmatyczny, artystyczny i emocjonalny Alexander Tairov (artysta, członek Związku Artystów od 1985 roku. Główny Artysta Państwo Nowosybirskie Uniwersytet Techniczny. Uczestnik wystaw regionalnych, republikańskich i międzynarodowych).

Słuchacze są zanurzeni w opowieści o artyście, są nim przesiąknięci, a obrazy ujawniają się w pełnym tego słowa znaczeniu.

Chcesz wiedzieć, co kryło się za skandaliczną i pełną pasji osobowością Gustava Klimta?

Jak powstawały zmysłowe kobiece portrety?

Chcesz poczuć wyjątkowy, olśniewający emocjonalnie styl twórcy nowoczesności?

Na spotkanie artystyczne z Aleksandrem Tairov Wraz ze znanymi faktami usłyszysz o Gustavie Klimcie coś, o czym historycy sztuki i biografowie czasami nie wiedzą, ale o czym jego płótna zawoalują, skrywając ukryte zakamarki duszy osoby, która je stworzyła…

Czekając na ciebie!!!

Procedura rejestracji i płatności:

1. Musisz zarejestrować się na wydarzenie przez system Time Pad

2. Udział poprzez przedpłatę na kartę Tinkoff 5536 9137 9980 6183 - 980 rubli. dla 1 osoby. WAŻNY! NIE MUSISZ niczego wskazywać w celu dokonania płatności!!!

3. Koszt uczestnictwa gotówką w dniu imprezy wynosi 1200 rubli, w zależności od dostępności!

Organizator w VK

Grafik, projektant, członek Związku Artystów Rosji Aleksander Tairow opowiedział czytelnikom magazynu VOLNA o sztuce współczesnej, środowisko kulturowe Nowosybirsk i próby zmiany na lepsze.

Aleksandra poznałam podczas Nocy Muzeów w Miejskim Centrum Sztuk Pięknych. W dużej sali, gdzie wystawione były reprodukcje obrazów Fridy Kahlo, o jednym z nich opowiadał piękny męski głos.

- Alexander, powiedz nam, jak narodził się pomysł organizowania spotkań artystycznych?

Forma spotkań artystycznych odbywających się w Centrum Sztuki powstała zupełnie nieoczekiwanie. Odbyła się „Noc Muzeów”, podczas której wystawiono jeden z obrazów Rembrandta. Opowiadał o tym inny wykładowca, ale ja widziałem wszystko inaczej. I muszę powiedzieć, że od dawna pragnęłam dzielić się swoją wiedzą artystyczną z ludźmi. Problem polegał na tym, że ludzie weszli do sali, nasłuchiwali dosłownie dwie minuty i wyszli. W tym momencie zdałem sobie sprawę, że wielu po prostu nie rozumie znaczenia obrazu. Ludzie widzą tylko to, co jest przedstawione, nie myśląc ani nie czując się szerzej. Później moi studenci z pracowni Dzieła wizualne poproszony o opowiedzenie o tym obrazie - o jego składzie i znaczeniu. Już w trakcie zauważyłem, że za mną stoją ludzie, którzy uważnie mnie słuchają. Głównym czynnikiem tworzenia spotkań artystycznych były właśnie pozytywne opinie naszych gości, którzy chcą dowiedzieć się więcej o artystach i ich pracach.

W następnym roku, w Noc Muzeów, odbył się wykład o Botticellim, całą salę poświęciliśmy jego obrazom. Odbyły się trzy sesje, całkiem udane. A dwa lata temu ten projekt zaczął istnieć w formie spotkań odbywających się w każdą pierwszą sobotę miesiąca.

To dość niezwykłe zjawisko dla Nowosybirska, więc jest interesujące dla ludzi.

Omówiliśmy już siedemnastu artystów. Na ten moment mamy stabilną publiczność - na spotkania przychodzi ponad sto osób, prawdopodobnie nie będzie większa, pojemność sali nie pozwala.

- To Są ludzie z Nowosybirska, którzy interesują się malarstwem i gotowy, aby zabłysnąć?

Tak i nie tylko Nowosybirsk. Gdybyśmy mieli okazję podróżować do innych miast, na przykład do Tomska, to ludzie byliby zainteresowani. Ludzi pociąga sztuka. Odwiedzający galerię najczęściej nie rozumieją znaczenia obrazów: rolę odgrywa nie tylko historia ich powstania, ale także biografia autora, treść kompozycyjna i kolorystyka. A jeśli to wszystko dociera do publiczności na tle wystawy prac artysty… Treści wewnętrzne, tajemnicze i… ukryte znaczenie zdjęcia stają się widoczne dla ludzi.

- Porozmawiajmy o ciekawym i bolesny temat dla naszego miasta. Po jednym z spotkania artystyczne ty powiedzieli, że w Nowosybirsk nie ma jednej przestrzeni kulturowej. Czy to naprawdę prawda?

Myślę, że to jest. Wszystkie dziedziny sztuki, czy to muzyczne, wizualne czy dramatyczne, żyją oddzielnie od siebie. Sztuka musi się przenikać. Wiele się zmieniło i nie jest to czas, kiedy rosyjscy mecenasi aranżowali spotkania poetów, muzyków, artystów i pisarzy. Oczywiście tak nie jest w naszym mieście. I nic dziwnego, bo Nowosybirsk nie ma żadnych poważnych podstawa kulturowa- historia miasta liczy nieco ponad sto lat, co jest bardzo mało dla ukształtowania się wysokiej jakości środowiska kulturalnego.

Oczywiście Nowosybirsk szybko się rozwija, liczba mieszkańców miasta zbliża się do dwóch milionów, ale większość z nich jest odcięta od życia kulturalnego miasta.

Powodem tego jest to, że miasto jest rozrzucone na rozległych obszarach, a rdzeń kulturowy znajduje się na prawym brzegu, w samym centrum - od Placu Swierdłowa do Placu Lenina. Wiele osób po prostu nie ma okazji dotknąć piękna. Co więcej, prawie wszystkie wydarzenia odbywają się wieczorem.

- Spotkania artystyczne odbywające się w Centrum Sztuki, częściowo rozwiązać ten problem?

Spotkania to tylko kropla w morzu potrzeb. W półtoramilionowym mieście obok naszego banera wiszącego w metrze na stacji Plac Lenina przechodzą tysiące ludzi, ale na spotkaniach artystycznych jest maksymalnie sto pięćdziesiąt osób. Procent jest oczywisty. To jest odpowiedź na pytanie, czy rozwiązujemy problem, czy nie. Ktoś po prostu nie jest zainteresowany rozwojem w tym kierunku, ktoś może nawet nie wiedzieć, że taki format istnieje w mieście. Teraz przecież w telewizji nie pokazuje się nic wartościowego – żadnych przedstawień, spektakli, koncertów orkiestry symfoniczne. W tym sensie Nowosybirsk jeszcze bardzo długo będzie podążał ścieżką oswajania z kulturą.

- Ale sprawa i w ludzie też? W ich odsetki?

Przede wszystkim u ludzi. Teraz na pierwszy plan wysuwają się zupełnie inne rzeczy, system wartości jest zdeformowany. Zmiany w umysłach ludzi zawsze wpływają sytuacja kulturowa w mieście lub kraju. Dzieci w naszych czasach nie marzą o zostaniu pilotami, na przykład dotyczy to również zawodów takich jak artysta czy pisarz. Pewnie dlatego, że wielu rozumie, że w tej dziedzinie prawie nie da się zarobić na życie bez absolutnie niczego. Pieniądze są siłą napędową tego stulecia. Większość ludzi nie widzi szczęścia w tworzeniu i zanurzeniu w kulturze, zapominając, że osoba, która nie doświadcza doświadczeń, nie rozumie głębokich rzeczy, żyje gorzej.

- Kiedyś była mowa w takim razie pieniądze w ja też Tobie następne pytanie: możliwie czy będąc artystą, tworząc sztukę, czuć się komfortowo? nowoczesny świat?

Powróćmy do tego, co zostało powiedziane dawno temu: wszystko, co piękne, jest w nas. Dla artysty, którego słusznie można nazwać nim, prawda jest taka. Powodem jest to, że prawdziwe znaczenie dojrzałej osoby tkwi w nim samym. Po oskubaniu doświadczenie życiowe, po zrozumieniu, czym jest wartość, człowiek cieszy się tym, co tworzy. Na świecie jest bardzo mało talentów. Rzadko jest osoba, która potrafi zgromadzić w sobie wszystko, co niezbędne i wartościowe.

- Aleksandrze, jeśli przypomnimy sobie początek ubiegłego wieku, to na umysł imiona przychodzą od razu znany artysta oraz Pisarze: Dali, Picasso, Hemingway. będę pamiętać czy za sto lat ktoś z nasz czas?

Niewątpliwie. uwielbiam powtarzać słynne zdanie Yesenina: „Nie możesz zobaczyć twarzą w twarz. Wielkie rzeczy widać z daleka. W miarę upływu czasu utalentowani ludzie krystalizują się, a społeczeństwo nauczy się postrzegać ich sztukę, zrozumieć, że ich przodkowie pozostawili bogate dziedzictwo kulturowe.

- W Nie ma w Nowosybirsku warunków do pełnego zaangażowania się w sztukę?

O tym właśnie mówimy. Aby stworzyć warunki, najpierw potrzebujesz na przykład szklarni. Ale nikt w to nie zainwestuje. Być może ktoś kupuje prace dwóch lub trzech oportunistycznych nowosybirskich artystów, ale to raczej wyjątek od reguły. Niestety nie ma absolutnie żadnego wspólnego zainteresowania i aspiracji. Rozkwit kultury powstaje na fali popytu na dzieła sztuki. To jest proces współzależny. Nowosybirsk to miejsce, w którym długo nic nie „rośnie”. A ludzie, którzy próbują coś zmienić, od razu wyjeżdżają w miejsce, w którym jest wygodniej i łatwiej. Tragedią naszego miasta jest też to, że ludzie godni lub ci, którzy czują w sobie potencjał, rozumieją, że nie mogą go tu w pełni zrealizować. Przyjeżdżają tu ludzie z małych miasteczek, najczęściej słabo wykształceni. Miasto zamienia się w punkt tranzytowy. Nic nie może powstać tak po prostu, a sztuka potrzebuje żyznej, wysokiej jakości gleby.

Zdjęcia dostarczone przez Aleksandra Tairowa.

Podoba mi się artykuł! 5