Strona 5
Strona 6
Strona 7
Strona 8
Strona 9
Strona 10
Strona 11
Strona 12
Strona 13
Strona 14

NEOIMPRESJONIZM (z francuskiego neoimpresjonizmu) - trend w malarstwie, który powstał we Francji około 1885 roku. Najwięksi przedstawiciele tego nurtu to J. Seurat i P. Signac, którzy stworzyli artystyczną technikę dywizjonizmu. Francuscy neoimpresjoniści i ich zwolennicy kontynuowali tradycję późnego impresjonizmu. Wykorzystując technikę rozkładania tonów na czyste kolory, starali się zastosować w sztuce odkrycia dokonane w dziedzinie optyki. Jednocześnie starali się odejść od fragmentacji i przypadkowości charakterystycznej dla impresjonistów, dążyli do płaskiego, dekoracyjnego tworzenia pejzaży i wielofigurowych malowideł panelowych. Dokonane przez nich optyczne mieszanie czystych tonów widma doprowadziło z jednej strony do wrażenia olśniewającego białego światła, az drugiej do wyblakłego białawego koloru.

NEOKLASYCYZM , neoklasycyzm - termin określający różne nurty w sztuce powstałe po klasycyzmie XVII wieku, skupiające się na klasycznych przykładach sztuki starożytnej Grecji, starożytnego Rzymu i renesansu i mające na celu uczynienie z nich kryterium sztuki nowoczesnej. Najczęściej terminem „neoklasycyzm” określa się nurt secesji, wczesny funkcjonalizm i wczesną awangardę pierwszej ćwierci XX wieku.

NIUANS(francuski niuans) - to samo co cień.

TOM(angielski, francuski tom, niem. Umfang, Volumen) - w malarstwie iluzoryczne nadawanie przedmiotom i postaciom właściwości ciała fizycznego usytuowanego w przestrzeni za pomocą modelowania, światłocienia, linii, plastycznego opracowania form i perspektywy. Problem przenoszenia objętości można rozwiązać na różne sposoby: od całkowitego jej odrzucenia (płaski obraz postimpresjonistów) do niemal rzeczywistej reprodukcji z wykorzystaniem efektów stereoskopowych.

KOLORY PODSTAWOWE - kolory żółty, czerwony, niebieski, których nie da się uzyskać przez zmieszanie innych kolorów, ale zmieszanie ich ze sobą lub z dodatkowymi kolorami daje możliwość odtworzenia naturalnych barw otaczającego świata.

ODCIEŃ, niuans (francuski niuans, angielski odcień, niemiecki Schattierung) - niewielka różnica w jednym kolorze lub odcieniu światła i cienia. Starannie zaprojektowany system odcieni przyczynia się do stworzenia bogatej barwy obrazowej oraz precyzyjnego opracowania modelowania światła i cienia.

PALETA(paleta francuska) - zestaw kolorów, których używa artysta podczas tworzenia obrazu.

PANNO(francuski panneau) - obraz służący do dekoracji ściany, sufitu konstrukcji architektonicznej, wykonany na płótnie olejem lub temperą poza miejscem do tego przeznaczonym.

PASTEL(francuski pastel, włoski pastello, z makaronu - ciasta) - kredki bez obwódki uformowane z proszku do malowania, a także do malowania i rysowania nimi.
Piszą pastelami na szorstkiej powierzchni papieru, kartonu, zagruntowanego płótna itp. I zaczynają się od twardych ołówków, a kończą na miękkich. Kolorowy puder cieniowany jest palcami lub specjalną mieszanką.
Prace wykonane pastelami wyróżnia aksamitnie matowa powierzchnia warstwy lakieru, dźwięczny i czysty kolor, miękkość barw, które na długo zachowują pierwotną świeżość. Wśród impresjonistów E. Degas wyróżniał się zamiłowaniem do pasteli.

PASTOWOŚĆ (z wł. pasto-so - pasty) - technika artystyczna, wyrażająca się pogrubieniem warstwy farby w wyniku nakładania grubych pociągnięć bezpośrednio na podłoże lub na już wyschnięte warstwy.
Pastość przejawia się w reliefie, nierównościach warstwy farby, w plastycznym pociągnięciu i służy podkreśleniu materialnej strony tematu i nadawaniu dynamiki kompozycji.

KRAJOBRAZ(francuski paysage, angielski pejzaż, niemiecki Landschaft) - gatunek sztuki lub jej pojedyncze dzieła ukazujące przyrodę i środowisko człowieka. W zależności od tego, na czym skupiona jest uwaga artysty i charakter obrazu, wyróżnia się krajobraz wiejski, miejski, architektoniczny, przemysłowy, obrazy żywiołu wodnego - morskiego (morskiego) i rzecznego - należą do szczególnej odmiany krajobrazu. Poza tym pejzaż może być historyczny, ukazujący wygląd Ziemi w przeszłości lub odzwierciedlający odwieczne prawa rozwoju natury – i fantastyczny, oparty na wyobraźni artysty. Kosmiczny lub astralny krajobraz stał się szeroko rozpowszechniony - gwiaździsta przestrzeń faktycznie widziana z Ziemi lub wymyślona, ​​a także obrazy planet i innych obiektów kosmicznych. Począwszy od XVI wieku. pejzaż formuje się w niezależny gatunek i pojawiają się jego główne odmiany: pejzaż liryczny, heroiczny, dokumentalny. Wiąże się to z twórczością takich artystów jak P. Brueghel w Holandii, A. Altdorfer w Niemczech, P. Rubens we Flandrii, J. van Goyen, Rembrandt, J. van Ruisdael w Holandii, N. Poussin, C. Lorrain we Francji, F. Guardi we Włoszech.
Główny podbój XIX wieku. w dziedzinie pejzażu - plener - doprowadził do pojawienia się impresjonizmu (Francuzi E. Manet, C. Monet, O. Renoir), który otworzył nowe możliwości w przekazywaniu przestrzeni, zmian w środowisku światła i powietrza, i złożone kolory. Czołowi pejzażyści przełomu XIX i XX wieku. (P. Cezanne, V. Van Gogh, A. Matisse we Francji, M. S. Saryan w Armenii, A. I. Kuindzhi, N. K. Roerich w Rosji) próbują rozwiązywać złożone problemy filozoficzne, poszerzać emocjonalne i skojarzeniowe cechy malarstwa pejzażowego.

PLENAIR(plenery francuskie, listy, plener) - przeniesienie w malarstwie zmian zachodzących w przyrodzie w warunkach naturalnych, pod wpływem światła słonecznego, powietrza i zjawisk atmosferycznych.
Plener malarstwo, w przeciwieństwie do pracy w pracowni, zajmuje się badaniem otoczenia, refleksów, zmian barw, przejść, niuansów, cieni obserwowanych w plenerze. Jego głównymi cechami są jasny kolor, czysty promienny kolor, wrażenie otoczenia światło-powietrze itp.

zarys(z niem. abriß - rysunek, kontur) - liniowe kontury przedstawianej postaci lub przedmiotu.

akcent- technika podkreślenia kolorem, światłem, linią lub położeniem w przestrzeni pewnej figury, twarzy, obiektu, detalu obrazu, na co należy zwrócić szczególną uwagę widzowi.

natryskiwacz- urządzenie do cienkiego natrysku farby sprężonym powietrzem przy nakładaniu jej na papier, tkaninę itp.

bagietka(z francuskiej bagietki, dosł. kij) - drewniana lub plastikowa deska do wykonywania ramek do zdjęć i ozdabiania ścian.

Waler(z francuskiego valeur - wartość, godność) - odcień tonu, wyrażający (w stosunku do innych odcieni) dowolną ilość światła i cienia.

wernisaż(z francuskiego wernisażu, dosłownie – werniks) – uroczyste otwarcie wystawy, w którym biorą udział specjalnie zaproszone osoby: artyści, krytycy, osoby związane ze sztuką itp.

drapanie(z francuskiego grattage, od tarty - skrobanie, rysowanie) - sposób na wykonanie rysunku poprzez drapanie długopisem lub ostrym narzędziem papieru lub kartonu pokrytego tuszem na wosku.

podkładowy(z niem. grund - baza) - cienka warstwa specjalnej kompozycji nakładana na podłoże w celu nadania jego powierzchni pożądanych przez artystę właściwości kolorystycznych lub fakturowych oraz ograniczenia nadmiernej chłonności spoiwa.

odkształcenie- technika artystyczna wzmacniająca wyrazistość obrazu, polegająca na zmianie widocznej formy obrazu.

dekoracyjny- zespół właściwości artystycznych wzmacniających emocjonalno-ekspresyjną i artystyczno-organizacyjną rolę sztuk pięknych.

dyptych(z greckiego dyptyku - podwójne, złożone na pół) - dwa obrazy połączone jedną ideą.

detalowanie- Dokładne badanie szczegółów obrazu.

powielanie- w renowacji - wzmocnienie uszkodzonego lub zniszczonego podłoża obrazu poprzez przyklejenie go do innego podłoża. Zwykle w malarstwie olejnym stosuje się powielanie.

gatunek muzyczny(z gatunku francuskiego, z rodzaju łacińskiego - rodzaj, gatunek) - historycznie ustalony podział wewnętrzny we wszystkich rodzajach sztuki.

zwiędłość- zmiany w warstwie farby, dzięki którym część powierzchni obrazu lub gabinetu staje się matowa, traci blask i dźwięczność kolorów.

goździk- malarskie techniki wielowarstwowego nakładania farb stosowane w przedstawianiu ludzkiej skóry, twarzy i innych nagich części ciała.

kolorowanie(z wł. colorito, z łac. kolor - kolor, kolorystyka) - system korelacji tonów barwnych, tworzący pewną jedność i będący estetycznym ucieleśnieniem barwnej różnorodności rzeczywistości.

kolaż(z francuskiego kolażu, dosłownie klejenie) - technika techniczna w sztukach wizualnych, polegająca na naklejaniu na podłoże materiałów różniących się od niej kolorem i fakturą.

kompozycja(z łac. compositio - kompilacja) - konstrukcja dzieła sztuki, ze względu na jego treść i charakter. Kompozycja jest najważniejszym elementem formy artystycznej, nadającym jedności i integralności pracy.

kontuar(z wł. contrappost - przeciwnie) - odbiór obrazu, w którym ułożenie jednej części ciała jest skontrastowane z ułożeniem innej części.

list z korpusu- odbiór techniczny w; pracować z farbami olejnymi, temperowymi i innymi nałożonymi w zagęszczonej, kryjącej warstwie.

koroplastyka- produkcja figurek kobiecych z wypalanej gliny, wosku, gipsu itp.

craquelure(z francuskiego craquelure - małe pęknięcie) - pęknięcie w warstwie malarskiej na obrazach.

trzask(z francuskiego craquele) - sieć drobnych pęknięć na szkliwionej powierzchni wyrobów ceramicznych, stworzona dla efektu dekoracyjnego.

Glazura(z niem. lasierung - glazurowanie) - technika malarska polegająca na nakładaniu bardzo cienkich warstw farb transparentnych i półprzezroczystych na wyschniętą warstwę farby.

żyrandole- cienka przezroczysta folia nakładana na glazurowaną powierzchnię wyrobów porcelanowych i fajansowych, aby po wypaleniu nadać im opalizujący, metaliczny połysk.

szpachla(z wł. mestichino – szpatułka) – narzędzie wykonane z elastycznej stali w formie noża lub szpatułki. Nóż do palet jest używany przez artystów do czyszczenia palety lub częściowego usuwania mokrej farby z obrazu. Ponadto zamiast pędzla używa się szpachelki do nakładania farby równą warstwą lub pociągnięcia reliefowego na obraz.

miniaturowy- dzieło sztuki, charakteryzujące się niewielkimi rozmiarami i subtelnością technik artystycznych.

modelowanie(od franc. modelarza - do rzeźbienia) - przeniesienie reliefu, kształtu przedstawianych obiektów i postaci w warunkach konkretnego oświetlenia. Na rysunku modelowanie przeprowadza światłocień z uwzględnieniem zmiany perspektywy w formach.

sztaluga(z niem., nieużywany już malbrett - półka do malowania) - drewniana lub metalowa maszyna malarska, na której na różnych wysokościach i z różnymi spadkami mocuje się blejtram z płótnem, tekturą lub deską.

monochromia(z greckiego mono – jeden i chroma – kolor) – monochromatyczność dzieł sztuki i rzemiosła, rzeźby i architektury.

Malowanie na konstrukcjach architektonicznych i innych podłożach stacjonarnych. Główne techniki malarstwa monumentalnego to fresk, mozaika, witraże. Malarstwo monumentalne to najstarszy rodzaj malarstwa, znany z okresu paleolitu (obrazy w jaskiniach itp.). Ze względu na swoją długowieczność zachowały się dzieła malarstwa monumentalnego niemal ze wszystkich kultur.

maulstick(z niem. Maßstab) - drewniany kij, którym podpiera się prawą rękę malarza podczas pracy nad najdrobniejszymi szczegółami obrazu.

naszkicować- dzieło malarskie, rysunkowe lub rzeźbiarskie niewielkich rozmiarów, płynnie i szybko wykonane przez artystę.

niuans(od francuskiego niuansu - odcień) - bardzo subtelny odcień koloru lub bardzo nieznaczne przejście od światła do cienia.

obscura(z łac. obscurans - ciemna) - znana od średniowiecza ciemna komora z jednym miniaturowym otworem. Camera obscura jest w stanie wyświetlać odwrócony, miniaturowy obraz obiektów, na które wskazuje otwór na ścianie. Camera obscura była wykorzystywana przez XVIII-wiecznych artystów do tworzenia szkiców.

podstawy- płótno, deska, sklejka, tektura, papier, jedwab itp., na które nakłada się podkład i warstwę malarską.

paleta(z palety francuskiej) - 1) mała cienka drewniana deska do mieszania farb; 2) charakter zestawień kolorystycznych typowych dla danego obrazu, dla dzieł danego artysty lub szkoły artystycznej.

płyta(z francuskiego panneau - samolot, z łac. pannus - kawałek tkaniny) - 1) fragment ściany, podkreślony ramą (stiukowa rama, ozdobna wstążka itp.) i wypełniony obrazem malarskim lub rzeźbiarskim; 2) obrazy wielkoformatowe na płótnie, wypełniające przestrzeń (najczęściej w ścianach).

panorama(z greckiego pan - wszystko i horama - spektakl) - 1) syntetyczna forma sztuki mająca na celu stworzenie wizualnej iluzji, efektu obecności na przedstawianym wydarzeniu; 2) okrągła taśma zdjęciowa i znajdujący się przed nią plan przedmiotowy.

passe-partout(z francuskiego passe-partout) - tekturowa ramka do rysowania, grawerowania, fotografii, akwareli lub grawerowania.

ciastowatość(z wł. pastoso - pasty) - jakość warstwy farby, która powstaje w wyniku nierównomiernego nakładania na podłoże gęstej pasty.

perspektywiczny(z perspektywy francuskiej, z łac. perspicio - widzę wyraźnie) - system do przedstawiania trójwymiarowych ciał na płaszczyźnie, oddający ich własną strukturę przestrzenną i położenie w przestrzeni, w tym odległość od obserwatora.

pinakoteka(z greckiego pinax - obraz i theke - pojemnik) - kolekcja malarstwa, galeria sztuki.

pinaks(z greckiego pinax - zdjęcie) - starożytne greckie malowidło sztalugowe na deskach.

sztuki plastyczne- rodzaje sztuki, których dzieła: istnieją w przestrzeni, nie zmieniają się i nie rozwijają w czasie; mieć charakter merytoryczny; wykonywane przez przetwarzanie materiału materiałowego; postrzegane przez publiczność bezpośrednio i wizualnie.

Plastikowy(z greckiego plastikos - plastyczny, plastyczny) - jakość tkwiąca w rzeźbie, artystyczna ekspresja trójwymiarowej formy.

plener(z francuskiego pleneru, dosłownie - plener) - 1) przeniesienie na obraz całego bogactwa zmian kolorystycznych pod wpływem promieni słonecznych i otaczającej atmosfery; 2) malowanie plenerowe.

podobrazia- etap przygotowawczy pracy nad obrazem, wykonywany w technice wielowarstwowego malarstwa olejnego.

nosze- drewniana prostokątna rama, na której naciągnięte jest płótno, na którym następnie zapisywany jest obraz. Gotowy obrazek na noszach wkładany jest do bagietki.

polichromować(z greckiego poli – wiele i chroa – kolor) – wielokolorowe (co najmniej 2 kolory) dzieł sztuki i rzemiosła, rzeźby i architektury.

półcień- element światłocieniowy; gradacja światłocienia na powierzchni przedmiotu, zajmująca pozycję pośrednią między światłem a głębokim cieniem.

przyjęcie- charakterystyczne cechy twórczości artystycznej, odzwierciedlające indywidualność artysty, jego styl.

profil(z profilu francuskiego, z profilu włoskiego - zarys) - widok z boku osoby lub przedmiotu.

plama- technika pracy pędzlem z obfitym użyciem wody, pozwalająca na uzyskanie złożonych i bogatych efektów malarskich w rysunkach sepią, tuszem, akwarelą itp.

kąt(z francuskiego raccourci - redukcja, skrócenie) - redukcja perspektywiczna przedstawianych obiektów. Służy do najefektywniejszego przekazywania ruchu i przestrzeni.

zacienienie- rozcieranie na kartce papieru linii i kresek narysowanych ołówkiem, sangwinikiem, pastelem itp. Cieniowanie wykonuje się piórkiem, gumką, okruchem chleba lub palcem.

upierzenie- krótki sztyft z papieru lub zamszu ze zwężanymi końcami do wcierania kreski w plamę podczas rysowania pastelami i innymi miękkimi materiałami.

replika(z francuskiego replique - druk, powtórzenie) - autorska kopia dzieła sztuki, która różni się od oryginału rozmiarem lub poszczególnymi szczegółami obrazu.

retusz(od retuszu francuskiego, od retuszera - do malowania, retuszu) - korekta obrazów.

odruch(od łac. reflexus - przodem, odwrócona, odbita) - w malarstwie (rzadziej w grafice) - odbicie koloru i światła od obiektu, które występuje, gdy ten obiekt jest oświetlony odbiciem od otaczających obiektów (obiekty sąsiednie, niebo itp.).

rytm- cecha konstrukcji kompozycyjnej dzieł, polegająca na przemienności lub powtórzeniu dowolnych części. Rytm wzmacnia wyrazistość obrazu artystycznego.

gniazdo elektryczne(od rozety francuskiej, dosłownie - rozeta) - motyw ozdobny w postaci stylizowanego kwitnącego kwiatu (np. róży).

Materiał przygotowała galeria sztuki Art SPb
Przy pełnym lub częściowym kopiowaniu bezpośredni link do strony - www.!

Oto krótka interpretacja najczęściej używanych specjalnych terminów, nazw i wyrażeń występujących w literaturze sztuk pięknych, w katalogach wystaw artystycznych, w programach, pomocach metodycznych i dydaktycznych wydziału.

Słowa w katalogu są uporządkowane alfabetycznie. Jeśli w tekście wyjaśniającym ten lub inny termin znajduje się słowo wpisane w absolutorium, oznacza to, że znajdziesz jego wyjaśnienie dla odpowiedniej litery alfabetu. Po wyrazach obcych w nawiasach podano język (w formie skróconej, np.: niemiecki - niemiecki, francuski - francuski, łacina - łacina itd.).

ABRIS(niemiecki - rysunek) - liniowe kontury przedstawionej postaci lub obiektu. Taki sam jak zarys.

AUTOPORTRET(grecki - sam) - portret, na którym przedstawia się artysta. W tym przypadku twórca dzieła i model (patrz) są połączeni w jedną osobę (patrz Portret).

AKCENT(łac. - akcent) - w sztukach plastycznych technika podkreślania kolorem, światłem, linią lub położeniem w przestrzeni jakiejś figury, twarzy, obiektu, detalu obrazu, na co należy zwrócić szczególną uwagę widzowi.

ALLA PRIMA(łac. - od pierwszego razu) - technika artystyczna w malarstwie, polegająca na tym, że obraz jest malowany bez wstępnej rejestracji i podmalowania.

ANATOMIA PLASTIK- dział anatomii badający proporcje ciała ludzkiego, zależność zewnętrznych form ciała od ich budowy wewnętrznej oraz zmiany zachodzące w wyniku ruchu. Główną uwagę w A. p. zwraca się na budowę szkieletu i mięśni ciała, na cechy połączenia kości i mięśni.

ANIMALIZM(łac. - zwierzę) - wizerunek zwierząt w sztuce.

MALARZ ZWIERZĄT to artysta działający w tym gatunku.

PEŁNA TWARZ- zobaczyć Twarz.

PODANIE(łac. - aplikacja) - obraz złożony z wielobarwnych kawałków papieru lub tkaniny, sklejonych lub przyszytych do papieru, płótna itp. A. Sama metoda wykonywania tych prac jest również nazywana.

ASYMETRIA- zobaczyć Symetria.

KOLORY ACHROMATYCZNE- zobaczyć Kolory chromatyczne.

BLIK(niemiecki - wygląd) - element światłocienia (patrz). Najjaśniejszy punkt na oświetlonej, przeważnie błyszczącej lub błyszczącej powierzchni. Zwykle ta plama różni się bardzo mocno swoją jasnością od ogólnego tonu obiektu.

VALER(fr. - wartość, godność) - pojęcie związane w malarstwie ze świetlistością (patrz) koloru. Termin ten zwykle odnosi się do najsubtelniejszych przejść światłocienia (półtonów), które są determinowane przez specyficzne warunki oświetleniowe i środowisko powietrza.

OPCJA(łac. - zmiana) - autorskie powtórzenie dzieła lub dowolnej jego części (szczegółów) z pewnymi zmianami. W tym: zmiany dokonane w kompozycji lub kolorystyce obrazu lub w gestach i postawach przedstawionych osób; w otoczeniu żywego modelu lub przedmiotów; zmiana punktu widzenia na ten lub inny obiekt itp. W kompozycji fabuły następuje również całkowita zmiana obrazu przy zachowaniu tej samej treści. W każdych warunkach wariant zakłada w pewnym stopniu podobieństwo do oryginału (patrz).

WITRAŻ(fr. - szkło). Malowanie na szkle farbami transparentnymi lub obraz (kompozycja, ornament) złożony z kawałków wielobarwnego szkła, spięty metalową (najczęściej ołowianą) oprawą. Jednym z rodzajów sztuki monumentalnej i dekoracyjnej są witraże, które służą przede wszystkim do wypełnienia otworów okiennych i drzwiowych.

Efekt artystyczny tworzą promienie światła wnikające w szkło. Nadają kolorom zwiększoną jasność oraz powodują we wnętrzu grę kolorów i refleksów świetlnych. Te walory dekoracyjne witraży doceniano już w średniowieczu, głównie przy projektowaniu gotyckich katedr. Sztuka witraży zajmowała duże miejsce w architekturze sowieckiej, przede wszystkim w krajach bałtyckich. W sztuce współczesnej stosuje się nie tylko zestawienia kolorystyczne, ale także fakturę szkła.

PERSPEKTYWA POWIETRZNA- zobaczyć perspektywiczny.

ZABARWIENIE- główne relacje odcieni kolorów (patrz), które dominują w tej pracy i określają charakter jej rozwiązania obrazowego (na przykład obraz jest namalowany w zimnych kolorach itp.).

HARMONIA(gr. - harmonia, jedność, spójność części) - w sztukach wizualnych: kombinacje kształtów lub kolorów, czyli relacje części obrazu, które mają największą spójność, a zatem są najkorzystniejsze dla percepcji wzrokowej.

GŁÓWNY PUNKT ZNIKNIĘCIA- zobaczyć perspektywiczny.

HORYZONT- zobaczyć perspektywiczny.

RYTOWNICTWO(fr. - wyciąć). Jeden z rodzajów grafiki (patrz), który pozwala uzyskać wydruki dzieł sztuki wykonane na materiale litym (drewno, metal, linoleum itp.). Istnieje wiele rodzajów grawerowania. Grawer to grawer, w którym cały proces jego produkcji od początku do końca wykonuje artysta własnoręcznie. Do tego dochodzą ryciny, w których rysunek i jego nadruki są wykonywane przez różnych mistrzów. Rozróżnij grawerowanie sztalugowe i grawerowanie książkowe. Dwa główne rodzaje grawerowania to wypukły oraz zaawansowane. W przypadku grawerowania wypukłego powierzchnia płyty grawerskiej wokół rysunku pokrytego farbą jest odcinana. Obszary, które na wydruku pozostają niepomalowane, są wycinane. W pogłębionym grawerowaniu wgłębienia w desce wypełnia się farbą wykonaną na różne sposoby (rysowanie, cięcie, trawienie). W technice grawerowania stosowane są specjalne noże.

Rodzaje grawerowania wypukłego.

1) Drzeworyt (drzewo). W kierunku włókien drewna znajdują się grawery podłużne i końcowe. Grawerowanie końcówek daje duże możliwości, jest wygodniejsze w technice grawerowania. 2) Grawerowanie na linoleum (linorycie) pod względem techniki wykonania jest zbliżone do drzeworytu, ale bardziej od tego ostatniego wykorzystuje wyrazistość dużych plam. Rodzaje grawerowania wgłębnego: 1) Grawerowanie wypukłe jest jednym z najczęstszych. Wykonywany jest za pomocą noży stalowych, najczęściej na miedzi. Daje możliwość przekazywania przejść światłocieniowych. Najczęściej używany do reprodukcji. 3) Wytrawianie (fr. - mocna wódka). Odbitka dzieła sztuki wykonana na płycie pokrytej specjalnym lakierem. Obraz uzyskuje się poprzez zdrapanie lakieru i wytrawienie kwasem. Technika akwaforty pozwala na osiągnięcie dużej swobody i swobody obrysu rysunku. Grawerowanie barwne wykonuje się z kilku desek, na każdą z nich nakładana jest określona farba.

Grawer nazywany jest też odrębnym dziełem wykonanym w jednej z tych wskazanych technik.

GRAFIKA(greckie - opisowe) - rodzaj sztuki plastycznej. Charakteryzuje się przewagą linii i kresek, wykorzystaniem kontrastów bieli i czerni oraz mniejszym użyciem koloru niż w malarstwie. G. zawiera rzeczywisty rysunek i różnego rodzaju jego reprodukcje drukowane (grafika (patrz), litografia (patrz) itp.).

W zależności od treści i przeznaczenia grafika dzieli się na: sztalugowe (nie związane z tekstem literackim) - rysunek sztalugowy, grafika (patrz), druk popularny; szkic przygotowawczy (patrz), szkic szkicowy; ilustracja do książek i czasopism; stosowane - dyplomy, pieczątki, etykiety, reklamy itp.; techniczne-G. industrialny, związany z pracą projektantów.

GRISAILLE(fr.) - technika wykonania i praca wykonana jednym pędzlem (najczęściej czarnym lub brązowym); obraz tworzony jest na podstawie relacji tonalnych (tony o różnym stopniu jasności).

SZTUKA I SZTUKI UŻYWANE- rodzaj sztuki plastycznej. Środki artystyczne i D. p. i. są zazwyczaj podporządkowane praktycznemu przeznaczeniu przedmiotu i wynikają z właściwości materiału i technologii. Ta sztuka jest bardziej konwencjonalna niż np. malarstwo sztalugowe. D. p. i. jest ściśle związany z życiem ludu, dlatego charakteryzuje się wykorzystaniem tradycji ludowych.

DETALE- dokładne badanie szczegółów (patrz) obrazów. W zależności od zadania, jakie artysta sobie stawia, oraz sposobu twórczego, stopień szczegółowości może być różny.

SZCZEGÓŁ(fr. - detal): 1) element; 2) szczegół wyjaśniający cechy wizerunku; 3) mniej znacząca część utworu; 4) fragment (patrz).

ODKSZTAŁCENIE(łac.) - zmiana widocznej formy na obrazie. D. w sztuce jest często stosowany jako technika artystyczna wzmacniająca wyrazistość obrazu. Jest szeroko stosowany w karykaturze (patrz), ale można go również znaleźć w malarstwie sztalugowym i rzeźbie.

PROJEKT(projektant) patrz Estetyka techniczna.

DYNAMICZNY(gr. – władza) – w sztukach wizualnych: ruch, brak odpoczynku. Tu nie zawsze jest to obraz ruchu – fizycznego działania, jakim jest ruch w przestrzeni, ale także wewnętrzna dynamika (dynamika) obrazu, zarówno w istotach żywych, jak i przedmiotach nieożywionych. D. osiąga się przez rozwiązanie kompozycyjne, interpretację form i sposób wykonania (charakter kreski, kreski itp.).

GATUNEK MUZYCZNY(fr. - gender) - koncepcja, która łączy prace na podstawie podobieństwa tematów. Dzieła jednego Zh. odzwierciedlają pewien obszar ludzkiego życia lub natury. W sztukach wizualnych (głównie w malarstwie) rozróżnia się malarstwo: martwa natura, malarstwo wnętrz, malarstwo pejzażowe, malarstwo portretowe i malarstwo opowieści (malarstwo codzienne, malarstwo historyczne, malarstwo bitewne itp.).

OBRAZ- jeden z głównych rodzajów sztuk plastycznych. Prace Zh. powstają na płaszczyźnie płótna, kartonu, papieru itp. z różnych kolorowych materiałów. Decydującą rolę w malarstwie jako środku artystycznym odgrywa kolor, który pozwala nadać najpełniejsze, w porównaniu z innymi rodzajami sztuk plastycznych, figuratywne odzwierciedlenie świata obiektywnego.

W zależności od użytych kolorowych materiałów malarstwo dzieli się na: akwarele - farby wodne; olej Ż.; tempera; enkaustyka - farby woskowe; pastel - sucha farba; malowanie klejem, gwasz itp.

Zgodnie z ich przeznaczeniem sztaluga Ż. (zob.), monumentalna (zob. Fresk) oraz dekoracyjne i stosowane (zob. płyta).

RYGORYSTYCZNIE- w malarstwie - zmiany w warstwie malarskiej, w wyniku których część powierzchni obrazu lub szkicu matowieje, traci blask i dźwięczność barw. G. Wynika to z braku spoiwa w farbie - oleju, który wsiąkł w grunt lub z nadmiernego rozcieńczenia farb rozpuszczalnikiem, a także z nakładania farb na nie do końca wyschniętą warstwę farby.

KOMPLETNOŚĆ- taki etap w pracy nad dziełem, kiedy osiągana jest największa kompletność ucieleśnienia idei twórczej, lub w węższym sensie, kiedy pewne zadanie obrazowe zostaje wykonane.

POMYSŁ(gr. – koncepcja, przedstawienie) – główna idea dzieła, która determinuje jego treść i strukturę figuratywną, wyrażoną w odpowiedniej formie.

SZTUKI PIĘKNE- malarstwo, grafika (patrz), rzeźba. Obejmują one również sztukę dekoracyjną i użytkową (patrz). Wszystkie odzwierciedlają rzeczywistość w wizualnych obrazach wizualnych. Ja i. czasami nazywane przestrzennymi, ponieważ odtwarzają widoczne formy w przestrzeni rzeczywistej lub warunkowej. W przeciwieństwie do sztuk doczesnych (muzyka, teatr, kino), w których akcja rozwija się w czasie, w dziełach I. i. w każdym przypadku możliwe jest zobrazowanie tylko jednego konkretnego momentu. Od starożytności artyści starali się przezwyciężyć ograniczenia I. i. w związku z tym (na przykład przedstawianie kilku odcinków z życia danej osoby na jednym zdjęciu jednocześnie). To także „marki” w ikonach, tryptykach, ukazujących różne momenty jednego ruchu w kilku figurach, czy dynamizm (patrz) konstrukcji kompozycyjnej. Przy wystarczających umiejętnościach artyście udaje się, nawet przekazując jedną chwilę, dać wyobrażenie o tym, co wydarzyło się wcześniej i co stanie się później. W każdym z typów I. i. istnieją środki artystyczne właściwe tylko jemu (patrz).

ILUZJA(łac. - złudzenie) - podobieństwo obrazu do natury, graniczące ze złudzeniem optycznym. Czasami używany jako urządzenie artystyczne. Na przykład w monumentalnych malowidłach sufitów i ścian, aby stworzyć wrażenie większej głębi przestrzeni lub większego rozmiaru pomieszczenia. Często iluzoryczna natura przejawia się w niezwykle dokładnym przekazaniu materialnych cech przedmiotów. Ze względu na iluzoryczność artystyczna ekspresja dzieła i głębia jego treści może zostać utracona. Dzieje się tak w tych przypadkach, gdy w dziele, które jest wystarczająco poważne i głęboko zaprojektowane, pragnienie zewnętrznego podobieństwa przesłania najważniejsze.

ILUSTRACJA(łac.) - płytkie, powierzchowne lub jednostronne odzwierciedlenie rzeczywistości w sztuce, przeniesienie czysto zewnętrznych cech zjawiska bez wnikania w jego istotę. I. pojawia się również w przypadku, gdy wybrane przez artystę cechy fabuły nie mogą być w pełni oddane za pomocą plastyki lub te środki i techniki artystyczne nie odpowiadają adekwatnie ujawnieniu tematu.

KSIĄŻKA ILUSTRACYJNA- rodzaj grafiki (patrz), ucieleśniająca obrazy dzieła literackiego, jego treść. I. to. jest również częścią projektowania książki, więc o jej cechach decyduje nie tylko treść książki, ale także cechy zewnętrzne: format strony, krój pisma itp.

KARYKATURA(włoski - przesadzić) - celowo przesadzony lub zniekształcony obraz jakichkolwiek charakterystycznych cech osoby, przedmiotu lub zdarzenia. K. służy ośmieszaniu i demaskowaniu negatywnych zjawisk rzeczywistości. Będąc potężną bronią krytyki, ma ogromne znaczenie społeczne i polityczne.

OBRAZ- obraz niezależny celowo. Zdarzać się różne gatunki (patrz). W przeciwieństwie do etiudy (patrz), obraz może odzwierciedlać rzeczywistość z największą głębią, w pełnej i przemyślanej formie w ogóle i w szczegółach.

CERAMIKA(grecki - glina, ceramika). Dzieła sztuki i rzemiosła, rzeźby i przedmioty użytkowe wykonane z wypalonej gliny różnych gatunków i różnej obróbki. Glina - główny materiał ceramiki - posiada wysokie właściwości plastyczne, dzięki czemu znajduje zastosowanie w rzeźbie sztalugowej i drobnym plastiku. Ceramika to porcelana, fajans, terakota itp. Majolika to wyroby gliniane pokryte glazurą.

Ceramika szkliwiona, malowana, malowana (malarstwo podszkliwne i nabłyszczane) wyróżniają się dużymi walorami dekoracyjnymi oraz doskonałymi możliwościami kolorystycznymi.

Ceramika służy nie tylko do dekoracji wnętrz, jest nieodzownym materiałem architektonicznym i budowlanym oraz środkiem dekoracyjnego projektowania budynku. W ostatnich dziesięcioleciach był coraz częściej stosowany w architekturze radzieckiej.

KOLORNOŚĆ(łac. - kolor) - cecha koloru i struktury tonalnej dzieła. K. odzwierciedla właściwości kolorystyczne świata rzeczywistego, ale wybierane są tylko te z nich, które odpowiadają określonemu obrazowi artystycznemu. K. w pracy jest zwykle połączeniem kolorów, które ma pewną jedność. W węższym sensie K rozumiane jest jako harmonia i piękno zestawień kolorystycznych, a także bogactwo odcieni kolorystycznych. W zależności od panującej w nim kolorystyki może być zimna, ciepła, jasna, czerwonawa, zielonkawa itp. K. wpływa na uczucia widza, tworzy nastrój na obrazie i służy jako ważny środek cech figuratywnych i psychologicznych .

KOMPOZYCJA(łac. - kompozycja, połączenie) - konstrukcja dzieła, spójność jego części, odpowiadająca jego treści. W rozwiązaniu kompozycyjnym dzieła duże znaczenie ma wybór najlepszego punktu widzenia przedstawionego, wybór i inscenizacja żywego modelu lub obiektów.

Konstrukcja kompozycyjna obejmuje umieszczenie obrazu w przestrzeni (trójwymiarowy w rzeźbie, na płaszczyźnie w malarstwie i grafice).

Prace nad kompozycją trwają od pomysłu do zakończenia pracy. To poszukiwanie sposobów i środków kreowania artystycznego wizerunku, poszukiwanie najlepszego ucieleśnienia intencji artysty.

Należą do nich: doprecyzowanie ośrodka, węzła K. i podporządkowanie mu innych, bardziej drugorzędnych części pracy; ujednolicenie poszczególnych części dzieła w harmonijną jedność; podporządkowanie i grupowanie w celu osiągnięcia wyrazistości i plastycznej integralności dzieła.

Praca nad K. polega również na wyborze tematu, rozwinięciu fabuły, znalezieniu formatu i wielkości dzieła, budowaniu perspektywy, uzgadnianiu skali i proporcji, tonacji i kolorystyki dzieła.

PROJEKT(łac.) - w sztukach wizualnych: istota, charakterystyczna cecha struktury dowolnej formy w przyrodzie i obrazie, sugerująca związek części jako całości i ich związek.

KONTRAST(fr. - różnica ostra, przeciwnie) - w sztukach wizualnych powszechna technika artystyczna, polegająca na porównywaniu wszelkich przeciwstawnych jakości, przyczyniających się do ich wzmocnienia. Kolor i tonalność K. Kolor K. zwykle polega na porównaniu dodatkowych kolorów lub kolorów różniących się od siebie jasnością.

Tonal K. - porównanie światła i ciemności. W konstrukcji kompozycyjnej k. służy jako technika, dzięki której mocniej podkreśla się to, co najważniejsze i uzyskuje się większą wyrazistość i ostrość charakteryzacji obrazów.

OKRĄŻENIE- zobaczyć zarys.

BODY PAINTING- malarstwo wykonane gęstymi, grubymi pociągnięciami: jego kolorowe warstwy są nieprzejrzyste i często mają reliefową fakturę (zobacz).

KSZTAŁTOWANIE FORMY- zobaczyć Modelowanie.

PERSPEKTYWA LINIOWA- zobaczyć perspektywiczny.

LITOGRAFIA- metoda druku, w której wydruki z płaskiej (bez wypukłej) formy drukarskiej (kamień - wapień) przenoszone są pod ciśnieniem na papier. Rysunek nanoszony jest tłustym tuszem (pędzel, długopis) lub ołówkiem litograficznym i przed drukiem poddawany jest obróbce chemicznej, pokrywany wodą i farbą.

L. Wynaleziony w Niemczech przez A. Zenefeldera w 1798 r. E. Delacroix, O. Daumier, V. Serov i radzieccy graficy G. Vereisky, V. Lebedev, E. Kibrik.

LOKALNY KOLOR(fr. - local) - 1) kolor charakterystyczny dla koloru danego obiektu. L.c. stale zmienia się nieco pod wpływem oświetlenia, powietrza, kolorów otoczenia itp .; 2) kolor w malarstwie, przyjmowany w głównych dużych proporcjach do sąsiednich kolorów, bez szczegółowej identyfikacji odcieni kolorystycznych.

ROZMAZ- ślad pędzla z farbą pozostawiony na podłożu (płótno, karton itp.). Technika malowania kreskami jest bardzo zróżnicowana i zależy od indywidualnego stylu artysty, od zadania, jakie sobie stawia, od cech i właściwości materiału, w którym pracuje.

SYMULACJA(Włoski - leczyć) - w praktyce artystycznej: przeniesienie reliefu (patrz), kształt przedstawionych obiektów i postaci w warunkach takiego lub innego oświetlenia. Na rysunku M. jest wykonywany w tonie (światłocień) (patrz), a także uwzględniana jest zmiana perspektywy w formach. W malarstwie forma jest modelowana przez kolor, gdyż tutaj strona tonalna i kolorowa są ze sobą nierozerwalnie związane. W rzeźbie formowanie odnosi się do samego procesu rzeźbienia i przetwarzania form trójwymiarowych.

Stopień M. determinowany jest treścią pracy i intencją artysty.

MODEL(fr. - przedmiot, podmiot obrazu) - głównie przyroda żywa, głównie osoba.

MOZAIKA(fr.) - jeden z rodzajów malarstwa monumentalnego. Obraz składa się z wielu wielobarwnych kawałków kamieni naturalnych, kolorowego szkła (smalt), płytek ceramicznych i innych solidnych materiałów, ciasno dopasowanych do siebie i przymocowanych do podłoża (ściany, sufitu itp.) za pomocą specjalnego mastyksu, cement i inne substancje wiążące.

Cząsteczki mozaiki dobierane są kolorem i tonem zgodnie z pomysłem (szkicem) artysty. Mozaika uwzględnia efekty, które pojawiają się na odległość dzięki optycznemu mieszaniu kolorów poszczególnych cząstek oraz położeniu kostek mozaiki pod kątem względem źródła światła i względem siebie.

Oprócz mozaiki, która składa się z małych cząstek w większości o tej samej wielkości - mozaiki bizantyjskiej, istnieje inny jej rodzaj - mozaika florencka. W nim obraz składa się zwykle z większych kawałków, najczęściej kamieni naturalnych. Kawałki te są cięte zgodnie z częściami rysunku, na którym wykonana jest praca i mają inny kształt i rozmiar.

Mozaika nazywana jest również osobnym dziełem wykonanym w tej technice.

Ważną cechą mozaiki są nie tylko jej możliwości dekoracyjne, ale fakt, że na przestrzeni wieków nie traci swojej pierwotnej siły koloru. Rozpowszechniona w starożytności (w starożytnej Grecji i Rzymie) oraz w średniowieczu (w Bizancjum) technika mozaiki nabiera coraz większego znaczenia w sztuce współczesnej w projektowaniu budynków.

MONOCHROMIA(grecki) - jednokolorowy. Cm. Grisaille.

MOTYW(fr.): 1) wybrany przez artystę na obraz obiekt natury, najczęściej pejzaż. M. - fabuła, która określa moment, kolor i obrazowo-plastyczne rozwiązanie obrazu lub szkicu; 2) w sztuce i rzemiośle – główny element kompozycji zdobniczej, który może być wielokrotnie powtarzany.

MULAGE(fr.) - dokładny odlew zaczerpnięty bezpośrednio z natury lub z dowolnego dzieła rzeźbiarskiego. Malowane maski woskowe (lub papier-mache) z owoców, warzyw i innych przedmiotów są czasami używane jako pomoce wizualne.

PERSPEKTYWA OBSERWACYJNA- zobaczyć perspektywiczny.

NEUTRALNE TŁO- zobaczyć Tło.

NIUANS(fr.) - bardzo subtelny odcień koloru lub bardzo łatwe przejście od światła do cienia itp .; zobacz odcień.

OBRAZ(artystyczny) – forma odbicia zjawisk rzeczywistości w sztuce, forma artystycznego odtwarzania rzeczywistości. W sztukach wizualnych O. jest zmysłowo konkretnym, wizualnym wyrazem idei (patrz).

Realistyczny obraz artystyczny zawsze wiąże się z uogólnieniem, podkreślając najistotniejsze aspekty życia. Poprzez tę typizację artysta odsłania prawdę i sens, wewnętrzną prawidłowość zjawisk życiowych.

ORYGINAŁ(łac. - to samo co oryginał) - 1) w sztukach wizualnych: dzieło będące kreacją twórczą artysty; 2) każde dzieło sztuki, z którego sporządzono kopię.

ORNAMENT(łac. - dekoracja) - wzór, zwykle charakteryzujący się rytmicznym układem (patrz Rytm) tych samych motywów dekoracyjnych (patrz), który powstaje w wyniku przetwarzania i stylizacji obrazów różnych obiektów świata rzeczywistego lub kombinacji kształtów geometrycznych. O. można wykonać różnymi technikami. Zawsze służy jako dekoracja przedmiotów, wnętrz itp.

RELACJE- relacja elementów wizerunkowych, które istnieją w naturze i są wykorzystywane przy tworzeniu dzieł. Na przykład wizualizacja kolorów i odcieni (w malarstwie), tony o różnej jasności (wizualizacja tonalna na rysunku), wizualizacja rozmiarów i kształtów obiektów (proporcje), wizualizacja przestrzenna itp. metoda porównawcza.

Tonalne i kolorowe okulary mogą być kontrastowe, ostre lub lekkie i pełne niuansów. Co więcej, pewne elementy ujęte w O. zawsze okazują się mieć na siebie pewien wpływ, ponieważ są postrzegane jako zależne od siebie. Na przykład praktycznie cechy koloru i tonu są postrzegane tylko wtedy, gdy są rozpatrywane w O. do innych kolorów lub tonów, a nie w oderwaniu od otoczenia.

Cała różnorodność cech i właściwości świata obiektywnego jest przekazywana w sztukach wizualnych za pomocą O. Jednak artysta nie jest w stanie osiągnąć pełnej zgodności z naturą w kolorze i tonalnej O., aby przekazać ją adekwatnie, dosłownie, bo jego środki artystyczne są bardziej ograniczone niż zjawiska natury. Na przykład bielenie i biały papier nigdy nie są w stanie dokładnie oddać mocy światła słonecznego. Ale zachowując prawidłowe, proporcjonalne proporcje w dostępnych granicach, możliwe jest, aby obraz był wystarczająco przekonujący i realistyczny.

ODCIEŃ- 1) zmiana, czasem ledwie zauważalna, barwy przyrody pod wpływem jej otoczenia; 2) niewielka różnica kolorów pod względem przesłony, nasycenia, odcienia koloru (patrz). Na przykład czerwony kolor kraplaka ma zimniejszy, a cynober ma cieplejszy odcień itp .; 3) różnica w dowolnym kolorze podczas przejścia od zimnego do ciepłego i odwrotnie.

PALETA(włoski) - 1) deska, najczęściej drewniana, na której artysta układa i miesza farby; 2) charakter zestawień kolorystycznych typowych dla danego obrazu, dla dzieł danego artysty lub szkoły artystycznej. Mówią: bogata paleta, wyblakła paleta, monotonna paleta.

PANNO(fr.) - 1) Dzieło malarskie lub rzeźbiarskie (płaskorzeźba) o charakterze dekoracyjnym. Przeznaczony jest do konkretnego i trwałego miejsca we wnętrzu lub na elewacji budynku. Panel zwykle służy do dekoracji ścian, sufitów itp. Ścisły związek z architekturą zbliża panel do malarstwa monumentalnego. Ale w przeciwieństwie do tego ostatniego, panel jest malowany na płótnie przymocowanym do blejtramu, jak zwykły obraz sztalugowy. Kształt panelu uzależniony jest od kształtu wybranego dla niego miejsca. 2) Panel nazywany jest również płaskim fragmentem ściany pozbawionym obrazu, oddzielonym od reszty jego powierzchni i obramowanym obramowaniem (rzeźbiarskim lub obrazowym). 3) Tworzone są panele i panele tymczasowe, które służą do dekoracji ulic miasta w święta.

PASTOWOŚĆ(włoski - pasty) - technika pisania obrazkowego, kiedy farbę nakłada się grubymi, tłoczonymi pociągnięciami. Stosowany w malarstwie olejnym i temperowym.

PERSPEKTYWICZNY(fr.) - 1) widoczna zmiana kształtu i wielkości przedmiotów oraz ich koloru na odległość; 2) nauka badająca cechy i wzory percepcji ludzkim okiem form znajdujących się w przestrzeni oraz ustalająca prawa obrazu tych form na płaszczyźnie. Wykorzystanie praw P. pomaga przedstawić przedmioty tak, jak je widzimy w rzeczywistej przestrzeni. W zależności od zadania, jakie stawia sobie artysta, możliwe są różne zastosowania perspektywy. Może być twórczo używany jako jeden ze środków artystycznych (patrz), wzmacniając wyrazistość obrazów (kąty (patrz), deformacje (patrz) itp.).

Linear P. określa zniekształcenia optyczne kształtów obiektów, ich rozmiarów i proporcji, spowodowane ich skróceniem perspektywicznym. W praktyce artystycznej szeroko rozpowszechniony jest tak zwany spostrzegawczy P., czyli obraz „na oko” wszelkiego rodzaju zmian kształtu przedmiotów.

Do głównych, najważniejszych terminów P. należą: linia horyzontu jest wyobrażoną linią prostą, warunkowo umieszczoną w przestrzeni na poziomie oczu obserwatora; punkt widzenia - miejsce, w którym znajduje się oko rysunkowe; centralny punkt zbiegu - punkt położony na linii horyzontu na wprost oczu obserwatora; kąt widzenia (patrz „Perspektywa” w załączniku).

P. aerial - określa zmianę koloru, kształtu i stopnia oświetlenia obiektów zachodzącą w miarę oddalania się przyrody od oczu obserwatora, w wyniku zwiększenia szczeliny światło-powietrze między obserwatorem a obiektem.

PLANY PRZESTRZENNE- 1) obserwując przyrodę, warunkowo podzielone odcinki przestrzeni znajdujące się w różnych odległościach od obserwatora; 2) części obrazu różniące się stopniem oddalenia w głębi przedstawionej na nim przestrzeni. Zazwyczaj jest kilka planów: pierwszy, drugi, trzeci lub przedni, środkowy, daleki. Ich liczba może być różna i zależy od przedstawianego obiektu i pomysłu twórczego; 3) podczas modelowania (patrz) formy części formy, różnie rozmieszczone w przestrzeni, nazywane są planami.

PLASTIKOWY(gr. - rzeźba) -1) sztuka modelowania form w rysunku, malarstwie i rzeźbie; 2) wyrazistość technik malarskich, kunszt, swoboda i łatwość pracy z pędzlem w malarstwie; 3) wyrazistość formy w rzeźbie oraz w przedstawieniach graficznych i malarskich; 4) to samo co rzeźba. P. najczęściej obejmuje prace rzeźbiarskie wykonane z miękkich tworzyw sztucznych – gliny, wosku, plasteliny itp. P. nazywana jest również techniką obróbki tych materiałów.

PLASTIKOWY- w dziełach różnych rodzajów sztuki: szczególne piękno, integralność, subtelność i wyrazistość modelowania i kolorystyki form, bogactwo przejść barwnych i tonalnych, a także harmonijne powiązanie i wyrazistość brył, form, ich linii i sylwetki (patrz) w kompozycji.

PLENAIR(fr. - full air) - praca w plenerze, w warunkach naturalnych, a nie w murach warsztatu. Termin P. jest zwykle używany w odniesieniu do pejzażu, a także w odniesieniu do wszelkich prac malarskich, wyróżniających się różnorodnością i złożonością relacji kolorystycznych i tonalnych oraz dobrze oddającymi środowisko światła i powietrza.

PÓŁCIEŃ- jeden z elementów światłocienia (patrz). P., zarówno w naturze, jak iw dziełach sztuki, jest gradacją światłocienia na powierzchni przedmiotu, pośrednią między światłem a głębokim cieniem.

PÓŁTON- ton przejściowy między dwoma sąsiednimi tonami o niskim kontraście w oświetlonej części przedmiotu, W dziełach sztuki: środek wyrazistości obrazu artystycznego. Użycie P. sprzyja większej subtelności modelowania (patrz) form, większej miękkości przejść ton w ton.

PORTRET(fr.) - gatunek sztuki, a także dzieło poświęcone wizerunkowi konkretnej osoby lub kilku osób (para, grupa P. itp.).

PROPORCJA(łac.) - miara części, stosunek rozmiarów części do siebie i do całości. W sztukach wizualnych P. są zróżnicowane. Artysta zajmuje się różnymi rodzajami malarstwa, które determinują nie tylko konstrukcję form postaci i przedmiotów, ale także konstrukcję kompozycyjną dzieł. Obejmuje to znalezienie odpowiedniego formatu płaszczyzny arkusza, stosunek rozmiarów obrazu do tła, stosunek mas, zgrupowań, kształtów do siebie itp.

SZTUKI PRZESTRZENNE- zobaczyć Sztuki piękne.

PROFIL(fr.) - w szerokim znaczeniu: widok jakiejkolwiek żywej istoty lub przedmiotu w pozycji bocznej.

KĄT(fr.) - perspektywiczna redukcja form żywych i przedmiotowych, istotnie zmieniająca ich wygląd. R. wynika z punktu widzenia przyrody (widok z góry, z dołu, z bliskiej odległości itp.), a także z samego położenia przyrody w przestrzeni.

ULGA(fr.) - rodzaj rzeźby. W przeciwieństwie do okrągłej rzeźby, bryła R. częściowo wystaje ponad płaszczyznę. Istnieją różne rodzaje płaskorzeźb: płaskorzeźba (po francusku „ba” - niska), w której postacie wystają poza płaszczyznę nie więcej niż o połowę swojej objętości; wysoka płaskorzeźba („iść” po francusku - wysoka), w której postacie mogą prawie całkowicie wystawać ponad samolot; dogłębnie lub kotwica, w której obraz jest osadzony głęboko w płaszczyźnie, pod jej powierzchnią.

Obraz reliefowy to energetyczne modelowanie trójwymiarowej formy w tonie lub kolorze. Zobacz Modelowanie.

ODRUCH(łac. - odbicie) - 1) w malarstwie - odcień koloru silniej oświetlonego obiektu na przylegającej do niego powierzchni. Kolor R. powstają w wyniku odbicia promieni świetlnych od otaczających obiektów. Na przykład czerwona draperia może dawać czerwonawe odbicie na powierzchni brązowego słoika obok; 2) na rysunku - odbicie światła od powierzchni jednego obiektu w zacienionej części drugiego.

RYTM(grecki) - jedna z cech kompozycyjnej konstrukcji dzieł. Najprostszy typ R. to jednolita przemiana lub powtórzenie dowolnych części (obiektów, kształtów, elementów wzoru, kolorów itp.); najczęściej przejawia się w monumentach, sztuce i rzemiośle oraz architekturze.

W pracach malarskich, graficznych i rzeźbiarskich manifestacja R. jest bardziej złożona. Tutaj często przyczynia się do wytworzenia na obrazie pewnego nastroju, dzięki niemu uzyskuje się większą spójność i spójność części kompozycji oraz wzmacnia się jej oddziaływanie na widza.

R. przejawia się często w wariantach (patrz) gestów, ruchów i kompozycyjnych zgrupowań postaci, w powtórzeniach i wariantach plam świetlnych i barwnych, a także w naprzemiennym umieszczeniu w przestrzeni większych części obrazu, które są istotnymi elementami kompozycji.

LEKKI- w sztukach wizualnych element światłocienia (patrz). Zarówno w naturze, jak iw dziełach sztuki termin ten jest używany do określenia najbardziej oświetlonych części powierzchni.

MOC ŚWIATŁA- termin związany z światłocieniem (patrz). W malarstwie stopień nasycenia koloru światłem, porównawczy stopień jasności koloru w stosunku do innych sąsiednich tonów kolorystycznych. W grafice - stopień lekkości jednego tonu w stosunku do drugiego, znajdującego się obok.

światłocień- gradacje światła i ciemności, stosunek światła i cienia na formie. S. jest jednym ze środków kompozycyjnej konstrukcji i wyrazu idei dzieła. Dzięki S. plastyczne cechy natury są postrzegane wizualnie i przekazywane w pracy. W naturze natura S. zależy od cech, kształtu i materiału przedmiotu. W dziełach sztuki S. podlega ogólnemu rozwiązaniu tonalnemu.

Gradacje światłocienia: światło, cień, półcień, refleks, podświetlenie (patrz).

SESJA(fr.) - czas spędzony przy dowolnym zawodzie, okres ciągłej pracy artysty nad jednym dziełem. Praca ta może odbywać się w różnych okresach czasu, mieć różną liczbę godzin. Artysta może poświęcić jedną, dwie lub więcej sesji na wykonanie pracy.

SYLWETKA(fr.) - ogólne zarysy postaci lub przedmiotu w naturze. W dziełach sztuki: rodzaj postaci lub przedmiotów, w których ich kształt jest postrzegany bez szczegółów i wyraźnej trójwymiarowości, a nawet wygląda zupełnie płasko (jednolita plama na ciemnym lub jasnym tle). W ten sposób sylwetka staje się figurą pod światło. S. nazywane są również wszystkimi ciemnymi obrazami profilu w grafice.

SYMETRIA(gr. - proporcjonalność) - taka struktura przedmiotu lub kompozycji dzieła, w której jednorodne części (lub przedmioty) są do siebie równoległe, w tej samej odległości od osi środkowej dowolnego przedmiotu, który zajmuje centralną pozycję w relacji do nich.

Podobną kompozycję często można znaleźć w sztuce i rzemiośle. W malarstwie i rzeźbie, czasem zbyt surowej (nie odpowiadającej żywemu charakterowi obrazu) S. potrafi sprawić, że prace będą suche i nudne.

Naruszenie symetrycznej struktury obiektów charakteryzujących się obecnością S. nazywa się asymetrią.

SZALUGOWA SZTUKA- nazwa pochodzi od maszyny, na której powstają prace (maszyna dla rzeźbiarza, sztaluga dla malarza). Prace S.i. zawsze mają swoje znaczenie. Ich cechy ideowe i artystyczne nie zależą od środowiska, w którym się znajdują. W przeciwieństwie do dzieł sztuki monumentalnej i dekoracyjnej nie są przeznaczone do konkretnego miejsca (wewnątrz, w przestrzeni) ani do celów dekoracyjnych. W związku z tym przy ich tworzeniu stosuje się nieco inne środki artystyczne. Na przykład często podaje się bardziej subtelne i szczegółowe odwzorowanie kolorów i relacji tonalnych (q.v.) oraz bardziej złożoną i bardziej rozbudowaną charakterystykę psychologiczną postaci.

STATYCZNY(gr. – stanie) – w przeciwieństwie do dynamizmu (patrz) – stan spoczynku, bezruchu. S. może odpowiadać idei figuratywnego rozwiązania dzieła. Ale czasami S. jest spowodowany niezdolnością artysty do przekazania ruchu, nadania bardziej wyrazistego obrazu. W dziełach sztuki S. nie zawsze jest zamrożony. Na przykład sama postawa statyczna, charakterystyczna dla sylwetki stojącej: przechylanie ramion i bioder (górnej i dolnej części ciała) w przeciwnych kierunkach (tzw. contrappost), nie usztywnia sylwetki człowieka i nie mniej bogaty liniowy rytm niż figura w ruchu.

STYL(fr.) - 1) wspólność cech ideowych i artystycznych dzieł różnych rodzajów sztuki danej epoki. Powstanie i przemiana S. są zdeterminowane przebiegiem historycznego rozwoju społeczeństwa ludzkiego, ale jednocześnie może istnieć kilka heterogenicznych lub nawet przeciwstawnych stylów (na przykład klasycyzm i barok); 2) narodowa osobliwość sztuki (styl chiński, styl mauretański itp.); 3) pojęcie S. określa niekiedy indywidualne specyficzne cechy artystyczne dzieł sztuki lub pomników kultury materialnej (np. czarna postać S. w malarstwie greckim); 4) mówią także o S. o grupie artystów lub o jednym artyście, jeżeli ich twórczość odznacza się jasnymi, indywidualnymi cechami.

INTRYGOWAĆ(fr.) - 1) na obrazie fabularnym: określone wydarzenie lub zjawisko przedstawione w dziele. Jeden i ten sam temat można przekazać w zestawie S. W sztukach wizualnych wątki to przede wszystkim dzieła z gatunku codziennego, historycznego i batalistycznego; 2) w szerszym znaczeniu przez S. rozumie się każdy przedmiot o charakterze żywym lub świat obiektywny, wzięty dla obrazu, w tym pojedynczy przedmiot. Często S. zastępuje pojęcie motywu (patrz), które jest podstawą pracy (zwłaszcza pejzażu).

PROCES TWÓRCZY(twórczość) – proces powstawania dzieła sztuki, od narodzin idei figuratywnej do jej urzeczywistnienia, proces przekładania obserwacji rzeczywistości na obraz artystyczny. W sztukach wizualnych twórczość artysty zawsze polega na tworzeniu dzieła w bezpośrednio widocznych formach. W twórczości każdego artysty jest wiele indywidualności, charakterystycznych tylko dla niego samego. Istnieje jednak kilka ogólnych wzorców. Zwykle pracę rozpoczyna się od kompozycyjnego poszukiwania rozwiązania wizualnego i doboru materiału. Po tym okresie przygotowawczym artysta kończy pracę nad dziełem. Zdarza się, że artysta już na końcowym etapie pracy dokonuje znaczących zmian i poprawek w dziele, a nawet zaczyna na nowo szukać bardziej udanego urzeczywistnienia pomysłu twórczego.

PRZEDMIOT(grecki) - krąg zjawisk wybranych przez artystę do zobrazowania i ujawnienia idei jego pracy.

CIEŃ- element światłocienia (patrz), najbardziej słabo oświetlonych obszarów w przyrodzie i na obrazie. Odróżnij T. własne i spadające. T., należący do samego przedmiotu, nazywamy właściwym. O rozmieszczeniu tych lamp na jego powierzchni decyduje kształt danego obiektu oraz kierunek padania światła. Spadające to T., rzucane przez ciało na otaczające przedmioty.

CIEPŁY KOLOR- zobaczyć Kolor.

ESTETYKA TECHNICZNA(ZOBACZ ESTETYKĘ) – obszar twórczości artystycznej związany z projektowaniem i produkcją wyrobów przemysłowych. W tym procesie twórczym artyści projektujący (patrz Projektanci) współtworzą wraz z inżynierami projektantami i technologami.

TON(fr.) - stopień lekkości właściwy dla koloru przedmiotu w naturze i dzieła sztuki. Ton zależy od intensywności koloru i jego jasności (patrz).

1) T. na rysunku - rysunek jest zwykle jednokolorowy (monochromatyczny), dlatego T. jest jednym z wiodących środków artystycznych. Za pomocą relacji różnych t. przekazuje się objętość formy, położenie w przestrzeni i oświetlenie przedmiotów. T. oddaje również różnicę w lekkości przedmiotów, która wynika z natury różnorodności ich koloru i materiału.

2) T. w malarstwie - ta koncepcja oznacza współczynnik apertury (patrz) koloru, a także nasycenie koloru (patrz). W malarstwie relacje koloru i światła i cienia są ze sobą nierozerwalnie związane. Nie należy mylić pojęcia T. z pojęciem odcienia (patrz) i odcienia koloru (patrz), które określają inne cechy koloru. Kolory różne w T. (jasność) mogą mieć ten sam odcień, np. kolor niebiesko-zielony może być ciemniejszy lub jaśniejszy, ale jego odcień pozostaje ten sam.

3) Kolor T. - jedna z cech koloru (patrz).

4) Ogólny kolor T. pracy - termin ten pokrywa się w znaczeniu z pojęciami gamy kolorów (patrz) i tonacji (patrz).

5) Ogólny ton światłocieniowy utworu - patrz Tonalność.

6) W życiu codziennym T. służy do oznaczania koloru farb (niebieska T., zielona T. farba itp.).

7) W szerszym znaczeniu, w mowie potocznej ton często zastępuje pojęcia koloru (patrz), cienia (patrz), schematu kolorów (patrz), koloru (patrz).

KLUCZ- pewien stosunek barw lub tonów charakterystyczny dla danego dzieła, jedna z jego cech artystycznych. W harmonogramie T. jest określony przez stopień kontrastu (patrz) ciemne i jasne tony. W malarstwie pojęcie koloru ma takie samo znaczenie jak kolorystyka (patrz), ponieważ określa cechy struktury kolorystycznej dzieła wraz z niuansami kolorystycznymi (patrz).

TUŁÓW(włoski) - ludzkie ciało.

ZNIKAJĄCY PUNKT- patrz perspektywa.

TEKSTURA(łac. - obróbka) - 1) charakterystyczne cechy materiału, powierzchnia przedmiotów w naturze i ich wizerunek w dziełach sztuki (na przykład błyszcząca powierzchnia szklanego słoika w naturze lub na zdjęciu);

2) cechy obróbki materiału, z którego wykonana jest praca, a także cechy charakterystyczne tego materiału (np. F. obrazu to charakter warstwy malarskiej, pociągnięcia. Może być gładki, szorstkie, tłoczone itp., w rzeźbie - charakter obróbki kamienia, drewna itp.). F. Praca w dużej mierze zależy od właściwości użytego przez artystę materiału, od cech przedstawianej przez niego przyrody oraz od zadania i sposobu wykonania. Indywidualne pismo artysty, jego „ręka”, przejawia się w plastyce jego dzieł. F. jest jednym ze środków artystycznych, które przyczyniają się do emocjonalnego oddziaływania dzieła.

FAS(fr.) - widok z przodu.

MOCOWANIE, MOCOWANIE LUB MOCOWANIE(fr.) - utrwalanie wzoru specjalnymi kompozycjami w celu lepszej konserwacji.

TŁO(fr. - dół, głęboka część) - w naturze iw dziele sztuki - dowolne otoczenie znajdujące się za obiektem położonym bliżej, tło obrazu. W dziełach sztuki tło może być neutralne, pozbawione obrazów lub zawierać obrazy (obrazowe).

FORMA(łac.) - 1) wygląd, zarys. W tym sensie F. zakłada obecność trójwymiarowości, wyraźnego projektu i proporcji; 2) w sztukach plastycznych F. odnosi się do cech objętościowo-plastycznych przedmiotu; 3) we wszystkich rodzajach sztuki - środki artystyczne, które służą wytworzeniu obrazu, ujawnieniu treści dzieła (patrz Treść i Forma). W procesie twórczym (zobacz) znajdują formę, która najlepiej pasuje do pomysłu. W każdej formie sztuki forma w dużej mierze decyduje o wartości artystycznej dzieła. W sztukach wizualnych frazowanie artystyczne jest strukturą kompozycyjną, jednością środków i technik zaimplementowanych w materiale artystycznym i ucieleśniającą koncepcję ideologiczną i artystyczną (zob. Treść i forma).

FORMAT(fr.) - kształt płaszczyzny, na której wykonywany jest obraz (prostokątny, owalny, okrągły-rondo itp.). Wynika to z ogólnych zarysów i stosunku wysokości do szerokości. Wybór F. zależy od treści i nastroju wyrażonego w pracy. F. obrazy powinny zawsze pasować do kompozycji obrazu. Jest to istotne dla figuratywnej struktury dzieła.

FRAGMENT(łac. - fragment, fragment) - fragment istniejącego dzieła lub zachowana pozostałość po zmarłym.

FRESK(Włoski - świeży). Jeden z głównych rodzajów malarstwa monumentalnego (patrz). Spoiwem w farbach jest tutaj wodny roztwór wapna lub wody. W połączeniu z masą tynkarską na ścianie (suficie) tworzą trwałą warstwę farby. Technika fresku jest bardzo złożona, ponieważ nie pozwala na korekty w trakcie pracy. Dopiero później sprowadza się je z temperą. Pracując nad freskiem, artysta musi również liczyć się z rozjaśnieniem kolorów po wyschnięciu. Fresk malowany jest w częściach, z których każda wykonywana jest w jednej sesji. Poszczególne jej części wykonane są na tekturze (karton jest w tym przypadku materiałem pomocniczym przeznaczonym do kopiowania), w którym rysunek, kompozycja i wielkość w pełni odpowiadają przyszłej pracy.

Istnieją następujące rodzaje fresków:

1) malowanie na mokrym tynku z korektą temperową („fresk”); 2) malowanie na mokrym tynku bez poprawek („buon fresco”); 3) malowanie na suchym tynku („a secco”); 4) malowanie kazeinowo-wapienne. Ten ostatni jest najtrwalszy i pozwala bardziej niż inne urozmaicić sposób wykonania. Cenną cechą tej techniki jest to, że jest mniej wrażliwa na zmiany w atmosferze niż inne. Dlatego jest często używany do pracy na zewnątrz.

ZIMNY KOLOR- zobaczyć Kolor.

MEDIA ARTYSTYCZNE- wszystkie elementy malarskie i techniki artystyczne, którymi artysta posługuje się do wyrażenia treści dzieła. Należą do nich: kompozycja, perspektywa, proporcje, światłocień, kolor, obrys, faktura (patrz) itp.

KOLORY CHROMATYCZNE(grecki) - kolory, które mają szczególną jakość (odcień koloru - patrz), odróżniające je od siebie. X.c. - kolory widma słonecznego powstałe w wyniku załamania promienia słonecznego (czerwony, żółty itp.). Konwencjonalnie kolory widma znajdują się na „kole kolorów”. Ta skala kolorów zawiera dużą liczbę przejść od zimnych do ciepłych kolorów (patrz Kolor). Kolory achromatyczne - biały, szary, czarny. Są pozbawione tonacji barwnej i różnią się jedynie jasnością (jasnością).

KOLOR- jeden z głównych środków artystycznych w malarstwie (patrz). Obraz świata obiektywnego, różne właściwości i cechy natury w malarstwie przekazywane są poprzez relacje barw i odcieni barw. Główne cechy koloru to: ton koloru — cecha koloru, która odróżnia go od innych kolorów spektrum (czerwony, niebieski, zielony i inne kolory mają różne odcienie kolorów); jasność C. - zdolność jednego lub drugiego C. do odbijania promieni świetlnych. Są jaśniejsze i ciemniejsze kolory; nasycenie (intensywność) koloru to ilość określonego odcienia koloru w danym kolorze.Nasycenie koloru w farbie może ulec zmianie w wyniku rozcieńczenia jej wodą (w akwarelach) lub dodania do niej bieli w oleju lub gwaszu obraz.

W praktyce malarskiej każdy kolor jest zawsze rozpatrywany w odniesieniu do otaczających go kolorów, z którymi wchodzi w interakcję. Ta zależność opiera się na stosunku zimnych i ciepłych kolorów i odcieni. Idea zimnego koloru w przyrodzie i dziełach sztuki kojarzy się zwykle z kolorem lodu, śniegu, liliowym, gołębim kolorem chmur burzowych itp., a ciepła - z kolorem ognia, światła słonecznego itp. Duże Relacje kolorów dopełniających i odcieni mają również znaczenie w malarstwie. Te kolory i odcienie, wzięte w porównaniu, wzajemnie się wzmacniają. Dodatkowe kolory to następujące pary kolorów: czerwony i trawiasta zieleń, cytrynowożółty i fioletowy, pomarańczowy i niebieski. Te same C. kontrastują ze sobą. Kontrasty dodatkowych, zimnych i ciepłych barw są integralnym elementem kolorystyki obrazów, służąc bardziej wierności.

C. jest jednym z najważniejszych środków kreowania wizerunku artystycznego. Siła wpływu koloru na uczucia człowieka, zdolność różnych kolorów do wpływania na jego nastrój w różny sposób odgrywają kluczową rolę w malarstwie. Tutaj C. jest elementem kompozycji dzieła. Nie tylko rozmieszczenie koloru i światła na obrazie, ale także dobór koloru pomaga wyraźniej wyrazić treść pracy, wytworzyć w niej określony nastrój. Ponadto kolor w malarstwie ma również znaczenie estetyczne. Obraz, jego kolorystyka, piękno koloru powinny wywoływać u widza uczucie estetycznej przyjemności. Tę jakość posiadają dzieła malarzy różnych epok.

WŁAZ(niemiecki) - jeden ze środków wizualnych na rysunku. Każdy Sh. to linia narysowana jednym ruchem ręki. Metody pracy Sh. są zróżnicowane. Sh. są stosowane w różnych mocach, długościach i częstotliwościach, układane w różnych kierunkach. Jednocześnie, w zależności od charakteru pracy, sh. może wyglądać jak oddzielne linie lub łączyć się w ciągły punkt.

WYRAŻENIE(łac. - ekspresja) - zwiększona ekspresja dzieła sztuki. E. osiąga się całokształtem środków artystycznych, a także zależy od sposobu wykonania, charakteru pracy artysty w danym materiale. W węższym sensie jest to przejaw temperamentu artysty w jego stylu twórczym, w fakturze, rysunku i kolorystyce dzieła.

NASZKICOWAĆ(fr.) - szkic przygotowawczy do pracy, odzwierciedlający poszukiwanie najlepszej realizacji pomysłu twórczego. E. można wykonać różnymi technikami. W procesie pracy nad obrazem, rzeźbą itp. artysta zazwyczaj tworzy kilka E. Ze swojego punktu widzenia wykorzystuje te najbardziej udane w przyszłości, rozwijając i uzupełniając wcześniej znalezione rozwiązanie. Na przykład obraz może być znacznie rozwinięty (patrz - detailing).

NASZKICOWAĆ- szybkość wykonania i znaczne uogólnienie szczegółów obrazu. E. może być podyktowane intencją artystyczną, ale może też objawiać się jako wada pracy. W tym przypadku E. jest rozumiany jako niewystarczająca klarowność w przekazie treści, w wyrażaniu koncepcji ideowej i artystycznej, malarstwa i zaniedbania w wykonaniu.

ESTETYKA(grecki) - nauka o pięknie w życiu i sztuce.

E. bada podstawy i wzorce twórczości artystycznej, związek sztuki z rzeczywistością oraz rolę sztuki w życiu społecznym. W szerokim sensie estetyka jest piękna, piękna.

ETIUDA(fr. - study) - praca wykonana z natury. Dość często E. ma wartość niezależną. Czasami jest to ćwiczenie, w którym artysta doskonali swoje umiejętności zawodowe i opanowuje głębsze i wierniejsze oddanie natury. E. Służą również jako materiał pomocniczy i przygotowawczy przy tworzeniu utworów. Przy pomocy E. artysta konkretyzuje ideę dzieła, która pierwotnie była bardziej uogólniona, dopracowuje szczegóły itp.

zarys - liniowe kontury przedstawionej postaci, jej kontur.

Sztuka abstrakcyjna - jeden z nurtów formalistycznych w sztukach wizualnych, który powstał na przełomie XIX i XX wieku. Abstrakcjoniści odmówili przedstawiania przedmiotów i zjawisk świata obiektywnego (stąd inna nazwa abstrakcjonizmu - sztuka nieobiektywna). Ich praca jest próbą wyrażenia własnych uczuć i myśli poprzez zestawienia kolorystyczne plam lub linii samodzielnie, bez przedstawiania rzeczywistych przedmiotów i przedmiotów. Abstrakcjoniści porzucili rysunek, perspektywę, kolor i wszelkie inne środki wizualnego języka sztuki malarskiej. Naruszyli tym samym profesjonalne podstawy malarstwa, zniszczyli jego prawdziwe możliwości artystyczne. Abstrakcjonizm szpeci gusta estetyczne ludzi, oddala ich od zrozumienia piękna natury i życia.

Dostosowanie - właściwość oka umożliwiająca dostosowanie się do określonych warunków oświetleniowych. Istnieją adaptacje do światła, ciemności, a także do koloru. Specyfika tego ostatniego polega na zdolności oka do niezauważania koloru oświetlenia na przedmiotach.

W warunkach o zmierzchu i ogólnie przy słabym oświetleniu oka najbardziej wrażliwe na światło są zakończenia nerwowe (fotoreceptory) zwane pręcikami. Z ich pomocą oko dostrzega gradacje czerni i bieli. W silnym świetle w ciągu dnia inne fotoreceptory są bardziej wrażliwe - czopki, za pomocą których postrzegany jest kolor. Wraz z adaptacją do światła zmniejsza się wrażliwość widzenia, a wraz z adaptacją do ciemności wzrasta. Kiedy oko przystosowuje się do ciemności, zaczynamy wyraźnie rozróżniać szczegóły krajobrazu. Ze względu na zwiększoną wrażliwość oka na ciemność w pochmurny dzień io zmierzchu początkujący artysta traci z oczu poziom oświetlenia ogólnego, które w tych warunkach jest znacznie słabsze niż w słoneczny czy jasnoszary dzień. O zmierzchu jasne przedmioty nie wydają mu się tak zmniejszone w jasności, że oświetlenie stało się słabsze niż poprzednie oświetlenie dzienne. Słabo dostrzega też bliższe relacje tonalne charakterystyczne dla zmierzchu i szarego dnia. Ponadto, mimo zaciemnienia początkujący artysta wyróżnia w naturze (lub cienie) bardzo subtelne gradacje światłocienia na przedmiotach i dopuszcza nadmierne urozmaicenie i fragmentację. Dlatego początkowo nie jest w stanie dokładnie ocenić i przekazać tych rzeczywistych zmian jasności i koloru, jakie zachodzą w przyrodzie.

Adaptacja opiera się na różnych zmianach zachodzących w naszym oku, gdy zmienia się natężenie światła. Na przykład w ciągu dnia źrenica zmniejsza się o 1-2 mm, w wyniku czego do oka dostaje się mało światła. W ciemności rozszerza się o 8-10 mm, wpuszczając dużo światła. Wiedząc, że powierzchnia źrenicy jest proporcjonalna do kwadratu średnicy, można ustalić, że jeśli źrenica podwoi się, ilość przepuszczanego przez nią światła wzrasta czterokrotnie; jeśli źrenica jest powiększona czterokrotnie, ilość przepuszczanego przez nią światła zwiększa się 16 razy. Jest to częściowo powód, dla którego rozróżniamy główne współczynniki światła o zmierzchu. Odruch źrenic na jasne i ciemne w ten sposób kompensuje w pewnym stopniu spadek oświetlenia.

Akademicyzm - określenie wartościujące nawiązujące do tych nurtów w sztuce, których przedstawiciele całkowicie kierują się uznanymi autorytetami artystycznymi, wierzą, że postęp sztuki współczesnej nie polega na żywym związku z życiem, ale na jego najbliższym zbliżeniu do ideałów i form sztuki minionych epok i bronić absolutnej, niezależnej od miejsca i czasu normy piękna. Historycznie akademizm kojarzy się z działalnością akademii kształcących młodych artystów w duchu nierozsądnego podążania za wzorcami sztuki starożytności i włoskiego renesansu. Ten trend, zapoczątkowany po raz pierwszy w Akademii Bolońskiej w XVI wieku, został szeroko rozwinięty w akademiach późniejszych; było to charakterystyczne dla Rosyjskiej Akademii Sztuk w XIX wieku, która spowodowała walkę z akademią zaawansowanych artystów realistycznych. Kanonizując klasycystyczne metody i fabuły, akademizm odgradzał sztukę od nowoczesności, uznając ją za „niską”, „niską”, niewartą sztuki „wysokiej”.

Pojęcie akademizmu nie da się utożsamić z całą działalnością akademii sztuki z przeszłości. W systemie edukacji akademickiej było wiele cnót. W szczególności, opartej na wieloletniej tradycji, wysokiej kulturze rysunkowej, która była jednym z najmocniejszych punktów edukacji akademickiej.

Farby akwarelowe - klej wodny z drobno zmielonych pigmentów zmieszanych z gumą, dekstryną, gliceryną, czasem z miodem lub syropem cukrowym; produkowane są na sucho - w postaci płytek, półwilgotne - w porcelanowych filiżankach lub półpłynne - w tubach.

Akwarele można pisać na suchym lub mokrym papierze od razu, w pełnym kolorze, można pracować z glazurą, stopniowo uszlachetniając kolorystyczne relacje natury. Musisz wiedzieć, że akwarela nie toleruje poprawek, tortur, licznych wielokrotnych rejestracji mieszanymi farbami.

Często malarze stosują technikę akwareli w połączeniu z innymi materiałami: gwaszem, temperą, węglem. Jednak w tym przypadku giną główne cechy akwareli - nasycenie, przezroczystość, czystość i świeżość, czyli dokładnie to, co odróżnia akwarelę od wszelkich innych technik.

Akcent - technika podkreślania linii, tonu lub koloru dowolnego wyrazistego przedmiotu, szczegółów obrazu, na które należy skierować uwagę widza.

Alla prima - technika w malarstwie akwarelowym lub olejnym, polegająca na napisaniu szkicu lub obrazu bez wstępnej rejestracji i podmalowania, czasem jednorazowo, w jednej sesji.

Malarz zwierząt - artysta, który swoją pracę poświęcił głównie przedstawianiu zwierząt.

kolory achromatyczne - biały, szary, czarny; różnią się jedynie lekkością i są pozbawione tonacji kolorystycznej. Natomiast istnieją kolory chromatyczne, które mają odcień koloru o różnej jasności i nasyceniu.

blask - element światłocienia, najjaśniejszego miejsca na oświetlonej (głównie błyszczącej) powierzchni przedmiotu. Wraz ze zmianą punktu widzenia olśnienie zmienia swoje położenie na kształcie obiektu.

Valer - termin praktyki artystycznej, który określa jakościową stronę odrębnego, głównie światła i cienia tonu, w jego relacji z tonami otoczenia. W malarstwie realistycznym właściwości materialne świata obiektywnego przekazywane są głównie poprzez obiektywnie regularne relacje tonalne. Aby jednak żywo, holistycznie odtworzyć materialność, plastyczność, kolor przedmiotu w określonym stanie oświetlenia iw określonym środowisku, artysta musi osiągnąć bardzo dużą dokładność i wyrazistość w proporcjach tonów; bogactwo, subtelność stosunków przejść prowadzących do wyrazistości malarstwa i są główną cechą walera. Najwięksi mistrzowie XVII-XIX wieku. - jak Velasquez, Rembrandt, Chardin, Repin - malarstwo jest zawsze bogate w walerii.

wizja malownicza - widzenie i rozumienie relacji kolorystycznych przyrody z uwzględnieniem wpływu środowiska i ogólnego stanu oświetlenia, który jest charakterystyczny dla przyrody w momencie jej wyobrażenia. W wyniku takiej wizji w szkicu pojawia się prawdziwość relacji światła i kolorów, bogactwo odcieni ciepło-zimnych, ich jedność i harmonia kolorystyczna, oddające naturę z całą trwogą życia. W tym przypadku mówi się o malowniczości etiudy czy obrazu.

Wizja artystyczna - umiejętność nadania niezbędnej oceny estetycznej cech tkwiących w naturze. Już przed przedstawieniem natury artysta widzi w jej głównych rysach figuratywne rozwiązanie malarskie, uwzględniające określony materiał.

witraż - malowanie na szkle farbami transparentnymi lub ornament złożony z kawałków wielobarwnego szkła, mocowany metalową oprawą, służy do wypełnienia otworów okiennych i drzwiowych. Promienie światła przenikające przez szkło nabierają zwiększonej jasności i tworzą we wnętrzu grę barwnych refleksów.

perspektywa z lotu ptaka - widoczne zmiany niektórych cech obiektów pod wpływem powietrza i przestrzeni. Wszystkie pobliskie obiekty są postrzegane wyraźnie, z wieloma szczegółami i fakturą, a odległe obiekty są postrzegane w sposób uogólniony, bez szczegółów. Kontury bliskich obiektów wyglądają na ostre, a odległe wyglądają na miękkie. Z dużej odległości jasne obiekty wydają się ciemniejsze, a ciemne jaśniejsze. Wszystkie bliskie obiekty mają kontrastujący światłocień i wydają się obszerne, wszystkie odległe obiekty mają lekko wyraźny światłocień i wydają się płaskie. Kolory wszystkich odległych obiektów stają się mniej nasycone z powodu mgły powietrznej i nabierają koloru tej mgiełki - niebieskiego, mleczno-bladego lub fioletowego. Wszystkie pobliskie obiekty wydają się być wielokolorowe, a odległe obiekty wydają się mieć ten sam kolor. Artysta uwzględnia wszystkie te zmiany, aby oddać przestrzeń i stan iluminacji - ważne cechy malarstwa plenerowego.

Percepcja wizualna - proces odzwierciedlania obiektów i zjawisk rzeczywistości we wszystkich różnorodnych ich właściwościach, które bezpośrednio wpływają na narządy wzroku. Wraz z doznaniami wizualnymi percepcja obejmuje również przeszłe doświadczenia wiedzy i pomysłów na określony temat. Zrozumienie, zrozumienie istoty postrzeganego jest możliwe tylko wtedy, gdy obserwowane obiekty i zjawiska porówna się z wcześniej widzianymi (stała i stała percepcja wzrokowa). Do tego należy dodać, że percepcji wzrokowej towarzyszą odczucia skojarzeniowe, poczucie piękna, które wiążą się z osobistym przeżywaniem doznań zmysłowych z oddziaływania otoczenia.

Kolor gamma - kolory, które dominują w tej pracy i decydują o charakterze jej systemu kolorystycznego. Mówią: gama zimnych, ciepłych, bladych odcieni kolorów itp.

Harmonia - komunikacja, proporcjonalność, spójność. W sztukach wizualnych - połączenie form, relacje części lub kolorów. W malarstwie jest to zgodność detali z całością, nie tylko wielkością, ale i kolorem (jedność koloru, gama powiązanych odcieni). Źródłem harmonii są wzory zmian barwy naturalnych obiektów pod wpływem siły i kompozycji spektralnej oświetlenia. Harmonia systemu kolorystycznego studium lub obrazu zależy również od fizjologii i psychologii wizualnej percepcji właściwości świetlnych i barwnych świata obiektywnego (kontrastowe oddziaływanie kolorów, zjawisko aureoli itp.).

Rytownictwo- drukowana reprodukcja wyciętego lub wytrawionego rysunku na desce (drzeworyt), linoleum (linoryt), blasze (akwaforta), kamieniu (litografia) itp. Cechą ryciny jest możliwość jego replikacji: z jednej deski wygrawerowany przez artystę wydruk dużej ilości wielobarwnych nadruków (druków). W zależności od charakteru obróbki formy drukarskiej (płyty lub płyty) oraz sposobu nadruku rozróżnia się grawery wypukłe i wgłębne.

Grafika - jeden z rodzajów sztuk plastycznych, zbliżony treścią i formą do malarstwa, ale mający własne zadania i możliwości artystyczne. W przeciwieństwie do malarstwa, głównym wizualnym środkiem grafiki jest rysunek monochromatyczny (tj. linia, światłocień); rola koloru pozostaje w nim stosunkowo ograniczona. Od strony środków technicznych grafika obejmuje rysunek we właściwym tego słowa znaczeniu we wszystkich jego odmianach. Z reguły prace graficzne wykonuje się na papierze, a sporadycznie wykorzystuje się inne materiały.

W zależności od przeznaczenia i treści grafiki dzieli się na grafiki sztalugowe, które obejmują utwory o samoistnym znaczeniu (które nie wymagają niezbędnego połączenia z tekstem literackim dla ujawnienia ich treści i nie ograniczają się do zawężonego, ściśle określonego celu praktycznego), grafika książkowa, stanowiąca jedność ideowo-artystyczną z tekstem literackim lub towarzyszącym, a jednocześnie przeznaczona do projektowania dekoracyjnego i artystycznego książki, książka plakatowa, będąca najbardziej masowym rodzajem sztuki plastycznej, przeznaczona do realizacji politycznej , propaganda, produkcja artystyczna lub zadania użytkowe (nalepki, listy, znaczki pocztowe itp.) środkami artystycznymi.

Grisaille - obraz czarno-białą farbą (lub monochromatyczną, na przykład brązową); Często wykorzystywana jest do prac pomocniczych przy wykonywaniu podmalówek lub szkiców, a także w celach edukacyjnych przy opanowywaniu technik obrazu tonalnego wykonywanych farbami akwarelowymi lub olejnymi. Obraz tworzony jest tylko na podstawie stosunków tonalnych (jasności) obiektów o naturalnym otoczeniu.

Podkładowy - cienka warstwa o specjalnym składzie (klej, olej, emulsja) nakładana na płótno lub tekturę w celu nadania ich powierzchni pożądanych właściwości kolorystycznych i fakturowych oraz ograniczenia nadmiernej absorpcji spoiwa (oleju). W przypadku pracy z farbami olejnymi na niezagruntowanym podłożu (np. płótnie) farby nie kładą się, wysychają, olej z farby wchłania się w tkaninę, niszcząc płótno i warstwę farby. W zależności od składu spoiwa wyróżnia się gleby: olej, klej, emulsję, syntetyczny. Według koloru - przyciemniane i kolorowe. Podkład składa się zwykle z 3 elementów: cienkiej warstwy kleju pokrywającej całą powierzchnię płótna folią (tj. zaklejanie) oraz kilku warstw farby podkładowej, w tym cienkiej warstwy końcowej. Klejenie - cienka warstwa kleju (stolarskiego, kazeinowego lub żelatynowego) - zabezpiecza płótno przed wnikaniem farby podkładowej lub oleju w głąb tkaniny lub na tylną stronę płótna, mocno wiąże kolejne warstwy gleby z płótnem. Farba podkładowa wyrównuje powierzchnię płótna, tworzy niezbędny (najczęściej biały) kolor i zapewnia mocne połączenie warstwy farby z podkładem.

Elementarz - w technologii malarskiej: proces nakładania podkładu na powierzchnię przeznaczoną do malowania.

Gwasz - farba wodna o dużej sile krycia. Farby po wyschnięciu szybko się rozjaśniają i do przewidzenia stopnia zmiany ich odcienia i koloru potrzebne jest duże doświadczenie. Piszą farbami gwaszowymi na papierze, kartonie, sklejce. Prace mają matową, aksamitną powierzchnię.

Szczegóły - dokładne przestudiowanie szczegółów kształtu obiektów na obrazie. W zależności od zadania, jakie artysta sobie stawia, stopień szczegółowości może być różny.

Dodatkowe kolory - dwa kolory dające biel po zmieszaniu optycznym (czerwony i niebiesko-zielony, pomarańczowy i cyjan, żółty i niebieski, fioletowy i zielonkawo-żółty, zielony i magenta). Po mechanicznym wymieszaniu tych par kolorów dopełniających uzyskuje się odcienie o zmniejszonym nasyceniu. Kolory dopełniające są często nazywane kontrastowymi.

Gatunek muzyczny - historycznie ustalony podział wewnętrzny we wszystkich rodzajach sztuki; rodzaj dzieła sztuki w jedności specyficznych właściwości jego formy i treści. Pojęcie „gatunku” uogólnia cechy charakterystyczne dla ogromnej grupy dzieł dowolnej epoki, narodu czy sztuki światowej w ogóle. W każdej formie sztuki system gatunków komponuje się na swój własny sposób. W sztukach wizualnych - na podstawie tematu obrazu (portret, martwa natura, pejzaż, malarstwo historyczne i batalistyczne), a czasem charakteru obrazu (karykatura, rysunek).

Obraz - jeden z głównych rodzajów sztuk plastycznych. Prawdziwe przeniesienie wyglądu zewnętrznego przedmiotu, jego cech zewnętrznych jest również możliwe za pomocą środków graficznych - linią i tonem. Ale tylko malarstwo może przekazać całą niezwykle różnorodną wielobarwność otaczającego świata.

W zależności od techniki wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz, pastel. Nazwy te uzyskano od spoiwa lub zastosowanego materiału i środków technicznych. Cel i treść obrazu wymagają doboru takich środków wizualnych, za pomocą których można najpełniej wyrazić ideową i twórczą intencję artysty.

Według gatunku malarstwo dzieli się na sztalugowe, monumentalne, dekoracyjne, teatralne i dekoracyjne, miniaturowe.

Malarstwo dekoracyjne nie ma samodzielnego znaczenia i służy jako dekoracja zewnętrza i wnętrza budynków w postaci kolorowych paneli, które przy realistycznym obrazie tworzą iluzję „przełomu” ściany, powiększenia pomieszczenia lub przeciwnie, rozmyślnie spłaszczone formy wizualnie niejako wąskie, zamykają przestrzeń. Wzory, wieńce, girlandy i inne rodzaje dekoracji, które zdobią dzieła monumentalnego malarstwa i rzeźby, spajają ze sobą wszystkie elementy wnętrza, podkreślając piękno, ich spójność z architekturą. Rzeczy ozdabia się również malarstwem dekoracyjnym: szkatułki, szkatułki, tace, skrzynie itp. Jego tematyka i formy podporządkowane są przeznaczeniu rzeczy.

Malowanie miniaturowe został bardzo rozwinięty w średniowieczu, przed wynalezieniem druku. Ręcznie pisane księgi ozdobiono najwspanialszymi nakryciami głowy, zakończeniami, szczegółowymi ilustracjami i miniaturami. Rosyjscy artyści pierwszej połowy XIX wieku umiejętnie wykorzystywali technikę malarską miniatur do tworzenia niewielkich (głównie akwarelowych) portretów. Czyste, głębokie kolory akwareli, ich przepiękne połączenia, finezja malarstwa wyróżniają te portrety.

Malarstwo monumentalne - specjalny rodzaj malarstwa na dużą skalę, zdobiący ściany i sufity obiektów architektonicznych (fresk, mozaika, płycina). Odsłania treść najważniejszych zjawisk społecznych, które pozytywnie wpłynęły na rozwój społeczeństwa, gloryfikuje je i utrwala. Wzniosłość treści malarstwa monumentalnego, znacząca wielkość jego dzieł, związek z architekturą wymagają dużych mas kolorystycznych, surowej prostoty i zwięzłości kompozycji, wyrazistości sylwetki i uogólnienia formy plastycznej.

malarstwo sztalugowe - nazwa pochodzi od maszyny (sztalugi), na której tworzony jest obraz. Jako materiał bazowy stosuje się drewno, tekturę, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na blejtram. Obraz zostaje wkomponowany w kadr i odbierany jako samodzielne dzieło sztuki, niezależne od otoczenia. W związku z tym do tworzenia dzieł malarstwa sztalugowego stosuje się nieco inne środki artystyczne, podaje się bardziej subtelne i szczegółowe relacje kolorystyczne i tonalne, a także bardziej złożony i szczegółowy opis psychologiczny postaci.

Malarstwo teatralne i dekoracyjne - dekoracje, kostiumy, charakteryzacja, rekwizyty wykonane według szkiców artysty; pomagają pogłębić treść spektaklu. Szczególne warunki teatralne percepcji malarstwa wymagają uwzględnienia wielu punktów widzenia publiczności, ich większego oddalenia, wpływu sztucznego oświetlenia i kolorowych podświetleń. Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji, aktywizuje percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. W szkicach kostiumów i charakteryzacji artysta teatralny stara się ostro oddać indywidualny charakter bohaterów, ich status społeczny, styl epoki i wiele więcej.

Malarstwo akademickie - malowanie, wykonane w dowolnym celu edukacyjnym.

malowanie na mokro - technika malarstwa olejnego i akwarelowego. W przypadku pracy z olejem należy zakończyć pracę przed wyschnięciem farb i wykluczyć takie etapy jak podmalowywanie, glazurowanie i ponowna rejestracja. Malowanie na mokro ma dobrze znane zalety - świeżość warstwy farby, dobrą konserwację i względną prostotę techniki.

W akwareli przed rozpoczęciem pracy na surowym papierze równomiernie zwilżyć wodą. Kiedy woda wsiąknie w papier i trochę wyschnie (po 2-3 minutach), zaczynają pisać; pociągnięcia farby, leżące na mokrej powierzchni, rozmazują się, łączą ze sobą, tworzą płynne przejścia. Dzięki temu można osiągnąć miękkość w przekazywaniu konturów obiektów zwiewności i przestrzenności obrazu.

zwiędłość - niepożądane zmiany w wysychającej warstwie farby, przez które obraz traci świeżość, traci połysk, dźwięczność barw, ciemnieje, staje się czarniawy. Przyczyną więdnięcia jest nadmierne zmniejszenie wchłoniętego przez farbę podkładu lub warstwy malarskiej wiążącego oleju, a także nakładanie farb na nie do końca wyschniętą wcześniej warstwę farb olejnych.

Kompletność .- taki etap w pracy nad szkicem lub obrazem, w którym osiąga się największą kompletność ucieleśnienia pomysłu twórczego lub gdy pewne zadanie obrazowe zostaje wykonane.

Farby bazowe do „ugniatania” - wstępne przygotowanie na palecie mieszanki kolorów odpowiadającej podstawowym relacjom tonalnym i kolorystycznym obiektów w przyrodzie (krajobraz). W trakcie pracy do tych podstawowych mieszanek wprowadzane są różne wariacje odcieni, nalewane są nowe kolory. Jednak kolorystyka głównych obiektów przygotowana na palecie nie pozwala popaść w przesadną kolorystykę, nie pozwala zatracić charakteru głównych relacji kolorystycznych. W akwareli te odniesienia do „ugniatania” są wykonywane w osobnych filiżankach.

Naszkicować - rysunek z życia, wykonany głównie poza warsztatem w celu zebrania materiału do bardziej znaczącej pracy, na potrzeby ćwiczeń, czasem w jakimś specjalnym celu (np. na polecenie gazety, czasopisma). W przeciwieństwie do szkicu podobnego pod względem technicznym, wykonanie szkicu może być bardzo szczegółowe.

Idealizacja w sztuce - odstępstwo od prawdy życiowej spowodowane celowym lub mimowolnym upiększeniem przez artystę podmiotu obrazu. Idealizacja zwykle przejawia się w przesadzeniu i absolutyzacji zasady pozytywnej jako pewnego rodzaju ostatecznej, rzekomo już osiągniętej doskonałości; w łagodzeniu sprzeczności i konfliktów życiowych; w ucieleśnienie abstrakcyjnego, martwego ideału itp. Idealizacja zawsze oznacza zerwanie z zasadami realizmu i w ten czy inny sposób okazuje się być związana z ideologią klas reakcyjnych, które skłaniają się do ucieczki od prawdziwy obraz życia i zastąpić badanie rzeczywistości subiektywnie upiększonymi wyobrażeniami na jej temat.

Należy odróżnić od idealizacji odzwierciedlenie w sztuce realistycznej pewnego społecznie postępowego ideału życia, który będąc ważnym aspektem treści ideowej każdego realistycznego obrazu artystycznego, może niekiedy być zasadą determinującą w artystycznym rozwiązaniu obrazu .

Pomysł na malowanie - główna idea dzieła, która determinuje jego treść i strukturę figuratywną, wyrażoną w odpowiedniej formie.

Iluzoryczny - podobieństwo obrazu do natury; graniczące ze złudzeniem optycznym. Ze względu na iluzoryczność artystyczna ekspresja dzieła i głębia jego treści może zostać utracona, jeśli w obrazie pragnienie zewnętrznego podobieństwa przesłoni to, co najważniejsze - jego intencję.

Impresjonizm - nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić świat rzeczywisty w jego ruchliwości i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia. Impresjonizm powstał w latach 60. XIX wieku. w malarstwie francuskim. E. Manet, O. Renoir, E. Degas wprowadzili do sztuki świeżość i bezpośredniość postrzegania życia, obraz natychmiastowego, jakby przypadkowego ruchu i sytuacji, pozornej nierównowagi, fragmentacji kompozycji, nieoczekiwanych punktów widzenia, kątów , kawałki figur. W latach 1870-80. ukształtował impresjonizm we francuskim krajobrazie. K. Monet, K. Pizarro, A. Sisley opracowali spójny system plenerów. Oprócz malarzy rzeźbiarze (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy) interesowali się ruchem chwilowym, płynną formą.

Impresjonizm rozwijał realistyczne zasady sztuki, ale twórczość jego zwolenników często wskazywała na odejście od badania podstawowych zjawisk rzeczywistości społecznej, trwałych, stabilnych jakości świata materialnego. Ten kierunek twórczości doprowadził późnych impresjonistów do formalizmu.

Wnętrze - widok wnętrza pokoju. Wizerunek wnętrza wymaga gruntownej znajomości perspektywy. Jednocześnie ważne jest, aby znaleźć miejsce, z którego można ciekawiej skomponować obraz. Gotowy obraz wnętrza, oprócz ciekawej kompozycji, poprawnej konstrukcji perspektywicznej, rozmieszczenia obiektów w przestrzeni, powinien dać wyobrażenie o oświetleniu.

Obraz - dzieło malarstwa sztalugowego, wiernie urzeczywistniające intencje artysty, wyróżniające się doniosłością treści, prawdziwością i kompletnością formy artystycznej. Obraz jest wynikiem wieloletnich obserwacji i przemyśleń artysty na temat życia. Poprzedzają go szkice, szkice, etiudy, szkice, w których artysta ujmuje poszczególne zjawiska życia, zbiera materiał do przyszłego obrazu, poszukuje podstaw jego kompozycji i koloru. Tworząc obraz, artysta opiera się na naturze, z niej wypływa zarówno w planie ogólnym, jak i w poszczególnych szczegółach. Ważną rolę w tym procesie odgrywają obserwacja, wyobraźnia i projektowanie. Obraz na swój sposób niesie pewną koncepcję ideologiczną i figuratywną, a formy wyrazu są wizualnie autentyczne. Każdy szczegół, część jest skorelowana z całością, każdy element wyraża obraz. Dekadenckie nurty formalistyczne charakteryzują się kryzysem obrazu fabularno-tematycznego, odrzuceniem istotnych kwestii ideologicznych i psychologizmem. Nie tylko fabuła zostaje wyrzucona z obrazów, ale następuje też zerwanie z obrazem tematu w ogóle. Zgodnie z formą obrazu obraz staje się bezcelowy, abstrakcyjny.

Farby klejące - farby suche produkowane w proszku i mieszane przez samego artystę z wodą klejową. Dobrze zmielone, są czasami wykorzystywane przez artystów przy projektowaniu reprodukcji oryginałów jako zamienniki farb gwaszowych. Najczęściej wykonują scenografię teatralną.

klyachka - rodzaj miękkiej gumy, stosowanej w przypadkach, gdy trzeba rozjaśnić ton cieniowania na rysunkach ołówkiem. Nag jest miękki i łatwo ugniatany palcami; nie ścierają nim ołówka, ale lekko go dociskają do rozjaśniających się części rysunku: grafit przykleja się do naga i trzyma się go po wyjęciu z papieru. Jeśli rozjaśnione obszary są bardzo małe, nag ma wygląd spiczastego stożka.

Klyachkę można wykonać w następujący sposób. Zwykłą gumę umieszcza się w benzynie na dwa lub trzy dni (ewentualnie w nafcie), a następnie przechowuje przez kolejne dwa dni. Następnie zmiękczoną gumę ugniata się z mąką ziemniaczaną (skrobia), mąkę należy brać na szczypce i regulować lepkość nag w jej ilości.

kolorowanie (etiuda lub obraz) – charakter relacji wszystkich elementów kolorystycznych obrazu, jego system kolorystyczny. Jego główną zaletą jest bogactwo i spójność kolorów, które odpowiadają samej naturze, oddając w jedności światłocieniem właściwości podmiotu i stan oświetlenia przedstawionej chwili. Kolor szkicu jest determinowany przez: 1) spójność relacji kolorystycznych proporcjonalnych do natury, z uwzględnieniem ogólnego tonu i stanu barwnego oświetlenia, 2) bogactwo i różnorodność odbić otoczenia światło-powietrze i obiekt, 3 ) kontrastujące oddziaływanie ciepłych i zimnych odcieni, 4) wpływ barwy oświetlenia, która łączy barwy natury, czyni je podporządkowanymi i powiązanymi.

Prawdziwe odzwierciedlenie stanu rzeczywistych warunków oświetleniowych wpływa na odczucia widza, tworzy nastrój i powoduje odpowiednie doznania estetyczne.

pędzle . Pędzle to kolinsky, wiewiórka, włosie. Pędzle z włosia przeznaczone są do pracy z farbami olejnymi, ale mogą być używane do malowania farbami temperowymi i gwaszowymi. W akwareli stosuje się pędzle wiewiórkowe i kolinskie. Kształt jest płaski i okrągły. Wielkość pędzla jest oznaczona liczbą. Numery szczotek płaskich i rowków odpowiadają ich szerokości w milimetrach, a liczby szczotek okrągłych ich średnicy (również wyrażonej w milimetrach).

Po pracy z farbami olejnymi pędzle myje się ciepłą wodą z mydłem. Nie myj pędzli w acetonie: spowoduje to uszkodzenie włosów. Pędzle akwarelowe po pracy myje się w czystej wodzie. W żadnym wypadku nie należy pozostawiać pędzli do wyschnięcia, szczególnie po pracy z farbami olejnymi, wkładać pędzle do słoika z włosami skierowanymi do dołu, ponieważ włosy są zdeformowane. Umytą szczoteczkę należy zawinąć w papier, wtedy zachowa swój kształt.

Kompozycja - budowa szkicu lub obrazu, koordynacja jego części. Z naturalnym obrazem: selekcja i inscenizacja obiektów, wybór najlepszego punktu widzenia, oświetlenie, określenie formatu i wielkości płótna, określenie centrum kompozycyjnego, podporządkowanie mu drugorzędnych części dzieła. Podczas tworzenia obrazu: wybór tematu, opracowanie fabuły, znalezienie formatu i wielkości dzieła, scharakteryzowanie postaci, ich wzajemnego stosunku, postaw, ruchów i gestów, wyrazistość twarzy, użycie kontrastów i rytmów - wszystko są to elementy składowe kompozycyjnej konstrukcji obrazu, służące jak najlepszemu urzeczywistnieniu wizji artysty. W takiej kompozycji brane jest pod uwagę wszystko: masy przedmiotów i ich sylwetki, rytm, z jakim są umieszczane na płótnie, perspektywa, wyimaginowana linia horyzontu i punkt widzenia na przedstawiony, kolor obrazu , grupowanie postaci, kierunek ich spojrzeń, kierunek linii perspektywy redukcja obiektów, rozmieszczenie światłocienia, póz i gestów itp.

Stałość percepcji wzrokowej - tendencja do postrzegania obiektu, jego wielkości, kształtu, jasności, koloru jako stabilnego i niezmiennego, niezależnie od zachodzących w nim zmian (odsunięcie od widza, zmiana oświetlenia, wpływ środowiska itp.) - Stałość wielkości - tendencja do postrzegania wielkości obiektu jako stałej, pomimo zmieniającej się odległości od niego. Nowicjusze z reguły nie zauważają zmian perspektywy.

Stałość formy - tendencja do postrzegania rzeczywistego kształtu, nawet jeśli przedmiot jest obrócony tak, że jego obraz na siatkówce różni się od rzeczywistego kształtu. (Na przykład kwadratowa kartka papieru leżąca na stole wygląda na kwadratową, mimo że jej rzut na siatkówkę nie jest kwadratowy.)

Stałość luminancji - tendencja do postrzegania jasności przedmiotu jako stałej pomimo zmian oświetlenia; zależy głównie od stałego stosunku natężenia światła odbitego zarówno od obiektu, jak i jego otoczenia.

Stałość koloru - tendencja do postrzegania barwy obiektu (jego barwy lokalnej) niezależnie od zmieniających się warunków oświetleniowych, jego siły i składu spektralnego (dzień, wieczór, sztuczny).

Ze względu na zjawisko stałości, percepcja i transmisja w malowaniu przedmiotów i zjawisk dokładnie tak, jak wyglądają one dla oka w określonych warunkach oświetleniowych, w określonym środowisku i z pewnej odległości, na początku treningu stanowią pewną trudność. Choć początkujący artysta wie, że kolor zmienia się w zależności od warunków oświetleniowych, widzi go bez zmian i nie ma odwagi, na przykład, aby w promieniach zachodzącego słońca zapisywać zielono-zielone drzewa jako czerwonawe lub niebieskie niebo w złożona różowo-ochra, jak to bywa o zachodzie słońca.

Niedoświadczonemu malarzowi wydaje się, że biały przedmiot jest we wszystkich częściach biały, ciemny przedmiot jest ciemny. Tymczasem w naturalnym otoczeniu powierzchnia ciemnego obiektu zwrócona w stronę światła będzie odbijać więcej promieni świetlnych niż część cienia białego obiektu, a zatem cień białego obiektu będzie ciemniejszy niż jasna część ciemnego obiektu.

Niedoświadczony malarz, pracując nad szkicem pejzażu, nie zauważa nadchodzącego zmierzchu, chociaż oświetlenie znacznie się obniżyło.

Otaczające obiekty mogą być oświetlone światłem o różnym składzie spektralnym, co zmienia skład spektralny światła odbitego od obiektów. Jednak nawet tej zmiany koloru oko początkującego artysty nie zauważa.

Stałość percepcji może wzrastać i nasilać się z wielu powodów. Im silniejsze oświetlenie chromatyczne, a także im większa odległość, z jakiej obiekt jest obserwowany, tym słabsza manifestacja stałości. Zdolność powierzchni obiektu do silnego odbijania promieni świetlnych również przyczynia się do stałej percepcji: obiekty o jasnym kolorze wyraźniej pokazują wpływ koloru oświetlenia. Adaptacje światła i koloru poprawiają stałość percepcji. Obserwując zimowy krajobraz przy pochmurnej pogodzie, widać tylko złożone szarawe odcienie. Jeśli spojrzysz na ten sam motyw zimowy z okna pokoju oświetlonego elektrycznością, to krajobraz za oknem będzie odbierany jako intensywnie niebieskawy. Jeśli wyjdziesz z pokoju pod gołym niebem, po kilku minutach niebieski odcień krajobrazu zniknie. Podobnie zerowa stałość na widowni przejawia się w kolorowym oświetleniu teatralnej sceny; po wygaśnięciu ciepłego oświetlenia elektrycznego w holu kurtyna otwiera się i widz podziwia scenę zimy, księżyca lub innych warunków oświetlenia.

W wyniku praktyki artysta nabywa umiejętność dostrzegania w przyrodzie zmian barwy przedmiotu pod wpływem otoczenia i oświetlenia, widzi i przekazuje całe bogactwo i różnorodność świata zewnętrznego, bardzo wiele gradacji kolorystycznych. W efekcie oświetlenie wydaje się przekonujące na płótnie, kolor wydaje się skomplikowany i wzbogacony przez otoczenie i oświetlenie. Wielu artystów i pedagogów wykonało specjalne ćwiczenia, tworząc modele wizualne, aby zrozumieć cechy kolorystyczne różnych warunków oświetleniowych. Na przykład K. Monet napisał serię badań przedstawiających ten sam obiekt (stóg siana), a tym samym zbadał zmianę koloru w różnych warunkach oświetleniowych w przyrodzie. Aby rozwinąć stałą percepcję, N. N. Krymow umieścił biały sześcian, pomalowany z jednej strony czarną farbą i oświetlił go od tej strony mocną lampą, pozostawiając białą stronę w cieniu. Jednocześnie jego uczniowie byli przekonani, że czarna, oświetlona strona sześcianu była jaśniejsza od białej, która była w cieniu. Krymow zasugerował, aby uczniowie napisali mały tekturowy ekran akordeonowy, którego płaszczyzny były pomalowane na różne kolory i oświetlone z dwóch stron: z jednej strony - lampa elektryczna, z drugiej - światło dzienne. Promienie z lampy skierowano na obszary pomalowane chłodnymi kolorami, natomiast ciepłe kolory zamieniono na światło dzienne. Uczniowie byli przekonani, że warunki oświetleniowe znacząco zmieniają barwy przedmiotu, a tym samym uwolnili się od ciągłego postrzegania barw.

Początkujący malarz musi wyzbyć się stałości percepcji i umieć dostrzec kształt przedmiotu, jego jasność i kolor, dzięki oświetleniu otoczenia, oświetleniu i przestrzeni.

Projekt - w sztukach plastycznych istota, charakterystyczna cecha budowy formy, sugerująca naturalny związek pomiędzy częściami formy, jej proporcjami.

Kontrast - 1) ostra różnica, przeciwieństwo dwóch wielkości: wielkość, kolor (jasny i ciemny, ciepły i zimny, nasycony i neutralny), ruch itp.; 2) jasność i kontrast chromatyczny – zjawisko, w którym postrzegana różnica jest znacznie większa niż podstawa fizyczna. Na jasnym tle kolor obiektu wydaje się ciemniejszy; na ciemnym tle kolor wydaje się jaśniejszy. Jasny kontrast jest najwyraźniej potrojony na granicy ciemnych i jasnych powierzchni. Kontrast chromatyczny to zmiana odcienia i nasycenia pod wpływem otaczających kolorów (kontrast symultaniczny) lub pod wpływem kolorów obserwowanych wcześniej (kontrast sekwencyjny). Na przykład: zielony obok czerwonego zwiększa jego nasycenie. Szary kolor na czerwonym tle nabiera zielonkawego odcienia. Kontrast chromatyczny jest silniejszy, gdy wzajemnie oddziałujące kolory są w przybliżeniu równe jasności.

biurowy - proces uzyskiwania kopii rysunku lub rysunku; można to zrobić na różne sposoby: poprzez nakłuwanie, kreślenie, ściskanie, przerysowanie pod światło, przerysowanie wzdłuż siatki, a także za pomocą pantografu i epidiaskopu.

perforacja - metoda kopiowania bez zmiany skali: oryginał umieszcza się na czystej kartce papieru i cienką igłą nakłuwa się wszystkie charakterystyczne punkty rysunku lub rysunku, przez który następnie rysuje się linie ołówka na nakłutym papierze .

Rysunek kalkowy - sposób na kopiowanie bez zmiany skali. Kalka kreślarska jest nakładana na oryginał, na którym obraz jest rysowany ołówkiem lub atramentem; powierzchnię roboczą kalki należy najpierw odtłuścić - przetrzeć proszkiem kredowym lub węglanem magnezu.

Ściskanie - metoda kopiowania bez zmiany skali: suchy papier transferowy umieszcza się pod oryginałem lub jego kopię na kalce kreślarskiej; Zaostrzona igła jest wbijana wzdłuż linii oryginalnego obrazu, dzięki czemu przetłumaczony obraz jest odciskany na czystej kartce papieru. Odwrotną stronę oryginału (kalkę kreślarską) można przetrzeć miękkim ołówkiem, dzięki czemu przeniesiony obraz jest wyraźniejszy.

Przerysowanie do światła - sposób na kopiowanie bez zmiany skali. Oryginał jest umieszczany na szkle i pokryty czystym papierem lub kalką kreślarską; za szybą znajduje się źródło światła (światło dzienne lub elektryczne); linie oryginału prześwitujące przez papier są zakreślone ołówkiem. Istnieją specjalne kopiarki przystosowane do tego celu.

Przerysowanie siatki - metoda kopiowania z ewentualną zmianą skali (powiększenie lub pomniejszenie obrazu) za pomocą siatki współrzędnych wykonanej na oryginale i czystej kartce papieru. Obraz jest rysowany „przez komórki”. Komórki budują kwadrat lub prostokąt. Przerysowywanie według komórek jest bardzo pracochłonne i nie może oddać linii oryginału z nienaganną dokładnością, ponieważ jest wykonywane ręcznie i ręcznie.

Karoseria (wklej) nakładanie farb - wykonanie studium lub obrazu gęstą, kryjącą, stosunkowo grubą warstwą farby olejnej, często o fakturze reliefowej.

Kroki - szybki szkic z natury, rzadziej szybkie utrwalenie pomysłu kompozycyjnego w postaci rysunku. Termin „krokosy” jest mało przydatny; w ogólnym sensie jest zbliżony do szerszego terminu „szkic”.

Drzeworyt - drzeworyt, główna odmiana techniczna grawerowania wypukłego, najstarsza technika grawerowania w ogóle. Drzeworyty wykonuje się poprzez wycinanie na desce, najczęściej gruszy, buku, nałożonych na nią fragmentów grawerunku, które powinny pozostać białe. W grawerowaniu wzdłużnym lub kanciastym włókna deski są równoległe do jej powierzchni, a pracę wykonuje się głównie nożami spiczastymi. Możliwości tej techniki są stosunkowo wąskie, ale trudności są znaczne (ponieważ opór materiału włóknistego na nóż jest nierówny w różnych kierunkach). Grawerowanie końcówek wykonuje się na płycie z włóknem prostopadłym do powierzchni; jej główne narzędzie, grawer, pozwala na bardzo precyzyjne i różnorodne techniki.

W przeciwieństwie do wszelkiego rodzaju grawerowania wklęsłego, drzeworyty można drukować wraz ze składem na konwencjonalnej maszynie drukarskiej, dlatego często wykorzystuje się je w ilustracjach książkowych.

Szczęściarz . Artyści lakierują podłoża, aby nie wnikały w olej z farb, wprowadzają werniksy do składu spoiwa farby, nakładają je na utwardzoną warstwę farby przed dalszą pracą (dla lepszego związania warstw) i na koniec lakierują zakończone prace. Jednocześnie lakier wzmacnia nasycenie kolorów. Folia lakiernicza zabezpiecza obraz przed bezpośrednim kontaktem ze szkodliwymi gazami atmosferycznymi, kurzem i sadzą w powietrzu. Lakiery wchodzące w skład farby olejnej przyczyniają się do jej bardziej równomiernego i szybszego schnięcia, a warstwy farby lepiej wiążą się z podłożem i ze sobą. Lepiej pokryć obrazy werniksami terpentynowymi niż olejnymi (wtedy ciemnieją mniej). Utrwalacz lakierów utrwala prace wykonane węglem, sangwiną, pastelami, akwarelami.

Modelowanie kształtu kolorem - proces modelowania obiektu, ujawniania jego objętości i materiału za pomocą odcieni kolorów, z uwzględnieniem ich zmian w jasności i nasyceniu.

Glazura - jedna z metod techniki malarskiej, która polega na nakładaniu bardzo cienkich warstw trwałych i półprzezroczystych farb na wyschniętą gęstą warstwę innych farb. Osiąga to szczególną lekkość, dźwięczność kolorów, co jest wynikiem ich optycznego mieszania.

Linoryt - grawerowanie na linoleum, rodzaj grawerowania wypukłego. Pod względem techniki i środków plastycznych linoryt jest zbliżony do drzeworytu, aw grafice często różni się od niego jedynie brakiem drobnych detali.

Litografia - w sztukach plastycznych rozpowszechniony rodzaj techniki graficznej związany z obróbką kamienia (gęsty wapień) lub zastępującej go blachy (cynk, aluminium).

Artysta wykonuje litografię, rysując na ziarnistej lub gładkiej powierzchni kamienia śmiałym ołówkiem litograficznym i specjalnym tuszem. Po wytrawieniu kamienia kwasem (działającym na powierzchnię nie pokrytą tłuszczem), wzór zostaje zmyty: zamiast tego nakładana jest farba drukarska, która przykleja się tylko do niewytrawionych cząstek kamienia, dokładnie odpowiadających wzorowi. Farbę toczy się wałkiem po zwilżonym kamieniu; druk odbywa się na specjalnej maszynie.

lokalny kolor - barwa charakterystyczna dla danego przedmiotu (jego kolor) i nie uległa żadnym zmianom. W rzeczywistości tak się nie dzieje. Kolor obiektu ulega nieustannym zmianom pod wpływem siły i barwy oświetlenia, otoczenia, ubytku przestrzennego i nie jest już nazywany lokalnym, ale uwarunkowanym. Niekiedy kolor lokalny rozumiany jest nie jako kolor tematyczny, ale jako jednorodna plama koloru uwarunkowanego, ujęta w podstawowym stosunku do sąsiednich kolorów, bez ujawniania mozaiki odbić barwnych, bez niuansów tych podstawowych plam.

Sposób - w odniesieniu do praktyki artystycznej: charakter lub sposób wykonania jako cecha czysto techniczna (np. „szeroki sposób”).

W historii sztuki termin „manier” oznacza niekiedy ogólne właściwości performansu charakterystyczne dla artysty lub szkoły artystycznej w pewnym okresie rozwoju twórczego (np. „spóźniony sposób Tycjana”).

Mbezczelność - w praktyce artystycznej: właściwości podejścia i wykonania, pozbawione prostoty i naturalności, prowadzące do pretensjonalnych, naciąganych lub warunkowych rezultatów. Najczęściej manieryzm nazywany jest upodobaniem do jakiegoś pozornie efektownego, wyuczonego manier i wszelkiego rodzaju tendencyjnych technik artystycznych, ciążenia ku stylizacji. Skrajny wyraz manieryzmu daje formalistyczna praktyka współczesnej sztuki mieszczańskiej.

Farby olejne - barwniki zmieszane z olejem roślinnym: lniany (głównie), mak lub orzech; farby olejne pod wpływem światła i powietrza stopniowo twardnieją. Wiele podłoży (płótno, drewno, tektura) jest wcześniej zagruntowanych farbami olejnymi. Najczęściej stosowanym podkładem jest: materiał pokrywany jest płynnym klejem do drewna, a po wyschnięciu nacierany jest pumeksem, a następnie pokrywany drobnym proszkiem kredowym wymieszanym z wodą klejową do konsystencji śmietany. Do czyszczenia pędzli myje się je w nafcie, terpentynie lub benzynie, a na koniec w ciepłej wodzie z mydłem, wyciskając farbę od nasady pędzla, po czym spłukuje się je czystą wodą.

Materialność przedstawione obiekty są przekazywane przede wszystkim przez naturę światłocienia. Obiekty składające się z różnych materiałów mają charakterystyczne dla siebie gradacje światłocienia. Cylindryczny obiekt gipsowy ma płynne przejścia od światła przez półcień, cień i refleks. Szklane naczynie cylindryczne nie ma wyraźnej gradacji światłocienia. Na jego formie tylko blask i refleks. Przedmioty metalowe charakteryzują się również głównie odblaskami i odbiciami. Jeśli na rysunku przekażesz naturę światłocienia, przedmioty będą wyglądać materialnie. Innym, jeszcze ważniejszym warunkiem, od którego zależy obraz materialnych właściwości przedmiotów, jest proporcjonalna do natury konsekwencja w rysunkowym lub obrazowym studium relacji tonalnych i kolorystycznych między przedmiotami. Postrzegając materialne właściwości przedmiotów, nasza świadomość opiera się głównie na ich relacjach tonalnych i kolorystycznych (różnicach). Dlatego jeśli natura światłocienia, relacji tonalnych i kolorystycznych jest przekazywana zgodnie z wizualnym obrazem natury, otrzymujemy prawdziwy obraz materialnych właściwości obiektów martwej natury lub obiektów krajobrazu.

Malowanie warstwowe - najważniejszy techniczny rodzaj malarstwa olejnego, wymagający podziału pracy na szereg następujących po sobie etapów (podmalowanie, rejestracja, glazura), oddzielonych przerwami na całkowite wyschnięcie farby. Podczas wykonywania dużej kompozycji tematycznej, a także ogólnie podczas długotrwałej pracy, malowanie wielowarstwowe jest jedyną pełnoprawną techniką malarstwa olejnego. Do połowy XIX wieku. wszyscy najważniejsi postępowi artyści w przeszłości stosowali tę technikę jako główną. Później impresjoniści i ich zwolennicy porzucili go.

Z wąskiego technologicznego punktu widzenia, niezwiązanego z techniką dawnych mistrzów, koncepcja malowania wielowarstwowego może odpowiadać jedynie rejestracji na wyschniętej warstwie farby (bez podmalowania i glazurowania).

Modelowanie - w sztukach wizualnych: przenoszenie właściwości objętościowo-plastycznych i przestrzennych obiektywnego świata poprzez gradacje światła i cienia (malarstwo, grafika) lub odpowiednią plastyczność form trójwymiarowych (rzeźba, w szczególności relief). Modelowanie odbywa się zwykle z uwzględnieniem perspektywy, w malarstwie dodatkowo za pomocą gradacji kolorystycznych nierozerwalnie związanych ze światłocieniem. Zadania modelowania nie ograniczają się do prostego odwzorowania obiektywnego świata: uczestnicząc w ideologicznych i figuratywnych cechach przedmiotu uogólnia, uwydatnia i ujawnia to, co najistotniejsze, charakterystyczne.

Modernizm - ogólne oznaczenie kierunków sztuki i literatury końca XIX-XX wieku. (kubizm, dadaizm, surrealizm, futuryzm, ekspresjonizm, sztuka abstrakcyjna itp.). Głównymi cechami modernizmu są: zaprzeczenie poznawczej i społecznej roli sztuki, jej ideologii, narodowości, zastępowanie sztuką wszelkiego rodzaju chwytów, całkowite wypaczenie lub nieznajomość zawodowych tradycji realistycznego dziedzictwa artystycznego.

Mozaika - specjalny techniczny rodzaj malarstwa monumentalnego, oparty na wykorzystaniu wielobarwnych brył - smalt, naturalnych kolorowych kamieni, kolorowych emalii na wypalanej glinie itp. jako głównego materiału artystycznego. Obraz składa się z kawałków takich materiałów, dobrze dopasowanych do siebie, wzmocnionych cementem lub specjalnym mastyksem, a następnie wypolerowanych. Zgodnie z metodą tzw. bezpośredniego wiązania mozaikę wykonuje się od strony frontowej – w miejscu do tego przeznaczonym (ściana, sklepienie itp.) lub na osobnej płycie, którą następnie wbudowuje się w ścianę. Przy odwrocie kolorowe elementy widoczne są dla artystki tylko od tyłu, gdyż są naklejane przednią powierzchnią na tymczasową cienką podszewkę (usuwaną po przeniesieniu mozaiki na ścianę). Pierwsza z tych metod jest stosunkowo złożona i czasochłonna, ale doskonalsza z artystycznego punktu widzenia.

Sztaluga - maszyna (stąd definicja „malarstwa sztalugowego”), niezbędna do utrzymania przez artystę pożądanego pochylenia obrazu podczas pracy. Głównym wymaganiem sztalugi jest stabilność.

Monotyp - specjalny rodzaj techniki graficznej związanej z procesem drukowania, ale znacznie różniący się od wszelkiego rodzaju grawerowania całkowitym brakiem mechanicznych lub technicznych wpływów na powierzchni płyty. Farby nakładane są ręcznie na gładką powierzchnię, a następnie zadrukowywane są na maszynie. Powstały nadruk jest niepowtarzalny i niepowtarzalny.

Mmonumentalność w pracach malarstwa sztalugowego wynika ze społecznego znaczenia tematu obrazu, jego heroicznego patosu, głębi i mocy ucieleśnienia idei w odpowiednich obrazach - prostych, surowych, majestatycznych i wyrazistych.

szkic w kolorze - etiuda o niewielkich rozmiarach, wykonana płynnie i szybko. Głównym celem takiego szkicu jest nabycie umiejętności pełnego postrzegania natury, znajdowania i przekazywania prawidłowych relacji kolorystycznych głównych obiektów. Wiadomo, że o pełnej strukturze obrazowej obrazu decyduje proporcjonalne przeniesienie różnic między głównymi plamami barwnymi natury. Bez tego żadne dokładne badanie szczegółów, odbić, mozaiki odcieni kolorów nie doprowadzi do pełnoprawnego obrazu obrazowego.

Narodowość - związek sztuki z ludem, uwarunkowania zjawisk artystycznych przez życie, walkę, idee, uczucia i aspiracje mas, wyrażanie w sztuce ich zainteresowań i psychologii. Jedna z podstawowych zasad socrealizmu.

Natura - w praktyce sztuk plastycznych są to wszelkie zjawiska naturalne, przedmioty i przedmioty, które artysta przedstawia, obserwując bezpośrednio jako modela. Z natury z reguły wykonuje się tylko szkic, szkic, szkic, portret, a czasem krajobraz.

Naturalizm - w sztukach wizualnych wyraża się w oderwaniu od szerokich uogólnień, zasad ideologicznych i prowadzi do metody czysto zewnętrznego kopiowania wszystkiego, co znajduje się w polu widzenia. Początkujący malarze uważają też czasem, że absolutnym celem sztuk pięknych jest rzetelne przedstawienie natury w przekazywaniu jej trójwymiarowości, materiału i przestrzeni. Oczywiście konieczne jest opanowanie sztuk pięknych, technik technicznych mistrzostwa malarstwa. Równie ważne jest jednak jednoczesne rozwijanie umiejętności widzenia rzeczywistości oczami artysty. Malowniczy obraz nie jest lustrzanym odbiciem natury. „Malarstwo”, powiedział I. I. Lewitan, „nie jest protokołem, ale wyjaśnieniem natury za pomocą malarstwa”. Malarz dobiera i uogólnia w barwnej różnorodności natury te elementy, które mogą w ekspresyjny sposób oddać ideowy i figuratywny design. Próbuje ukazać istotę przedstawionego, pokazuje, co go ekscytowało. To pokazuje osobowość artysty, jego światopogląd, a także gust i praktyczne doświadczenie w posługiwaniu się barwnymi materiałami i technikami.

Martwa natura - jeden z gatunków plastycznych poświęcony reprodukcji przedmiotów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp. Zadaniem artysty przedstawiającego martwą naturę za pomocą malarstwa jest oddanie kolorystycznego piękna otaczających człowieka przedmiotów, ich obszerną i materialną istotę, a także wyrażanie ich stosunku do przedstawianego. Obraz martwej natury jest szczególnie przydatny w praktyce edukacyjnej do doskonalenia umiejętności malarskich. W martwej naturze artysta rozumie prawa harmonii kolorystycznej, nabiera technicznej umiejętności malarskiego modelowania formy.

Uogólnienie artystyczne - zdolność artysty do poznawania obiektywnej rzeczywistości, ujawniania tego, co najważniejsze, istotne w przedmiotach i zjawiskach poprzez porównanie, analizę i syntezę. Dzieło sztuki jest wynikiem ogólnej ekspresji, zachowując jednocześnie całą oryginalność konkretnego obrazu wizualnego.

W wąskim, zawodowym sensie uogólnienie jest ostatnim etapem w procesie rysowania lub malowania z natury, po szczegółowym przestudiowaniu formy. Na tym etapie pracy dochodzi do podsumowania szczegółów, aby stworzyć całościowy obraz natury oparty na jej integralnej percepcji wzrokowej.

Wizerunek artystyczny - specyficzna forma odbicia rzeczywistości w formie konkretno-zmysłowej wizualnie odbieranej. Tworzenie obrazu artystycznego jest ściśle związane z wyborem najbardziej charakterystycznych, z podkreśleniem istotnych aspektów przedmiotu lub zjawiska w granicach indywidualnej niepowtarzalności tych obiektów i zjawisk. Wiadomo, że ludzka świadomość odzwierciedla nie tylko obiektywny obraz wizualny obiektu lub zjawiska, ale także emocjonalne właściwości ich percepcji. Dlatego obraz artystyczny w malarstwie zawiera nie tylko rzeczywiste cechy przedstawianego przedmiotu, ale także jego sensualne i emocjonalne znaczenie. Każdy obraz jest zarówno prawdziwym odzwierciedleniem obiektywnej rzeczywistości, jak i wyrazem odczuć estetycznych artysty, jego indywidualnego, emocjonalnego stosunku do przedstawianego, gustu i stylu.

Odwrócona perspektywa - błędna technika rysowania perspektywy, której istotą jest to, że równoległe i poziome linie w przestrzeni na obrazie nie są zbieżne, ale rozbieżne; występuje dość często w starożytnym malarstwie ikonowym, ze względu na nieznajomość przez artystów elementarnych zasad konstruowania perspektywy (w niektórych przypadkach dopuszcza się świadome łamanie zasad konstruowania perspektywy).

Ogólny stan tonacji i koloru natury - wynik różnych mocy oświetlenia. Aby przekazać stan różnego oświetlenia (rano, po południu, wieczorem lub w szary dzień), podczas budowania systemu kolorów szkicu nie zawsze używa się jasnych i jasnych kolorów palety. W niektórych przypadkach artysta buduje relację w ograniczonym zakresie jasności i siły koloru (szary dzień, ciemny pokój), w innych jasnych i jasnych barwach (np. słoneczny dzień). Tym samym artysta utrzymuje relacje tonalne i kolorystyczne studium w różnych zakresach (skalach) tonalnych i kolorystycznych. Przyczynia się to do przekazywania stanu iluminacji, co jest szczególnie ważne w malarstwie pejzażowym, ponieważ to właśnie ten stan determinuje jego oddziaływanie emocjonalne (patrz skala tonalna i kolorystyczna obrazu).

Tom - obraz trójwymiarowości formy na płaszczyźnie. Realizuje się to przede wszystkim poprzez prawidłową konstruktywną i obiecującą konstrukcję tematu. Innym ważnym sposobem oddania objętości na płaszczyźnie jest gradacja światła i cienia wyrażona kolorem: rozświetlenie, światło, półcień, cień własny i padający, refleks. Obraz objętości na płaszczyźnie obrazkowej ułatwia również kierunek kreski lub kreskowania, ich ruch w kierunku formy (na płaskich powierzchniach są proste i równoległe, na powierzchniach cylindrycznych i kulistych są łukowate).

Aureola - zjawisko znane również jako „napromieniowanie”; powstaje w wyniku rozproszenia jasnego światła w przezroczystej cieczy wypełniającej gałkę oczną. Ze względu na wzrost czułości oka w ciemności, silnie reaguje na obserwację jasnych źródeł światła (ogień lub zapalona lampa). W dzień nie wydają się jasne, ale o zmierzchu lub w nocy mogą oślepić oczy. Oczy prawie nie dostrzegają koloru jasnych źródeł światła, ale aureola wokół świecących ciał lub silnie oświetlonych obiektów ma wyraźniejszy kolor. Płomień świecy wygląda prawie na biały, a aureola wokół niego jest żółta. Silne podkreślenie na błyszczącej powierzchni wydaje się białe, a otoczka wokół niego nabiera właściwości kolorystycznej źródła światła. Cienkie pnie drzew na tle nieba są całkowicie okryte aureolą, to znaczy wyglądają na niebiesko, a na tle żółtego zachodu słońca - pomarańczowo lub czerwono. Gdy na obrazie transmitowana jest aureola, oko postrzega obiekty jako świecące (świeca, jasne okna w dzień iw nocy, gwiazdy na niebie itp.). Przedstawione bez aureoli, niezastąpiony towarzysz jasnego światła, pień drzewa i jego korona wyglądają jak twarda aplikacja na jasnym niebie, gwiazdy bez aureoli sprawiają wrażenie plamek farby rozpylonej na ciemnym tle, jasne refleksy bez aureoli wyglądają jak jasne plamy na tle dzbanka.

Podstawy - w technologii malowania: materiał, na który nakładany jest podkład i warstwa malarska obrazu. Najpopularniejszym rodzajem podłoża jest płótno, drewno (najczęściej było to podłoże w starożytności, średniowieczu i renesansie), tektura, papier, metal, szkło, linoleum itp. W niektórych rodzajach malowanie (np. fresk, akwarela itp.) podstawa jest używana bez specjalnego przygotowania.

pranie - 1) technika akwareli przy użyciu bardzo płynnej farby lub tuszu. Aby pomalować stosunkowo dużą powierzchnię jasnym tonem, barwi się farbą około 1/* szklanki wody, pozwala farbie osiąść (lepiej ją później przefiltrować) i „roztwór” pobrać z góry pędzlem, bez dotykanie dna szklanki; 2) odbiór klarowania farby lub wyjęcie jej z papieru za pomocą pędzla zamoczonego w czystej wodzie i zebranie nasączonej farby bibułą (procedurę powtarza się kilkakrotnie).

Relacje kolorystyczne - różnice w obiektach według jasności i koloru: co jest jaśniejsze z natury, co ciemniejsze, plus różnice w kolorze i jego nasyceniu.

Odcień (niuans) – niewielka, często ledwo zauważalna różnica w kolorze, jasności lub nasyceniu kolorów.

Akwaforta - trawienie igłowe lub liniowe, szeroko stosowana techniczna odmiana głębokiego grawerowania na metalu. Pracuj nad trawieniem, drapiąc podłoże grawerskie specjalnymi igłami, zwykle w technice swobodnego rysowania linii. Nierównomierny czas wytrawiania detali obrazu kwasami powoduje różnice w sile i głębi pociągnięcia. Technika trawienia charakteryzuje się względną prostotą i dużą elastycznością.

Wrażenia wizualne - wynik interakcji energii promienistej z narządem wzroku i percepcji tej interakcji przez świadomość. W efekcie człowiek otrzymuje różnorodne doznania światła i koloru, bogate gradacje barw, które charakteryzują kształt obiektów i zjawiska naturalne w różnych warunkach oświetlenia, środowiska i przestrzeni.

Paleta - 1) mała cienka deska o kształcie czworokątnym lub owalnym, na której artysta podczas pracy miesza farby; 2) dokładny wykaz kolorów używanych przez tego lub innego artystę w jego praktyce twórczej.

Panorama - płótno malarskie w formie zamkniętej okrągłej wstążki. Na płótnie przed obrazowym obrazem umieszczane są różne prawdziwe fałszywe przedmioty, które tworzą iluzję bezpośredniego przejścia rzeczywistej przestrzeni pierwszego planu w obrazową przestrzeń obrazu. Panorama znajduje się w specjalnie do tego wybudowanej sali obrazowej z centralną, zwykle zaciemnioną platformą widokową. W przeciwieństwie do panoramy, diorama to malowniczy obraz w postaci zakrzywionej półkolistej wstążki.

Panoramy stworzone przez artystę F. A. Rubo „Obrona Sewastopola” (1902-1904) i „Bitwa pod Borodino” (1911) są wciąż niedoścignionymi przykładami.

Pastel - kredki bez obwódki, wykonane z farby proszkowej. Uzyskuje się je poprzez zmieszanie farby proszkowej z klejem (klej wiśniowy, dekstryna, żelatyna, kazeina). Pracuj pastelami na papierze, kartonie lub płótnie. Farby nakłada się pociągnięciami, jak na rysunku, lub rozciera palcami z cieniowaniem, co pozwala uzyskać najdrobniejsze niuanse kolorystyczne i najdelikatniejsze przejścia kolorystyczne, matową aksamitną powierzchnię. Podczas pracy z pastelami warstwy farby można łatwo usunąć lub nałożyć na siebie, ponieważ jest on swobodnie zeskrobany z podłoża. Prace wykonane w pastelach są zwykle utrwalane specjalnym rozwiązaniem.

Pasty - 1) w technice malarstwa olejnego: znaczna grubość warstwy malarskiej stosowanej jako medium artystyczne. Pełniąc funkcję techniczną pasta zawsze pozostaje zauważalna dla oka i objawia się pewną nierównością warstwy farby, „wypukłym pociągnięciem” itp. malowaniem); 2) szczególna właściwość plastyczności materiału farby, która pozwala nierozcieńczonej farbie olejnej na całkowite zachowanie kształtu, jaki nadaje jej pędzel.

Krajobraz - widok, obraz dowolnego obszaru; w malarstwie i grafice gatunek i samodzielna praca, w której głównym tematem obrazu jest przyroda. Często przedstawiane widoki miast i zespołów architektonicznych (krajobraz architektoniczny), widoki na morze (marina).

Zróżnicowanie (frakcyjność) obrazu - wady rysunku lub szkicu, które uzyskuje się, gdy początkujący artysta rysuje lub maluje przyrodę w częściach, „wprost”. W efekcie kształt przedmiotów jest przeładowany detalami, ich kontury są ostre, wiele przedmiotów i ich powierzchnie wyglądają tak samo pod względem tonalności i koloru. Dzieje się tak dlatego, że niedoświadczony artysta, chociaż porównywał przedmioty według tonu i koloru, patrzył na nie na przemian, osobno. Gdy artysta rozwinie umiejętność jednoczesnego (integralnego) widzenia i porównywania obiektów według trzech właściwości kolorystycznych (barwa, jasność, nasycenie), zanika zróżnicowanie tonalne obrazu.

Plany przestrzenne - umownie podzielone obszary przestrzeni znajdujące się w różnych odległościach od obserwatora. Na zdjęciu wyróżniono kilka planów: pierwszy, drugi, trzeci lub przedni, środkowy, tylny. Przestrzeń na płaszczyźnie płótna czy papieru przekazywana jest głównie przez prawidłową konstrukcję perspektywiczną. Jeśli obiekty lub bryły na planach przestrzennych są rysowane bez ścisłego przestrzegania zmian ich perspektywy, rozwiązanie kolorystyczne niewiele zrobi, aby przedstawić przestrzeń. Charakter obrysu przyczynia się również do przekazywania walorów przestrzennych obrazu (na rysunku - charakter obrysu). Technika cieniowania obiektów na pierwszym planie jest bardziej zdefiniowana, sztywna i gęsta. Smuga farb jest bardziej pastowata, tłoczona, ułamkowa. Odległe plany są przekazywane łagodniejszym pociągnięciem, cienką warstwą farby.

Plastikowy - harmonia, wyrazistość i elastyczność form, linii, dostrzeżona przez artystę w przedstawionej naturze.

Malowanie plenerowe - malowanie w plenerze. Zmiany barwy natury pod wpływem światła i powietrza mają aktywne znaczenie w pisaniu szkicu w plenerze. Szczególną uwagę należy zwrócić na ogólny stan tonalny i kolorystyczny natury (w zależności od siły i barwy oświetlenia) oraz zjawisko perspektywy lotniczej. Decydującym momentem w malowaniu w plenerze jest spójność skali tonalnej i kolorystycznej przy konstruowaniu relacji tonalnych i kolorystycznych studium (patrz skala tonalna i barwna obrazu):

Podkład - etap przygotowawczy pracy nad obrazem, wykonywany w technice malarstwa olejnego. Podkład jest zwykle wykonywany cienką warstwą farby i może być monochromatyczny lub wielokolorowy.

Nosze. Płótno, na którym artysta maluje obraz, jest naciągnięte na blejtram. Jego celem jest utrzymanie napięcia płótna. Gwarantuje to niesztywne mocowanie drewnianych desek ramy pomocniczej. Przy ślepym mocowaniu rogów noszy trudno jest skorygować zwisanie płótna przed wilgocią. Na listwach ramy pomocniczej wykonane są skosy skierowane do wnętrza ramy pomocniczej. W przeciwnym razie w miejscach styku płótna z wewnętrznymi żebrami blejtramu płótno ulega deformacji i pojawiają się na nim wewnętrzne żebra blejtramu. Ramy pomocnicze o dużych gabarytach wykonane są z krzyżem, co chroni je przed ukośnymi zniekształceniami i ugięciem lameli.

Półcień - jedna z gradacji światłocienia na powierzchni obiektu trójwymiarowego, pośrednia między światłem a cieniem (zarówno w przyrodzie, jak iw obrazie).

Portret - obraz, który oddaje wygląd konkretnej osoby, jej indywidualne cechy. Sztuka portretowania wymaga, aby obok podobieństwa zewnętrznego wygląd człowieka odzwierciedlał jego zainteresowania duchowe, status społeczny i typowe cechy epoki, do której należy. Osobisty stosunek artysty do przedstawionych osób, jego światopogląd, odcisk jego twórczej maniery powinien być również obecny w portrecie.

prymitywizm - jeden z formalistycznych nurtów w sztukach wizualnych. Charakteryzuje się całkowitym odrzuceniem zdobyczy realizmu w celu naśladowania form artystycznych z tzw.

Rejestracja - w technice malarstwa olejnego etap główny w wykonaniu dużego płótna, po którym następuje podmalowanie poprzedzające glazurę. Liczba rejestracji uzależniona jest od zaawansowania pracy artysty; każdy z nich kończy się całkowitym wyschnięciem farby. W szerokim i nieprecyzyjnym tego słowa znaczeniu podmalowanie, a także każda obróbka już gotowego płótna lub jego części, bywa nazywana rejestracją.

Proporcje - stosunek rozmiarów obiektów lub ich części do siebie i do całości. Na rysunku lub obrazie relacje te są przekazywane proporcjonalnie, to znaczy podobnie, zmniejszane lub zwiększane tyle samo razy. Zgodność z proporcjami ma decydujące znaczenie, ponieważ są one najbardziej charakterystyczną cechą tematu i stanowią podstawę prawdziwego i wyrazistego obrazu.

Proporcjonalność relacji - prawo malarstwa realistycznego, które określa stosunek każdej plamy światła w gabinecie do innych, proporcjonalny do wizualnego obrazu natury, ważny warunek wiernego i holistycznego obrazu rzeczywistości. Nasza percepcja wzrokowa i rozpoznawanie kształtu, koloru, materiału przedmiotów, stanu oświetlenia opiera się na ich relacjach tonalnych i kolorystycznych. Cechy tonu i koloru są postrzegane wizualnie nie w oderwaniu, ale w zależności od otoczenia, razem z innymi tonami i kolorami. Dlatego artysta odwzorowuje na szkicu różnice tonalne i kolorystyczne natury, a także perspektywiczne wymiary obiektów, metodą proporcjonalnej korespondencji między obrazem a wizualnym obrazem natury. Osiąga to stan oświetlenia gabinetu, rzeczywiste modelowanie trójwymiarowej formy, materialność, głębię przestrzenną i inne walory obrazowe obrazu.

Proces malowania z natury wiąże się ze specjalną kolejnością wykonywania pracy na początku, w środku i na końcowym etapie. Proces ten przechodzi od ogólnego do szczegółowego opracowania formy i kończy się uogólnieniem - podkreśleniem głównego i podporządkowaniem mu drugorzędnego. W malowaniu na tych etapach rozwiązywane są następujące zadania szczegółowe: 1) znalezienie związku głównych plam barwnych, z uwzględnieniem tonu i stanu koloru oświetlenia (jego siły i składu spektralnego), 2) „rozciąganie” barwy w obrębie stwierdzonych podstawowych relacji modelowanie barwne trójwymiarowego kształtu poszczególnych obiektów, 3) w fazie uogólniania – łagodzenie ostrych konturów obiektów, tłumienie lub wzmacnianie tonu i barwy poszczególnych obiektów, podkreślanie głównego, podporządkowanie wtórnego do niego. Ostatecznie cały obraz malarski zostaje doprowadzony do integralności i jedności, do wrażenia, jakie daje wizja, gdy postrzega się naturę jako całość.

Rozcieńczalniki . W przypadku farb akwarelowych i gwaszowych jedynym rozcieńczalnikiem jest woda. Do rozcieńczania farb olejnych stosuje się kompozycje pochodzenia terpentynowego (pinen nr 4) lub produkty naftowe zmieszane z alkoholem lub olejem lnianym (rozcieńczalniki nr 1, 2). Dodanie np. pinenu do farb olejnych przyczynia się do ich szybkiego schnięcia. Dodatkowo, w celu zapewnienia lepszej przyczepności warstw farby, utwardzoną powierzchnię warstwy farby przeciera się pinenem przed ponowną rejestracją.

Kąt - perspektywiczna redukcja formy przedmiotu, prowadząca do zmiany jego zwyczajowych konturów; ostre skurcze, które pojawiają się, gdy obiekt jest obserwowany z góry lub z dołu.

Rama. Obraz stworzony przez artystę ma ramę. Dopełnia kompozycję, nadaje jej jedność, kieruje uwagę widza na samą pracę. Najczęściej rama ma kształt prostokątny, czasem okrągły lub owalny. Często listwy ramowe mają cienkie profile, jak stopnie schodzące do samego obrazu. Pomagają oczom widza łatwiej zanurzyć się w świecie przedstawionych. Artyści traktują ramę jako istotną część kompozycji malarskiej i malują ją w jasnych i ciemnych barwach o różnych odcieniach. Są to oprawy z bogatymi motywami plastycznymi, konwencjonalnymi ornamentami roślinnymi lub geometrycznymi.

Realizm - metoda twórczości artystycznej oparta na głębokiej znajomości życia i przenośnym odzwierciedleniem jego istoty i piękna. Realizm w malarstwie opiera się na przedstawianiu życia w formach samego życia. Artysta nieustannie studiuje życie z ołówkiem i pędzlem w dłoni i doskonale opanowuje umiejętność wiernego przedstawiania przedmiotów i przedmiotów rzeczywistości. Bez organicznej wiedzy i uogólnienia życia z jednej strony, a umiejętności wcielenia tego wszystkiego w konkretny obraz wizualny z drugiej, obraz artystyczny w obrazie zamienia się w schemat pozbawiony życiowej perswazji.

realizm socjalistyczny - metoda sztuki socjalistycznej, zmierzająca do prawdziwego, historycznie konkretnego odzwierciedlenia rzeczywistości w jej rewolucyjnym rozwoju w celu ideologicznego i estetycznego wychowania ludzi w duchu socjalizmu i komunizmu.

Odruch - jasne lub kolorowe odbicie, które pojawia się na formie w wyniku odbicia promieni świetlnych od otaczających obiektów. Kolory wszystkich obiektów są połączone refleksami. Im większa różnica w jasności i kolorze pomiędzy dwoma sąsiednimi obiektami, tym bardziej zauważalne są refleksy. Na szorstkich, matowych powierzchniach są słabsze, na gładkich są bardziej widoczne i wyraźniejsze w obrysie. Na powierzchniach polerowanych są szczególnie wyraźne (w tym przypadku wzmocnione odbiciem zwierciadlanym).

Zdjęcie -1) pełnoprawne odwzorowanie świata obiektywnego: modelowanie wolumetryczno-przestrzenne, prawidłowe proporcje, wierny wyraz, jasno wyrażony charakter itp. Jest to podstawa realistycznego ujęcia rzeczywistości w ogóle - za pomocą wszelkich środków i technik technicznych. Nauczanie rysunku jest istotną częścią profesjonalnej edukacji malarza, grafika i rzeźbiarza; 2) rodzaj grafiki artystycznej opartej na środkach technicznych i możliwościach rysunkowych. W przeciwieństwie do malarstwa, rysunek wykonuje się głównie barwnikiem stałym (ołówkiem, węglem, sangwiną itp.), z reguły za pomocą kreski i kreski, pełniąc pomocniczą rolę koloru; 3) osobna praca z odpowiednim rodzajem grafiki.

Rytm i rytm - powtarzalność pewnych elementów kompozycyjnych dzieła, ich szczególna proporcjonalność, prowadząca do harmonijnej, regularnej spójności całości. Rytm może przejawiać się poprzez kontrasty i korespondencje grupowania postaci, obiektów, linii, ruchów, czarno-białych i kolorowych plam, planów przestrzennych itp.

Lekki - element gradacji światła i cienia, służy do wyznaczenia oświetlonej części powierzchni przedmiotów.

Lekkość (ton) - porównawczy stopień różnicy od ciemności: im dalej od ciemności, tym większa jasność koloru.

Otwór - stopień lekkości tematu, jego ton. Przysłona zależy od obecności innych (sąsiadujących) tonów, a także od koloru obiektów.

Światłocień - regularne gradacje światła i ciemności na wolumetrycznej formie obiektu, dzięki czemu zarówno w naturze, jak i na rysunku, oko postrzega takie obiektywne właściwości, jak objętość i materiał. Główne gradacje światłocienia: rozświetlenie, światło, półcień, cień własny, refleks, cień padający.

właściwości koloru - ton koloru, czyli odcień: czerwony, niebieski, żółty, żółto-zielony, jasność i nasycenie (stopień jego różnicy od szarości, czyli stopień zbliżenia do czystego koloru widmowego). W procesie malowania te trzy właściwości są wykorzystywane do porównywania kolorów naturalnego otoczenia, znajdowania ich różnic kolorystycznych i są przenoszone na szkic w proporcjonalnych relacjach.

Spoiwo - jest to środek ściągający (klej, olej, wapno gaszone, żółtko jaja kurzego), za pomocą którego cząstki pigmentu są ze sobą połączone i utrwalone na powierzchni gleby, tworząc warstwę farby. Rodzaje malarstwa – fresk, malarstwo olejne, temperowe – różnią się właśnie składem spoiwa, chociaż pigment jest zwykle ten sam.

Sylwetka - jednokolorowy płaski obraz ciemny na jasnym tle. osoba, zwierzę lub przedmiot. Termin pochodzi od imienia francuskiego ministra finansów XVIII wieku. E. de Silhouette, który został karykaturalny w formie cienia profilu.

Symbol. - obraz, który alegorycznie wyraża jakąkolwiek ogólną koncepcję lub abstrakcyjną ideę. W przypadku, gdy powiązanie symbolu z wyrażanym przez niego pojęciem wynika z wewnętrznego podobieństwa znaczeniowego, relacji między przedstawianym przedmiotem a jego alegorycznym znaczeniem, użycie symbolu staje się właściwe i możliwe w realistycznej sztuce plastycznej. Symbol jest używany, gdy chcą wyrazić szeroką, wielopłaszczyznową koncepcję w zwięzłej i zwięzłej formie.

Treść i forma w sztuce - kategorie nierozerwalnie powiązane i współzależne, z których jedna wskazuje, co dokładnie jest odzwierciedlone i wyrażone w dziele (treść), a druga wskazuje, w jaki sposób, za pomocą jakich środków jest to osiągane (forma). Wiodąca, decydująca rola należy do treści. Staje się pewnym fenomenem życia, realizowanym i estetycznie pojmowanym przez artystę w procesie pracy twórczej. Kategoria formy artystycznej w sztukach wizualnych obejmuje: fabułę, kompozycję, typ, rysunek, system kolorystyczny, objętość, przestrzenność, konstrukcję światła i cienia itp. Należy zauważyć, że walory artystyczne dzieła są bezpośrednio zależne od tego, jak profesjonalnie wyszkolony artysta używa form wyrazu. Bez praktycznego opanowania kultury posługiwania się kolorem niemożliwe jest wyrażenie treści figuratywnych za pomocą malarstwa w określonym materiale.

Porównanie - metoda określania proporcji, relacji tonalnych, kolorystycznych itp. Właściwości i cechy poznajemy poprzez porównanie. Zrozumienie natury formy przedmiotu, określenie jego tonu i koloru jest możliwe tylko w porównaniu z innymi przedmiotami. Aby wiernie oddać naturę, artysta musi stworzyć na szkicu proporcjonalne do natury różnice w wielkości, odcieniu i kolorze obiektów. Dopiero metodą porównań (z integralnym postrzeganiem przyrody) można w przyrodzie określić relacje kolorystyczne między przedmiotami, oddać je na płótnie lub papierze.

Stylizacja - 1) celowe naśladowanie stylu artystycznego, charakterystycznego dla każdego autora, gatunku, nurtu, sztuki i kultury określonego środowiska społecznego, narodowości, epoki. Zwykle obejmuje swobodną interpretację treści i stylu sztuki, która służyła jako prototyp; 2) w sztukach plastycznych, a przede wszystkim w zdobnictwie, wzornictwie, uogólnianiu przedstawianych postaci i przedmiotów przy użyciu technik warunkowych; stylizacja jest szczególnie charakterystyczna dla ornamentu, gdzie zamienia obiekt obrazu w motyw wzoru.

Styl - 1) wspólność cech ideowych i artystycznych dzieł sztuki pewnej epoki. Powstanie i zmiana stylów jest zdeterminowana przebiegiem historycznego rozwoju społeczeństwa (na przykład klasycyzm, barok itp.); 2) narodowa cecha sztuki (styl chiński, mauretański itp.). Mówią również o stylu grupy artystów lub jednego artysty, jeśli ich prace wyróżniają się jasnymi indywidualnymi cechami.

Sucha szczotka - w malarstwie i grafice technika pomocnicza polegająca na pracy twardymi pędzlami słabo nasyconymi farbą. Jako samodzielna technika suchy pędzel jest używany głównie w sztukach dekoracyjnych.

Sfumato - w malarstwie i grafice termin kojarzony z malarstwem włoskiego renesansu poczynając od Leonarda da Vinci i oznaczający miękkość wykonania, nieuchwytność konturów obiektów w wyniku pewnego artystycznego podejścia.

Intrygować - 1) konkretne zdarzenie lub zjawisko przedstawione na zdjęciu. Jeden i ten sam temat można ujawnić w różnych wątkach; 2) czasami przez fabułę rozumie się dowolny przedmiot o żywej przyrodzie lub obiektywny świat, wzięty dla obrazu. Często fabuła zastępuje koncepcję motywu, na którym opiera się praca (zwłaszcza pejzaż).

Proces twórczy (kreatywność) - proces powstawania dzieła sztuki, od narodzin idei figuratywnej do jej urzeczywistnienia, proces przekładania obserwacji rzeczywistości na obraz artystyczny. W malarstwie twórczość polega na tworzeniu dzieła w bezpośrednio autentycznych widocznych formach.

Podmiot - zakres zjawisk wybranych przez artystę do zobrazowania i ujawnienia idei dzieła.

farby temperowe - farby wodne wykonane z suchych proszków zmieszanych z żółtkiem jaja rozcieńczonym wodą klejową. Obecnie wykonuje się również farby półpłynne, zamykane w tubach i przygotowywane na emulsji żółtkowej, całego jajka lub oleju roślinnego z jajkiem i klejem. Farby temperowe można pisać gęsto, jak oleje i cienkie, jak akwarele, rozcieńczając je wodą. Schną wolniej niż gwasz. Wadą jest różnica w odcieniach farby surowej i wyschniętej. Obrazy malowane farbami temperowymi mają matową powierzchnię, dlatego czasami pokrywane są specjalnym lakierem niwelującym ten matowość.

Cień - element światłocienia, najsłabiej oświetlonych obszarów w przyrodzie i na obrazie. Są cienie własne i padające. Cienie należące do samego obiektu nazywane są cieniami właściwymi. Spadające cienie to cienie rzucane przez ciało na otaczające obiekty.

Ciepłe i zimne kolory . Ciepłe kolory są warunkowo kojarzone z kolorem ognia, słońca, gorącymi przedmiotami: czerwonym, czerwono-pomarańczowym, żółto-zielonym. Zimne kolory kojarzą się z kolorem wody, lodu i innych zimnych przedmiotów: zielono-niebieskim, niebieskim, niebiesko-niebieskim, niebiesko-fioletowym. Te cechy koloru są względne i zależą od umiejscowienia w pobliżu innego koloru. Na przykład ultramaryna sama w sobie jest zimna, obok błękitu pruskiego będzie ciepła, a nakrapiana czerwień będzie wydawała się zimniejsza niż cynobrowa.

W wyglądzie kolorystycznym widzialnej natury zawsze obecne są zarówno ciepłe, jak i zimne odcienie. Ta ciepła-chłodność odcieni opiera się przede wszystkim na naturalnych kontrastach kolorystycznych w świetle i cieniu. W naturze często zdarza się, że kolory przedmiotów są zimne, a ich cienie ciepłe i odwrotnie. Do zjawiska zimna przyczynia się również tzw. kontrastowe postrzeganie kolorów barwnych: z obecności barwy ciepłej w postrzeganej naturze na siatkówce powstaje wrażenie barwy zimnej, choć w naturze tak nie jest. Ciepło-chłód w malarstwie jest zjawiskiem naturalnym i integralną cechą malarskiego przedstawienia studium natury lub obrazu.

Technika - w dziedzinie sztuki: zespół specjalnych umiejętności i technik, za pomocą których wykonywane jest dzieło sztuki. Pojęcie „technika” w wąskim znaczeniu tego słowa odpowiada zwykle bezpośredniemu, natychmiastowemu rezultatowi pracy artysty ze specjalnym materiałem i narzędziem, umiejętnością wykorzystania artystycznych możliwości tego materiału; w szerszym sensie pojęcie to obejmuje również odpowiadające im elementy o charakterze obrazowym – przenoszenie materialności obiektów, modelowanie form trójwymiarowych, modelowanie relacji przestrzennych itp. Wszystkie środki techniczne bez wyjątku powinny prowadzić do - znany, przynajmniej skromny, artystyczny wynik.

Techniczne środki sztuki nie pozostają obojętne w stosunku do treści. Główne cechy realistycznej techniki wynikają przede wszystkim z jej podporządkowania ideologicznej i figuratywnej strukturze dzieła.

Ttechnika malowania - zobacz malarstwo olejne, akwarelę, gwasz, temperę, malowanie klejem, pastel, enkaustykę, fresk, mozaikę.

Ton (bez towarzyszącego mu słowa „kolor”) – w terminologii artystów jest równoznaczne z pojęciem lekkości koloru (farby). Każdy kolor chromatyczny lub achromatyczny może mieć różną jasność. Możesz powiedzieć o tonie w ramach tego samego koloru, na przykład czerwonego: „jasny odcień czerwonej farby” lub „ciemny odcień farby”. Czasami termin „ton” jest używany w odniesieniu do koloru, na przykład „złoty odcień panelu”, „brązowy odcień obrazu”. Artyści często używają terminu „lekkość” lub „apertura” koloru zamiast terminu „ton” koloru.

Klucz - termin określający zewnętrzne cechy koloru lub światłocienia w dziełach malarskich i graficznych. Jest bardziej powszechny w odniesieniu do koloru i pokrywa się z terminem „gama kolorów”.

Skala tonalna i kolorystyczna obrazu . Przeniesienie proporcji tonalnych i barwnych proporcjonalne do natury może odbywać się w różnych zakresach jasności i nasycenia barw palety. Zależy to od ogólnego stanu siły iluminacji natury i jej oderwania od malarza. Najjaśniejsze i najbardziej nasycone kolorami przedmioty w przyrodzie artysta może wziąć na gabinet albo w pełnej mocy światła i jasnych barwach palety, albo tylko w połowie ich możliwości. W ten sposób utrzymywana jest skala tonalna i barwna obrazu, w której odbijają się relacje tonalne i kolorystyczne przedmiotów produkcji naturalnej.

ton obrazu - obraz z różnymi przejściami tonalnymi od światła do cienia, to znaczy z obszarami, które mają różne moce tonów. Typowym przykładem obrazu tonowego jest fotografia, rysunek olejny lub akwarelowy w jednym kolorze (grisaille), a także rysunek ołówkiem wykonany techniką cieniowania.

relacje tonowe . Rozpoznanie wolumetrycznej formy obiektów, ich materiału pojawia się w naszych umysłach na podstawie wizualnej percepcji ich relacji świetlnych. Dlatego artysta musi odtworzyć współczynniki jasności rysunku metodą podobieństwa. Za pomocą gradacji światłocienia na formie wolumetrycznej i przeniesienia proporcjonalnych do natury relacji tonalnych pomiędzy kolorem (materiałem) obiektów, artysta uzyskuje prawdziwe wolumetryczne modelowanie formy, ekspresję materialności, głębi przestrzennej i stanu iluminacja (rysunek tonalny, malowanie grisaille).

Tekstura - charakterystyczne cechy powierzchni przedmiotów wykonanych z różnych materiałów zarówno w przyrodzie, jak i na obrazie (relief warstwy farby pociągnięć). Tekstura może być gładka, szorstka, wytłaczana. Faktura litery w dużej mierze zależy od właściwości kolorowego materiału, od cech obiektu natury, który przedstawia artysta, a także od zadania i materiału wykonania. W akwareli tekstura w dużej mierze zależy od powierzchni papieru. Faktura listu zdradza indywidualne pismo artysty.

Fas (cała twarz) - przód, widok z przodu. Termin ten wskazuje, że model (głowa osoby lub przedmiot) znajduje się z przodu, równolegle do płaszczyzny obrazu.

Tło - dowolne medium lub płaszczyznę za obiektem obrazu.

Forma - 1) wygląd, zarys; implikuje obecność objętości, konstrukcji, proporcji; 2) w sztukach wizualnych forma sztuki to środek artystyczny, który służy do tworzenia obrazu, ujawniania treści (patrz treść i forma).

Formalizm - ogólne określenie licznych *>1X antyrealistycznych szkół i nurtów w sztukach wizualnych: kubizm, futuryzm, konstruktywizm, surrealizm, suprematyzm, puryzm, dadaizm, abstrakcjonizm, pop-art itp. Wszystkie te odmiany formalizmu opierają się na nienaturalne oddzielenie formy artystycznej od treści, na uznaniu niezależności i niezależności formy, błędnie twierdząc, że tworzy dzieła sztuki poprzez różne kombinacje „czystych” linii czy kolorów. Formalistyczny obraz rażąco zniekształca rzeczywistość, traci zdolność metaforycznego poznawania świata, a czasem zamienia się w bezsensowne, szarlatańskie eksperymenty.

Format - kształt płaszczyzny, na której wykonywany jest obraz. Wynika to z ogólnych zarysów natury, stosunku wysokości do szerokości. Wybór formatu zależy od treści i pasuje do kompozycji obrazu. Dla systemu figuratywnego format jest niezbędny.

Fresk - najważniejsza techniczna odmiana malarstwa monumentalnego, wykorzystująca wapno jako główne spoiwo.

Kolor w malarstwie. Ogólnie rzecz biorąc, kolor jest właściwością obiektów, która powoduje określone wrażenie wizualne zgodnie ze składem widmowym odbitych promieni. W życiu codziennym każdemu przedmiotowi lub przedmiotowi przypisany jest jeden konkretny kolor. Ten kolor nazywa się obiektywnym lub lokalnym (trawa jest zielona, ​​niebo jest niebieskie, woda morska jest niebieska itd.). U początkujących malarzy z reguły dominuje obiektywna wizja koloru, co prowadzi do amatorskiego kolorowania. W sensie obrazowym, obiekt może być poprawnie przedstawiony tylko wtedy, gdy nie jest przekazywany kolor obiektu, ale kolor zmieniany przez oświetlenie i otoczenie. Kolor obiektu zmienia się wraz ze wzrostem i spadkiem natężenia światła. Różni się również od składu spektralnego oświetlenia. Środowisko, w którym znajduje się obiekt, odbija również promienie barwne, które po uderzeniu w powierzchnię innych obiektów tworzą na nich kolorowe refleksy. Kolor zmienia się również w wyniku interakcji kontrastu. Kolor obiektu jest więc zawsze mozaiką złożoną z plam barwnych i światłocieniowych (odblasków i przebłysków) iw tym przypadku nazywany jest nieobiektywnym, lecz uwarunkowanym. To właśnie ten kolor jest jednym z głównych wizualnych środków malarstwa realistycznego.

Powszechnie przyjmuje się, że sam kolor może mieć pewien wpływ na człowieka. Czasami myślą, że ciemne i jasne kolory tworzą wesoły nastrój; szarość i czerń powodują uczucie przygnębienia itp. W psychologii prowadzone są na ten temat badania i eksperymenty, ale pewne wzorce w tej materii nie zostały jeszcze zidentyfikowane. Malarz nie stosuje powyższych wartości kolorystycznych. Nie ma ogólnej reguły dotyczącej emocjonalnego wpływu koloru na „różne okazje”. Wcale nie jest konieczne rozwiązywanie obrazu w ciemnych lub surowych kolorach, jeśli jego temat jest tragiczny lub smutny, a jasne kolory nie są konieczne do radosnych fabuł. Na przykład wątki obrazów Surikova „Menshikov in Berezovo” i „Boyar Morozova” poświęcone są tragicznemu losowi ludzi o silnej woli i przekonaniu. W kolorystyce pierwszego obrazu dominują ciemne odcienie. Drugi obraz zbudowany jest na bogatych zestawieniach kolorystycznych plenerowego malarstwa zimowego pejzażu, jasnych ubrań tłumu, świątecznej „dywanowej” kolorystyki. Charakter działki przyrodniczej, stan oświetlenia decydowały o kolorystyce tych prac. W ten sposób kolor obrazu jest tworzony przez system relacji kolorystycznych, który ma na celu zobrazowanie rzeczywistych warunków i warunków życia. Kolor jest środkiem do oddania trójwymiarowej formy przedmiotu, jego materialności, walorów przestrzennych, kolorystycznego stanu iluminacji przyrody, i tylko ujawniając w ten sposób semantyczną treść obrazu, wywiera niezbędny wpływ emocjonalny.

Jedność kolorów i powinowactwo kolorów. Barwa oświetlenia, jego kompozycja spektralna, odpowiednio wpływa na różne barwy przedmiotów i obiektów natury, podporządkowując je pewnemu zakresowi. Rezultatem jest kolorystyczna jedność kolorów. Prawdziwe odzwierciedlenie tych cech sprawia, że ​​studium natury jest szczególnie prawdziwe i harmonijne pod względem malarskim.

Relacje kolorów - różnice w naturalnych barwach pod względem odcienia (odcienia), jasności i nasycenia. W naturze kolor jest zawsze postrzegany w odniesieniu do otaczających go kolorów, z którymi jest w ścisłej interakcji i zależności. Dlatego relacje kolorystyczne opracowania powinny być przekazywane proporcjonalnie do relacji kolorystycznych natury. To jest prawo kolorystycznej transpozycji barw widzialnej natury do gamy barwnej palety, określa ją psychofizjologia naszej percepcji wzrokowej i myślenia.

Integralność obrazu - rezultat pracy z naturą metodą relacji (porównań) z integralną wizją natury, w wyniku której artysta pozbywa się takich mankamentów rysunku czy szkicu jak fragmentaryczność i różnorodność.

Integralność percepcji - zdolność artysty do jednoczesnego widzenia przedmiotów produkcji naturalnej, wszystkich naraz. Dopiero w wyniku integralnej percepcji wzrokowej możliwe jest prawidłowe określenie proporcji obiektów, relacji tonów i kolorów oraz uzyskanie integralności obrazu naturalnego otoczenia. Integralność percepcji to profesjonalna umiejętność widzenia i „ustawienie oka” artysty.

Istnieje szereg wskazówek, jak praktycznie postrzegać przyrodę jako całość: 1) w czasie obserwacji, przy określaniu relacji kolorystycznych, mrużuj oczy lub „rozpuszczaj” oczy na całej naturze, 2) P. P. Chistyakov radził „mentalnie mieć przed tobą niejako płaskie szkło daje relacje”, 3) R. Falk, dla integralności widzenia, zalecił wycięcie prostokątnego otworu (2X1 cm) w kawałku kartonu i patrzenie na naturę w płaszczyźnie tego okna (oko otrzymuje całościowy obrazowy system głównych relacji kolorystycznych natury, podobny do mozaiki kamieni szlachetnych); 4) za pomocą „czarnego lustra” można też postrzegać przyrodę jako całość i rozumieć jej relacje kolorystyczne (jeśli jedna strona przezroczystego szkła pomalowana jest czarną farbą, otrzymujemy lustro, w którym w jasnym świetle słonecznym, obiekty krajobrazowe można oglądać ze zmniejszoną jasnością.W takim lustrze obiekty odbijają się w tej samej płaszczyźnie w zmniejszonej formie, można je wszystkie jednocześnie widzieć.Pozwoli to dokładniej uchwycić relacje tonalne i kolorystyczne Natura).

Zewnętrzny (w przeciwieństwie do wnętrza) - przedstawienie zewnętrznej części budynku.

Enkaustyczny Malowanie woskiem to rzadko stosowana obecnie technika malowania, polegająca na wykorzystaniu wosku jako spoiwa. Najlepszą metodą malowania woskiem pod względem efektów i trwałości jest antyczna enkaustyka. Jego zalety tkwią w wyjątkowych właściwościach specjalnie przygotowanego wosku, który prawie nie ulega wpływowi czasu ani wilgoci, nigdy nie pęka i zachowuje niezmieniony kolor.

Naszkicować - szkic przygotowawczy studium lub obrazu. W procesie pracy z natury szkice są wykorzystywane jako materiał pomocniczy; opracowują opcje kompozycji z kartki papieru lub płótna. Szkice wykonujemy zarówno w formie szybkich szkiców ołówkiem jak iw materiale.

Etiuda - pomocniczy obraz o ograniczonej wielkości, wykonany z natury w celu jej uważnego przestudiowania. Poprzez szkicowanie artysta doskonali swoje umiejętności zawodowe. Głównym celem pracy etiudowej pozostaje zawsze prawdziwe i żywe ucieleśnienie idei malarskiej, stworzenie obrazu. W sztuce realistycznej studium zawsze odgrywa rolę pomocniczą.

Etiuda jest wynikiem ponownej oceny roli studium, nieuchronnie prowadzi do zubożenia treści ideowych i figuratywnych. Powszechnie przyjmuje się, że etiuda zrodziła się z impresjonizmu, który ogranicza działalność artysty do pobieżnej pracy z natury, zastępującej obraz etiudy.

Efekt Purkyne'a - zmiana względnej jasności kolorów przy zwiększeniu lub zmniejszeniu oświetlenia. Na przykład w ciągu dnia względna jasność czerwieni i żółci wydaje się silna, a o zmierzchu – zieleni i błękitu. Chodzi o to, że w ciągu dnia, przy normalnym oświetleniu, nasze oko widzi przez niektóre komórki siatkówki, tzw. czopki, a przy bardzo słabym świetle już przez inne - pręciki. Szyszki są bardziej wrażliwe na kolor żółty i czerwony, a pręciki na kolor niebiesko-zielony. Nawet Leonardo da Vinci zauważył: „Zieleń i niebieski intensyfikują swoje kolory w półcieniu, a czerwony i żółty wygrywają kolorem w najbardziej oświetlonych miejscach”.

Wybierz z listy słowo, które Cię interesuje:

Abstrakcjonizm- nurt odernistyczny w sztuce XX wieku, który zasadniczo zrezygnował z przedstawiania rzeczywistych przedmiotów w malarstwie, rzeźbie i grafice.

Prace abstrakcyjne opierają się wyłącznie na elementach formalnych: linii, plamie barwnej, abstrakcyjnej konfiguracji. Jest abstrakcjonizm geometryczny i liryczny.
Abstrakcjonizm
Gegenstandslose kunst
łac. Abstractus - streszczenie

awangarda- Zestaw eksperymentalnych, modernistycznych, dobitnie nietypowych, odkrywczych przedsięwzięć w sztuce XX wieku.
Nurty awangardowe to: fowizm, kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm, surrealizm, akcjonizm, pop art, sztuka konceptualna.
fr.Awangarda - oderwanie naprzód

Akwarela- Farba, do produkcji której stosuje się spoiwa rozpuszczalne w wodzie, np. guma arabska. Zazwyczaj akwarelę rozpuszcza się w wodzie do stanu przeźroczystego i nakłada na papier szerokimi plamami, zwanymi washami. Niemalowana powierzchnia białego papieru sprawia wrażenie przezroczystości, a spływające na siebie plamy akwareli tworzą gradacje tonów (John Marin). Akwarela szybko schnie i jest zwarta, dlatego jest tradycyjnie stosowana jako technika szkicowania w plenerze.

farba akwarelowa- Są to farby z klejem roślinnym jako spoiwem. Wyróżniają się niezwykle drobnym zmieleniem pigmentu oraz dużym procentem spoiw (do kleju dodaje się miód, cukier, glicerynę). Akwarela się dzieje
- solidny (w płytkach)
- półmiękkie (w miseczkach ceramicznych)
- miękki (w tubach).

technika akwareli- Technika malowania akwarelami. Zazwyczaj akwarelę wykonuje się na papierze za pomocą okrągłych pędzli z włosia, rozpuszczając farby wodą. Charakterystyczne właściwości malarstwa akwarelowego to przezroczystość i miękkość najcieńszej warstwy farby.

Farba akwarelowa może tworzyć różnego rodzaju rysunki:
- transparentny, na bazie szkliw, bez użycia bieli oraz
- poszycie z zastosowaniem wapienia (technika kadłubowa).

Główną cechą wyróżniającą akwarele jest przezroczystość farby, przez którą prześwituje faktura papieru.

Artysta wykorzystuje przy tym wyrazistość zacieków i smug, co daje efekt drżenia, lekkości i zwiewności obrazu.

Istnieje kilka metod techniki akwareli:
„akwarela” – połączenie lekkiej, przezroczystej warstwy z rysunkiem ołówkiem lub długopisem
„Akwarela włoska” – praca na suchym papierze, rysowanie pędzlem konturu i wywoływanie nim cieni
„Akwarela angielska” - praca na surowym papierze, do którego pod papierem umieszcza się szmatkę lub flanelę, używa się gumki. Papier jest naciągnięty na noszach i zwilżony od dołu gorącą parą. Ta metoda nadaje głębi akwareli i tworzy wrażenie światła słonecznego i perspektywy powietrznej.

Akwatinta- Wynaleziony we Francji w połowie XVIII wieku, aby odtworzyć rysunek tonalny tuszem podczas grawerowania. Dzięki tej technice nagrzana deska jest równomiernie pokrywana proszkiem żywicznym, którego poszczególne ziarna przylegają do ciepłego metalu i do siebie. Podczas trawienia kwas wnika tylko w pory pomiędzy proszkami, pozostawiając na płycie ślad w postaci masy pojedynczych zagłębień kropkowanych. Miejsca, które na wydruku powinny być ciemniejsze są wytrawiane dłużej, jasne miejsca pokrywamy płynnym lakierem po krótkotrwałym trawieniu. Aquatint daje od 500 do 1000 wydruków.

Farba akrylowa, akrylowa- Syntetyczny barwnik, po raz pierwszy zastosowany w latach 40., łączący właściwości olejku i akwareli.Może być stosowany do uzyskania różnych efektów - od transparentnych rozmyć do pastowatych kresek.

Imperium- Styl późnego klasycyzmu w architekturze i sztuce użytkowej Europy Zachodniej, dla którego:
- charakterystyczne są surowe formy architektoniczne: zakony doryckie i toskańskie; oraz
- odwołanie do starożytnych egipskich form dekoracyjnych: trofeów wojennych, skrzydlatych sfinksów itp.
fr.Empire - imperium

anty-sztuka- Uważa się, że termin ten, oznaczający nowe rewolucyjne formy sztuki, został po raz pierwszy użyty około 1914 roku przez Marcela Duchampa. Przykładem anty-sztuki jest wykonany przez niego obsceniczny napis i wąsy na reprodukcji obrazu Mona Lisa Leonarda przed Vincim. Termin ten obejmuje również większość anarchistycznych eksperymentów dadaistów. Później tym terminem konceptualiści lat 60. określali twórczość artystów, którzy odeszli od tradycyjnej praktyki artystycznej, a przynajmniej tworzenia dzieł przeznaczonych na sprzedaż. Wystawa Johna Baldessariego, na której eksponowane były prochy spalonych płócien, była postrzegana jako typowy przejaw antysztuki.

Art brut, sztuka outsidera- Francuski termin Art Brut, ukuty przez Jeana Dubuffeta, tłumaczy się na sztukę surową, ale często stosuje się go do sztuki outsiderów. Odnosi się do sztuki tworzonej przez autorów nieprofesjonalnych, ale związanych ze środowiskiem artystycznym – dziećmi, psychicznie chorymi czy przestępcami (Alfred Wallis, Adolf Wölfli). Czasami uważa się, że taka sztuka wyraża uczucia bardziej autentycznie i bezpośrednio niż wiele dzieł muzealnych.

Zmontowanie- Włączenie do dzieła sztuki trójwymiarowych materiałów nieartystycznych i obiektów znalezionych, wywodzących się z techniki kolażu. Asamblaż ma swoje korzenie w sztuce początku XX wieku, kiedy Pablo Picasso zaczął używać prawdziwych przedmiotów w konstrukcjach kufistycznych - na przykład do swojej dowcipnej rzeźby Szklanka absyntu dodał prawdziwą łyżkę. Jednym z najwcześniejszych i najsłynniejszych przykładów montażu było koło rowerowe Marcela Duchampa na stołku, które nazwał gotowym. Później dadaiści i surrealiści budowali swoją sztukę na niesamowitych zestawieniach niepowiązanych ze sobą obiektów i obrazów. Technika asamblażu stała się szczególnie popularna pod koniec lat pięćdziesiątych, kiedy artyści tacy jak Armand i Jim Dine szeroko włączali do malarstwa i rzeźby obce materiały, w tym żywność i różne odpady. Rozprzestrzenianie się asamblażu w XX wieku świadczy o narastaniu buntu wobec tradycyjnych technik artystycznych.

natryskiwacz- Urządzenie do cienkiego natrysku farby sprężonym powietrzem przy nakładaniu jej na papier, tkaninę itp. A. o różnych rozmiarach i wzorach służy do malowania tkanin, przy produkcji scenografii teatralnych i wielkoformatowych plakatów ściennych, do retuszowania fotografii negatywy, odbitki fotograficzne i ilustracje itp.

Aerografia- Technika malowania aerografem na szablonie. Aerograf znajduje zastosowanie: - przy zdobieniu ceramiki; - w malarstwie tkanin i scenografii teatralnej; - w grafice książkowej; - w produkcji plakatów wielkoformatowych. Szablon do aerografu: - wykonany w formie płytki z folii ołowianej lub tektury z otworami odwzorowującymi wzór; oraz - jest umieszczony na powierzchni przedmiotu.