La littérature française est l'un des trésors de la culture mondiale. Il mérite d'être lu dans tous les pays et à toutes les époques. Problèmes soulevés dans leurs travaux Écrivains français, ont toujours inquiété les gens, et le temps ne viendra jamais où ils laisseront le lecteur indifférent. Les époques, les décors historiques, les costumes des personnages changent, mais les passions, l'essence des relations entre hommes et femmes, leur bonheur et leur souffrance restent inchangés. La tradition des XVIIe, XVIIIe et XIXe siècles a été poursuivie par les écrivains français modernes, écrivains du XXe siècle.

Points communs des écoles littéraires russes et françaises

Que sait-on des maîtres européens de la parole par rapport au passé récent ? Bien sûr, de nombreux pays ont apporté une contribution significative à l'ensemble héritage culturel. De grands livres ont également été écrits par la Grande-Bretagne, l'Allemagne, l'Autriche, l'Espagne, mais en termes de nombre d'œuvres exceptionnelles, les écrivains russes et français occupent bien sûr les premières places. La liste d'entre eux (livres et auteurs) est vraiment énorme. Il n'est pas surprenant qu'il y ait de multiples publications, il y ait beaucoup de lecteurs, et aujourd'hui, à l'ère d'Internet, la liste des adaptations cinématographiques est également impressionnante. Quel est le secret de cette popularité ? La Russie et la France ont toutes deux des traditions humanistes de longue date. En règle générale, à la tête de l'intrigue, il n'y a pas un événement historique, aussi exceptionnel soit-il, mais une personne, avec ses passions, ses vertus, ses défauts et même ses faiblesses et ses vices. L'auteur ne s'engage pas à condamner ses personnages, mais préfère laisser le lecteur tirer ses propres conclusions sur le destin à choisir. Il plaint même ceux d'entre eux qui ont choisi le mauvais chemin. Il existe de nombreux exemples.

Comment Flaubert eut pitié de sa Madame Bovary

Gustave Flaubert est né le 12 décembre 1821 à Rouen. La monotonie de la vie provinciale lui était familière dès l'enfance, et même en années mûres il quittait rarement sa ville, ayant effectué une seule fois un long voyage en Orient (Algérie, Tunisie), et, bien sûr, visité Paris. Ce poète et écrivain français a composé des poèmes qui semblaient alors à de nombreux critiques (il y a une telle opinion aujourd'hui) trop mélancoliques et langoureux. En 1857, il écrit le roman Madame Bovary, alors célèbre. L'histoire d'une femme qui cherchait à sortir du cercle haineux du quotidien et trompait donc son mari semblait alors non seulement controversée, mais même indécente.

Cependant, cette intrigue, hélas, assez fréquente dans la vie, interprétée par le grand maître, va bien au-delà de l'anecdote obscène habituelle. Flaubert essaie, et avec beaucoup de succès, de pénétrer dans la psychologie de ses personnages, envers lesquels il éprouve parfois de la colère, exprimée dans une satire impitoyable, mais le plus souvent - de la pitié. Son héroïne meurt tragiquement, le mari méprisé et aimant, apparemment (cela est plus susceptible d'être deviné par ce qui est indiqué dans le texte) sait tout, mais pleure sincèrement, pleurant la femme infidèle. Et Flaubert et d'autres français écrivains du 19ème siècle pas mal d'ouvrages consacrés aux questions de fidélité et d'amour.

Maupassant

Avec main légère beaucoup écrivains littéraires il est considéré presque comme le fondateur de l'érotisme romantique dans la littérature. Cette opinion est basée sur certains moments de ses œuvres contenant des descriptions impudiques, selon les normes du XIXe siècle, de scènes à caractère intime. Du point de vue de la critique d'art d'aujourd'hui, ces épisodes semblent assez décents et, en général, sont justifiés par l'intrigue. D'ailleurs, dans les romans, nouvelles et nouvelles de cet écrivain remarquable, ce n'est pas du tout l'essentiel. La première place en importance est à nouveau occupée par les relations entre les personnes et des qualités personnelles telles que la dépravation, la capacité d'aimer, de pardonner et d'être simplement heureux. Comme d'autres écrivains français célèbres, Maupassant étudie l'âme humaine et révèle les conditions nécessaires à sa liberté. Il est tourmenté par l'hypocrisie opinion publique”, créé juste par ceux qui eux-mêmes ne sont en aucun cas parfaits, mais imposent leurs idées de décence à tout le monde.

Par exemple, dans l'histoire "Zolotar", il décrit l'histoire de l'amour touchant d'un soldat français pour un résident noir de la colonie. Son bonheur n'a pas eu lieu, ses proches n'ont pas compris ses sentiments et ont eu peur de l'éventuelle condamnation des voisins.

Intéressant sont les aphorismes de l'écrivain sur la guerre, qu'il assimile à un naufrage, et que tous les dirigeants mondiaux devraient éviter avec la même prudence que les capitaines de navires ont peur des récifs. Maupassant fait preuve d'observation, opposant une faible estime de soi à une complaisance excessive, considérant ces deux qualités comme néfastes.

Zola

Pas moins, et, peut-être, beaucoup plus choqué le lectorat de l'écrivain français Emile Zola. Il prend volontiers la vie des courtisanes (Le Piège, Nana), des habitants du bas social (Le Ventre de Paris) comme base de l'intrigue, décrit en détail la dure vie des mineurs de charbon (Germinal) ou encore la psychologie des un maniaque meurtrier (Homme-Bête). ). La forme littéraire générale choisie par l'auteur est inhabituelle.

Il a réuni la plupart de ses œuvres dans une collection en vingt volumes, qui a reçu le nom général de "Rougon-Macquart". Avec toute la variété des intrigues et des formes expressives, c'est quelque chose qui doit être pris dans son ensemble. Cependant, n'importe lequel des romans de Zola peut être lu séparément, ce qui ne le rendra pas moins intéressant.

Jules Verne, fantaisie

Un autre écrivain français, Jules Verne, n'a pas besoin d'être présenté, il est devenu le fondateur du genre, qui a ensuite reçu la définition de "science-fiction". À quoi n'a pas pensé cet incroyable conteur lorsqu'il a prévu l'apparition de sous-marins nucléaires, de torpilles, de fusées lunaires et d'autres attributs modernes qui ne sont devenus la propriété de l'humanité qu'au XXe siècle. Beaucoup de ses fantasmes peuvent sembler naïfs aujourd'hui, mais les romans sont faciles à lire, et c'est leur principal avantage.

De plus, les intrigues des superproductions hollywoodiennes modernes sur les dinosaures ressuscités de l'oubli semblent beaucoup moins plausibles que l'histoire des lézards antédiluviens qui ne se sont jamais éteints sur un seul plateau latino-américain, trouvés par de courageux voyageurs (" monde perdu"). Et le roman sur la façon dont la Terre a crié d'une piqûre impitoyable avec une aiguille géante va complètement au-delà du genre, étant perçu comme une parabole prophétique.

Hugo

L'écrivain français Hugo n'est pas moins fascinant dans ses romans. Ses personnages se retrouvent dans une variété de circonstances, montrant des traits de personnalité brillants. Même méchants(par exemple, Javert des Misérables ou Claude Frollo de La Cathédrale Notre Dame de Paris”) ont un certain charme.

La composante historique du récit est également importante, à partir de laquelle le lecteur peut facilement et avec intérêt apprendre de nombreux faits utiles notamment sur les circonstances Révolution française et bonapartisme en France. Jean Voljean des "Misérables" est devenu la personnification de la noblesse ingénue et de l'honnêteté.

Exupéry

Les écrivains français modernes, et les critiques littéraires incluent tous les écrivains de l'ère "Heminway-Fitzgerald", ont également beaucoup fait pour rendre l'humanité plus sage et plus gentille. Le XXe siècle n'a pas offert aux Européens des décennies paisibles et les souvenirs de la Grande Guerre de 1914-1918 ont rapidement reçu une réminiscence sous la forme d'une autre tragédie mondiale.

L'écrivain français Exupéry, romantique, créateur de l'image inoubliable du Petit Prince et pilote militaire, ne s'est pas écarté de la lutte des honnêtes gens du monde entier contre le fascisme. La popularité posthume de cet écrivain dans l'URSS des années cinquante et soixante pourrait être enviée par de nombreuses stars de la pop qui ont interprété des chansons, y compris celles dédiées à sa mémoire et à son personnage principal. Et aujourd'hui, les pensées exprimées par un garçon d'une autre planète appellent toujours à la gentillesse et à la responsabilité de ses actes.

Dumas, fils et père

Ils étaient en fait deux, père et fils, et tous deux de merveilleux écrivains français. Qui ne connaît pas les célèbres Mousquetaires et leurs vrai ami D'Artagnan ? De nombreuses adaptations cinématographiques ont glorifié ces personnages, mais aucune n'a su transmettre le charme de la source littéraire. Le sort du prisonnier du Château d'If ne laissera personne indifférent ("Le Comte de Monte Cristo"), et d'autres ouvrages sont très intéressants. Ils seront également utiles pour les jeunes dont le développement personnel ne fait que commencer; il y a plus qu'assez d'exemples de vraie noblesse dans les romans de Dumas Père.

Quant au fils, il n'a pas non plus déshonoré le célèbre nom de famille. Les romans "Doctor Servan", "Three Strong Men" et d'autres œuvres ont brillamment mis en évidence les caractéristiques et les caractéristiques bourgeoises de la société contemporaine, et "La Dame aux camélias" ont non seulement connu un succès de lecture bien mérité, mais ont également inspiré le compositeur italien Verdi. pour écrire l'opéra "La Traviata", elle a formé la base de son livret.

Simenon

Le roman policier sera toujours l'un des genres les plus lus. Le lecteur s'intéresse à tout ce qu'il contient - et qui a commis le crime, et les motifs, et les preuves, et l'indispensable exposition des auteurs. Mais détective détective lutte. Un des meilleurs écrivains de l'époque moderne, bien sûr, Georges Simenon, le créateur de l'inoubliable image de Maigret, le commissaire de police parisien. Me débrouiller tout seul technique artistique assez courante dans la littérature mondiale, l'image d'un détective-intellectuel avec une caractéristique d'apparence indispensable et une habitude reconnaissable a été exploitée à plusieurs reprises.

Megre Simenon se distingue encore de beaucoup de ses "collègues" par sa caractéristique littérature française gentillesse et sincérité. Il est parfois prêt à rencontrer une personne trébuchée et même (oh, horreur !) à violer certains articles formels de la loi, tout en lui restant fidèle dans l'essentiel, pas dans la lettre, dans son esprit ("Et pourtant le noisetier est vert").

Juste un merveilleux écrivain.

gra

Si nous ignorons les siècles passés et revenons mentalement au présent, alors l'écrivain français Cédric Gras mérite l'attention, un grand ami de notre pays, qui a consacré deux livres au russe Extrême Orient et ses habitants. Après avoir vu de nombreuses régions exotiques de la planète, il s'est intéressé à la Russie, y a vécu de nombreuses années, a appris la langue, ce qui l'aide sans aucun doute à connaître la fameuse «âme mystérieuse», sur laquelle il achève déjà d'écrire le troisième livre sur le même sujet. Ici, Gras a trouvé quelque chose qui, apparemment, lui manquait tant dans sa patrie prospère et confortable. Il est attiré par une certaine "étrangeté" (du point de vue d'un Européen) caractère national, le désir des hommes d'être courageux, leur insouciance et leur ouverture. Pour le lecteur russe, l'écrivain français Cédric Gras s'intéresse justement à ce « regard de l'extérieur », qui devient progressivement de plus en plus le nôtre.

Sartre

Peut-être n'y a-t-il pas d'autre écrivain français aussi proche du cœur russe. Une grande partie de son travail rappelle une autre grande figure littéraire de tous les temps et de tous les peuples - Fiodor Mikhaïlovitch Dostoïevski. Le premier roman de Jean-Paul Sartre La Nausée (beaucoup le considèrent comme le meilleur) affirmait le concept de liberté comme une catégorie interne, non soumise aux circonstances extérieures, à laquelle une personne est vouée par le fait même de sa naissance.

La position de l'auteur a été confirmée non seulement par ses romans, essais et pièces de théâtre, mais aussi par son comportement personnel, démontrant une indépendance totale. Homme de vues de gauche, il critique néanmoins la politique de l'URSS de l'après-guerre, ce qui ne l'empêche pas, à son tour, d'abandonner le prestigieux prix Nobel décerné pour des publications prétendument anti-soviétiques. Pour les mêmes raisons, il n'a pas reçu l'Ordre de la Légion d'honneur. Un tel anticonformiste mérite respect et attention, il vaut certainement la peine d'être lu.

Vive la France!

L'article ne mentionne pas beaucoup d'autres écrivains français remarquables, non pas parce qu'ils méritent moins d'amour et d'attention. Vous pouvez en parler sans fin, avec enthousiasme et enthousiasme, mais jusqu'à ce que le lecteur prenne le livre lui-même, l'ouvre, il ne tombe pas sous le charme des lignes merveilleuses, des pensées vives, de l'humour, du sarcasme, de la légère tristesse et de la gentillesse rayonnées par les pages . Il n'y a pas de peuples médiocres, mais il y en a, bien sûr, des peuples exceptionnels qui ont apporté une contribution particulière au trésor mondial de la culture. Pour ceux qui aiment la littérature russe, la familiarisation avec les œuvres d'auteurs français sera particulièrement agréable et utile.

Dans l'histoire de la musique italienne dans la première moitié du XXe siècle. Respighi est entré en tant qu'auteur d'œuvres symphoniques au programme lumineux (poèmes "Fontaines romaines", "Pins de Rome").

Le futur compositeur est né dans une famille de musiciens. Son grand-père était organiste, son père était pianiste, il eut Respighi et prit ses premières leçons de piano. En 1891-99. Respighi étudie au Lycée de Musique de Bologne : violon avec F. Sarti, contrepoint et fugue avec Dall Olio, composition avec L. Torqua et J. Martucci. Depuis 1899, il donne des concerts en tant que violoniste. En 1900, il écrit l'une de ses premières compositions - "Variations symphoniques" pour orchestre.

En 1901, en tant que violoniste dans l'orchestre, Respighi part en tournée à Saint-Pétersbourg avec une troupe d'opéra italienne. Voici une rencontre significative avec N. Rimsky-Korsakov. Le vénérable compositeur russe a accueilli froidement le visiteur inconnu, mais après avoir regardé sa partition, il s'est intéressé et a accepté d'étudier avec le jeune italien. Les cours ont duré 5 mois. Sous la direction de Rimsky-Korsakov, Respighi a écrit Prélude, Choral et Fugue pour orchestre. Cet essai est devenu son thèse au lycée de Bologne, et son professeur Martucci a noté: "Respighi n'est plus un élève, mais un maître." Malgré cela, le compositeur continue de s'améliorer : en 1902, il prend des cours de composition auprès de M. Bruch à Berlin. Un an plus tard, Respighi visite à nouveau la Russie avec la troupe d'opéra, vit à Saint-Pétersbourg et à Moscou. Maîtrisant la langue russe, il se familiarise avec intérêt avec la vie artistique de ces villes, appréciant beaucoup les spectacles d'opéra et de ballet de Moscou avec des décors et des costumes de K. Korovin et L. Bakst. Les liens avec la Russie ne s'arrêtent pas même après le retour dans leur patrie. A. Lunacharsky a étudié à l'Université de Bologne, qui plus tard, dans les années 1920, a exprimé le souhait que Respighi revienne en Russie.

Respighi est l'un des premiers Compositeurs italiens qui a redécouvert les pages à demi oubliées de la musique italienne. Au début des années 1900 il crée une nouvelle orchestration de "Ariadne's Lament" de C. Monteverdi, et la composition est interprétée avec succès à la Philharmonie de Berlin.

En 1914, Respighi est déjà l'auteur de trois opéras, mais les travaux dans ce domaine ne lui apportent pas le succès. D'autre part, la création du poème symphonique Les Fontaines de Rome (1917) place le compositeur au premier rang des musiciens italiens. Il s'agit du premier volet d'une sorte de trilogie symphonique : Les Fontaines de Rome, Les Pins de Rome (1924) et Les Fêtes de Rome (1928). G. Puccini, qui connaissait bien le compositeur et était son ami, a déclaré : « Savez-vous qui est le premier à avoir étudié les partitions de Respighi ? I. De la maison d'édition Ricordi, je reçois le premier exemplaire de chacune de ses nouvelles partitions et j'admire de plus en plus son art inégalé de l'instrumentation.

La connaissance de I. Stravinsky, S. Diaghilev, M. Fokin et V. Nijinsky avait grande importance pour la créativité Respighi. En 1919, la troupe de Diaghilev met en scène à Londres son ballet The Miracle Shop, basé sur la musique de pièces pour piano de G. Rossini.

Depuis 1921, Respighi s'est souvent produit en tant que chef d'orchestre, interprétant ses propres compositions, faisant des tournées en tant que pianiste en Europe, aux États-Unis et au Brésil. De 1913 jusqu'à la fin de sa vie, il enseigne à l'Académie de Santa Cecilia à Rome, et en 1924-26. est son directeur.

L'œuvre symphonique de Respighi combine d'une manière particulière technologie moderne l'écriture, l'orchestration colorée (la trilogie symphonique susmentionnée, "Impressions brésiliennes") et un penchant pour les mélodies archaïques, les formes anciennes, c'est-à-dire les éléments du néoclassicisme. Plusieurs œuvres du compositeur ont été écrites sur les thèmes du chant grégorien (« Concerto grégorien » pour violon, « Concerto en mode mixolydien » et 3 préludes sur des mélodies grégoriennes pour piano, « Quatuor Doria »). Respighi possède des adaptations libres des opéras La Servante-Maîtresse de G. Pergolesi, Les Trucs féminins de G. Cimarosa, Orfeo de C. Monteverdi et d'autres œuvres d'anciens compositeurs italiens, l'orchestration de cinq Etudes-Peintures de S. Rachmaninov, un orgue passacaille en do mineur J. S. Bach.

Parmi les compositeurs de la génération des années 1880, Ottorino Respighi occupe une place à part. Apparu avec Pizzetti, Malipiero et Casella dans la lutte pour "arte di avangardia" ("art d'avant-garde"), il était loin des formes extrêmes d'innovation stylistique. Son œuvre repose sur une sorte de fusion d'éléments du romantisme tardif (notamment le programme symphonique de R. Strauss), de l'impressionnisme de Debussy, du style orchestral de Rimsky-Korsakov. En ce qui concerne le néoclassicisme, Respighi était quelque peu en désaccord avec ses contemporains italiens, prenant la défense des traditions romantiques, mettant en garde contre un rationalisme excessif. Il était loin du psychologisme profond et grotesque de Malipiero, ainsi que des aspirations religieuses de Pizzetti.

Après Puccini, Respighi a été le premier compositeur italien à être largement reconnu dans le monde. Mais, contrairement à l'auteur de Tosca, il s'est surtout fait connaître pour ses œuvres symphoniques.

Respighi est né le 9 juillet 1879 à Bologne dans une famille de musiciens. En 1891, à l'âge de douze ans, il entre au lycée de musique, où il étudie le violon et l'alto, et étudie également le solfège et la composition dans les classes des grands connaisseurs de la musique ancienne L. Torquay et J. Martucci. Il étudie à fond les classiques, en particulier Beethoven et Wagner, et joue également du piano. En 1899, Respighi est diplômé du Lyceum dans la classe de violon et a commencé à travailler comme violoniste. La même année, ses Variations symphoniques sont jouées à Bologne - résultat de cours de composition.

Ayant reçu une invitation à l'orchestre de l'Opéra italien de Saint-Pétersbourg, Respighi a travaillé dans ce théâtre pendant deux saisons - 1900/01 et 1901/02. Rester en Russie a joué un rôle énorme dans la formation de sa personnalité créative. Cinq mois d'études avec Rimsky-Korsakov en 1901 l'ont particulièrement marqué. En plus de cela, l'impact ambiance générale Vie artistique russe, extrêmement intense au début du XXe siècle. Le rapprochement avec S. Diaghilev a introduit Respighi dans l'environnement du "Monde de l'Art", où il s'est familiarisé avec les œuvres de A. Benois, K. Korovin, L. Bakst. Il a entendu des chanteurs russes exceptionnels (dont Chaliapine), un orchestre d'opéra dirigé par Napravnik, concerts symphoniques Pétersbourg. Tout cela a sensiblement influencé le compositeur: la jutosité, la luminosité de sa couleur orchestrale, une approche sensible du matériau de la chanson folklorique, une coloration particulière du majeur-mineur avec des virages modaux archaïques - dans tout cela, on peut sentir des influences russes.

Un séjour à Berlin (1902) donne à Respighi l'occasion d'entrer en contact étroit avec l'œuvre de R. Strauss et d'autres maîtres allemands, de poursuivre son développement professionnel auprès de M. Bruch. Parallèlement, il s'essaye de plus en plus à la composition. En 1902, à la fin du lycée, il présente la partition écrite à Saint-Pétersbourg - Prélude, choral et fugue pour orchestre. Ses opus suivants sont le Concerto pour piano (1902), Cinq pièces pour violon et piano (1904), Nocturne (1905) et Burlesque pour orchestre, plusieurs romans. L'œuvre la plus significative de ces années est l'opéra comique "King Enzo" (1905), interprété par des étudiants de l'Université de Bologne, avec qui Respighi a noué des relations amicales (parmi ses amis figuraient A. Lunacharsky, qui étudiait à Bologne à cette époque, et le jeune compositeur espagnol Joaquin Ning).

Depuis 1906, Respighi participe en tant qu'interprète à l'alto et à l'alto d'amour dans l'Ensemble de musique ancienne B. Mugelini, et depuis 1908 il travaille comme pianiste à l'École de chant de Berlin. L'activité d'un professionnel l'interprète l'amène à une étude approfondie des classiques de la musique nationale.Pendant un certain temps, il s'occupe d'éditer les œuvres de vieux Italiens.Après le traitement de la Complainte d'Ariane de Monteverdi, il réalise des transcriptions de la Pastorale pour violon et quintette à cordes de Tartini, de la Chaconne pour violon de Vitali, quintette à cordes et orgue; ses adaptations des sonates solo de Locatelli, Tartini, Veracini pour violon et piano paraissent également Et en 1908 Respighi crée un Concerto original dans le style ancien pour violon et orchestre.

De retour en Italie au milieu de 1909, le compositeur compose un deuxième opéra, Semiramide. Sa première eut bientôt lieu à Bologne et provoqua des réactions contradictoires. Avec l'intensité dramatique et la complexité du tissu orchestral, "Semiramide" ressemblait à "Salomé" de R. Strauss, mais les parties vocales restaient dans les limites des mélos italiens traditionnels. L'échec est arrivé au compositeur dans le prochain opéra - "Marie-Victoire" (n'a pas été mis en scène).

Une œuvre remarquable de 1911 était le poème pour mezzo-soprano et orchestre "Arethusa" sur le texte de P. B. Shelley, marqué par l'éclat subtil de l'écriture orchestrale.

Bien que les œuvres de Respighi soient encore peu jouées à cette époque, son autorité en tant que compositeur et interprète est déjà assez élevée. Les caractéristiques individuelles de son style ont également été déterminées, qui ont été encore enrichies : mélodie plastique expressive (plutôt instrumentale que vocale), pensée diatonique ladotonale, rôle important de l'harmonie, agissant comme un facteur actif de mise en forme et de dramaturgie du timbre. La richesse et la variété de la texture et du rythme ont également attiré l'attention. La réalisation la plus significative du compositeur au cours de ces années est sa maîtrise de l'écriture instrumentale, tant pour orchestre que pour ensemble de chambre. Sa créativité instrumentale a fait preuve d'un art brillant, de virtuosité, d'une richesse de timbre, d'une perfection de la forme. Cependant, son style était encore largement éclectique.

Après avoir déménagé à Rome en 1913, Respighi est devenu chef de la classe de composition au Lycée musical de l'Académie romaine de Santa Cecilia. Dans les mêmes années, il rencontre Stravinsky, Fokine, Nijinsky et Casals lors de leurs séjours en Italie. Il étudie de près les œuvres de Debussy, Ravel, Stravinsky, mais ignore les expérimentations de la musique noise des futuristes italiens, étant indifférent au travail des compositeurs de l'école de Novovensk.

Parmi ses œuvres durant la Première Guerre mondiale, il convient de noter la suite Ancient Songs and Dances pour luth créée en 1917 (transcription pour orchestre). L'expérience du traitement de la musique pour luth s'est poursuivie dans les deuxième (1923) et troisième (1931) suites similaires.

1917 est une date significative dans l'œuvre de Respighi. Le compositeur termine le poème symphonique en quatre parties " Fontaines de Rome"- une œuvre dans laquelle son talent originel de symphoniste s'est clairement révélé. Désormais, le thème de Rome s'affirme dans son art, qui se déclarera à plusieurs reprises dans des œuvres ultérieures. La première représentation du poème n'a pas été très réussie, la réponse du public a été restreinte, les critiques des critiques étaient contradictoires, dans certains jugements, une incompréhension évidente de la signification de ce programme innovant pour le programme italien a été exprimée. musique symphoniqueœuvres. Un an plus tard, le grand Toscanini dirigea Les Fontaines de Rome, et cette fois, ils évoquèrent un accueil enthousiaste du public et des critiques et apportèrent une grande renommée à l'auteur du poème.

À Rome, une ville où le passé et le présent de la culture italienne sont intimement liés, Respighi a trouvé par lui-même source intarissable inspiration. À ce cas son attention a été attirée sur les fontaines, qui sont considérées comme l'une des principales attractions de la capitale italienne. Détail essentiel de l'architecture, ils décorent les places, les jardins, les façades des palais, les rues, s'inscrivant avec succès dans l'ensemble de la ville et du paysage environnant. Le compositeur fit de son premier poème symphonique quatre célèbres fontaines "héros" et, selon ce plan, préfaca ses parties des titres suivants : "Fontaine "Balle Giulia" à l'aube", "Fontaine" Triton "au matin", " Fontaine de Trevi " à midi " , " Fontaine de la Villa Médicis au soleil couchant ".

"Balle Giulia", l'une des plus anciennes fontaines romaines, selon le programme de l'auteur est associée au paysage de la périphérie de la ville. La fontaine du Triton est située sur la Piazza Barberini ; il se caractérise par des images sculpturales créatures mythologiques- des figures bizarres de tritons, de naïades et de sirènes, qui semblent se déplacer à travers des jets d'eau. La fontaine de Trevi - la plus célèbre des fontaines romaines - a été construite pour décorer l'une des façades du palais du Polo ; le centre de sa composition est une puissante statue du dieu des mers, Neptune, debout sur un énorme char à coquillages et dirigeant huit hippocampes géants. La fontaine de la Villa Médicis est un ensemble unique avec la villa elle-même.

La première partie du poème est un paysage impressionniste, créé à l'aide de couleurs orchestrales subtiles; c'est l'un des premiers exemples marquants d'écriture impressionniste dans la musique italienne. La deuxième partie est résolue d'une manière différente : ici le caractère de paysage statique de la musique est remplacé par la danse. Ce scherzo fantastique est la partie la plus dynamique du poème. Il commence par une introduction rapide, donnant l'impression d'une montée puissante du jet de la fontaine. le rôle principal cet effet appartient aux cors, dont le grand cri est accentué par l'ascension rapide du reste des instruments de l'orchestre.

Pendant la Première Guerre mondiale, alors que les possibilités d'activités de concert étaient fortement réduites, Respighi a beaucoup travaillé sur les traductions en langue italienne« Contrepoint mobile de l'écriture stricte » de Taneyev et « Enseignements sur l'harmonie » de Schoenberg (bien que ces traductions n'aient pas été achevées). Il ne quitte pas non plus la créativité: en 1917, il compose une magnifique Sonate pour violon et piano et cinq romances, en 1918 - des poèmes de chambre "Sunset" et "Mimosa" sur les vers de Shelley pour voix et quatuor à cordes. Puis, commandé par Diaghilev, il écrit le ballet The Shop of Miracles (basé sur des pièces pour piano de Rossini), qui est présenté avec succès à Londres en juin 1919*.

* La Boutique des Miracles est le deuxième des ballets commandés par Diaghilev, basé sur le traitement d'œuvres des anciens maîtres de la musique italienne : en 1917 à Rome, sa troupe interprète pour la première fois le ballet de V. Tommasini « Femmes de bonne moralité » (d'après C. Goldoni) à la sonate musicale D. Scarlatti ; le troisième ballet "italien" était "Pulcinella" de Stravinsky sur la musique de Pergolesi (la première a eu lieu à Paris en 1919).

En 1920, répondant au regain d'intérêt pour le genre ballet en Italie, provoqué par les impressions des représentations de la troupe Diaghilev, le compositeur écrit le ballet The Magic Pot (basé sur du matériel musical russe).

La créativité instrumentale de Respighi se développe également. En 1920, il crée la Ballade orchestrale des Nains, et en 1921, les Trois Préludes sur mélodies grégoriennes pour piano, remarquables par leur subtilité, sont créés. Les Quatre chansons arméniennes pour voix et piano (1921) ne sont pas moins remarquables en termes de poésie et de sage brièveté de l'écriture. Les réalisations incontestables du compositeur sont le Concerto grégorien pour violon et orchestre (1922), qui est une interprétation attrayante et sensible de l'ancien mode, et le Quatuor dorien pour cordes (1924), qui est de couleur sévère. Ils sont suivis du Concerto pour piano dans le mode mycéolydien (1924) et du brillant poème symphonique Les Pins de Rome, qui fut exécuté dans la salle Augusteum sous la direction de Toscanini avec un succès triomphal.

Parallèlement à la création des œuvres instrumentales susmentionnées, Respighi travaille en 1921-1923 sur l'opéra-comique Belfagor d'après G. Hauptmann, dont le livret est écrit par son ami l'écrivain C. Guastalla, qui devient le librettiste de toutes les opéras du compositeur. Dans Belfagor, Respighi puise dans les principes de la dramaturgie musicale du Falstaff de Verdi. Et dans son œuvre lyrique ultérieure, les principes de la dramaturgie lyrique de feu Verdi ont joué un rôle décisif.

Loin de la vie politique, pendant les années du fascisme, Respighi est resté à l'écart de la lutte spirituelle de l'intelligentsia italienne d'opposition. Dans le même temps, l'autorité du compositeur de renommée mondiale l'a aidé à conserver une certaine indépendance créative.

Dès 1924, Respighi, surchargé des fonctions de recteur du Conservatoire Santa Cecilia*,

* En 1919, le Lycée musical de l'Académie Santa Cecilia est transformé en conservatoire.

écrit presque rien. Cependant, dans la seconde moitié des années 1920, il revient à la créativité. En 1927, il achève l'opéra en quatre actes The Sunken Bell basé sur le drame du même nom de Hauptmann (livret de Guastalla). Il a été mis en scène avec un grand succès en novembre de la même année à Hambourg, puis sur plusieurs scènes d'opéra en Europe, aux États-Unis et en Argentine. Mais les réalisations les plus importantes de Respighi se situent dans le domaine de la musique symphonique. Il convient tout d'abord de mentionner ici le Triptyque de Botticelli pour orchestre à cordes (1927), dont le contenu figuratif s'inspire des tableaux de Botticelli "Le Printemps", "L'Adoration des Mages", "La Naissance de Vénus". Il est impossible de ne pas admirer le talent raffiné du compositeur, qui a fondé la première partie des genres de danse folklorique du triptyque, la seconde - les chansons folkloriques de Noël, la troisième - la mélodie captivante des violoncelles basée sur les modes grecs anciens. La suite orchestrale "Church stained-glass windows" (1926), composée des parties "Flight into Egypt", "Archange Michael", "St. Clara's Morning" et "St. Gregory the Great" est attrayante. Sa musique, empreinte de haute poésie, est marquée à la fois par des traits d'archaïsme naïf et d'immédiateté ; le sens de la couleur sonore propre à l'auteur, maîtrise virtuose des moyens orchestraux, s'y manifeste pleinement.

En 1927, Respighi a écrit la suite Birds pour petit orchestre - un autre exemple de la refonte créative de vieux matériaux empruntés, caractéristique de l'époque (rappelez-vous Stravinsky) et de Respighi lui-même. La suite s'ouvre sur un court prélude sur un thème du compositeur du XVIIe siècle B. Pasquini, suivi de la pièce Dove, basée sur une adaptation d'un thème élégant du luthiste français du XVIIe siècle A. Gallo ; la troisième partie - "Poulet" - est écrite sur le thème de J.-F. Rameau, le quatrième - "Le Rossignol" - sur le thème d'un joueur de luth anglais inconnu du XVIe siècle (Respighi introduit dans son développement une parodie pleine d'esprit du "Rustle of the Forest" de Wagner). La Toccata qui conclut la suite est écrite sur le thème du coucou de Pasquini.

En 1929, Respighi acheva le poème symphonique monumental " Fêtes romaines», qui, avec les « Fontaines de Rome » et « Les Pins de Rome », forment une trilogie symphonique.

C'est dans les « fêtes romaines » que se manifestent le plus vivement traits nationaux musique de Respighi. Le compositeur fait un large usage du folklore italien, dont les possibilités expressives sont habilement révélées par l'écriture musicale moderne. Au folklore, il emprunte des traits intono-rythmiques, des images de genre, qu'il met habilement en œuvre à l'aide de méthodes audacieuses d'écriture orchestrale, fondées sur l'utilisation virtuose de l'expressivité des timbres instrumentaux. L'énorme orchestre du poème se distingue par l'expansion du groupe de percussions (en raison du rôle important du début rythmique dans cette œuvre) et des bois, l'utilisation de tels instruments insolites comme la mandoline, le buccin soprano, le piano, l'orgue.

La première partie du poème - "The Circus Spectacle" - introduit la foule romaine dans l'atmosphère des passions effrénées, attendant dans le cirque le début d'un spectacle cruel et sanglant. Il est construit sur une opposition contrastée d'images hostiles les unes aux autres - les martyrs chrétiens, les animaux et la foule. La deuxième partie - "Jubilé" - emmène les auditeurs dans la Rome du Moyen Âge*.

* Jubilé - une fête introduite par le pape Boniface VIII en 1300 pour attirer les pèlerins (ceux qui ont visité Rome en année anniversaire tous les péchés ont été pardonnés). Initialement, il avait lieu une fois tous les cent ans, mais ensuite, dans un effort pour recevoir les énormes revenus que les visites des pèlerins apportaient à l'Église catholique, ils ont commencé à organiser la célébration du Jubilé après cinquante et même vingt-cinq ans.

Le compositeur se réfère ici au chant grégorien, sur les intonations dont sujet principal cette partie. La musique représente une foule de pèlerins se dirigeant vers le centre du monde catholique et chantant avec lassitude un triste air de chœur. Au fur et à mesure qu'ils approchent de Rome, les pèlerins sont saisis d'une élévation spirituelle et le choral se transforme en hymne jubilatoire. La troisième partie du poème - "October Holiday" - nous emmène à la Renaissance, elle attire l'amusement folklorique, qui contraste avec des épisodes qui transmettent l'atmosphère des sentiments et des pensées poétiquement sublimes des gens de cette époque. Cette partie est basée sur une alternance fantaisiste d'épisodes passant librement les uns dans les autres, formant une structure kaléidoscopiquement lumineuse et libre. forme musicale. Le poème se termine par une image d'une messe célébrée sur l'une des grandes places de Rome ("La Fête du Baptême"). Dans la finale, l'image du peuple est clairement capturée - le véritable propriétaire de la grande ville. On nous présente une image étonnante de la jubilation folklorique exubérante et diverse de nature, magistralement transmise par le compositeur avec les intonations de la chanson et de la danse italiennes.

compréhension subtile styles musicaux différentes époques se manifestent avec brio dans deux transcriptions orchestrales de Respighi - Chaconne de J. S. Bach (1929), exécutées à la demande de Toscanini et prenant une place de choix dans les programmes du grand chef, et adaptation orchestrale de cinq études-peintures de Rachmaninov, ce qui fit le bonheur de leur auteur. Outre la Chaconne, d'autres transcriptions de Bach ont également été créées : Prélude et Fugue en ré-dur (1930), Trois chorals d'orgue (1931), Passacaglia en do-moll (1934). En termes de style d'écriture, l'œuvre originale de 1930 leur jouxte - Métamorphoses attisées de poésie archaïque dans le mode XII (thème avec variations). Le dernier ouvrage, qui complète la ligne instrumentale de l'œuvre de Respighi, est le Concerto pour hautbois, cor, violon, contrebasse, piano et orchestre à cordes (1934), écrit dans le genre concerto grosso. Citons les œuvres théâtrales de ces années : le ballet Balkis, la reine de Saba (1931) basé sur les motifs du folklore arabe et juif, ainsi que le mystère Marie d'Égypte (1932).

En 1932, Respighi, avec un groupe d'autres compositeurs, publie un manifeste appelant à renforcer les liens avec les traditions nationales. Le manifeste contenait également un appel à la renaissance de la culture romantique des sentiments et une protestation contre le rationalisme flétri. mouvements modernistes(Tout d'abord, il s'agissait du dodécaphonie de l'école de Novovensk, mais des critiques étaient également dirigées contre le néoclassicisme, qui a fait diverger Respighi de Casella et Malipiero). Dans les conditions de la dictature fasciste, le manifeste avait une double signification : un appel à suivre traditions nationales joué aux mains des tendances nationalistes du régime, tandis que le désir de rendre la musique à l'émotivité d'un plan romantique aurait dû mettre en garde les compositeurs contre le danger du rationalisme abstrait.

Toujours en 1932, Respighi est élu membre de l'Académie royale d'Italie. L'apparition d'une maladie cardiaque limita sévèrement son activité de concert et le 18 avril 1936, il mourut à Rome. Sa dernière œuvre musicale et scénique - "Lucretia" (selon la définition du genre de l'auteur, "histoire") sur le livret de Guastalla - est restée inachevée et a été achevée par l'épouse et étudiante du compositeur Elsa Respighi. Parmi les œuvres ultérieures du compositeur, il convient de mentionner sa libre reconstruction de l'opéra Orphée de Monteverdi, ainsi que l'arrangement de la cantate Didon de B. Marcello (1935).

Dans l'histoire de la musique italienne dans la première moitié du XXe siècle. Respighi est entré en tant qu'auteur d'œuvres symphoniques au programme lumineux (poèmes "Fontaines romaines", "Pins de Rome").

Le futur compositeur est né dans une famille de musiciens. Son grand-père était organiste, son père était pianiste, il eut Respighi et prit ses premières leçons de piano. En 1891-99. Respighi étudie au Lycée de Musique de Bologne : violon avec F. Sarti, contrepoint et fugue avec Dall Olio, composition avec L. Torqua et J. Martucci. Depuis 1899, il donne des concerts en tant que violoniste. En 1900, il écrit l'une de ses premières compositions - "Variations symphoniques" pour orchestre.

En 1901, en tant que violoniste dans l'orchestre, Respighi part en tournée à Saint-Pétersbourg avec une troupe d'opéra italienne. Voici une rencontre significative avec N. Rimsky-Korsakov. Le vénérable compositeur russe a accueilli froidement le visiteur inconnu, mais après avoir regardé sa partition, il s'est intéressé et a accepté d'étudier avec le jeune italien. Les cours ont duré 5 mois. Sous la direction de Rimsky-Korsakov, Respighi a écrit Prélude, Choral et Fugue pour orchestre. Cet essai est devenu son travail de fin d'études au lycée de Bologne, et son professeur Martucci a noté: "Respighi n'est plus un étudiant, mais un maître." Malgré cela, le compositeur continue de s'améliorer : en 1902, il prend des cours de composition auprès de M. Bruch à Berlin. Un an plus tard, Respighi visite à nouveau la Russie avec la troupe d'opéra, vit à Saint-Pétersbourg et à Moscou. Maîtrisant la langue russe, il se familiarise avec intérêt avec la vie artistique de ces villes, appréciant beaucoup les spectacles d'opéra et de ballet de Moscou avec des décors et des costumes de K. Korovin et L. Bakst. Les liens avec la Russie ne s'arrêtent pas même après le retour dans leur patrie. A. Lunacharsky a étudié à l'Université de Bologne, qui plus tard, dans les années 1920, a exprimé le souhait que Respighi revienne en Russie.

Respighi est l'un des premiers compositeurs italiens à redécouvrir des pages à moitié oubliées de la musique italienne. Au début des années 1900 il crée une nouvelle orchestration de "Ariadne's Lament" de C. Monteverdi, et la composition est interprétée avec succès à la Philharmonie de Berlin.

En 1914, Respighi est déjà l'auteur de trois opéras, mais les travaux dans ce domaine ne lui apportent pas le succès. D'autre part, la création du poème symphonique Les Fontaines de Rome (1917) place le compositeur au premier rang des musiciens italiens. Il s'agit du premier volet d'une sorte de trilogie symphonique : Les Fontaines de Rome, Les Pins de Rome (1924) et Les Fêtes de Rome (1928). G. Puccini, qui connaissait bien le compositeur et était son ami, a déclaré : « Savez-vous qui est le premier à avoir étudié les partitions de Respighi ? I. De la maison d'édition Ricordi, je reçois le premier exemplaire de chacune de ses nouvelles partitions et j'admire de plus en plus son art inégalé de l'instrumentation.

La connaissance de I. Stravinsky, S. Diaghilev, M. Fokin et V. Nijinsky était d'une grande importance pour le travail de Respighi. En 1919, la troupe de Diaghilev met en scène à Londres son ballet The Miracle Shop, basé sur la musique de pièces pour piano de G. Rossini.

Depuis 1921, Respighi s'est souvent produit en tant que chef d'orchestre, interprétant ses propres compositions, faisant des tournées en tant que pianiste en Europe, aux États-Unis et au Brésil. De 1913 jusqu'à la fin de sa vie, il enseigne à l'Académie de Santa Cecilia à Rome, et en 1924-26. est son directeur.

L'œuvre symphonique de Respighi combine de manière unique une technique d'écriture moderne, une orchestration colorée (la trilogie symphonique susmentionnée, "Impressions brésiliennes") et une tendance à la mélodie archaïque, des formes anciennes, c'est-à-dire des éléments du néoclassicisme. Plusieurs œuvres du compositeur ont été écrites sur les thèmes du chant grégorien (« Concerto grégorien » pour violon, « Concerto en mode mixolydien » et 3 préludes sur des mélodies grégoriennes pour piano, « Quatuor Doria »). Respighi possède des adaptations libres des opéras La Servante-Maîtresse de G. Pergolesi, Les Trucs féminins de G. Cimarosa, Orfeo de C. Monteverdi et d'autres œuvres d'anciens compositeurs italiens, l'orchestration de cinq Etudes-Peintures de S. Rachmaninov, un orgue passacaille en do mineur J. S. Bach.

V.Ilyeva

O.Respighi Poème symphonique"Les Pins de Rome" (1924)

1. Pins de la Villa Borghese

2. Pins aux Catacombes

3. Pins sur Janiculi

4. Les pins de la voie Appienne

À Rome, une ville où le passé et le présent de la culture italienne sont intimement liés, Respighi a trouvé une source inépuisable d'inspiration pour lui-même. Il est à noter cependant qu'en dépeignant la ville dans le célèbre triptyque de poèmes symphoniques ("Les Fontaines de Rome", "Les Pins de Rome", "Les Fêtes romaines"), le compositeur s'éloigne des motifs de l'urbanisme moderne. Sa Rome est une ville de fontaines ornées de pins, la Rome « ​​éternelle », non moderne. Les quatre parties des « Pinias » renvoient moins aux paysages urbains qu'à l'histoire romaine.