Oto prawdziwy oprawca! Ile razy siadałem, żeby o nim pisać (prawie rok!), a i tak nie wyszło. Ciekawy materiał, drażniący, leżał na powierzchni, ale w rzeczywistości temat okazał się dla mnie bardzo trudny.

Z jednej strony informacji o nim jest katastrofalnie mało, z drugiej strony jest już przestudiowany od góry do dołu i wszystko, jak się wydaje, zostało „przeżute”. Ale nie mogę dłużej milczeć! Po prostu nagram słabo kontrolowany strumień świadomości, a ty, jeśli chcesz, obejrzyj tę prostą grę amatorskiego umysłu.

Rogier van der Weyden. Poliptyk „Sąd Ostateczny” (detal), Szpital „Hotel Dieu” w Beaune, 1445-64.
Rogier nie przedstawiał złych duchów, rysując Sąd Ostateczny, jak to było w zwyczaju jego kolegów. Pokazuje, że ludzie ciągną się do piekła, ciągnąc się za sobą. Jeśli spojrzymy na inne fragmenty panelu, widzimy, że niektórzy grzesznicy gryzą siebie: wierzono, że grzesznik „pożera samego siebie”. Jak mądrze!
Tutaj:

Więc Rogier van der Weyden!

Na pierwszy rzut oka jest prosty jak matka ziemia, ale z drugiej strony jest prawdziwym i najpełniejszym ucieleśnieniem północnego renesansu, niezwykle jasnego akcentu przełomu późnego gotyku i dojrzałego renesansu. Niesamowite połączenie nieco naiwnej interpretacji formy i koloru z ostrą ekspresją obrazu ludzkich emocji - czego ani on, ani genialny rywal van Eycka nie potrafili przed nim zrobić. Taki pozornie nudny, ale jednocześnie bardzo kontrowersyjny mistrz.

Rysunek-portret Rogera de la Pastour, narysowany przez jednego z kolegów studentów w warsztacie Campin.

Rogier van der Weyden na rycinie z XVII wieku. Wygląda na to, że zrobili to według tego samego rysunku.

I ciągle pojawiają się pytania o autorstwo - dziesiątki obrazów (niesamowita płodność!) przypisuje się jego pędzlowi, ale autorstwo żadnego z nich nie zostało w 100% udowodnione. Pokazałem ci już na przykładzie „”, co za cholerne zadanie jest rozpoznać, kto namalował który obraz, skoro wszyscy są przygnębiająco tego samego typu! Naturalnie pojawia się logiczne pytanie: jeśli jest tak wiele przypisywanych prac, jak jedna osoba, która zaczęła malować w wieku 27 lat, była w stanie stworzyć to wszystko przed śmiercią w wieku 65 lat? Czy nie pracował nad tym cały batalion posłusznych uczniów?

Rogier van der Weyden Zejście z krzyża, ok. 1930 r. 1435
Jedną z najpotężniejszych, najbardziej dramatycznych pod względem natężenia emocji jest twórczość artysty, jednego z nielicznych, których autorstwo praktycznie nie budzi wątpliwości. Opisy podręcznikowe stały się już opisami wyraźnego rytmu kompozycji, wyważonej symetrii, „rzeźby” i wybrzuszenia postaci. Znakiem rozpoznawczym Rogiera jest ograniczona przestrzeń tła, grupa bohaterów wydaje się być umieszczona w płytkiej niszy. To była część ołtarza; najprawdopodobniej jego rzeźbione dekoracje i sam obraz tworzyły jedną kompozycję. Bardzo piękne dzieło, choć wciąż niedojrzałe użycie światła i cienia, szczególnie widoczne w przedstawieniu tkanin. A z proporcjami ciał - po prostu katastrofa!

To prawda, że ​​wśród kolegów z warsztatu nie jest jedynym, który tak „kłopotliwy” z identyfikacją, to smutny los wielu artystów północnego renesansu: Jan van Eyck był mylony ze swoim bratem Hubertem, Robertem Campinem z Jacques Dare i sam van der Weyden, Weyden z Memlingiem, van der Gus i cała horda bezimiennych uczniów i wyznawców. A nawet z Durerem!

Zamieszanie wynikło ze zmiany nazwiska autora, a później z błędów powierzchownych biografów. Tak więc w 1604 roku flamandzki artysta i pisarz Karel van Mender, zainspirowany przykładem Giorgio Vasariego, napisał swoją „Księgę artystów”. Oto ona, przede mną. Treść zawiera dwóch Rogierów – jeden jest nasz, „poprawny”, a drugi to „Rogier, malarz z Brugii” – oczywiście jakaś pomyłka. W tym czasie minęło 150 lat od śmierci naszego bohatera i było już z nim zamieszanie.

Artystce podlegała najróżniejsza paleta emocji. W każdym razie najpierw spotykamy się z najbardziej szczegółowym przedstawieniem łez podczas malowania z nim.

I jeszcze jedna właściwość jego twórczości, która, jak mi się wydaje, niemal pogrążyła jego nazwisko w błotnistej otchłani niepamięci, właściwość dość paradoksalna: jest patologicznie normalny. Jakiś zbyt doskonały, nienaganny, dosłownie nie ma na co narzekać: nie buntował się i nie był na sądzie, jak Kampen, nie angażował się w narcyzm, jak Durer, nie szalał, jak Hugo van der Goes, i nie aranżować mistyfikacje, jak van Eik. Niespecjalnie nacierał się na europejskich sławnych dworach (no cóż, trochę się pocierał), nie robił notatek i prawie nie podróżował.

Możliwy autoportret artysty, gobelinowa kopia panelu „Sprawiedliwość Trajana”

W jego pracach nie zobaczycie ryzykownych, dworskich wybryków, obrzydliwych piekielnych złych duchów, malowniczych błękitów trupów. Wszystko jest bardzo powściągliwe, pobożne i inteligentne. Nawet w Sądzie Ostatecznym nadzy ludzie lecący do piekła, choć wykrzywieni z przerażenia, wyglądają w nim całkiem czysto - nie ma to najmniejszego pożywienia dla wypaczonej ciekawości widza.

Van der Weyden uczył się trochę od wszystkich – od swego mistrza Kampena, od kolegów z warsztatu, od Jana van Eycka, z którym pracowali w tym samym miejscu w tym samym czasie, a nawet najprawdopodobniej od swoich uczniów – aby później uczą całe pokolenia malarzy Szkoły Północnej, a w niektórych miejscach także „Włochów”. Chłonął ducha swojej epoki i wszystkie charakterystyczne dla tego czasu zmiany, dlatego jego technika zmieniła się tak bardzo przez całe jego stosunkowo krótkie życie. To teraz dzieło historyków sztuki!

Sam gobelin. Wykonano go według malowniczo położonej deski, która zmarła w XVII wieku.

A trzeba też wziąć pod uwagę, że krąg ówczesnych artystów był stosunkowo niewielki, podobnie jak sama Europa: trzy wsie, dwie wsie po tej stronie Alp i prawie tyle samo po tamtej stronie. Wszyscy przejęli od siebie nawzajem techniki artystyczne i techniczne, wykorzystywali te same fabuły i schematy kompozycyjne - jak nazywają to dzisiejsi eksperci piękne słowo"ikonografia"; Pokazałem ci to w innych postach.

Rogier van der Weyden. "Święty Łukasz malujący Madonnę z Dzieciątkiem", 1450s
Namalował co najmniej 4 takie obrazy, za źródło uważa się ten, który znajduje się obecnie w Boston Museum - na zdjęciu w podczerwieni naukowcy znaleźli wiele kresek i korespondencji. Popularność fabuły jest zrozumiała – „oddziały” Gildii św. Łukasza „istniały w całej Flandrii, wielu z nich zamawiało „Lukę” do swojego lokalu. Możliwe, że Łukasz to kolejny autoportret. Tylko nos jest lekko „wygładzony”.

Przypomnę główne etapy jego drogi życiowej.

Przyszły artysta urodził się w belgijskim mieście Tournai w rodzinie nożownika Henri de la Pastour i jego żony Agnes de Vatrelou. „Nożownik” – nie brzmi zbyt dobrze, natychmiast pojawia się kudłaty wujek, ciągnąc ze sobą obrotową ostrzałkę po podwórkach i wrzeszcząc ochrypłym głosem: „A co z nożami ka-a-amu tachi-i-i-i -t?! ". Tata miał własny warsztat i noże w nim nie były ostrzone, ale zostały zrobione - bardzo szanowane i dochodowe zajęcie. Przypuszcza się nawet, że Roger-Rogier mógł mieć wyższe wykształcenie, inaczej trudno wytłumaczyć, dlaczego zaczął studiować jako artysta tak późno - w wieku 27 lat, podczas gdy rodzice zwykle oddawali swoje potomstwo jako studenci artystom nawet w dojrzewanie.

„Madonna kanclerza Rolina”. Jana van Eycka.
Czy to ci nic nie przypomina?

Ale inny nieznany mistrz flamandzki był czymś zainspirowany (ok. 1475).

Podskoczyliśmy trochę. Mały chłopiec urodził się w rodzinie Pastur w 1399 (według innych źródeł - w 1400) i nazwano go... Roger. To on później przyjął dla siebie północną nazwę „Rogier van der Weyden”: „Weiden” (Holandia) to dosłowne tłumaczenie z francuskiego „pastur” - „pastwisko”. Więc gdyby przeniósł się z Tournai nie do Brukseli, ale na przykład do Tweru, stałby się kimś w rodzaju Zhora Lugovoi, a Jurko Levada byłby w Połtawie.

Nie wiadomo, co Roger robił do 26 roku życia. Sądząc po stylistyce niektórych jego obrazów, niektórzy badacze sugerują, że wcześniej mógł być rzeźbiarzem, rzeźbiarzem w kamieniu - wiele jego prac przypomina malowane płaskorzeźby. Nie jest to wykluczone, ponieważ oprócz warsztatów artystycznych w Tournai istniała bardzo znana szkoła rzeźbiarska. Przyznaje się też, że podobnie jak Dürer mógł również zacząć jako jubiler. Bardzo możliwe, że pierwotnie iluminował rękopisy, niektóre ilustracje przypisuje się mu z dużym prawdopodobieństwem.

Rogier van der Weyden, Portret damy, lata czterdzieste XIV wieku.
Badacze nie wykluczają, że artysta przedstawił na obrazie swoją żonę Elżbietę.

W 1426 roku zmarł ojciec Roger, jego syn sprzedał warsztat (podobno był jedynym spadkobiercą) i… pewnie myślicie, że miał nieodpartą inspirację i rzucił się do pisania archaniołów? Ale nie, ożenił się. Jego wybór padł na dziewczynę Elizabeth Goffard, córkę zamożnego szewca, Jana Goffarda z Brukseli (też nic wspólnego z nieprzyzwoitym marginesem, stukaniem młotkiem w „kirzach” w brudnej budce).

Podobno spadek pozostawiony przez ojca pozwolił Rogerowi, który miał rodzinę, na chwilę zrezygnować z zarabiania, bez względu na to, co tam robił, i pójść do szkoły. Jego nauczycielem był tajemniczy „”, który jest obecnie powszechnie identyfikowany jako Robert Campin. Ciekawe, że w tym czasie Roger jest już wymieniany w dokumentach jako „mistrz Roger de la Pastour”, co potwierdza hipotezę, że był już mistrzem w jakiejś innej dziedzinie.

Rogier van der Weyden. Ołtarz "Siedem Sakramentów", środkowa tablica. 1440-1445. Nie mniej dramatyczny niż w „Zdjęciu z krzyża”. Detale:

Co przydarzyło się Rogerowi podczas jego praktykowania, możemy się tylko domyślać – szorował toaletę szczoteczką do zębów, przecierał farby, zagruntował deski, dodawał drobne detale, którymi mistrz był zbyt leniwy, żeby się nimi zadzierać. Oczywiście kopiowałem, a potem robiłem coś sam. Studiował przez 5 lat i nie znamy początkowego poziomu jego umiejętności. On, podobnie jak jego nauczyciel, nie podpisywał swoich prac, a nawet w tamtych czasach uważano, że wszystkie prace, które wychodzą z warsztatu (i są oczywiście sprzedawane) są własnością mistrza, wszystkie dochody trafiały do ​​​​niego .

Rogier van der Weyden Opłakiwanie Chrystusa, 1441
Nie jestem do końca pewien, czy to sam Weiden – ma ostrzejsze, bardziej kontrastowe kontury, a aureoli nigdzie indziej nie ma.

Technika wczesnych prac Rogera jest tak podobna do tej z Campin, że prawie niemożliwe jest określenie, gdzie kończy się Campin, a zaczyna de la Pastour. Z biegiem czasu umiejętności ucznia rosły, nabierał cech indywidualnych (także zmiennych i subtelnych), ale na początku lat 30. XIV wieku, jeśli miał rękę w jakichś obrazach z Warsztatu Roberta Campina, robił to, pozostając bezimiennym.

Nie wiem, jak Madame de la Pastour znosiła wówczas „uczenie się” swojego przerośniętego męża, być może przez cały ten czas zjadali jej posag i jego dziedzictwo. Jednocześnie nie wydaje się, aby byli w biedzie, w każdym razie wszystko było w porządku z ich funkcją rozrodczą: w krótkim czasie mieli czworo dzieci - Korneliusza, potem Małgorzatę, Piotra i Jana. Jeden z synów ostatecznie został mnichem kartuzem, córka niestety zmarła bardzo młodo.

Pieta, Ołtarz Miraflores, panel środkowy, 1435-1438
Jaki żal i czułość! Poza boskością, jaka potworna tragedia przeżyła tę kobietę! A Rohyr, chyba najlepiej ze wszystkich, z szacunkiem i delikatnością okazał jej smutek.

Pieta (kopia poprzedniego), warsztat van der Weden

Szkolenie zakończyło się w 1432 r., kiedy jego żonaty nauczyciel „zabłądził” z pewną dziewczyną i został postawiony przed sądem. Za karę był przygotowywany do pielgrzymki przez cały rok i zmuszony był na ten czas zamknąć warsztat, zwalniając z niego przed terminem dwóch najsłynniejszych uczniów w przyszłości: Jacquesa Dare'a i Rogera de la Pastour . Obaj otrzymali tytuł mistrza oraz możliwość rekrutacji własnych uczniów. To prawda, że ​​„pielgrzymka” Capena została wkrótce odwołana po interwencji wpływowych patronów, ale studenci już uciekli.

Rogier van der Weyden. „Ukrzyżowanie”, tryptyk, 1445
Na lewym skrzydle Maria Magdalena, po prawej św. Weronika z chustą na głowie. Oszalała z żalu matka na środkowym panelu przytula się do stopy krzyża - to była swego rodzaju innowacja, wcześniej w takiej egzaltacji przedstawiano tylko Marię Magdalenę. Środkowy panel (z dawcami - ich obecność na zdjęciu tuż przy krucyfiksie też nie została wcześniej zaakceptowana).

Świeżo upieczony mistrz de la Pastour wstąpił do Cechu Artystów Św. Łukasza w mieście Tournai, ale nie zatrzymał się tu długo. W 1435 zebrał rodzinę i wyjechał do Brukseli, do ojczyzny swojej żony. Niewykluczone, że został tam zaproszony jako znany już dojrzały mistrz, gdyż po przyjeździe niemal od razu został powołany na honorowe stanowisko naczelnego malarza miejskiego.

Jest to miniatura z pierwszej strony trzytomowej Kroniki Hainault, wykonana dla księcia Burgundii Filipa Dobrego w 1447 roku. Nad tekstem pracował Jean Voke, nad ilustracjami Rogier van der Weyden. Uważa się, że Jean Vauquet jest przedstawiony klęczącego z książką, ale wydaje mi się, że ten człowiek wygląda jak sam Rogier. Przy drzwiach w niebieskiej szacie i czarnej przyzwoitce stoi kanclerz Nicolas Rolen, pośrodku oczywiście sam Phillip, po jego prawej stronie młody książę Karol Śmiały, jak się okazało, ostatni człowiek z rodziny.

Tutaj stał się Rogierem van der Weydenem, ponieważ była to „holenderskojęzyczna” część Flandrii, w przeciwieństwie do francuskojęzycznego Tournai. Rogier szybko stał się sławny i popularny, otrzymywał zarówno ordery „miejskie”, jak i kościelne, a także od szlachty zbliżonej do dworu księcia Burgundii Filipa Dobrego.

Kolejne „Ukrzyżowanie”, 1445. Tym razem dawca jest na osobnej szarfie.

Jeszcze jedno, 1445
Jak, no, jak go odróżniają od Kampina?!

Bardziej czcigodnym (i starszym) malarzem dworskim był wówczas Jan van Eyck, ale nie było między nimi poważnej rywalizacji i konfliktu, bo inaczej Rogier miałby „pożyczyć” kompozycję od Wanajkowskiej „” dla swojego „Św. Łukasza”. Jan van Eyck byłby nie tylko nadwornym malarzem Filipa Dobrego, był jego przyjacielem i powiernikiem, wykonawcą ważnych delikatnych zadań (o tym już mówiłem). Ponadto w 1441 r. van Eyck zmarł, a w dniu długie lata Rogier van der Weyden został głównym malarzem Burgundii (i Flandrii, która jest jej częścią).

"Lamentacja" ("Pieta" znaczy to samo), 1460s

Pierwszym wielkomiejskim zleceniem była seria czterech wielkich obrazów „Sprawiedliwość Trajana” dla wielka Sala Sąd w Brukseli. Ta wspaniała praca nie zachowała się, mamy tylko kopię gobelinu i udokumentowane wspomnienia naocznych świadków. Dokumenty te wskazują, że Rogier przedstawił się na jednym z paneli, więc możemy założyć, jak wyglądał. Są też szkice współczesnych, zachował się portret graficzny, który najprawdopodobniej przedstawia Rogiera van der Weydena. Został narysowany przez jednego z praktykujących, jeszcze podczas nauki u Kampena. Rzeczywiście wygląda jak wujek z gobelinu.

Interesująca jest ta wersja „Złożenia do grobu”, napisana w 1450 roku, po jego powrocie z Rzymu. Rogier przejął rozwiązanie kompozycyjne od Włochów.

Fra Angelico „Złożenie do grobu”, 1438-1440 (Weyden zatrzasnął swoją kompozycję!)

Rogier wykonywał także rozkazy dla wszechpotężnego kanclerza Rolina, którego również napisał van Eyck (Bardzo Madonna kanclerza Rolina). Dla niego wykonał okazały ołtarz dla szpitala w Dieu „Sąd Ostateczny” – jedno z jego przełomowych dzieł.

Kanclerz Burgunda Nicolas Rolin „w wykonaniu” Jana van Eycka (po lewej, fragment „Madonny Rolina”) i Rogiera van der Weydena (po prawej, fragment poliptyku Sądu Ostatecznego).

Sądząc po skąpych fakt historyczny, nie tylko w głównym temacie obrazów Rogiera van der Weydena przejawiała się jego głęboka religijność. Był szczerze pobożnym i pobożnym człowiekiem, hojnym darczyńcą. Regularnie przekazywał pieniądze klasztorowi, w którym mieszkał jego syn, a także Fundacji Chrześcijańskiej Ter Kisten w Brukseli. Rogier był członkiem bractwa św. Krzyża, poza datkami pieniężnymi składał też „malownicze” prezenty dla kościołów – mówię wam, po prostu nie ma się czego czepiać! Gdyby tylko z kimś się pokłócił!

„Zejście z krzyża”, 1460

W 1450 roku Rogier odwiedził Rzym, najprawdopodobniej była to wyprawa pielgrzymkowa. Niedawno zmarła córka artysty, być może wyjechał do Włoch pokłonić się kapliczkom, pomodlić się za zmarłych i kupić odpust na zadośćuczynienie za grzechy. Oczywiście spotkał się z kilkoma artystami, a nawet otrzymał szereg zamówień od włoskiej szlachty. Styl jego malarstwa też się trochę zmienił - Rogier był bardzo wrażliwy na wszystko, co nowe.

Bardzo ciekawe rozwiązanie kolorystyczne tego „Ukrzyżowania”, lata 60. XIV wieku. Rogier używa kontrastu dziewiczo upławy niekanoniczne szaty i krwistoczerwone sukno w tle. Innym ciekawym jego „pojęciem” są rozdęte „skrzydła” bandaża Chrystusa, symbolizujące rychłe Zmartwychwstanie i Wniebowstąpienie.

Dzisiaj przyjrzeliśmy się kilku jego pracom i coś skomentowałem. Oczywiście, biorąc pod uwagę, że dzisiaj jest Wielki Piątek, temat nie jest zabawny, inne jego obrazy przeanalizujemy jakoś później.

I jeszcze kilka dzieł zwolenników i „wspólników” dla Ciebie:

„Zejście z krzyża”, Genua. Kopiuj

„Zejście z krzyża” 1490, kopia.

Warsztat Weyden, Ołtarz Joanny Francuskiej, 1450-70

Pieta (warsztat Rogiera van der Weydena), ok. 1930 r. 1464

Warsztat Rogiera van der Weydena, Pieta, 1464

Zwolennik Rogiera van der Weydena „Ukrzyżowanie” 1510

Warsztat Rogiera van der Weydena, Ołtarz Sforzów, 1460

Ciekawa kopia słynnego „Zdjęcia z krzyża” – z zachowanymi skrzydłami bocznymi, w przeciwieństwie do oryginału. Jest to ołtarz Edelhiri nieznanego autora, 1443. Przechowywany w Louvain.

„Zejście z krzyża”. Zwolennik Rogiera van der Weydena, Bruksela, 1470s

To trochę nie na temat - kopia Zejścia z krzyża Roberta Campina, ale styl jest ten sam.

„Zejście z krzyża”, malarz z kręgu Rogiera van der Weydena, 1460s

„Zejście z krzyża”, wyznawca Rogiera van der Weyden

Nie martw się - za kilka dni wszystko będzie dobrze!

PS. Uff, wciąż o nim pisałam!

Rogier van der Weyden (1399/1400, Tournai - 18 czerwca 1464, Bruksela) - holenderski malarz, obok Jana van Eycka uważany jest za jednego z twórców i najbardziej wpływowych mistrzów wczesnego malarstwa niderlandzkiego. Praca Van der Weydena koncentruje się na zrozumieniu w całej głębi indywidualności osoby ludzkiej. Zachowując spirytualizm poprzedniej tradycji, van der Weyden wypełnił stare schematy obrazowe renesansową koncepcją aktywnej osobowości człowieka, uzupełnił je głębokim psychologizmem i intensywnością emocjonalną. Pod koniec życia, według TSB, „odrzuca uniwersalizm artystycznego światopoglądu van Eycka i koncentruje całą uwagę na wewnętrzny świat osoba."

Przyszły klasyk północnego renesansu urodził się w 1399 lub 1400 roku w Tournai (Księstwo Burgundii) w rodzinie nożownika (francuski maitre-coutelier) o imieniu Henri. Praktycznie nie ma wiarygodnych informacji o dzieciństwie i młodości przyszłego mistrza.

Okres formacji twórczej Rogiera (do którego najwyraźniej należy Luwr „Zwiastowanie”) jest również słabo ujęty w źródłach. Istnieje hipoteza, że ​​to Rogier w młodości stworzył dzieła przypisywane tzw. Mistrz Flemalsky (bardziej prawdopodobnym kandydatem do ich autorstwa jest jego mentor Robert Campin). Student tak poznał pragnienie Campina, aby nasycić sceny biblijne realistycznymi szczegółami życia domowego, że prawie niemożliwe jest rozróżnienie ich dzieł z początku lat trzydziestych XIV wieku (obaj artyści nie podpisali swoich prac).

Pierwsze trzy lata w pełni samodzielnej pracy Rogiera (od 1432 do 1435) nie są w żaden sposób udokumentowane. Być może artysta spędził je w Brugii z van Eyckiem (z którym zapewne skrzyżował drogi wcześniej w Tournai). W każdym razie jedna z najsłynniejszych kompozycji Rogiera, Łukasz Ewangelista Malujący Madonnę, jest przepojona oczywistym wpływem starszego współczesnego.

Wiadomo, że do 1435 roku artysta wraz z rodziną przeniósł się do Brukseli, która była wówczas jednym z największych europejskich miast i jedną z najważniejszych rezydencji potężnego księcia Burgundii. Burgundia w tamtych czasach była warunkową „trzecią siłą” w Zachodnia Europa w stosunku do Francji, prowadzącej wyczerpującą wojnę stuletnią i Świętego Cesarstwa Rzymskiego. Będąc formalnie wasalami króla francuskiego, na początku XIV wieku książęta burgundzcy skoncentrowali pod swoim panowaniem ogromne terytoria, należące obecnie do Holandii, Belgii, Luksemburga i północno-wschodniej Francji, i faktycznie twierdzili, że tworzą odrębne, pierwotne państwo . W tym szczególnym okresie w historii ziem, obecnie podzielonych politycznie i terytorialnie między kraje Beneluksu, upada życie i rozkwit dzieła van der Weydena.

W związku z przeprowadzką do najważniejszego miasta księstwa, Brukseli, w którym głównym językiem porozumiewania się był niderlandzki, mistrz Roger de la Pasture tłumaczy swoje imię z francuskiego na niderlandzki i zostaje Rogierem van der Weydenem. W marcu 1436 Rogier otrzymał honorowy tytuł „artysty miasta Brukseli” (flam. stadsschilder). W Brukseli artysta będzie mieszkał do końca swoich dni w 1464 roku.

Do początku okresu brukselskiego należy wielki emocjonalny wpływ na widza „Zstąpienie z krzyża”.

Wszyscy ewangeliści wspominają o zdjęciu z krzyża Jezusa (w związku z pozycją w grobie), ale żadna z ksiąg Pisma Świętego nie świadczy o tym, że Matka Boża, kobiety niosące mirrę, Jan Teolog, zwykle przedstawiane w prace na ten temat, uczestniczyły w przeprowadzce.Centrum ideowym kompozycji stanowi martwy Chrystus i Maryja Panna, która zemdlała. Van der Weyden łamie kanony, nadając ciału Dziewicy niezwykłą, jednak niezwykle emocjonalnie naładowaną pozycję, jakby rymującą się z pozycją ciała Jej Syna. Ten śmiały i niecodzienny ruch niejako symbolizuje ideę nabożeństwa Matki Bożej do Boga-człowieka. Pozycja rąk Chrystusa i Jego Matki (nowego Adama i Ewy) kieruje wzrok widza na czaszkę Adama, ilustrując w ten sposób ideę i istotę zadość czyniącej ofiary dokonanej przez Pana w imię upadłej ludzkości.

Kolejnym arcydziełem Mistrza, które do nas dotarło, jest Ołtarz Marii Panny, tzw. Ołtarz Miraflores, wystawiony w berlińskiej Galerii Sztuki. Uważa się, że dzieło to zostało wykonane w 1445 roku na polecenie króla kastylijskiego Juana II, który z kolei podarował dzieło klasztorowi Miraflores, niedaleko Burgos. Ołtarz trójlistny opowiada o trzech najważniejszych wydarzeniach z życia Matki Bożej związanych z Jej Synem: czułości Dziewicy, żałoby Chrystusa i ukazania się Dziewicy Maryi Zmartwychwstałego Syna Człowieczego .

Różnica między Rogierem a surowym kampenskim realizmem i wyrafinowaniem waneickiego protorenesansu jest najbardziej widoczna w poliptyku Sądu Ostatecznego. Został napisany w latach 1443-1454. na zlecenie kanclerza Nicolasa Rolena na ołtarz kaplicy szpitalnej, ufundowanej przez tego ostatniego w burgundzkim mieście Beaune.

Warto zauważyć, że dzieło to nadal znajduje się w tym samym budynku, dla którego kiedyś je wykonywał Rogier, w mieście Beaune, w okolicach Dijon. Na centralnym panelu znajduje się Chrystus w chwale, bezpośrednio pod jego wizerunkiem jest Archanioł Michał ważący dusze zmarłych na swojej wadze. Po prawej stronie Chrystusa, Matki Bożej, orędowniczki rodzaju ludzkiego, uklękła, prosząc pokornie Syna, aby przebaczył ludziom ich grzechy. Zarówno Chrystus, jak i otaczający go święci siedzą na ognistych obłokach, pod którymi leży spalona ziemia. Ołowiane niebo rozświetlają błyski piekielnego ognia. Tam, w piekle, idźcie ze smutkiem za zatwardziałymi grzesznikami. Ci, którzy przeżyli, zmierzają w przeciwnym kierunku. Anioł spotyka ich u bram Niebiańskiego Jeruzalem. Pod względem zakresu pomysłu i mistrzostwa wykonania Sąd Ostateczny jest własnym ołtarzem genteńskim Rogiera.

W roku jubileuszowym 1450 Rogier van der Weyden odbył podróż do Włoch i odwiedził Rzym, Ferrara i Florencję. Został ciepło przyjęty przez włoskich humanistów (Mikołaj z Kuzy słynie z pochwał), ale on sam interesował się głównie konserwatywnymi artystami, takimi jak Fra Angelico i Gentile da Fabriano.

Z tą podróżą w historii sztuki zwyczajowo kojarzy się pierwsza znajomość Włochów z techniką malarstwa olejnego, którą Rogier opanował do perfekcji. Na rozkaz włoskich dynastii Medici i d „Este Fleming wykonał Madonnę z Uffizi i słynny portret Francesco d'Este (1460, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork). Włoskie impresje zostały załamane w kompozycjach ołtarzowych (" Ołtarz Jana Chrzciciela”, tryptyki „Siedem sakramentów” i „Adoracja Trzech Króli”), które wykonał po powrocie do Flandrii.

Portrety Rogiera mają trochę wspólne cechy, co w dużej mierze wynika z faktu, że prawie wszystkie przedstawiają przedstawicieli najwyższej szlachty burgundzkiej, na których wygląd i zachowanie wpłynęło ogólne środowisko, wychowanie i tradycje. Artysta szczegółowo rysuje dłonie modelek (zwłaszcza palce), uszlachetnia i wydłuża rysy ich twarzy.

Wśród najsłynniejszych portretów szlachty burgundzkiej, jakie do nas sprowadziły, przypisywane Mistrzowi, są wizerunki Filipa Dobrego (po 1450 r. Muzeum sztuki piękne(Dijon)), jego synowie, Karol Śmiały (Berlin galeria zdjęć) i Antoine of Burgundy, bękart (Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Bruksela)), Philippe I de Croix (1460, Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Antwerpia)), Laurent Fruamont (Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Bruksela)).

(ok. 1399-1464)

(Roger de la Pasture) - słynna i tajemnicza postać urodziła się w 1399 roku. Mimo że był jednym z najwybitniejszych artystów malarstwa flamandzkiego XV wieku, o jego życiu wiemy bardzo niewiele. Nie zachował się do nas ani jeden sygnowany przez niego obraz, a te z jego prac, które są wymienione w dokumentach, są opisane tak zgrubnie, że nie można ich zidentyfikować. Tak więc, przypisując ten lub inny obraz mistrzowi, krytycy sztuki są zmuszeni kierować się wyłącznie znakami pośrednimi. Tylko nieliczne prace Rogiera van der Weydena – w szczególności „Zdjęcie z krzyża”, przechowywane obecnie w Muzeum Prado w Madrycie – są wymienione we współczesnych źródłach pisanych wystarczająco szczegółowo i dokładnie. To, że w czasie II wojny światowej prawie wszystkie archiwa, w których można było znaleźć coś związanego z życiem mistrza, nie napawały historyków sztuki optymizmu. Aby odtworzyć przynajmniej część pełnego i spójnego obrazu kreatywny sposób Rogier van der Weyden, historycy sztuki, muszą zebrać rozproszone i skąpe informacje na jego temat. Uważa się, że artysta urodził się około 1399 roku we francuskojęzycznym mieście Tournai, położonym na terenie współczesnej Belgii. Jego ojciec był zamożnym handlarzem żelaza, Henri de la Pasture ("de la Pasture" jest francuskim odpowiednikiem flamandzkiego "van der Weyden" i tłumaczy się jako "łąka"). Dalsze ślady malarza giną – do 5 marca 1427 r. Z tą datą datowany jest dokument, który wskazuje, że „niektóry Roger de la Pasture został uczniem mistrza Roberta Campina”. Fakt terminowania Rogiera u Roberta Campina (ok. 1378-1444) nie budzi wśród badaczy wątpliwości. Jedno jest zaskakujące - w 1427 roku Rogier był już całkiem dorosły. W wieku 27-28 lat współcześni artyści otwierali już własne pracownie, a Rogier dopiero rozpoczynał studia.

Całkiem możliwe, że terminowanie w Kampina było dla naszego bohatera rodzajem „fikcyjnego małżeństwa”. Badacze sugerują, że już w 1427 r. Rogier był już ugruntowanym malarzem i „wszedł fikcyjnie” do Kampinu tylko po to, by uzyskać oficjalny status mistrza. Co wydarzyło się w 1432 roku. W tym czasie artysta zdążył już poślubić córkę zamożnego szewca i mieć syna (wiadomo o nim, że został mnichem i zmarł w 1473 r.). Następnie Rogier van der Weyden i jego żona mieli jeszcze co najmniej troje dzieci, z których jedno, Peter (ok. 1437 - po 1514), poszło w ślady ojca.

Po otrzymaniu tytułu mistrza Rohyr bardzo szybko odniósł sukces. W kwietniu 1435 przeniósł się już z rodziną do Brukseli, która była wówczas stolicą księstwa Brabancji i oficjalną rezydencją książąt burgundzkich. A w maju następnego roku został głównym malarzem miejskim.

W tym czasie Bruksela powierzyła artyście poważne zlecenie. Rogier musiał napisać dla ratusza cztery panele na temat sprawiedliwości. Przez dwieście pięćdziesiąt lat uważano je za najlepsze prace mistrzowie. Ale w 1695 panele te zostały praktycznie zniszczone podczas oblężenia Brukseli przez marszałka de Villeroy. Teraz możemy wyrobić sobie o nich wyobrażenie tylko z kopii zachowanych w postaci gobelinów. Rogier ukończył pierwszy z czterech paneli dla brukselskiego ratusza w 1439 roku, a prace nad pozostałymi przeciągnęły się na prawie wszystkie lata czterdzieste XIV wieku. Przede wszystkim widzów, którzy przyjechali z całej Europy, aby zobaczyć te panele, uderzył „żywy” autoportret Rogiera, wpisany przez niego w kompozycję jednego z nich. Niektórzy mówili nawet, że było w nim coś piekielnego, bo wzrok malarza w niezrozumiały sposób podążał wszędzie za widzem.

Mówiąc o tym okresie w twórczości artysty nie sposób nie wspomnieć o jego najsłynniejszych dziełach – „Zdjęcie z krzyża” (1435-40) i „Św. Łukasz malujący Madonnę” (1435-40). Nawiasem mówiąc, kompozycję ostatniego obrazu Rogier dokładnie „usunął” z jednego z dzieł Jana van Eycka, starszego mu współczesnego.

Sukcesowi twórczemu towarzyszył sukces materialny. Wkrótce po przeprowadzce do Brukseli kapitan ma rachunki - i to spore - w bankach Tournai i Brukseli. W 1443 nabywa dwa duże domy w jednej z najmodniejszych dzielnic miasta. W tym czasie sława Rogiera wykroczyła daleko poza granice jego rodzinnej Flandrii, a nawet dotarła na hiszpański dwór królewski. W 1445 r. Jan (Juan) Jan II z Kastylii przedstawia klasztorowi Miraflores obraz ołtarzowy namalowany przez Rogiera. Znane są słowa wypowiedziane przez monarchę na temat artysty: „Wielki Fleming”.

Od połowy lat czterdziestych XIV wieku „skład klienteli” Rogiera van der Weydena zaczął się zmieniać. O ile wcześniej wśród jego klientów przeważali bogaci mieszczanie, o tyle teraz przedstawiciele arystokracji coraz częściej zwracają się do mistrza. Rogier nie został jednak niczyim nadwornym malarzem, prawdopodobnie chcąc zachować niezależność.

W archiwach Brukseli zachował się zapis, że w 1450 roku Rogier van der Weyden opuścił miasto. Niektórzy historycy sztuki uważają, że artysta opuścił Brukselę w związku z podróżą do Rzymu. Ale nikt nie mówi o tej podróży, poza włoskim humanistą Bartolomeo Fazio (zm. 1457), który wspomniał o tym w swoim eseju „O sławni ludzie". Jednak ta księga zawsze była uważana za poważne, godne zaufania źródło. Dodajemy też, że Rohyr był bardzo pobożny (wiadomo, że wielokrotnie przekazywał duże sumy klasztorom i kościołom, a w 1462 został nawet członkiem braterstwo Świętego Krzyża), a zatem nie mamy powodu wątpić w jego „pielgrzymkę” do Rzymu.

Książka Fazio jest cenna nie tylko dla wiadomości o wizycie malarza w Rzymie. Świadczy również o tym, że w latach pięćdziesiątych XIV wieku sława Rogiera van der Weyden dotarła do Włoch. Dotarło do nas sześć dzieł, napisanych przez mistrza dla włoskich klientów, w tym Madonna Medycejska (ok. 1460).

W tym samym roku 1460 księżna Mediolanu Bianca Maria Sforza (1425-1468) wysłała swojego nadwornego malarza Zenetto Bugatto do Brukseli na studia u Rogiera van der Weydena. Malarze nie zgadzali się co do postaci i bardzo szybko pokłócili się. O tym epizodzie wiemy dzięki temu, że książę Ludwik Francji, przyszły król Ludwik XI, który w tym czasie mieszkał na dworze burgundzkim, podjął się pogodzenia nauczyciela i ucznia. Po powrocie Bugatto do Włoch w 1463 r. księżna Mediolanu napisała list do „szanowanego i kochanego mistrza Rogiera”, w którym dziękowała mu za życzliwy stosunek do jej protegowanego. Nie wiemy, czy Rogier van der Weyden rzeczywiście rozgrzał się do Bugatto po pojednaniu osiągniętym z pomocą przyszłego króla Francji. Możliwe, że ten list od księżnej jest prostym hołdem złożonym decorum. I najprawdopodobniej „szanowany i ukochany mistrz” nie zwracał uwagi na list księżnej. Był już za stary, by być próżnym, a pochwała arystokratów nie była dla niego nowa.

18 czerwca 1464 zmarł Rogier van der Weyden. Został pochowany w brukselskim kościele św. Guduli (obecnie jest to katedra). W tym samym czasie w rodzinnym mieście wielkiego mistrza Tournaia odbyło się nabożeństwo żałobne. Warsztat Rogiera, z którego wyszło wiele wspaniałych dzieł, trafił do jego syna Piotra. Jednak jej faktycznym przywódcą był jeden z ostatnich pomocników Rogiera van der Weydena, Hans Memling (ok. 1433-1494), który kontynuował tradycje swego nauczyciela.

Welon, który zwykle noszono w celu ukrycia zmysłowości ciała, tutaj dzięki swojej modnej przezroczystości daje efekt dokładnie odwrotny. Lewe ucho jest prawdopodobnie zbyt wysoko nadciągnięte (równolegle do oczu, a nie do nosa) - aby uzyskać gładką linię dolną prawa strona welony.

Rogier van der Weyden. „Łukasz Ewangelista malujący Madonnę”. Uważa się, że artysta przedstawił się na obraz apostoła. Obraz został wyraźnie wymyślony pod wrażeniem Madonny kanclerza Rolina van Eycka, o której.

Jeśli Jan van Eyck odtworzył fakturę skóry modela w mikroskopijnych szczegółach, w manierze nominalistycznej filozofii swoich czasów, szukając sposobu na uchwycenie niepowtarzalnych, niepowtarzalnych cech każdego z przedstawionych, bez względu na to, jak szorstkie lub brzydkie wyszło, wtedy Rogier podkreśla status społeczny swoich modelek, zwłaszcza poprzez przedstawienie rąk i twarzy. Rangę podkreśla się przede wszystkim (jak w przypadku van Eycka) za pomocą luksusowego stroju oraz atrybutów heraldycznych lub symbolicznych.

Ale Rogier stylizuje portrety – zwraca na przykład uwagę na ostro kontrastujące kontury ust i nosa, podkreśla gibkość kończyn – w ten sposób idealizuje siedzących, nadając im wielkie wyrafinowanie. Podczas gdy van Eyck pokazuje naturę tak „surową”, jak ona jest, Rogier poprawia rzeczywistość fizyczną, cywilizując i uszlachetniając Naturę i ludzką formę za pomocą pędzla.

Portret kobiety (Berlin) podobno przedstawia żonę artysty

Jego trzy czwarte „Portret damy” (Waszyngton) służy do zilustrowania tego stwierdzenia. Jej wąska twarz i duże, starannie dopasowane nakrycie głowy zakrywające uszy i brwi są przedstawione na neutralnym, ciemnym, dwuwymiarowym tle. Jej włosy, zaczesane do tyłu na wysokie czoło i utrzymywane na miejscu przez czarne płótno ozdobnego czepka, przyciągają kąciki jej oczu do światła. Welon, który zwykle noszono w celu ukrycia zmysłowości ciała, tutaj dzięki swojej modnej przezroczystości daje efekt odwrotny.

W przeciwieństwie do męskich modeli Rogiera, kobiety na jego portretach spoglądają z góry jako znak czystości i skromności. Jedynym wyjątkiem od tej reguły jest jego wczesny portret kobiety z 1435 roku (Berlin, il. s. 40), rzekomo przedstawiający żonę artysty.

Jak w większości półmetrażowych portretów Rogiera, szczególną uwagę zwraca się na niezwykłą delikatność dłoni modela. Modnie skrojone rękawy jej eleganckiej sukni zakrywają jej dłonie, pozostawiając tylko delikatną kruchość jej palców, których wyrzeźbione kształty i sploty przypominają przepiękną kutą złotą sprzączkę na czerwonym pasie z tyłu.

Rogier van der Weyden pierwsze umiejętności artystyczne otrzymał podobno od swojego ojca, rzeźbiarza. Od 1427 studiował w rodzinnym mieście Tournai u Roberta Campina. W 1432 został przyjęty do cechu malarzy w Tournai, później od 1435 pracował w Brukseli, gdzie otworzył duży warsztat, wykonywał różnorodne zamówienia i miał wielu uczniów. W 1450 odbył podróż do Włoch. Włoscy mistrzowie wysoko ocenili twórczość Rogiera, o czym świadczy fakt, że do Brukseli wysłano na studia u niego malarza z Włoch.

Rogier van der Weyden to artysta następnego pokolenia po Janie van Eycku. I choć twórczość starszego współczesnego była niewątpliwie znana Rogierowi, we wczesnych pracach bardzo różni się od niego zarówno strukturą emocjonalną, jak i przestrzennym rozwiązaniem obrazów. Wiele ołtarzy artysty przedstawia dramatyczne epizody z Pisma Świętego i panuje w nich tragiczne postrzeganie życia. Nietypowe dla jego wczesnych prac i szczególne zainteresowanie przestrzenną głębią obrazu. Ukazują one wyraźnie związek z rzeźbiarskim rozumieniem zadań plastycznych, co najbardziej bezpośrednio wpływa na częstsze stosowanie monochromatycznej techniki malarskiej naśladującej rzeźbienie, a także na cechy konstrukcji przestrzeni obrazu.

Rogier van der Weyden nie datował swoich prac, przybliżony czas ich powstania określa analiza stylistyczna. Najwcześniejsze z znane obrazy uważane za „Zejście z krzyża” (ok. 1435, Madryt, Prado) - centralna część tryptyku, która nie została całkowicie zachowana. Akcja rozgrywa się w płytkiej przestrzeni pierwszego planu ograniczonej złotym tłem, niczym płaskorzeźba. Artysta stara się podkreślić namiętne emocje twarzy otaczających martwe ciało Chrystusa. Matka Boża pada bezradnie nieprzytomna, Jan śpieszy jej wesprzeć. Marię Magdalenę łamie smutek, który niemal dosłownie wyraża zgięta postać i ręce zaciśnięte w rozpaczy. Bardziej powściągliwi w swoim smutku są majestatyczni starsi, którzy wspierają Zbawiciela. Wśród jasnych, zmysłowo namacalnych plam barwnych ubrań świadków zdarzenia, nagie ciało Chrystusa z bezradnie zwisającymi rękami i głową promieniuje nieziemskim światłem, przykuwając uwagę widza. Manierę Rogiera wyróżnia tu zamiłowanie do wyrazistej, wyrazistej linii konturowej, która gra na równi z kolorem.

Tragedia monumentalnego poliptyku Rogiera „Sąd Ostateczny” (ok. 1450, Beaune, Burgundia, Kaplica Szpitalna) jest postrzegana jako swoista alternatywa dla entuzjastycznej gloryfikacji świata w ghentskim ołtarzu Jana van Eycka. Powierzchnia ziemi nie jest tu kwitnącym ogrodem, ale nagą, pozbawioną życia równiną, pozbawioną jakiejkolwiek roślinności. Nadzy ludzie, przywołani z ziemi dźwiękami trąby Sądu Ostatecznego, z trwogą i drżeniem czekają na decyzję swojego losu.

Styl malarski i emocjonalny ton prac mistrza ulegają znacznym zmianom po jego wizycie we Włoszech. W jego kompozycjach religijnych wzrasta przestrzenność, wzrasta znaczenie tła pejzażowego. Artysta często sięga po motywy liryczne i obrazy Ewangelii. Wskazówką w tym zakresie jest prawe skrzydło małego Tryptyku rodziny Braque (lata 450., Paryż, Luwr). Przedstawia półpostać Marii Magdaleny, siedzącej na pierwszym planie w spokojnej pozie. Za nim rozciąga się szeroki, głęboki krajobraz ze wzgórzami i skałami, polami i zagajnikami. Klarowność i czystość kobiecego wyglądu koresponduje z ciszą i spokojem natury.

Jednym z ulubionych wątków Pisma Świętego Rogiera w latach pięćdziesiątych XIV wieku jest adoracja Dzieciątka Jezus. W Ołtarzu Bladelen (Ołtarz Middelburg; Berlin, Muzea państwowe) Klęcząca Maryja i Józef oraz klient obrazu, Peter Bladelen, czule patrzą na nagie ciało Dzieciątka. W centralnej części dużego tryptyku, zwanego Ołtarzem św. Kolumby (ok. 1460, Monachium, Stara Pinakoteka) ukazuje Adorację Trzech Króli. Scena nie ma głębi przestrzennej, choć w tle jest starannie oddany pejzaż miejski. Całą uwagę artysty przykuwają Mędrcy niosący prezenty, ubrani w luksusowe, współczesny artysta ubranie. Szczególnie spektakularna jest skrajna prawa, na której widzą rysy portretowe Karola Śmiałego, księcia Burgundii. Jego prawie wyrzeźbiona głowa ostro odstaje od kamiennej ściany. Miłość do piękna i wyrazistości linii konturowej, dopełnionej plastyczności gestu, charakterystycznej dla Rogiera z powrotem wczesna praca, jest tu również zachowany.

Religijne kompozycje Rogiera odniosły wielki sukces. Świadczą o tym liczne kopie i powtórzenia wykonane w XV wieku z jego dzieł, które przetrwały do ​​dziś. Taki jest obraz „Święty Łukasz malujący Madonnę” znajdujący się w Ermitażu w Petersburgu. Ponadto trzy kolejne egzemplarze tej kompozycji znane są w muzeach Bostonu, Monachium i Brugii. Uważa się, że Rogier przedstawił się na obrazie św. Łukasza. Interesujące jest również to, że krajobraz i postacie tła są bardzo zbliżone do tego, co widzieliśmy w Madonnie kanclerza Rolina Jana van Eycka.

Rogier van der Weyden znany jest również jako portrecista. Ale jeśli w portretach jego starszego współczesnego van Eycka widzieliśmy głównie przedstawicieli mieszczaństwa, to portretowe dzieła Rogiera są bliższe gustom arystokracji i najczęściej chwytają ludzi tej klasy. Takimi są na przykład Portret Francesco d'Este (ok. 1460, Nowy Jork, Metropolitan Museum of Art), Portret Kawalera Orderu Złotego Runa (ok. 1460, Bruksela, Królewskie Muzea Sztuk Pięknych). sztuki), nienazwane portrety kobiece. Ich koncepcja artystyczna zdecydowanie odzwierciedla chęć ujawnienia duchowej i fizycznej arystokracji jednostki. Portret Francesco d'Este ma charakter orientacyjny. Nowością w holenderskiej sztuce portretowej jest jasne tło, na którym szczególnie wyraźnie rysuje się głowa i ramiona młodego mężczyzny. Czapka z ciemnych włosów podkreśla jego sylwetkę, zwraca uwagę na oryginalność cienkiej, haczykowatej twarzy. Cienkie, długie palce wdzięcznie trzymają pierścień i młotek - najwyraźniej atrybut mocy. Ciemne ubrania podkreśla złoty łańcuszek na szyi oraz złota obwódka na kołnierzu i rękawach. Spojrzenie portretowanej osoby skierowane jest poza widza, ale nie jest to tylko zaabsorbowanie sobą, jak Eyck, ale aroganckie pragnienie stania ponad światem zewnętrznym.

W portrety kobiet Rogier pojawia się nowe pragnienie, aby portrety holenderskie podkreślały wykwintne piękno i wdzięk modelki. Są to portrety zbliżone do rozwiązania od Galerie narodowe Londyn i Waszyngton. Powstałe mniej więcej w tym samym czasie, w połowie XV wieku (o czym świadczy podobieństwo nakryć głowy), ukazują nam nieco wyidealizowane wizerunki młodych dworskich piękności. Precyzyjnie dopracowana kolorystyka, w której dużą rolę odgrywa różne odcienie biel, ożywiona plamą czerwieni, niesamowita umiejętność przenoszenia faktury tkanin, delikatna, jakby świetlista skóra twarzy, blask złotych klamer i pierścionków, czynią z tych prac arcydzieło malarskiej kreatywności.

Lilia Aleszina