"Maria Annuziata" est l'une des plus des peintures célèbres le grand peintre italien Antonello da Messina (1429/31 - 1479). célèbre peintre Le début de la restauration a peint le tableau en 1475. Bois, huile.

Dimensions : 45 x 34,5 cm. ce moment situé dans le Musée National de Palerme.

"Marie Annuciata" a traits de caractère peinture Da Messine. On dit que les peintres de l'ère de la récupération précoce ont à peine maîtrisé l'art de la peinture.

C'était une époque où les grands peintres découvraient de nouvelles formes, inventaient de nouvelles solutions stylistiques et techniques, se faisaient connaître pour leurs propres expériences avec la peinture. L'œuvre des peintres de la Restauration a directement affecté l'habileté de tous les cultes ultérieurs des peintres et est toujours un exemple pour les artistes novices.

Antonello da Messina ne déroge pas à la règle.

Pour le pinceau de cet artiste, les portraits de personnes, étonnants de réalisme et de profondeur, et les peintures sur des thèmes religieux sont particulièrement caractéristiques. Dans le tableau "Mary Annunciata" et le tableau "Annonciation", le peintre a représenté un portrait en buste d'une dame.

Ici, nous pouvons voir qu'Antonello da Messina essaie d'exprimer l'inexprimable à travers des choses symboliques. La plupart des peintres ont représenté l'Annonciation comme des scènes de genre, mais Antonello s'écarte de cette pratique et exprime un sentiment de connexion spirituelle avec le plus haut, comme l'état intérieur de Maria Annuziata.

Son regard, la posture des mains et de la tête, l'expression du visage - tout montre que maintenant Marie est à une grande distance du monde temporaire.

Maria Annuziata est sur fond sombre, comme pour souligner par là à la fois son détachement et son apparition au monde. Mais dans sa propre peinture, Antonello da Messina a pu mettre en évidence la profondeur de l'image, repoussant la figure de la dame à l'arrière-plan avec le livre et l'aide du pupitre, qui se trouve devant Marie.

Peinture "Maria Annuziata" d'Antonello da Messina

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Antonello da Messina (1429/30-1479) (Antonello da Messina) peintures de grands peintres

Antonello de Messine (1430-1479)

Vierge à l'enfant

Né à Messine, en Sicile, dans la famille d'un sculpteur. Environ entre 1450 et 1455, il étudie à Naples dans l'atelier du peintre Colantonio. L'auteur de la biographie de l'artiste, Giorgio Vasari, raconte son voyage aux Pays-Bas, où Antonello s'est familiarisé avec la technique peinture à l'huile- ce message, auparavant considéré comme une fiction, semble tout à fait plausible. En 1456, il a déjà son propre atelier à Messine. En 1457 la confrérie de St. Michael à Reggio di Calabria a ordonné à Antonello de peindre la bannière. Il a probablement eu de nombreuses commandes similaires, ses voyages dans le sud de l'Italie y sont associés.

Maria Annunziata

Jusqu'en 1465, son nom est mentionné dans divers documents siciliens, époque à laquelle il peint des retables et peint des bannières. À la fin des années 1460, l'artiste s'est apparemment rendu à Rome, où il s'est familiarisé avec les œuvres de Piero della Francesca. En 1473, son nom est à nouveau mentionné dans des documents messiniens à l'occasion de commandes de retables et de bannières. En 1475, il apparaît à Venise, et en septembre 1476, il est de nouveau à Messine. Ses activités sont interrompues au début de 1479 : le 14 février 1479, il fait un testament et meurt bientôt.

Portrait d'un homme

Période au début

Originaire du sud de l'Italie, Antonello da Messina a combiné dans son travail deux traditions artistiques différentes - italienne et néerlandaise, puisque Naples, Palerme et Messine étaient étroitement liées à la péninsule ibérique, à la France, à la Provence et aux Pays-Bas.

Maria Annunziata

La peinture hollandaise connut un grand succès à la cour d'Aragon ; lors de son apprentissage à Naples, l'artiste a eu l'occasion de se familiariser avec les œuvres de Van Eyck et Petrus Christus qui y sont conservées. Déjà dans les premières œuvres fiables qui nous sont parvenues d'Antonello (Crucifixion, vers 1455, Museum of Art, Bucarest ; Saint Jérôme, vers 1460, et l'image du Christ Sauveur, 1465, les deux - National Gallery, Londres ) l'influence des Néerlandais est perceptible non seulement dans l'emprunt de l'iconographie, mais aussi dans l'interprétation du monde environnant - dans le paysage de fond de la "Crucifixion" (la baie de Messine est représentée), qui regorge de nombreux détails et détails, recréés avec un scrupuleux et minutieux purement "hollandais", dans des effets spatiaux et lumineux complexes de l'image de "Saint Jérôme". Cependant, les peintures d'Antonello se distinguent des échantillons hollandais par leur modelage plastique des formes typiquement italien et la clarté de la construction de l'espace.

Saint Gerolamo

Non moins important pour l'ajout de la manière d'Antonello était l'assimilation des leçons de la peinture de la première Renaissance. La soif italienne de typification idéale, de généralisation plastique, combinée à la naturalisation "néerlandaise", se transforme en un style particulier dans la peinture d'Antonello après 1470.

Saint Grégoire

Ses retables (par exemple, l'Annonciation, 1474, qui nous sont parvenus en mauvais état, musée national, Syracuse; « Polyptyque de St. George", 1473, Musée national, Messine), les images de la Vierge et du Christ ("Voici l'homme") se caractérisent par une interpénétration complexe des formes et de l'iconographie hollandaise et italienne.

Saint Agostino

des portraits

La partie la plus frappante de l'héritage d'Antonello sont ses portraits (tous datent de la période entre 1465-1476). Ici, l'influence de la peinture hollandaise et surtout des portraits de Jan van Eyck, à qui le maître emprunte la composition de l'image du portrait et la technique même de la peinture à l'huile, a été déterminante : le portrait est représenté buste en trois quart de tour sur un fond neutre sombre, le regard est fixé sur le spectateur.

Portrait d'un inconnu

Une autre source d'Antonello est la sculpture de portrait des sculpteurs du début de la Renaissance Domenico Gagini et Francesco Laurana qui sont venus en Sicile. D'où la plasticité et la stéréométrie, l'envie de révéler le principe plastique, qui distinguent les œuvres de l'artiste des échantillons hollandais.

Portrait d'un jeune homme

Dans les portraits d'Antonello, l'interprétation de la personnalité de la personne représentée devient plus ouverte que dans ses prototypes hollandais - l'impersonnalité hollandaise est remplacée par l'activité du modèle, son désir d'affirmation de soi. Les personnes représentées regardent le spectateur si attentivement, comme si elles attendaient une question, leurs visages sont souvent animés par un sourire.

Portrait d'un inconnu

Les chefs-d'œuvre de l'art du portrait d'Antonello sont : "Portrait d'un homme inconnu" (1465-70, Musée Mandralisk, Cefalu), le soi-disant "Condottiere" (1475, Louvre), où la modélisation plastique du visage du représenté met l'accent sur son énergie intérieure; le soi-disant "Autoportrait" (1474-75, National Gallery, Londres) et "Portrait d'un jeune homme" (1476?, Musées d'État, Berlin-Dahlem).

Portrait d'un jeune homme

Période vénitienne

La dernière étape de l'œuvre d'Antonello remonte à 1475-76, aux années de son voyage vénitien (il a peut-être également visité Milan). Peu de temps après son arrivée à Venise, son travail a commencé à attirer une attention enthousiaste. Les autorités vénitiennes lui font un certain nombre de commandes, sa peinture et, surtout, la technique de la peinture à l'huile qu'il connaît ont eu un impact significatif sur les artistes vénitiens. La méthode d'Antonello consistant à construire la forme avec la couleur plutôt que la ligne et le clair-obscur a eu un impact énorme sur la poursuite du développement peinture vénitienne.

Saint Sébastien

Dans le même temps, la connaissance d'Antonello da Messina lui-même avec les œuvres des maîtres du début de la Renaissance, principalement Piero della Francesca et Andrea Mantegna, s'est reflétée dans le changement de la structure figurative de ses peintures : elles sont devenues plus légères, l'espace plus libre, la composition plus équilibrée et structurée, les images d'architecture plus classiques et harmonieuses.

Crucifixion avec Marie et Jean

Antonello da Messina (ital. Antonello da Messina c. 1429 (1429) / 1431 - 1479) - artiste italien, un éminent représentant de l'école de peinture du sud de l'Italie du début de la Renaissance.

Professeur de Girolamo Alibrandi, surnommé le "Raphaël messinien".

Antonello est né dans la ville de Messine en Sicile entre 1429 et 1431. L'enseignement primaire a eu lieu dans une école provinciale, loin des centres artistiques de l'Italie, où les principaux points de référence étaient les maîtres du sud de la France, de la Catalogne et des Pays-Bas. Vers 1450, il s'installe à Naples. Au début des années 1450, il étudie avec Colantonio, un peintre associé à la tradition hollandaise. En 1475-1476. oui Messine a visité Venise, où il a reçu et exécuté des commandes, s'est lié d'amitié avec des artistes, en particulier avec Giovanni Bellini, qui a adopté dans une certaine mesure sa technique de peinture.

L'œuvre mature d'Antonello da Messina est une fusion d'éléments italiens et hollandais. Il fut l'un des premiers en Italie à travailler dans la technique de la peinture à l'huile pure, l'empruntant largement à Van Eyck.

Le style de l'artiste se caractérise par une grande virtuosité technique, une attention méticuleuse aux détails et un intérêt pour les formes monumentales et la profondeur du fond, caractéristiques de l'école italienne.

Dans le tableau « Le Christ mort soutenu par des anges », les personnages se détachent clairement sur un fond clair illuminé, où Messine, la ville natale de l'artiste, se distingue vaguement. L'iconographie et le traitement émotionnel du thème sont associés à l'œuvre de Giovanni Bellini.

Les tableaux qu'il a peints à Venise sont parmi les meilleurs. "Crucifixion" (1475, Anvers) parle de la formation hollandaise de l'artiste.

Dans les années 1470, les portraits commencent à occuper une place importante dans l'œuvre (« Jeune homme », vers 1470 ; « Autoportrait », vers 1473 ; « Portrait d'homme », 1475, etc.), marqués par des traits de l'art hollandais : un fond sombre et neutre, des expressions faciales fidèles au modèle de transmission. Son art du portrait a profondément marqué la peinture vénitienne de la fin du XVe siècle. - début XVIe siècle

Il mourut à Messine en 1479.

L'œuvre d'Antonello da Messina est un exemple de la façon dont, dans la peinture italienne, depuis 1470 environ, de nouvelles formes de portrait se sont répandues dans différents centres presque simultanément, parfois indépendamment les unes des autres, et souvent grâce à l'établissement de contacts entre écoles d'art et le rôle déterminant de plusieurs grands maîtres. Ainsi, en même temps que Mantegna dans les années 1470, à la périphérie lointaine - en Sicile, un autre grand maître du portrait, Antonello da Messina, s'est imposé, qui a créé un certain nombre d'œuvres qui sont un exemple de portrait en buste de trois quarts, qui pendant des décennies a déterminé la voie principale pour le développement du portrait vénitien (en plus, il a conquis les Vénitiens en leur apprenant à peindre avec des peintures à l'huile). Il est au sens strict du terme le premier maître italien du portrait de chevalet. Il n'a jamais peint de fresques avec des portraits cachés et des donateurs dans des retables. Environ 10 portraits authentiques de lui ont survécu, mais dans le développement du portrait de chevalet début de la renaissance il occupe une place très importante.

Toutes ses œuvres survivantes appartiennent à sa période de maturité (Sicile et Venise, 1465-1476). Il utilise une formule élaborée de composition de portrait, sans la changer dans le futur, d'ailleurs, sans changer l'idéal auquel le modèle vivant est comparé. En effet, il s'est appuyé sur la longue tradition du portrait néerlandais, qu'il a directement appliquée à la compréhension italienne de l'image humaine. Très probablement, l'apparition du portrait de chevalet dans son œuvre est directement liée à sa passion ardente pour la peinture néerlandaise. La naissance du genre du portrait dans son œuvre coïncide également directement avec une période de familiarisation active avec les formes et les idéaux de la Renaissance. Antonello se concentre sur la direction la plus avancée de cette période - le travail de Jan van Eyck, lui empruntant la composition, la technique et la couleur. Il a peut-être voyagé aux Pays-Bas.

À partir du travail d'Eik, il choisit la solution la plus concise et la plus plastique à la composition - en même temps, la plus émotionnelle. Antonello peint toujours un modèle en buste, avec un parapet, portant toujours une coiffe et regardant directement le spectateur. Il ne peint pas les mains et ne représente pas les accessoires. Grâce au parapet premier plan et un cadre en perspective, le portrait en buste, légèrement repoussé en profondeur, acquiert une spatialité. Le point de vue d'en bas donne à l'image une touche de monumentalité. Sur le parapet « en pierre », il y a toujours un morceau de papier froissé, « attaché » avec une goutte de cire à cacheter, avec l'inscription « Antonello Messinets m'a écrit » et la date. L'illusion de la tridimensionnalité est renforcée par un environnement léger et aérien doux. Le visage est tourné vers la lumière tombant de gauche, il est subtilement modelé par des ombres transparentes, qui s'épaississent progressivement vers les bords de l'image et deviennent totalement impénétrables en arrière-plan. L'analogie la plus proche aux Pays-Bas avec ses portraits est le portrait d'un inconnu au turban rouge. Antonello et van Eyck sont similaires non seulement dans la composition, mais aussi dans la peinture, des tons profonds et colorés, obtenus par de fines couches transparentes d'huile ; les radiographies montrent que leur travail est identique dans la technique. Mais la méthode de construction d'une forme picturale utilisée par Antonello a ses propres caractéristiques. Son dessin est volontairement arrondi et simplifié, contrairement au Hollandais, il n'étudie pas les différences, mais généralise. Les détails sont peu nombreux, les portraits ressemblent à une sculpture ronde, qui semble avoir été peinte - les formes du visage sont stéréométrées.

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"Vierge à l'Enfant". Vers 1475. Toile, huile, détrempe. galerie nationale Arts, Washington.

Antonello da Messina est né vers 1430 et est mort relativement jeune en 1479. Vasari, dans son recueil de biographies, éclaire également sa vie. Je ne me suis pas souvenu de Vasari par hasard, il a écrit sur presque tout le monde et a raconté une histoire romantique, presque aventureuse, mais totalement peu fiable sur Antonello. Selon Vasari, Antonello da Messina est allé aux Pays-Bas à l'adolescence et a été apprenti chez Jan van Eyck, qui aurait alors inventé la peinture à l'huile. Van Eyck, ou plutôt les frères van Eyck : Jan et Hubert n'ont pas inventé, mais amélioré la peinture à l'huile. Ainsi, Jan van Eyck aurait gardé la recette dans la plus stricte confidentialité, même de la part de ses frères les plus proches, mais le jeune Italien était si charmant, si digne de confiance que Jan van Eyck a révélé à Antonello da Messina les secrets de la peinture à l'huile. Et après avoir tout découvert du maître, Antonello est parti et a apporté la recette hollandaise en Italie.

Commençons par le fait qu'il n'a pas pu étudier avec Jan van Eyck, car van Eyck est mort alors qu'Antonello n'avait que onze ans. Mais il connaissait vraiment très bien la technique de la peinture à l'huile, il y a travaillé et l'a évidemment tirée de son pays natal, dans le sud de l'Italie, de ces Néerlandais qui pourraient être d'une manière ou d'une autre, au moins indirectement, liés au cercle de Jan van Eyck et d'autres artistes qui ont travaillé dans la première moitié du XVe siècle. en Flandre.

"Salvator Mundi (Sauveur du monde)". 1465. Huile sur bois National Gallery, Londres.

Les larges liens de la ville italienne de Messine avec les Pays-Bas sont enracinés au Moyen Âge. Il s'agit avant tout de relations commerciales, mais aussi culturelles. On ne peut pas dire que toute une colonie d'artistes hollandais s'est formée à Messine, mais depuis le règne de Frédéric II, l'un des plus brillants empereurs du Saint Empire romain germanique, mort en 1250, les nordistes - français, flamands, hollandais - ont pas été traduit ici. Et Antonello da Messina, selon sa formation, est clairement lié à eux.
Et la Toscane, je vous le rappelle, travaille en ce moment entièrement à la détrempe. Peinture à l'huile du milieu et du troisième quart du XVe siècle. pour les Italiens encore une parfaite nouveauté. Des expériences séparées ont été faites, mais sporadiquement et étaient, pour ainsi dire, de nature expérimentale. Et Antonello da Messina vit sa plus belle heure - cela fait un an et demi: 1475 et une partie de 1476, quand il vit probablement à Venise sur invitation. A cette époque, il crée de nombreuses œuvres et écrit ses meilleures choses. Il est fort possible qu'à Venise il ait été apprécié, plus haut, en tout cas, que chez lui. Il est possible qu'en 1476, Antonello se soit retrouvé à Milan pour une période relativement courte, chez le duc de Sforza. Nous savons qu'il reçut une telle invitation, puis retourna dans sa patrie, à Messine, où, comme je l'ai déjà dit, il mourut en 1479.
Le simple fait qu'Antonello da Messina se soit répandu et introduit non seulement en italien, mais aussi en art allemand une technique artistique nouvelle, beaucoup plus riche, souple, mobile, a suffi pour que son nom reste dans l'histoire de l'art. Mais en plus, il est remarquable comme un maître de premier ordre, l'un des plus grands artistes du Quattrocento, un maître qui s'est distingué dans différentes régions peinture de chevalet. Et à l'image d'un corps nu (son célèbre Dresde "Saint Sébastien"), et à la formation d'un autel de type purement vénitien "Santa Conversazione" ("Sainte Conversation") dans son "Autel de Saint Cassien", qui malheureusement nous est parvenu sous une forme fragmentée.

"Le Christ à la colonne". Vers 1476. Bois, huile. Musée du Louvre, Paris.

Et enfin, peut-être le plus important, est l'énorme contribution d'Antonello da Messina au développement du portrait italien. Nous avons parlé de Botticelli, qui dans un certain sens était un innovateur du portrait, mais par étapes le travail d'Antonello da Messina précède Botticelli et à bien des égards, malgré leur modestie extérieure, le dépasse.
La plupart de ses œuvres de la période vénitienne ont survécu. Mais pas seulement. Il y a aussi des choses connues qui sont définies comme les premières œuvres du maître. Parmi ceux-ci se trouve son célèbre "Saint Jérôme dans la cellule". Une petite planche datée d'environ 1460 et réalisée bien avant l'apparition de l'artiste dans la ville sur l'Adriatique. Dans ce travail, son lien le plus étroit avec la peinture néerlandaise est particulièrement perceptible. Nous nous sommes convaincus à plusieurs reprises, et j'ai parlé, et vous avez vous-même pu sentir que l'intérieur en tant que problème spécifique, l'intérieur en tant que thème incarné dans son, pour ainsi dire, portrait concret, n'attirait pas Artistes italiens. Intérieurs de maîtres toscans du milieu du XVe siècle. et les intérieurs de Ghirlandaio, si l'on parle des artistes de la fin du siècle, sont toujours quelque peu fantastiques, complexes, décoratifs, monumentaux, illogiques et en quelque sorte peu corrélés à l'homme. Une attitude complètement différente envers l'intérieur s'est manifestée à Antonello da Messina dans ce petit, mais très important, tableau de référence pour la peinture italienne.

Saint Jérôme dans la cellule. Vers 1475. Bois, huile. National Gallery, Londres.

D'énormes portails en pierre puissants s'ouvrent sur une pièce légèrement sombre, mais pas du tout sombre, qui contient également un élément de fantaisie architecturale. Quelque chose comme une salle, si vous essayez de percevoir tout l'espace architectural d'ouverture comme l'intégrité d'une certaine salle, dont les fonctions ne sont pas indiquées. Un autre micro-intérieur apparaît à l'intérieur - un lieu de travail ou un bureau semi-fermé où travaille saint Jérôme, le patron des humanistes, maître scribe. Si vous regardez les branches de l'espace, qui bifurquent dans les profondeurs, alors cet espace, pour ainsi dire, fait le tour du squelette de l'armoire, laissant deux courants dans l'image. A gauche - quelque chose comme une paix résidentielle, la lumière tombant de la fenêtre sur le sol, des tabourets debout près de la fenêtre, une fenêtre rectangulaire dans les profondeurs, et à droite - des colonnes gothiques, une voûte, presque une nef d'église, apparaissent soudainement . Des arcs en lancette gothiques apparaissent également au sommet, la hauteur n'est pas définie, elle dépasse les limites de l'image, où l'obscurité impénétrable s'épaissit. Il y a ici une incertitude presque romantique, d'autant plus que l'intérieur se termine, le sol se rapproche du mur, plus près du spectateur, ils ne sont pas au même niveau, il est donc difficile d'imaginer le mur comme un seul et monolithique. Cette abondance de détails intérieurs, parmi lesquels saint Jérôme vit et travaille, vient clairement de l'amour hollandais pour l'objectivité. Voici divers récipients - céramique, verre, métal, livres et manuscrits, ainsi que des sortes de boîtes en bois, du vernis craquelé et des serviettes suspendues. Tout cela est écrit avec beaucoup d'amour et de subtilité, comme les Néerlandais écrivaient, et seuls les maîtres néerlandais pouvaient apprendre une attention aussi particulière à une chose et se faire une idée de son charme.

Au début de la Renaissance, il représente l'école de peinture du sud. Il était le professeur de Girolamo Alibrandi, surnommé le Raphaël messinien. Pour atteindre la profondeur des couleurs dans des portraits nets et des peintures poétiques, il a utilisé la technique de la peinture à l'huile. Dans l'article, nous ferons attention courte biographie artiste et regardons de plus près son travail.

Représentant de la nouvelle direction

De nombreuses informations sur la vie d'Antonello da Messina sont controversées, douteuses ou perdues. Mais il est bien évident que c'est lui qui a démontré aux artistes vénitiens les possibilités lumineuses de la peinture à l'huile. Ainsi, l'Italien a jeté les bases de l'un des domaines clés de l'art d'Europe occidentale. À l'instar de nombreux autres artistes de l'époque, Antonello a combiné la tradition néerlandaise de reproduction optiquement précise des détails de l'image avec les innovations picturales des Italiens.

Les historiens ont trouvé un enregistrement qu'en 1456, le héros de cet article avait un étudiant. Autrement dit, le peintre est probablement né avant 1430. Le napolitain Colantonio a été le premier professeur d'Antonello da Messina, dont les œuvres seront décrites ci-dessous. Ce fait confirme le message de J. Vasari. Juste à cette époque, Naples était sous l'influence culturelle de la péninsule ibérique, des Pays-Bas et de la France, plutôt que de l'Italie du Nord et de la Toscane. Sous l'influence de l'œuvre de Van Eyck et de ses partisans, l'intérêt pour la peinture s'accroît chaque jour. Selon la rumeur, le héros de cet article aurait étudié la technique de la peinture à l'huile auprès de lui.

maître du portrait

De naissance, Antonello da Messina était italien, mais par éducation artistique il appartenait essentiellement aux traditions pittoresques de l'Europe du Nord. Il a peint de superbes portraits, qui représentent près de trente pour cent de ses œuvres survivantes. Habituellement, Antonello représentait le buste du modèle et le gros plan. En même temps, les épaules et la tête étaient placées sur un fond sombre. Parfois, au premier plan, l'artiste peint un parapet auquel est attaché un cartellino (un petit morceau de papier avec une inscription). La précision illusionniste et la nature graphique de ces détails indiquent qu'ils sont d'origine hollandaise.

"Portrait d'homme"

Ce tableau, peint par Antonello da Messina en 1474-1475. est l'un de ses plus les meilleures oeuvres. La palette du maître se limite à de riches traits bruns, noirs et individuels de chair et fleurs blanches. L'exception est le chapeau rouge, complété par une bande rouge foncé furtive de la robe inférieure. Monde intérieur le modèle dessiné n'est pratiquement pas divulgué. Mais le visage rayonne d'intelligence et d'énergie. Antonello l'a très subtilement modelé en clair-obscur. Le dessin net des traits du visage, combiné aux jeux de lumière, confère à l'œuvre d'Antonello une expressivité presque sculpturale.

"C'est un homme"

Les portraits d'un Italien attirent le spectateur avec une surface brillante et brillante et un format de chambre. Et quand Messine transfère ces qualités dans la peinture religieuse (le tableau "Ceci est un homme"), alors la vue de la souffrance humaine devient terriblement douloureuse.

Avec des larmes sur son visage et une corde autour du cou, le Christ nu regarde le spectateur. Sa figure remplit presque tout le champ de la toile. L'interprétation de l'intrigue est légèrement différente du thème de la peinture d'icônes. L'Italien a cherché à transmettre l'image psychologique et physique du Christ de la manière la plus réaliste possible. C'est ce qui oblige le spectateur à se concentrer sur le sens de la souffrance de Jésus.

Maria Annunziata d'Antonello de Messine

Ce travail, contrairement à l'image "Ceci est un homme", est d'humeur complètement différente. Mais de la part du spectateur, cela demande aussi une expérience intérieure et une participation émotionnelle. Quant à "Maria Annunziata", Antonello semble placer le spectateur à la place de l'archange dans l'espace. Cela donne un sentiment de complicité mentale. La Vierge Marie, assise au pupitre, tient de sa main gauche le voile bleu jeté sur elle et lève son autre main. La femme est complètement calme et réfléchie, sa tête sculptée uniformément éclairée semble rayonner de lumière sur le fond sombre de l'image.

"Maria Annunziata" n'est pas le seul portrait en buste d'une femme peint par Antonello da Messina. « L'Annonciation » est le nom d'un autre tableau similaire du peintre, qui représente la même Vierge Marie, mais dans une position différente : elle tient le voile bleu à deux mains.

Dans les deux, il a essayé d'exprimer le sentiment de connexion spirituelle d'une femme avec des puissances supérieures. Son expression faciale, la posture de ses mains et de sa tête, ainsi que son regard indiquent au spectateur que Mary est désormais loin du monde des mortels. Et le fond noir des toiles ne fait que souligner le détachement de la Vierge.

"St. Jérôme dans la cellule"

Dans les peintures discutées ci-dessus, il n'y a même pas un intérêt minimal pour le problème du transfert de l'espace environnant. Mais dans d'autres œuvres, le peintre à cet égard était nettement en avance sur son temps. Dans le tableau "St. Jérôme dans une cellule » représente un saint lisant sur un pupitre. Son étude est située à l'intérieur d'une salle gothique, sur le mur du fond dont les fenêtres sont découpées en deux étages. Au premier plan, l'image est encadrée par une bordure et une arche. Ils sont perçus comme du proskenium (technique courante dans l'art des pays au nord des Alpes). La couleur moutarde de la pierre accentue le contraste d'ombre et de lumière à l'intérieur de l'espace ressemblant à une grotte. Les détails de l'image (paysage au loin, oiseaux, objets sur les étagères) sont restitués avec une très grande précision. Cet effet ne peut être obtenu qu'en appliquant peinture à l'huile jolis petits coups. Mais l'avantage le plus important de peindre oui Messine n'est toujours pas dans le transfert fiable des détails, mais dans l'unité stylistique de l'environnement aérien et de la lumière.

autel monumental

En 1475-1476. l'artiste a vécu à Venise. Il y peint un magnifique retable pour l'église de San Cassiano. Malheureusement jusqu'à aujourd'hui seule sa partie centrale a été conservée, où la Vierge à l'Enfant est représentée dominant le trône. De chaque côté se trouvent des saints. Cet autel appartient au type sacra conversione. C'est-à-dire que les saints sont dans le même espace. Et ceci est opposé dans la forme à un polyptyque divisé en parties. La reconstruction de l'autel monumental était basée sur les travaux ultérieurs de Giovanni Bellini.

"Piéta" ​​et "Crucifixion"

La peinture à l'huile d'Antonello, ou plutôt la capacité de transmettre l'éclairage avec cette technique, était très appréciée par ses collègues artistes. Depuis lors, le colorisme vénitien repose uniquement sur le développement du grand potentiel d'une nouvelle direction. Les œuvres de da Messina de la période vénitienne ont la même tendance conceptuelle que ses premiers travaux. La peinture "Pieta", très usée, même dans un état aussi endommagé, remplit le public d'un sentiment tendu de compassion. Sur le couvercle du tombeau, le corps mort du Christ est tenu par trois anges aux ailes pointues fendant l'air. L'artiste a représenté la figure centrale en gros plan.

C'est comme s'il était pressé à la surface de la toile. Empathie avec la souffrance représentée - c'est ce qu'Antonello da Messina a réalisé en utilisant la technique ci-dessus. "Crucifixion" est un autre tableau du peintre. Son thème est similaire à Pieta. La toile représente Jésus crucifié sur la croix. À sa droite est assise Marie et à sa gauche se trouve l'apôtre Jean. En plus de "Pieta", la toile vise à susciter l'empathie chez le spectateur.

"Saint Sébastien"

Cette peinture est un exemple de la façon dont Antonello a concouru dans la représentation de la nudité héroïque et l'habileté de la transmission. perspective linéaire avec leurs homologues du nord de l'Italie. Sur le fond de la place pavée, le corps du saint percé de flèches acquiert des dimensions énormes. L'espace s'engouffrant dans les profondeurs, un fragment de colonne au premier plan et une perspective avec un point de fuite très bas confirment que le peintre a utilisé les principes de la géométrie euclidienne pour construire la composition.

• Antonello da Messina, dont les peintures ont été décrites ci-dessus, représentait généralement ses héros en buste, en gros plan et sur un fond sombre.
• Selon G. Vasari, l'Italien s'est rendu aux Pays-Bas pour apprendre le secret d'une nouvelle technique de peinture. Cependant, ce fait n'a pas été prouvé.
• Jusqu'à présent, il n'a pas été établi de manière fiable qui a enseigné au héros de cet article la peinture à l'huile. Selon les rumeurs, il s'agirait de Van Eyck.