Miasta starożytnego świata zwykle pojawiały się w pobliżu wysokiej skały, na której wzniesiono cytadelę, aby było gdzie się ukryć, gdyby wróg przeniknął do miasta. Taką cytadelę nazywano akropolem. W ten sam sposób, na skale, która wznosiła się prawie 150 metrów nad Atenami i od dawna służyła jako naturalna budowla obronna, górne miasto stopniowo uformowało się w formę fortecy (akropolu) z różnymi budynkami obronnymi, publicznymi i religijnymi.
Akropol ateński zaczęto budować w II tysiącleciu p.n.e. W czasie wojen grecko-perskich (480-479 pne) został całkowicie zniszczony, później pod przewodnictwem rzeźbiarza i architekta Fidiasza rozpoczęto jego odbudowę i odbudowę.
Akropol to jedno z tych miejsc, „o których wszyscy mówią, że są wspaniałe, niepowtarzalne. Ale nie pytaj dlaczego. Nikt nie może ci odpowiedzieć... Można go zmierzyć, nawet wszystkie jego kamienie można policzyć. Nie jest to wielka sprawa, aby przejść przez to od początku do końca - zajmie to tylko kilka minut. Ściany Akropolu są strome i strome. Na tym wzgórzu ze skalistymi zboczami wciąż stoją cztery wspaniałe dzieła. Szeroka, zygzakowata droga biegnie od podnóża wzgórza do jedynego wejścia. To Propyleje – monumentalna brama z kolumnami doryckimi i szeroką klatką schodową. Zostały zbudowane przez architekta Mnesiclesa w latach 437-432 pne. Ale zanim wkroczyli do tych majestatycznych marmurowych bram, wszyscy mimowolnie skręcili w prawo. Tam, na wysokim cokole bastionu, który niegdyś strzegł wejścia na akropol, wznosi się świątynia bogini zwycięstwa Nike Apteros, ozdobiona jońskimi kolumnami. Jest to dzieło architekta Kallikratesa (druga połowa V wieku p.n.e.). Świątynia – lekka, przewiewna, niezwykle piękna – wyróżniała się bielą na niebieskim tle nieba. Ten kruchy budynek, który wygląda jak elegancka marmurowa zabawka, wydaje się sam się uśmiechać i sprawia, że przechodnie uśmiechają się czule.
Niespokojni, żarliwi i aktywni bogowie Grecji byli podobni do samych Greków. To prawda, że były wyższe, potrafiły latać w powietrzu, przybierać dowolne kształty, zamieniać się w zwierzęta i rośliny. Ale pod każdym innym względem zachowywali się jak zwykli ludzie: żonaty, oszukany, pokłócony, pojednany, ukarane dzieci ...
Świątynia Demeter, budowniczowie nieznani, VI w. PNE. Olimpia
Świątynia Nike Apteros, architekt Kallikrates, 449-421 pne Ateny
Propyleje, architekt Mnesicles, 437-432 pne Ateny
Przedstawiono Nike, boginię zwycięstwa śliczna kobieta z dużymi skrzydłami: zwycięstwo jest zmienne i przelatuje od jednego przeciwnika do drugiego. Ateńczycy przedstawiali ją jako bezskrzydlatą, aby nie opuściła miasta, które tak niedawno wygrało wielkie zwycięstwo nad Persami. Pozbawiona skrzydeł bogini nie mogła już latać i musiała na zawsze pozostać w Atenach.
Świątynia Nike stoi na półce skalnej. Jest lekko zwrócony w kierunku Propylei i pełni rolę latarni morskiej dla procesji okrążających skałę.
Tuż za Propyleami dumnie górowała Wojowniczka Atena, której włócznia witała podróżnika z daleka i służyła jako latarnia morska dla żeglarzy. Napis na kamiennym cokole głosił: „Ateńczycy poświęcili się zwycięstwu nad Persami”. Oznaczało to, że posąg został odlany z brązowej broni odebranej Persom w wyniku ich zwycięstw.
Na Akropolu znajdował się także zespół świątynny Erechtejon, który (według planu jego twórców) miał łączyć ze sobą kilka sanktuariów znajdujących się na różne poziomy, - skała tutaj jest bardzo nierówna. Północny portyk Erechtejonu prowadził do sanktuarium Ateny, gdzie przechowywano drewnianą figurę bogini, rzekomo zrzuconą z nieba. Drzwi z sanktuarium otwierały się na mały dziedziniec, na którym rosło jedyne święte drzewo oliwne na całym Akropolu, które urosło, gdy Atena dotknęła w tym miejscu swoim mieczem skały. Przez wschodni portyk można było dostać się do sanktuarium Posejdona, gdzie po uderzeniu w skałę trójzębem pozostawił trzy bruzdy z szemrzącą wodą. Tutaj znajdowało się sanktuarium Erechteusza, czczonego na równi z Posejdonem.
Centralną część świątyni stanowi prostokątne pomieszczenie (24,1 x 13,1 metra). W świątyni znajdował się również grób i sanktuarium pierwszego legendarnego króla Attyki, Kekropa. Po południowej stronie Erechtejonu znajduje się słynny portyk kariatyd: na krawędzi ściany sześć dziewcząt wyrzeźbionych z marmuru podtrzymuje sufit. Niektórzy uczeni sugerują, że portyk służył jako platforma dla honorowych obywateli lub że kapłani gromadzili się tutaj na ceremonie religijne. Ale dokładne przeznaczenie portyku jest nadal niejasne, ponieważ „portyk” oznacza przedsionek, a w tym przypadku portyk nie miał drzwi i nie można stąd wejść do świątyni. Postacie portyku kariatyd to w istocie podpory zastępujące filar lub kolumnę, doskonale oddają też lekkość i elastyczność dziewczęcych figur. Turcy, którzy kiedyś zdobyli Ateny i ze względu na muzułmańskie przekonania nie pozwolili na wizerunki osoby, nie zniszczyli jednak tych posągów. Ograniczyli się tylko do tego, że wycinali dziewczętom twarze.
Erechtejon, budowniczowie nieznani, 421-407 pne Ateny
Partenon, architekci Iktin, Kallikrat, 447-432 pne Ateny
W 1803 r. lord Elgin, angielski ambasador w Konstantynopolu i kolekcjoner, korzystając z pozwolenia sułtana tureckiego, złamał jedną z kariatyd w świątyni i zabrał ją do Anglii, gdzie ofiarował ją British Museum. Zbyt szeroko interpretując firman tureckiego sułtana, zabrał też ze sobą wiele rzeźb Fidiasza i sprzedał je za 35 000 funtów. Firman powiedział, że „nikt nie powinien powstrzymywać go przed zabraniem z Akropolu kamieni z inskrypcjami lub postaciami”. Elgin napełnił takimi „kamieniami” 201 pudełek. Jak sam stwierdził, zabrał tylko te rzeźby, które już spadły lub były zagrożone upadkiem, rzekomo po to, by uchronić je przed ostatecznym zniszczeniem. Ale Byron również nazwał go złodziejem. Później (podczas renowacji portyku kariatydy w latach 1845-1847) Brytyjskie Muzeum wysłał do Aten odlew gipsowy posągu zabranego przez Lorda Elgina. Następnie odlew zastąpiono trwalszą kopią ze sztucznego kamienia, wykonaną w Anglii.
Pod koniec ubiegłego wieku rząd grecki zażądał od Anglii zwrotu swoich skarbów, ale otrzymał odpowiedź, że klimat londyński jest dla nich bardziej sprzyjający.
Na początku naszego tysiąclecia, kiedy Grecja została przekazana Bizancjum podczas podziału Cesarstwa Rzymskiego, Erechtejon został przekształcony w kościół chrześcijański. Później krzyżowcy, którzy opanowali Ateny, uczynili świątynię pałacem książęcym, a podczas tureckiego podboju Aten w 1458 r. w Erechtejonu utworzono harem komendanta twierdzy. Podczas wojny wyzwoleńczej w latach 1821-1827 Grecy i Turcy na przemian oblegali Akropol, bombardując jego budynki, w tym Erechtejon.
W 1830 r. (po ogłoszeniu niepodległości Grecji) na miejscu Erechtejon znaleziono jedynie fundamenty, a także leżące na ziemi dekoracje architektoniczne. Fundusze na odrestaurowanie tego zespołu świątynnego (a także na odrestaurowanie wielu innych budowli Akropolu) przekazał Heinrich Schliemann. Jego najbliższy współpracownik V.Derpfeld skrupulatnie zmierzył i porównał starożytne fragmenty, już pod koniec lat 70. ubiegłego wieku planował odrestaurowanie Erechtejon. Ale ta odbudowa została poddana ostrej krytyce, a świątynia została rozebrana. Budynek został odrestaurowany na nowo pod kierunkiem słynnego greckiego naukowca P. Kavadiasa w 1906 roku i ostatecznie odrestaurowany w 1922 roku.
„Wenus z Milo” Agessander (?), 120 pne Luwr, Paryż
„Laokoona” Agessander, Polidoros, Atenodor, ok. 40 pne Grecja, Olimpia
„Herkules z Farnese” ok. 200 pne np. Narodowy muzeum, Neapol
„Zraniona Amazonka” Polykleitos, 440 pne Krajowy Muzeum Rzym
Partenon – świątynia bogini Ateny – największa budowla na Akropolu i najpiękniejsze dzieło architektury greckiej. Nie stoi pośrodku placu, ale nieco z boku, dzięki czemu można od razu przyjrzeć się fasadom frontowym i bocznym, zrozumieć piękno świątyni jako całości. Starożytni Grecy wierzyli, że świątynia z główną kultową statuą pośrodku jest niejako domem bóstwa. Partenon to świątynia Ateny Dziewicy (Partenos), a zatem w jej centrum znajdowała się chryzoelefantyna (wykonana z kości słoniowej i złotych płyt na drewnianej podstawie) posąg bogini.
Partenon został wzniesiony w latach 447-432 pne. architekci Iktin i Kallikrates z marmuru pentelskiego. Znajdował się na czterostopniowym tarasie, wymiary jego podstawy to 69,5 x 30,9 metra. Z czterech stron Partenon otoczony jest smukłymi kolumnadami, między ich pniami z białego marmuru widoczne są szczeliny. niebieskie niebo. Całość przesiąknięta światłem, wydaje się przewiewna i lekka. Na białych kolumnach nie ma jasnych wzorów, jakie można znaleźć w świątyniach egipskich. Jedynie podłużne rowki (fale) pokrywają je od góry do dołu, co sprawia, że świątynia wydaje się wyższa i jeszcze smuklejsza. Kolumny swoją harmonię i lekkość zawdzięczają temu, że zwężają się lekko ku górze. W środkowej części pnia, zupełnie niewidoczne dla oka, pogrubiają się i wydają się być elastyczne, bardziej odporne na ciężar kamiennych bloków. Iktin i Kallikrat, przemyślawszy każdy najmniejszy szczegół, stworzyli budynek, który uderza niesamowitą proporcją, niezwykłą prostotą i czystością wszystkich linii. Umieszczony na górnej platformie Akropolu, na wysokości około 150 m n.p.m. Partenon był widoczny nie tylko z każdego miejsca w mieście, ale także z licznych statków płynących do Aten. Świątynia była obwodem doryckim otoczonym kolumnadą z 46 kolumnami.
„Afrodyta i Pan” 100 pne, Delfy, Grecja
„Diana Łowczyni” Leohar, ok.340 pne, Luwr, Paryż, Francja
„Odpoczywający Hermes” Lysippus, IV wiek. pne e., Muzeum Narodowe, Neapol
„Herkules walczący z lwem” Lysippus, ok. 1930 r. 330 pne Ermitaż, Petersburg
„Atlant Farnese” ok.200 pne, Nat. muzeum, Neapol
Najsłynniejsi mistrzowie brali udział w rzeźbiarskiej dekoracji Partenonu. Dyrektor artystyczny Budową i dekoracją Partenonu był Fidiasz, jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy wszech czasów. Jest właścicielem całościowej kompozycji i opracowania całej dekoracji rzeźbiarskiej, której część sam wykonał. Organizacyjną stroną budowy zajmował się Perykles – największy polityk Ateny.
Cała dekoracja rzeźbiarska Partenonu miała na celu gloryfikację bogini Ateny i jej miasta - Aten. Tematem frontonu wschodniego są narodziny ukochanej córki Zeusa. Na frontonie zachodnim mistrz przedstawił scenę sporu między Ateną i Posejdonem o dominację nad Attyką. Według mitu Atena wygrała spór, dając mieszkańcom tego kraju drzewo oliwne.
Na frontonach Partenonu zgromadzili się bogowie Grecji: Gromowładny Zeus, potężny władca mórz Posejdon, mądra wojowniczka Atena, skrzydlata Nike. Dekorację rzeźbiarską Partenonu dopełniał fryz, na którym w czasie Wielkiej Uczty Panatenajskiej przedstawiano uroczystą procesję. Ten fryz jest uważany za jeden ze szczytów sztuka klasyczna. Przy całej kompozycyjnej jedności uderzał różnorodnością. Spośród ponad 500 postaci młodych mężczyzn, starszych, dziewcząt, pieszych i konnych, żadna nie powtarzała się, ruchy ludzi i zwierząt zostały oddane z niezwykłą dynamiką.
Postacie rzeźbiarskiej płaskorzeźby greckiej nie są płaskie, mają objętość i kształt ludzkiego ciała. Od posągów różnią się tylko tym, że nie są obrabiane ze wszystkich stron, ale jakby zlewają się z tłem, które tworzy płaska powierzchnia kamienia. Jasne kolory ożywiły marmur Partenonu. Czerwone tło podkreślało biel postaci, wąskie pionowe półki oddzielające jedną płytę fryzową od drugiej wyraźnie wyróżniały się na niebiesko, a złocenia błyszczały jasno. Za kolumnami, na marmurowej wstążce okalającej wszystkie cztery fasady budynku, przedstawiono świąteczną procesję. Nie ma tu prawie żadnych bogów, a ludzie, na zawsze wyryty w kamieniu, przesunęli się wzdłuż dwóch długich boków budowli i połączyli na wschodniej fasadzie, gdzie odbyła się uroczysta ceremonia wręczenia księdzu szaty utkanej przez ateńskie dziewczęta dla bogini odbyła się. Każda figura charakteryzuje się niepowtarzalnym pięknem, a razem dokładnie odzwierciedlają prawdziwe życie i obyczaje. starożytne miasto.
Rzeczywiście, raz na pięć lat, w jeden z gorących dni przesilenia letniego w Atenach, odbywał się narodowy festiwal na cześć narodzin bogini Ateny. Nazywano go Wielkim Panathenaic. Uczestniczyli w nim nie tylko obywatele państwa ateńskiego, ale także wielu gości. Uroczystość składała się z uroczystej procesji (pompo), przyniesienia hekatomby (100 sztuk bydła) oraz wspólnego posiłku, zawodów sportowych, jeździeckich i muzycznych. Zwycięzca otrzymał specjalną tzw. amforę panatenajską wypełnioną olejem oraz wieniec z liści świętego drzewa oliwnego rosnącego na Akropolu.
Najbardziej uroczystym momentem święta była ogólnopolska procesja na Akropolu. Poruszali się jeźdźcy na koniach, szli mężowie stanu, wojownicy w zbrojach i młodzi sportowcy. Kapłani i szlachta chodzili w długich białych szatach, heroldowie głośno wychwalali boginię, muzycy wypełniali jeszcze chłodne poranne powietrze radosnymi dźwiękami. Zwierzęta ofiarne wspinały się na wysokie wzgórze Akropolu wzdłuż zygzakowatej drogi panatenajskiej, deptane przez tysiące ludzi. Chłopcy i dziewczęta nieśli model świętego statku panatenajskiego z peplos (welonem) przymocowanym do masztu. Lekki wietrzyk trzepotał jasnym materiałem żółto-fioletowej szaty, którą szlachetne dziewczęta z miasta niosły w darze dla bogini Ateny. Przez cały rok tkali i haftowali. Inne dziewczęta wznosiły święte naczynia na ofiary wysoko nad ich głowami. Stopniowo procesja zbliżała się do Partenonu. Wejście do świątyni zostało wykonane nie od strony Propylei, ale z drugiej strony, tak jakby wszyscy najpierw obejrzeli się, zbadali i docenili piękno wszystkich części tej pięknej budowli. W przeciwieństwie do kościołów chrześcijańskich, starożytne greckie nie były przeznaczone do kultu wewnątrz nich, ludzie pozostawali poza świątynią podczas czynności kultowych. W głębi świątyni, otoczonej z trzech stron dwupoziomowymi kolumnadami, dumnie stał słynny posąg dziewicy Ateny, stworzony przez słynnego Fidiasza. Jej ubranie, hełm i tarcza były wykonane z czystego, lśniącego złota, a jej twarz i dłonie lśniły bielą kości słoniowej.
O Partenonie napisano wiele tomów, wśród nich monografie o każdej z jego rzeźb io każdym stopniu stopniowego upadku od czasu, gdy na mocy dekretu Teodozjusza I stał się świątynią chrześcijańską. W XV wieku Turcy zrobili z niego meczet, aw XVII wieku magazyn prochu. Wojna turecko-wenecka z 1687 r. obróciła go w ostateczne ruiny, kiedy trafił w nie pocisk artyleryjski iw jednej chwili dokonał tego, czego wszechogarniający czas nie mógł dokonać przez 2000 lat.
starożytna grecka rzeźba klasyczna
starożytna grecka rzeźba okres klasyki
Mówiąc o sztuce starożytnych cywilizacji, przede wszystkim pamiętamy i studiujemy sztukę starożytnej Grecji, a w szczególności jej rzeźbę. Naprawdę w tym małym, pięknym kraju ten rodzaj sztuki urósł do takiego poziomu, że do dziś jest uważany za standard na całym świecie. Badanie rzeźb starożytnej Grecji pozwala lepiej zrozumieć światopogląd Greków, ich filozofię, ideały i aspiracje. W rzeźbie, jak nigdzie indziej, przejawia się stosunek do człowieka, który w starożytnej Grecji był miarą wszechrzeczy. To właśnie rzeźba daje nam możliwość oceny religijnych, filozoficznych i estetycznych idei starożytnych Greków. Wszystko to pozwala lepiej zrozumieć przyczyny takiego wzlotu, rozwoju i upadku tej cywilizacji.
Rozwój starożytna grecka cywilizacja dzieli się na kilka etapów - epok. Najpierw pokrótce opowiem o epoce archaicznej, ponieważ poprzedzała epokę klasyczną i „nadała ton” rzeźbie.
Okres archaiczny to początek, powstanie starożytnych rzeźba grecka. Era ta została również podzielona na wczesną archaiczną (650 - 580 p.n.e.), wysoką (580 - 530 p.n.e.) i późną (530 - 480 p.n.e.). Rzeźba - była ucieleśnieniem idealnej osoby. Wychwalała jego piękno, doskonałość fizyczną. Wczesne pojedyncze rzeźby reprezentowane są przez dwa główne typy: wizerunek nagiego młodzieńca - kurosa oraz postać dziewczyny ubranej w długą, obcisłą tunikę - kora.
Rzeźba z tej epoki była bardzo podobna do egipskiej. I nie jest to zaskakujące: Grecy, zapoznając się z kulturą egipską i kulturami innych krajów starożytnego Wschodu, dużo pożyczyli, aw innych przypadkach znaleźli z nimi podobieństwa. W rzeźbie zaobserwowano pewne kanony, były więc bardzo geometryczne i statyczne: człowiek robi krok do przodu, jego ramiona są wyprostowane, a ręce opuszczone wzdłuż ciała, na ustach zawsze igra głupi uśmiech. Dodatkowo namalowano rzeźby: złote włosy, niebieskie oczy, różowe policzki.
Na początku epoki klasycznej kanony te nadal obowiązują, później jednak autor zaczyna odchodzić od statyki, rzeźba nabiera charakteru, często dochodzi do zdarzenia, do akcji.
Rzeźba klasyczna to druga epoka rozwoju kultury starożytnej Grecji. Dzieli się również na etapy: styl wczesnoklasyczny lub ścisły (490 - 450 pne), wysoki (450 - 420 pne), styl bogaty (420 - 390 pne), późny klasyk (390 - ok. 320 pne).
W dobie wczesnej klasyki następuje swego rodzaju przemyślenie życia. Rzeźba nabiera bohaterskiego charakteru. Sztuka wyzwala się z tych sztywnych granic, które ją krępowały w epoce archaicznej, to czas poszukiwania nowego, intensywnego rozwoju różnych szkół i nurtów, tworzenia dzieł heterogenicznych. Dwa typy figur - kuros i kore - są zastępowane znacznie większą różnorodnością typów; rzeźby mają tendencję do przekazywania złożonego ruchu ludzkiego ciała.
Wszystko to dzieje się na tle wojny z Persami i to ta wojna tak bardzo zmieniła myślenie starożytnych Greków. Centra kulturalne zostały przesunięte i obecnie są to miasta Ateny, Północny Peloponez i grecki Zachód. Do tego czasu dotarła Grecja najwyższy punkt wzrost gospodarczy, polityczny i kulturalny. Ateny zajęły czołowe miejsce w związku miast greckich. Społeczeństwo greckie było demokratyczne, zbudowane na zasadach równej działalności. Wszyscy mężczyźni zamieszkujący Ateny, z wyjątkiem niewolników, byli równymi obywatelami. I wszyscy mieli prawo do głosowania i mogli być wybierani na dowolne urzędy publiczne. Grecy byli w harmonii z naturą i nie tłumili swoich naturalnych aspiracji. Wszystko, co zrobili Grecy, było własnością ludu. Posągi stały w świątyniach i na placach, na palestrach i na brzegu morza. Były obecne na frontonach, w dekoracjach świątyń. Podobnie jak w epoce archaicznej rzeźby były malowane.
Niestety rzeźba grecka spłynęła do nas głównie we fragmentach. Chociaż według Plutarcha w Atenach było więcej posągów niż żywych ludzi. Wiele posągów spłynęło do nas w rzymskich kopiach. Ale są bardzo prymitywne w porównaniu z greckimi oryginałami.
Jednym z najsłynniejszych rzeźbiarzy wczesnych klasyków jest Pitagoras Rhegius. Niewiele jego dzieł dotarło do nas, a jego prace znane są jedynie z odniesień do starożytnych autorów. Pitagoras zasłynął realistycznym przedstawieniem ludzkich żył, żył i włosów. Zachowało się kilka rzymskich kopii jego rzeźb: „Chłopiec wyciągający drzazgę”, „Hiacynt” itp. Ponadto przypisuje mu się słynną statuę z brązu „Woźnica” znalezioną w Delfach. Pitagoras Regius stworzył kilka brązowych statuetek zwycięzców olimpijskich i delfickich. I jest właścicielem posągów Apolla - zabójcy Pythona, Porwania Europy, Eteoklesa, Polinejusza i Zranionego Filokteta.
Wiadomo, że Pitagoras Regius był współczesnym i rywalem Myrona. To kolejny słynny rzeźbiarz tamtych czasów. I zasłynął jako największy realista i znawca anatomii. Ale przy tym wszystkim Miron nie wiedział, jak nadać twarzom swoich prac życie i wyraz. Miron stworzył posągi sportowców - zwycięzców konkursów, reprodukowane sławni bohaterowie, bogów i zwierząt, zwłaszcza gdy przedstawiał trudne pozy, które wyglądały bardzo realistycznie.
Najlepszym przykładem takiej rzeźby jest światowej sławy Discobolus. Wspominają również starożytni pisarze słynna rzeźba Marcia z Ateną. Ta słynna grupa rzeźbiarska dotarła do nas w kilku egzemplarzach. Oprócz ludzi Myron przedstawiał także zwierzęta, szczególnie znany jest jego wizerunek „Krowy”.
Myron pracował głównie w brązie, jego prace nie zachowały się i znane są ze świadectw starożytnych autorów i kopii rzymskich. Był też mistrzem toreutyki - wykonywał metalowe kielichy z płaskorzeźbami.
Innym znanym rzeźbiarzem tego okresu jest Kalamid. Wykonywał rzeźby z marmuru, brązu i chryselefantyny, przedstawiał głównie bogów, kobiece postacie bohaterskie i konie. Sztukę Calamisa można ocenić na podstawie kopii późniejszego czasu, który przyszedł do nas z posągiem Hermesa niosącego barana, którego zabił dla Tanagry. Postać samego boga wykonana jest w stylu archaicznym, z charakterystyczną dla tego stylu bezruchem postawy i symetrią ułożenia członów; ale baran niesiony przez Hermesa wyróżnia się już pewną żywotnością.
Ponadto zabytki starożytnej rzeźby greckiej z wczesnych klasyków obejmują frontony i metopy świątyni Zeusa w Olimpii. Innym znaczącym dziełem wczesnych klasyków jest tzw. Tron Ludovisi. Jest to trójboczny marmurowy ołtarz przedstawiający narodziny Afrodyty, po bokach ołtarza znajdują się hetery i panny młode, symbolizujące różne hipostazy miłości lub obrazy służenia bogini.
Wysoka klasyka jest reprezentowana przez imiona Fidiasza i Polikleta. Jej krótkotrwały rozkwit wiąże się z pracami na ateńskim Akropolu, czyli z rzeźbiarską dekoracją Partenonu. Szczytem starożytnej greckiej rzeźby były najwyraźniej posągi Ateny Partenos i Zeusa Olimpu autorstwa Fidiasza.
Fidiasz jest jednym z najlepszych przedstawicieli stylu klasycznego, ao jego znaczeniu wystarczy powiedzieć, że uważany jest za założyciela sztuka europejska. Kierowana przez niego attycka szkoła rzeźbiarska zajęła czołowe miejsce w sztuce klasycystycznej.
Fidiasz posiadał wiedzę na temat osiągnięć optyki. Zachowała się opowieść o jego rywalizacji z Alkamenem: obydwa zostały zamówione posągi Ateny, które miały stanąć na wysokich kolumnach. Fidiasz wykonał swój posąg zgodnie z wysokością kolumny - na ziemi wydawał się brzydki i nieproporcjonalny. Szyja bogini była bardzo długa. Kiedy oba posągi zostały wzniesione na wysokich cokołach, poprawność Fidiasza stała się oczywista. Zwracają uwagę na wielką umiejętność Fidiasza w interpretacji strojów, w której przewyższa on zarówno Myrona, jak i Polikleitosa.
Większość jego dzieł nie zachowała się, możemy je ocenić jedynie z opisów starożytnych autorów i kopii. Jednak jego sława była kolosalna. A było ich tak dużo, że zostało już dużo. Bardzo znane prace Fidias - Zeus i Atena Parthenos zostały wykonane w technice chryzoelefantyny - złota i kości słoniowej.
Wysokość posągu Zeusa wraz z cokołem według różnych źródeł wynosiła od 12 do 17 metrów. Oczy Zeusa były wielkości pięści dorosłego mężczyzny. Peleryna okrywająca część ciała Zeusa, w lewej ręce berło z orłem, w prawej figura bogini Nike oraz wieniec na głowie wykonane są ze złota. Zeus siedzi na tronie, na nogach tronu przedstawione są cztery tańczące Nike. Przedstawiono także: centaury, lapity, wyczyny Tezeusza i Herkulesa, freski ukazujące bitwę Greków z Amazonkami.
Atena Partenon była, podobnie jak posąg Zeusa, ogromna i wykonana w technice chryzoelefantyny. Tylko bogini, w przeciwieństwie do swojego ojca, nie zasiadała na tronie, ale stała na pełną wysokość. „Sama Atena jest zrobiona z kości słoniowej i złota… Posąg przedstawia ją w pełni rozwiniętą, w tunice do samych podeszew stóp, ma głowę Meduzy wykonaną z kości słoniowej na piersi, w ręku trzyma obraz Nike około czterech łokci, aw jej drugiej ręce - włócznię. U jej stóp leży tarcza, a w pobliżu włóczni jest wąż; ten wąż to prawdopodobnie Erichtonius. (Opis Hellady, XXIV, 7).
Hełm bogini posiadał trzy herby: środkowy ze sfinksem, boczne z gryfami. Według Pliniusza Starszego na zewnętrznej stronie tarczy wybito bitwę z Amazonkami, od wewnątrz walkę bogów z gigantami, a na sandałach Ateny umieszczono wizerunek centauromachii. Podstawa została ozdobiona historią Pandory. Chiton bogini, jej tarcza, sandały, hełm i biżuteria są wykonane ze złota.
Na marmurowych kopiach ręka bogini z Niką wsparta jest na filarze, to, czy istniała w oryginale, jest przedmiotem licznych sporów. Nika wydaje się malutka, w rzeczywistości miała 2 metry wzrostu.
Atena Promachos - kolosalny wizerunek bogini Ateny wymachującej włócznią na ateńskim Akropolu. Wzniesiony na pamiątkę zwycięstw nad Persami. Jego wysokość sięgała 18,5 metra i górowała nad wszystkimi okolicznymi budynkami, z daleka błyszcząc nad miastem. Niestety ta bogini z brązu nie przetrwała do dziś. A wiemy o tym tylko ze źródeł kronikowych.
Atena Lemnia – znana nam również z odpisów rzeźba z brązu bogini Ateny, stworzona przez Fidiasza. Jest to posąg z brązu przedstawiający boginię opartą na włóczni. Nazwany - od wyspy Lemnos, dla mieszkańców której został wykonany.
Ranna Amazonka, druga statuetka w słynnym konkursie rzeźbiarskim na Świątynię Artemidy w Efezie. Oprócz powyższych rzeźb Fidiaszowi przypisuje się również inne, zgodnie z podobieństwami stylistycznymi: posąg Demeter, posąg Kore, płaskorzeźbę z Eleusis, Anadumena (młody mężczyzna owijający głowę bandażem), Hermes Ludovisi, Tyber Apollo, Kassel Apollo.
Mimo talentu, a raczej boskiego daru Fidiasza, jego stosunki z mieszkańcami Aten wcale nie były ciepłe. Jak pisze Plutarch, Fidiasz w swoim Żywocie Peryklesa był głównym doradcą i asystentem Peryklesa (ateńskiego polityka, słynnego mówcy i dowódcy).
„Ponieważ był przyjacielem Peryklesa i cieszył się z nim wielkim autorytetem, miał wielu osobistych wrogów i zazdrosnych ludzi. Przekonali jednego z asystentów Fidiasza, Menona, by zadenuncjował Fidiasza i oskarżył go o kradzież. Fidiaszowi ciążyła zazdrość o chwałę jego dzieł… Analizując jego sprawę w Zgromadzeniu Narodowym, nie było dowodów kradzieży. Ale Fidiasz został wysłany do więzienia i tam zmarł z powodu choroby.
Polikleitos Starszy - starożytny grecki rzeźbiarz i teoretyk sztuki, współczesny Fidiaszowi. W przeciwieństwie do Fidiasza nie był tak duży. Jego rzeźba ma jednak pewien charakter: Policlet lubił przedstawiać sportowców w stanie spoczynku, specjalizował się w przedstawianiu sportowców, zwycięzców olimpijskich. Jako pierwszy wpadł na pomysł nadania figurom takiego stwierdzenia, że spoczywały one na dolnej części tylko jednej nogi. Polikleitos umiał pokazać ludzkie ciało w stanie równowagi – jego postać ludzka w spoczynku lub wolnym tempie wydaje się poruszać i ożywić. Przykładem tego jest słynny posąg Polikleita „Dorifora” (włócznika). To w tej pracy ucieleśnione są idee Polikleta o idealnych proporcjach ludzkiego ciała, które są ze sobą w stosunku liczbowym. Wierzono, że figura została stworzona na podstawie przepisów pitagoreizmu, dlatego w czasach starożytnych posąg Doryforosa był często nazywany „kanonem Polikleta”. Formy tego posągu powtarzają się w większości prac rzeźbiarza i jego szkoły. Odległość od brody do czubka głowy w posągach Polikleta to jedna siódma, odległość od oczu do podbródka to jedna szesnasta, a wysokość twarzy to jedna dziesiąta całej sylwetki. Polykleitos jest silnie związany z tradycją pitagorejską. „Kanon Polikleta” – traktat teoretyczny rzeźbiarza, stworzony przez Polikleta dla innych artystów, aby z niego korzystali. Istotnie, Kanon Polikleta wywarł wielki wpływ na kulturę europejską, mimo że zachowały się tylko dwa fragmenty pracy teoretycznej, informacje o nim są fragmentaryczne, a podstawa matematyczna nie została jeszcze ostatecznie wydedukowana.
Oprócz włócznika znane są również inne dzieła rzeźbiarza: „Diadumen” („Młody człowiek wiążący bandaż”), „Rana Amazonka”, kolosalna statua Hery w Argos. Został wykonany w technice chryzoelefantyny i był postrzegany jako pandan dla olimpijskiego Zeusa Fidiasa „Discophorus” („Młody człowiek trzymający dysk”). Niestety rzeźby te przetrwały tylko w starożytnych kopiach rzymskich.
Na etapie „Styl bogaty” znamy nazwiska takich rzeźbiarzy jak Alkamen, Agoracritus, Callimachus itp.
Alkamen, grecki rzeźbiarz, uczeń, rywal i następca Fidiasza. Uważano, że Alkamen nie ustępował Fidiaszowi, a po śmierci tego ostatniego stał się czołowym rzeźbiarzem w Atenach. Jego Hermes w formie hermy (filar zwieńczony głową Hermesa) znany jest w wielu kopiach. Nieopodal, w pobliżu świątyni Ateny Nike, znajdował się posąg Hekate, który składał się z trzech postaci połączonych plecami. Na akropolu w Atenach odnaleziono także grupę należącą do Alkamen - Proknę, która wzniosła nóż nad swoim synem Itisem, szukającym ratunku w fałdach jej ubrania. W sanktuarium na zboczu Akropolu znajdował się posąg siedzącego Dionizosa należącego do Alkamena. Alkamenes stworzył także posąg Aresa do świątyni na agorze oraz posąg Hefajstosa do świątyni Hefajstosa i Ateny.
Alkamen pokonał Agoracritusa w konkursie na posąg Afrodyty. Jednak jeszcze bardziej znana jest Afrodyta siedząca w Ogrodach, u północnych podnóży Akropolu. Jest przedstawiana na wielu czerwonofigurowych wazonach na Attyce, otoczonych przez Erosa, Peito i inne ucieleśnienia szczęścia, jakie niesie miłość. Często powtarzana przez starożytnych kopistów głowa, zwana „Sappho”, została prawdopodobnie skopiowana z tego posągu. Ostatni kawałek Alkamene to kolosalna płaskorzeźba z Herkulesem i Ateną. Jest prawdopodobne, że Alkamen zmarł wkrótce potem.
Agorakrit był także uczniem Fidiasza i, jak mówią, ulubieńcem. On, podobnie jak Alkamen, brał udział w tworzeniu fryzu Partenonu. Dwa najbardziej znane dzieła Agorakrytusa to kultowy posąg bogini Nemezis (przerobiony po pojedynku z Alkamen Ateną), podarowany świątyni Ramnos oraz posąg Matki Boskiej w Atenach (przypisywany czasami Fidiaszowi). Spośród dzieł wymienionych przez starożytnych autorów do Agorakryta niewątpliwie należały jedynie posągi Zeusa-Hadesa i Ateny w Koronei. Z jego dzieł zachowała się tylko część głowy kolosalnego posągu Nemezis oraz fragmenty płaskorzeźb zdobiących podstawę tego posągu. Według Pauzaniasza młoda Helena (córka Nemezis) została przedstawiona na podstawie z Ledą, która ją opiekowała, jej mężem Menelaosem i innymi krewnymi Heleny i Menelaosa.
Ogólny charakter rzeźby późny klasyk uwarunkowany rozwojem realistycznych tendencji.
Skopas jest jednym z najważniejszych rzeźbiarzy tego okresu. Skopas, podtrzymywanie tradycji sztuka monumentalna wysoka klasyka, nasyca swoje dzieła dramaturgią, ujawnia złożone uczucia i doświadczenia człowieka. Bohaterowie Scopas nadal ucieleśniają doskonałe cechy silnych i walecznych ludzi. Skopas wprowadza jednak do sztuki rzeźbiarskiej tematy cierpienia, wewnętrznego załamania. Są to wizerunki rannych żołnierzy z frontonów świątyni Ateny Alei w Tegei. Plastyczność, ostra, niespokojna gra światłocienia podkreśla dramaturgię tego, co się dzieje.
Skopas wolał pracować w marmurze, prawie porzucając ulubiony materiał wysokiej klasyki - brąz. Marmur umożliwił oddanie subtelnej gry światła i cienia, różnych kontrastów fakturalnych. Jego Maenada (Bachantka), zachowana w niewielkim zniszczonym, antycznym egzemplarzu, ucieleśnia wizerunek człowieka ogarniętego burzliwym wybuchem namiętności. Taniec Maenady jest szybki, głowa odrzucona do tyłu, włosy opadają ciężką falą na ramiona. Ruch zakrzywionych fałd jej tuniki podkreśla porywczy impuls ciała.
Obrazy Skopasa są albo głęboko zamyślone, jak młody człowiek z nagrobka rzeki Ilissus, albo żywe i pełne pasji.
W oryginale zachował się fryz z mauzoleum w Halikarnasie, przedstawiający walkę Greków z Amazonkami.
Wpływ sztuki Skopasa na dalszy rozwój greckiej sztuki plastycznej był ogromny i można go porównać jedynie z wpływem sztuki jego współczesnych Praksytelesów.
W swojej twórczości Praksyteles odwołuje się do obrazów przepojonych duchem czystej i czystej harmonii, spokojnej zadumy, pogodnej kontemplacji. Praksyteles i Skopas uzupełniają się, ukazując różne stany i uczucia człowieka, jego wewnętrzny świat.
Ukazując harmonijnie rozwiniętych, pięknych bohaterów, Praksyteles ujawnia także związki ze sztuką wysokiej klasyki, ale jego obrazy tracą heroizm i monumentalną wielkość dzieł okresu świetności, nabierają bardziej wyrafinowanego lirycznie i kontemplacyjnego charakteru.
Mistrzostwo Praksytelesa najpełniej ujawnia się w marmurowej grupie „Hermes z Dionizosem”. Pełen wdzięku krąg sylwetki, zrelaksowana postawa odpoczynku młodego smukłego ciała, piękna, duchowa twarz Hermesa są oddane z wielką wprawą.
Praksyteles stworzył nowy ideał kobiece piękno, uosabiając go w obrazie Afrodyty, która jest przedstawiona w momencie, gdy po zdjęciu ubrania ma wejść do wody. Choć rzeźba przeznaczona była do celów kultowych, wizerunek pięknej nagiej bogini został uwolniony od uroczystego majestatu. „Afrodyta z Knidos” spowodowała w kolejnych czasach wiele powtórzeń, ale żadne z nich nie mogło się równać z oryginałem.
Rzeźba „Apollo Saurocton” to wizerunek pełnego wdzięku nastoletniego chłopca, który celuje w jaszczurkę biegnącą po pniu drzewa. Praksyteles ponownie myśli obrazy mitologiczne, pojawiają się w nich funkcje Życie codzienne, elementy gatunkowe.
Jeśli w sztuce Skopasa i Praksytelesa istnieją jeszcze namacalne związki z zasadami sztuki wysokich klasyków, to w kultura artystyczna, ostatnia tercja IV w. pne np. te więzi coraz bardziej słabną.
Macedonia nabiera wielkiego znaczenia w życiu społeczno-politycznym starożytnego świata. Podobnie jak wojna z Persami zmieniła i na nowo przemyślała kulturę Grecji na początku V wieku. pne mi. Po zwycięskich kampaniach Aleksandra Wielkiego i jego podboju polityki greckiej, a następnie rozpoczynają się rozległe terytoria Azji, które stały się częścią państwa macedońskiego Nowa scena w rozwoju starożytnego społeczeństwa - okres hellenizmu. Okres przejściowy od późnej klasyki do samego okresu hellenistycznego wyróżnia się osobliwymi cechami.
Lysippus jest ostatnim wielkim mistrzem późnej klasyki. Jego praca rozwija się w latach 40-30. V wiek pne e., za panowania Aleksandra Wielkiego. W sztuce Lizypa, a także w twórczości jego wielkich poprzedników rozwiązano zadanie ujawniania ludzkich doświadczeń. Zaczął wprowadzać wyraźniej wyrażone cechy wieku, zawodu. Nowością w twórczości Lysippusa jest jego zainteresowanie charakterystyczną ekspresją w człowieku, a także rozszerzeniem malarskich możliwości rzeźby.
Lysippus ucieleśniał swoje rozumienie obrazu mężczyzny w rzeźbie młodego mężczyzny, który po zawodach oczyszcza się skrobaczką z piasku - „Apoxiomen”, którego przedstawia nie w chwili wysiłku, ale w stanie zmęczenia. Smukła sylwetka sportowiec ukazany jest w złożonym zwrocie, który zmusza widza do obejścia rzeźby. Ruch jest swobodnie rozmieszczany w przestrzeni. Twarz wyraża znużenie, głęboko osadzone cieniste oczy patrzą w dal.
Lysippus umiejętnie przekazuje przejście od stanu spoczynku do działania i odwrotnie. To jest wizerunek odpoczywającego Hermesa.
Ogromne znaczenie dla opracowania portretu miała praca Lysippusa. W stworzonych przez niego portretach Aleksandra Wielkiego ujawnia się głębokie zainteresowanie odsłanianiem duchowego świata bohatera. Najbardziej niezwykła jest marmurowa głowa Aleksandra, która oddaje jego złożoną, sprzeczną naturę.
Sztuka Lysipposa zajmuje pogranicze na przełomie epok klasycznych i hellenistycznych. Nadal jest wierny klasycznym koncepcjom, ale już podważa je od wewnątrz, tworząc grunt pod przejście do czegoś innego, bardziej zrelaksowanego i bardziej prozaicznego. W tym sensie głowa bojownika na pięści nie należy do Lysippusa, ale być może do jego brata Lizystratusa, który był również rzeźbiarzem i, jak mówią, był pierwszym, który używał masek zdjętych z twarzy modela. portrety (co było szeroko rozpowszechnione w Starożytny Egipt, ale całkowicie obcej sztuce greckiej). Możliwe, że głowa pięściarza również została wykonana za pomocą maski; daleko mu do kanonu i ideału doskonałości fizycznej, którą Hellenowie ucieleśniali w postaci sportowca. Ten zwycięzca walki na pięści nie jest niczym półbóg, tylko artystą estradowym dla bezczynnego tłumu. Jego twarz jest szorstka, nos spłaszczony, uszy spuchnięte. Ten rodzaj „naturalistycznych” obrazów rozpowszechnił się później w hellenizmie; Jeszcze bardziej brzydkiego wojownika na pięści wyrzeźbił attycki rzeźbiarz Apoloniusz już w I wieku p.n.e. mi.
To, co wcześniej rzucało cień na jasną strukturę światopoglądu helleńskiego, pojawiło się pod koniec IV wieku p.n.e. e.: rozkład i śmierć polityki demokratycznej. Początkiem tego było powstanie Macedonii, północnego regionu Grecji, i faktyczne zdobycie wszystkich państw greckich przez macedońskiego króla Filipa II.
Aleksander Wielki w młodości kosztował owoców najwyższej kultury greckiej. Jego nauczycielem był wielki filozof Arystoteles, malarze dworscy - Lysippos i Apelles. Nie przeszkodziło mu to, po zdobyciu państwa perskiego i objęciu tronu egipskich faraonów, ogłosić się bogiem i zażądać oddania mu i Grecji boskich zaszczytów. Nieprzyzwyczajeni do wschodnich obyczajów Grecy, chichocząc, mówili: „No cóż, jeśli Aleksander chce być bogiem, niech nim będzie” – i oficjalnie uznali go za syna Zeusa. Jednak demokracja grecka, na której wyrosła jej kultura, umarła za Aleksandra i nie odrodziła się po jego śmierci. Nowo powstałe państwo nie było już greckie, lecz grecko-wschodnie. Nadeszła era hellenizmu - zjednoczenia pod auspicjami monarchii kultury helleńskiej i wschodniej.
Etapy rozwoju starożytnej rzeźby greckiej:
Archaiczny
Klasyczny
hellenizm
SZCZEKAĆ(z greckiego kore - dziewczyna),
SZCZEKAĆ(z greckiego kore - dziewczyna),
1) wśród starożytnych Greków kultowe imię bogini Persefony.
2) W starożytnej sztuce greckiej posąg wyprostowanej dziewczyny w długich szatach.
KOUROS- w sztuce starożytnej Grecji archaicznej
- pomnik młodego sportowca (zwykle nagiego).
Kuros
Rzeźby kouros
Wysokość posągu do 3 metrów;
Ucieleśniał ideał męskiej urody,
siła i zdrowie;
Postać wyprostowanego młodzieńca z
noga do przodu, ręce zaciśnięte
w pięści i rozciągnięte wzdłuż ciała.
Twarzom brakuje indywidualności;
Wystawiana w miejscach publicznych
blisko świątyń;
Szczekać
Rzeźby
Ucieleśnione wyrafinowanie i wyrafinowanie;
Pozycje są monotonne i statyczne;
Chitony i peleryny z pięknymi wzorami od
równoległe faliste linie i granica wzdłuż
krawędzie;
Włosy zwinięte w loki i przechwycone
diademy.
Na twarzy tajemniczego uśmiechu
1. Hymn o wielkości i duchowej mocy człowieka;
2. Ulubiony obraz - smukły młody człowiek o atletycznej sylwetce;
3. Duchowy i fizyczny wygląd są harmonijne, nie ma nic zbędnego, „nic ponad miarę”.
Rzeźbiarz Polikleitos. Doryfor (5 wpne)
skrzyżowanie,
w obrazowym
obraz sztuki
stojący człowiek
dane liczbowe na podstawie
jedna noga: w tym przypadku, jeśli
prawe ramię podniesione
prawe udo opada i
nawzajem.
Idealne proporcje ludzkiego ciała:
Głowa ma 1/7 całkowitej wysokości;
Twarz i dłonie 1/10 części
Stopa - 1/6 części
Rzeźbiarz Miron. Miotacz dyskietek. (5 wpne)
Pierwsza próba greckiej rzeźby przełamania niewoli bezruchu. Ruch przekazywany jest tylko przy rozważaniu sylwetki z przodu. Patrząc z boku, postawa sportowca jest postrzegana jako nieco dziwna, a wyraz ruchu jest odgadywany z wielkim trudem.
IV wiek PNE.
IV wiek PNE.
1. Dążył do przeniesienia energicznego działania;
2. Przekazali uczucia i doświadczenia osoby:
- pasja
- smutek
- marzenia
- zakochiwać się
- Furia
- rozpacz
- cierpienie
- smutek
Skopas (420-355 pne)
Skopas.
Bachantka. IV w. PNE. Skopas.
Głowa rannego wojownika.
Skopas.
Skopas.
Bitwa Greków z Amazonkami .
Płaskorzeźba z Mauzoleum w Halikarnasie.
Praksyteles (390 -330 pne)
Wszedł do historii rzeźby jako
inspirująca piosenkarka urody.
Według legendy Praksyteles stworzył dwa
posągi Afrodyty, przedstawiające na jednym
jeden z nich ubrana bogini, a w drugim -
nagi. Afrodyta w ubraniach
nabyte przez mieszkańców wyspy Kos, oraz
Akt został zamontowany na
jeden z głównych placów wyspy
Knidos, skąd ze wszystkich części Grecji
fani zaczęli się gromadzić
słynne dzieło rzeźbiarza,
uwydatniając chwałę miasta.
Lysippos.
Lysippos.
Szef Aleksandra
Macedoński Około 330 p.n.e.
Lysippos.
Lysippos.
„Odpoczynek Hermes”.
II poł. IV w. pne mi.
Leohar
Leohar.
„Apollo Belvedere”.
Poł. IV w. pne mi.
HELLENIZM
HELLENIZM, okres w dziejach krajów wschodniego basenu Morza Śródziemnego od czasów kampanii Aleksandra Wielkiego (334-323 p.n.e.) do podboju tych krajów przez Rzym, który zakończył się w 30 p.n.e. mi. zniewolenie Egiptu.
W rzeźbie:
1. Podniecenie i napięcie twarzy;
2. Wir uczuć i doświadczeń w obrazach;
3. Senność obrazów;
4. Harmoniczna doskonałość i powaga
Nike z Samotraki. Początek II w. PNE. Luwr, Paryż
W godzinie mojego nocnego delirium
Pojawiasz się przed moimi oczami
Zwycięstwo Samotraki
Z wyciągniętymi rękami.
Przerażająca cisza nocy,
Powoduje zawroty głowy
Twój skrzydlaty, ślepy,
Niepowstrzymane pragnienie.
W twoim szalenie jasnym
Popatrz
Coś się śmieje, płonie,
A nasze cienie pędzą od tyłu
Nie będąc w stanie ich dogonić.
Agesander. Wenus (Afrodyta) z Milo. 120 pne Marmur.
Agesander. „Śmierć Laokoona i jego synów”. Marmur. Około 50 p.n.e. mi.
Krzyżówka
Poziomo : 1. Osoba stojąca na czele monarchii (ogólna nazwa królów, królów, cesarzy itp.). 2. W mitologii greckiej: tytan trzymający sklepienie nieba na ramionach jako karę za walkę z bogami. 3. Własne imię Greka. 4. Starożytny grecki rzeźbiarz, autor „Głowy Ateny”, posągu Ateny w Partenonie. 5. Rysunek lub wzór wielobarwnych kamyków lub kawałków szkła połączonych ze sobą. 6. W mitologii greckiej: bóg ognia, patron kowali. 7. Rynek w Atenach. 8. W mitologii greckiej: bóg uprawy winorośli i winiarstwa. 9. Starożytny grecki poeta, autor wierszy „Iliada” i „Odyseja”. 10. „Miejsce na spektakle”, gdzie wystawiano tragedie i komedie.
Pionowo : 11. Osoba z darem mówienia. 12. Półwysep na południowym wschodzie Grecji Środkowej, terytorium państwa ateńskiego. 13. W mitologii greckiej: morskie stworzenia w postaci ptaka z kobiecą głową, wabiące śpiewem żeglarzy. czternaście. Główna praca Herodot. 15. W starożytna mitologia grecka: jednooki olbrzym. 16. Rysowanie farbami na mokrym tynku. 17. Starożytny grecki bóg handlu. 18. Autor rzeźby „Wenus z Milo”? 19. Autor rzeźby „Apollo Belvedere”.
Sztuka starożytnej Grecji stała się podporą i fundamentem, na którym całość cywilizacja europejska. Rzeźba starożytnej Grecji to temat szczególny. Bez rzeźby antycznej nie byłoby genialnych arcydzieł renesansu i trudno sobie wyobrazić dalszy rozwój tej sztuki. W historii rozwoju greckiej rzeźby antycznej można wyróżnić trzy główne etapy: archaiczny, klasyczny i hellenistyczny. Każdy ma w sobie coś ważnego i wyjątkowego. Rozważmy każdy z nich.
sztuka archaiczna. Cechy charakterystyczne: 1) statyczna pozycja frontalna postaci, przypominająca rzeźbę starożytnego Egiptu: ręce opuszczone, jedna noga do przodu; 2) Rzeźba przedstawia młodych mężczyzn ("kuros") i dziewczęta ("koros"), na ich twarzach spokojny uśmiech (archaiczny); 3) Kouros przedstawiano nago, kora zawsze była ubrana, a rzeźby malowane; 4) Mistrzostwo w obrazowaniu kosmyków włosów, w późniejsze rzeźby- fałdy draperii na postaciach kobiecych.
Okres archaiczny obejmuje trzy wieki - od VIII do VI wieku p.n.e. mi. To okres kształtowania się podstaw rzeźby antycznej, ustanawiania kanonów i tradycji. Okres bardzo warunkowo wyznacza ramy wczesnej sztuki starożytnej. W rzeczywistości początki archaiczności widać już w rzeźbach z IX wieku p.n.e., a wiele śladów archaiczności widać w zabytkach z IV wieku p.n.e. Najwięcej posługiwali się mistrzami wczesnej starożytności inny materiał. Zachowały się rzeźby wykonane z drewna, wapienia, terakoty, bazaltu, marmuru i brązu. Rzeźbę archaiczną można podzielić na dwa zasadnicze elementy: kora (figury kobiece) i kouros (figury męskie). Uśmiech archaiczny to szczególny rodzaj uśmiechu używany przez greckich rzeźbiarzy archaicznych, zwłaszcza w drugiej ćwierci VI wieku. pne mi. , być może po to, by pokazać, że podmiot obrazu żyje. Ten uśmiech jest płaski i wygląda raczej nienaturalnie, choć jest to znak ewolucji sztuki rzeźbiarskiej w kierunku realizmu i jego poszukiwań.
Kore Common, dla prawie wszystkich kobiecych posągów, to kąt. Najczęściej kora pojawia się frontalnie wyprostowana, ramiona są często opuszczone wzdłuż ciała, rzadko skrzyżowane na klatce piersiowej lub trzymające święte atrybuty (włócznia, tarcza, miecz, różdżka, owoc itp.). Na jego twarzy pojawia się archaiczny uśmiech. Proporcje ciała są wystarczająco oddane, pomimo ogólnych schematycznych i uogólnionych obrazów. Wszystkie rzeźby muszą być pomalowane.
Kouros Rzeźby męskie z tego okresu charakteryzują się surową pozą frontalną, często lewą nogą wysuniętą do przodu. Ręce opuszczone wzdłuż ciała, dłonie zaciśnięte w pięści, rzadziej rzeźby z ramionami wyciągniętymi do przodu, jakby składały ofiarę. Kolejnym niezbędnym warunkiem archaicznych męskich posągów jest dokładna symetria ciała. Zewnętrznie rzeźby męskie mają wiele wspólnego z posągami egipskimi, co wskazuje na silny wpływ egipskiej estetyki i tradycji na sztukę starożytną. Wiadomo, że najwcześniejsze kuro były wykonane z drewna, ale nie zachowała się ani jedna drewniana rzeźba. Później Grecy nauczyli się obrabiać kamień, więc wszystkie ocalałe kouroi są wykonane z marmuru.
Sztuka klasyczna. Cechy charakterystyczne: 1) Zakończył poszukiwania sposobu na zobrazowanie poruszającej się postaci ludzkiej, harmonijnej w swoich proporcjach; opracowano pozycję „słupka kontr” – równowagę ruchów części ciała w spoczynku (postać swobodnie stojąca z podparciem na jednej nodze); 2) Rzeźbiarz Poliklet rozwija teorię kontraposty, ilustrując swoją pracę rzeźbami w tej pozycji; 3) W V w. pne mi. osoba jest przedstawiana jako harmonijna, wyidealizowana, z reguły młoda lub w średnim wieku, wyraz twarzy jest spokojny, bez zmarszczek mimicznych i fałdów, ruchy są powściągliwe, harmonijne; 4) W IV w. pne mi. jest większa dynamika, a nawet ostrość plastyki postaci; w obrazach rzeźbiarskich zaczynają ukazywać indywidualne cechy twarzy i ciał; pojawia się rzeźba.
V wiek w historii greckiej rzeźby okresu klasycznego można nazwać „krokiem naprzód”. Rozwój rzeźby starożytnej Grecji w tym okresie wiąże się z nazwami takich sławni mistrzowie jak Myron, Polykleitos i Fidias. W ich kreacjach obrazy stają się bardziej realistyczne, jeśli można powiedzieć nawet „żywe”, zmniejsza się schematyzm charakterystyczny dla archaicznej rzeźby. Ale głównymi „bohaterami” są bogowie i „idealni” ludzie. Większość rzeźb z tej epoki kojarzy się ze starożytną sztuką plastyczną. Arcydzieła klasycznej Grecji wyróżniają się harmonią, idealnymi proporcjami (co świadczy o doskonałej znajomości anatomii człowieka), a także treścią wewnętrzną i dynamiką.
Polikleitos, który pracował w Argos, w drugiej połowie V wieku. pne e, jest wybitnym przedstawicielem szkoły peloponeskiej. Rzeźba okresu klasycznego jest bogata w jego arcydzieła. Był mistrzem rzeźby z brązu i znakomitym teoretykiem sztuki. Poliklet wolał przedstawiać sportowców, w których prości ludzie zawsze widział ideał. Wśród jego dzieł znajdują się posągi „Doryfora” i „Diadumena”. Pierwsza praca to silny wojownik z włócznią, ucieleśnienie spokojnej godności. Drugi to szczupły młodzieniec, z bandażem zwycięzcy konkursów na głowie.
Myron, który żył w połowie V wieku. pne e, jest nam znana z rysunków i kopii rzymskich. Ten genialny mistrz doskonale opanował plastyczność i anatomię, wyraźnie oddawał swobodę ruchów w swoich pracach („Disco Thrower”).
Rzeźbiarz starał się pokazać walkę dwóch przeciwieństw: spokoju wobec Ateny i dzikości wobec Marsjasza.
Fidias to kolejny jasny przedstawiciel rzeźbiarz okresu klasycznego. Jego imię brzmiało jasno w okresie rozkwitu greckiej sztuki klasycznej. Jego najsłynniejszymi rzeźbami były kolosalne posągi Ateny Partenos i Zeusa w Świątyni Olimpijskiej, Ateny Promachos znajdującej się na placu Akropol ateński. Te arcydzieła sztuki są bezpowrotnie stracone. Dopiero opisy i zredukowane kopie rzymskie dają nam nikłe pojęcie o wspaniałości tych monumentalnych rzeźb.
Rzeźba starożytnej Grecji ukazywała fizyczne i wewnętrzne piękno i harmonię człowieka. Już w IV wieku, po podbojach Aleksandra Wielkiego w Grecji, poznano nowe nazwiska utalentowanych rzeźbiarzy. Twórcy tej epoki zaczynają zwracać większą uwagę na stan wewnętrzny człowieka, jego stan psychiczny i emocje.
Słynnym rzeźbiarzem okresu klasycznego był Skopas, który żył w połowie IV wieku p.n.e. Wprowadza innowacje, odsłaniając wewnętrzny świat człowieka, stara się oddać emocje radości, strachu, szczęścia w rzeźbach. Nie bał się eksperymentować i portretował ludzi w różnych skomplikowanych pozach, szukając nowych artystycznych możliwości ukazania na ludzkiej twarzy nowych uczuć (namiętność, złość, wściekłość, strach, smutek). Posąg Maenady jest doskonałym dziełem okrągłej sztuki plastycznej, obecnie zachowała się jego rzymska kopia. Nowym i wieloaspektowym dziełem reliefowym jest Amazonomachia, która zdobi Mauzoleum Halikarnasu w Azji Mniejszej.
Praksyteles był wybitny rzeźbiarz okresu klasycznego, który mieszkał w Atenach około 350 pne. Niestety, do nas trafiła tylko statua Hermesa z Olimpii, ao pozostałych dziełach wiemy tylko z kopii rzymskich. Praksyteles, podobnie jak Skopas, próbował przekazać uczucia ludzi, ale wolał wyrażać bardziej „lekkie” emocje, które były przyjemne dla człowieka. Przeniósł liryczne emocje, senność na rzeźby, wyśpiewał piękno ludzkiego ciała. Rzeźbiarz nie tworzy postaci w ruchu.
Wśród jego prac należy zwrócić uwagę na „Odpoczywający satyr”, „Afrodyta z Cnidos”, „Hermes z niemowlęciem Dionizosem”, „Apollo zabija jaszczurkę”.
Lysippus (druga połowa IV wieku p.n.e.) był jednym z najwybitniejszych rzeźbiarzy okresu klasycznego. Wolał pracować z brązem. Dopiero rzymskie kopie dają nam możliwość zapoznania się z jego twórczością.
Pośród znane prace„Herkules z łanią”, „Apoxiomen”, „Hermes odpoczynek” i „Zapaśnik”. Lysippus dokonuje proporcjonalnych zmian, przedstawia mniejszą głowę, szczuplejsze ciało i dłuższe nogi. Wszystkie jego prace są indywidualne, portret Aleksandra Wielkiego jest również zhumanizowany.
Mała rzeźba w okresie hellenistycznym była powszechna i składała się z postaci ludzi wykonanych z wypalanej gliny (terakoty). Nazywano je terakotami Tanagra, od miejsca ich produkcji, miasta Tanagra w Beocji.
Sztuka hellenistyczna. Cechy charakterystyczne: 1) Utrata harmonii i ruchów okresu klasycznego; 2) Ruchy postaci nabierają wyraźnego dynamizmu; 3) Wizerunki postaci w rzeźbie mają tendencję do przekazywania cech indywidualnych, pragnienia naturalizmu, odstępstwa od harmonizacji natury; 4) W dekoracji rzeźbiarskiej świątyń pozostaje dawny „heroiczny”; 5) Doskonałość w przekazywaniu form, objętości, fałd, „żywotności” natury.
W tamtych czasach rzeźba zdobiła domy prywatne, budynki użyteczności publicznej, skwery, akropolie. Rzeźba hellenistyczna charakteryzuje się odbiciem i ujawnieniem ducha niepokoju i napięcia, pragnieniem przepychu i teatralności, a czasem surowym naturalizmem. Powstała Szkoła Pergamońska zasady artystyczne Skopas z jego zainteresowaniem gwałtownymi przejawami uczuć, przekazywaniem szybkich ruchów. Jedną z wybitnych budowli hellenizmu był monumentalny fryz Ołtarza Pergamońskiego, wzniesiony przez Eumenesa 2 na cześć zwycięstwa nad Galami w 180 roku p.n.e. mi. Jej cokół pokryto fryzem o długości 120 m, wykonanym płaskorzeźbie i przedstawiającym bitwę bogów olimpijskich i zbuntowanych olbrzymów z wężami zamiast nóg.
Odwagę ucieleśniają grupy rzeźbiarskie „Umierający Gal”, „Gal zabijający siebie i swoją żonę”. Wybitna Rzeźba Hellenizm - Afrodyta z Mediolanu Agesandry - półnaga, surowa i niezwykle spokojna.
