DÛRER (Dürer) Albrecht (1471, Nuremberg - 1528, ibid.), peintre et graphiste allemand. Le fondateur de l'art de la Renaissance allemande. Sous des formes tendues-expressives, images fantastiques incarnait l'attente de changements historiques mondiaux (une série de gravures "Apocalypse", 1498), exprimait des idées humanistes sur le sens de l'être et les tâches de l'art (les soi-disant gravures maîtresses, 1513-14). Il a créé des images pleines de force et d'énergie d'un homme de l'époque de la Réforme ("Portrait d'un jeune homme", 1521, diptyque "Quatre Apôtres", 1526), ​​des gens du peuple (gravure "Trois paysans"). Reconnu comme un dessinateur fin et observateur (plus de 900 dessins). Théoricien de l'art ("Quatre livres sur les proportions de l'homme", 1528).

Biographie

Le fils d'un orfèvre, originaire de Hongrie. Il étudie d'abord avec son père, puis avec le peintre et graveur de Nuremberg Michael Wolgemuth (1486-90). Obligatoire pour l'obtention du titre de maître "les années d'errance" (1490-94) passées dans les villes du Haut-Rhin (Bâle, Colmar, Strasbourg), où il entra dans le cercle des humanistes et des imprimeurs de livres. A Colmar, ne trouvant pas vivant M. Schongauer, auprès duquel il comptait se perfectionner dans la technique de la gravure sur métal, il étudia son travail, communiquant avec ses fils, eux aussi artistes. De retour à Nuremberg en 1494, il épouse Agnès Frey et ouvre son propre atelier. Bientôt, il entreprit un nouveau voyage, cette fois dans le nord de l'Italie (1494-95 ; Venise et Padoue). En 1505-07, il était de nouveau à Venise. Ayant rencontré l'empereur Maximilien Ier en 1512, il aurait commencé à travailler pour lui au même moment (jusqu'à sa mort en 1519). En 1520-21, il visite les Pays-Bas (Anvers, Bruxelles, Bruges, Gand, Malin et d'autres villes). A travaillé à Nuremberg.

Création. Dürer et l'Italie

Le parcours créatif de Durer a coïncidé avec l'apogée de la Renaissance allemande, dont la nature complexe et largement disharmonieuse a laissé une empreinte sur l'ensemble de son art. Il accumule la richesse et l'originalité des traditions artistiques allemandes, constamment manifestées dans l'apparition des personnages de Dürer, loin de l'idéal classique de la beauté, préférant le caractère tranchant, dans le souci du détail individuel. En même temps, le contact avec l'art italien est d'une grande importance pour Dürer, dont il essaie de comprendre le secret de l'harmonie et de la perfection. Il est le seul maître de la Renaissance nordique qui, dans l'orientation et la versatilité de ses centres d'intérêt, le désir de maîtriser les lois de l'art, le développement des proportions parfaites de la figure humaine et les règles de construction de la perspective, peut être comparé à la grands maîtres de la Renaissance italienne.

Dessins

Dürer était également doué en tant que peintre, graveur et dessinateur ; le dessin et la gravure occupent chez lui une place importante, parfois même prépondérante. L'héritage de Dürer en tant que dessinateur, comptant plus de 900 feuilles, ne peut être comparé qu'à l'héritage en termes d'immensité et de diversité. Le dessin faisait apparemment partie de la vie quotidienne du maître. Il maîtrisait brillamment toutes les techniques graphiques alors connues - de l'épingle en argent et du stylo roseau au crayon italien, au fusain et à l'aquarelle. Quant aux maîtres d'Italie, le dessin devient pour lui l'étape la plus importante du travail sur la composition, qui comprend des esquisses, des études de têtes, de bras, de jambes, de drapés. C'est un outil pour étudier les types caractéristiques - paysans, messieurs élégants, fashionistas de Nuremberg. Ses célèbres aquarelles "Piece of Sod" et "Hare" (Albertina, Vienne) sont réalisées avec une telle insistance et un froid détachement qu'elles pourraient illustrer des codes scientifiques.

maturité créative. Peinture 1494-1514

La première œuvre significative de Dürer est une série de paysages (aquarelle à la gouache, 1494-95) réalisés lors d'un voyage en Italie. Ces compositions réfléchies et soigneusement équilibrées avec une alternance douce plans d'espace- les premiers paysages "purs" de l'histoire Art européen. Une ambiance régulière et claire, le désir d'un équilibre harmonieux des formes et des rythmes déterminent la nature des peintures de Dürer de la fin du XVe siècle. - le début de la 2e décennie du XVIe siècle ; tels sont le petit retable "Nativité" ("Paumgartner Retable", vers 1498, Alte Pinakothek, Munich), "L'Adoration des Mages" (vers 1504, Uffizi), où Dürer combine un groupe composé de la Madone et des trois Mages avec un rythme circulaire calme, des silhouettes douces, soulignées par le motif en arc, répété de nombreuses fois dans le décor architectural.

L'un des thèmes principaux de l'œuvre de Dürer dans les années 1500. la recherche des proportions idéales corps humain, dont il cherche les secrets, dessinant des nus masculins et féminins (Dürer fut le premier en Allemagne à se tourner vers l'étude du nu), les résumant dans la gravure sur cuivre "Adam et Eve" (1504) et le grand diptyque pictural du même nom (c. 1507, Prado) .

Au fil des années maturité créative Dürer comprend ses compositions picturales à plusieurs figures les plus complexes et harmonieusement ordonnées - la "Fête du Rosaire" (1506, galerie nationale, Prague) et "Adoration de la Sainte Trinité" (1511, Kunsthistorisches Museum, Vienne). "La Fête du Rosaire" (plus précisément, la "Fête des couronnes de roses") est l'une des plus grandes (161,5x192 cm) et la plus importante dans le ton des peintures de Dürer ; il est le plus proche de l'art italien non seulement dans les motifs, mais aussi dans la vitalité, la plénitude des images (principalement des portraits), le son plein des couleurs, l'ampleur de l'écriture et l'équilibre de la composition. Dans le petit tableau d'autel "L'Adoration de la Sainte Trinité", une foule de saints, de pères de l'Église, d'anges planant dans le ciel sont unis, comme dans "Disputation", par des demi-cercles rythmés, faisant écho à l'achèvement arqué de l'autel.

Portraits et autoportraits

Le portrait occupe la place la plus importante dans le patrimoine pictural de Dürer. Déjà dans le premier portrait d'Oswald Krehl (vers 1499, Alte Pinakothek, Munich), Dürer apparaît comme un maître établi, véhiculant avec brio l'originalité du personnage, l'énergie interne du modèle. La particularité de Durer réside dans le fait que l'autoportrait occupe une place prépondérante parmi ses premiers portraits. Le besoin de connaissance de soi, qui a conduit la main d'un garçon de 13 ans ("Autoportrait", 1484, dessin avec une épingle en argent, Albertina, Vienne) reçoit la poursuite du développement dans les trois premiers autoportraits picturaux (1493, Louvre ; 1498, Prado ; 1500, Alte Pinakothek, Munich), et dans le dernier d'entre eux le maître est représenté strictement devant, et son visage correct, encadré cheveux longs et une petite barbe, rappelant les images du Christ Pantocrator.

Le contenu de la formidable ère déchaînée, ses réalisations idéologiques se reflètent profondément dans l'œuvre d'Albrecht Dürer (1471-1528), le grand penseur de l'Allemagne. Dürer a généralisé les recherches réalistes de ses prédécesseurs et contemporains dans un système intégral de vues artistiques et a ainsi jeté les bases d'une nouvelle étape dans le développement art allemand. La curiosité de l'esprit, la polyvalence des intérêts, la recherche du nouveau, le courage des grandes entreprises, l'intensité et l'ampleur de la perception de la vie le placent à côté des grands Italiens - Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange. L'attirance pour l'idéale beauté harmonieuse du monde, le désir de trouver un chemin vers la connaissance des lois rationnelles de la nature imprègnent son œuvre.

Percevant avec enthousiasme les événements turbulents de notre époque, Dürer était conscient de son incohérence avec les idéaux classiques et a créé des images typiques profondément nationales du peuple de son pays, pleines de force intérieure et de doute, d'énergie et de pensée volontaires. Observant la réalité, Dürer est devenu convaincu que la nature vivante ne peut pas s'adapter aux formules classiques. L'œuvre de Dürer frappe par les contrastes. Il allie rationalité et sentiment, soif de monumental et attachement au détail. Vivant à la frontière de deux époques, Dürer a reflété dans son art la tragédie des crises sociales qui se sont soldées par la défaite de la guerre paysanne.

Dürer est né à Nuremberg. DE premières années dans l'atelier de son père, orfèvre, puis chez l'artiste Wolgemut et pendant les années d'errance sur les terres allemandes, Dürer s'imprègne de l'héritage de l'art allemand du XVe siècle, mais la nature devient son maître principal. Pour Dürer, comme pour Léonard, l'art était une forme de connaissance. D'où son extraordinaire intérêt pour la nature, pour tout ce que l'artiste a rencontré au cours de ses voyages. Dürer a été le premier en Allemagne à dessiner un corps nu d'après nature. Il crée des aquarelles de paysages, représente des animaux, des drapés, des fleurs, etc. Ses dessins d'une précision irréprochable sont empreints d'une attitude touchante et amoureuse du détail. Durer a étudié les mathématiques, la perspective, l'anatomie, s'est intéressé aux sciences naturelles et aux sciences humaines. Deux fois, Dürer voyagea en Italie et rédigea un certain nombre de traités scientifiques (Guide to Measurement, 1525 ; Four Books on Human Proportions, 1528).

Les aspirations novatrices de l'artiste se sont manifestées lors de ses voyages dans le sud de l'Allemagne, en Suisse et à Venise. De retour à Nuremberg, où Dürer a fondé son atelier, ses activités multiples se sont développées. Il a peint des portraits, jeté les bases du paysage allemand, transformé les récits bibliques et évangéliques traditionnels, en y insufflant un nouveau contenu de vie. Attention particulière l'artiste est attiré par la gravure : d'abord la gravure sur bois, puis la gravure sur cuivre. Dürer a élargi le sujet du graphisme, attirant des sujets littéraires et quotidiens. Des images de paysans, citadins, bourgeois, chevaliers, etc. apparaissent dans ses gravures. La plus grande réalisation créative de ces années est une série de gravures sur bois de seize feuilles sur le thème de l'Apocalypse (1498), populaire parmi les masses allemandes de l'époque. . Cette série de Dürer entremêlée médiévale croyances religieuses avec des humeurs inquiétantes causées par les événements sociaux de notre temps. Les terribles scènes de mort et de châtiment décrites dans l'Apocalypse ont acquis une signification d'actualité dans l'Allemagne pré-révolutionnaire. Dürer a introduit de nombreuses observations subtiles de la nature et de la vie dans les gravures : architecture, costumes, types, paysages de l'Allemagne moderne. L'étendue du monde, sa perception pathétique, la tension des formes et des mouvements, caractéristiques des gravures de Dürer, n'étaient pas connues de l'art allemand du XVe siècle ; en même temps, l'esprit agité du gothique allemand tardif vit dans la plupart des feuilles de Dürer. La complexité et la complexité des compositions, l'ornementation orageuse des lignes, le dynamisme des rythmes semblent s'accorder avec l'exaltation mystique des visions de l'Apocalypse.

Un terrible pathos émane de la feuille "Four Horsemen". En termes de force destructrice d'impulsion et d'expression sombre, cette composition n'a pas d'égal dans l'art allemand de cette époque. La mort, le jugement, la guerre et la peste se précipitent furieusement sur la terre, détruisant tout sur son passage. Les gestes vifs, les mouvements, les visages sombres sont remplis de rage et de colère. Toute la nature est en ébullition. Des nuages, des drapés de vêtements, des crinières de chevaux s'agitent violemment, tremblent, formant un motif rythmique complexe de lignes calligraphiques. Les gens sont horrifiés âges différents et domaines.

Dans la feuille "La bataille de l'archange Michel avec le dragon", le pathétique d'une bataille féroce est souligné par les contrastes de lumière et d'ombre, le rythme intermittent et agité des lignes. Dans l'image héroïque d'un jeune homme au visage inspiré et déterminé, dans un paysage illuminé par le soleil aux étendues illimitées, s'exprime la foi en la victoire d'un brillant début. Utilisant la technique de la xylographie familière à l'époque, Dürer a amélioré son expressivité en introduisant certaines techniques de gravure sur cuivre. Le contour net précédemment dominant du dessin, faiblement rempli de hachures parallèles, il l'a remplacé par un dessin plus flexible, rempli d'une ligne d'épaississement ou d'amincissement, a introduit des traits qui épousent la forme, appliqué des lignes croisées qui ont donné des ombres profondes.

En 1500, un tournant s'opère dans l'œuvre de Dürer. Le pathétique et le drame des premières œuvres ont été remplacés par l'équilibre et l'harmonie. Le rôle d'un récit calme, imprégné d'expériences lyriques, s'est accru (le cycle "La Vie de Marie"). L'artiste a étudié les proportions, travaillé sur le problème de la représentation d'un corps nu. Dans la gravure sur cuivre "Adam et Eve" (1504), Dürer a cherché à incarner l'idéal classique de la beauté. Le volume de la forme arrondie, presque sculpturale, est souligné par des traits arrondis, pour ainsi dire, glissant sur la surface à travers la structure de la forme. Le paysage forestier interprété de manière pittoresque comprend organiquement des figures de personnes et d'animaux incarnant divers symboles.

La même recherche se distingue également par le pittoresque Autoportrait (1500, Munich, Alte Pinakothek), où Dürer transforme son image à travers le prisme de l'idéal classique, applique les principes de la composition classique. En même temps, il cherche ici une expression de perfection morale profonde - les traits d'un prédicateur qui appelle à la connaissance de soi. La composition libre des premiers autoportraits a été remplacée par des proportions frontales, statiques, strictement mesurées, des couleurs vives - une couleur brunâtre atténuée. Les traits individuels sont quelque peu idéalisés. Mais le regard intense, les vagues de cheveux qui se tortillent sans cesse, le geste nerveux de la main révèlent l'anxiété de l'humeur. La clarté des idées de la Renaissance sur les gens de cette époque coexistait avec une perception excitée du monde. Familiarisé lors du deuxième voyage à Venise (1506-1507) avec la culture pittoresque des Vénitiens, Dürer développa un sens de la couleur, tourné vers la résolution du problème de la lumière. Avec "la plus grande diligence", il a travaillé dans la technologie peinture à l'huile, appliquant cinq ou six, et parfois huit tampons sur la sous-couche, exécutés en grisaille.

Dans la composition d'autel de deux mètres "La Fête du Rosaire" (1506, Prague, Galerie nationale), Dürer a choisi un thème religieux, essentiellement, comme un portrait de groupe de nombreux donateurs de différentes classes, représentés sur fond d'un paysage de montagne ensoleillé près du trône de Marie. L'équilibre harmonieux de l'ensemble, la stricte pyramide des personnages dans la partie centrale rapprochent la composition des œuvres de la Haute Renaissance. L'artiste atteint une douceur inhabituelle de sa manière picturale, une richesse de nuances de couleur, une impression de légèreté de l'environnement. Dans "Portrait de femme" (1506, Berlin, Musées d'État) Durer a montré la maîtrise de l'art de reproduire les transitions les plus subtiles de la lumière et de l'ombre, le rapprochant de la peinture de Giorgione. L'image attire avec sincérité et richesse de nuances psychologiques.

Étude des travaux Maîtres italiens a conduit Dürer à surmonter les vestiges de l'art gothique tardif, mais à partir des images classiques idéales, il s'est de nouveau tourné vers des images très individuelles, pleines de drame. Trois maîtres gravures sur cuivre parurent - "Chevalier, la Mort et le Diable" (1513), "Saint Jérôme" (1514), "Mélancolie" (1514), qui marquent l'apogée de son oeuvre. Dans des intrigues traditionnelles pleines de symboles et d'allusions, Dürer a généralisé l'idée des humanistes de l'époque sur les différents aspects de l'activité spirituelle humaine. La gravure "Saint Jérôme" révèle l'idéal d'un humaniste qui s'est consacré à la compréhension des vérités supérieures. Dans la résolution du thème, dans l'interprétation quotidienne de l'image du scientifique, le rôle principal est joué par l'intérieur, transformé par l'artiste en un environnement poétique émotionnel. La figure de Jérôme plongé dans les traductions livres sacrés, - le centre des lignes de composition, subordonnant de nombreux détails quotidiens de l'intérieur, protégeant le scientifique des troubles et de l'agitation du monde. La cellule de Jérôme n'est pas un sombre refuge ascétique, mais une chambre modeste maison moderne. L'interprétation démocratique intime quotidienne de l'image de Jérôme est donnée en dehors de l'interprétation officielle de l'Église, peut-être sous l'influence des enseignements des réformateurs. Les rayons du soleil qui éclatent par la fenêtre remplissent la pièce d'un mouvement frémissant. Le jeu insaisissable de la lumière et de l'ombre donne vie à l'espace, relie organiquement les formes des objets avec lui, inspire l'environnement, crée une impression de confort. Les lignes horizontales stables de la composition soulignent l'ambiance de paix.

La gravure "Le Chevalier, la Mort et le Diable" révèle le monde des relations extrêmement conflictuelles entre l'homme et environnement, sa compréhension du devoir et de la morale. Le chemin du cavalier blindé est semé d'embûches. Du sombre fourré de la forêt, des fantômes lui sautent dessus - le diable avec une hallebarde et la mort avec un sablier, lui rappelant la fugacité de tout ce qui est terrestre, les dangers et les tentations de la vie. Sans y prêter attention, le cavalier suit résolument le chemin choisi. Dans son apparence sévère - la tension de la volonté, éclairée par la lumière de la raison, la beauté morale d'une personne, fidèle au devoir, affrontant courageusement le danger.

L'idée de "Melancholia" n'a pas encore été révélée, mais l'image d'une femme ailée puissante impressionne par sa signification et sa profondeur psychologique. Tissé de nombreuses nuances sémantiques, des symboles et des allusions les plus complexes, il éveille des pensées, des associations, des expériences troublantes.

La mélancolie est l'incarnation d'un être supérieur, un génie doté d'intellect, possédant toutes les réalisations de la pensée humaine de cette époque, s'efforçant de pénétrer les secrets de l'univers, mais obsédé par les doutes, l'anxiété, la déception et le désir qui accompagnent les recherches créatives. Parmi les nombreux objets du bureau du scientifique et de l'atelier du menuisier, la Mélancolie ailée reste inactive. Un ciel sombre et froid éclairé par la lumière phosphorescente d'une comète et un arc-en-ciel survolant la baie chauve souris- un signe avant-coureur du crépuscule et de la solitude - renforcent la tragédie de l'image. Mais derrière la profonde réflexion de Melancholia se cache une pensée créative intense, pénétrant avec audace les secrets de la nature. L'expression de la puissance illimitée de l'esprit humain rapproche l'image de Melancholia des images dramatiques du plafond Chapelle Sixtine, Tombeaux des Médicis. "Melancholia" appartient au nombre d'œuvres qui "ont émerveillé le monde entier" (Vasari).
Le langage artistique de Dürer dans les gravures sur cuivre est subtil et varié. Durer a utilisé des traits parallèles et croisés, des lignes pointillées. Grâce à l'introduction de la technique de la pointe sèche (gravure "Saint Jérôme"), il obtient une étonnante transparence des ombres, une richesse des variations de demi-teintes et une sensation de lumière vibrante. En 1515-1518, les expériences de Durer dans une nouvelle technique de gravure, alors seulement émergente, appartiennent.

Une grande place dans l'œuvre de Dürer revient aux portraits, exécutés en dessin, gravure et peinture. L'artiste a souligné les traits caractéristiques les plus essentiels du modèle. Dans le « Portrait d'une mère » (1514, Berlin, Musées d'État, Cabinet des gravures), exécuté au fusain, dans un visage sénile asymétrique aux traits émaciés, les traces des épreuves et des destructions de la vie s'impriment dans les yeux. Les lignes expressives bouclées tendues exacerbent l'expressivité lumineuse de l'image. Sommaire, à certains endroits épais et noir, à certains endroits, un léger trait donne au dessin un aspect dynamique.

Dans les années 20 du XVIe siècle, les tendances de l'ère formidable et courageuse des guerres paysannes et de la Réforme sont devenues plus perceptibles dans l'art de Dürer. Dans ses portraits, il y avait des gens d'un esprit puissant, rebelles, aspirant à l'avenir. Dans leur posture - la tension du cri, dans leurs visages - l'excitation des sentiments et des pensées. Tels sont les volontaires, pleins d'impulsions spirituelles élevées et d'anxiété, Bernhard von Resten (1521, Dresde, Galerie de photos), l'énergique Holtzschuer (1526, Berlin-Dahlem, Pinacothèque), "Inconnu au béret noir" (1524, Madrid, Prado) au sceau des passions indomptables aux lignes impérieuses. La recherche créative de Durer a été complétée par Les Quatre Apôtres (1526, Munich, Alte Pinakothek). Les images des apôtres : volontaire, courageux, mais sombre, avec un regard colérique de Paul, flegmatique, lent Pierre, philosophiquement contemplatif, avec un visage spiritualisé de Jean et un Marc actif et excité sont très individuels, pleins de brûlure intérieure. En même temps, ils incarnent les traits du peuple avancé de l'ère de la guerre des paysans allemands, qui "indiquait prophétiquement les batailles de classe à venir". Ce sont des images civiques de champions de la vérité. Les contrastes de couleurs sonores des vêtements - vert clair, rouge vif, bleu clair, blanc - améliorent l'expression des images. En fermant les puissants personnages grandeur nature, se tenant calmement à l'intérieur des portes étroites de deux mètres, l'artiste atteint une tension spirituelle, une expression de grandeur retenue. Cette œuvre ultérieure de Dürer surpasse en monumentalité tout ce qu'il avait fait auparavant en peinture.

L'œuvre de Dürer a déterminé la tendance dominante de l'art de la Renaissance allemande. Son influence sur les artistes contemporains était grande; elle pénétra même en Italie, en France. En même temps que Dürer et après lui, une pléiade d'artistes majeurs apparaît. Parmi eux se trouvaient Lucas Cranach l'Ancien (1472-1553), qui ressent subtilement l'harmonie de la nature et de l'homme, et Matthias Gotthardt Neithardt, doté d'un grand pouvoir d'imagination, connu sous le nom de Mattpas Grunewald (1475-1528), associé aux enseignements folkloriques mystiques. et la tradition gothique. L'œuvre de Dürer est empreinte d'un esprit de rébellion, de frénésie désespérée ou de jubilation, d'une haute intensité de sentiments et d'une expression douloureuse de flash, puis de fondu, puis de fondu, puis de couleur et de lumière flamboyantes.

Le futur père de l'artiste est venu en Allemagne du petit village hongrois d'Eytas en 1455. Il a décidé de s'installer dans la ville progressiste, commerciale et riche d'Allemagne à cette époque - Nuremberg, qui faisait partie de la Bavière.

Vue de Nuremberg. Chronique mondiale de Schedel, 1493

En 1467, alors qu'il avait déjà environ 40 ans, il épousa la jeune fille de l'orfèvre Jerome Holper. A cette époque, Barbara n'avait que 15 ans.

Portraits du père - Albrecht Durer l'Ancien, 1490 et 1497.

Leur fils brillant est né à Nuremberg le 21 mai 1471 et était le troisième enfant de la famille. Au total, Barbara Dürer a donné naissance à 18 enfants pendant son mariage. Albrecht a eu de la chance - il était l'un de ces trois garçons qui ont survécu jusqu'à l'âge adulte. Il n'avait pas du tout d'enfants à lui, comme ses deux frères Endres et Hans.

Le père du futur artiste a travaillé comme maître joaillier. Son nom était aussi Albrecht Dürer (1427-1502). La mère était engagée dans les travaux ménagers, allait assidûment à l'église, accouchait beaucoup et était souvent malade. Quelque temps après la mort de son père, Barbara Dürer a déménagé pour vivre avec Albrecht le Jeune. Elle a aidé à la mise en œuvre de l'œuvre de son fils. Elle mourut dans sa maison le 17 mai 1514 à l'âge de 63 ans. Durer parlait respectueusement de ses parents comme de grands travailleurs et de gens pieux.

Portraits de la mère - Barbara Dürer (née Holper), 1490 et 1514.

Le parcours créatif et de vie d'Albrecht Dürer

Albrecht Durer est le plus grand peintre et graveur inégalé non seulement en Allemagne, mais aussi dans tout l'art d'Europe occidentale de la Renaissance en Europe du Nord. Il possédait une technique unique de gravure sur cuivre sculpté.

Quel a été le chemin qui a conduit Dürer à une telle reconnaissance ?

Le père voulait que son fils poursuive son activité et devienne bijoutier. Dès l'âge de onze ans, Dürer le Jeune étudie dans l'atelier de son père, mais le garçon est attiré par la peinture. À l'âge de treize ans, il réalise son premier autoportrait au crayon d'argent. La technique de travail avec un tel crayon est très difficile. Les lignes tracées par lui ne peuvent être corrigées. Dürer était fier de ce travail et écrivit plus tard : « Je me suis peint dans un miroir en 1484, alors que j'étais encore enfant. Albrecht Dürer. De plus, il a fait l'inscription dans une image miroir.

Autoportrait d'Albrecht Dürer, 1484

Dürer l'Ancien dut céder aux intérêts de son fils. À l'âge de quinze ans, le jeune homme, en vertu d'un accord entre son père et l'artiste héréditaire de Nuremberg Mikael Wolgemut, entre dans son atelier pour étudier. Avec Wolgemuth, il étudie à la fois la peinture et la gravure sur bois, participant à la création de vitraux et de retables. Après avoir obtenu son diplôme, Dürer a entrepris un voyage en tant qu'apprenti pour se familiariser avec l'expérience de maîtres d'autres régions, améliorer ses compétences et élargir ses horizons. Le voyage a duré de 1490 à 1494 - dans ses soi-disant "années merveilleuses" de ses années de formation. jeune artiste. Pendant ce temps, il a visité des villes telles que Strasbourg, Colmar et Bâle.

Il cherche le sien style artistique. Dès le milieu des années 1490, Albrecht Dürer désigne son œuvre par les initiales "AD".

Il perfectionne la technique de la gravure sur cuivre à Colmar avec trois frères. célèbre maître Martin Schongauer. Lui-même n'était plus en vie. Ensuite, Dürer a déménagé chez le quatrième frère de Schongauer à Bâle - l'un des centres d'impression de livres de l'époque.

En 1493, lors de son voyage d'étudiant, Dürer le Jeune réalise un autre autoportrait, cette fois peint à l'huile, et l'envoie à Nuremberg. Il s'est représenté avec un chardon à la main. Selon une version, cette plante symboliserait la fidélité au Christ, selon une autre, la fidélité masculine. Peut-être qu'avec ce portrait, il s'est présenté à sa future épouse et a clairement indiqué qu'il serait un mari fidèle. Certains historiens de l'art pensent que ce portrait était un cadeau à la mariée.

Autoportrait au chardon, 1493. Dürer a 22 ans.

Après cela, Albrecht est retourné à Nuremberg pour se marier. Le père a arrangé un mariage avec la fille d'un riche marchand local. Le 7 juillet 1494, le mariage d'Albrecht Dürer et d'Agnes Frey a eu lieu.

Portrait de la femme de Dürer, Mon Agnès, 1494

Quelque temps après la conclusion du mariage, un autre voyage a suivi un itinéraire plus long. Cette fois à travers les Alpes jusqu'à Venise et Padoue. Là, il se familiarise avec le travail d'artistes italiens exceptionnels. Réalise des copies de gravures d'Andrea Mantegna et d'Antonio Pollaiolo. De plus, Albrecht est impressionné qu'en Italie, les artistes ne soient plus considérés comme de simples artisans, mais aient un statut plus élevé dans la société.

En 1495, Dürer entreprend son voyage de retour. Chemin faisant, il peint des paysages à l'aquarelle.

De retour d'Italie, il peut enfin se permettre d'avoir son propre atelier.

Au cours des années suivantes, son style de peinture reflète l'influence des peintres italiens. En 1504, il peint la toile "L'Adoration des Mages". Ce tableau est aujourd'hui considéré comme l'un des tableaux les plus remarquables d'Albrecht Dürer de la période 1494-1505.

De 1505 jusqu'au milieu de 1507, il visita à nouveau l'Italie. Visite de Bologne, Rome et Venise.

En 1509, Albrecht Dürer acquiert une grande maison à Nuremberg et y passe près de vingt ans de sa vie.

En juillet 1520, l'artiste se rend aux Pays-Bas, emmenant avec lui sa femme Agnès. Il visite les centres anciens de la peinture hollandaise - Bruges, Bruxelles, Gand. Partout il fait des croquis architecturaux, ainsi que des croquis de personnes et d'animaux. Rencontre d'autres artistes, fait connaissance avec le plus grand scientifique Erasmus de Rotterdam. Dürer est célèbre depuis longtemps et est reçu partout avec respect et honneurs.

A Aix-la-Chapelle, il assiste au couronnement de l'empereur Charles V. Plus tard, il le rencontre pour prolonger les privilèges précédemment reçus du précédent empereur Maximilien Ier, dont il exécutait les ordres.

Malheureusement, lors d'un voyage aux Pays-Bas, Dürer attrape une "merveilleuse maladie", vraisemblablement le paludisme. Il est tourmenté par des convulsions et un jour il envoie au médecin un dessin avec son image, où il pointe du doigt un endroit douloureux. La figure est accompagnée d'une explication.

Gravures d'Albrecht Dürer

Parmi ses contemporains, Albrecht Dürer se fait surtout un nom dans la création de gravures. Ses oeuvres virtuoses se distinguent grande taille, motif fin et précis, saisie des caractères, composition complexe. Durer maîtrisait parfaitement la technique de la gravure tant sur bois que sur cuivre. Du début à la fin, le maître effectue lui-même tout le travail de création de gravures, incl. sculpture avec des détails sans précédent et des lignes fines. Pour ce faire, il utilise des outils fabriqués selon ses propres dessins. Réalise de nombreuses estampes dont les tirages sont largement diffusés dans toute l'Europe. Il devient alors éditeur de ses oeuvres. Ses gravures étaient largement connues, très appréciées et bien vendues. Consolide considérablement son prestige une série de gravures "Apocalypse" en édition 1498.

Les chefs-d'œuvre de Dürer sont reconnus comme "Maîtres Gravures": en 1513 il découpe une gravure sur cuivre "Chevalier, la Mort et le Diable", et en 1514 deux entières: "Saint Jérôme dans la Cellule" et "Mélancolie".

L'image la plus célèbre d'un rhinocéros est peut-être le soi-disant " rhinocéros de Dürer ", créé en 1515. Lui-même n'a pas vu cet animal étrange pour l'Allemagne. L'artiste a imaginé son apparence à partir de descriptions et de dessins d'autres personnes.

"Rhinocéros de Dürer", 1515

Le carré magique d'Albrecht Dürer

En 1514, comme mentionné ci-dessus, le maître a créé la gravure "Melancholia" - l'une de ses œuvres les plus mystérieuses. L'image est remplie de masse détails symboliques laissant encore place à l'interprétation.

Dans le coin supérieur droit, Dürer a découpé un carré avec des chiffres. Sa particularité est que si vous ajoutez des nombres dans n'importe quelle direction, les montants résultants seront toujours égaux au 34e. Le même chiffre est obtenu en comptant les nombres dans chacun des quatre quartiers ; dans le quadrilatère du milieu et lors de l'ajout de nombres à partir des cellules dans les coins du grand carré. Et dans les deux cellules centrales de la rangée du bas, l'artiste a inscrit l'année de création de la gravure - 1514.

Gravure "Melancholia" et le carré magique de Dürer,1514

Dessins et aquarelles de Dürer

Dans l'une de ses premières aquarelles de paysage, Dürer a représenté un moulin et un atelier de dessin sur les rives de la rivière Pegnitz, dans lequel du fil de cuivre était fabriqué. De l'autre côté de la rivière se trouvent des villages dans les environs de Nuremberg, les montagnes sont bleues au loin.

Tiroir sur la rivière Pegnitz, 1498

L'un des dessins les plus célèbres, "Le jeune lièvre", a été dessiné en 1502. L'artiste a indiqué la date de sa création et mis ses initiales "AD" juste en dessous de l'image de l'animal.

En 1508, il peint en blanc sur du papier bleu avec ses propres mains jointes en prière. Cette image reste la plus fréquemment reproduite et même traduite en une version sculpturale.

Mains suppliantes, 1508

Selon les experts, plus de 900 dessins d'Albrecht Dürer ont été conservés à ce jour.

Durer, proportions et nudité

Durer est fasciné par le désir de retrouver les proportions idéales de la figure humaine. Il examine attentivement les corps nus des gens. En 1504, il réalise une remarquable gravure sur cuivre "Adam et Eve". Pour l'image d'Adam, l'artiste prend comme modèle la pose et les proportions de la statue en marbre d'Apollon du Belvédère. Cette statue antique a été retrouvée à la fin du XVe siècle à Rome. L'idéalisation des proportions distingue l'œuvre de Dürer des canons médiévaux alors acceptés. À l'avenir, il préférera encore représenter les formes réelles dans leur diversité.

En 1507, il écrivit un diptyque pittoresque sur le même sujet.

Il est devenu le premier artiste allemand à représenter des personnes nues. Un portrait de Dürer est conservé au château de Weimar, dans lequel il se représente le plus franchement aussi complètement nu que possible.

Autoportrait d'un Dürer nu, 1509

autoportraits

Albrecht Dürer a peint des autoportraits de l'enfance à la vieillesse. Chacun d'eux a son propre zeste, et souvent l'innovation. Autoportrait qui a choqué artiste contemporain public, écrit en 1500. Sur celle-ci, Albrecht, 28 ans, apparaît de manière audacieuse, car il ressemble à l'image du Christ lui-même.

Autoportrait, 1500. Dürer a 28 ans.

De plus, le portrait est écrit de face. A cette époque, une telle pose était utilisée pour écrire des images de saints, et des portraits profanes en Europe du Nord étaient créés en trois quarts de tour du modèle. Dans ce portrait également, la recherche continue de l'artiste pour des proportions idéales peut être retracée.

La mort d'Albrecht Dürer et sa mémoire

L'artiste est décédé dans sa maison de Nuremberg le 6 avril 1528, un mois et demi avant son 57e anniversaire. Son départ a été une perte énorme non seulement pour l'Allemagne, Albrecht Dürer a été pleuré par tous les grands esprits d'Europe à cette époque.

Il a été enterré au cimetière Saint-Jean de Nuremberg. Un ami de sa vie, l'humaniste allemand Willibald Pirkheimer a écrit pour la pierre tombale : "Sous cette colline se trouve ce qui était mortel en Albrecht Dürer."

Pierre tombale d'Albrecht Dürer

Depuis 1828, le musée Albrecht-Dürer-Haus fonctionne dans la maison Dürer.

Dans sa ville natale, sur Albrecht Dürer Platz, un monument au grand compatriote a été érigé.

Dans le reliquaire de l'Académie des Arts de Vienne se trouve une mèche de cheveux de Dürer.

L'ère d'Albrecht Dürer

Albrecht Dürer est un artiste allemand exceptionnel au talent extraordinaire, graphiste, graveur, dessinateur, humaniste, scientifique et théoricien de l'art. Sa pensée créative polyvalente couvre un large champ de recherche: il a étudié l'architecture, les mathématiques, la mécanique, la sculpture, la musique, la littérature, étudié la construction et la construction de fortifications défensives.

Dans leurs dernières années ce créateur exceptionnel a écrit plus sur l'art qu'il n'a créé de nouvelles œuvres. Sa dernière peinture à l'huile est Les Quatre Apôtres (ou Les Quatre Saints). Il a été achevé en 1526 et offert par Dürer en cadeau au conseil municipal de Nuremberg.

Albrecht continue d'accumuler de l'expérience en voyageant à travers l'Europe. A Colmar, il fait la connaissance des fils de Martin Schongauer, dont Albrecht Dürer n'a cessé d'admirer le travail. Un large éventail d'idées et d'intérêts a permis à Dürer d'occuper sa propre niche parmi les imprimeurs de livres et les humanistes. Le volume du patrimoine artistique laissé par lui est estimé à 900 feuilles d'images, ce qui est comparable à l'œuvre de Rembrandt et de Léonard de Vinci.

La carrière de Dürer

La toute première commande sérieuse du maître fut la peinture de la maison de Sebald Schreyer. Son succès fut tel qu'il attira l'attention des riches patriciens de Nuremberg, chacun cherchant à commander un portrait à Dürer. À l'imitation de la tradition européenne, tous ses modèles sont représentés sur fond de paysage aux trois quarts. Les principaux matériaux de travail étaient l'aquarelle, la pointe d'argent et le crayon.

Ayant ouvert son propre atelier de peinture dans son pays natal, l'artiste commence à accorder à la gravure une place à part dans son métier. Expérimenter avec diverses techniques le maître fit en sorte qu'en 1498 il reçoive une commande de la célèbre édition de l'Apocalypse. Les gravures sur bois réalisées ont fait connaître l'auteur dans toute l'Europe. Le Conseil vénitien, souhaitant laisser le créateur en Italie, lui offrit une très grosse récompense, mais la fidélité à la patrie s'avéra plus forte.

Le facteur décisif pour le génie créatif a été la rencontre avec la dame couronnée Maximillian I. Cette dernière, pour l'excellent travail sur le portrait, a décerné à l'artiste un prix impressionnant, qui a permis à Dürer de se plonger complètement dans la gravure et la recherche scientifique. Les beaux-arts de l'Europe du Nord au XVIe siècle sont inconcevables sans l'œuvre d'art, qui se distingue par le style d'écriture reconnaissable de cet artiste allemand.

Vie privée

Opposant à l'institution du mariage, Albrecht Dürer finit par se marier. En fait, cela se produit sur l'insistance du père. L'épouse Agnes Frey a toujours été froide avec l'art et n'a pas compris la nature créative de son mari. À travers la vie ensemble, dans lequel il n'y avait pas de place pour la progéniture, le couple est resté sans émotion l'un par rapport à l'autre.

Albrecht Dürer (Allemand Albrecht Dürer, 21 mai 1471, Nuremberg - 6 avril 1528, Nuremberg) - peintre et graphiste allemand, l'un des les plus grands maîtres Renaissance de l'Europe occidentale. Reconnu comme le plus grand maître européen de la gravure sur bois, qui l'a élevé au niveau de l'art véritable. Premier théoricien de l'art parmi les artistes d'Europe du Nord, auteur d'un guide pratique des beaux-arts et des arts décoratifs sur Allemand, qui prône la nécessité d'un développement diversifié des artistes. Fondateur de l'anthropométrie comparée. Le premier artiste européen à écrire une autobiographie.

Biographie d'Albrecht Dürer

Le futur artiste est né le 21 mai 1471 à Nuremberg, dans la famille du joaillier Albrecht Durer, arrivé dans cette ville allemande de Hongrie au milieu du XVe siècle, et de Barbara Holper. Les Dürer ont eu dix-huit enfants, certains, comme l'a écrit Dürer le Jeune lui-même, sont morts "dans leur jeunesse, d'autres en grandissant". En 1524, seuls trois des enfants de Dürer étaient vivants - Albrecht, Hans et Endres.

Le futur artiste était le troisième enfant et le deuxième fils de la famille. Son père, Albrecht Dürer l'Ancien, a littéralement traduit son nom de famille hongrois Aytosi (hongrois Ajtósi, du nom du village d'Aytosh, du mot ajtó - "porte") en allemand par Türer ; par la suite il se transforma sous l'influence de la prononciation franque et commença à s'écrire Dürer. Albrecht Dürer le Jeune se souvenait de sa mère comme d'une femme pieuse qui menait une vie difficile. Peut-être affaibli. grossesses fréquentes Elle souffrait beaucoup. Le parrain de Dürer était le célèbre éditeur allemand Anton Koberger.

Pendant un certain temps, les Dürer ont loué la moitié de la maison (à côté du marché central de la ville) à l'avocat et diplomate Johann Pirckheimer. D'où la proximité de deux familles appartenant à des classes urbaines différentes : les patriciens Pirckheimer et les artisans Durer. Avec le fils de Johann, Willibald, l'un des personnages les plus éclairés d'Allemagne, Dürer le Jeune a été ami toute sa vie. Grâce à lui, l'artiste entra plus tard dans le cercle des humanistes de Nuremberg, dont le chef était Pirkheimer, et y devint sa propre personne.

À partir de 1477, Albrecht fréquente une école latine. Au début, le père a attiré son fils pour qu'il travaille dans un atelier de joaillerie. Cependant, Albrecht souhaitait peindre. L'aîné Dürer, bien qu'il regrette le temps passé à enseigner à son fils, cède à ses demandes et, à l'âge de 15 ans, Albrecht est envoyé dans l'atelier du principal artiste de Nuremberg de l'époque, Michael Wolgemuth. Dürer lui-même en a parlé dans la «Chronique familiale», créée par lui à la fin de sa vie, l'une des premières autobiographies de l'histoire de l'art d'Europe occidentale.

Wolgemut Dürer maîtrisait non seulement la peinture, mais aussi la gravure sur bois. Wolgemuth, avec son beau-fils Wilhelm Pleidenwurff, a réalisé des gravures pour le Livre des Chroniques de Hartmann Schedel. Dans le travail sur le livre le plus illustré du XVe siècle, que les experts considèrent comme le Livre des Chroniques, Wolgemut a été aidé par ses étudiants. L'une des gravures de cette édition, "Danse macabre", est attribuée à Albrecht Dürer.

Créativité Altdorfer

Peinture

Albrecht, qui rêvait de peindre depuis l'enfance, a insisté pour que son père l'envoie étudier en tant qu'artiste. Après son premier voyage en Italie, il n'a toujours pas pleinement accepté les réalisations des maîtres italiens, mais dans ses œuvres, on peut déjà sentir un artiste qui sort des sentiers battus, toujours prêt à chercher. Le titre de maître (et avec lui le droit d'ouvrir son propre atelier) Dürer a reçu, probablement, après avoir terminé les peintures à la "manière grecque" dans la maison du citoyen de Nuremberg Sebald Schreyer. Le jeune artiste est remarqué par Frédéric le Sage, qui lui charge, entre autres, de peindre son portrait. A la suite de l'électeur de Saxe, les patriciens de Nuremberg souhaitent eux aussi avoir leurs propres images - au tournant du siècle, Dürer travaille beaucoup dans le genre du portrait. Ici, Dürer a poursuivi la tradition qui s'était développée dans la peinture de l'Europe du Nord : le modèle est présenté aux trois quarts sur fond de paysage, tous les détails sont représentés avec beaucoup de soin et de réalisme.

Après la publication de l'Apocalypse, Dürer est devenu célèbre en Europe en tant que maître de la gravure et ce n'est que lors de son deuxième séjour en Italie qu'il a été reconnu comme peintre à l'étranger. En 1505 Jacob Wimpfeling dans son " Histoire allemande"A écrit que les peintures de Durer sont appréciées en Italie "... aussi haut que les peintures de Parrasius et Apelles." Les œuvres achevées après un voyage à Venise démontrent le succès de Dürer dans la résolution des problèmes de représentation du corps humain, y compris le nu, les angles complexes et les personnages en mouvement. L'angularité gothique caractéristique de ses premières œuvres disparaît. L'artiste s'est appuyé sur l'exécution de projets de peinture ambitieux, prenant des commandes de retables à plusieurs figures. Les œuvres de 1507-1511 se distinguent par une composition équilibrée, une symétrie stricte, « une certaine rationalité », et une manière sèche de représenter. Contrairement à ses œuvres vénitiennes, Dürer n'a pas cherché à transmettre les effets de l'environnement léger et aérien, il a travaillé avec des couleurs locales, cédant éventuellement aux goûts conservateurs des clients. Reçu par l'empereur Maximilien au service, il acquit une certaine indépendance matérielle et, délaissant un temps la peinture, se tourna vers recherche scientifique et travaux de gravure.

autoportraits

Le nom de Dürer est associé à la formation de l'autoportrait nord-européen comme genre indépendant. L'un des meilleurs portraitistes de son temps, il appréciait beaucoup la peinture pour le fait qu'elle permettait de préserver l'image d'une personne particulière pour les générations futures. Les biographes notent que, ayant une apparence attrayante, Dürer aimait particulièrement se représenter dans sa jeunesse et reproduisait son apparence non sans "un vain désir de plaire au spectateur". Un autoportrait pittoresque pour Dürer est un moyen de souligner son statut et une étape marquant une certaine étape de sa vie. Il apparaît ici comme une personne qui, en termes de développement intellectuel et spirituel, se situe au-dessus du niveau déterminé par sa position de classe, ce qui n'était pas caractéristique des autoportraits d'artistes de cette époque. Par ailleurs, il affirme une fois de plus la haute importance des beaux-arts (injustement, selon lui, exclus des « sept arts libres ») à une époque où en Allemagne ils sont encore considérés comme un artisanat.

Dessins

Environ un millier (Julia Bartrum dit environ 970) des dessins de Durer ont survécu : paysages, portraits, croquis de personnes, d'animaux et de plantes. La preuve du soin avec lequel l'artiste a traité le dessin est le fait que même ses travaux d'étudiants ont survécu. Le patrimoine graphique de Dürer, l'un des plus importants de l'histoire de l'art européen, n'a rien à envier aux graphismes de Léonard de Vinci et de Rembrandt en termes de volume et d'importance. Libéré de l'arbitraire du client et de son désir d'absolu qui introduisait une part de froideur dans ses toiles, l'artiste se révèle le plus pleinement créateur précisément dans le dessin.

Dürer s'exerce inlassablement à l'agencement, à la généralisation du particulier, à la construction de l'espace. Ses dessins animaliers et botaniques se distinguent par un haut savoir-faire, l'observation, la fidélité dans le transfert des formes naturelles, caractéristiques d'un naturaliste. La plupart d'entre eux sont soigneusement élaborés et sont des œuvres finies, cependant, selon la coutume des artistes de l'époque, ils ont servi de matériau auxiliaire : Dürer a utilisé toutes ses études dans les gravures et les peintures, répétant à plusieurs reprises les motifs des œuvres graphiques en grand œuvres. Dans le même temps, G. Wölfflin a noté que Dürer n'a presque rien transféré des découvertes vraiment innovantes qu'il a faites dans les aquarelles de paysage à ses peintures.

Les graphismes de Durer sont fabriqués avec différents matériaux, il les a souvent utilisés en combinaison. Il devient l'un des premiers artistes allemands à travailler au pinceau blanc sur papier de couleur, popularisant cette tradition italienne.

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A. Durer (1471-1528) - un grand artiste allemand, et dans les dernières années de sa vie et un théoricien de l'art. Sa biographie et son œuvre sont étroitement liées à la Renaissance. Les œuvres d'Albrecht Dürer attirent encore aujourd'hui de nombreux connaisseurs de la peinture. Voulez-vous en savoir plus? La vie et l'œuvre d'Albrecht Dürer sont présentées dans cet article.

courte biographie

Son père était originaire de Hongrie, orfèvre. Albrecht a d'abord étudié avec son père, puis avec Michael Wohlgemuth, un peintre et graveur de Nuremberg. 1490-1494 - "années d'errance", obligatoires pour obtenir le titre de maître. Albrecht séjourne cette fois dans les villes du Haut-Rhin (Strasbourg, Colmar, Bâle). Ici, il entre dans le cercle des imprimeurs et des humanistes. On sait que Dürer voulait se perfectionner dans la gravure sur métal auprès de M. Schauer à Colmar, mais ne le trouva pas vivant. Puis Albrecht a commencé à étudier le travail de ce maître, communiquant avec ses fils, qui étaient aussi des artistes.

En 1494, Albrecht Dürer retourna à Nuremberg. Sa biographie et son travail ont été notés à cette époque événements importants. C'est alors qu'intervient le mariage avec Agnès Frey, ainsi que l'ouverture de son propre atelier. Après un certain temps, Albrecht a décidé de faire un nouveau voyage, en choisissant cette fois l'Italie du Nord. Il voyagea à Padoue et à Venise en 1494-95. Dürer se rendit à Venise en 1505 et y resta jusqu'en 1507. La connaissance d'Albrecht avec I remonte à 1512. Apparemment, au même moment, Dürer a commencé à travailler pour lui, jusqu'à la mort de Maximilien, survenue en 1519. On sait qu'Albrecht a également visité les Pays-Bas. Dans la période de 1520 à 1521, il visita des villes telles que Bruxelles, Anvers, Gand, Bruges, Malin et d'autres.

Créativité Dürer

Et dont le travail coïncide avec l'apogée de la Renaissance allemande, ne pouvait pas rester à l'écart des tendances de son temps. Ce fut une période difficile, en grande partie disharmonieuse. Son personnage a laissé une empreinte sur toutes sortes d'art. Le renouveau dans l'œuvre d'Albrecht accumule l'originalité et la richesse des traditions artistiques allemandes. Ils apparaissent sous les traits des personnages de Dürer, loin de la beauté du point de vue de l'idéal classique. De plus, le maître préfère tout ce qui est net, accorde une grande attention aux détails individuels. Grande valeur pour Albrecht il a en même temps contact avec l'art de l'Italie. L'œuvre d'Albrecht Dürer est marquée par le fait qu'il a essayé de comprendre le secret de sa perfection et de son harmonie. Durer est le seul représentant qui, en termes de polyvalence et d'orientation des intérêts, le désir de comprendre les lois de l'art, de créer les proportions parfaites de la figure humaine, peut être mis sur un pied d'égalité avec les grands maîtres de la Renaissance italienne .

Dessins

Le travail d'Albrecht Dürer est varié. Il était doué comme dessinateur, graveur et peintre. Parallèlement, la gravure et le dessin occupent même parfois une place prépondérante chez lui. Plus de 900 feuilles sont l'héritage du dessinateur Dürer. En termes de diversité et d'immensité, il ne peut être comparé qu'aux œuvres de Léonard de Vinci. Apparemment, le dessin faisait partie de Vie courante maîtrise. Dürer maîtrisait parfaitement toutes les techniques graphiques de cette époque - du fusain, de l'aquarelle, au stylo à roseau et à l'épingle en argent. Comme pour les maîtres italiens, le dessin est devenu pour Dürer l'étape la plus importante dans la création d'une composition. Cette étape comprenait des études, des croquis de têtes, de jambes, de bras, de draperies.

Pour Dürer, le dessin était un outil avec lequel il étudiait les types caractéristiques - les fashionistas de Nuremberg, les gentlemen intelligents, les paysans. Les œuvres célèbres d'Albrecht Dürer sont les aquarelles du maître "Hare" (photo ci-dessus) et "Piece of Sod". Ils sont faits avec un froid détachement et une telle intensité qu'ils pourraient devenir des illustrations de codes scientifiques.

Paysage Série

La première œuvre significative du maître est une série de paysages de 1494-95. Ces oeuvres d'Albrecht Dürer ont été réalisées à l'aquarelle et à la gouache lors de son voyage en Italie. Ce sont des compositions soigneusement équilibrées et réfléchies, avec des plans spatiaux alternant en douceur les uns avec les autres. Ces œuvres d'Albrecht Dürer sont les premiers paysages "purs" de l'histoire de l'art européen.

"Noël", "Adoration des Mages", "Adam et Eve"

Une ambiance claire et homogène, le désir de l'auteur d'un équilibre harmonieux des rythmes et des formes - c'est les caractéristiques peinture de Dürer de la fin du XVe siècle au début de la deuxième décennie du XVIe siècle. Il s'agit du retable de la "Nativité", réalisé vers 1498, et de l'oeuvre "L'Adoration des Mages" datant de 1504, dans laquelle Dürer réunit un groupe de trois mages et la Madone aux silhouettes lisses, au rythme circulaire calme, ainsi que un motif d'arc qui se répète à plusieurs reprises dans le paysage architectural. Dans les années 1500, l'un des thèmes principaux de l'œuvre d'Albrecht était le désir de trouver les proportions idéales du corps humain. Il cherche leurs secrets en peignant des figures féminines et masculines nues. A noter que c'est Albrecht qui fut le premier en Allemagne à étudier le nu. Ces recherches ont été résumées dans la gravure de 1504 "Adam et Eve", ainsi que dans un grand diptyque pictural réalisé vers 1507 du même nom.

"Adoration de la Sainte Trinité" et "Fête du Rosaire"

Les œuvres les plus complexes, des compositions picturales harmoniquement ordonnées de nombreuses figures, ont été achevées déjà dans les années de maturité créative d'Albrecht Dürer. Œuvres remarquables il comprend la Fête du Rosaire créée en 1506, et en 1511 l'Adoration de la Sainte Trinité. "La Fête du Rosaire" est l'une des plus grandes œuvres de Dürer (161,5 x 192 cm). De plus, c'est l'une des peintures d'intonation les plus importantes. L'œuvre est proche de l'art des maîtres italiens non seulement en termes de motifs, mais aussi dans sa vitalité, la plénitude des couleurs, la plénitude des images (principalement des portraits), l'équilibre de la composition et l'ampleur de l'écriture. . Dans le tableau intitulé "Adoration de la Sainte Trinité", qui est une petite œuvre d'autel, des demi-cercles rythmiques, qui font écho à l'achèvement en arc de l'autel, unissent les anges planant dans le ciel, les pères de l'Église et l'armée des saints. Ce tableau rappelle la Dispute de Raphaël.

premiers portraits

Sans portraits, il est difficile d'imaginer le travail d'Albrecht Dürer. Ses peintures dans ce genre sont nombreuses et très intéressantes. Albrecht est déjà premiers travaux, réalisé vers 1499 (portrait d'Oswald Krehl) semble être un maître établi. Il traduit parfaitement l'énergie interne du modèle, l'originalité du personnage. La singularité d'Albrecht Dürer réside dans le fait que l'autoportrait occupe une place prépondérante dans période au début son travail de portrait. En 1484, il réalise le dessin à la pointe d'argent présenté au début de l'article. Ici, Albrecht est représenté comme un enfant de 13 ans. Déjà à cette époque, la main de Dürer était guidée par un besoin de connaissance de soi, qui s'est encore développé dans ses trois premiers autoportraits pittoresques. Nous parlons des travaux de 1493, 1498 et 1500. À dernier ouvrage(sa photo est présentée ci-dessus) Albrecht est représenté strictement devant. Encadré d'une petite barbe et de longs cheveux, son visage régulier rappelle les images du Christ Pantocrator.

Gravures

L'œuvre d'Albrecht Dürer (1471-1528) est intéressante en ce qu'il exécuta des gravures aussi bien sur cuivre que sur bois. Albrecht a fait de la gravure, à la suite de Schongauer, l'une des principales formes d'art. Dans les œuvres de Dürer, l'esprit agité et agité de sa nature créative s'est exprimé, ainsi que les collisions morales dramatiques qui l'inquiétaient. Un contraste frappant avec les premières peintures claires et calmes du maître était déjà la première série graphique à grande échelle, composée de 15 gravures sur les thèmes de l'Apocalypse. Ces boiseries ont été créées par Albrecht en 1498. Dürer, dans ses gravures, bien plus que dans ses peintures, s'appuie sur les traditions allemandes. Ils se manifestent dans la tension des mouvements anguleux et brusques, l'expression excessive des images, le rythme des lignes tourbillonnantes et rapides et des plis qui se cassent. L'image de Fortuna de la gravure "Nemesis", datant du début des années 1500, a un caractère formidable. Cette gravure est l'une des les meilleures oeuvres Dürer.

"Vie de Marie", "Grandes Passions" et "Petites Passions"

Dans le cycle graphique "La vie de Marie", créé vers 1502-05, l'intérêt de l'auteur pour les détails de genre est perceptible, ainsi qu'une abondance de détails - caractéristiques de la tradition artistique allemande. Ce cycle graphique est le plus clair et le plus calme. Les deux autres, dédiées à la passion du Christ, se distinguent par leur expression dramatique. Il s'agit des "Grandes Passions" réalisées sur bois (vers 1498-1510), ainsi que de deux séries de gravures sur cuivre "Petites Passions" (les années de création - 1507-13 et 1509-11). Ces œuvres de Dürer étaient surtout connues de ses contemporains.

Triptyque 1513-1514

La gravure de 1513 « Chevalier, la Mort et le Diable », ainsi que deux ouvrages de 1514 (« Jérôme dans la cellule » et « La Mélancolie ») occupent une place importante dans le legs d'Albrecht. Ils forment une sorte de triptyque. Ces œuvres sont réalisées par le maître avec une subtilité virtuose. Ils se distinguent par une concentration et une concision figuratives rares. Apparemment, Dürer n'avait pas l'intention de les créer en un seul cycle. Néanmoins, ces œuvres sont unies par un sous-texte moral et philosophique très complexe (de nombreux ouvrages sont aujourd'hui consacrés à son interprétation). Apparemment, le traité "Guide du guerrier chrétien" d'E. Rotterdam a inspiré à l'auteur l'image d'un guerrier sévère d'âge moyen qui se dirige vers un but inconnu, malgré le diable qui le suit sur ses talons, ainsi que les menaces de la mort. Le guerrier est présenté sur fond de paysage rocheux sauvage. L'œuvre d'Albrecht Dürer n'est pas toujours facilement perçue. Sommaire le traité précité est important à connaître pour comprendre l'image d'un guerrier.

Saint Jérôme (photo ci-dessus), qui s'est complètement lancé dans des études scientifiques, est la personnification d'une vie contemplative et d'une introspection spirituelle. La majestueuse Mélancolie ailée, plongée dans son sombre reflet, est présentée sur fond d'un amoncellement chaotique de symboles du temps éphémère et des sciences, outils de l'artisanat.

Il est généralement interprété comme la personnification de l'esprit créatif et agité d'une personne. A noter que les humanistes de la Renaissance trouvaient chez les personnes au tempérament mélancolique, "l'obsession divine" du génie, l'incarnation la créativité. Dès lors, on peut dire que l'œuvre d'Albrecht Dürer s'inscrit également dans le cadre de la tendance générale. Caractérisons brièvement ses œuvres ultérieures.

Œuvres ultérieures

Dürer a travaillé à la cour de Maximilien Ier après 1514 (ci-dessus, son portrait par Albrecht). A cette époque, Albrecht Dürer réalise de nombreuses commandes officielles. Les œuvres qu'il réalise demandent une grande habileté, mais la plus laborieuse d'entre elles est une lithographie en couleurs réalisée sur 192 planches. Cette œuvre s'appelle "Arc de Maximilien Ier". Elle a travaillé à sa création, à l'exception de Durer, grand groupe artistes. Après un voyage aux Pays-Bas, effectué en 1520-21, Albrecht entame un nouvel essor créatif. À cette époque, de nombreux croquis superficiels sont apparus. De plus, les œuvres d'Albrecht Dürer ont été reconstituées avec un certain nombre de belles œuvres. Leur liste est la suivante : réalisée en 1520 au fusain, ainsi que l'œuvre de 1521 "Luc de Leyde" (réalisée au crayon d'argent), "Agnès Dürer", qui fut réalisée au crayon de métal, etc.

Portraits des années 1520

Le portrait dans les années 1520 devient le genre principal dans l'œuvre de Dürer. A cette époque, Albrecht Dürer a créé des images en gravure sur cuivre des humanistes les plus éminents de son temps. Les principales œuvres sont les suivantes : en 1526 - un portrait de Philippe Melanchthon, en 1524 - par Willibald Pirkheim, en 1526 - Érasme de Rotterdam. En peinture en 1521 apparaît "Portrait d'un jeune homme", en 1524 - " portrait masculin", en 1526 -" Hieronymus Holtschuer "et d'autres œuvres. Ces petits travaux se distinguent par une composition impeccable, une perfection classique et des silhouettes ciselées. Ils sont effectivement compliqués par les contours d'énormes bérets de velours ou de chapeaux à larges bords. Le centre de données compositionnel de l'œuvre est un visage en gros plan créé par de subtiles transitions d'ombres et de lumière. Dans les expressions faciales à peine perceptibles, dans le regard des yeux grands ouverts, dans les contours des lèvres légèrement incurvées en sourire ou entrouvertes, dans le dessin énergique des pommettes et le mouvement des sourcils froncés, on peut voir des traces de une vie spirituelle intense. La force d'âme découverte par Albrecht chez ses contemporains prend une grande ampleur dans le diptyque "Quatre Apôtres" (photo ci-dessous), la dernière œuvre picturale du maître (1525). Il a été écrit par Dürer pour la mairie de Nuremberg. D'immenses figures de l'évangéliste Paul, Pierre et Jean sont présentées, qui personnifient, selon les contemporains du maître, 4 tempéraments.

Travaux théoriques, le sens de la créativité

Au cours des dernières années de sa vie, Albrecht a publié des ouvrages théoriques: un manuel sur la mesure avec une règle et un compas (en 1525), sur le renforcement des forteresses, des châteaux et des villes (1527), et en 1528 l'ouvrage Quatre livres sur les proportions humaines est apparu . Albrecht Dürer, dont nous avons évoqué l'œuvre et le destin, mourut à Nuremberg le 6 avril 1528.

Dürer a fortement influencé le développement de tout l'art allemand dans la première moitié du XVIe siècle. Ses gravures ont également eu un énorme succès en Italie - même leurs contrefaçons ont été produites. De nombreux artistes italiens ont été influencés par son travail, notamment Pordenone et Pontormo.