Sergueï Rachmaninov est un célèbre compositeur russe, né en 1873 dans la province de Novgorod.

Dès la petite enfance, Sergei aimait la musique, il a donc été décidé de l'envoyer étudier au Conservatoire de Saint-Pétersbourg dans le département de piano. En outre, il a étudié à la pension Zverev, ainsi qu'au Conservatoire de Moscou.

Après ses études, Rachmaninov a commencé activités d'enseignementà l'école Mariinsky, puis devient chef d'orchestre à l'opéra russe.

Au début de son activité musicale il échoua et la véritable reconnaissance vint en 1901. A cette époque, il crée ses célèbres deuxième et troisième concertos pour piano, la deuxième symphonie.

Souvent, Rachmaninov a visité l'Angleterre, où il s'est également produit en tant que pianiste et chef d'orchestre.

En 1917, il part en tournée en Scandinavie. Il n'est jamais retourné en Russie. Il a réussi à obtenir un grand succès aux États-Unis, où il compose peu, principalement en tournée. Sa grande œuvre "Symphonic Dances" n'a été créée qu'en 1941.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Sergueï Rachmaninov a tenté d'aider ses compatriotes en envoyant chez eux tous les fonds récoltés lors de concerts de charité.

Après une longue maladie en 1943, le musicien est décédé.

pour la 4e année

Biographie par dates et faits intéressants. La chose la plus importante.

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Et j'avais une terre natale;
Il est merveilleux !
A. Pleshcheev (de G. Heine)

Rachmaninov a été créé à partir d'acier et d'or ;
L'acier dans ses mains, l'or dans son cœur.
I.Hoffmann

"Je suis un compositeur russe, et ma patrie a laissé sa marque sur mon caractère et mes opinions." Ces mots appartiennent à S. Rachmaninov, le grand compositeur, brillant pianiste et chef d'orchestre. Tout événements majeurs La vie sociale et artistique russe se reflétait dans son destin créatif laissant une trace indélébile. La formation et l'épanouissement de l'œuvre de Rachmaninov tombent dans les années 1890-1900, une époque où les processus les plus complexes se sont déroulés dans la culture russe, le pouls spirituel battait fébrilement et nerveusement. Le sentiment extrêmement lyrique de l'époque inhérent à Rachmaninov était invariablement associé à l'image de sa patrie bien-aimée, avec l'infini de ses vastes étendues, la puissance et la violence des prouesses de ses forces élémentaires, la douce fragilité de la nature printanière en fleurs.

Le talent de Rachmaninov s'est manifesté tôt et brillamment, même si jusqu'à l'âge de douze ans, il n'a pas montré beaucoup de zèle pour les cours de musique systématiques. Il a commencé à apprendre à jouer du piano à l'âge de 4 ans, en 1882, il a été admis au Conservatoire de Saint-Pétersbourg, où, laissé à lui-même, il a à peu près déconné, et en 1885, il a été transféré au Conservatoire de Moscou. Ici, Rachmaninov a étudié le piano avec N. Zverev, puis A. Siloti ; dans les matières théoriques et la composition - avec S. Taneyev et A. Arensky. Vivant dans une pension avec Zverev (1885-1889), il a traversé une école de discipline du travail dure mais très raisonnable, qui l'a transformé d'une personne paresseuse et méchante désespérée en une personne exceptionnellement recueillie et volontaire. "Le meilleur qui soit en moi, je lui dois", - ainsi Rachmaninov a dit plus tard à propos de Zverev. Au conservatoire, Rachmaninov a été fortement influencé par la personnalité de P. Tchaïkovski, qui, à son tour, a suivi le développement de son Serezha préféré et, après avoir obtenu son diplôme du conservatoire, a aidé à mettre en scène l'opéra Aleko au Théâtre Bolchoï, connaissant de son propre chef triste expérience à quel point il est difficile pour un musicien novice de tracer sa propre voie.

Rachmaninov est diplômé du Conservatoire de piano (1891) et de composition (1892) avec une grande médaille d'or. A cette époque, il était déjà l'auteur de plusieurs compositions, parmi lesquelles le célèbre Prélude en ut dièse mineur, la romance "Dans le silence de la nuit secrète", le Premier concerto pour piano, l'opéra "Aleko", écrit comme un travail de fin d'études en seulement 17 jours ! Les Pièces Fantastiques qui suivirent, op. 3 (1892), Trio élégiaque « À la mémoire d'un grand artiste » (1893), Suite pour deux pianos (1893), Moments de musique op. 16 (1896), romans, œuvres symphoniques - "La Falaise" (1893), Caprice sur des thèmes gitans (1894) - ont confirmé l'opinion de Rachmaninov comme un talent fort, profond et original. Les images et les ambiances caractéristiques de Rachmaninov apparaissent dans ces œuvres dans un large éventail - de la douleur tragique du «moment musical» en si mineur à l'hymne apothéose de la romance «Spring Waters», de la dure pression spontanée-volontaire du « Moment musical » en mi mineur à la plus belle aquarelle de la romance « Ile ».

La vie durant ces années était difficile. Décisif et puissant dans la performance et la créativité, Rachmaninov était par nature une personne vulnérable, éprouvant souvent des doutes sur lui-même. Interféré avec des difficultés matérielles, des désordres mondains, errant dans des coins étranges. Et même s'il était soutenu par des personnes proches de lui, principalement la famille Satin, il se sentait seul. Le choc violent provoqué par l'échec de sa Première Symphonie, jouée à Saint-Pétersbourg en mars 1897, entraîne une crise de création. Pendant plusieurs années, Rachmaninov ne compose rien, mais son activité d'interprète en tant que pianiste s'intensifie et il fait ses débuts de chef d'orchestre à l'Opéra privé de Moscou (1897). Au cours de ces années, il rencontre L. Tolstoï, A. Tchekhov, artistes du Théâtre d'Art, une amitié s'amorce avec Fiodor Chaliapine, que Rachmaninov considérait comme l'une des « expériences artistiques les plus puissantes, profondes et subtiles ». En 1899, Rachmaninov se produit pour la première fois à l'étranger (à Londres), en 1900 il visite l'Italie, où apparaissent des esquisses du futur opéra Francesca da Rimini. Un événement joyeux a été la mise en scène de l'opéra Aleko à Saint-Pétersbourg à l'occasion du 100e anniversaire d'A. Pouchkine avec Chaliapine comme Aleko. Ainsi, un tournant interne se prépare peu à peu, et au début des années 1900. il y a eu un retour à la créativité. Nouvel Age a commencé avec le deuxième concerto pour piano, qui sonnait comme une puissante alarme. Les contemporains ont entendu en lui la voix du Temps avec sa tension, son explosivité et son sens des changements imminents. Maintenant, le genre du concert devient le premier, c'est en lui que les idées principales sont incarnées avec la plus grande complétude et inclusion. Une nouvelle étape commence dans la vie de Rachmaninov.

La reconnaissance générale en Russie et à l'étranger reçoit son activité de pianiste et de chef d'orchestre. 2 ans (1904-06) Rachmaninov a travaillé comme chef d'orchestre au Théâtre Bolchoï, laissant dans son histoire le souvenir des merveilleuses productions d'opéras russes. En 1907, il participe aux Concerts Historiques Russes organisés par S. Diaghilev à Paris, en 1909 il se produit pour la première fois en Amérique, où il joue son Troisième Concerto pour Piano sous la direction de G. Mahler. Une activité de concert intensive dans les villes de Russie et à l'étranger s'est combinée à une créativité non moins intense, et dans la musique de cette décennie (dans la cantate "Spring" - 1902, dans les préludes op. 23, dans la finale de la Deuxième Symphonie et le Troisième Concerto) il y a beaucoup d'enthousiasme et d'enthousiasme ardent. Et dans des compositions telles que les romans "Lilas", "", dans les préludes en ré majeur et en sol majeur, "la musique des forces chantantes de la nature" sonnait avec une pénétration étonnante.

Mais dans les mêmes années, d'autres états d'âme se font également sentir. De tristes pensées sur la patrie et son destin futur, des réflexions philosophiques sur la vie et la mort donnent lieu aux images tragiques de la Première Sonate pour piano, inspirée du Faust de J. W. Goethe, du poème symphonique "L'île des morts" d'après le tableau du Artiste suisse A. Böcklin (1909), nombreuses pages du Troisième Concerto, romances op. 26 . Les changements internes sont devenus particulièrement perceptibles après 1910. Si dans le troisième concerto la tragédie est finalement surmontée et que le concerto se termine par une apothéose jubilatoire, alors dans les œuvres qui l'ont suivi, il s'approfondit continuellement, donnant vie à des images agressives et hostiles, des humeurs sombres et déprimées. . Le langage musical se complexifie, le large souffle mélodique si caractéristique de Rachmaninov disparaît. Ce sont le poème vocal-symphonique "The Bells" (sur la rue E. Poe, traduit par K. Balmont - 1913); romans op. 34 (1912) et op. 38 (1916); Etudes-peintures op. 39 (1917). Cependant, c'est à cette époque que Rachmaninov crée des œuvres pleines d'une haute signification éthique, qui deviennent la personnification de la beauté spirituelle durable, le point culminant de la mélodie de Rachmaninov - "Vocalise" et "All-Night Vigil" pour chœur a cappella (1915). « Depuis l'enfance, je suis fasciné par les magnifiques mélodies d'Oktoikh. J'ai toujours senti qu'il fallait un style spécial, spécial pour leur traitement choral, et, me semble-t-il, je l'ai trouvé dans les Vêpres. Je ne peux pas m'empêcher d'avouer. que sa création par le Chœur synodal de Moscou m'a procuré une heure de plaisir des plus heureux », se souvient Rachmaninov.

Le 24 décembre 1917, Rachmaninov et sa famille ont quitté la Russie pour toujours. Pendant plus d'un quart de siècle, il a vécu dans un pays étranger, aux États-Unis, et cette période a été la plupart du temps pleine d'une activité de concert épuisante, soumise aux lois cruelles du business de la musique. Rachmaninov a utilisé une partie importante de ses honoraires pour apporter un soutien matériel à ses compatriotes à l'étranger et en Russie. Ainsi, la totalité de la collecte du discours d'avril 1922 a été transférée au profit des affamés en Russie et, à l'automne 1941, Rakhmaninov a envoyé plus de quatre mille dollars au fonds d'aide de l'Armée rouge.

À l'étranger, Rachmaninov vit isolé, limitant son cercle d'amis aux immigrants de Russie. Une exception n'a été faite que pour la famille de F. Steinway, le chef de l'entreprise de pianos, avec qui Rachmaninov entretenait des relations amicales.

Les premières années de son séjour à l'étranger, Rachmaninov n'a pas laissé l'idée de la perte d'inspiration créatrice. « Après avoir quitté la Russie, j'ai perdu l'envie de composer. Ayant perdu ma patrie, je me suis perdu. Seulement 8 ans après son départ à l'étranger, Rachmaninov revient à la créativité, crée le Quatrième Concerto pour piano (1926), Trois Chansons russes pour chœur et orchestre (1926), "" pour piano (1931), "" (1934), Troisième Symphonie (1936 ) ), "Danses symphoniques" (1940). Ces travaux sont la dernière, la plus haute montée de Rachmaninov. Un sentiment lugubre de perte irréparable, un désir ardent pour la Russie donne naissance à un art d'une puissance tragique immense, atteignant son apogée dans les Danses symphoniques. Et dans la brillante Troisième Symphonie, Rachmaninov incarne pour la dernière fois thème central de son travail - l'image de la Patrie. La pensée intense et sévèrement concentrée de l'artiste l'évoque du fond des siècles, il surgit comme un souvenir infiniment cher. Dans un entrelacement complexe de thèmes divers, d'épisodes, une large perspective émerge, une épopée dramatique du destin de la Patrie est recréée, se terminant par une affirmation de vie victorieuse. Ainsi, à travers toutes les œuvres de Rachmaninov, il porte l'inviolabilité de ses principes éthiques, sa haute spiritualité, sa fidélité et son amour inéluctable pour la Patrie, dont la personnification était son art.

O. Averyanova

Caractéristiques de la créativité

Sergueï Vassilievitch Rachmaninov est, avec Scriabine, l'une des figures centrales de la musique russe des années 1900. Le travail de ces deux compositeurs a particulièrement attiré l'attention des contemporains, ils en ont discuté avec véhémence, de vives discussions imprimées ont commencé autour de leurs œuvres individuelles. Malgré toute la dissemblance de l'apparence individuelle et de la structure figurative de la musique de Rachmaninov et de Scriabine, leurs noms apparaissaient souvent côte à côte dans ces disputes et étaient comparés les uns aux autres. Il y avait des raisons purement externes à une telle comparaison: tous deux étaient des élèves du Conservatoire de Moscou, qui en sont diplômés presque en même temps et ont étudié avec les mêmes professeurs, tous deux se sont immédiatement distingués parmi leurs pairs par la force et l'éclat de leur talent, être reconnus non seulement comme des compositeurs de grand talent, mais aussi comme des pianistes exceptionnels.

Mais il y avait beaucoup de choses qui les séparaient et les plaçaient parfois sur des flancs différents. vie musicale. L'innovateur audacieux Scriabine, qui ouvrait de nouveaux mondes musicaux, s'opposait à Rachmaninov en tant qu'artiste à la pensée plus traditionnelle qui s'appuyait dans son travail sur les bases solides du patrimoine classique national. "G. Rachmaninov, - écrivait l'un des critiques, - est le pilier autour duquel se groupent tous les champions du vrai sens, tous ceux qui chérissent les fondations posées par Moussorgski, Borodine, Rimski-Korsakov et Tchaïkovski.

Cependant, malgré toute la différence dans les positions de Rachmaninov et de Scriabine dans leur réalité musicale contemporaine, ils ont été réunis non seulement par les conditions générales de l'éducation et de la croissance d'une personnalité créative dans leur jeunesse, mais aussi par des traits communs plus profonds. . "Talent rebelle et agité" - c'est ainsi que Rakhmaninov était autrefois caractérisé dans la presse. C'est cette impulsion agitée, l'excitation du ton émotionnel, caractéristique de l'œuvre des deux compositeurs, qui la rendait particulièrement chère et proche de larges cercles de la société russe au début du XXe siècle, avec leurs attentes, aspirations et espoirs anxieux. .

"Scriabine et Rachmaninov - deux "dirigeants des pensées musicales" du monde musical russe moderne<...>Maintenant, ils partagent l'hégémonie entre eux dans monde de la musique", - a reconnu L. L. Sabaneev, l'un des apologistes les plus zélés du premier et un adversaire et détracteur tout aussi obstiné du second. Un autre critique, plus modéré dans ses jugements, écrit dans un article consacré aux caractéristiques comparées des trois représentants les plus éminents de la école de musique Taneyev, Rachmaninov et Scriabine : « Si la musique de Taneyev semble fuir la modernité, veut n'être que de la musique, alors dans l'œuvre de Rachmaninov et Scriabine on peut sentir le ton frémissant de la vie moderne, fiévreusement intense. Les deux sont les meilleurs espoirs de la Russie moderne.

Pendant longtemps, la vision de Rachmaninov comme l'un des plus proches héritiers et successeurs de Tchaïkovski a dominé. L'influence de l'auteur de La reine de pique a sans aucun doute joué un rôle important dans la formation et le développement de son œuvre, ce qui est tout à fait naturel pour un diplômé du Conservatoire de Moscou, élève de A. S. Arensky et S. I. Taneyev. En même temps, il a également perçu certaines des caractéristiques de l'école de compositeurs de « Petersbourg » : Rachmaninov a combiné le lyrisme exalté de Tchaïkovski avec la rude grandeur épique de Borodine, la pénétration profonde de Moussorgski dans le système de la pensée musicale russe antique et la poétique perception de la nature native de Rimsky-Korsakov. Cependant, tout ce qui a été appris des professeurs et des prédécesseurs a été profondément repensé par le compositeur, obéissant à sa forte volonté créative et acquérant un nouveau caractère individuel complètement indépendant. Le style profondément original de Rachmaninov a une grande intégrité interne et une grande organicité.

Si nous cherchons des parallèles avec lui dans la culture artistique russe du début du siècle, c'est avant tout la ligne Tchekhov-Bunin dans la littérature, les paysages lyriques de Levitan, Nesterov, Ostroukhov dans la peinture. Ces parallèles ont été notés à plusieurs reprises par divers auteurs et sont devenus presque stéréotypés. On sait avec quel amour et quel respect ardent Rakhmaninov a traité l'œuvre et la personnalité de Tchekhov. Déjà dans les dernières années de sa vie, lisant les lettres de l'écrivain, il regrettait de ne pas l'avoir rencontré de plus près en son temps. Le compositeur a été associé à Bunin pendant de nombreuses années par une sympathie mutuelle et des vues artistiques communes. Ils ont été réunis et liés par un amour passionné pour leur nature russe natale, pour les signes d'une vie simple qui laisse déjà dans le voisinage immédiat d'une personne au monde qui l'entoure, l'attitude poétique, colorée par un lyrisme pénétrant profond , la soif de libération spirituelle et de délivrance des entraves qui contraignent la liberté de la personne humaine.

La source d'inspiration de Rachmaninov était une variété d'impulsions émanant de la vie réelle, de la beauté de la nature, des images de la littérature et de la peinture. "... Je trouve, - dit-il, - que les idées musicales naissent en moi avec plus de facilité sous l'influence de certaines impressions extra-musicales." Mais en même temps, Rachmaninov s'est efforcé non pas tant de refléter directement certains phénomènes de la réalité au moyen de la musique, de «peindre dans les sons», mais d'exprimer sa réaction émotionnelle, ses sentiments et ses expériences survenant sous l'influence de divers impressions reçues en externe. En ce sens, on peut parler de lui comme l'un des représentants les plus frappants et les plus typiques du réalisme poétique des années 900, dont la tendance principale a été formulée avec succès par V. G. Korolenko : « Nous ne nous contentons pas de refléter les phénomènes tels qu'ils sont et de faire pas créer une illusion sur un monde fantasque inexistant. Nous créons ou manifestons une nouvelle relation de l'esprit humain au monde environnant qui naît en nous.

L'un des traits les plus caractéristiques de la musique de Rachmaninov, qui attire d'abord l'attention lorsqu'on s'y familiarise, est la mélodie la plus expressive. Parmi ses contemporains, il se distingue par sa capacité à créer des mélodies larges et longues d'une grande respiration, alliant la beauté et la plasticité du dessin à une expression lumineuse et intense. Le mélodisme, la mélodie est la principale qualité du style de Rachmaninov, qui détermine en grande partie la nature de la pensée harmonique du compositeur et la texture de ses œuvres, saturées, en règle générale, de voix indépendantes, soit se déplaçant au premier plan, soit disparaissant dans un dense dense tissu sonore.

Rachmaninov a créé son propre type de mélodie très spécial, basé sur une combinaison des techniques caractéristiques de Tchaïkovski - un développement mélodique dynamique intensif avec la méthode des transformations variantes, effectué plus en douceur et plus calmement. Après un décollage rapide ou une longue ascension intense vers le sommet, la mélodie semble se figer au niveau atteint, revenant invariablement à un son chanté longuement, ou lentement, avec des rebords en flèche, revient à sa hauteur d'origine. La relation inverse est également possible, lorsqu'un séjour plus ou moins long dans une zone limitée de haute altitude est soudainement interrompu par le déroulement de la mélodie pendant un large intervalle, introduisant une nuance d'expression lyrique aiguë.

Dans une telle interpénétration de la dynamique et de la statique, L. A. Mazel voit un des traits les plus caractéristiques de la mélodie de Rachmaninov. Un autre chercheur attache un sens plus général au rapport de ces principes dans l'œuvre de Rachmaninov, pointant l'alternance de moments de « freinage » et de « percée » sous-jacente à nombre de ses œuvres. (V. P. Bobrovsky exprime une idée similaire, notant que "le miracle de l'individualité de Rachmaninov réside dans l'unité organique unique de deux tendances opposées et leur synthèse inhérente uniquement à lui" - une aspiration active et une tendance à "rester longtemps sur ce qui a été atteint. »). Un penchant pour le lyrisme contemplatif, une immersion prolongée dans un état d'esprit, comme si le compositeur voulait arrêter le temps fuyant, il conjuguait à une immense énergie débordante vers l'extérieur, une soif d'affirmation de soi active. D'où la force et la netteté des contrastes de sa musique. Il cherchait à amener chaque sentiment, chaque état d'esprit à l'extrême degré d'expression.

Dans les mélodies lyriques au déroulement libre de Rachmaninov, avec leur souffle long et ininterrompu, on entend souvent quelque chose qui s'apparente à l'ampleur "incontournable" de la chanson folklorique persistante russe. En même temps, cependant, le lien entre la créativité de Rachmaninov et l'écriture de chansons folkloriques était de nature très indirecte. Ce n'est que dans de rares cas isolés que le compositeur a eu recours à de véritables mélodies folkloriques ; il n'a pas cherché à établir une similitude directe de ses propres mélodies avec des mélodies folkloriques. «Chez Rachmaninov», note à juste titre l'auteur d'un ouvrage spécial sur sa mélodie, «apparaît rarement directement un lien avec certains genres d'art populaire. Plus précisément, le genre semble souvent se dissoudre dans le « sentiment » général du folk et n'est pas, comme il l'était avec ses prédécesseurs, le début de la cimentation de tout le processus de formation et de devenir une image musicale. les caractéristiques la mélodie de Rachmaninov, la rapprochant de la chanson folklorique russe, comme la douceur du mouvement avec une prédominance de mouvements par étapes, le diatonisme, une abondance de tours phrygiens, etc. Profondément et organiquement assimilés par le compositeur, ces traits deviennent partie intégrante de son le style de l'auteur individuel, acquérant une coloration expressive spéciale, qui lui est propre.

L'envers de ce style, aussi irrésistiblement impressionnant que la richesse mélodique de la musique de Rachmaninov, est un rythme inhabituellement énergique, impérieusement conquérant et en même temps souple, parfois fantasque. Tant les contemporains du compositeur que les chercheurs ultérieurs ont beaucoup écrit sur ce rythme propre à Rachmaninov, qui attire involontairement l'attention de l'auditeur sur lui-même. C'est souvent le rythme qui détermine le ton principal de la musique. A. V. Ossovsky notait en 1904 à propos du dernier mouvement de la Deuxième Suite pour deux pianos que Rachmaninov y « n'avait pas peur d'approfondir l'intérêt rythmique de la forme de Tarentelle pour une âme agitée et assombrie, non étrangère aux attaques d'une sorte de démonisme à fois."

Le rythme apparaît chez Rachmaninov comme porteur d'un principe volitif efficace qui dynamise le tissu musical et introduit un « flot de sentiments » lyrique dans le courant dominant d'un ensemble harmonieux architecturalement complet. B. V. Asafiev, comparant le rôle du principe rythmique dans les œuvres de Rachmaninov et de Tchaïkovski, a écrit : « Cependant, dans ce dernier, la nature fondamentale de sa symphonie « agitée » s'est manifestée avec une force particulière dans la collision dramatique des thèmes eux-mêmes. entrepôt lyrique-contemplatif de sentiments avec un entrepôt organisationnel volontaire du "je" compositeur-interprète s'avère être cette "sphère individuelle" de contemplation personnelle, qui était contrôlée par le rythme dans le sens d'un facteur volitionnel ... " Le schéma rythmique de Rakhmaninov est toujours très clairement tracé, qu'il s'agisse d'un rythme simple, égal, comme les battements lourds et mesurés d'une grosse cloche, ou complexe, finement fleuri. Dans les années 1910, l'ostinato rythmique donne au rythme non seulement une signification formative, mais dans certains cas, une signification thématique.

Dans le domaine de l'harmonie, Rachmaninov n'est pas allé au-delà du système classique majeur-mineur sous la forme qu'il a acquise dans l'œuvre des compositeurs romantiques européens, Tchaïkovski et des représentants du Mighty Handful. Sa musique est toujours tonalement définie et stable, mais en utilisant les moyens de l'harmonie tonale classique-romantique, il s'est caractérisé par certains traits caractéristiques par lesquels il n'est pas difficile d'établir la paternité de l'une ou l'autre composition. Parmi ces caractéristiques individuelles particulières du langage harmonique de Rachmaninov figurent, par exemple, la lenteur bien connue du mouvement fonctionnel, la tendance à rester longtemps dans une seule tonalité et parfois l'affaiblissement de la gravité. L'attention est attirée sur l'abondance de formations multi-terts complexes, rangées d'accords non décimaux et non décimaux, ayant souvent une signification plus colorée, phonique que fonctionnelle. La connexion de ce type d'harmonies complexes s'effectue principalement à l'aide de la connexion mélodique. La prédominance de l'élément chant mélodique dans la musique de Rachmaninov détermine le haut degré de saturation polyphonique de son tissu sonore : des complexes harmoniques individuels surgissent constamment du fait du libre mouvement de voix « chantantes » plus ou moins indépendantes.

Il y a une tournure harmonique préférée de Rachmaninov, qu'il utilise si souvent, notamment dans ses compositions. période au début, qui a même reçu le nom "l'harmonie de Rachmaninov". Au cœur de ce chiffre d'affaires se trouve un accord de septième d'introduction réduit mineur harmonique, généralement utilisé sous la forme d'un accord de tiers quart avec remplacement du II degré III et résolution en une triade tonique dans la position mélodique du tiers.

Comme l'une des caractéristiques remarquables de la musique de Rachmaninov, un certain nombre de chercheurs et d'observateurs ont noté sa coloration mineure prédominante. Ses quatre concertos pour piano, ses trois symphonies, ses deux sonates pour piano, la plupart des études-photos et de nombreuses autres compositions ont été écrites en mineur. Même majeur acquiert souvent une coloration mineure en raison d'altérations décroissantes, de déviations tonales et de l'utilisation généralisée d'étapes latérales mineures. Mais peu de compositeurs ont atteint une telle variété de nuances et de degrés de concentration expressive dans l'utilisation de la tonalité mineure. La remarque de L. E. Gakkel selon laquelle dans les études-peintures op. 39 "étant donné la plus large gamme de couleurs mineures de l'être, les nuances mineures du sentiment de vie" peut être étendue à une partie importante de l'ensemble de l'œuvre de Rachmaninov. Des critiques comme Sabaneev, qui nourrissaient une hostilité préconçue envers Rachmaninov, l'appelaient "un pleurnichard intelligent", dont la musique reflète "l'impuissance tragique d'un homme dépourvu de volonté". Pendant ce temps, le mineur "sombre" dense de Rachmaninov sonne souvent courageux, protestant et plein d'une énorme tension volontaire. Et si des notes lugubres sont captées par l'oreille, alors c'est la «noble douleur» de l'artiste patriote, ce «gémissement étouffé sur la terre natale», qui a été entendu par M. Gorky dans certaines des œuvres de Bunin. Comme cet écrivain proche de lui par l'esprit, Rachmaninov, selon les mots de Gorki, « pensait la Russie dans son ensemble », regrettait ses pertes et s'inquiétait du sort de l'avenir.

L'image créative de Rachmaninov dans ses principales caractéristiques est restée intégrale et stable tout au long du parcours d'un demi-siècle du compositeur, sans connaître de fractures ni de changements brusques. Principes esthétiques et stylistiques, appris dans sa jeunesse, il fut fidèle jusqu'aux dernières années de sa vie. Néanmoins, on peut observer une certaine évolution dans son travail, qui se manifeste non seulement par la montée en compétence, l'enrichissement de la palette sonore, mais affecte aussi partiellement la structure figurative et expressive de la musique. Sur ce chemin, trois grandes périodes, bien qu'inégales tant par leur durée que par leur degré de productivité, se dessinent clairement. Ils sont délimités les uns des autres par des césure temporaires plus ou moins longues, des bandes de doute, de réflexion et d'hésitation, alors qu'aucune œuvre achevée ne sortait de la plume du compositeur. La première période, qui tombe sur les années 90 du XIXe siècle, peut être appelée le temps de la formation créative et de la maturation du talent, qui est allé affirmer son chemin en surmontant les jeune âge influences. Les œuvres de cette période ne sont souvent pas encore assez indépendantes, imparfaites dans la forme et la texture. (Certaines d'entre elles (Premier concerto pour piano, Trio élégiaque, pièces pour piano : Mélodie, Sérénade, Humoresque) ont ensuite été révisées par le compositeur et leur texture s'est enrichie et développée.), bien que dans un certain nombre de leurs pages (les meilleurs moments de l'opéra de jeunesse "Aleko", le Trio élégiaque à la mémoire de P. I. Tchaïkovski, le célèbre prélude en ut dièse mineur, certains des moments musicaux et des romances), l'individualité du compositeur a déjà été révélé avec suffisamment de certitude.

Une pause inattendue survient en 1897, après l'exécution infructueuse de la Première Symphonie de Rachmaninov - une œuvre dans laquelle le compositeur a investi beaucoup de travail et d'énergie spirituelle, incomprise par la plupart des musiciens et presque unanimement condamnée dans les pages de la presse, voire ridiculisée par certains des critiques. L'échec de la symphonie a provoqué un profond traumatisme mental chez Rachmaninov ; selon ses propres aveux ultérieurs, il "ressemblait à un homme qui a eu un accident vasculaire cérébral et qui pendant longtemps a perdu la tête et les mains". Les trois années suivantes furent des années de silence créatif presque complet, mais en même temps de réflexions concentrées, une réévaluation critique de tout ce qui avait été fait auparavant. Le résultat de cet intense travail interne du compositeur sur lui-même fut un élan créatif inhabituellement intense et lumineux au début du nouveau siècle.

Au cours des trois ou quatre premières années du XXe siècle, Rakhmaninov a créé un certain nombre d'œuvres de genres variés, remarquables par leur profonde poésie, leur fraîcheur et leur immédiateté d'inspiration, dans lesquelles la richesse de l'imagination créatrice et l'originalité de l'"écriture manuscrite" de l'auteur sont combinés avec un savoir-faire de haute finition. Parmi eux figurent le deuxième concerto pour piano, la deuxième suite pour deux pianos, la sonate pour violoncelle et piano, la cantate "Spring", les dix préludes op. 23, l'opéra "Francesca da Rimini", quelques-uns des meilleurs exemples des paroles vocales de Rachmaninov ("Lilas", "Extrait de A. Musset"), Cette série d'œuvres a établi la position de Rachmaninov comme l'un des compositeurs russes les plus importants et les plus intéressants de notre temps, lui apportant une large reconnaissance dans les cercles de l'intelligentsia artistique et parmi les masses d'auditeurs.

Une période relativement courte de 1901 à 1917 a été la plus fructueuse de son travail: au cours de ces quinze années, la plupart des œuvres matures et indépendantes de style de Rachmaninov ont été écrites, qui sont devenues une partie intégrante des classiques musicaux nationaux. Presque chaque année apportait de nouveaux opus, dont l'apparition devenait un événement marquant de la vie musicale. Avec l'activité créatrice incessante de Rachmaninov, son œuvre n'est pas restée inchangée durant cette période : au tournant des deux premières décennies, on y perçoit les symptômes d'un changement imminent. Sans perdre ses qualités "génériques" générales, il devient plus sévère dans le ton, les ambiances inquiétantes s'intensifient, tandis que l'effusion directe du sentiment lyrique semble ralentir, les couleurs transparentes claires apparaissent moins souvent sur la palette sonore du compositeur, la couleur globale de la musique s'assombrit et s'épaissit. Ces changements sont perceptibles dans la deuxième série de préludes pour piano, op. 32, deux cycles d'études-peintures, et surtout de grandes compositions aussi monumentales que « Les cloches » et « Veille nocturne », qui posent des questions profondes et fondamentales sur l'existence humaine et le but de la vie d'une personne.

L'évolution vécue par Rachmaninov n'a pas échappé à ses contemporains. L'un des critiques écrit à propos des Cloches : « Rakhmaninov semblait chercher de nouvelles ambiances, une nouvelle manière d'exprimer sa pensée... On sent ici renaître le nouveau style de Rachmaninov, qui n'a rien de commun avec le style de Tchaïkovski. ”

Après 1917, une nouvelle pause dans l'œuvre de Rachmaninov s'amorce, cette fois bien plus longue que la précédente. Ce n'est qu'après une décennie entière que le compositeur est revenu à la composition musicale, après avoir arrangé trois chansons folkloriques pour chœur et orchestre et complétant le Quatrième Concerto pour piano, commencé à la veille de la Première Guerre mondiale. Au cours des années 1930, il n'en écrivit (à l'exception de quelques transcriptions de concert pour piano) que quatre, pourtant significatives quant à l'idée d'œuvres majeures.

Dans une atmosphère de recherches complexes et souvent contradictoires, d'une lutte de directions acharnée et intense, d'un effondrement des formes habituelles de conscience artistique qui ont caractérisé le développement de l'art musical dans la première moitié du XXe siècle, Rachmaninov est resté fidèle au grand classique traditions de la musique russe de Glinka à Borodine, Moussorgski, Tchaïkovski, Rimski-Korsakov et leurs plus proches étudiants et disciples directs de Taneyev, Glazunov. Mais il ne s'est pas limité au rôle de gardien de ces traditions, mais les a perçues de manière active et créative, affirmant leur pouvoir vivant et inépuisable, leur capacité à la poursuite du développement et enrichissement. Artiste sensible et impressionnable, Rachmaninov, malgré son adhésion aux préceptes des classiques, n'est pas resté sourd aux appels de la modernité. Dans son attitude face aux nouvelles tendances stylistiques du XXe siècle, il y a eu un moment non seulement de confrontation, mais aussi d'une certaine interaction.

Sur une période d'un demi-siècle, l'œuvre de Rachmaninov a connu une évolution significative, et les œuvres non seulement des années 1930, mais aussi des années 1910 diffèrent sensiblement tant par leur structure figurative que par leur langage, moyens d'expression musicale du début, pas encore des opus complètement indépendants de la fin des siècles précédents. Dans certains d'entre eux, le compositeur entre en contact avec l'impressionnisme, le symbolisme, le néoclassicisme, bien que d'une manière profondément particulière, il perçoive individuellement les éléments de ces tendances. Avec tous les changements et tournants, l'image créative de Rachmaninov est restée très intégrale en interne, conservant ces caractéristiques fondamentales et déterminantes auxquelles sa musique doit sa popularité parmi les le cercle le plus large auditeurs : lyrisme passionné et captivant, véracité et sincérité de l'expression, vision poétique du monde.

Y. Keldych

chef d'orchestre Rachmaninov

Rachmaninov est entré dans l'histoire non seulement comme compositeur et pianiste, mais aussi comme chef d'orchestre exceptionnel de notre temps, même si ce côté de son activité n'a pas été aussi long et intense.

Rachmaninov fait ses débuts comme chef d'orchestre à l'automne 1897 à l'Opéra privé Mamontov de Moscou. Avant cela, il n'avait pas à diriger un orchestre et à étudier la direction, mais le brillant talent du musicien a aidé Rachmaninov à apprendre rapidement les secrets de la maîtrise. Qu'il suffise de rappeler qu'il réussit à peine à achever la première répétition : il ne savait pas que les chanteurs devaient indiquer les introductions ; et quelques jours plus tard, Rachmaninov a fait un excellent travail dans ses fonctions, dirigeant l'opéra Samson et Dalila de Saint-Saëns.

"L'année de mon séjour à l'opéra Mamontov a été d'une grande importance pour moi", écrit-il. - J'y ai acquis une véritable technique de chef d'orchestre, qui m'a par la suite énormément servi. Au cours de la saison de travail en tant que deuxième chef d'orchestre du théâtre, Rachmaninov a dirigé vingt-cinq représentations de neuf opéras: "Samson et Delilah", "Mermaid", "Carmen", "Orpheus" de Gluck, "Rogneda" de Serov, " Mignon" de Tom, "Askold's Grave", "La force ennemie", "May night". La presse note immédiatement la clarté du style de son chef, le naturel, l'absence de posture, un sens du rythme de fer transmis aux interprètes, un goût délicat et un merveilleux sens des couleurs orchestrales. Avec l'acquisition de l'expérience, ces caractéristiques de Rachmaninov en tant que musicien ont commencé à se manifester au maximum, complétées par la confiance et l'autorité dans le travail avec les solistes, le chœur et l'orchestre.

Au cours des années suivantes, Rachmaninov, occupé par la composition et l'activité pianistique, ne dirige qu'occasionnellement. L'apogée de son talent de chef d'orchestre tombe sur la période 1904-1915. Depuis deux saisons, il travaille au Théâtre du Bolchoï, où son interprétation d'opéras russes connaît un succès particulier. événements historiques dans la vie des critiques de théâtre appellent la représentation anniversaire de "Ivan Susanin", qu'il a dirigée en l'honneur du centenaire de la naissance de Glinka, et "La semaine de Tchaïkovski", au cours de laquelle Rachmaninov a dirigé "La reine de pique", "Eugène Onéguine", "Opritchnik" et ballets.

1er avril (20 mars) 1873, domaine Oneg, aujourd'hui région de Novgorod - 28 mars 1943, Beverly Hills, Californie, États-Unis. Enterré à Volhall, près de New York.
Compositeur, pianiste, chef d'orchestre russe.

En 1904-1906 - chef d'orchestre Théâtre Bolchoï. Depuis décembre 1917, il vit à l'étranger (depuis 1918 aux États-Unis). Le thème de la patrie s'incarne dans l'œuvre de Rachmaninov avec une force particulière. Le pathos romantique est combiné dans sa musique avec des ambiances lyriques-contemplatives, une richesse mélodique inépuisable, une ampleur et une liberté de respiration - avec une énergie rythmique. 4 concertos, "Rhapsody on a Theme of Paganini" (1934) pour piano et orchestre, préludes, études-tableaux pour piano, 3 symphonies (1895-1936), fantaisie "Cliff" (1893), poème "Ile des morts" (1909), Symphonic Dances (1940) pour orchestre, cantate Spring (1902), poème Bells (1913) pour chœur et orchestre, opéras Aleko (1892), The Miserly Knight, Francesca da Rimini (tous deux de 1904), romances.

Années d'études
Rachmaninov est né dans une famille noble avec une longue tradition musicale (son grand-père Arkady Alexandrovich Rachmaninov, 1808-1881, était connu comme l'auteur de romans de salon). Il a commencé à étudier systématiquement la musique à l'âge de cinq ans. En 1882, il entre au Conservatoire de Saint-Pétersbourg. En 1885, il s'installe à Moscou et devient étudiant au Conservatoire de Moscou, où il étudie d'abord avec le célèbre pianiste-professeur N. S. Zverev (dont l'élève était également Scriabine), et à partir de 1888 avec A. I. Siloti (piano), A. S. Arensky (composition, instrumentation, harmonie), S. I. Taneyev (contrepoint de l'écriture stricte). Parmi les œuvres écrites au cours des années d'études figurent le Concerto pour piano n ° 1 (1891, 2e édition, 1917), la Symphonie des jeunes (1891), le poème symphonique "Prince Rostislav" (d'après A. K. Tolstoï, 1991). En 1891, Rachmaninov est diplômé du conservatoire avec une grande médaille d'or en tant que pianiste, et en 1892 en tant que compositeur. Travail de fin d'études Rachmaninov est devenu l'opéra en un acte Aleko basé sur le poème de Pouchkine Les Gitans (1892, mis en scène au Théâtre Bolchoï en 1893).

Tchaïkovski avait une haute opinion du talent de Rachmaninov, sous la plus forte influence duquel s'est déroulé le développement créatif du jeune compositeur. Rachmaninov répond à la mort de Tchaïkovski avec le Trio élégiaque « À la mémoire d'un grand artiste » pour piano, violon et violoncelle (1893). Entre autres œuvres des années 1890. la fantaisie symphonique "Cliff" (1893), Musical Moments for Piano (6 pièces, 1896) et un certain nombre de romans, y compris des perles de paroles vocales russes comme "In the Silence of the Secret Night" aux paroles de Fet, " Ne chante pas, beauté, avec moi » aux paroles de Pouchkine, « Spring Waters » aux paroles de Tyutchev. Depuis le jour de sa création jusqu'à nos jours, le Prélude en ut dièse mineur pour piano (1893) a connu une popularité exceptionnelle - chronologiquement la plus ancienne des 24 pièces de Rachmaninov dans ce genre.

En 1895, Rachmaninov compose la Première Symphonie, dont la création, tenue deux ans plus tard sous la direction de A. K. Glazunov, se révèle être un échec majeur. Selon les contemporains, en raison d'une exécution extrêmement négligente, la symphonie n'a pas été correctement appréciée; néanmoins, Rachmaninov a pris l'incident comme la preuve de son propre échec créatif et s'est éloigné pendant plusieurs années de la composition musicale, se concentrant sur les activités d'interprétation. Au cours de la saison 1897/98, Rachmaninov a dirigé des représentations de l'Opéra russe privé de Moscou S. I. Mamontova; dans le même temps, sa carrière internationale d'interprète débute (la première représentation étrangère de Rakhmaninov a lieu à Londres en 1899). En 1898-1900, Rachmaninov se produit à plusieurs reprises dans un ensemble avec F.I. Chaliapine.

1900
Au début des années 1900. Rachmaninov a réussi à surmonter la crise créative. La décennie et demie qui suivit fut la plus fructueuse de sa biographie. Le style de Rachmaninov est profondément enraciné dans la tradition de la musique russe du XIXe siècle, en particulier la direction de Moscou, dont Tchaïkovski était le chef de file reconnu. Ce style du compositeur trouve une expression vivante dans les toutes premières œuvres majeures de cette période - le deuxième concerto pour piano le plus populaire et la Sonate pour violoncelle et piano (tous deux - 1901).

La cantate "Printemps" sur les vers de Nekrasov (1902) est empreinte d'une attitude joyeuse, véritablement printanière. Autres grands opus instrumentaux des années 1900 - La Symphonie n° 2 (1907) et le Concerto pour piano n° 3 (1909), - malgré toute leur richesse dramatique, se terminent également par un dénouement émotionnel inconditionnellement "positif". Dans ce contexte, le poème symphonique "L'île des morts" (1909), inspiré du tableau du même nom du peintre suisse A. Böcklin, populaire au tournant du siècle, se détache par sa couleur sombre.

En 1904-1906, Rachmaninov travailla comme chef d'orchestre au Théâtre du Bolchoï, où sa "spécialité" était les opéras de compositeurs russes du XIXe siècle. Parallèlement, il écrit deux opéras en un acte qui, contrairement à Aleko, ne sont pas largement reconnus : Francesca da Rimini sur un livret de M. I. Tchaïkovski d'après Dante et The Miserly Knight d'après Pouchkine. Les deux opéras ont été mis en scène en 1906 au Théâtre du Bolchoï sous la direction de l'auteur. Le troisième opéra de cette période, "Monna Vanna" (basé sur la pièce du même nom de M. Maeterlinck) est resté inachevé.

Dans les années 1910 Rachmaninov accorde une attention considérable aux grandes formes chorales. Grande valeur pour la musique spirituelle russe ont ses magnifiques compositions liturgiques - la liturgie de St. John Chrysostom (1910) et la veillée nocturne (1915). En 1913, le poème monumental The Bells a été écrit sur des poèmes d'E. Poe pour solistes, chœur et orchestre; dans son style, cette œuvre est associée non pas tant aux exemples russes du genre cantate-oratorio (Tchaïkovski, Taneyev), mais aux fresques vocales-symphoniques de feu Liszt.

Richement et diversement représenté dans les œuvres des années 1900-10. et petites formes: romances (dont le célèbre "Lilas" aux paroles d'E. A. Beketova et "C'est bien ici" aux paroles de G. Galina, 1902, "Daisies" aux paroles de I. Severyanin, 1916, et bien d'autres ), pièces pour piano (dont 2 cahiers de préludes, 1903, 1910, et 2 cahiers d'Etudes-Peintures, 1911, 1916-17). Contrairement à la plupart des autres compositeurs pianistes, Rachmaninov n'attache pas beaucoup d'importance au genre sonate pour piano : aucune de ses deux œuvres dans ce genre (1907, 1913) ne figure parmi les grandes réussites artistiques.

Émigration

En décembre 1917, Rachmaninov part en tournée en Scandinavie, d'où il ne reviendra jamais en Russie. En 1918, lui et sa famille s'installent aux États-Unis. Depuis 25 ans, Rachmaninov mène la vie d'un pianiste virtuose itinérant. La gloire de Rachmaninov en tant que pianiste, qui était assez grande même avant 1917, est rapidement devenue véritablement légendaire. Ses interprétations de sa propre musique et des œuvres de compositeurs romantiques - Chopin, Schumann, Liszt, connaissent un succès particulier. Les enregistrements au gramophone du jeu de Rachmaninov donnent une idée de sa technique phénoménale, de son sens de la forme et de son attitude exceptionnellement responsable envers les détails. Le pianisme de Rachmaninov a influencé des maîtres remarquables de l'interprétation du piano tels que V. V. Sofronitsky, V. S. Horowitz, S. T. Richter, E. G. Gilels.

Nombreux concerts n'a pas laissé à Rakhmaninov la force et le temps de composer de la musique; Les nombreuses années de séparation du compositeur d'avec sa patrie ont également joué un rôle dans le déclin de l'activité créatrice. Au cours des neuf premières années d'émigration, Rachmaninov n'a pas écrit un seul nouvel ouvrage; viennent ensuite le Concerto pour piano n° 4 (commencé en Russie au milieu des années 1910, il s'achève en 1926), Trois chansons russes pour chœur et orchestre (1926), Variations sur un thème de Corelli pour piano (1931), Rhapsodie sur un Thème de Paganini pour piano et orchestre (1934), Symphonie n° 3 (1935-36) et "Danses symphoniques" pour orchestre (1940). Dans les deux dernières œuvres, le thème de la nostalgie de la Russie perdue résonne avec une force particulière.

Nom: Sergueï Rachmaninov

Âge: 69 ans

Lieu de naissance: Semionovo, district de Starorussky, province de Novgorod,

Lieu du décès: Beverly Hills, Californie, États-Unis

Activité: compositeur, pianiste, chef d'orchestre

Situation familiale: était marrié

Sergueï Rachmaninov - biographie

"Ce qui prend vie, la musique revient" Ces mots de Heinrich Heine Sergei Rachmaninov souvent répétés. Comme la plupart des génies, son bonheur est toujours allé de pair avec la tragédie. Musique guérie. Et les auditeurs ont plus d'une fois témoigné de la magie curative de la musique de Rachmaninov.

Sergei Vasilyevich Rachmaninov est né le 1er avril 1873 - l'un des six enfants d'une famille musicale talentueuse. Pendant longtemps, le domaine de Novgorod de sa mère, Oneg, a été considéré comme le lieu de sa naissance, et plus tard, pour une raison quelconque, ils ont commencé à appeler le domaine Semenovo du district Starorussky de la province de Novgorod. Mais le premier est vrai petite enfance compositeur passé à Onega.

Il doit son patronyme exotique aux souverains moldaves, ses lointains ancêtres. Dans différentes parties de la Russie, « rahmanny » signifiait différentes choses : de « doux », « lent » et « rustique » à l'opposé « gai », « hospitalier » et même « séditieux ». On ne sait pas pour quelles qualités le petit-fils d'Etienne le Grand lui-même était surnommé "Rakhmanin" - mais, bien sûr, ce n'était pas par hasard, ce n'était pas par hasard qu'un génie est apparu dans leur famille des siècles plus tard, doué d'un tel article aristocratique et noblesse clairement innée.

Sergueï Rachmaninov - Enfance et études

Le grand-père du grand compositeur Arkady Alexandrovich, bien qu'il soit considéré comme un pianiste amateur, a étudié avec John Field lui-même, un compositeur irlandais qui a vécu en Russie, le professeur de Glinka et, en fait, le fondateur de l'école pianistique russe. Arkady Alexandrovich a lui-même composé de la musique, plusieurs de ses compositions ont même été publiées au XVIIIe siècle.

Un homme doué pour la musique était son père, un officier de hussards à la retraite du régiment de Grodno Vasily Rakhmaninov. Et ma mère, Lyubov Petrovna, née Butakova, diplômée du conservatoire de piano avec Anton Rubinstein, a bien chanté et est elle-même devenue le premier professeur de Sergei. Et bien que, selon ses souvenirs, ces leçons lui aient donné "un grand mécontentement", à l'âge de quatre ans, le gamin jouait déjà intelligemment avec son grand-père à quatre mains.

Mais il doit l'une des impressions musicales les plus fortes de son enfance à sa grand-mère religieuse, Sofya Alexandrovna Butakova: «Pendant des heures, nous sommes restés inactifs dans les étonnantes cathédrales de Saint-Pétersbourg - Saint-Pétersbourg. - Les meilleurs chœurs de Saint-Pétersbourg y chantaient souvent. J'ai essayé de trouver une place sous la galerie et j'ai capté chaque son. Grâce à sa bonne mémoire, il se souvenait facilement de presque tout ce qu'il entendait.

C'est là que sont nées ses célèbres Bells and Vigil, que le compositeur lui-même considérait comme ses meilleures compositions ! Et la sonnerie inoubliable des cloches de Novgorod sera ressuscitée dans les sons du grand deuxième concerto pour piano. "L'un de mes souvenirs d'enfance les plus précieux est associé à quatre notes appelées par les grosses cloches de la cathédrale Sainte-Sophie... Quatre notes formées en un thème répétitif encore et encore, quatre notes argentées pleurantes, entourées d'un accompagnement en constante évolution .”

Et avec sa mémoire phénoménale, Rachmaninov surprend dès sa jeunesse. Une fois (c'était au début des années 90 du XIXe siècle) à son professeur S.I. Le compositeur A. Glazunov est venu à Taneyev pour montrer une partie de sa nouvelle symphonie. Après avoir écouté, Taneyev est sorti et n'est pas revenu seul: "Laissez-moi vous présenter mon étudiant talentueux Rachmaninov, qui a aussi composé une symphonie… » Quelle ne fut pas la surprise de Glazounov lorsque « l'élève » s'assit au piano et exécuta la composition qu'il venait de jouer ! "Mais je ne l'ai montré à personne !" - Glazunov a été étonné. Il s'est avéré que Rachmaninov se trouvait dans la pièce voisine et répétait à l'oreille la musique qu'il entendait pour la première fois.

Lyubov Petrovna a reçu en dot cinq domaines avec de grandes parcelles de terrain. L'un d'eux était générique, les autres ont été décernés à son père, le général Piotr Butakov, pour service honnête dans le corps des cadets. Mais le mari a passé dix ans et a tout perdu. Au début des années 1880, la famille, qui compte déjà six enfants, est frappée par de graves difficultés matérielles. Contraints de vendre Oneg, les Rachmaninov s'installent à Saint-Pétersbourg.

À l'automne 1882, Sergei entre au département junior du Conservatoire de Saint-Pétersbourg dans la classe du professeur V.V. Demyansky et s'est installé dans la maison d'amis. Mais la discorde dans la famille et l'indépendance précoce du garçon ont peu contribué à l'apprentissage. Sauvée par sa grand-mère bien-aimée Sofya Alexandrovna : à la fin de chaque année de conservatoire, elle emmenait son petit-fils chez elle à Novgorod ou dans son domaine Borisovo.

La vie de Sergueï Rachmaninov à Ivanovka

Et puis Le meilleur endroit Ivanovka est devenu pour lui à jamais sur terre. "Pendant 16 ans, j'ai vécu sur les domaines qui appartenaient à ma mère", écrira Sergey Vasilyevich des années plus tard, "mais à l'âge de 16 ans, mes parents ont perdu leur fortune et je suis parti pour l'été dans le domaine de mon parent Satin . De cet âge jusqu'au moment où j'ai quitté la Russie (pour toujours?), J'y ai vécu 28 ans ... Il n'y avait pas de beautés naturelles, qui comprennent généralement les montagnes, les abîmes, la mer.

C'était un domaine de steppe, et la steppe est la même mer, sans fin ni bord, où, au lieu d'eau, il y a des champs continus de blé, d'avoine, etc., d'un horizon à l'autre. L'air marin est souvent loué, mais si vous saviez à quel point l'air de la steppe est meilleur avec son arôme de terre et tout ce qui pousse, il ne pompe pas. Il y avait un grand parc sur ce domaine, planté à la main, à mon époque déjà cinquantenaire. Il y avait de grands vergers et grand lac. Depuis 1910, ce domaine est passé entre mes mains ... Là-bas, à Ivanovka, j'ai toujours aspiré. La main sur le cœur, je dois dire que j'aspire toujours à y aller.

C'est ici, à Ivanovka, que beaucoup de choses ont commencé et se sont produites qui détermineront l'ensemble la vie plus tard Sergueï Vasilievitch. Il y trouva « le repos et la paix complète, ou, à l'inverse, un travail assidu, favorisé par la paix environnante ». Ici, il a perfectionné ses talents d'interprète pour des concerts, qu'il a commencé à jouer pendant ses années d'études. Là, ses premières compositions sont nées, écrites sous les auspices du compositeur et professeur Sergei Taneyev. Là, il a vécu le premier amour magnifique et incroyablement romantique. Là, il en a également trouvé un autre - grand, sensible, dévoué, qui l'accompagnera jusqu'au bout.

Au cours de ces années, de nombreux jeunes se sont réunis à Ivanovka: toute la famille Satin, leurs nombreux parents et voisins, et parmi eux les cousins ​​germains de Sergey - les beautés Natalya, Lyudmila et Vera Skalon. Eh bien, là où il y a beaucoup de jeunes, une atmosphère d'amour s'installe toujours, et tout le monde cherchait avec enthousiasme son bonheur là-bas, «là où le lilas est bondé». Elle n'a pas contourné Sergei, 17 ans. Au début, il lui semble qu'il est amoureux de l'aînée des sœurs Skalon, Natalya, que tout le monde appelait Tatusha - ce n'est pas par hasard qu'il lui a dédié la romance «Dream» aux poèmes de Pleshcheev.

Et puis ils correspondent longtemps, et il partage avec elle toutes, enfin presque toutes ses expériences. Elle est devenue sa confidente, elle, amoureuse de lui, il en a également raconté un autre, pour l'amour passionné le plus inattendu - pour sa jeune sœur Vera, âgée de quinze ans, qu'il a qualifiée de «psychopathe» pour son émotivité vive. Heureux jeune homme - ce sentiment était réciproque. De nombreux amis et biographes considéraient l'amour pour Vera comme un passe-temps passé, une romance de jeunesse qui s'est naturellement terminée avec l'entrée en l'âge adulte.

Oui, et Verochka semblait avoir facilement oublié son drôle de cousin dégingandé avec de longues jambes qui ne rentraient pas sous le piano. Elle s'est mariée, a donné naissance à deux filles et avant le mariage, elle a brûlé toutes les lettres de Rachmaninov. Bien sûr que non. Pas une entreprise simple et aléatoire réunie à Ivanovka. C'étaient des jeunes éduqués et talentueux qui ne se lassaient pas d'apprendre. Beaucoup ont étudié au conservatoire, tout le monde a joué, chanté, dessiné... Et ils ont compris ou du moins deviné, ressenti intuitivement quel talent puissant, quelle personnalité étonnante ils avaient la chance de côtoyer.

Oui, et malgré toutes les maladresses juvéniles, le cousin était beau, intelligent et quel pianiste brillant - tout le monde était heureux de prendre des leçons avec lui, ce qu'il ne refusait d'ailleurs à personne ... Ils sont tombés amoureux l'aimer sincèrement. Le journal de Vera a été préservé, plein d'espoirs, de désirs de fille et de désirs insatisfaits. En voici quelques lignes : « … Est-ce vraiment de l'amour ?! Je n'avais aucune idée de quel genre de tourment c'était. Les livres sont écrits différemment.

Je continue d'espérer que cette humeur passera d'une manière ou d'une autre ... "" ... Qui m'est plus cher que tous? Je ne peux même pas y croire ! Depuis combien de temps l'ai-je trouvé terrible, antipathique, dégoûtant. Et maintenant? Et nous ne nous connaissons que depuis trois semaines. Dieu, Dieu, que tout cela est étrange ! « Bien sûr, il n'y a plus de doutes, je suis amoureux ! C'est arrivé soudainement et contre ma volonté… » « Je suis à la fois triste et agacé, surtout, je commence à craindre que Sergei Vasilyevich ne me soit complètement indifférent. Oh, ce serait terrible ! Comment n'y ai-je pas pensé avant...

« … C'est ce que j'ai vu dans un rêve. Je marche le long de l'Allée Rouge, et soudain une silhouette masculine apparaît au loin et s'approche rapidement, je m'arrête, j'essaie de voir, mais je n'y arrive pas. Ce n'est que lorsqu'il s'est approché de trois pas que j'ai reconnu Sergueï Vassilievitch. Il a attrapé ma main et a commencé à la presser fermement et longtemps, puis tout a disparu dans le brouillard, et je me suis réveillé, sentant toujours le contact de sa main ... "

Et non plus un rêve, mais une véritable explication lors d'un patinage de village : "Dieu, qu'ai-je ressenti quand il m'a soudainement regardé et m'a dit doucement et affectueusement :" Oh, avec quelle joie j'emmènerais mon Psychopathe jusqu'aux extrémités du monde comme ça. Il m'a semblé que mon cœur s'était arrêté de battre, tout le sang s'est précipité dans ma tête, puis mon cœur a battu si fort que j'ai failli étouffer. Nous étions tous les deux silencieux. Hélas, en quelques minutes nous avions déjà fait le tour de l'aire de battage et du jardin et nous nous retrouvions de nouveau dans la cour. Oh, pourquoi ne pouvons-nous pas vraiment aller au bout du monde !"

"Aujourd'hui, j'étais convaincu que la joie est aussi difficile à cacher que le chagrin. Comment se sont terminés de manière inattendue tous mes doutes tourmentants ! Comme ma jalousie est ridicule maintenant ! A partir d'aujourd'hui j'ai le paradis dans mon coeur. Je me suis déjà habitué à l'idée qu'il m'aime, mais entre-temps pas plus tard qu'hier j'en étais convaincu. Il n'y a aucune raison de douter de la sincérité de ces aveux. Ceci est confirmé par les sœurs de Verochka et le sort ultérieur de la fille amoureuse, qui a été déterminé par ses parents.

La famille du général ne pouvait accepter un musicien si pauvre que les sœurs Skalon, le regrettant, lui achetèrent un manteau dans une piscine. Pour cela, Verochka a même cassé sa tirelire en porcelaine. Et en 1899, Vera, comme l'appelait aussi Rakhmaninov, épousa néanmoins un égal - un autre Sergey, leur ami commun Tolbuzin. Mais dix ans plus tard, en 1909, elle sera partie - à seulement 34 ans. Elle avait le cœur malade, mais qui sait combien de désespoir fatal s'ajoutait à cette douleur par la volonté cruelle d'un autre, des rêves déchirés. Ce n'est pas un hasard si elle soeur moyenne Lyudmila, dans ses mémoires, affirme que Vera a aimé Rachmaninov toute sa vie.

Mais qu'est-il ? A-t-il vraiment vite oublié celle avec qui il voulait "aller au bout du monde" ? Mais pourquoi, alors, Verochka, après avoir tenu un journal intime tellement parlant, avant le mariage, a détruit ses lettres, apparemment encore plus éloquentes. Et surtout, il y avait de la musique. Écoutez le premier concerto pour piano de Rachmaninov. La deuxième partie est consacrée à Verochka Skalon. Et combien les romances qui lui sont consacrées racontent : « Oh, je serai longtemps secrète, dans le silence de la nuit » aux paroles de Fet et quelques autres, dont la belle Lilas inoubliable.

Les romans sont généralement des pages spéciales des compositions de Rachmaninov. « La poésie inspire la musique, car il y a beaucoup de musique dans la poésie elle-même. Ils sont comme des sœurs jumelles, - a admis le compositeur. - Et une belle femme, bien sûr, source d'inspiration éternelle. Mais il faut le fuir et chercher la solitude, sinon tu ne composeras rien, tu n'apporteras rien au bout.

Portez l'inspiration dans votre cœur et votre esprit, pensez à une inspiration, mais pour travail créatif reste seul avec toi-même. La véritable inspiration doit venir de l'intérieur. S'il n'y a rien à l'intérieur, rien à l'extérieur n'aidera. Il a créé plus de 80 merveilleuses romances, et derrière chacune se cache une expérience vivante, une déclaration de cœur sur l'amour avec un nom spécifique.

Il est difficile de dire s'il soupçonnait pendant ces mois à Ivanovka avec quelle douleur et jalousie l'amie proche et confidente de Verochka, l'intelligente, sensible et talentueuse Natasha Satina, qui depuis longtemps était éperdument et désespérément amoureuse de sa brillante cousine, suivait le déroulement passions amoureuses. Mais - elle aimait, malgré tout, tranquillement, vraiment, fidèlement.

À cette époque - même pendant les années d'études au Conservatoire de Moscou - Rachmaninov a commencé à donner des concerts, qui ont eu un grand succès. Il étudie activement la composition sous la direction de Sergei Taneyev et Anton Arensky. Puis il a rencontré pour la première fois Tchaïkovski, qui a immédiatement noté un étudiant capable. Très vite, Piotr Ilitch a déclaré: "Je lui prédis un grand avenir."

À l'âge de 18 ans, Rachmaninov a brillamment suivi des cours de piano et, après avoir obtenu son diplôme du conservatoire en composition en 1892, il a reçu la grande médaille d'or pour son interprétation exceptionnelle et son succès de compositeur. Un autre diplômé exceptionnel - A. Skryabin - a reçu une petite médaille d'or (la grande n'a été décernée qu'à ceux qui ont obtenu leur diplôme du conservatoire dans deux spécialités). Lors de l'examen final, Rachmaninov a présenté l'opéra en un acte Aleko basé sur le poème de Pouchkine Les Gitans, qu'il a écrit en seulement 17 jours. Pour elle, Tchaïkovski, qui était présent à l'examen, a donné à son "petit-fils musical" (son professeur Taneyev était l'élève préféré de Piotr Ilitch) un cinq avec trois plus.

Elle a été bien accueillie par la critique et le public... Hélas. Un si brillant succès fut de courte durée. Tchaïkovski avait l'intention d'inclure Aleko dans le répertoire du Théâtre Bolchoï avec son opéra en un acte Iolanta. Lui et la Direction du Théâtre m'ont dit que ces deux opéras seraient présentés en décembre de la même année. Mais le 25 octobre 1893, Tchaïkovski meurt. "Iolanta" a été mis en scène, mais... sans mon "Aleko".

Pendant près de trois ans, la jeune compositrice a suivi des cours à la Mariinsky Women's School et à l'Institut élisabéthain. Mais il a continué à écrire. La plus grande création à cette époque était la Première Symphonie. Malheureusement, Alexander Glazunov, ne comprenant pas son caractère inhabituel, a échoué à la première représentation. Comment le soutien moral et les soins des personnes proches de lui ont aidé l'auteur! Et soudain, en 1897, Rachmaninov reçut de manière inattendue une offre dans un domaine complètement différent.

Le riche industriel Savva Mamontov a organisé un opéra privé, y a réuni des jeunes talents et lui a offert une place de second chef d'orchestre. Ici, Sergei Vasilyevich a maîtrisé les classiques de l'opéra dans la pratique, a rencontré de nombreux musiciens merveilleux et des maîtres artistes incroyables qui étaient patronnés par Mamontov: Serov, Vrubel, Korovin. Et il a rencontré l'incroyable chanteur Fyodor Chaliapine, qui venait de créer son Godounov, Grozny et d'autres parties qui choqueraient bientôt le monde entier. Ici, il a commencé une amitié avec cet "homme marqué par Dieu" qui a duré toute sa vie.

À l'été 1898, le compositeur et les artistes de l'Opéra privé russe sont venus en Crimée, où il a rencontré Anton Tchekhov. Au printemps 1899, Rachmaninov fit son premier voyage de concert à l'étranger - en Angleterre. Et les premières années du nouveau siècle ont montré un nouveau, vraiment grand musicien. Sergei Vasilyevich a connu une puissante poussée de forces créatrices, a créé de nouvelles œuvres, a donné des concerts à Vienne, Moscou, Saint-Pétersbourg et dans les provinces et, en 1904, a pris le poste de chef d'orchestre au Théâtre Bolchoï.

Sergei Rachmaninov - biographie de la vie personnelle, de la famille et des enfants

À cette époque, Rachmaninov était déjà devenu mari et père. Amie chère de son adolescence, qui était depuis longtemps amoureuse de lui et versait beaucoup de larmes à cause d'autres regards aimants, Natasha Satina attendait dans les coulisses. Musicienne subtile et capable elle-même, qui a étudié le piano et le chant au conservatoire, elle a réussi à gagner le cœur d'un être cher.

Même la sœur de Verochka Skalon, Lyudmila Rostovtseva, a écrit un demi-siècle plus tard: «Seryozha a épousé Natasha. meilleure femme il ne pouvait pas choisir. Elle l'aimait depuis l'enfance, pourrait-on dire, souffrait à travers lui. Elle était intelligente, musicale et très instructive. Nous nous sommes réjouis pour Seryozha, sachant dans quelles mains fiables il tombe ... "Et tous leurs autres la vie de famille prouvé qu'ils étaient faits l'un pour l'autre, qu'il ne peut y avoir de meilleur ami.

Mais, bien que le fait que cette union heureuse ait eu lieu, bien sûr, est avant tout le mérite de l'énorme amour et du dévouement de Natasha, elle a montré à la fois des griffes, du caractère et de la fierté. Voyant, déjà mariée, comment sa Seryozha jette un coup d'œil sur la nouvelle beauté et compose même quelque chose pour elle, elle dit immédiatement au marié qu'il était toujours libre de changer d'avis ... Mais c'est à elle, parmi de nombreuses dédicaces, qu'il a donné un véritable chef-d'œuvre : « Ne chante pas, beauté, avec moi » aux poèmes tout aussi brillants de Pouchkine.

Mais il n'était pas si facile de légitimer cette union envoyée d'en haut. Sergei et Natalya étaient cousins ​​et les mariages entre parents proches étaient interdits, l'autorisation personnelle de l'empereur était requise, ce qui était donné dans des cas exceptionnels. Les mariés ont déposé une pétition adressée au plus haut nom, mais, malgré d'éventuels gros ennuis pour avoir enfreint la loi, ils n'ont pas attendu de réponse. Afin de collecter des fonds pour un voyage de noces, Sergei s'est installé à Ivanovka pour composer 12 romans - un par jour.

Et à leur retour le 29 avril 1902, ils se marient dans une petite église du 6e régiment de grenadiers taurides à la périphérie de Moscou. "Je suis monté dans une calèche en robe de mariée, la pluie a coulé comme un seau", se souvient Natalya Alexandrovna. -Il était possible d'entrer dans l'église en passant par la caserne la plus longue. Les soldats étaient allongés sur les couchettes et nous regardaient avec surprise. Les meilleurs hommes étaient A. Zealot et A. Brandukov.

Siloti, quand nous avons été conduits autour du pupitre pour la troisième fois, m'a chuchoté en plaisantant : « Tu peux encore changer d'avis. Pas trop tard". Sergei Vasilyevich était en queue de pie, très sérieux, et moi, bien sûr, j'étais terriblement inquiet. De l'église, nous sommes allés directement au Zealot, où un festin au champagne était organisé. Après cela, nous nous sommes rapidement changés et sommes allés directement à la gare, en prenant des billets pour Vienne.

Après un mois à Vienne - la beauté de l'Italie, de la Suisse, les merveilleuses gondoles des Alpes et de Venise, des concerts et des opéras inoubliables interprétés par les meilleurs musiciens d'Europe, le chant merveilleux des Italiens ... Et - le Festival Wagner à Bayreuth, des billets pour qui ont été présentés comme cadeau de mariage par Siloti : "Flying Dutchman", "Parsifal" et "Ring of the Nibelung".

Et à partir de là - à la maison, à Ivanovka. Quand il s'est avéré à l'automne que tout fonctionnait avec la licence de mariage, ils ont déménagé à Moscou. Là, à Vozdvizhenka, le 14 mars 1903, leur fille Irina est née. Et le 21 juin 1907 - la deuxième fille, Tatyana.

"Sergey Vasilyevich aimait les enfants de manière touchante en général", se souviendra plus tard sa femme. - En marchant, je ne pouvais pas croiser un enfant en poussette sans le regarder, et, si c'était possible, sans lui caresser la poignée. Quand Irina est née, sa joie n'a pas connu de fin. Mais il avait tellement peur pour elle qu'il lui semblait toujours qu'elle avait besoin d'aide ; il était agité, il marchait impuissant autour de son berceau et ne savait pas quoi faire. La même chose était vraie après la naissance de Tanya quatre ans plus tard.

Cette touchante sollicitude pour les enfants, cette tendresse pour eux se poursuivit jusqu'à sa mort. C'était un père merveilleux. Nos enfants l'adoraient, mais ils avaient quand même un peu peur, ou plutôt, ils avaient peur de l'offenser et de le contrarier d'une manière ou d'une autre. Pour eux, il était le premier dans la maison. Tout se passait dans la maison - comme dirait papa et comment il réagirait à ceci ou à cela. Quand les filles ont grandi, Sergei Vasilyevich, voyageant avec elles, les admirait, était fier de leur beauté. Plus tard, il a eu la même attitude envers sa petite-fille et son petit-fils.

Et en même temps, il réussissait incroyablement bien, surprenant même Natalya Alexandrovna: «S'il se mettait au travail, elle allait très vite, surtout s'il composait un texte. Ce n'était pas que des romances. Il a composé l'opéra The Miserly Knight en près de quatre semaines, se promenant dans les champs d'Ivanovka. Le travail avec Kolokols a été tout aussi rapide. Lorsqu'il composait, il était absent de son entourage. Et jour et nuit, je ne pensais qu'à écrire. C'était donc dans sa jeunesse, et de même en août 1940, alors qu'il composait son dernier travail- "Danses symphoniques".

Combien de grande musique est née alors - les opéras The Miserly Knight et Francesca da Rimini, poèmes symphoniques et des cantates chorales - " Falaise ", " L'île des morts ", concertos pour piano, fantaisies, sonates, variations et rhapsodies, capriccios - sur des motifs gitans, sur des thèmes de Paganini, Chopin, Corelli. Et - la magnifique "Vocalise", présentée à Antonina Vasilievna Nezhdanova, et à ce jour le rêve des meilleurs chanteurs et instrumentistes.

Et en même temps, il y avait suffisamment de temps et d'énergie pour se laisser emporter par ... les innovations techniques et le travail sur le terrain: «Lorsque le domaine d'Ivanovka est passé entre mes mains, j'aimais beaucoup le ménage. Cela ne rencontra pas de sympathie dans la famille, qui craignait que les intérêts économiques ne m'éloignent de l'activité musicale. Mais j'ai travaillé avec diligence l'hiver, «gagné de l'argent» avec des concerts, et l'été j'en ai mis la majeure partie dans le sol, amélioré à la fois la gestion, l'équipement en direct et les machines. Nous avions des liants, des faucheuses et des jardinières pour la plupart d'origine américaine.

La fidèle Natasha était une amie et une aide en tout, elle partageait les difficultés des longues tournées, de nombreux transferts et des nuits blanches fatigantes. Protégé des courants d'air, surveillait son repos, sa nourriture, emballait ses affaires, se réchauffait les mains avant les concerts - avec des massages et des coussins chauffants, jusqu'à ce qu'ils proposent ensemble un embrayage électrique spécial. Et, surtout, l'a soutenu moralement, quoi qu'il arrive. Et en musique, ils se comprenaient sans mots: «Lorsque nous étions dans une sorte de concert ou d'opéra, j'étais le premier à exprimer mon opinion sur l'œuvre ou l'interprète.

Cela coïncidait généralement complètement avec son opinion. Peu avant la Seconde Guerre mondiale en Angleterre, le chef d'orchestre qui jouait The Bells demanda à l'auteur de venir à ce concert. Sergei Vasilyevich a également joué ce jour-là et n'a pas pu le faire. Il a répondu au chef d'orchestre que sa femme viendrait à son concert à sa place et que "ce qu'elle dira sera mon opinion".

Il a appelé sa Natalya Alexandrovna "le bon génie de toute ma vie". Hélas, même une union aussi bénie n'est pas sans nuages. D'apparence sombre, voire lugubre, Rachmaninov était grand, beau et élégant, et il y avait toujours de nombreux admirateurs autour. En septembre 1916, en seulement deux semaines et demie, il écrit six romans dédicacés à la chanteuse Nina Kosice. Il l'a accompagnée en tournée et n'a pas caché son amour enthousiaste, qui n'a pas seulement donné lieu à des commérages.

On ne sait pas combien de souffrances supplémentaires Natalya Alexandrovna aurait subies - la révolution et l'émigration ont mis fin à cette histoire. Loin de sa patrie, Rachmaninov n'écrira plus un seul roman. Mais bien que le compositeur ait perçu la guerre mondiale de 1914-1918 comme l'épreuve la plus difficile pour la Russie, au début, ils n'allaient pas partir. Dès la toute première «saison de guerre», Sergei Vasilievich a constamment participé à des concerts de charité et a pris la révolution de février 1917 avec joie. Mais des doutes ont rapidement surgi, grandissant au fur et à mesure que les événements se déroulaient.

Le compositeur a accueilli la révolution avec inquiétude. Non seulement parce qu'avec l'effondrement de tout le système, l'activité artistique en Russie pourrait s'arrêter pendant de nombreuses années. J'ai dû affronter la cruelle réalité dans mon Ivanovka. Il semble que les paysans locaux aient été satisfaits des réponses et des plans du maître intelligent et gentil, mais bientôt ils sont venus eux-mêmes avec le conseil de partir : certains étrangers qui brouillent les pistes et incitent à la révolte étaient trop fréquents. La goutte qui a fait déborder le vase a été le piano cassé, jeté sans raison par la fenêtre de la "maison du maître".

Sergueï Rachmaninov - émigration

En décembre 1917, Rachmaninov et sa famille partent en tournée en Suède. Et il n'est jamais retourné en Russie. Ce fut un drame : « Ayant quitté la Russie, j'ai perdu l'envie de composer. Ayant perdu ma patrie, je me suis perdu. Tout d'abord, les Rachmaninov se sont installés au Danemark, où le compositeur a donné de nombreux concerts pour gagner sa vie, et en 1918, ils ont déménagé en Amérique, où l'activité de concert de Sergei Vasilyevich s'est poursuivie sans interruption pendant près de 25 ans avec un succès retentissant.

Les auditeurs ont été attirés non seulement par les hautes performances de Rachmaninov, mais par la manière même de son jeu, l'ascèse extérieure, derrière laquelle se cachait la nature brillante d'un génie. "Une personne capable d'exprimer ses sentiments d'une telle manière et avec une telle force doit avant tout apprendre à les maîtriser parfaitement, à être leur maître ..." - admiraient les critiques.

Et il a souffert : « J'en ai marre de l'Amérique. Pensez-y : donner des concerts presque tous les jours pendant trois mois d'affilée. Je n'ai joué que mes œuvres. Le succès est au rendez-vous, ils sont obligés de répéter jusqu'à sept fois, ce qui est beaucoup pour le public local. Le public est étonnamment froid, gâté par les tournées d'artistes de premier ordre, toujours à la recherche de quelque chose d'insolite, pas comme les autres. Les journaux locaux sont sûrs de noter combien de fois ils ont été appelés, et pour un large public, c'est une mesure de votre talent.

En exil, Rachmaninov a presque cessé de diriger des performances, bien qu'il ait été invité à diriger le Boston orchestre symphonique, et plus tard par le Cincinnati City Orchestra. Il ne se tenait qu'occasionnellement à la console, interprétant ses propres compositions. Cependant, il a admis: «Ce qui m'a agréablement frappé et profondément touché en Amérique, c'est la popularité de Tchaïkovski. Un culte s'est créé autour du nom de notre compositeur. Pas un seul concert ne passe sans le nom de Tchaïkovski au programme.

Et ce qui est le plus surprenant de tout, c'est que les Yankees, peut-être, sentent et comprennent mieux Tchaïkovski que nous, les Russes. Positivement, chaque note de Tchaïkovski leur dit quelque chose. Éducation musicale bravo en Amérique. J'ai visité des conservatoires à Boston et à New York. Bien sûr, ils m'ont montré les meilleurs élèves, mais une bonne école se voit dans la manière même de ses performances.

Ceci, cependant, est compréhensible - les Américains ne sont pas avares d'écrire les meilleurs virtuoses européens et de payer des frais colossaux pour l'enseignement. Et en général, dans le personnel des professeurs de leurs conservatoires 40% d'étrangers. Les orchestres sont également bons. Surtout à Boston. C'est sans aucun doute l'un des meilleurs orchestres du monde.

Cependant, il s'agit à 90% d'étrangers. Les instruments à vent sont tous français, mais les cordes sont aux mains des Allemands. Et à propos des pianistes, il a dit que le monde ne risquait pas de se retrouver sans grands virtuoses à la technique irréprochable. Il est étrange que personne n'ait été aussi obligé de jouer de la musique moderne qu'ils l'étaient de Sergei Vasilyevich. Mais il n'est pas allé plus loin que les travaux de Debussy, Ravel et Poulenc. Il s'est fortement opposé à l'opinion dominante selon laquelle il s'agissait d'une étape supplémentaire dans le développement de l'art musical.

Il croyait qu'au contraire, c'était une régression, il ne croyait pas que quelque chose de significatif pouvait sortir de cette direction, car les modernistes manquaient de l'essentiel - le cœur. Il a dit qu'il ne comprenait pas et n'acceptait pas de telles compositions, que les fans de «moderne» faisaient seulement semblant d'y comprendre quelque chose: «Heine a dit un jour:« Ce qui prend vie, la musique revient. Il ne dirait pas ça s'il entendait la musique d'aujourd'hui. La plupart du temps ça ne fait rien. La musique est censée apporter un soulagement, elle devrait avoir un effet purifiant sur les esprits et les cœurs, mais la musique moderne ne le fait pas.

Si nous voulons De la vraie musique, nous devons revenir aux bases qui ont fait la grandeur de la musique du passé. La musique ne peut pas se limiter à la couleur et au rythme ; elle doit révéler des sentiments profonds... La seule chose que j'essaie de faire lorsque je compose de la musique est de la faire exprimer directement et simplement ce qui est dans mon cœur. Et il a ajouté : « Dans les pays qui sont particulièrement riches chansons folkloriques développe naturellement de la grande musique. Donnant des concerts en Amérique et en Europe, Rachmaninov atteint un grand bien-être artistique et matériel.

Mais même dans son agitation folle, il n'a pas retrouvé la tranquillité d'esprit perdue, il n'a pas oublié sa patrie une minute. Il était inébranlablement négatif à l'égard du gouvernement bolchevique, mais suivait de près le développement de la culture soviétique, donnait des concerts de charité, aidait non seulement ses camarades de la profession, mais, par exemple, le concepteur d'hélicoptères Sikorsky, le rencontrant en Amérique, écoutait avec enthousiasme des histoires sur de nouveaux avions.

En 1930, les Rachmaninov acquièrent un domaine près de Lucerne et le nomment Senar, combinant les deux premières lettres des noms Sergei et Natalya et la première lettre du nom de famille. "Notre maison a été construite sur le site d'un gros rocher qui a dû être dynamité", écrit la femme du compositeur. - Pendant deux ans, pendant la construction de cette maison, nous avons vécu dans une petite dépendance. Les ouvriers sont arrivés à 6 heures du matin et ont commencé à travailler avec des sortes de perceuses. Le bruit infernal ne m'a pas laissé dormir. Mais Sergei Vasilyevich était tellement passionné par la construction qu'il la traitait avec condescendance.

Il aimait étudier tous les plans avec l'architecte, se promenait avec plaisir autour du bâtiment et était encore plus intéressé à discuter avec le jardinier. Tout le vide devant la future maison a dû être rempli d'énormes blocs de granit laissés par l'explosion du rocher. Il était recouvert de terre et semé d'herbe. Au bout de deux ou trois ans, le site s'est transformé en une magnifique prairie verte. Pendant la construction de la maison, des amis russes venaient souvent dans notre aile : Horowitz et sa femme, le violoniste Milstein, le violoncelliste Pyatigorsky et d'autres.

Il y avait beaucoup de bonne musique ces jours-ci." Et le propriétaire aimait aussi présenter solennellement des innovations techniques : un ascenseur, un aspirateur et un chemin de fer jouet. Les voitures étaient sa passion particulière. "Rakhmaninov aimait beaucoup conduire une voiture", a rappelé le célèbre violoniste Nathan Milstein. "J'ai acheté une nouvelle Cadillac ou Continental chaque année parce que je n'aimais pas m'occuper des réparations."

Au cours de la toute première année dans la nouvelle maison - en 1935 - Rachmaninov a composé l'une de ses meilleures œuvres - Rhapsodie pour piano et orchestre. Au cours des deux étés suivants, il achève sa Troisième Symphonie. Malheureusement, il n'a pas pu voir Senar après la guerre de 1939-1945. Il serait étonné de voir à quel point toutes ses plantations poussaient d'une beauté inhabituelle. Je n'ai pas vu. Avec le début d'une nouvelle guerre, le compositeur et sa femme retournent en Amérique.

Rachmaninov était l'un des représentants de l'intelligentsia russe qui a signé un appel aux citoyens américains en 1930 contre l'intention du gouvernement américain de reconnaître officiellement l'Union soviétique avec le pouvoir existant là-bas. Mais avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, il fut l'un des premiers à décider "de montrer par l'exemple à tous les Russes qu'il faut à un tel moment oublier les désaccords et s'unir pour aider la Russie épuisante et souffrante".

En 1941, toute la collection de concert de charitéà New York, il a remis au consul soviétique V. A. Fedyushin, écrivant dans une lettre d'accompagnement: «De l'un des Russes, toute l'assistance possible au peuple russe dans sa lutte contre l'ennemi. Je veux croire, je crois à la victoire complète ! Il y avait d'autres concerts pour aider la patrie à combattre les nazis. Et le paquebot a apporté de la nourriture et des médicaments aux compatriotes.

En 1942, le 50e anniversaire de l'activité artistique de Rachmaninov est célébré, mais le héros du jour interdit à parents et amis d'en parler. Non seulement parce qu'il n'aimait pas les banquets et les toasts, il considérait la célébration inappropriée lorsque le sang coulait sur les fronts. Cependant, dans l'Amérique prospère, peu de gens se sont souvenus de l'anniversaire de Rachmaninov, seuls des représentants de la société Steinway lui ont offert un magnifique piano. Mais dans la patrie en guerre, une exposition consacrée à la vie et à l'œuvre du compositeur s'est ouverte au théâtre Bolchoï.

Les dernières années de la vie de Sergei Vasilyevich Rachmaninoff

La dernière saison de concerts, malgré un malaise, Rachmaninoff a commencé le 12 octobre 1942. Et le 1er février 1943, 25 ans après son arrivée en Amérique, lors de la tournée suivante, lui et sa femme obtinrent la citoyenneté américaine. Le 11 février, Sergei Vasilievich a joué le Premier Concerto et sa Rhapsodie de Beethoven à Chicago sous la baguette de Stock. La salle était comble lorsque l'orchestre a salué Rachmaninov avec une carcasse et que le public s'est levé. "Il a joué à merveille", a écrit sa femme, "mais il se sentait mal, se plaignait de fortes douleurs au côté."

Et le 17 février 1943, il eut lieu dernier concert, après quoi il a été contraint d'interrompre la tournée. "La maladie a progressé si rapidement que même le Dr Golitsyn, qui lui rendait visite quotidiennement, a été surpris", se souvient Natalya Aleksandrovna. - Sergey Vasilyevich ne pouvait pas manger du tout. Les battements de cœur ont commencé. D'une manière ou d'une autre, dans une semi-conscience, Sergei Vasilievich m'a demandé: "Qui joue?" - "Dieu est avec toi, Seryozha, personne ne joue ici." - "J'entends de la musique."

Une autre fois, Sergei Vasilyevich, levant la main au-dessus de sa tête, a déclaré: "Étrange, j'ai l'impression que mon aura est séparée de ma tête." Mais aussi dans derniers jours, reprenant rarement conscience, a demandé à Natalya Alexandrovna de lui lire les rapports du front russe. En apprenant la victoire de Stalingrad, il murmura : « Dieu merci !

« Trois jours avant sa mort, le patient a commencé à perdre connaissance ; parfois il délirait, - se souvient le Dr Golitsyn, - et dans le délire, il bougeait ses mains, comme s'il dirigeait un orchestre ou jouait du piano. Je ne peux pas m'empêcher de me rappeler ce sentiment spécial que j'éprouvais chaque fois que je prenais sa main pour vérifier le pouls, je pensais tristement que ces belles mains fines ne toucheraient plus jamais les touches et donneraient ce plaisir, cette joie qu'elles donnaient aux gens dans suite de cinquante ans.

"Le 26 mars, le Dr Golitsyn a conseillé d'appeler un prêtre pour la communion", a écrit sa femme. - Le Père Grégoire l'a communié à 10h00 du matin (il l'a aussi enterré). Sergei Vasilyevich était déjà inconscient. Le 27, vers minuit, l'agonie commença, et le 28, à une heure du matin, il mourut tranquillement. Il avait une expression remarquablement calme et bonne sur son visage. Le matin, il a été transporté à l'église de l'icône de la Mère de Dieu du salut des périssant quelque part à la périphérie de Los Angeles. Dans la soirée, il y avait le premier service commémoratif. Beaucoup de gens se sont rassemblés. L'église était pleine de fleurs, de bouquets, de couronnes. Des buissons entiers d'azalées ont été envoyés par Steinway.

Pour les funérailles, nous avons apporté deux fleurs de notre jardin et les avons mises entre les mains de Sergei Vasilyevich. Le chœur des cosaques de Platov a bien chanté. Ils ont chanté des "Seigneur, aie pitié" particulièrement beaux. Pendant tout un mois après les funérailles, je n'ai pas pu me débarrasser de cet hymne ... Le cercueil était en zinc, pour que plus tard, un jour, il puisse être transporté en Russie. Il a été temporairement placé dans le mausolée de la ville. Fin mai, Irina et moi avons réussi à acheter un terrain pour la tombe du cimetière de Kensico. Sur la tombe, à la tête, pousse un grand érable étalé. Autour, au lieu d'une clôture, des buissons de conifères à feuilles persistantes ont été plantés, et sur la tombe elle-même, il y avait des fleurs et une grande croix orthodoxe imitant le marbre gris.

Sergueï Rachmaninov - filles

Sergei Rachmaninov a laissé de belles filles, qui chérissaient et chérissaient la mémoire de leur père. Irina a fait ses études en Amérique, est diplômée de l'université et parle couramment l'anglais et le français. En 1920-30, elle vit à Paris. Ici, en 1924, elle épousa le prince Piotr Grigoryevich Volkonsky, un artiste, fils d'un émigré. Mais le bonheur familial a été de courte durée, un an plus tard, Volkonsky est décédé subitement à l'âge de 28 ans.

Tatyana est diplômée d'un gymnase à New York et vit depuis les années 1930 à Paris, où elle a épousé le fils d'un célèbre professeur de musique, violoniste et compositeur, qui a étudié avec Rachmaninov au Conservatoire de Moscou, Boris Konyus. Pendant la guerre, elle reste à Paris, s'occupe de la succession de ses parents en Suisse et en hérite par la suite. Ensuite, les archives de Senar et Rachmaninov ont été héritées par son fils, le seul petit-fils du grand compositeur Alexandre Rachmaninov-Konius. Il a organisé les Concours Rachmaninov en Russie et les Fêtes Rachmaninov en Suisse.

Des parents indirects du compositeur, des petits-neveux, se sont présentés au Costa Rica. Ils ne parlent pas russe et n'ont entendu parler du grand ancêtre que comme pianiste et chef d'orchestre. Arrivés en Russie pendant les années de la perestroïka, en raison des troubles de l'épouse de l'ambassadeur soviétique à l'invitation du Fonds culturel soviétique, ils ont été étonnés de voir à quel point Rakhmaninov était vénéré dans son pays natal. Dans le même temps, des négociations s'engagent avec Alexandre Rachmaninoff-Konius sur l'achat par la Russie du domaine de Senar aux archives inestimables. Malheureusement, le problème n'est pas résolu à ce jour. Comme un autre, tout aussi, sinon plus important, pour accomplir dernière volonté Sergei Vasilyevich de retourner dans son pays natal.

Sergei Vasilievich Rachmaninov est né dans la province de Novgorod en avril 1873. Le futur compositeur reçoit ses premières leçons de piano de sa mère. Quand Seryozha avait 4 ans, elle a commencé à donner des cours de musique avec lui. Et ils ne sont pas passés inaperçus.

S. V. : étudie au conservatoire

Lorsque Serezha avait 9 ans, sa famille a déménagé dans la capitale du nord. Le garçon a été immédiatement envoyé étudier au Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Il est entré dans la classe du professeur Demyansky. Trois ans plus tard, Sergei a dû être transféré au Conservatoire de Moscou, ses parents ayant déménagé dans cette ville. En 1892, il obtient son diplôme établissement d'enseignement c Comme travail pour l'examen, il a écrit l'opéra "Aleko", composé d'un acte. La même année, il a été mis en scène avec succès sur la scène du Théâtre Bolchoï de Moscou.

Biographie de Rachmaninov S.V. : premières représentations

En tant que pianiste talentueux, Sergei Vasilievich est apparu devant le public à l'hiver 1892. Tout le monde a été rapidement convaincu de ses capacités exceptionnelles. Même alors, le jeu de Rachmaninov était brillant, fort, sonnait riche et saturé, et se distinguait par la netteté du rythme. La tension volitionnelle du compositeur a capté, conquis et capté l'attention des auditeurs et des spectateurs.

Biographie de Rachmaninov S.V. : reconnaissance et premier échec

La véritable gloire du talentueux symphoniste a été apportée par sa fantaisie "Cliff". Il a été écrit presque immédiatement après avoir terminé ses études au conservatoire. La presse note la subtilité et la richesse, l'harmonie et la luminosité de l'œuvre, le caractère poétique de son humeur. Bien sûr, l'écriture charmante individuelle de Rachmaninov en tant que compositeur se faisait déjà sentir dans les premières expériences. En 1897, sa Première Symphonie échoue. Rachmaninov y a mis tant d'énergie spirituelle et de travail et en même temps est resté incompris de la plupart des musiciens et des critiques.

Cela est devenu un traumatisme psychologique profond pour lui. Pendant un certain temps, Rachmaninov est resté silencieux: il a repensé de manière critique tout ce qu'il avait créé auparavant. Mais le résultat d'un travail intérieur intense a été un élan créatif colossal.

Biographie de Rachmaninov S.V. : les premières années du XXe siècle

A cette époque, le compositeur compose un certain nombre de belles œuvres dans différents genres. En 1901, Rachmaninov apparaît devant le public sous un tout nouveau jour. Le second concerto pour piano le présente comme un créateur qui possède tous les moyens de la nouvelle technique. Un autre succès créatif incontestable de Rachmaninov était la deuxième suite. De par la nature de la musique, à certains moments, elle faisait même écho au concert. Les opéras "Francesca da Rimini", ainsi que "The Miserly Knight" ont été présentés lors d'une soirée sur la scène du Théâtre Bolchoï. Ils ont suscité beaucoup de polémiques et de polémiques, bien qu'ils aient été accueillis avec intérêt. Une place à part dans l'œuvre du compositeur est donnée aux romans. L'accompagnement au piano de ces œuvres se distingue par une variété de formes et de brillance.

S. V. Rakhmaninov. Brève biographie: émigration

Pour la première fois, le compositeur effectue une tournée réussie en Amérique en 1909. Mais alors il n'avait aucune idée de rester à l'étranger. Mais lorsque Rakhmaninov est arrivé dans son pays natal, contrairement à beaucoup, il était sûr que l'ancienne Russie était terminée et qu'il ne vivrait pas ici en tant qu'artiste. De façon inattendue, il a reçu une invitation de la Suède. On lui propose de participer à un concert à Stockholm. Sergei Vasilyevich a profité de cette opportunité et, avec sa femme et ses enfants, a quitté la Russie en 1917. Il se rend d'abord en Suisse, de là - à Paris. Et depuis 1935, sa famille vit aux États-Unis. Seulement 10 ans plus tard, après une longue pause dans son travail, il termine le Quatrième Concerto pour piano, qu'il a commencé avant la Première Guerre mondiale, et arrange plusieurs chansons folkloriques pour chœur et orchestre. Rachmaninov avait le mal du pays. Il collectionnait les archives soviétiques, lisait toute la presse et les livres en provenance d'URSS.

Sergueï Rachmaninov. Biographie: dernières années la vie

La dernière saison de concerts du compositeur s'ouvre en 1942. Cela a commencé par une performance solo à l'automne à Detroit. Un mois plus tard, pas pour la première fois, Rachmaninov a fait don d'une grande collection d'un concert tenu à New York aux besoins militaires. Une partie de l'argent est allée à la Croix-Rouge américaine et une partie a été transférée en Russie par l'intermédiaire du consul général. Après une maladie débilitante en mars 1943, Sergei Vasilyevich mourut à Beverly Hills, entouré de ses proches.