„Maria Annuziata” jest jedną z najbardziej znane obrazy wielki włoski malarz Antonello da Messina (1429/31 - 1479). słynny malarz Wczesna restauracja namalowała obraz w 1475 roku. Drewno, olej.

Wymiary: 45 x 34,5 cm. ten moment znajduje się w Muzeum Narodowym w Palermo.

„Mary Annuciata” ma cechy charakteru obraz Da Messina. Mówi się, że malarze epoki wczesnego powrotu do zdrowia dopiero opanowali sztukę malowania.

Był to czas, kiedy wielcy malarze odkrywali nowe formy, wymyślali nowe rozwiązania stylistyczne i techniki, stali się znani z własnych eksperymentów z malarstwem. Twórczość malarzy Restauracji bezpośrednio wpłynęła na umiejętności całego późniejszego kultu malarzy i nadal jest przykładem dla początkujących artystów.

Antonello da Messina nie jest wyjątkiem od reguły.

Dla pędzla tego artysty szczególnie charakterystyczne są portrety ludzi, zachwycające realizmem i głębią oraz obrazy o tematyce religijnej. Na obrazie „Mary Annunciata” i obrazie „Zwiastowanie” malarz przedstawił popiersie damy.

Tutaj widzimy, że Antonello da Messina próbuje wyrazić to, co niewyrażalne, poprzez rzeczy symboliczne. Większość malarzy przedstawiała Zwiastowanie jako sceny rodzajowe, ale Antonello odchodzi od tej praktyki i wyraża poczucie duchowego związku z wyższym, jako stanem wewnętrznym Marii Annuziaty.

Jej spojrzenie, postawa rąk i głowy, wyraz twarzy – wszystko wskazuje na to, że teraz Maryja jest w dużej odległości od tymczasowego świata.

Maria Annuziata jest włączona ciemne tło, jakby podkreślając przez to zarówno jego oderwanie, jak i oderwanie się od świata. Ale we własnym obrazie Antonello da Messina potrafił uwydatnić głębię obrazu, spychając postać damy na drugi plan za pomocą książki i pulpitu muzycznego, który znajduje się przed Maryją.

Obraz „Maria Annuziata” Antonello da Messina

Chcesz zawsze świetnie wyglądać na każdym wydarzeniu? Aby to osiągnąć, pomoże Ci wysokiej jakości biżuteria z http://www.formygirl.ru.

Koraliki, kolczyki, bransoletki, pierścionki i nie tylko.

Antonello da Messina (1429/30-1479) (Antonello da Messina) obrazy wielkich malarzy

Antonello da Messina (1430-1479)

Madonna z Dzieciątkiem

Urodzony w Mesynie na Sycylii w rodzinie rzeźbiarza. Około 1450-55 studiował w Neapolu w warsztacie malarza Colantonio. Autor biografii artysty, Giorgio Vasari, relacjonuje swoją podróż do Holandii, gdzie Antonello zapoznał się z techniką obraz olejny- ten przekaz, wcześniej uważany za fikcję, wydaje się całkiem prawdopodobny. W 1456 ma już własny warsztat w Mesynie. W 1457 bractwo św. Michael w Reggio di Calabria kazał Antonello namalować sztandar. Zapewne miał wiele podobnych zamówień, z którymi wiążą się jego podróże do południowych Włoch.

Maria Annunziata

Do 1465 r. jego nazwisko widnieje w różnych dokumentach sycylijskich, w tym czasie maluje ołtarze i maluje chorągwie. Pod koniec lat 60. artysta podobno odwiedził Rzym, gdzie zapoznał się z twórczością Piero della Francesca. W 1473 r. jego nazwisko pojawia się ponownie w dokumentach mesyńskich w związku z zamówieniami na ołtarze i chorągwie. W 1475 pojawia się w Wenecji, a we wrześniu 1476 jest ponownie w Mesynie. Jego działalność zostaje przerwana na początku 1479 r.: 14 lutego 1479 r. sporządza testament i wkrótce umiera.

Portret mężczyzny

Wczesny okres

Pochodzący z południowych Włoch Antonello da Messina łączył w swojej twórczości dwie różne tradycje artystyczne – włoską i holenderską, gdyż Neapol, Palermo i Mesyna były ściśle związane z Półwyspem Iberyjskim, Francją, Prowansją i Holandią.

Maria Annunziata

Malarstwo niderlandzkie cieszyło się wielkim powodzeniem na dworze aragońskim; podczas praktyk w Neapolu artysta miał okazję zapoznać się z przechowywanymi tam dziełami Van Eycka i Petrusa Christusa. Już w najwcześniejszych wiarygodnych dziełach, które sprowadził do nas Antonello (Ukrzyżowanie, ok. 1455, Muzeum Sztuki, Bukareszt; Św. Hieronim, ok. 1460, i obraz Chrystusa Zbawiciela, 1465, oba - National Gallery, Londyn ) wpływ Holendrów jest zauważalny nie tylko w zapożyczaniu ikonografii, ale także w interpretacji otaczającego świata - w pejzażowym tle „Ukrzyżowania” (przedstawiono Zatokę Mesyńską), który jest pełen wielu szczegółów i szczegóły, odtworzone z czysto „holenderską” skrupulatnością i dokładnością, w złożonych efektach przestrzennych i świetlnych obrazu „Świętego Hieronima”. Obrazy Antonello różnią się jednak od holenderskich wzorców typowo włoskim, plastycznym modelowaniem form i klarownością konstrukcji przestrzeni.

Święty Gerolamo

Nie mniej ważne dla uzupełnienia manier Antonello było przyswojenie lekcji malarstwa wczesnego renesansu. Włoskie pragnienie idealnej typizacji, uogólnienia plastycznego, w połączeniu z naturalizacją „holenderską”, przeradza się w szczególny styl w malarstwie Antonello po 1470 roku.

Święty Gregorio

Jego ołtarze (np. Zwiastowanie, 1474, które spłynęły do ​​nas w złym stanie, Muzeum Narodowe, Syrakuzy; „Poliptyk św. George”, 1473, Muzeum Narodowe, Mesyna), wizerunki Madonny i Chrystusa („Oto Człowiek”) charakteryzują się złożonym przenikaniem się form i ikonografii niderlandzkiej i włoskiej.

Św. Agostino

portrety

Najbardziej uderzającą częścią dziedzictwa Antonello są jego portrety (wszystkie pochodzą z okresu 1465-76). Decydujący był tu wpływ malarstwa niderlandzkiego, a przede wszystkim portretów Jana van Eycka, od którego mistrz zapożycza kompozycję wizerunku portretowego i samą technikę malarstwa olejnego: portret ukazany jest w trójdzielnym popiersiu. ćwierć obrotu na ciemnym, neutralnym tle, wzrok utkwiony jest w widzu.

Portret nieznanego

Innym źródłem dla Antonello jest rzeźba portretowa wczesnorenesansowych rzeźbiarzy Domenico Gaginiego i Francesco Laurany, którzy przybyli na Sycylię. Stąd plastyczność i stereometria, pragnienie ujawnienia zasady plastycznej, które odróżniają prace artysty od holenderskich próbek.

Portret młodego mężczyzny

W portretach Antonello interpretacja osobowości portretowanej osoby staje się bardziej otwarta niż w jego holenderskich pierwowzorach - holenderska bezosobowość zostaje zastąpiona przez aktywność modelki, jej pragnienie autoafirmacji. Przedstawieni ludzie patrzą na widza tak intensywnie, jakby czekali na jakieś pytanie, ich twarze często ożywia uśmiech.

Portret nieznanego

Arcydziełami sztuki portretowej Antonello są: „Portret nieznanego mężczyzny” (1465-70, Muzeum Mandralisk, Cefalu), tzw. „Condottiere” (1475, Luwr), gdzie plastyczne wymodelowanie twarzy przedstawianego energia wewnętrzna; tzw. „Autoportret” (1474-75, National Gallery, Londyn) i „Portret młodzieńca” (1476?, Muzea państwowe, Berlin-Dahlem).

Portret młodego mężczyzny

okres wenecki

Ostatni etap twórczości Antonello datuje się na lata 1475-76, lata jego podróży weneckiej (być może odwiedził też Mediolan). Wkrótce po przybyciu do Wenecji jego twórczość zaczęła przyciągać entuzjastyczną uwagę. Władze weneckie zleciły mu szereg zamówień, jego malarstwo, a przede wszystkim znana mu technika malarstwa olejnego wywarły znaczący wpływ na artystów weneckich. Metoda Antonello konstruowania formy za pomocą koloru, a nie linii i światłocienia miała ogromny wpływ na dalszy rozwój Malarstwo weneckie.

Św. Sebastian

Jednocześnie znajomość samego Antonello da Messina z dziełami mistrzów wczesnego renesansu, przede wszystkim Piero della Francesca i Andrei Mantegny, znalazła odzwierciedlenie w zmianie figuratywnej struktury jego obrazów: stały się one lżejsze, przestrzeń swobodniejsza, kompozycja bardziej wyważona i uporządkowana, obrazy architektury bardziej klasyczne i harmonijne.

Ukrzyżowanie z Maryją i Janem

Antonello da Messina (ital. Antonello da Messina ok. 1429 (1429) / 1431 - 1479) - włoski artysta, wybitny przedstawiciel południowowłoskiej szkoły malarskiej wczesnego renesansu.

Nauczyciel Girolamo Alibrandiego, nazywany „Messinian Raphael”.

Antonello urodził się w mieście Mesyna na Sycylii w latach 1429-1431. Edukacja podstawowa odbywała się w szkole prowincjonalnej, z dala od artystycznych centrów Włoch, gdzie głównymi punktami odniesienia byli mistrzowie południowej Francji, Katalonii i Holandii. Około 1450 przeniósł się do Neapolu. Na początku lat pięćdziesiątych uczył się u Colantonio, malarza związanego z tradycją holenderską. W latach 1475-1476. yes Messina odwiedził Wenecję, gdzie otrzymywał i realizował zamówienia, zaprzyjaźnił się z artystami, zwłaszcza z Giovannim Bellinim, który do pewnego stopnia przejął jego technikę malarską.

Dojrzała twórczość Antonello da Messina to fuzja elementów włoskich i holenderskich. Był jednym z pierwszych we Włoszech, który pracował w technice czystego malarstwa olejnego, w dużej mierze zapożyczając go od Van Eycka.

Styl artysty charakteryzuje się wysokim poziomem wirtuozerii technicznej, drobiazgową dbałością o szczegóły oraz charakterystycznym dla szkoły włoskiej zainteresowaniem monumentalnymi formami i głębią tła.

Na obrazie „Martwy Chrystus pod opieką aniołów” postacie wyraźnie wyłaniają się na oświetlonym jasnym tle, gdzie niejasno wyróżnia się Mesyna, rodzinne miasto artysty. Z twórczością Giovanniego Belliniego wiąże się ikonografia i emocjonalne potraktowanie tematu.

Obrazy, które namalował w Wenecji, należą do najlepszych. „Ukrzyżowanie” (1475, Antwerpia) mówi o holenderskim treningu artysty.

W latach 70. XIX wieku znaczące miejsce w jego twórczości zaczęły zajmować portrety („Młody człowiek”, ok. 1470; „Autoportret”, ok. 1473; „Portret mężczyzny”, 1475 itd.), nacechowane rysami sztuki holenderskiej: ciemne, neutralne tło, wiernie odwzorowana transmisyjna mimika twarzy. Jego sztuka portretowa odcisnęła głębokie piętno na malarstwie weneckim pod koniec XV wieku. - początek XVI wieku

Zmarł w Mesynie w 1479 roku.

Twórczość Antonello da Messina jest przykładem tego, jak w malarstwie włoskim od około 1470 r. nowe formy portretowania rozprzestrzeniły się w różnych ośrodkach niemal jednocześnie, czasem niezależnie od siebie, a często dzięki nawiązywaniu kontaktów między szkoły artystyczne oraz definiującą rolę kilku czołowych mistrzów. Tak więc równolegle z Mantegną w latach 70. XIV wieku, na odległych przedmieściach – na Sycylii, na pierwszy plan wysunął się inny wielki mistrz portretu, Antonello da Messina, który stworzył szereg prac będących przykładem trzy czwartego portretu popiersia, który przez dziesięciolecia wyznaczał główną drogę rozwoju portretu weneckiego (dodatkowo podbił Wenecjan ucząc ich malowania farbami olejnymi). Jest w ścisłym tego słowa znaczeniu pierwszym włoskim mistrzem portretu sztalugowego. Nigdy nie malował fresków z ukrytymi portretami i darczyńcami w ołtarzach. Zachowało się około 10 jego autentycznych portretów, ale w rozwoju portretu sztalugowego wczesny renesans zajmuje bardzo ważne miejsce.

Wszystkie jego zachowane dzieła należą do jego dojrzałego okresu (Sycylia i Wenecja, 1465-76). Posługuje się jedną wypracowaną formułą kompozycji portretowej, nie zmieniając jej w przyszłości, co więcej, nie zmieniając ideału, z którym porównuje się żywy model. Stało się tak, ponieważ opierał się na długoletniej tradycji portretu niderlandzkiego, który bezpośrednio odniósł do włoskiego rozumienia obrazu ludzkiego. Najprawdopodobniej pojawienie się portretu sztalugowego w jego twórczości jest bezpośrednio związane z jego żarliwą pasją do malarstwa niderlandzkiego. Narodziny gatunku portretowego w jego twórczości zbiegły się również bezpośrednio z okresem aktywnego zapoznawania się z formami i ideałami renesansu. Antonello skupia się na najbardziej zaawansowanym kierunku tego okresu - twórczości Jana van Eycka, zapożyczając od niego kompozycję, technikę i kolor. Mógł podróżować do Holandii.

Z pracy Eika wybiera najbardziej zwięzłe i plastyczne rozwiązanie kompozycji - jednocześnie najbardziej emocjonalne. Antonello zawsze maluje modelki do biustu, z parapetem, zawsze w nakryciu głowy i patrząc wprost na widza. Nie maluje rąk i nie przedstawia akcesoriów. Dzięki parapetowi pierwszoplanowy a perspektywiczna rama, popiersie portretowe, lekko cofnięte w głąb, nabiera przestrzenności. Widok z dołu nadaje obrazowi odrobinę monumentalności. Na „kamiennym” parapecie zawsze znajduje się zmięta kartka papieru, „przymocowana” kroplą laku do pieczętowania, z napisem „Antonello Messinets napisał do mnie” i datą. Iluzję trójwymiarowości potęguje miękkie światło-powietrze. Twarz zwrócona jest w stronę padającego z lewej strony światła, subtelnie modelowana przez przezroczyste cienie, które stopniowo gęstnieją w kierunku krawędzi obrazu i stają się całkowicie nieprzenikliwe w tle. Najbliższą analogią w Holandii do jego portretów jest portret nieznanej osoby w czerwonym turbanie. Antonello i van Eyck są podobni nie tylko w kompozycji, ale także w malarstwie, głębokich i barwnych tonach, które uzyskuje się za pomocą cienkich przezroczystych warstw oleju; zdjęcia rentgenowskie pokazują, że ich praca jest identyczna w technice. Ale metoda konstruowania formy obrazowej zastosowana przez Antonello ma swoje własne cechy. Jego rysunek jest celowo zaokrąglony i uproszczony, w przeciwieństwie do Holendrów nie bada różnic, ale uogólnia. Niewiele jest szczegółów, portrety przypominają okrągłą rzeźbę, jakby namalowaną - kształty twarzy są stereometryzowane.

To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykułu tutaj →

„Madonna z Dzieciątkiem”. Około 1475 r. Płótno, olej, tempera. Galeria Narodowa Sztuka, Waszyngton.

Antonello da Messina urodził się około 1430 roku i zmarł jako stosunkowo młody mężczyzna w 1479 roku. Vasari w swoim zbiorze biografii oświetla także jego życie. Vasariego przypomniałem sobie nie przez przypadek, pisał o prawie wszystkich i opowiedział romantyczną, prawie pełną przygód, ale zupełnie niewiarygodną historię o Antonello. Według Vasariego Antonello da Messina wyjechał do Holandii jako nastolatek i został uczniem Jana van Eycka, który uważał, że wynalazł malarstwo olejne. Van Eyck, a raczej bracia van Eyck: Jan i Hubert nie wymyślili, ale udoskonalili malarstwo olejne. I tak Jan van Eyck rzekomo trzymał przepis w ścisłej tajemnicy nawet przed najbliższymi braćmi, ale młody Włoch był tak czarujący, tak bardzo zaufany, że Jan van Eyck wyjawił Antonello da Messina tajniki malarstwa olejnego. Dowiedziawszy się wszystkiego od mistrza, Antonello wyjechał i przywiózł holenderski przepis do Włoch.

Zacznijmy od tego, że nie mógł studiować u Jana van Eycka, bo van Eyck zmarł, gdy Antonello miał zaledwie jedenaście lat. Ale technikę malarstwa olejnego znał bardzo dobrze, pracował w niej i oczywiście czerpał ją ze swojej ojczyzny, na południu Włoch, od tych Holendrów, którzy mogli być jakoś, przynajmniej pośrednio, związani z kręgiem Jana van Eycka. i inni artyści, którzy pracowali w pierwszej połowie XV wieku. we Flandrii.

„Salvator Mundi (Zbawiciel Świata)”. 1465. Olej na drewnie, National Gallery, Londyn.

Szerokie powiązania włoskiego miasta Mesyna z Holandią sięgają średniowiecza. To przede wszystkim relacje handlowe, ale także kulturalne. Nie można powiedzieć, że w Mesynie powstała cała kolonia artystów niderlandzkich, ale od czasów zmarłego w 1250 roku jednego z najwybitniejszych cesarzy Świętego Cesarstwa Rzymskiego Fryderyka II, mieszkańcy północy – Francuzi, Flamandowie, Holendrzy – mają nie zostało przetłumaczone tutaj. A Antonello da Messina, zgodnie z jego treningiem, jest z nimi wyraźnie związany.
A Toskania, przypomnę, w tej chwili działa w całości w temperze. Obraz olejny z połowy i 3 ćw. XV wieku. dla Włochów to wciąż doskonała nowość. Przeprowadzano oddzielne eksperymenty, ale sporadycznie i miały, że tak powiem, charakter eksperymentalny. A Antonello da Messina przeżywa swoją najwspanialszą godzinę - to półtora roku: 1475 i część 1476, kiedy prawdopodobnie mieszka w Wenecji na zaproszenie. W tej chwili tworzy wiele prac i pisze swoje najlepsze rzeczy. Bardzo możliwe, że w Wenecji był doceniany, w każdym razie wyżej niż w domu. Niewykluczone, że w 1476 Antonello trafił na stosunkowo krótki czas do Mediolanu, do księcia Sforza. Wiemy, że otrzymał takie zaproszenie, po czym wrócił do swojej ojczyzny, do Mesyny, gdzie, jak już wspomniałem, zmarł w 1479 r.
Sam fakt, że Antonello da Messina rozprzestrzenił się i wprowadził nie tylko do języka włoskiego, ale także do… sztuka niemiecka wystarczyła nowa, znacznie bogatsza, elastyczna, mobilna technika artystyczna, aby jego nazwisko pozostało w historii sztuki. Ale dodatkowo jest niezwykły jako mistrz pierwszej klasy, jeden z największych artystów Quattrocento, mistrz, który wyróżnił się w różne obszary malarstwo sztalugowe. I w obrazie nagiego ciała (jego słynny drezdeński „św. Sebastian”) oraz w tworzeniu czysto weneckiego typu ołtarza „Santa Conversazione” („Święta rozmowa”) w jego „Ołtarzu św. Kasjana”, który niestety dotarł do nas w formie fragmentarycznej.

„Chrystus w kolumnie”. Około 1476 r. Drewno, olej. Luwr, Paryż.

I wreszcie, być może najważniejszy, jest ogromny wkład Antonello da Messina w rozwój włoskiego portretu. Rozmawialiśmy o Botticellym, który w pewnym sensie był innowatorem portretu, ale etapami twórczość Antonello da Messina wyprzedza Botticellego i pod wieloma względami, mimo zewnętrznej skromności, przewyższa go.
Zachowała się większość jego dzieł z okresu weneckiego. Ale nie tylko. Znane są również rzeczy, które określa się jako wczesne dzieła mistrza. Wśród nich jest jego słynny „Święty Hieronim w celi”. Niewielka tablica datowana na ok. 1460 r. wykonana na długo przed pojawieniem się artysty w mieście nad Adriatykiem. W tej pracy szczególnie widoczny jest jego najbliższy związek z malarstwem niderlandzkim. Wielokrotnie przekonywaliśmy się, a ja mówiłem, a sami czuliście, że wnętrze jako specyficzny problem, wnętrze jako temat ucieleśniony w swojej, by tak rzec, portretowej specyfice, nie przyciągało Artyści włoscy. Wnętrza mistrzów toskańskich z połowy XV wieku. a wnętrza Ghirlandaio, jeśli mówimy o artystach końca wieku, są zawsze nieco fantastyczne, misterne, dekoracyjne, monumentalne, nielogiczne i jakoś mało skorelowane z człowiekiem. Zupełnie inny stosunek do wnętrza objawił się w Antonello da Messina w tym małym, ale bardzo ważnym, przełomowym obrazie dla włoskiego malarstwa.

Św. Hieronim w celi. Około 1475 r. Drewno, olej. Galeria Narodowa w Londynie.

Potężne, potężne kamienne portale otwierają się na nieco ponury, ale wcale nie ponury pokój, który również zawiera element pewnej fantazji architektonicznej. Coś jak hala, jeśli spróbujesz całą otwartą przestrzeń architektoniczną postrzegać jako integralność pewnej hali, której funkcje nie są wskazane. We wnętrzu pojawia się kolejne mikrownętrze - miejsce pracy lub półzamknięty gabinet, w którym pracuje św. Hieronim, patron humanistów, mistrz skryby. Jeśli spojrzysz na gałęzie przestrzeni, które rozwidlają się w głąb, to ta przestrzeń niejako okrąża szkielet szafy, pozostawiając w obrazie dwa prądy. Po lewej - coś w rodzaju mieszkalnego spokoju, światło padające z okna na podłogę, stołki stojące przy oknie, prostokątne okno w głębi, a po prawej - nagle pojawiają się gotyckie kolumny, sklepienie, prawie nawa kościoła . U góry pojawiają się również gotyckie łuki ostrołukowe, wysokość nie jest określona, ​​wykracza poza granice obrazu, gdzie gęstnieje nieprzenikniona ciemność. Jest tu jakaś niemal romantyczna niepewność, zwłaszcza że wnętrze się kończy, podłoga zbliża się do ściany, bliżej widza, nie są na tym samym poziomie, więc trudno wyobrazić sobie ścianę jako jedną i monolityczną. Ta obfitość wewnętrznych detali, wśród których żyje i pracuje św. Hieronim, wywodzi się wyraźnie z holenderskiego zamiłowania do obiektywizmu. Znajdują się tu różne naczynia - ceramiczne, szklane, metalowe, a także książki i rękopisy, a także jakieś drewniane skrzynie, trzeszczący lakier i wiszące ręczniki. Wszystko to jest bardzo czule i subtelnie napisane, w sposób, w jaki pisali Holendrzy, i tylko od holenderskich mistrzów można było nauczyć się tak bacznej uwagi do rzeczy i zorientować się w jej uroku.

We wczesnym renesansie reprezentował południową szkołę malarstwa. Był nauczycielem Girolamo Alibrandiego, który był nazywany Messyńskim Rafaelem. Aby osiągnąć głębię koloru w ostrych portretach i poetyckich obrazach, posługiwał się techniką malarstwa olejnego. W artykule zwrócimy uwagę krótki życiorys artysta i przyjrzyjmy się bliżej jego twórczości.

Przedstawiciel nowego kierunku

Wiele informacji o życiu Antonello da Messina jest kontrowersyjnych, wątpliwych lub zagubionych. Ale jest całkiem oczywiste, że to on zademonstrował weneckim artystom świetliste możliwości malarstwa olejnego. W ten sposób Włoch położył podwaliny pod jedną z kluczowych dziedzin sztuki zachodnioeuropejskiej. Idąc za przykładem wielu innych artystów tamtych czasów, Antonello połączył holenderską tradycję dokładnego optycznie odwzorowania szczegółów obrazu z malarskimi innowacjami Włochów.

Historycy odnaleźli zapis, że w 1456 roku bohater tego artykułu miał ucznia. To znaczy najprawdopodobniej malarz urodził się przed 1430 rokiem. Neopolitan Colantonio był pierwszym nauczycielem Antonello da Messina, którego prace zostaną opisane poniżej. Ten fakt potwierdza przesłanie J. Vasariego. Właśnie w tym czasie Neapol znajdował się pod wpływem kulturowym Półwyspu Iberyjskiego, Holandii i Francji, a nie północnych Włoch i Toskanii. Pod wpływem twórczości Van Eycka i jego zwolenników z każdym dniem wzrastało zainteresowanie malarstwem. Krążyły pogłoski, że bohater tego artykułu studiował od niego technikę malowania olejnego.

mistrz portretu

Od urodzenia Antonello da Messina był Włochem, ale przez Edukacja plastyczna zasadniczo należał do malowniczych tradycji północnej Europy. Malował znakomite portrety, które stanowią prawie trzydzieści procent jego zachowanych dzieł. Zazwyczaj Antonello przedstawiał popiersie modelki i zbliżenie. Jednocześnie ramiona i głowę umieszczono na ciemnym tle. Czasami na pierwszym planie artysta malował parapet z przyczepionym do niego kartelinem (mała kartka z napisem). Iluzjonistyczna precyzja i graficzny charakter tych detali wskazują na ich holenderskie pochodzenie.

„Portret mężczyzny”

Ten obraz, namalowany przez Antonello da Messina w latach 1474-1475. jest jednym z jego najbardziej najlepsze prace. Paleta mistrza ogranicza się do bogatego brązu, czerni i pojedynczych kresek miąższu i białe kwiaty. Wyjątkiem jest czerwona czapka, uzupełniona wystającym ciemnoczerwonym paskiem dolnej sukienki. Wewnętrzny świat narysowany model praktycznie nie jest ujawniany. Ale twarz promieniuje inteligencją i energią. Antonello bardzo subtelnie wymodelował go światłocieniem. Ostry rysunek rysów twarzy w połączeniu z grą światła nadaje twórczości Antonello niemal rzeźbiarską wyrazistość.

„To mężczyzna”

Portrety Włocha przyciągają widza błyszczącą, błyszczącą powierzchnią i kameralnym formatem. A kiedy Mesyna przenosi te cechy na malarstwo religijne (obraz „To jest człowiek”), to widok ludzkiego cierpienia staje się strasznie bolesny.

Ze łzami na twarzy i liną na szyi nagi Chrystus patrzy na widza. Jego postać wypełnia prawie całe pole płótna. Interpretacja fabuły nieco różni się od motywu malowania ikon. Włoch starał się jak najbardziej realistycznie przekazać psychologiczny i fizyczny obraz Chrystusa. To właśnie zmusza widza do skupienia się na znaczeniu cierpienia Jezusa.

Maria Annunziata – Antonello da Messina

Ta praca, w przeciwieństwie do obrazu „To jest mężczyzna”, ma zupełnie inny nastrój. Ale od widza wymaga to również wewnętrznego doświadczenia i emocjonalnego udziału. Jeśli chodzi o „Maria Annunziata”, Antonello wydaje się umieszczać widza w miejscu archanioła w przestrzeni. Daje to poczucie współudziału psychicznego. Najświętsza Maryja Panna, siedząca przy stoliku muzycznym, lewą ręką trzyma narzucony na nią niebieski welon, a drugą podnosi. Kobieta jest całkowicie spokojna i zamyślona, ​​jej równomiernie oświetlona, ​​wyrzeźbiona głowa wydaje się promieniować światłem na ciemnym tle obrazu.

„Maria Annunziata” to nie jedyny popiersiowy portret kobiety namalowany przez Antonello da Messina. „Zwiastowanie” to nazwa innego podobnego obrazu malarza, który przedstawia tę samą Matkę Boską, tylko w innej pozycji: trzyma niebieski welon obiema rękami.

W obu starał się wyrazić poczucie duchowego połączenia kobiety z wyższymi mocami. Jej wyraz twarzy, postawa rąk i głowy, a także spojrzenie mówią widzowi, że Mary jest teraz daleko od świata śmiertelników. A czarne tło płócien tylko podkreśla oderwanie Dziewicy.

„Św. Jerome w celi"

W omówionych powyżej obrazach nie ma nawet najmniejszego zainteresowania problemem przenoszenia otaczającej przestrzeni. Ale w innych pracach malarz pod tym względem znacznie wyprzedzał swój czas. Na obrazie „Św. Jerome in a Cell” przedstawia świętego czytającego na straganie muzycznym. Jego gabinet mieści się w gotyckiej sali, w tylnej ścianie której okna wycięte są na dwóch kondygnacjach. Na pierwszym planie obraz jest obramowany ramką i łukiem. Postrzegane są jako proskenium (technika powszechna w sztuce krajów na północ od Alp). Musztardowy kolor kamienia podkreśla kontrast cienia i światła wewnątrz jaskiniowej przestrzeni. Szczegóły obrazu (krajobraz w oddali, ptaki, przedmioty na półkach) są oddane z bardzo dużą dokładnością. Ten efekt można osiągnąć tylko poprzez zastosowanie farba olejna całkiem małe pociągnięcia. Ale najważniejsza zaleta malowania tak Messina nadal nie polega na niezawodnym przekazywaniu detali, ale na stylistycznej jedności powietrza i światła.

monumentalny ołtarz

W latach 1475-1476. artysta mieszkał w Wenecji. Tam namalował wspaniały ołtarz do kościoła San Cassiano. Niestety do Dziś zachowała się jedynie jego centralna część, gdzie na tronie ukazana jest Madonna z Dzieciątkiem. Po obu jego stronach są święci. Ołtarz ten należy do typu sacra conversione. Oznacza to, że święci znajdują się w tej samej przestrzeni. A jest to przeciwieństwo formy podzielonego na części poliptyku. Rekonstrukcja monumentalnego ołtarza została oparta na późniejszych pracach Giovanniego Belliniego.

„Pieta” i „Ukrzyżowanie”

Malarstwo olejne Antonello, a raczej umiejętność oddania światła tą techniką, było bardzo cenione przez kolegów artystów. Od tego czasu koloryzm wenecki opiera się wyłącznie na rozwoju wielkiego potencjału nowego kierunku. Dzieła da Messiny z okresu weneckiego mają ten sam nurt konceptualny, co jego wczesna praca. Mocno zniszczony obraz „Pieta”, nawet w tak zniszczonym stanie, napełnia publiczność napiętym uczuciem współczucia. Na pokrywie grobowca martwe ciało Chrystusa trzymane jest przez trzech aniołów o spiczastych skrzydłach przecinających powietrze. Artysta przedstawił w zbliżeniu centralną postać.

To jakby przyciśnięte do powierzchni płótna. Empatia z przedstawionym cierpieniem - to właśnie osiągnął Antonello da Messina, posługując się powyższą techniką. „Ukrzyżowanie” to kolejny obraz malarza. Jest podobny tematycznie do Piety. Płótno przedstawia Jezusa ukrzyżowanego na krzyżu. Po jego prawej stronie siedzi Maryja, a po lewej apostoł Jan. Podobnie jak „Pieta”, płótno ma na celu wzbudzenie w widzu empatii.

„Święty Sebastian”

Ten obraz jest przykładem tego, jak Antonello rywalizował w przedstawieniu heroicznej nagości i umiejętności transmisji. perspektywa liniowa z ich północnowłoskimi odpowiednikami. Na tle brukowanego placu ciało świętego przeszyte strzałami nabiera ogromnych rozmiarów. Pędząca w głąb przestrzeń, fragment kolumny na pierwszym planie i perspektywa z bardzo niskim punktem zbiegu potwierdzają, że malarz wykorzystał zasady geometrii euklidesowej w budowaniu kompozycji.

• Antonello da Messina, którego obrazy zostały opisane powyżej, przedstawiał zazwyczaj swoich bohaterów do biustu, z bliska i na ciemnym tle.
• Według G. Vasariego Włoch udał się do Holandii, aby poznać tajemnicę nowej techniki malarskiej. Jednak ten fakt nie został udowodniony.
• Do tej pory nie ustalono rzetelnie, kto nauczył bohatera tego artykułu malarstwa olejnego. Według plotek był to Van Eyck.