Une chose étonnante: Alexander Ivanovich Tairov - une personne ouverte, facile et artistique en communication, avec un merveilleux sens de l'humour et une auto-ironie clairement exprimée, qui n'apprend rien à personne, influence ses interlocuteurs d'une manière particulière.

Et c'est une sorte de cadeau rare, et remarqué non seulement par moi : après l'avoir rencontré, l'agitation quotidienne pour certains, bien que de courte durée, semble prendre plus couleurs vives et même harmonisé. Peut-être parce qu'un artiste bien connu à Novossibirsk, un designer et, au cours des trois dernières années, l'hôte de réunions d'art extrêmement populaires au City Art Center a été capturé pendant de nombreuses années par une idée de rêve profonde. Et elle, malgré la diversité de ses affaires et de ses intérêts, construit également dans une large mesure, structurant sa vie.

Le monde entier en format moniteur
- Alexandre Ivanovitch, on vous appelle l'artiste en chef et designer de NSTU, et anciennement de NETI : depuis de nombreuses années vous êtes à la tête du bureau de design artistique - une structure pédagogique qui existe, entre autres, pour concevoir et créer un intérieur moderne l'environnement de l'université elle-même. Considérant que le nombre de diplômés de l'université au fil des ans s'est élevé à des dizaines de milliers, vous pouvez à juste titre vous considérer comme celui qui leur a inculqué le bon goût ...

Je ne suis pas enclin à surestimer ou sous-estimer ce que nous faisons. Mais je pense que cette petite forme quotidienne d'impact esthétique affecte en quelque sorte la perception des étudiants... Malheureusement, si vous regardez plus largement, la beauté aujourd'hui pour beaucoup de gens se concentre uniquement dans l'image diffusée par un téléviseur, un écran d'ordinateur ou un smartphone. Ensuite, je crains que le progrès technologique n'ajoute ici une image stéréo, un son quad, un casque spécial, et l'existence humaine entrera enfin dans le monde des illusions.

J'en ai déjà parlé lors de rencontres d'art : la réalité est désormais aussi irréelle que monde virtuel. Et les images présentées, en plus des ersatz de beauté et de glamour, sont des atrocités, des massacres - leurs l'homme moderne regards, assis dans un fauteuil confortable avec une tasse de thé ou une canette de bière. Pourquoi se produit-il une aberration de la conscience, une sorte de substitution, comme dans jeux informatiques quand vous pouvez redémarrer et tout ira bien. D'autre part, il y a une sensation de fatigue. Et les personnes les plus profondes s'efforcent de rejeter tout cela d'elles-mêmes et de revenir aux racines, afin, par exemple, de ressentir le goût d'un produit cultivé par elles-mêmes, de l'eau de puits, etc.

- Est-ce une tendance ?

Je pense que oui. Après tout, aujourd'hui toute la puissance de l'industrie et des découvertes technologiques vise largement à satisfaire les besoins les plus vides de la population des pays développés. Eh bien, par exemple, des ressources gigantesques ne sont dépensées que pour qu'un jeune cancre conduise une voiture de luxe dans la ville à grande vitesse pour son propre plaisir ... Malheureusement, la population des pays pauvres est également infectée par le virus de la consommation, et cela , comme dans "Le conte du pêcheur et du poisson", il n'y a pas de fin en vue. Personne ne veut penser que si l'humanité veut continuer à exister, elle doit chercher d'autres significations et règles pour son existence.

- Par exemple?

Pour ma part, j'en ai déduit la soi-disant triade de correspondance : mesure, pertinence, actualité. Chacun sait par lui-même que tout a commencé à mal tourner dans sa vie lorsqu'il a dépassé la mesure d'une manière ou d'une autre ou a fait quelque chose d'inapproprié dans une certaine situation, ou l'a fait au mauvais moment. Je me considérerais heureux si j'atteignais le niveau d'harmonie de cette triade.

A la source d'un rêve
- Parler de votre Activités éducatives, à propos des mêmes rencontres d'art où vous parlez du travail de grands artistes, quel est leur but dans ce contexte ?

C'est une longue conversation. Mais c'est lui qui explique fondamentalement ce que j'ai fait toute ma vie, luttant pour que Novossibirsk devienne une véritable capitale culturelle. Non pas que je m'imagine être une personne capable de faire cela, mais chaque mouvement, chaque effort dans ce sens est important pour moi.

- Quoi, c'est pas la capitale ?

Eh bien, premièrement, en comparaison avec d'autres villes, elle est très jeune. Deuxièmement, il s'est formé, pour ainsi dire, par à-coups, sous l'influence de certains moments passionnés : c'est la construction d'un pont par les ingénieurs des chemins de fer de Saint-Pétersbourg ; la deuxième impulsion de développement - quand elle est devenue le centre administratif d'une vaste région ; puis - la guerre, l'évacuation des plus grandes usines et institutions culturelles ici; dans les années 50 - la création d'Akademgorodok ...

Ici, il n'y avait pas d'accumulation cohérente de la couche culturelle; Et lorsque cette accumulation a finalement commencé à se produire - Novossibirsk s'est transformée en une ville d'ingénieurs, de scientifiques, d'artistes, d'intellectuels qui ont continué à façonner et à améliorer son apparence, les années 90 ont éclaté. Ce qui était, à mon avis, un malheur. Une vague de personnes éloignées de la culture est venue ici, qui est soudainement devenue riche. Tout a commencé à dicter l'argent. Dans ces villes où il y avait des traditions séculaires, elles ne pouvaient pas avoir un impact aussi fatal que sur une ville jeune et fragile. Il a une énergie énorme et les événements à la suite desquels il s'est formé ne lui permettent en aucun cas de s'installer. Il n'est pas conscient de lui-même et ne comprend pas pleinement ...

(Il s'est avéré qu'Alexandre Ivanovitch a quelque chose à comparer, il note même certaines de ses «ecchymoses» avec l'image de la ville de sa propre enfance. Et Sasha Tairov a grandi au centre de Tbilissi, dans une famille intelligente, où il y a une bonne bibliothèque à domicile et, selon les mots d'Okudzhava, "pour les promenades dans la dépendance à la solitude ", il a posé en lui la contemplation, la rêverie et la philosophie locale, comme il le dit. Qui est une propriété des porteurs de la culture d'une belle ville avec une histoire de mille ans et demi. Depuis qu'il s'est installé ici à l'âge de 18 ans, il rêve du même bel homme avec des traditions culturelles enracinées voir Novossibirsk).

- Autrement dit, les rencontres artistiques au Musée national des beaux-arts de la rue Sverdlov font partie d'une sorte de votre propre plan de commerce culturel ?

Qu'est-ce que tu es, je ne me suis jamais imaginé dans cette hypostase ! Tout s'est passé assez spontanément. Il y a quelques années, le City Arts Center a été créé à Novossibirsk (au fait, j'ai conçu une partie de ses intérieurs et une entrée plutôt non standard - avec une visière et des lanternes), et grâce aux efforts du directeur et de l'ensemble équipe, heureusement, une atmosphère s'est formée ici qui la distingue des autres espaces d'exposition, ainsi que des espaces informels et événements intéressants. Le prototype des rencontres d'art est né il y a deux ans lors de la Nuit des musées, quand, à la demande de mes élèves d'atelier (je dirige un atelier ici - j'enseigne le dessin et la peinture), je leur ai parlé du tableau de Rembrandt La ronde de nuit, un immense reproduction qui a été exposée dans l'une des salles pour un autre projet. Nous avons écouté avec intérêt, d'autres visiteurs se sont joints à nous. Mais je n'y ai attaché aucune importance.

Quelque temps plus tard, le même soir, mes amis m'ont demandé de raconter la même photo. Encore une fois une foule s'est rassemblée autour, ils m'ont applaudi, et plusieurs personnes ont admis qu'ils écoutaient mon histoire pour la deuxième fois. C'était incroyable, et Natalya Vladimirovna Sergeeva, directrice du Musée national des beaux-arts, et moi avons décidé la prochaine Nuit des musées d'accrocher une reproduction du tableau de Botticelli "La naissance de Vénus", et par conséquent, l'astuce, comme ils dire, a été répété.

… Et les dames amoureuses
- Désormais il y a déjà près d'une vingtaine de noms d'artistes à l'agenda des rencontres, elles ont lieu tous les premiers samedis du mois, et les places, en général, mieux vaut réserver à l'avance.

Moi-même, je ne peux toujours pas m'y habituer - la salle est toujours pleine. Je ne semble pas faire quelque chose de spécial - eh bien, je raconte et raconte, mais il s'avère que les gens ne le voient pas comme une conférence, mais comme une performance solo.

- J'étais à une réunion consacrée à l'oeuvre de Klimt, je peux le confirmer : il y a une sorte de magie dans ton récit, dès les premières phrases introductives tu plonges inopinément profondément dans l'époque, dans les circonstances de la vie de l'artiste et y traîne involontairement auditeurs dans cette "piscine"...

J'avoue, pour moi, un effet étonnant se manifeste lors des rencontres artistiques. Quelques réflexions intéressantes, des images naissent juste là. Ainsi, lorsque je parlais de Petrov-Vodkin, c'était une pure improvisation de penser que le personnage représenté sur son peinture célèbre le cheval rouge est la Russie, belle, puissante, pleine de puissance débridée, et le cavalier est son âme, nue, jeune, frémissante, enchantée ... En un mot, je n'ai pas pour tâche de faire connaître au public la biographie du maître , je m'efforce de les plonger dans l'atmosphère de sa vie - tourments, recherches, instants de bonheur. Et ils sympathisent activement avec mon histoire, avouent qu'ils sortent de ces rencontres émotionnellement assourdis, détachés du quotidien...

- Oh, Alexandre Ivanovitch, je ne peux pas m'empêcher de te poser une question délicate : c'est peut-être ton charme personnel ? Et y en a-t-il parmi ces dames évanouies qui t'aiment ?

Eh bien, tout d'abord, il y a des hommes dans le public. Deuxièmement, je ne me soucie pas de telles suppositions. Eh bien, forte croissance, texture: peut-être que pour la partie féminine du public, cela compte, cela provoque une sorte de sentiments amicaux, mais je ne suis pas à l'âge où cela peut enivrer, étourdir ou stupéfier ... À l'avenir, je veulent généralement inviter à notre art - club de différents Gens intéressants et jouer le rôle de modérateur. L'idée de salons artistiques pré-révolutionnaires, où écrivains, artistes, musiciens se réunissaient en même temps pour une ville relativement jeune, acquérant ses propres traditions culturelles, me semble tout à fait appropriée.

BLITZ
- Pour quoi n'avez-vous pas assez de temps, que feriez-vous d'autre s'il y avait plus d'heures dans la journée ?
- Lire de la littérature philosophique et de la bonne fiction. Il aurait le temps, il apprendrait certainement de nouveaux métiers et compétences.

- Avec tous les ennuis du temps - ton passe-temps ?
- Je vais régulièrement au gymnase, j'effectue une certaine série d'exercices à la maison. Cela fait partie de la philosophie de la vie - toute vie est travail. Le corps est la maison où vit l'âme. Si la maison n'est pas entretenue, à la fin, sous ses décombres, l'âme peut être gravement atteinte.

- L'impression la plus brillante de la dernière fois ?
- En tant que contemplatif, je n'ai pas ressenti d'impressions vives depuis longtemps et j'apprécie les choses qui à première vue ne sont pas brillantes - le bruissement des feuilles, les nuances du ciel, l'entrelacement des branches ... Parce que dans l'art les impressions les plus fortes ne proviennent pas de contrastes, mais de nuances.

RÉFÉRENCE
Alexander Tairov, graphiste, designer, affichiste, membre de l'Union des artistes de l'URSS, depuis 1985 - Russie. Les œuvres se trouvent au Musée d'art d'État de Novossibirsk.

UN HIT POUR UN PORTRAIT
Pendant de nombreuses années, Alexander Tairov a été l'artiste en chef des vacances en ville et a proposé son symbole principal - pas un animal exotique, mais Gorodovika, un garçon intellectuel indépendant qui a plutôt plu aux citadins. Il s'agissait de faire de Tairov l'artiste en chef de la ville, mais lors d'une rencontre avec l'architecte en chef, il était loin d'être enthousiasmé par l'apparition de la métropole, ce qui a beaucoup indigné son collègue, et la nomination n'a pas eu lieu.

Je pense que tout le monde connaît cette image - "Portrait des Arnolfinis" de l'artiste néerlandais Jan Van Eyck. Visage douloureusement familier - Londonien galerie nationale même déplacé cette image à salle centrale, à l'endroit le plus accessible. Tout le monde veut voir Poutine)

Et j'ai assisté à une conférence d'Alexander Tairov au Palais des Beaux-Arts (quand ils se sont trouvé un nom mémorable). Il est difficile d'appeler la réunion d'Alexander Tairov une conférence, il parle de manière inspirante, intéressante et émotionnelle du travail de divers artistes. Émotionnellement et très techniquement détaillé sur la composante artistique, sur le contexte historique et économique de chaque image. Un look aussi volumineux est tout simplement fascinant. Je ne suis pas allé dans un théâtre dramatique depuis cent ans, et d'une manière ou d'une autre, ça ne tire pas - tout y semble trop faux et ennuyeux.

Mais pour cette conférence, 300 roubles, ce n'est pas dommage, sans aucun doute. Je recommande fortement d'aller en direct ou de regarder la vidéo. https://vk.com/art_meeting_nsk Mais la vie est plus intéressante.

Que voyons-nous ici. Elle se déroule au début du XVe siècle. Les gens riches ont décidé de se marier légalement. Il semble que tout soit simple - mais les symboles sont présents autour.
Par exemple, une fenêtre. Pas étonnant que nous y voyions des feuilles et le ciel - non, la vie n'est pas limitée dans ce riche intérieur, et le mariage n'est pas une raison pour se cacher dans un nid familial. Là, devant la fenêtre - tentations et plaisirs, ils sont et seront présents dans la vie.
Les visages rusés des personnages indiquent également qu'il ne faut pas mettre un doigt dans la bouche ; le regard abattu de la femme est très ambigu.
Mais à côté du chien se trouve un symbole de fidélité.
Une bougie allumée est un symbole de la présence de Dieu. Un miroir est une lentille, qu'y a-t-il dans cette conscience déformée, y a-t-il quelqu'un qui s'y reflète, des invités ?
Le rouge est un symbole de passion et les fruits parlent de plaisir. Le vert est un signe de beauté et d'intégrité. Bien que nous ne sachions pas avec certitude s'il s'agit de sa femme.
Un homme et une femme se serrent la main - ils se marient. Dans ces années-là, il n'était pas nécessaire d'aller à l'église pour s'appeler mari et femme.

Bien sûr, je ne vais pas raconter toute la conférence ici, j'écris ce dont je me souviens de la vie difficile dans les années 1420.

La rencontre se déroule dans une ambiance si cosy. Merci pour les nombreuses reproductions de qualité.

L'artiste belge Jan Van Eyck était à l'avant-garde de Renaissance du Nord. Que s'y passait-il au début du XVe siècle ? Les temps étaient sauvages, les gens vivaient dans la pauvreté, le froid et l'ennui. Après le coucher du soleil, chacun s'est enfermé dans sa maison et s'est assis près de l'écharde. Et la vie elle-même était considérée comme un état intermédiaire sur la voie de quelque chose de brillant.

Et donc tout était littéralement gris. Les peintures étaient chères et Peinture à l'huile encore plus cher.
Maintenant, il nous est difficile d'imaginer qu'il y a des millions de stimuli visuels autour - une surcharge d'informations et des images lumineuses clignotantes. Et à cette époque, même les vêtements de couleur étaient une rareté et un privilège de citoyens très riches. La plupart étaient vêtus de vêtements gris et marron. Maisons grises, automne et hiver gris, sans électricité ni chauffage public.

Le film illustre le mieux ce désespoir. Tout est gris, froid, qui diable sait quelles opérations chirurgicales, et seuls les yeux bleus du protagoniste ne lui permettent en quelque sorte pas de quitter le cinéma pour oublier cette obscurité. Recommandé, excellent film.

Alors. Et dans cette vie misérable, quelque part des mauvaises récoltes, puis la guerre, puis un autre choléra, la foi en Dieu était indestructible.

Portrait d'homme au turban rouge. Il y a une opinion qu'il s'agit d'un autoportrait. Il y a très peu d'informations sur Van Eyck. Même la date de naissance est floue - 1390 ou 1400.
Cet homme était superbement éduqué - il parlait plusieurs langues, cependant, pour les Européens de l'époque, c'était une chose courante. Il a servi à la cour du duc Philippe de Burgnud, alias Philippe le Bon. En effet, c'était un homme gentil, qui essayait d'éviter autant que possible les conflits armés.

Van Eyck, en plus de la peinture, qui était considérée comme une matière extrêmement importante, était également engagé dans des missions diplomatiques, qu'il donna pendant plus d'un an. Il a également conçu des intérieurs et organisé des cérémonies.

Au fait, plus sur effets visuels. Ensuite il y avait de la tension avec le verre, il n'y avait pas de strass, ni de bijoux non plus. Et les vrais bijoux brillants étaient encore plus appréciés que maintenant, pour ainsi dire. Par exemple, le même Philippe de Bourgogne pourrait apporter un coffre avec ses bijoux sur la place pour le montrer au peuple. Regardez, citoyens - comme je suis riche.
Pourtant, les siècles passent, et les gens n'ont cessé d'aimer se parer de pierres)

La femme de l'artiste est Margaret. Ils eurent dix enfants.

Alexander Yakovlevich Tairov - réalisateur soviétique russe, fondateur et directeur du théâtre de chambre. Les représentations « Famira-kifared » (1916), « Salomé » (1917), « Phèdre » (1922), « Amour sous les ormes » (1926), « Tragédie optimiste » (1933), « Madame Bovary » (1940) , " La Mouette (1944), Coupable sans culpabilité (1944) et d'autres.

Alexander Yakovlevich Tairov est né le 6 juillet (24 juin) 1885 dans la ville de Romny, province de Poltava, dans la famille d'un enseignant. Ses premières impressions théâtrales sont liées aux performances des frères Adelnheim - des tragédiens qui ont parcouru les provinces russes. Tairov a commencé à jouer dans des performances amateurs.

Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, Alexander entre à la faculté de droit de l'Université de Kyiv. Au cours de ces années, il rencontre directement le théâtre provincial, jouant sur scène et regardant le jeu de bons acteurs provinciaux. Au cours de la saison 1906-1907, Tairov s'est produit au théâtre Komissarzhevskaya. Ici, dans les performances de Meyerhold, il s'est familiarisé avec la maîtrise de la direction de l'auteur, mais a une fois pour toutes rejeté l'esthétique du théâtre conventionnel. Ensuite - le théâtre mobile "MKhAT" P.P. Gaideburov, Nouveau théâtre dramatique de Saint-Pétersbourg. Déjà au Mobile Theatre, Tairov agit en tant que metteur en scène. Cependant, la routine inébranlable du Nouveau Théâtre, ajoutée aux déceptions théâtrales précédentes, a servi de catalyseur à la décision de Tairov de rompre avec le théâtre.

En 1913, il est diplômé de la faculté de droit de l'Université de Saint-Pétersbourg et rejoint le barreau de Moscou. Il semble à Tairov qu'il est devenu désillusionné par le théâtre. Mais quand K.A. apparaît Marjanov avec son idée fantastique du théâtre libre, censé combiner tragédie et opérette, drame et farce, opéra et pantomime - Tairov accepte l'offre d'entrer dans ce théâtre en tant que metteur en scène.

Ce sont le Voile de Pierrette de Schnitzler et le conte de fées chinois La Veste jaune mis en scène par Tairov qui ont fait la renommée du Théâtre libre et se sont révélés être des découvertes inattendues et intéressantes. Dans ces représentations, Taïrov proclame la "théâtralisation du théâtre" et met en avant le principe du "geste émotionnel" au lieu d'un geste pictural ou mondain authentique.

La première du Voile de Pierrette a eu lieu le 4 novembre 1913. Tairov, bien sûr, a deviné l'ambiance de l'époque, dans l'intrigue, chez la jeune actrice de vingt-quatre ans au nom sonore Alisa Koonen. Fatalisme arrogant, impulsion et perversion, excitation d'espoirs non abandonnés... Tout cela lors de sa première représentation sur la scène du Théâtre Libre. Et le 25 décembre 1914, Tairov a ouvert ses portes à Moscou nouveau théâtre- Chambre, qui est devenue un symbole de l'art nouveau pour la jeune génération de 1910-1920.

Bien sûr, les circonstances ont favorisé Tairov. Il n'oubliera pas de les énumérer : des acteurs dévoués partageant les mêmes idées, de vrais amis, d'excellents locaux - un manoir du XVIIIe siècle sur Boulevard Tverskoï, presque miraculeusement hérité de l'argent. Mais cela n'aurait pas été suffisant sans la foi de Taïrov, sans son courage, sans son amour pour Alisa Koonen, qui incarnait sur scène un type très particulier (peut-être Koonen est-elle la seule actrice tragique Théâtre soviétique). Le Théâtre de Chambre a été érigé au nom de cet amour. Le réalisateur et l'actrice se sont mariés en 1914. Le théâtre leur a tout pris, ne laissant de place ni aux enfants ni aux affections particulièrement amicales.

1914 Passe en premier Guerre mondiale. Et Tairov répète le drame de l'ancien classique indien Kalidasa "Sakuntala". Ce qui l'a poussé à choisir cette pièce en particulier Probablement son amour pour l'Orient, l'excellente traduction de K. Balmont, le rôle gagnant de Koonen, les peintures de steppe et de Boukhara de Pavel Kuznetsov, que Tairov aimait à l'exposition World of Art avec leur exquise simplicité des lignes et des couleurs.

Le pessimisme prévalait dans l'ambiance de l'époque. Tairov, sur scène, a affirmé la possibilité d'un autre, beau monde où dominent la beauté, la sagesse et la plénitude de la vie spirituelle. Au début, Tairov a été contraint de montrer plus d'une douzaine de premières par saison. Mais une tendance s'est imposée immédiatement, il a dégagé et libéré l'espace de la scène. Il s'est efforcé de créer un espace scénique tridimensionnel comme le seul correspondant au corps tridimensionnel de l'acteur. Le réalisateur était assisté de l'artiste Alexandra Exter. Le décor a été décidé par elle dans le style du cubisme. Cette idée, en particulier, incarnait la pièce "Famira-Kifared". Les pyramides, les cubes, les plates-formes inclinées le long desquelles les acteurs se déplaçaient créaient une sorte d'image associative la Grèce ancienne. Famira a été joué par le beau oriental Nikolai Tsereteli, "regardé" par Tairov au cœur des figurants du Théâtre d'art de Moscou.

Après Famira, Tairov s'est tourné vers Salomé d'Oscar Wilde. Pour décorer la performance, Exter, en plus des tissus, a utilisé de minces cadres métalliques, des cerceaux et même du contreplaqué.

Leonid Grossman a laissé une description impressionnante de la façon dont Alisa Koonen a joué Salomé. "Je suis amoureuse de ton corps", dit la princesse dans la prière, comme si elle était aveuglée par l'apparition de Dieu. Et puis, dans la confusion et l'horreur, ses mains commencent à se tortiller comme des serpents, prêtes à emmêler et serrer à mort la victime visée dans leurs anneaux "...

En 1917, le théâtre de chambre a été expulsé du manoir du boulevard Tverskoï, car il n'y avait rien à payer pour le loyer. Les nouveaux locaux - l'échange d'acteurs aux portes Nikitsky - n'étaient pas très adaptés pour montrer des performances. Des efforts vraiment titanesques ont été déployés pour faire passer la température sur scène et dans la salle de quatre degrés à au moins six ...

Pour ouvrir la saison 191920 sur la scène renvoyée par Narkompros, Tairov choisit le vieux mélodrame Adrienne Lecouvrere d'E. Scribe. Ce spectacle deviendra l'un des spectacles les plus complets de la capitale et restera au répertoire du Théâtre de Chambre jusqu'à sa fermeture. Après la 750e représentation écrivain français Jean-Richard Blok dira que Tairov et Koonen ont élevé le mélodrame de Scribe au rang de tragédie.

Le 4 mai 1920, une autre première a eu lieu au Chamber Theatre - une performance capriccio d'E.A. Hoffmann "Princesse Brambilla". "Le rire est vivant et la joie est vivante - c'est la tâche du spectacle", a expliqué le réalisateur. L'imbrication extravagante et généreuse de la réalité et de la fantaisie, de l'excentricité et du grotesque, du cirque et des performances acrobatiques - c'était le royaume de la "princesse Brambilla" créée par Tairov et l'artiste G. Yakulov.

En 1922, Tairov, avec Yakulov, a mis en scène une autre performance joyeuse - "Zhirofle-Zhiroflya" basée sur l'opérette de Lecoq. Ici, il y avait un corps de ballet, comme prévu dans le spectacle, et, bien sûr, les "stars" Koonen, qui jouaient, comme le prescrivait le livret, les deux héroïnes, et Tsereteli, qui jouait le rôle de l'un des prétendants. Tairov a affirmé dans la représentation les principes esthétiques les plus importants de son théâtre; ici, une culture du mouvement, une culture des mots s'est développée et, bien sûr, la plénitude émotionnelle intérieure était à la base de tout.

Tairov croyait que la première étape de sa quête au théâtre de chambre s'était terminée avec la production de Phèdre de Racine (1922). De nombreuses scènes de ce spectacle sont entrées dans l'histoire du théâtre mondial. La légende était la première sortie de Koonen-Phaedra, comme si elle cédait sous le poids de sa passion désastreuse, elle marchait très lentement, et le manteau violet traînait derrière elle comme une immense traînée de feu.

Les premières de 1922 - "Phaedra" et "Zhirofle-Zhiroflya" ont placé le théâtre de chambre à une hauteur sans précédent. Ils en sont fiers, ils y amènent des étrangers, ils l'envoient en tournée à l'étranger. La célébration du dixième anniversaire du Théâtre de Chambre a lieu à Théâtre Bolchoï.

Les tournées de 1923 et 1925 en France et en Allemagne sont restées dans les mémoires de beaucoup. Doxologie et réprimande dans la presse ; clackers soudoyés qui n'ont pas réussi à briser la Phèdre, et une réception responsable donnée par l'élite émigrée en l'honneur des acteurs du théâtre de chambre; délices de Cocteau, Picasso, Léger... Sur Exposition internationaleà Paris en 1925, le Théâtre de Chambre remporte grand prix. Tairov est revenu du voyage en vainqueur. "Eh bien, quel genre de bolcheviks sont-ils", s'exclama le célèbre critique français Alfred Deblin est bourgeois à 200 %, des artistes qui produisent des produits de luxe.

Tairov cherchait des moyens de faire revivre la tragédie classique, essayant de la rendre proche du public moderne. Il a nié la manière pseudo-classique de jouer la tragédie, qui s'était enracinée à la fois sur la scène française et sur la scène russe. Comme l'a rappelé Alisa Koonen, Tairov voulait présenter les rois et les reines de la pièce de Racine comme des gens ordinaires "Ne jouez pas aux rois !" - il a répété lors des répétitions à Tsereteli et Eggerta, qui jouaient Hippolyte et Thésée. Cependant, ces les gens ordinairesétaient possédés par des passions fatales et engagés dans une lutte acharnée. L'idée de Tairov a été pleinement incarnée par Koonen-Fedra. La concentration tragique de la passion, qui ne peut être éteinte, était le contenu principal de cette image.

Dans les plans de Tairov, la tâche de créer une tragédie moderne est toujours en premier lieu. Sur ce chemin, le réalisateur est revenu plusieurs fois sur l'Orage d'Ostrovsky. Il reçoit de moins en moins beauté extérieure et s'efforce de plus en plus de comprendre les fondements tragiques de l'être.

Au milieu des années 1920, Tairov trouva "son" auteur, le dramaturge américain O'Neill, qui croyait que seule la tragédie pouvait exprimer les processus de la vie moderne. Le 11 novembre 1926, a eu lieu la première de la pièce "L'amour sous les ormes", qui était destinée à entrer dans l'histoire du théâtre mondial.

L'intrigue simple du drame d'O'Neill sur la vie des agriculteurs américains du XIXe siècle possédait pour Tairov l'ambiguïté du mythe "Je crois que dans cette pièce, O'Neill a atteint de grands sommets, ressuscitant en littérature contemporaine meilleures traditions tragédie antique. La pièce montrait l'histoire amour tragique belle-mère (A. Koonen) à beau-fils (N. Tsereteli) et leur rivalité féroce sur la ferme. Persuasion mondaine maximale, fiabilité maximale des passions - et un minimum de détails quotidiens.

Dans la pièce "The Negro" basée sur la pièce d'O'Neill (1929), l'histoire d'amour d'Ella et Negro Jim est apparue sur scène. Koonen-Ella, qui vit dans la performance toute la vie de son héroïne, d'une fille enfantine à une femme folle souffrante, a atteint dans sa performance des sommets tragiques. La réaction d'O'Neill lui-même aux performances de "Negro" et "Love under the Elms" est remarquable : "Quelle était grande mon admiration et ma gratitude quand j'ai vu vos performances... Elles ont complètement véhiculé le sens profond de mon travail. Le théâtre de fantaisie créative a toujours été mon idéal. Le Théâtre de Chambre a réalisé ce rêve.

Pendant ce temps, la modernité n'a cessé d'exiger du théâtre la création d'un spectacle « au diapason de la révolution » et la présentation de bonbon. Tairov a retravaillé, coupé soit le roman de S. Semenov "Natalya Tarpova" (1929), puis le scénario de N. Nikitin "Line of Fire" (1931), puis la tragédie romantique de M. Kulish "Pathetic Sonata" (1931) , puis la pièce de L. Pervomaisky " Soldats inconnus (1932). Mais la mise en scène de ces pièces très imparfaites a été largement forcée.

La rencontre du Théâtre de chambre avec Vsevolod Vishnevsky a été marquée par le fait que le dramaturge et équipe créativeétaient très proches dans l'art. L'écrivain et le théâtre ont cherché à trouver des formes monumentales, épiques et romantiques de créativité scénique. "Optimistic Tragedy" de Vishnevsky est une histoire agitée sur la façon dont un détachement anarchiste de marins, sous l'influence d'une femme commissaire (A. Koonen), devient un régiment révolutionnaire cohérent. "Toute la ligne émotionnelle, plastique et rythmique de la production", a déclaré Tairov, "devrait être construite sur une sorte de courbe menant du déni à l'affirmation, de la mort à la vie, du chaos à l'harmonie, de l'anarchie à la discipline consciente". Le sommet de la spirale ascendante fut la mort du commissaire, illuminée par la victoire de son idée. "Heaven, Earth, Man" - une courte devise pour la performance, inventée par son artiste V. Ryndin, formule avec précision l'idée de Tairov. Le spectacle parlait de la victoire de l'esprit humain, glorifiait l'homme et croyait en lui.

Lors de la première de la prochaine saison - "Egyptian Nights" - Tairov prévoyait de combiner en une seule représentation "César et Cléopâtre" de Bernard Shaw, "Egyptian Nights" de Pouchkine, "Antoine et Cléopâtre" de Shakespeare. L'expérience risquée reposait principalement sur le courage et l'ambition d'acteur de Koonen, attiré depuis longtemps par l'image du grand Égyptien. Cependant, après cette performance, à la fois dans la presse et dans les discussions, le théâtre de chambre a commencé à être qualifié de formaliste, de sorte que les généralisations philosophiques de Tairov, qui parlaient du lien entre le destin de l'homme et le destin de l'époque, ont été perçues.

Après la tragédie "Egyptian Nights", le théâtre a mis en scène l'opéra comique "Bogatyrs" (1936) d'A. Borodine avec un nouveau texte de Demyan Bedny. Le spectacle s'est avéré lumineux, coloré, légèrement stylisé comme des miniatures de Palekh. Les accusations de déformer le passé historique du peuple russe ont rapidement suivi. La pièce a été filmée.

Les critiques s'abattent sur le Théâtre de Chambre et son chef de toutes parts. On a fait valoir que dans la pratique du théâtre, il y avait tout un "système d'attaques déguisées contre notre parti, le système soviétique et Révolution d'Octobre". Les travaux sur l'opéra de Prokofiev "Eugene Onegin" ont dû être arrêtés. En août 1937, le théâtre de chambre de Tairov et le théâtre réaliste d'Okhlopkov ont été fusionnés en un seul. Cela a duré deux ans. Le chaos régnait dans la troupe artificiellement unie.

En 1940, il y avait un autre belle performance Tairov, où le talent tragique d'Alisa Koonen, "Madame Bovary" selon Flaubert, résonnait puissamment. Le metteur en scène n'a pas mis en scène Flaubert au sens traditionnel du terme, il a révélé le drame de ce roman, en scrutant jusqu'aux tréfonds l'âme humaine.

La guerre a trouvé le théâtre en tournée à Leningrad. Départ précipité pour Moscou. Début septembre a eu lieu la première de la pièce "The Battalion Goes West" de G. Mdivani.

Le seul théâtre de chambre lors de l'évacuation de Balkhash et de Barnaoul a donné plus de 500 représentations. Parmi les premières de cette période figurent "The Front" d'A. Korneichuk, "The Sky of Moscow" de G. Mdivani, "Until the Heart Stops" de K. Paustovsky, "The Sea Spreads Wide" et "At the Walls of Leningrad" par Vs. Vishnevski.

En 1944, La Mouette est mise en scène au Chamber Theatre. Le principe de base de la production était les mots de Tchekhov «Pas besoin de théâtralité. Vous avez juste besoin de tout, c'est très simple. Expliquant le choix de la pièce, Tairov a déclaré que "La Mouette" sonne "comme une pièce maintenant créée, montrant comment une personne conquiert tout et entre dans la vie, car Nina Zarechnaya sera une grande actrice. "La Mouette" est une pièce de grande foi en une personne, en son étoile, en son avenir, en ses capacités.

Le réalisateur n'a pris que des fragments du texte de Tchekhov. Les acteurs jouaient sans maquillage - ils lisaient le texte selon leurs rôles, changeant parfois la mise en scène sur une scène presque vide. Le discours de "The Seagull" ressemblait à de la musique, fusionnant avec les mélodies de Tchaïkovski.

Une autre performance de Tairov en 1944, Guilty Without Guilt, avec l'aide de l'artiste V. Ryndin, rend A.N. Ostrovsky, l'éclat, la douceur et la tristesse de l'ancien théâtre. « Il y avait quelque chose de la solitude de l'albatros de Baudelaire dans cette Kruchinina de Koonenov, dans son regard détaché, dirigé vers le lointain, au-dessus des têtes des personnes environnantes, dans ses mouvements, involontairement rapides et vifs, disproportionnés aux rythmes et aux tempos de que la foule d'autres personnages a déplacée” , - B. Alpers écrira à l'époque de la première.

Les dernières années du Théâtre de chambre ont été très dramatiques. La soi-disant "lutte contre la servilité à l'Occident" s'est déroulée dans le pays. Pour Tairov, la dramaturgie soviétique des années 1940 n'offrait pas beaucoup de choix. A cela il faut ajouter les difficultés vécues au sein même de l'équipe, une mauvaise formation, la fermeture de l'école de théâtre au théâtre, un bâtiment vétuste qui nécessitait des réparations...

Bien sûr, Tairov s'est battu. Il a argumenté, défendu, est allé voir les autorités, a avoué ses erreurs. Il espérait aussi sauver le théâtre. Il fait face à une recherche infructueuse de nouveaux auteurs et pièces de théâtre. Et une pièce vide l'attendait. Et la confusion dans les coulisses. Et des commissions examinant la situation du théâtre. Et le 19 mai 1949, par décision du Comité des arts, Tairov a été renvoyé du théâtre de chambre.

Le 29 mai, la dernière fois qu'ils ont donné "Adrienne Lecouvrere". Alisa Koonen a joué avec inspiration, désintéressement. "Théâtre, mon cœur ne battra plus avec l'excitation du succès. Oh, comme j'aimais le théâtre... L'art ! Et il ne restera rien de moi, rien que des souvenirs… » Les derniers mots d'Adrienne devinrent les adieux des créateurs du Théâtre de Chambre au public.

Après la fermeture du rideau - applaudissements, cris de gratitude, larmes. Le rideau a été donné un nombre incalculable de fois, mais le public ne s'est pas dispersé. Enfin, sur ordre de Tairov, le rideau de fer fut abaissé. Tout était fini.

Le comité des arts a transféré Koonen et Tairov (en tant qu'autre directeur) au théâtre Vakhtangov. Ils n'y sont pas restés longtemps, on ne leur a pas proposé d'emploi et on ne leur a pas promis d'avenir. Bientôt, Tairov et Koonen ont reçu un document dans lequel, au nom du gouvernement, ils ont été remerciés pour leurs nombreuses années de travail et ont proposé de prendre un «repos honorable, une retraite par âge» (Tairov avait alors environ 65 ans, Koonen - 59). Ce fut le dernier coup qu'Alexander Yakovlevich dut endurer.

Le 9 août 1950, le théâtre de chambre a été rebaptisé théâtre dramatique de Moscou du nom de A.S. Pouchkine et ainsi pratiquement éliminé.

En septembre, la santé d'Alexander Yakovlevich s'est nettement détériorée. Tairov est décédé le 25 septembre 1950 à l'hôpital Solovyov...

Rencontres artistiques avec Alexander Tairov. Artiste sur les artistes !

Alexandre Taïrov- une personne qui peut surprendre, inspirer, exciter nos cœurs pour découvrir de nouvelles émotions et connaissances, nous plonger tête baissée dans la vie de l'artiste Gustav Klimt.

Alexandre Taïrov - artiste célèbre, critique d'art, membre de l'Union des artistes depuis 1985, hôte de rencontres artistiques à Moscou, Novossibirsk, Krasnoïarsk, Saint-Pétersbourg !

Chers amis, l'essentiel est de ne pas passer par des conteurs comme Alexander Tairov. Ses mots, comme une balle volant avec précision vers la cible, vous transperceront le cœur, changeant votre vision du monde en une fraction de seconde et y déposant quelque chose de nouveau, initialement inconnu.

La personnalité de l'artiste dont parle Alexander se révèle en couches et ressemble à une toile, sur laquelle les peintures d'une palette sont appliquées étape par étape, et à la fin de la soirée, vous pouvez clairement voir l'écriture de l'artiste.

Des rencontres artistiques ont lieu au format expositions de reproductions et c'est unique, car beaucoup n'ont pas vu et ne verront peut-être jamais toutes les peintures de Klimt au même endroit - elles sont dispersées dans des musées du monde entier ou font partie de collections privées.

"Art Nouveau Sensuel Gustav Klimt"

Gustave Klimt- un artiste autrichien exceptionnel du XXe siècle. Le fondateur du style moderne.

peinture ornementale Gustave Klimt de la manière la plus bizarre tisse des images réalistes des héros de ses peintures.

Les paysages pittoresques de Gustav Klimt sont une célébration d'une nature inhabituellement stylisée, peinte de couleurs vives, en mosaïque, graphiquement.

L'artiste dans son travail s'est souvent tourné vers le thème de l'allégorie, a écrit des images lyriques de femmes et de fleurs, louant la beauté sensuelle et essayant de capturer les moments insaisissables d'harmonie. Création sur commande portraits féminins Gustav Klimt a "sauvé" la beauté et la jeunesse de ses modèles, rendant leurs images immortelles.

Les étrangers croyaient à peine que Gustav Klimt était un artiste. Ressemblance extérieure avec un simple paysan, personnage puissant, grand et mains fortes ne correspondait pas à l'image d'un connaisseur sophistiqué de la beauté, dont le travail est rempli de sentiments tendres et de teintes dorées.

Ça se passe sous nos yeux performance solo charismatique, artistique et émotionnel Alexander Tairov (artiste, membre de l'Union des artistes depuis 1985. Artiste principalÉtat de Novossibirsk Université technique. Participant à des expositions régionales, républicaines et internationales).

Les auditeurs sont plongés dans l'histoire de l'artiste, ils s'imprègnent de lui et les peintures se révèlent au sens le plus large.

Vous voulez savoir ce qui se cachait derrière la personnalité scandaleuse et passionnée de Gustav Klimt ?

Comment ont été créés les portraits féminins sensuels ?

Voulez-vous ressentir le style spécial émotionnellement éblouissant du fondateur de la modernité ?

Sur le rencontre artistique avec Alexandre Tairov En plus de faits bien connus, vous entendrez parler de Gustav Klimt quelque chose que les historiens de l'art et les biographes ignorent parfois, mais dont ses toiles parlent à voix basse, cachant des coins cachés de l'âme de la personne qui les a créées...

Dans votre attente!!!

Procédure d'inscription et de paiement :

1. Vous devez vous inscrire à l'événement via le système Time Pad

2. Participation par prépaiement à la carte Tinkoff 5536 9137 9980 6183 - 980 roubles. pour 1 personne. IMPORTANT! Il n'y a PAS BESOIN d'indiquer quoi que ce soit dans le but du paiement !!!

3. Le coût de participation en espèces le jour de l'événement est de 1200 roubles, sous réserve de disponibilité !

Organisateur en VK

Graphiste, designer, membre de l'Union des artistes de Russie, Alexander Tairov a parlé aux lecteurs du magazine VOLNA de l'art contemporain, environnement culturel Novossibirsk et tente de le changer pour le mieux.

J'ai rencontré Alexander lors de l'événement Nuit des musées qui s'est tenu au City Fine Arts Center. Dans la grande salle, où étaient exposées des reproductions de tableaux de Frida Kahlo, une belle voix masculine parlait de l'un d'entre eux.

- Alexandre, raconte-nous comment est née l'idée d'organiser des rencontres d'art ?

Le format des rencontres d'art tenues au Centre des Arts est apparu de façon absolument inattendue. La "Nuit des musées" a eu lieu, où une des peintures de Rembrandt a été exposée. Un autre conférencier en parlait, mais je voyais tout différemment. Et je dois dire que j'ai depuis longtemps le désir de partager mes connaissances artistiques avec les gens. Le problème était que les gens entraient dans la salle, écoutaient littéralement deux minutes et repartaient. À ce moment-là, j'ai réalisé que beaucoup ne comprenaient tout simplement pas le sens de l'image. Les gens ne voient que ce qui est représenté, sans penser ni se sentir plus large. Plus tard mes élèves du studio arts visuels demandé de parler de cette image - de sa composition et de sa signification. Déjà dans le processus, j'ai remarqué qu'il y avait des gens derrière moi, qui m'écoutaient attentivement. Le facteur principal dans la création de rencontres d'art a été précisément les commentaires positifs de nos invités qui veulent en savoir plus sur les artistes et leurs œuvres.

L'année suivante, lors de la Nuit des musées, il y avait une conférence sur Botticelli, nous avons consacré toute la salle à ses peintures. Trois sessions ont eu lieu, et avec beaucoup de succès. Et il y a deux ans, ce projet a commencé à exister sous la forme de réunions ayant lieu tous les premiers samedis du mois.

C'est un phénomène plutôt inhabituel pour Novossibirsk, il est donc intéressant pour les gens.

Nous avons déjà couvert dix-sept artistes. Sur le ce moment nous avons un public stable - plus d'une centaine de personnes assistent à nos réunions, probablement ce ne sera pas plus grand, la capacité de la salle ne le permet pas.

- Ce Il y a des gens de Novossibirsk qui s'intéressent à la peinture et prêt à briller ?

Oui, et pas seulement Novossibirsk. Si nous avions la possibilité de voyager dans d'autres villes, par exemple à Tomsk, les gens seraient intéressés. Les gens sont attirés par l'art. Les visiteurs de la galerie ne comprennent le plus souvent pas le sens des peintures: non seulement l'histoire de leur création joue un rôle, mais aussi la biographie de l'auteur, le contenu de la composition et la palette de couleurs. Et si tout cela parvient au public dans le cadre d'une exposition d'œuvres de l'artiste... Contenu interne, mystérieux et sens caché les images deviennent visibles pour les gens.

- Abordons un sujet intéressant et sujet douloureux pour notre ville. Après l'un de l'art vous rencontre ils ont dit que dans Novossibirsk n'a pas un seul espace culturel. Est-ce vraiment vrai ?

Je pense que c'est. Tous les domaines de l'art, qu'ils soient musicaux, visuels ou dramatiques, vivent séparément les uns des autres. L'art doit être interpénétrant. Beaucoup de choses ont changé, et ce n'est pas le moment où les mécènes russes organisent des rencontres de poètes, musiciens, artistes et écrivains. Bien sûr, ce n'est pas le cas dans notre ville. Et ce n'est pas surprenant, car Novossibirsk n'a pas de sérieux base culturelle- l'histoire de la ville a un peu plus de cent ans, ce qui est très peu pour la formation d'un environnement culturel de grande qualité.

Bien sûr, Novossibirsk se développe rapidement, le nombre d'habitants de la ville approche les deux millions, mais la plupart d'entre eux sont coupés de la vie culturelle de la ville.

La raison en est que la ville est dispersée sur de vastes zones et que le noyau culturel est situé sur la rive droite et en plein centre - de la place Sverdlov à la place Lénine. Beaucoup de gens n'ont tout simplement pas la possibilité de toucher la belle. De plus, presque tous les événements ont lieu le soir.

- Rencontres artistiques tenues à Centre des Arts, résoudre en partie ce problème ?

Les réunions ne sont qu'une goutte dans l'océan. Dans la ville d'un million et demi d'habitants, des milliers de personnes passent devant notre bannière accrochée dans le métro à la station de la place Lénine, mais lors des réunions d'art, il y a au maximum cent cinquante personnes. Le pourcentage est évident. C'est la réponse à la question de savoir si nous résolvons le problème ou non. Quelqu'un n'est tout simplement pas intéressé à se développer dans cette direction, quelqu'un ne sait peut-être même pas qu'un tel format existe dans la ville. Maintenant, après tout, rien de valable n'est montré à la télévision - pas de représentations, pas de pièces de théâtre, pas de concerts orchestres symphoniques. En ce sens, Novossibirsk continuera très longtemps à suivre la voie de la familiarisation avec la culture.

- Mais matière et dans les gens aussi ? À leur intérêt?

Tout d'abord, chez les gens. Maintenant, des choses complètement différentes apparaissent, le système de valeurs est déformé. Les changements dans l'esprit des gens affectent toujours situation culturelle dans une ville ou un pays. Les enfants de notre époque ne rêvent pas de devenir pilotes, par exemple, cela s'applique aussi aux professions comme artiste ou écrivain. Probablement parce que beaucoup comprennent que dans ce domaine il n'est guère possible de gagner de quoi vivre sans avoir besoin d'absolument rien. L'argent est le moteur de ce siècle. La plupart des gens ne voient pas le bonheur dans la création et l'immersion dans la culture, oubliant qu'une personne qui ne vit pas d'expériences, ne comprend pas les choses profondes, vit de manière inférieure.

- Une fois on parlait de l'argent, alors à moi aussi À toi question suivante: Peut-être si, étant artiste, faire de l'art, se sentir à l'aise dans monde moderne?

Revenons à ce qui a été dit il y a longtemps : tout ce qui est beau est en nous. Pour un artiste qui peut à juste titre s'appeler lui, la vérité est la suivante. La raison en est que les véritables significations d'une personne mature sont en elle-même. avoir cueilli expérience de la vie, ayant compris quelle est la valeur, une personne aime ce qu'elle crée. Il y a très peu de talents dans le monde. Une personne qui peut accumuler en elle tout ce qui est essentiel et précieux est rare.

- Alexandre, si nous nous souvenons du début du siècle dernier, alors sur le dérange les noms viennent tout de suite artistes célèbres et Écrivains : Dali, Picasso, Hemingway. se souviendront si dans cent ans quelqu'un de notre temps?

Indubitablement. j'aime répéter expression célèbre Yesenina : « Vous ne pouvez pas voir un face à face. Les grandes choses sont vues de loin. Tandis que le temps passe gens talentueux se cristalliser, et la société apprendra à percevoir leur art, comprendra que leurs ancêtres ont laissé un riche héritage culturel.

- À Il n'y a pas de conditions à Novossibirsk pour s'engager pleinement dans l'art?

C'est de cela que nous parlons. Pour créer des conditions, vous avez d'abord besoin, par exemple, d'une serre. Mais personne n'investira là-dedans. Peut-être que quelqu'un achète le travail de deux ou trois artistes opportunistes de Novossibirsk, mais c'est plutôt une exception à la règle. Malheureusement, il n'y a absolument aucun intérêt et aspiration communs. L'essor de la culture surgit sur la vague de la demande d'œuvres d'art. Il s'agit d'un processus interdépendant. Novossibirsk est un endroit où rien ne "poussera" pendant longtemps. Et les gens qui essaient de changer quelque chose partent immédiatement pour un endroit où c'est plus confortable et plus facile. Le drame de notre ville, c'est aussi que des gens dignes ou qui sentent le potentiel en eux-mêmes comprennent qu'ils ne peuvent pas le réaliser pleinement ici. Les gens viennent ici de petites villes, le plus souvent peu éduquées. La ville se transforme en point de transit. Rien ne peut naître comme ça, et l'art a besoin d'un sol fertile et de qualité.

Photos fournies par Alexander Tairov.

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