DURER (Durer) Albrecht (1471, Norymberga - 1528, tamże), niemiecki malarz i grafik. Założyciel sztuki niemieckiego renesansu. W formach ekspresyjnych, fantastyczne obrazy ucieleśniał oczekiwanie na zmiany światowo-historyczne (seria rycin „Apokalipsa”, 1498), wyrażał humanistyczne idee o znaczeniu bytu i zadaniach sztuki (tzw. ryciny mistrzowskie, 1513-14). Stworzył pełne siły i energii wizerunki człowieka epoki reformacji („Portret młodzieńca”, 1521, dyptyk „Czterech apostołów”, 1526), ​​ludzi z ludu (rycina „Trzej Chłopi”). Znany jako subtelny, spostrzegawczy rysownik (ponad 900 rysunków). Teoretyk sztuki („Cztery książki o proporcjach człowieka”, 1528).

Biografia

Syn złotnika, pochodzący z Węgier. Studiował najpierw u ojca, potem u malarza i rytownika norymberskiego Michaela Wolgemutha (1486-90). Obowiązkowe do uzyskania tytułu mistrza „lata tułaczki” (1490-94) spędził w miastach Górnego Renu (Bazylea, Colmar, Strasburg), gdzie wszedł w krąg humanistów i drukarzy książek. W Colmar, nie chwytając żywcem M. Schongauera, od którego zamierzał doskonalić technikę grawerowania na metalu, studiował swoją pracę, komunikując się z synami, także artystami. Po powrocie do Norymbergi w 1494 ożenił się z Agnieszką Frey i otworzył własny warsztat. Wkrótce wyruszył w nową podróż, tym razem do północnych Włoch (1494-95; Wenecja i Padwa). W latach 1505-07 ponownie przebywał w Wenecji. Spotkawszy cesarza Maksymiliana I w 1512 r., podobno w tym samym czasie zaczął dla niego pracować (aż do śmierci w 1519 r.). W latach 1520-21 odwiedził Holandię (Antwerpia, Bruksela, Brugia, Gandawa, Malin i inne miasta). Pracował w Norymberdze.

Kreacja. Durer i Włochy

Droga twórcza Dürera zbiegła się z kulminacją niemieckiego renesansu, którego złożony, w dużej mierze dysharmonijny charakter odcisnął piętno na całej jego sztuce. Kumuluje w sobie bogactwo i oryginalność niemieckich tradycji artystycznych, stale przejawiających się w wyglądzie postaci Dürera, dalekie od klasycznego ideału piękna, preferujące ostry charakter, z dbałością o indywidualne detale. Jednocześnie kontakt ze sztuką włoską miał dla Dürera ogromne znaczenie, tajemnicę harmonii i doskonałości, którą starał się zrozumieć. Jest jedynym mistrzem renesansu północnego, który w kierunku i wszechstronności swoich zainteresowań, chęci opanowania praw sztuki, wypracowania idealnych proporcji postaci ludzkiej i zasad konstrukcji perspektywicznej, można porównać z najwięksi mistrzowie włoskiego renesansu.

Rysunki

Dürer był równie utalentowany jako malarz, rytownik i rysownik; rysowanie i grawerowanie zajmują w nim duże, czasem wręcz wiodące miejsce. Dziedzictwo Dürera jako rysownika, liczące ponad 900 arkuszy, można porównać z dziedzictwem jedynie pod względem ogromu i różnorodności. Rysunek był najwyraźniej częścią codziennego życia mistrza. Znakomicie opanował wszystkie znane wówczas techniki graficzne - od srebrnej szpilki i pióra trzcinowego po włoski ołówek, węgiel i akwarelę. Jeśli chodzi o mistrzów Włoch, rysunek stał się dla niego najważniejszym etapem pracy nad kompozycją, na którą składają się szkice, studia głów, ramion, nóg, draperii. To narzędzie do badania charakterystycznych typów - chłopów, eleganckich dżentelmenów, norymberskich fashionistek. Jego słynne akwarele „Kawałek darni” i „Zając” (Albertina, Wiedeń) są wykonane z takim zapałem i zimną obojętnością, że mogłyby zilustrować kody naukowe.

dojrzałość twórcza. Malarstwo 1494-1514

Pierwszą znaczącą pracą Dürera jest seria pejzaży (akwarela z gwaszem, 1494-95) wykonanych podczas podróży do Włoch. Te przemyślane, starannie wyważone kompozycje z płynnie na przemian plany przestrzenne- pierwsze „czyste” pejzaże w historii sztuka europejska. Równy, wyraźny nastrój, pragnienie harmonijnej równowagi form i rytmów określają charakter obrazów Dürera z końca XV wieku. - początek II dekady XVI wieku; takie są mały ołtarz „Narodzenie” („Ołtarz Paumgartnera”, ok. 1498, Stara Pinakoteka, Monachium), „Adoracja Trzech Króli” (ok. 1504, Uffizi), gdzie Dürer łączy grupę składającą się z Madonny i Trzech Mędrców ze spokojnym kołowym rytmem, gładkimi sylwetkami, podkreślonymi wielokrotnie powtarzanym motywem łuku w scenerii architektonicznej.

Jeden z głównych tematów twórczości Dürera w XVI wieku. poszukiwanie idealnych proporcji Ludzkie ciało, których szuka, rysując nagie postacie męskie i kobiece (Dürer jako pierwszy w Niemczech zwrócił się do studium aktu), podsumowując je w miedziorycie „Adam i Ewa” (1504) oraz duży dyptyk obrazkowy o tej samej nazwie (ok. 1507, Prado) .

Przez lata dojrzałość twórcza Dürer zawiera swoje najbardziej złożone, harmonijnie uporządkowane wielofigurowe kompozycje malarskie – „Święto Różańcowe” (1506, Galeria Narodowa, Praga) i „Adoracja Trójcy Świętej” (1511, Kunsthistorisches Museum w Wiedniu). „Święto Różańca” (a dokładniej „Święto Wieńców Różanych”) jest jednym z największych (161,5x192 cm) i najbardziej znaczącym tonem obrazów Dürera; najbliżej jej do sztuki włoskiej nie tylko motywami, ale i witalnością, pełnią obrazów (głównie portretów), pełnym brzmieniem kolorów, rozmachem pisma i wyważeniem kompozycji. Na małym obrazie ołtarzowym „Adoracja Trójcy Świętej” zastępy świętych, ojców Kościoła, wznoszących się w niebie aniołów są zjednoczone, jak w „Spór”, rytmicznymi półkolami, nawiązującymi do łukowatego zakończenia ołtarza.

Portrety i autoportrety

Portret zajmuje najważniejsze miejsce w malarskim dziedzictwie Dürera. Już we wczesnym portrecie Oswalda Krehla (ok. 1499, Alte Pinakothek, Monachium) Dürer pojawia się jako ugruntowany mistrz, znakomicie oddając oryginalność postaci, wewnętrzną energię modela. Wyjątkowość Dürera polega na tym, że autoportret zajmuje czołowe miejsce wśród jego wczesnych portretów. Pragnienie samopoznania, które kierowało ręką 13-letniego chłopca ("Autoportret", 1484, rysunek srebrną szpilką, Albertina, Wiedeń) otrzymuje dalszy rozwój w pierwszych trzech autoportretach malarskich (1493, Luwr; 1498, Prado; 1500, Alte Pinakothek, Monachium), a w ostatnim z nich mistrz przedstawiony jest ściśle z przodu, a jego prawidłowa twarz w ramce długie włosy i małą brodę, przypominającą wizerunki Chrystusa Pantokratora.

Treść budzącej grozę szalejącej epoki, jej ideologiczne osiągnięcia znajdują głębokie odzwierciedlenie w twórczości Albrechta Dürera (1471–1528), wielkiego myśliciela Niemiec. Dürer uogólnił realistyczne poszukiwania swoich poprzedników i współczesnych w integralny system poglądów artystycznych, a tym samym położył podwaliny pod nowy etap rozwoju sztuka niemiecka. Dociekliwość umysłu, wszechstronność zainteresowań, dążenie do nowego, odwaga wielkich przedsięwzięć, intensywność i rozmach postrzegania życia stawiają go obok wielkich Włochów - Leonarda da Vinci, Rafaela i Michała Anioła. Jego dzieło przenika pociąg do idealnego, harmonijnego piękna świata, chęć znalezienia drogi do poznania racjonalnych praw natury.

Z podnieceniem dostrzegając burzliwe wydarzenia naszych czasów, Dürer zdawał sobie sprawę z ich niezgodności z klasycznymi ideałami i stworzył głęboko narodowe typowe obrazy ludzi swojego kraju, pełne wewnętrznej siły i wątpliwości, silnej energii i myśli. Obserwując rzeczywistość, Dürer nabrał przekonania, że ​​żywa natura nie mieści się w klasycznych formułach. Praca Dürera uderza kontrastami. Łączy w sobie racjonalność i wyczucie, pragnienie monumentalności i przywiązanie do detali. Żyjący na pograniczu dwóch epok Dürer odzwierciedlił w swojej sztuce tragedię kryzysów społecznych, które zakończyły się klęską wojny chłopskiej.

Dürer urodził się w Norymberdze. Z wczesne lata w warsztacie swojego ojca, złotnika, potem z artystą Wolgemutem i przez lata tułaczki po niemieckich ziemiach, Dürer chłonął dziedzictwo niemieckiej sztuki XV wieku, ale jego głównym nauczycielem stała się natura. Dla Dürera, podobnie jak dla Leonarda, sztuka była formą wiedzy. Stąd jego niezwykłe zainteresowanie przyrodą, wszystkim, z czym artysta spotykał się podczas swoich podróży. Dürer jako pierwszy w Niemczech wyciągnął nagie ciało z natury. Tworzył akwarele pejzażowe, przedstawiał zwierzęta, draperie, kwiaty itp. Jego nienagannie dokładne rysunki nasycone są wzruszającym i pełnym miłości podejściem do detali. Durer studiował matematykę, perspektywę, anatomię, interesował się naukami przyrodniczymi i humanistycznymi. Dwukrotnie Dürer podróżował do Włoch i stworzył szereg traktatów naukowych (Guide to Measurement, 1525; Four Books on Human Proportions, 1528).

Nowatorskie dążenia artysty przejawiały się podczas podróży do południowych Niemiec, Szwajcarii i Wenecji. Po powrocie do Norymbergi, gdzie Dürer założył swój warsztat, rozwinęła się jego wielostronna działalność. Malował portrety, kładł podwaliny pod niemiecki pejzaż, przekształcał tradycyjne opowieści biblijne i ewangeliczne, wkładając w nie nowe treści życiowe. Specjalna uwaga artystę zainteresowało rytownictwo: najpierw drzeworyt, a potem rycina na miedzi. Dürer rozszerzył temat grafiki, przyciągając tematy literackie i codzienne. W jego rycinach pojawiły się wizerunki chłopów, mieszczan, mieszczan, rycerzy itp. Największym osiągnięciem twórczym tych lat jest popularna wśród ówczesnych mas niemieckich seria szesnastoarkuszowych drzeworytów na temat Apokalipsy (1498) . Ta seria Dürera spleciona ze średniowieczem przekonania religijne z niepokojącymi nastrojami spowodowanymi wydarzeniami społecznymi naszych czasów. Opisane w Apokalipsie straszne sceny śmierci i kary nabrały aktualnego znaczenia w przedrewolucyjnych Niemczech. Dürer wprowadził do rycin wiele subtelnych obserwacji natury i życia: architektury, kostiumów, typów, pejzaży współczesnych Niemiec. Szerokość świata, jego żałosna percepcja, napięcie form i ruchów, charakterystyczne dla rycin Dürera, nie były znane niemieckiej sztuce XV wieku; jednocześnie w większości arkuszy Dürera żyje niespokojny duch późnego niemieckiego gotyku. Złożoność i złożoność kompozycji, burzliwa ornamentyka wierszy, dynamika rytmów wydają się współgrać z mistyczną egzaltacją wizji Apokalipsy.

Straszny patos emanuje z arkusza „Czterej Jeźdźcy”. Pod względem niszczycielskiej siły impulsu i ponurej ekspresji kompozycja ta nie ma sobie równych w ówczesnej sztuce niemieckiej. Śmierć, sąd, wojna i zaraza wściekle pędzą po ziemi, niszcząc wszystko na swojej drodze. Ostre gesty, ruchy, ponure twarze przepełnione są wściekłością i złością. Cała natura jest w chaosie. Chmury, draperie ubrań, grzywy koni trzepoczą gwałtownie, drżą, układając się w skomplikowany rytmiczny wzór kaligraficznych linii. Ludzie są przerażeni Różne wieki i posiadłości.

W arkuszu „Bitwa Archanioła Michała ze Smokiem” patos zaciętej bitwy podkreślają kontrasty światła i cienia, niespokojny, przerywany rytm linii. W heroicznym obrazie młodzieńca o natchnionej i zdecydowanej twarzy, w rozświetlonym słońcem krajobrazie o bezkresnych przestrzeniach, wyraża się wiara w zwycięstwo jasnego początku. Wykorzystując znaną ówcześnie technikę ksylografii, Dürer wzmocnił jej wyrazistość, wprowadzając kilka technik grawerowania na miedzi. Dominujący wcześniej ostry kontur rysunku, słabo wypełniony równoległym szrafowaniem, zastąpił rysunkiem bardziej elastycznym, wypełnionym albo pogrubieniem, albo pocienianiem linii, wprowadził kreski dopasowane do kształtu, nałożył krzyżujące się linie dające głębokie cienie.

W 1500 roku nastąpił przełom w twórczości Dürera. Miejsce patosu i dramatyzmu wczesnych utworów zastąpiła równowaga i harmonia. Wzrosła rola narracji spokojnej, nasyconej lirycznymi przeżyciami (cykl „Życie Maryi”). Artysta studiował proporcje, pracował nad problemem przedstawienia nagiego ciała. W rycinie na miedzi „Adam i Ewa” (1504) Dürer starał się ucieleśnić klasyczny ideał piękna. Objętość zaokrąglonej, niemal rzeźbiarskiej formy podkreślają zaokrąglone pociągnięcia, jakby ślizgające się po powierzchni po strukturze formy. Malowniczo zinterpretowany pejzaż leśny organicznie zawiera postacie ludzi i zwierząt uosabiające różne symbole.

Te same poszukiwania wyróżnia także malowniczy Autoportret (1500, Monachium, Alte Pinakothek), w którym Dürer przekształca swój wizerunek przez pryzmat klasycznego ideału, stosuje zasady klasycznej kompozycji. Jednocześnie poszukuje tu wyrazu głębokiej moralnej doskonałości – cech kaznodziei nawołującego do samopoznania. Swobodną kompozycję wczesnych autoportretów zastąpiły frontalne, statyczne, ściśle odmierzone proporcje, jaskrawe kolory - stonowany brązowawy kolor. Indywidualne cechy są nieco wyidealizowane. Ale intensywny wygląd, fale niespokojnie wijących się włosów, nerwowy gest dłoni zdradzają niepokój nastroju. Renesansowa klarowność wyobrażeń o ludziach tej epoki współistniała z podekscytowanym postrzeganiem świata. Zaznajomiony podczas drugiej wyprawy do Wenecji (1506-1507) z malowniczą kulturą Wenecjan, Dürer rozwinął poczucie koloru, zwrócił się ku rozwiązaniu problemu światła. Z „najwyższą starannością” pracował w technice obraz olejny, nakładając na podobrazie pięć lub sześć, a czasem osiem padów, wykonany grisaille.

W dwumetrowej kompozycji ołtarzowej „Święto Różańcowe” (1506, Praga, Galeria Narodowa) Dürer zdecydował się na motyw religijny, w istocie jako zbiorowy portret licznych darczyńców różnych klas, przedstawiony na tle słoneczny górski krajobraz w pobliżu tronu Maryi. Harmonijna równowaga całości, ścisła piramida figur w centralnej części zbliża kompozycję do dzieł wysokiego renesansu. Artysta osiągnął niezwykłą miękkość maniery malarskiej, bogactwo niuansów kolorystycznych, wrażenie zwiewności otoczenia. W "Portrecie kobiety" (1506, Berlin, Muzea państwowe) Durer wykazał się mistrzostwem w odtworzeniu najsubtelniejszych przejść światła i cienia, zbliżając go do malarstwa Giorgione. Obraz przyciąga szczerością i bogactwem psychologicznych odcieni.

Studium prac włoscy mistrzowie doprowadził Dürera do przezwyciężenia pozostałości sztuki późnego gotyku, ale od idealnych klasycznych obrazów ponownie zwrócił się do wysoce indywidualnego, pełnego dramatu. Pojawiły się trzy mistrzowskie ryciny na miedzi – „Rycerz, Śmierć i Diabeł” (1513), „Święty Hieronim” (1514), „Melancholia” (1514), które wyznaczają szczyt jego twórczości. W tradycyjnych fabułach, pełnych symboli i aluzji, Dürer uogólniał wyobrażenie ówczesnych humanistów na temat różnych aspektów działalności duchowej człowieka. Rycina „Święty Hieronim” ukazuje ideał humanisty, który poświęcił się zrozumieniu prawd wyższych. W rozwiązaniu tematu, w codziennej interpretacji wizerunku naukowca, wiodącą rolę odgrywa wnętrze, przetworzone przez artystę w emocjonalne środowisko poetyckie. Postać Hieronima zanurzona w tłumaczeniach święte księgi, - skupienie linii kompozycyjnych, podporządkowujących wiele codziennych detali wnętrza, chroniące naukowca przed niepokojami i zgiełkiem świata. Cela Hieronima nie jest ponurym ascetycznym schronieniem, ale skromnym pokojem nowoczesny dom. Codzienna, intymna demokratyczna interpretacja obrazu Hieronima jest podana poza oficjalną interpretacją Kościoła, być może pod wpływem nauczania reformatorów. Promienie słońca wpadające przez okno wypełniają pomieszczenie drżącym ruchem. Nieuchwytna gra światła i cienia ożywia przestrzeń, organicznie łączy z nią formy przedmiotów, inspiruje otoczenie, stwarza wrażenie komfortu. Stabilne poziome linie kompozycji podkreślają nastrój spokoju.

Rycina „Rycerz, Śmierć i Diabeł” ukazuje świat ostro sprzecznych relacji między człowiekiem a środowisko, jego rozumienie obowiązku i moralności. Ścieżka jeźdźca w zbroi jest pełna niebezpieczeństw. Z ponurego gąszczu lasu wyskakują na niego duchy - diabeł z halabardą i śmierć z klepsydrą, przypominając mu o przemijaniu wszystkiego, co ziemskie, o niebezpieczeństwach i pokusach życia. Nie zwracając na nie uwagi, jeździec zdecydowanie podąża wybraną ścieżką. W jego surowym wyglądzie - napięcie woli, rozświetlone światłem rozumu, moralne piękno człowieka, wiernego obowiązkowi, odważnie stawiającego czoła niebezpieczeństwu.

Idea „Melancholii” nie została jeszcze ujawniona, ale wizerunek potężnej, uskrzydlonej kobiety zachwyca swoim znaczeniem i psychologiczną głębią. Utkana z wielu semantycznych niuansów, najbardziej skomplikowanych symboli i aluzji, budzi niepokojące myśli, skojarzenia, przeżycia.

Melancholia to ucieleśnienie istoty wyższej, geniusza obdarzonego intelektem, posiadającego wszystkie zdobycze myśli ludzkiej tamtych czasów, dążącego do wniknięcia w tajemnice wszechświata, ale mającego obsesję na punkcie wątpliwości, niepokoju, rozczarowania i tęsknoty, które towarzyszą twórczym poszukiwaniom. Wśród licznych obiektów gabinetu naukowca i warsztatu stolarskiego skrzydlata Melancholia pozostaje nieaktywna. Ponure zimne niebo rozświetlone fosforyzującym światłem komety i tęczą przelatującą nad zatoką nietoperz- zwiastun zmierzchu i samotności - uwydatnij tragedię obrazu. Ale za głęboką zadumą Melancholii kryje się intensywna myśl twórcza, śmiało wnikająca w tajemnice natury. Ekspresja bezgranicznej mocy ludzkiego ducha zbliża obraz Melancholii do dramatycznych obrazów sufitu Kaplica Sykstyńska, Grobowce Medyceuszy. „Melancholia” należy do szeregu dzieł, które „w zdumieniu wprawiły cały świat” (Vasari).
Język artystyczny Dürera w miedziorytach jest subtelny i zróżnicowany. Durer zastosował kreski równoległe i krzyżowe, linie kropkowane. Dzięki wprowadzeniu techniki suchej igiełki (rytu „Święty Hieronim”) osiągnął niesamowitą przejrzystość cieni, bogactwo wariacji rastrowych i wrażenie wibrującego światła. Do lat 1515-1518 należały eksperymenty Dürera w nowej, wówczas dopiero pojawiającej się technice trawienia.

Duże miejsce w twórczości Dürera zajmują portrety, wykonywane w rysunku, rycinie i malarstwie. Artysta podkreślił najistotniejsze cechy charakterystyczne modela. W „Portrecie matki” (1514, Berlin, Muzea Państwowe, Gabinet Grawerowany), wykonanym węglem, w asymetrycznej starczej twarzy o wyniszczonych rysach, w oczach odciskają się ślady trudów życia i zniszczenia. Napięte kręcone, wyraziste linie potęgują jasną ekspresję obrazu. Szkicowy, miejscami gruby i czarny, miejscami lekkie pociągnięcie nadaje rysunkowi dynamiczny wygląd.

W latach 20. XVI wieku tendencje groźnej i odważnej epoki wojen chłopskich i reformacji stały się bardziej widoczne w sztuce Dürera. Na jego portretach byli ludzie o potężnym duchu, zbuntowani, dążący do przyszłości. W postawie - napięcie płaczu, na twarzach - podniecenie uczuć i myśli. Taki jest silny, pełen duchowych impulsów i niepokoju Bernhard von Resten (1521, Drezno, Galeria zdjęć), energiczny Holtzschuer (1526, Berlin-Dahlem, Galeria Sztuki), „Nieznany w czarnym berecie” (1524, Madryt, Prado) z pieczęcią nieposkromionych namiętności w władczych liniach. Poszukiwania twórcze Dürera dopełnili Czterej Apostołowie (1526, Monachium, Stara Pinakoteka). Wizerunki apostołów: silnej woli, odważnej, ale posępnej, z gniewnym spojrzeniem Pawła, flegmatycznego, powolnego Piotra, filozoficznie kontemplacyjnego, z uduchowioną twarzą Jana i podnieconym aktywnym Marek są ostro indywidualne, pełne wewnętrznego żaru. Jednocześnie ucieleśniają cechy zaawansowanego ludu epoki niemieckiej wojny chłopskiej, które „proroczo wskazywały na nadchodzące walki klasowe”. To obywatelskie obrazy mistrzów prawdy. Donośne kontrasty kolorystyczne ubrań - jasnozielona, ​​jasnoczerwona, jasnoniebieska, biała - wzmacniają ekspresję obrazów. Zamykając potężne, naturalnej wielkości postaci, spokojnie stojąc w wąskich dwumetrowych drzwiach, artysta osiąga duchowe napięcie, wyraz powściągliwej wielkości. Ta późniejsza praca Dürera przewyższa monumentalnością wszystko, co wcześniej robił w malarstwie.

Twórczość Dürera wyznaczyła wiodący nurt w sztuce niemieckiego renesansu. Jego wpływ na współczesnych artystów był wielki; przeniknął nawet do Włoch, do Francji. Równolegle z Dürerem i po nim pojawiła się plejada wybitnych artystów. Byli wśród nich Lucas Cranach Starszy (1472–1553), subtelnie wyczuwający harmonię natury i człowieka, oraz obdarzony wielką siłą wyobraźni Mattpas Gotthardt Neithardt, znany jako Mattpas Grunewald (1475–1528), związany z mistycznymi naukami ludowymi i tradycja gotycka. Twórczość Dürera przesiąknięta jest duchem buntu, rozpaczliwym szaleństwem lub radością, dużą intensywnością uczuć i bolesną ekspresją błysku, potem blaknięcia, blaknięcia, a potem płonącego koloru i światła.

Przyszły ojciec artysty przybył do Niemiec z małej węgierskiej wioski Eytas w 1455 roku. Postanowił osiedlić się w postępowym, biznesowym i bogatym ówczesnych Niemczech – Norymberdze, która była częścią Bawarii.

Widok na Norymbergę. Kronika świata Schedla, 1493

W 1467, gdy miał już około 40 lat, poślubił młodą córkę złotnika Jerome Holpera. Barbara miała wtedy zaledwie 15 lat.

Portrety ojca - Albrechta Durera Starszego, 1490 i 1497.

Ich genialny syn urodził się w Norymberdze 21 maja 1471 roku i był trzecim dzieckiem w rodzinie. W sumie Barbara Dürer podczas małżeństwa urodziła 18 dzieci. Albrecht miał szczęście - był jednym z tych trzech chłopców, którzy dożyli dorosłości. W ogóle nie miał własnych dzieci, jak jego dwaj bracia Endres i Hans.

Ojciec przyszłego artysty pracował jako mistrz biżuterii. Nazywał się również Albrecht Dürer (1427–1502). Matka zajmowała się pracami domowymi, pilnie uczęszczała do kościoła, dużo rodziła i często chorowała. Jakiś czas po śmierci ojca Barbara Dürer zamieszkała u Albrechta Młodszego. Pomogła w realizacji pracy syna. Zmarła w jego domu 17 maja 1514 roku w wieku 63 lat. Durer z szacunkiem mówił o swoich rodzicach jako o wielkich robotnikach i pobożnych ludziach.

Portrety matki - Barbary Dürer (z domu Holper), 1490 i 1514.

Ścieżka twórcza i życiowa Albrechta Dürer

Albrecht Durer jest największym malarzem i niedoścignionym rytownikiem nie tylko w Niemczech, ale także w całej zachodnioeuropejskiej sztuce renesansu w Europie Północnej. Posiadał unikalną technikę rzeźbionego miedziorytu.

Jaka była droga, która doprowadziła Dürera do tak wysokiego uznania?

Ojciec chciał, aby jego syn kontynuował swoją działalność i został jubilerem. Od jedenastego roku życia Dürer Młodszy uczył się w warsztacie ojca, ale chłopca pociągało malarstwo. W wieku trzynastu lat stworzył swój pierwszy autoportret srebrnym ołówkiem. Technika pracy z takim ołówkiem jest bardzo trudna. Narysowanych przez niego linii nie da się poprawić. Dürer był dumny z tej pracy i pisał później: „Namalowałem się w lustrze w 1484 roku, kiedy byłem jeszcze dzieckiem. Albrechta Durera. Ponadto wykonał napis w odbiciu lustrzanym.

Autoportret Albrechta Dürera, 1484

Dürer Starszy musiał ustąpić interesom syna. W wieku piętnastu lat młody człowiek, na mocy umowy między ojcem a dziedzicznym artystą norymberskim Mikaelem Wolgemutem, wszedł do jego pracowni na studia. Z Wolgemuth studiował zarówno malarstwo, jak i drzeworytnictwo, pomagając tworzyć witraże i ołtarze. Po ukończeniu studiów Dürer udał się w podróż jako praktykant, aby zapoznać się z doświadczeniami mistrzów z innych regionów, poprawić swoje umiejętności i poszerzyć swoje horyzonty. Podróż trwała od 1490 do 1494 roku - w jego tak zwanych "cudownych latach" jego młodości. młody artysta. W tym czasie odwiedził takie miasta jak Strasburg, Colmar i Bazylea.

Szuka własnego styl artystyczny. Od połowy lat 90. Albrecht Dürer oznaczał swoją pracę inicjałami „AD”.

Udoskonalił technikę grawerowania na miedzi w Colmar z trzema braćmi. sławny mistrz Martina Schongauera. On sam już nie żył. Następnie Dürer przeniósł się do czwartego brata Schongauera w Bazylei – jednego z ówczesnych ośrodków druku książek.

W 1493 roku podczas studenckiej podróży Dürer Młodszy stworzył kolejny autoportret, tym razem namalowany olejem, i wysłał go do Norymbergi. Przedstawił się z osetem w dłoni. Według jednej wersji roślina ta symbolizowała wierność Chrystusowi, według innej wierność męską. Być może tym portretem przedstawił się swojej przyszłej żonie i dał jasno do zrozumienia, że ​​będzie wiernym mężem. Niektórzy historycy sztuki uważają, że ten portret był prezentem dla panny młodej.

Autoportret z osetem, 1493. Dürer ma 22 lata.

Następnie Albrecht wrócił do Norymbergi, aby się ożenić. Ojciec zaaranżował małżeństwo z córką zamożnego miejscowego kupca. 7 lipca 1494 odbył się ślub Albrechta Dürera i Agnes Frey.

Portret żony Dürera, Moja Agnieszka, 1494

Jakiś czas po zawarciu małżeństwa kolejna podróż odbyła się dłuższą trasą. Tym razem przez Alpy do Wenecji i Padwy. Tam zapoznaje się z twórczością wybitnych włoskich artystów. Wykonuje kopie rycin Andrei Mantegny i Antonio Pollaiolo. Albrecht jest również pod wrażeniem tego, że we Włoszech artyści nie są już uważani za prostych rzemieślników, ale mają wyższy status w społeczeństwie.

W 1495 Dürer wyrusza w drogę powrotną. Po drodze maluje pejzaże akwarelą.

Po powrocie do domu z Włoch może wreszcie pozwolić sobie na własny warsztat.

Przez kilka następnych lat jego styl malarski odzwierciedla wpływy malarzy włoskich. W 1504 namalował płótno „Adoracja Trzech Króli”. Obraz ten jest dziś uważany za jeden z najwybitniejszych obrazów Albrechta Dürera z okresu 1494-1505.

Od 1505 do połowy 1507 ponownie odwiedził Włochy. Odwiedziłem Bolonię, Rzym i Wenecję.

W 1509 roku Albrecht Dürer nabywa duży dom w Norymberdze i spędza tam prawie dwadzieścia lat swojego życia.

W lipcu 1520 artysta wyjeżdża do Holandii zabierając ze sobą żonę Agnes. Odwiedza starożytne ośrodki malarstwa holenderskiego – Brugię, Brukselę, Gandawę. Wszędzie wykonuje szkice architektoniczne, szkice ludzi i zwierząt. Spotyka się z innymi artystami, poznaje największego naukowca Erazma z Rotterdamu. Dürer od dawna jest sławny i wszędzie jest przyjmowany z szacunkiem i honorami.

W Akwizgranie jest świadkiem koronacji cesarza Karola V. Później spotyka się z nim w celu przedłużenia przywilejów otrzymanych wcześniej od poprzedniego cesarza Maksymiliana I, którego rozkazy wykonywał.

Niestety podczas podróży do Holandii Dürer zapada na „cudowną chorobę”, podobno malarię. Dręczą go drgawki i pewnego dnia przesyła lekarzowi rysunek ze swoim wizerunkiem, na którym wskazuje palcem bolące miejsce. Do figury dołączone jest wyjaśnienie.

Ryciny Albrechta Dürer

Wśród współczesnych Albrecht Dürer zasłynął przede wszystkim w tworzeniu rycin. Wyróżnia się jego wirtuozowskimi utworami duży rozmiar, delikatny i precyzyjny wzór, uchwycenie postaci, złożona kompozycja. Durer doskonale opanował technikę grawerowania zarówno na drewnie, jak i na miedzi. Od początku do końca mistrz sam wykonuje wszystkie prace związane z tworzeniem rycin, m.in. rzeźba z niespotykanymi szczegółami i drobnymi liniami. Posługuje się przy tym narzędziami wykonanymi według własnych rysunków. Tworzy liczne druki, których nakłady są szeroko dystrybuowane w całej Europie. Został więc wydawcą swoich dzieł. Jego ryciny były powszechnie znane, bardzo popularne i dobrze się sprzedawały. Znacząco wzmocniła jego prestiż seria rycin „Apokalipsa” w wydaniu z 1498 roku.

Arcydzieła Dürera uznawane są za „Mistrzowskie Ryciny”: w 1513 r. wyciął na miedzi rycinę „Rycerz, Śmierć i Diabeł”, a w 1514 r. dwie całe: „Święty Hieronim w celi” i „Melancholia”.

Być może najbardziej znanym wizerunkiem nosorożca jest tak zwany „Nosorożec Dürera”, stworzony w 1515 roku. On sam nie widział tego dziwnego zwierzęcia dla Niemiec. Artysta wyobrażał sobie swój wygląd z opisów i rysunków innych ludzi.

„Nosorożec Dürera”, 1515

Magiczny kwadrat Albrechta Dürera

W 1514 roku, jak wspomniano powyżej, mistrz stworzył rycinę „Melancholia” – jedno z jego najbardziej tajemniczych dzieł. Obraz jest wypełniony masą symboliczne szczegóły wciąż pozostawiając miejsce na interpretację.

W prawym górnym rogu Dürer wyciął kwadrat z liczbami. Jego osobliwością jest to, że jeśli dodasz liczby w dowolnym kierunku, otrzymane kwoty będą zawsze równe 34. Tę samą liczbę uzyskuje się, licząc liczby w każdym z czterech ćwiartek; w środkowym czworoboku i podczas dodawania liczb z komórek w rogach dużego kwadratu. A w dwóch centralnych komórkach dolnego rzędu artysta wpisał rok powstania ryciny - 1514.

Grawer „Melancholia” i magiczny kwadrat Dürera,1514

Rysunki i akwarele autorstwa Dürer

W jednej ze swoich wczesnych akwarel krajobrazowych Dürer przedstawił młyn i warsztat rysunkowy nad brzegiem rzeki Pegnitz, w którym wykonano drut miedziany. Po drugiej stronie rzeki znajdują się wsie w okolicach Norymbergi, w oddali góry są błękitne.

Wyciąg nad rzeką Pegnitz, 1498

Jeden z najsłynniejszych rysunków, „Młody zając”, powstał w 1502 roku. Artysta wskazał datę jego powstania i umieścił swoje inicjały „AD” tuż pod wizerunkiem zwierzęcia.

W 1508 r. z rękami złożonymi do modlitwy namalował biały na niebieskim papierze. Ten obraz jest wciąż najczęściej powielany, a nawet przekładany na wersję rzeźbiarską.

Ręce w błaganiu, 1508

Według ekspertów do dziś zachowało się ponad 900 rysunków Albrechta Dürera.

Trwałość, proporcje i nagość

Durera fascynuje chęć odnalezienia idealnych proporcji ludzkiej sylwetki. Uważnie ogląda nagie ciała ludzi. W 1504 tworzy wybitny miedzioryt „Adam i Ewa”. Do wizerunku Adama artysta bierze za wzór pozę i proporcje marmurowego posągu Apolla Belvedere. Ten starożytny posąg został znaleziony pod koniec XV wieku w Rzymie. Idealizacja proporcji odróżnia twórczość Dürera od przyjętych wówczas kanonów średniowiecznych. W przyszłości nadal wolał przedstawiać realne formy w ich różnorodności.

W 1507 r. napisał malowniczy dyptyk na ten sam temat.

Stał się pierwszym niemieckim artystą, który przedstawiał nagich ludzi. Portret Dürera jest przechowywany w zamku weimarskim, w którym przedstawił się tak szczerze, jak najzupełniej nagi, jak to możliwe.

Autoportret nagiego Dürera, 1509

autoportrety

Albrecht Dürer malował autoportrety od dzieciństwa do starości. Każdy z nich ma swój urok, a często także innowacyjność. Autoportret, który szokował współczesny artysta publiczny, napisany w 1500 roku. Na nim 28-letni Albrecht pojawia się w brawurowy sposób, bo przypomina wizerunek samego Chrystusa.

Autoportret, 1500. Dürer ma 28 lat.

Ponadto portret jest napisany całą twarzą. W tym czasie w takiej pozie pisano wizerunki świętych, a świeckie portrety w Europie Północnej powstawały w trzech czwartych obrotu modela. Również w tym portrecie można prześledzić nieustanne poszukiwania przez artystę idealnych proporcji.

Śmierć Albrechta Dürera i jego pamięć

Artysta zmarł w swoim domu w Norymberdze 6 kwietnia 1528 roku, półtora miesiąca przed swoimi 57. urodzinami. Jego odejście było ogromną stratą nie tylko dla Niemiec, Albrechta Dürera opłakiwały wszystkie wielkie umysły ówczesnej Europy.

Został pochowany na cmentarzu św. Jana w Norymberdze. Przyjaciel jego życia, niemiecki humanista Willibald Pirkheimer, napisał dla nagrobka: „Pod tym wzgórzem leży to, co było śmiertelne w Albrecht Dürer”.

Nagrobek Albrechta Dürera

Od 1828 roku w Domu Dürera działa Muzeum Albrechta-Dürera-Haus.

W jego rodzinnym mieście, na Albrecht Dürer Platz, wzniesiono pomnik wielkiego rodaka.

W relikwiarzu Akademii Sztuk Pięknych w Wiedniu znajduje się kosmyk włosów Dürera.

Era Albrechta Dürera

Albrecht Dürer to wybitny niemiecki artysta o niezwykłym talencie, grafik, grawer, rysownik, humanista, naukowiec i teoretyk sztuki. Jego wszechstronna myśl twórcza obejmuje szerokie pole badawcze: studiował architekturę, matematykę, mechanikę, rzeźbę, muzykę, literaturę, studiował budowę i budowę fortyfikacji obronnych.

W ich ostatnie lata ten wybitny twórca więcej pisał o sztuce niż tworzył nowe dzieła. Jego ostatnim obrazem olejnym jest Czterech apostołów (lub Czterech świętych). Został ukończony w 1526 roku i podarowany przez Dürera jako dar dla Rady Miejskiej Norymbergi.

Albrecht nadal gromadzi doświadczenie podczas podróży po Europie. W Colmar nawiązuje bliską znajomość z synami Martina Schongauera, których twórczość Albrecht Dürer nieustannie podziwiał. Szeroki wachlarz pomysłów i zainteresowań pozwolił Dürerowi zająć własną niszę wśród drukarzy książek i humanistów. Wielkość pozostawionego przez niego dziedzictwa artystycznego szacuje się na 900 arkuszy obrazów, co jest porównywalne z twórczością Rembrandta i Leonarda da Vinci.

Kariera Dürera

Pierwszym poważnym rozkazem mistrza było malowanie domu Sebalda Schreyera. Był tak udany, że zwrócił uwagę bogatych patrycjuszy norymberskich, z których każdy starał się zamówić portret u Dürera. Naśladując tradycję europejską, wszystkie jego modele zostały przedstawione na tle pejzażu rozłożonego na trzy czwarte. Głównymi materiałami do pracy były akwarela, srebrny punkt i ołówek.

Artysta, otwierając własną pracownię malarską w ojczyźnie, zaczyna przypisywać grafikom szczególne miejsce w swoim rzemiośle. Eksperymentowanie z różne techniki mistrz zapewnił, że w 1498 roku otrzymał zamówienie ze słynnego wydania Apokalipsy. Wykonane drzeworyty rozsławiły autora w całej Europie. Rada Wenecka, chcąc pozostawić twórcę we Włoszech, zaoferowała mu bardzo dużą nagrodę, ale lojalność wobec ojczyzny okazała się silniejsza.

Decydującym czynnikiem twórczego geniuszu było spotkanie z koronowaną damą Maksymilianem I. Ten ostatni, za doskonałą pracę nad portretem, wyznaczył artyście imponującą nagrodę, która pozwoliła Dürerowi całkowicie zanurzyć się w grawerowaniu i badaniach naukowych. Sztuka piękna Europy Północnej w XVI wieku jest nie do pomyślenia bez dzieł sztuki, które wyróżnia rozpoznawalny styl pisania tego niemieckiego artysty.

Życie osobiste

Będąc przeciwnikiem instytucji małżeństwa, Albrecht Dürer ostatecznie żeni się. W rzeczywistości dzieje się to pod naciskiem ojca. Żona Agnes Frey zawsze była chłodna wobec sztuki i nie rozumiała twórczej natury swojego męża. Na wskroś mieszkają razem, w którym nie było miejsca dla potomstwa, para pozostawała w stosunku do siebie pozbawiona emocji.

Albrecht Dürer (niemiecki Albrecht Dürer, 21 maja 1471, Norymberga - 6 kwietnia 1528, Norymberga) - niemiecki malarz i grafik, jeden z najwięksi mistrzowie Renesans zachodnioeuropejski. Uznawany za największego europejskiego mistrza drzeworytu, który podniósł go do poziomu prawdziwej sztuki. Pierwszy teoretyk sztuki wśród artystów północnoeuropejskich, autor praktycznego przewodnika po sztukach pięknych i zdobniczych na Niemiecki, który opowiadał się za potrzebą zróżnicowanego rozwoju artystów. Założyciel antropometrii porównawczej. Pierwszy europejski artysta, który napisał autobiografię.

Biografia Albrechta Dürera

Przyszły artysta urodził się 21 maja 1471 roku w Norymberdze, w rodzinie jubilera Albrechta Dürera, który przybył do tego niemieckiego miasta z Węgier w połowie XV wieku, oraz Barbary Holper. Dürerowie mieli osiemnaścioro dzieci, niektóre, jak pisał sam Dürer Młodszy, zmarły „w młodości, inne, gdy dorosły”. W 1524 r. żyło tylko troje dzieci Durerów - Albrecht, Hans i Endres.

Przyszły artysta był trzecim dzieckiem i drugim synem w rodzinie. Jego ojciec, Albrecht Dürer Starszy, dosłownie przetłumaczył swoje węgierskie nazwisko Aytosi (węgierskie Ajtósi, od nazwy wsi Aytosh, od słowa ajtó – „drzwi”) na niemiecki jako Türer; następnie został przekształcony pod wpływem wymowy frankońskiej i zaczął być pisany Dürer. Albrecht Dürer Młodszy pamiętał swoją matkę jako pobożną kobietę, która wiodła trudne życie. Prawdopodobnie osłabiony. częste ciąże Bardzo cierpiała. Ojcem chrzestnym Dürera był słynny niemiecki wydawca Anton Koberger.

Przez pewien czas Dürerowie wynajmowali połowę domu (obok rynku centralnego miasta) od prawnika i dyplomaty Johanna Pirckheimera. Stąd bliska znajomość dwóch rodzin należących do różnych klas miejskich: patrycjuszy Pirckheimer i rzemieślników Durer. Z synem Johanna Willibaldem, jednym z najbardziej oświeconych ludzi w Niemczech, Dürer Młodszy przyjaźnił się przez całe życie. Dzięki niemu artysta wszedł później w krąg humanistów norymberskich, których liderem był Pirkheimer i stał się tam własną osobą.

Od 1477 Albrecht uczęszczał do szkoły łacińskiej. Początkowo ojciec przyciągnął syna do pracy w warsztacie jubilerskim. Albrecht chciał jednak malować. Starszy Dürer, mimo że żałował czasu spędzonego na uczeniu syna, uległ jego prośbom i w wieku 15 lat Albrecht został wysłany do pracowni czołowego artysty norymberskiego tamtych czasów, Michaela Wolgemutha. Sam Dürer mówił o tym w stworzonej przez niego pod koniec życia „Kroniki rodzinnej”, jednej z pierwszych autobiografii w historii sztuki zachodnioeuropejskiej.

Wolgemut Dürer opanował nie tylko malarstwo, ale także grawerowanie na drewnie. Wolgemuth wraz ze swoim pasierbem Wilhelmem Pleidenwurffem wykonali ryciny do Księgi Kronik Hartmanna Schedla. W pracach nad najbardziej ilustrowaną księgą XV wieku, którą eksperci uznają za Księgę Kronik, Wolgemutowi pomogli jego uczniowie. Jedna z rycin do tego wydania, „Taniec śmierci”, przypisywana jest Albrechtowi Dürerowi.

Kreatywność Altdorfer

Obraz

Albrecht, który od dzieciństwa marzył o malarstwie, nalegał, aby ojciec wysłał go na studia artystyczne. Po pierwszej podróży do Włoch wciąż nie akceptował w pełni dokonań włoskich mistrzów, ale w jego pracach można już wyczuć artystę myślącego nieszablonowo, zawsze gotowego do poszukiwań. Tytuł mistrza (a wraz z nim prawo do otwarcia własnego warsztatu) Dürer otrzymał prawdopodobnie po ukończeniu malarstwa „po grecku” w domu norymberskiego obywatela Sebalda Schreyera. Młodego artystę zauważył Fryderyk Mądry, który polecił mu m.in. namalowanie swojego portretu. Idąc za elektorem saskim, patrycjusze norymberscy również pragnęli mieć własne wizerunki - na przełomie wieków Dürer dużo pracował w gatunku portretowym. Tutaj Dürer kontynuował tradycję, która rozwinęła się w malarstwie Europy Północnej: model jest przedstawiony w trzech czwartych rozłożonych na tle pejzażu, wszystkie szczegóły są przedstawione bardzo starannie i realistycznie.

Po opublikowaniu Apokalipsy Dürer zasłynął w Europie jako mistrz grawerowania, a dopiero podczas drugiego pobytu we Włoszech zyskał uznanie jako malarz za granicą. W 1505 Jakub Wimpfeling w swoim „ Historia Niemiec"Napisał, że obrazy Dürera są cenione we Włoszech "...tak samo jak obrazy Parrasiusa i Apellesa". Prace wykonane po podróży do Wenecji pokazują sukces Dürera w rozwiązywaniu problemów przedstawiania ludzkiego ciała, w tym aktu, skomplikowanych kątów, postaci w ruchu. Znika charakterystyczna dla jego wczesnych dzieł gotycka kanciastość. Artysta polegał na realizacji ambitnych projektów malarskich, przyjmując zamówienia na wielofigurowe ołtarze. Prace z lat 1507-1511 wyróżniają wyważona kompozycja, ścisła symetria, „pewna racjonalność” i suchy sposób obrazowania. W przeciwieństwie do swoich weneckich prac, Dürer nie starał się oddać efektów środowiska świetlnego, pracował z lokalnymi kolorami, prawdopodobnie ulegając konserwatywnym gustom klientów. Przyjęty przez cesarza Maksymiliana do służby uzyskał pewną materialną niezależność i odchodząc na jakiś czas z malarstwa zwrócił się do badania naukowe i grawerowanie.

autoportrety

Nazwisko Dürera związane jest z powstaniem autoportretu północnoeuropejskiego jako niezależny gatunek. Jeden z najlepszych portrecistów swoich czasów, wysoko cenił malarstwo za to, że pozwalało zachować wizerunek konkretnej osoby dla przyszłych pokoleń. Biografowie zauważają, że mając atrakcyjny wygląd, Dürer szczególnie lubił przedstawiać się w młodości i odtwarzał swój wygląd nie bez „próżnego pragnienia zadowolenia widza”. Malowniczy autoportret dla Durera jest sposobem na podkreślenie jego statusu i kamieniem milowym wyznaczającym pewien etap w jego życiu. Pojawia się tu jako osoba, która pod względem rozwoju intelektualnego i duchowego stoi ponad poziomem wyznaczonym przez jego pozycję klasową, nietypową dla autoportretów artystów tamtej epoki. Ponadto po raz kolejny potwierdził duże znaczenie sztuk pięknych (niesłusznie, jak sądził, wyłączonych z „siedmiu sztuk wolnych”) w czasach, gdy w Niemczech uważano je jeszcze za rzemiosło.

Rysunki

Zachowało się około tysiąca (Julia Bartrum mówi o 970) rysunków Dürera: pejzaży, portretów, szkiców ludzi, zwierząt i roślin. Dowodem na to, jak starannie artysta potraktował rysunek, jest fakt, że zachowały się nawet jego prace studenckie. Dziedzictwo graficzne Dürera, jedno z największych w historii sztuki europejskiej, pod względem wielkości i znaczenia dorównuje grafikom da Vinci i Rembrandta. Wolny od arbitralności klienta i jego pragnienia absolutu, które wprowadzało do swoich obrazów część chłodu, artysta najpełniej objawił się jako twórca właśnie w rysunku.

Dürer niestrudzenie ćwiczył układ, uogólnianie konkretów, konstrukcję przestrzeni. Jego rysunki zwierzęce i botaniczne wyróżnia wysoki kunszt, obserwacja, wierność w przekazywaniu naturalnych form, charakterystyczna dla przyrodnika. Większość z nich jest starannie opracowana i jest gotowymi dziełami, jednak zgodnie ze zwyczajem ówczesnych artystów służyły one jako materiał pomocniczy: Dürer wykorzystał wszystkie swoje studia w rycinach i malarstwie, wielokrotnie powtarzając motywy grafik w dużych ilościach. Pracuje. Jednocześnie G. Wölfflin zauważył, że Dürer nie przeniósł prawie nic z prawdziwie innowacyjnych odkryć, których dokonał w akwarelach pejzażowych do swoich obrazów.

Grafiki Durera powstają z różnych materiałów, często używał ich w połączeniu. Stał się jednym z pierwszych artystów niemieckich, którzy pracowali białym pędzlem na kolorowym papierze, popularyzując tę ​​włoską tradycję.

Bibliografia

• Bartrum D. Dürer / Per. z angielskiego. - M.: Niola-Press, 2010. - 96 s. - (Ze zbiorów Muzeum Brytyjskiego). - 3000 egzemplarzy. - ISBN 978-5-366-00421-3.
• Benois A. Historia malarstwa wszystkich czasów i narodów. - Petersburg: Wydawnictwo"Neva", 2002. - T. 1. - S. 297-314. - 544 pkt. - ISBN 5-7654-1889-9.
• Berger J. Durer. - M.: Art-Rodnik, 2008. - 96 s. - 3000 egzemplarzy. - ISBN 978-5-88896-097-4.
• Albrechta Durera. Ryciny / Poprz. A. Otwór, ok. A. Bore i S. Bon, przeł. od ks. A. Zołotowej. - M.: Magma LLC, 2008. - 560 s. - 2000 egzemplarzy. - ISBN 978-593428-054-4.
• Brion M. Durer. - M .: Młoda Gwardia, 2006. - (Życie wspaniałych ludzi).
• Zuffi S. Duży atlas malarstwa. Sztuki piękne 1000 lat / Redaktor naukowy S. I. Kozlova. - M.: OLMA-PRESS, 2002. - S. 106-107. - ISBN 5-224-03922-3.
• Durus A. Heretic Albrecht Dürer i trzech „bezbożnych artystów” // Art: magazyn. - 1937. - nr 1.
• Żarnicki S. Durer. - M .: Młoda Gwardia, 1984. - (Życie wspaniałych ludzi).
• Nemirovsky E. Świat książki. Od starożytności do początku XX wieku / Recenzenci A. A. Govorov, E. A. Dinershtein, V. G. Utkov. - M.: Książka, 1986. - 50 000 egzemplarzy.
• Lwów S. Albrecht Durer. - M.: Sztuka, 1984. - (Życie w sztuce).
• Liebman M. Durer i jego epoka. - M.: Sztuka, 1972.
• Koroleva A. Durer. - M.: Olma Press, 2007. - 128 s. - (Galeria geniuszy). - ISBN 5-373-00880-X.
• Matvievskaya G. Albrecht Durer - naukowiec. 1471-1528 / ks. wyd. cand. Fizyka-Matematyka. Nauki Yu A. Bely; Recenzenci: ac. Akademia Nauk Uzbeckiej SRR V.P. Shcheglov, dr Phys.-Math. Sciences BA
• Rosenfelda; Akademia Nauk ZSRR. - M.: Nauka, 1987. - 240, s. - (Literatura naukowa i biograficzna). - 34 000 egzemplarzy. (w tłumaczeniu)
• Nevezhina V. Norymberscy rytownicy z XVI wieku. - M., 1929.
• Dziedzictwo literackie Nesselstraussa C. Dürera // Traktaty Dürera A.. Dzienniki. Listy / Przetłumaczone przez Nesselshtraus Ts .. - M .: Art, 1957. - T. 1.
• Rysunki Nesselstraussa Ts. Dürera. - M.: Sztuka, 1966. - 160 s. - 12.000 egzemplarzy.
• Nesselstraussa Z. Durera. - M.: Sztuka, 1961.
• Norberta W. Durera. - M.: Art-Rodnik, 2008. - 96 s. - 3000 egzemplarzy. - ISBN 978-5-9794-0107-2.
• Sidorow A. Durer. - Izogiz, 1937.
• Czernienko I. Niemcy na przełomie XV-XVI w.: epoka i jej wizja w twórczości Albrechta Dürera: streszczenie pracy na stopień kandydata nauk historycznych: 07.00.03. - Perm, 2004.

A. Durer (1471-1528) - wielki artysta niemiecki, aw ostatnich latach życia teoretyk sztuki. Jego biografia i twórczość są ściśle związane z renesansem. Dzieła Albrechta Dürera do dziś przyciągają wielu koneserów malarstwa. Chcesz wiedzieć więcej na ten temat? W tym artykule przedstawiono życie i twórczość Albrechta Dürera.

krótki życiorys

Jego ojciec pochodził z Węgier, był złotnikiem. Albrecht studiował najpierw u swojego ojca, a następnie u Michaela Wohlgemutha, malarza i rytownika z Norymbergi. 1490-1494 - "lata tułaczki", obowiązkowe dla uzyskania tytułu mistrza. Albrecht spędził ten czas w miastach Górnego Renu (Strasburg, Colmar, Bazylea). Tu wszedł w krąg drukarzy i humanistów. Wiadomo, że Dürer chciał poprawić grawerowanie na metalu u M. Schauera w Colmar, ale nie znalazł go żywego. Następnie Albrecht zaczął studiować dzieło tego mistrza, komunikując się ze swoimi synami, którzy byli również artystami.

W 1494 Albrecht Dürer powrócił do Norymbergi. Jego biografia i twórczość zostały w tym czasie odnotowane ważne wydarzenia. Wtedy to odbyło się małżeństwo z Agnes Frey, a także otwarcie jej własnego warsztatu. Po pewnym czasie Albrecht postanowił wyruszyć w nową podróż, tym razem wybierając północne Włochy. W latach 1494-95 podróżował do Padwy i Wenecji. Dürer udał się do Wenecji w 1505 roku i przebywał tam do 1507 roku. Znajomość Albrechta z I sięga 1512 roku. Podobno w tym samym czasie Dürer zaczął dla niego pracować, aż do śmierci Maksymiliana, która nastąpiła w 1519 roku. Wiadomo, że Albrecht odwiedził także Holandię. W latach 1520-1521 odwiedzał takie miasta jak Bruksela, Antwerpia, Gandawa, Brugia, Malin i inne.

Kreatywność Dürer

A którego twórczość zbiega się z rozkwitem niemieckiego renesansu, nie mógł trzymać się z daleka od trendów swoich czasów. Był to trudny, w dużej mierze nieharmonijny okres. Jego postać odcisnęła piętno na wszelkiego rodzaju sztuce. Odrodzenie w twórczości Albrechta kumuluje oryginalność i bogactwo niemieckich tradycji artystycznych. Pojawiają się w postaci postaci Dürera, dalekie od piękna z punktu widzenia klasycznego ideału. Ponadto mistrz preferuje wszystko, co ostre, przywiązuje dużą wagę do poszczególnych detali. Świetna cena dla Albrechta ma jednocześnie kontakt ze sztuką Włoch. Twórczość Albrechta Dürera naznaczona jest tym, że starał się zrozumieć tajemnicę swojej doskonałości i harmonii. Dürer jest jedynym przedstawicielem, który pod względem wszechstronności i orientacji zainteresowań, chęci zrozumienia praw sztuki, stworzenia idealnych proporcji postaci ludzkiej, można dorównać wielkim mistrzom włoskiego renesansu .

Rysunki

Twórczość Albrechta Dürera jest różnorodna. Był uzdolniony jako rysownik, rytownik i malarz. Jednocześnie grawerowanie i rysowanie czasami zajmują u niego nawet czołowe miejsce. Ponad 900 arkuszy to dziedzictwo rysownika Dürera. Pod względem różnorodności i ogromu można go porównać jedynie z dziełami Leonarda da Vinci. Podobno rysunek był częścią Życie codzienne mistrzowie. Dürer doskonale opanował wszystkie techniki graficzne tamtych czasów - od węgla, akwareli, po pióro trzcinowe i srebrną szpilkę. Jeśli chodzi o włoskich mistrzów, rysunek stał się dla Dürera najważniejszym krokiem w tworzeniu kompozycji. Ten etap obejmował studia, szkice głów, nóg, ramion, draperii.

Dla Dürera rysunek był narzędziem, za pomocą którego studiował charakterystyczne typy - norymberskich fashionistek, sprytnych dżentelmenów, chłopów. Słynne dzieła Albrechta Dürera to akwarele mistrza „Zając” (na zdjęciu powyżej) i „Kawałek darni”. Wykonane są z zimną obojętnością i takim zapałem, że mogłyby stać się ilustracjami do naukowych kodów.

Seria krajobrazowa

Pierwszym znaczącym dziełem mistrza jest seria pejzaży z lat 1494-95. Te prace Albrechta Dürera zostały wykonane akwarelą i gwaszem podczas jego podróży do Włoch. Są to starannie wyważone, przemyślane kompozycje, w których plany przestrzenne płynnie przeplatają się ze sobą. Te prace Albrechta Dürera to pierwsze „czyste” pejzaże w historii sztuki europejskiej.

„Boże Narodzenie”, „Adoracja Trzech Króli”, „Adam i Ewa”

Czysty, wyrównany nastrój, pragnienie autora harmonijnej równowagi rytmów i form – to jest cechy charakterystyczne obraz Dürera z końca XV wieku do początku drugiej dekady XVI wieku. Są to ołtarz „Narodzenia” wykonany około 1498 r. oraz dzieło „Adoracja Trzech Króli” z 1504 r., w którym Dürer łączy grupę trzech mędrców i Madonnę gładkimi sylwetkami, spokojnym kołowym rytmem, a także motyw łuku, który powtarza się wielokrotnie w scenerii architektonicznej. W XVI wieku jednym z głównych tematów twórczości Albrechta była chęć odnalezienia idealnych proporcji ludzkiego ciała. Poszukuje ich sekretów, malując nagie kobiece i męskie postacie. Zauważ, że to Albrecht jako pierwszy w Niemczech studiował nagość. Poszukiwania te zostały podsumowane w rycinie „Adam i Ewa” z 1504 r., a także w dużym malarskim dyptyku wykonanym około 1507 r. o tej samej nazwie.

„Adoracja Trójcy Świętej” i „Święto Różańca”

Najbardziej złożone dzieła, uporządkowane harmonijnie kompozycje malarskie wielu postaci, już w latach dojrzałości twórczej wykonał Albrecht Dürer. Prace godne uwagi obejmuje Święto Różańca powstałe w 1506 r., aw 1511 r. Adorację Trójcy Świętej. „Święto Różańcowe” to jedno z największych dzieł Dürera (161,5 x 192 cm). Ponadto jest to jeden z najważniejszych obrazów intonacyjnych. Dzieło bliskie jest sztuce mistrzów włoskich nie tylko motywami, ale także witalnością, pełnią kolorów, pełnią obrazów (głównie portretów), wyważeniem kompozycji, rozmachem pisma . Na obrazie zatytułowanym „Adoracja Trójcy Świętej”, będącym małym dziełem ołtarzowym, rytmiczne półkola, które odbijają się echem łukowatego zakończenia ołtarza, jednoczą wznoszących się w niebie anioły, ojców Kościoła i zastępy świętych. Ten obraz przypomina Spór Rafaela.

wczesne portrety

Bez portretów trudno wyobrazić sobie twórczość Albrechta Dürera. Jego obrazy z tego gatunku są liczne i bardzo ciekawe. Albrecht już jest wczesna praca, wykonany około 1499 roku (portret Oswalda Krehla) wydaje się być uznanym mistrzem. Doskonale oddaje wewnętrzną energię modelki, oryginalność charakteru. Wyjątkowość Albrechta Dürera polega na tym, że autoportret zajmuje czołowe miejsce w wczesny okres jego praca portretowa. Już w 1484 r. stworzył rysunek srebrnego punktu, przedstawiony na początku artykułu. Tutaj Albrecht jest przedstawiony jako 13-letnie dziecko. Już w tym czasie ręką Dürera kierowało pragnienie samopoznania, które rozwinęło się w jego pierwszych trzech malowniczych autoportretach. Mówimy o dziełach z lat 1493, 1498 i 1500. W Ostatnia praca(jej zdjęcie przedstawiono powyżej) Albrecht jest przedstawiony ściśle z przodu. Jego regularna twarz, otoczona drobną brodą i długimi włosami, przypomina nam wizerunki Chrystusa Pantokratora.

Grawerunki

Dzieło Albrechta Dürera (1471-1528) jest interesujące, ponieważ z równym powodzeniem wykonywał ryciny zarówno na miedzi, jak i drewnie. Albrecht zamienił grawerowanie, za Schongauerem, w jedną z głównych form sztuki. W pracach Dürera wyrażał się niespokojny, niespokojny duch jego twórczej natury, a także dramatyczne zderzenia moralne, które go niepokoiły. Ostrym kontrastem z wyraźnymi i spokojnymi wczesnymi obrazami mistrza była już pierwsza wielkoformatowa seria graficzna, składająca się z 15 rycin o tematyce Apokalipsy. Te stolarnie zostały stworzone przez Albrechta w 1498 roku. Dürer w swoich rycinach znacznie bardziej niż w obrazach opiera się na niemieckich tradycjach. Przejawiają się one w napięciu kanciastych, gwałtownych ruchów, nadmiernej ekspresji obrazów, rytmie wirowania, szybkich linii i łamaniu fałd. Wizerunek Fortuny z ryciny „Nemesis”, datowany na początek XVI wieku, ma budzący grozę charakter. Ten grawer jest jednym z najlepsze prace Durer.

„Życie Maryi”, „Wielkie pasje” i „Małe pasje”

W cyklu graficznym „Życie Maryi”, powstałym około 1502-05, zauważalne jest zainteresowanie autora detalami gatunkowymi, a także bogactwo detali – cech charakterystycznych dla niemieckiej tradycji artystycznej. Ten cykl graficzny jest najbardziej wyraźny i spokojny w nastroju. Dwa pozostałe, poświęcone męce Chrystusa, wyróżnia dramatyczna ekspresja. Są to „Wielkie Pasje” wykonane na drewnie (ok. 1498-1510), a także dwie serie rycin na miedzi „Małe Pasje” (lata powstania – 1507-13 i 1509-11). Te prace Dürera były najbardziej znane wśród jego współczesnych.

Tryptyk 1513-1514

W spuściźnie Albrechta ważne miejsce zajmuje rycina z 1513 r. „Rycerz, śmierć i diabeł”, a także dwa dzieła z 1514 r. („Hieronima w celi” i „Melancholia”). Tworzą rodzaj tryptyku. Utwory te wykonane są przez mistrza z wirtuozerską subtelnością. Wyróżnia je rzadka figuratywna koncentracja i zwięzłość. Najwyraźniej Dürer nie zamierzał tworzyć ich jako jednego cyklu. Niemniej prace te łączy podtekst moralny i filozoficzny, który jest bardzo złożony (wiele prac poświęconych jest dziś jego interpretacji). Podobno traktat „Przewodnik chrześcijańskiego wojownika” E. Rotterdama zainspirował autora wyobrażeniem surowego wojownika w średnim wieku, który zmierza w kierunku nieznanego celu, mimo że Diabeł depcze mu po piętach, a także groźby smierci. Wojownik przedstawiony jest na tle dzikiego, skalistego krajobrazu. Twórczość Albrechta Dürera nie zawsze jest łatwo odbierana. Streszczenie wspomniany traktat jest ważny, aby zrozumieć obraz wojownika.

Św. Hieronim (na zdjęciu powyżej), który całkowicie zagłębił się w studia naukowe, jest uosobieniem życia kontemplacyjnego i duchowej introspekcji. Pogrążona w ponurym odbiciu majestatyczna uskrzydlona Melancholia zostaje przedstawiona na tle chaotycznej sterty symboli ulotnego czasu i nauk, narzędzi rzemiosła.

Zwykle interpretuje się go jako uosobienie twórczego, niespokojnego ducha osoby. Zauważ, że humaniści renesansu znaleźli w ludziach melancholijny temperament, „boską obsesję” geniuszu, ucieleśnienie kreatywność. Można więc powiedzieć, że twórczość Albrechta Dürera mieści się również w ramach ogólnego nurtu. Scharakteryzujmy pokrótce jego późniejsze prace.

Późniejsze prace

Dürer pracował na dworze Maksymiliana I po 1514 r. (powyżej jego portret pędzla Albrechta). W tym czasie Albrecht Dürer wykonał wiele oficjalnych zamówień. Tworzone przez niego prace wymagały ogromnego kunsztu, ale najbardziej pracochłonną z nich była kolorowa litografia wykonana na 192 planszach. Dzieło to nosi nazwę „Łuk Maksymiliana I”. Pracowała nad jego stworzeniem, z wyjątkiem Durera, duża grupa artyści. Po podróży do Holandii, odbytej w latach 1520-21, Albrecht rozpoczął nowy rozkwit twórczy. W tym czasie pojawiło się wiele pobieżnych szkiców. Ponadto prace Albrechta Dürera zostały uzupełnione szeregiem pięknych. Ich lista jest następująca: wykonane w 1520 r. węglem drzewnym, a także dzieło z 1521 r. „Luke of Leyden” (wykonane srebrnym ołówkiem), „Agnes Dürer”, które powstało za pomocą metalowego ołówka itp.

Portrety z lat 20.

Portret w latach 20. XVI wieku staje się głównym gatunkiem w twórczości Dürera. W tym czasie Albrecht Dürer tworzył obrazy miedziorytów najwybitniejszych humanistów swoich czasów. Główne prace to: w 1526 – portret Filipa Melanchtona, w 1524 – Willibald Pirkheim, w 1526 – Erazm z Rotterdamu. Na malarstwie w 1521 pojawia się "Portret młodzieńca", w 1524 - " męski portret”, w 1526 r. -„ Hieronymus Holtschuer ”i inne dzieła małe prace wyróżniają się nienaganną kompozycją, klasyczną perfekcją i rzeźbionymi sylwetkami. Skutecznie komplikują je zarysy wielkich aksamitnych beretów czy kapeluszy z szerokim rondem. Kompozycyjnym centrum tych prac jest zbliżenie twarzy, stworzone przez subtelne przejścia cieni i światła. W ledwie zauważalnej mimice, w spojrzeniu szeroko otwartych oczu, w zarysie ust lekko wygiętych w uśmiechu lub półotwartych ustach, w energetycznym rysunku kości policzkowych i ruchu zmarszczonych brwi, ślady intensywnej duchowości można zobaczyć życie. Męstwo odkryte przez Albrechta jemu współczesnych nabiera dużej skali w dyptyku „Czterej apostołowie” (na zdjęciu poniżej), ostatnim malarskim dziele mistrza (1525). Został napisany przez Dürera dla ratusza w Norymberdze. Przedstawione są ogromne postacie ewangelisty Pawła, Piotra i Jana, które uosabiają, według współczesnych mistrzowi, 4 temperamenty.

Prace teoretyczne, znaczenie twórczości

W ostatnich latach życia Albrecht opublikował prace teoretyczne: przewodnik po mierzeniu linijką i cyrkla (w 1525), o umacnianiu twierdz, zamków i miast (1527), a w 1528 ukazało się dzieło Cztery księgi o proporcjach ludzkich . Albrecht Dürer, którego dzieło i losy rozważaliśmy, zmarł w Norymberdze 6 kwietnia 1528 r.

Dürer silnie wpłynął na rozwój całej sztuki niemieckiej w pierwszej połowie XVI wieku. Jego ryciny odniosły również ogromny sukces we Włoszech – powstały nawet ich podróbki. Jego prace wywarły wpływ na wielu włoskich artystów, w tym Pordenone i Pontormo.