L'art des pays arabes est complexe dans ses origines. En Arabie du Sud, elles remontent aux cultures des États sabéens, minéens et himyarites (Ier millénaire avant J.-C. - VIe siècle après J.-C.), associées à la Méditerranée et à l'Orient. Afrique. Des traditions anciennes peuvent être retracées dans l'architecture des maisons en forme de tour de l'Hadramaout et des bâtiments à plusieurs étages du Yémen, dont les façades sont décorées d'un motif en relief coloré. En Syrie, en Mésopotamie, en Égypte et au Maghreb, les styles de l'art arabe médiéval se sont également formés localement, subissant une certaine influence des cultures iraniennes, byzantines et autres.
Architecture. Le principal édifice religieux de l'islam était la mosquée, où les fidèles du prophète se réunissaient pour la prière. Mosquées, composées d'une cour clôturée et d'une colonnade (qui marquait le début des mosquées de type "cour" ou "colonne"), dans la 1ère moitié du VIIe siècle. ont été créés à Bassora (635), Kufa (638) et Fustat (années 40 du 7ème siècle). Le type colonne est resté longtemps le principal dans l'architecture religieuse monumentale des pays arabes (mosquées : Ibn Tulun en Caire, 9e siècle ; Mutawakkil à Samarra, IXe siècle; Hassan à Rabat et Koutoubia à Marrakech, tous deux du XIIe siècle ; Grande mosquée d'Alger, XIe siècle, etc.) et a influencé l'architecture musulmane d'Iran, du Caucase, mer. Asie, Inde. En architecture, des structures en dôme ont également été développées, dont un des premiers exemples est la mosquée octogonale Kubbat As-Sahra à Jérusalem (687-691). À l'avenir, divers édifices religieux et commémoratifs ont été complétés par des dômes, le plus souvent couronnés de mausolées sur les tombes de personnages célèbres.
A partir du 13ème siècle jusqu'au début du XVIe siècle. L'architecture de l'Égypte et de la Syrie était étroitement liée. Une grande fortification est réalisée : citadelles du Caire, d'Alep (Alep), etc. Dans l'architecture monumentale de cette époque, le principe spatial qui dominait l'étape précédente (la cour de la mosquée) fait place à des volumes architecturaux grandioses : sur la surface lisse de puissantes murailles et de grands portails aux niches profondes s'élèvent de hauts tambours portant des dômes. Les bâtiments majestueux du four-aivan sont en cours de construction (voir. Ivan) du type (anciennement connu en Iran) : le maristan (hôpital) de Kalauna (XIIIe siècle) et la mosquée Hassan (XIVe siècle) au Caire, les mosquées et les médersas (écoles spirituelles) à Damas et dans d'autres villes de Syrie. De nombreux mausolées à coupoles sont construits, formant parfois un ensemble pittoresque (cimetière mamelouk au Caire, XV-XVI siècles). Pour décorer les murs à l'extérieur et à l'intérieur, ainsi que la sculpture, l'incrustation de pierre multicolore est largement utilisée. En Irak aux XVe-XVIe siècles. le décor utilise des glaçures colorées et des dorures (mosquées : Musa al-Kadima à Bagdad, Hussein à Karbala, Imam Ali à Najaf).
Il a prospéré aux Xe-XVe siècles. Architecture arabe du Maghreb et d'Espagne. Dans les grandes villes (Rabat, Marrakech, Fès, etc.), des casbahs ont été construites - des citadelles, fortifiées avec des murs puissants avec des portes et des tours, et des médinas - des quartiers commerciaux et artisanaux. Les grandes mosquées à colonnes du Maghreb aux minarets carrés à plusieurs étages se distinguent par l'abondance de nefs entrecroisées, la richesse de l'ornementation sculptée (mosquées de Tlemcen, Taza, etc.) et sont magnifiquement décorées de bois sculpté, de marbre et de mosaïques de pierres multicolores, comme de nombreuses médersas 13-14 siècles au Maroc. En Espagne, outre la mosquée de Cordoue, d'autres monuments remarquables de l'architecture arabe ont été conservés : le minaret de la Giralda, érigé à Séville par l'architecte Jeber en 1184-1196, la porte de Tolède, le palais Alhambraà Grenade - un chef-d'œuvre de l'architecture arabe et de l'art décoratif des XIIIe-XVe siècles. L'architecture arabe a influencé l'architecture romane et gothique de l'Espagne ("style mudéjar"), de la Sicile et d'autres pays méditerranéens.
Arts décoratifs appliqués et beaux-arts. Dans l'art arabe, le principe de la décoration, caractéristique de la pensée artistique du Moyen Âge, était incarné de manière vivante, ce qui a donné naissance à l'ornement le plus riche, particulier à chacune des régions du monde arabe, mais lié par des lois générales de développement. Arabesque, datant de motifs antiques, est créé par les Arabes nouveau genre un modèle dans lequel la rigueur mathématique de la construction se conjugue à la libre imagination artistique. L'ornement épigraphique a également été développé - des inscriptions exécutées calligraphiquement incluses dans le motif décoratif.
L'ornement et la calligraphie, largement utilisés dans la décoration architecturale (gravure sur pierre, bois, frappe), sont également caractéristiques de l'art appliqué, qui a atteint un haut épanouissement et surtout exprime pleinement la spécificité décorative de l'art arabe. La poterie était décorée d'un motif coloré: ustensiles ménagers émaillés en Mésopotamie (centres - Rakka, Samarra); des vases peints de lustres dorés de différentes nuances, fabriqués en Egypte fatimide ; Céramique de lustre hispano-mauresque des XIVe-XVe siècles, qui a eu une grande influence sur l'art appliqué européen. Les tissus de soie à motifs arabes - syriens, égyptiens, maures - jouissaient également d'une renommée mondiale; Les Arabes fabriquaient également des tapis à poils. Les plus belles ciselures, gravures et incrustations d'argent et d'or sont utilisées pour décorer des objets artistiques en bronze (bols, cruches, brûleurs d'encens et autres ustensiles); les produits des XIIe-XIVe siècles se distinguent par un savoir-faire particulier. Mossoul en Irak et quelques centres artisanaux en Syrie. Le verre syrien recouvert de la plus belle peinture émaillée et les produits égyptiens en cristal de roche, en ivoire et en bois coûteux décorés de motifs sculptés exquis étaient célèbres.
L'art dans les pays d'islam s'est développé, interagissant avec la religion de manière complexe. Les mosquées, ainsi que le livre saint du Coran, étaient décorés de motifs géométriques, floraux et épigraphiques. Cependant, l'islam, contrairement au christianisme et au bouddhisme, a refusé de faire un usage intensif des beaux-arts pour promouvoir les idées religieuses. De plus, dans le soi-disant. les hadiths authentiques, légalisés au IXe siècle, contiennent une interdiction de représenter des êtres vivants, et en particulier des humains. Théologiens des XIe-XIIIe siècles (Ghazali et d'autres) ces images ont été déclarées le péché le plus grave. Cependant, les artistes de tout le Moyen Âge ont représenté des personnages et des animaux, des scènes réelles et mythologiques. Aux premiers siècles de l'Islam, alors que la théologie n'avait pas encore développé ses canons esthétiques, l'abondance de peintures et sculptures réalistes dans l'interprétation des peintures et sculptures des palais des Omeyyades témoignait de la force des traditions artistiques préislamiques. À l'avenir, la représentation dans l'art arabe s'explique par la présence de vues esthétiques essentiellement anticléricales. Par exemple, dans les "Messages des Frères de la Pureté" (Xe siècle), l'art des artistes est défini "comme l'imitation des images d'objets existants, artificiels et naturels, humains et animaux".
Mosquée de Damas. 8e s. Intérieur. République arabe syrienne.
Mausolées du cimetière mamelouk près du Caire. 15 - mendier. 16e siècles République arabe unie.
La peinture Les beaux-arts ont prospéré en Égypte aux Xe-XIIe siècles: des images de personnes et des scènes de genre ornaient les murs des bâtiments de la ville de Fustat, des plats et des vases en céramique (maître Saad et autres), tissés dans le motif d'os et de bois la sculpture (panneau du XIe siècle du palais fatimide du Caire, etc.), ainsi que les tissus de lin et de soie ; Des récipients en bronze ont été fabriqués sous la forme de figures d'animaux et d'oiseaux. Des phénomènes similaires se sont produits dans l'art de la Syrie et de la Mésopotamie aux Xe-XIVe siècles: la cour et d'autres scènes sont incluses dans l'ornement exquis ciselé d'objets en bronze avec incrustation, dans le modèle de peintures sur verre et céramique.
Le beau début était moins développé dans l'art de l'Occident arabe. Cependant, des sculptures décoratives en forme d'animaux, des motifs avec des motifs de créatures vivantes, ainsi que des miniatures ont également été créés ici (manuscrit "L'histoire de Bayad et Riyad", XIIIe siècle, Bibliothèque du Vatican). L'art arabe dans son ensemble était un phénomène brillant et original dans l'histoire de la culture artistique mondiale du Moyen Âge. Son influence s'étendit à l'ensemble du monde musulman et dépassa largement ses frontières.
4. L'architecture comme forme d'art
L'architecture est l'un des types d'art les plus anciens, exprimant dans les bâtiments religieux et publics la vision du monde des gens à une époque historique particulière, un certain style artistique. ARCHITECTURE (lat. , un environnement artistiquement organisé de la vie humaine. Aussi, l'art de formant cet environnement spatial, créant une nouvelle réalité qui a une signification fonctionnelle, apporte des avantages à une personne et procure un plaisir esthétique. Le terme couvre la conception de l'apparence d'une structure; organisation de l'espace intérieur; sélection de matériaux pour l'extérieur et l'intérieur, conception de systèmes d'éclairage naturel et artificiel, ainsi que de systèmes d'assistance technique ; approvisionnement en électricité et en eau; conception décorative Chacun des bâtiments a un but spécifique : pour la vie ou le travail, les loisirs ou les études, le commerce ou le transport. Tous sont durables, confortables et nécessaires aux personnes - ce sont leurs propriétés obligatoires.
Types d'architecture
Il existe trois grands types d'architecture :
L'architecture des structures tridimensionnelles.Elle comprend les édifices religieux et fortifiés, les édifices résidentiels, les édifices publics (écoles, théâtres, stades, commerces, etc.), les édifices industriels (usines, manufactures, etc.);
Architecture paysagère associée à l'organisation de l'espace paysagiste (places, boulevards et parcs à "petite" architecture - belvédères, fontaines, passerelles, escaliers)
Planification urbaine, couvrant la construction de nouvelles villes et villages et la reconstruction d'anciennes zones urbaines.
Styles d'architecture
L'architecture est étroitement liée à la vie de la société, à ses opinions et à son idéologie.L'architecture grecque antique est basée sur l'idée d'une personne parfaite, développée physiquement et spirituellement. Les architectes antiques ont construit tous leurs bâtiments selon les proportions du corps humain, incarnant l'harmonie, l'opposition aux éléments de la nature, la clarté majestueuse et l'humanité.Le "style de l'époque" (roman, gothique, etc.) se pose principalement dans ces historiques des périodes où la perception des œuvres d'art est différente de la relative inflexibilité, où elle s'adapte encore facilement à un changement de style.
Les grands styles - Roman, Gothique, Renaissance, Baroque, Classicisme, Empire / une variante du classicisme tardif / - sont généralement reconnus comme égaux et équivalents.Le développement des styles est asymétrique, ce qui se traduit extérieurement par le fait que chaque style change progressivement du simple au complexe; cependant, du complexe au simple, il ne revient qu'à la suite d'un saut. Par conséquent, les changements de style se produisent de différentes manières: lentement - du simple au complexe, et brusquement - du complexe au simple.Le style roman est remplacé par le gothique pendant plus de cent ans - à partir du milieu du XIIe siècle. jusqu'au milieu du XIIIe siècle. les formes simples de l'architecture romane se transforment progressivement en un style gothique compliqué. Au sein du gothique, la Renaissance mûrit. Avec l'avènement de la Renaissance, une période de quêtes idéologiques a recommencé, l'émergence d'un système intégral de vision du monde. Et en même temps, le processus de complication et de désintégration progressive du simple recommence : la Renaissance se complique, et après vient le baroque. Le baroque, à son tour, devenant plus complexe, se transforme en rococo dans certains types d'art (architecture, peinture, arts appliqués). Là encore, il y a un retour au simple, et à la suite du saut, le baroque est remplacé par le classicisme, dont le développement dans certains pays a été remplacé par l'empire.
Les raisons du changement de paires de styles sont les suivantes : la réalité ne choisit pas un style parmi ceux qui existent, mais crée un nouveau style et transforme l'ancien. Le style créé est le style principal et le style transformé est le style secondaire.
Architecture de la terre natale
Architecture de la région de Grodno
Église Borisoglebskaya (Kolozhskaya), monument de l'architecture russe ancienne de la seconde moitié du XIIe siècle.
Château de Mir, inscrit sur la liste de l'UNESCO, Château de Lida (XIV-XV siècles)
Architecture de la région de Minsk
Église archicathédrale de la Bienheureuse Vierge Marie (seconde moitié du XVIIe - début du XVIIIe siècle)
Église des Saints Siméon et Hélène (église rouge) - un monument d'architecture néo-gothique avec des éléments Art nouveau (1908 - 1910)
Palais et parc de Nesvizh (XVIIe-XVIIIe siècles)
Église des Bernardines dans le village de Budslav, district de Myadel, monument d'architecture baroque (XVIIIe siècle)
Architecture de la région de Vitebsk
Cathédrale de Sophia, un monument architectural des siècles XI-XVIII.
Église du Sauveur Euphrosyne, monument de l'architecture russe ancienne (1152 - 1161). Des fresques uniques ont été conservées sur ses murs et ses colonnes.
Littérature:
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4. Lazuka B. Sloўnіk terminaў pa arhіtektury, vyyaўlenchamu dekaratyўna-prykladnomu mastatstvu. -Mn., 2001
5. Nemensky B.M. Pédagogie de l'art. –M. : Lumières, 2007
L'architecture, le design, les arts et l'artisanat appartiennent aux formes artistiques utilitaires de la créativité. C'est-à-dire qu'ils résolvent des problèmes utilitaires - mouvement, organisation de la vie quotidienne, villes, habitations, divers types de vie humaine et de société. Contrairement à créativité artistique(beaux-arts, littérature, théâtre, cinéma, poésie, sculpture) qui ne créent que des valeurs spirituelles, culturelles et esthétiques sans valeur utilitaire.
Le design est différent de la décoration arts appliqués production de masse technologique, contrairement à l'artisanat en décembre. art appliqué. L'architecture et le design, étant des concepts liés, ne diffèrent que par l'échelle spatiale ; ville, microdistrict, complexe, bâtiment dans l'architecture et l'environnement de l'intérieur de la rue, design industriel, art. design dans "design", mais par exemple l'intérieur et l'aménagement paysager font l'objet à la fois d'architecture et de design.
Le design et l'architecture sont des activités utilitaires et artistiques visant à créer un environnement sujet-espace. L'architecture est un concept plus ancien, le design est plus moderne, mais la différence entre eux est minime, souvent impossible à distinguer.
Le designer forme - un paysage, une place, un élément de l'environnement urbain - un kiosque, une fontaine, un stop, une horloge lampe, un vestibule/, une chambre, un meuble, un bureau, un intérieur.
Les espaces intérieurs sont formés par l'architecte, et la saturation du designer se fait souvent par l'un ou l'autre, cela manifeste pratiquement la proximité, et souvent l'indiscernabilité, du métier d'architecte. et dessinateur.
L'architecture et le design appartiennent à arts expressifs, qui ne reflètent pas directement la réalité, mais la créent. Contrairement à beaux-Arts(peinture, graphisme, littérature, théâtre, sculpture) de manière artistique reflétant la réalité matérielle et spirituelle.
Conférence 1. Méthodologie de conception
1. La relation entre l'état social et idéologique de la société et le design.
Pratique moderne du "nouvel éclectisme"
2. Méthode créative - méthode professionnelle - "manière individuelle".
Interaction des méthodes à différents stades de la créativité.
Interaction de la méthode et des étapes activité professionnelle
Les exemples sont différents
3. Subjectif et objectif dans le processus créatif.
- Toute activité, et a fortiori créative comme le design, est liée et reflète l'organisation sociale de la société par ses moyens, développement culturel, idéaux esthétiques……. L'Égypte reflète la déification complète du monde objectif et de l'architecture, le Moyen Âge, l'Objection, le Classicisme, le Constructivisme. Au XXe siècle, nous avons connu l'effondrement de l'historicisme, la naissance du modernisme et du constructivisme dans l'art de l'architecture et du design. Le rejet des formes traditionnelles de composition de détails, le principe de libre planification était perçu comme une révolution et comme s'il reflétait une révolution sociale, mais il n'y a pas eu de révolution en Occident, et un mouvement connexe est né appelé le mouvement moderne entre eux là-bas. était une vraie connexion (Group Style Holland et le leader du constructivisme en Russie). Cependant, cette révolution a été préparée à la fois par les nouvelles technologies et matériaux (zh.b) de la poutre en treillis et par de nouvelles tendances artistiques - cubisme, futurisme, expressionnisme, mais aussi par des bouleversements sociaux (révolutions, 1 Guerre mondiale), les nouveaux courants philosophiques (socialisme. communisme, national-socialisme-fascisme)…………., la crise de la morale bourgeoise. On parlait beaucoup de vérité par opposition à la décoration bourgeoise et au décorativisme. Des changements dans le sujet et l'environnement spatial ont été préparés à la fois par le développement de la pensée philosophique et scientifique et de nouveaux courants artistiques abstraits et le développement de la technologie, mais aussi par des bouleversements sociaux qui ont donné un certain pathos idéologique et formé et développé un principe de construction de la vie - qui disait que la réalité peut être changée sur la base d'idées et de concepts artistiques et spatiaux. mouvement moderne et constructivisme
L'Art nouveau comme tendance à la mode de la nouvelle bourgeoisie et des marchands (le manoir de Morozov).
En face de la Maison de la Commune, l'idée du social. villes, la socialisation de la vie quotidienne comme manifestation dans le monde objectif des idées du socialisme. L'idée utopique qu'en changeant l'environnement on peut changer la personne elle-même.
Bien sûr, le monde objectif de l'environnement et de l'architecture reflète par ses moyens le système économique et le niveau de développement de la société et l'idéologie et le système de valeurs qui prévalent dans la société, mais cette dépendance n'est pas directe mais complexe, souvent les idées de l'art pour l'art saké sont adaptés et repensés aux réalités objectives.
L'architecture et le génie civil, la décoration intérieure et le paysage ont occupé Culture de la Renaissance lieu visible. Les méthodes de construction, l'aménagement et la décoration des habitations évoluent.
Dans les maisons simples, en raison des cloisons internes, le nombre de pièces augmente. Dans les villes et dans les domaines familiaux, des palais entiers de style Renaissance sont construits. Le développement du régime absolutiste était inextricablement lié à la construction de châteaux-résidences du roi et, en même temps, de fortifications. La diffusion des idées de la Renaissance dans l'architecture a conduit au développement de projets de bâtiments «idéaux» et de colonies entières. Il existe des traités importés, traduits et locaux sur l'architecture et la construction. Des maîtres exceptionnels de diverses spécialités sont renvoyés de l'étranger, principalement des Pays-Bas: Adrian de Fries, Hans van Steenwinkel l'Ancien (vers 1550-1601) et ses fils - Lawrence, Hans, Mortens, ainsi que Hans van Oberberk et d'autres Scandinaves a emprunté des exemples de style architectural à l'Allemagne, aux Pays-Bas, à l'Italie et à la France. L'architecture de la Renaissance danoise, avec sa couleur de brique rouge, ses bâtiments rectangulaires massifs et son décor discret, était généralement orientée vers l'architecture nord-allemande.
La construction au Danemark a atteint son essor le plus élevé pendant les 60 ans de règne de Christian IV, en particulier jusqu'en 1617. Elle est allée simultanément dans des directions différentes. Des villes entières ont été construites avec une nouvelle disposition et une forme régulière de construction géométrique ou radiale. Au total, à l'initiative du roi, 14 nouvelles villes sont apparues - à Skane, en Zélande, dans le Jutland du Sud, en Norvège.
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De puissantes forteresses furent érigées : Frederiksborg à Hillered (1602-1625), Kronborg à Helsingor et d'autres, qui comprenaient un château, des immeubles de bureaux, des entrepôts et des casernes, étaient entourées de remparts, de fossés et de bastions. Le roi lui-même connaissait bien l'architecture et supervisait la construction des structures. Édifice prévu au XVIIe siècle. a complètement changé le visage de Copenhague et élargi considérablement sa taille. Un palais, un port militaire, une Bourse Renaissance (1619-1625) sont construits ou aménagés sous Christian IV. Les architectes L. et X. van Steenwinkel ont été chargés de le construire comme "temple de la nouvelle politique économique". En raison de l'enthousiasme de la construction, Copenhague s'est transformée en une ville du 17ème siècle. dans l'une des plus belles capitales d'Europe. Différentes lignes stylistiques coexistent ici : le gothique, le maniérisme, le baroque naissant.
En Suède, cette période est également marquée par l'altération des bâtiments anciens et l'érection de nouveaux bâtiments. Dans le style Renaissance, les châteaux de Gripsholm, Vadstena et Uppsala, des palais, des mairies et des maisons privées dans les villes sont en cours de construction. La construction d'églises, en revanche, est en déclin.
Les constructions de cette époque correspondaient à une riche décoration intérieure, plus magnifique en Suède, plus sobre au Danemark : coffres, bancs, secrétaires, cabinets. Les meubles et les panneaux en bois étaient recouverts des peintures ou des sculptures les plus complexes sur des sujets bibliques et profanes, doublées de produits en pierres et métaux coûteux, en faïence et en bois. Les murs étaient tapissés de tapisseries profanes originales, d'une masse de portraits et de peintures. Des sculptures apparaissent dans les salles, les cours et les jardins, souvent des groupes entiers, généralement dans l'esprit antique-mythologique. Il y avait une mode particulière pour les carreaux de poêle peints et façonnés, ainsi que pour les poêles en fer et en fonte, avec des sculptures en fonte.
Les innovations en matière d'ingénierie et de construction de cette époque incluent la plomberie : des tuyaux avec des robinets et des fontaines complexes sont apparus dans les châteaux et les palais. Les palais et les châteaux ont été décorés par des maîtres individuels et des ateliers entiers. La combinaison de l'influence de l'Europe occidentale, en particulier des Pays-Bas et de l'Allemagne, et des traditions locales a formé des exemples au style unique.
Pendant cette période, l'art était principalement appliqué dans la nature. En tant qu'élément important de l'intérieur, il servait à exprimer et à consolider le prestige. D'où, par exemple, la diffusion inhabituelle à cette époque de magnifiques épitaphes, de portraits d'apparat (sculpturaux et picturaux), d'images allégoriques.
La forme d'art la plus impressionnante et la plus prestigieuse était la sculpture, qui s'est épanouie plus tard, avec l'établissement du baroque. La plupart des sculpteurs étaient des étrangers qui exécutaient principalement les commandes du roi. "Royal Builder" Hans Steenwinkel a dirigé la création d'un certain nombre de salles sculpturales
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emplacements pour fontaines. Commandé par Christian IV à Amsterdam, Hendrik de Keyser réalise des sculptures. La célèbre fontaine de Neptune à Frederiksborg a été réalisée par le Hollandais Adrian de Fries (1546-1626).
Les bas-reliefs, principalement des pierres tombales, mais aussi décoratifs, étaient largement utilisés.
L'intérêt pour la représentation d'une personne, en particulier dans les portraits de famille, devient l'une des caractéristiques de la peinture de cette période. Souvent, les portraits étaient encore réalisés selon d'anciens modèles: statiques, conditionnels, sans caractéristiques psychologiques. Images cérémonielles des souverains et des membres de leurs familles devenues à la mode - solennelles, avec des symboles de pouvoir - à partir du XVIIe siècle. ont été soutenues le plus souvent à la manière du classicisme. La période se caractérise également par l'abondance de portraits de patriciens et d'érudits urbains ; ils affichent tous des robes noires et des signes de leurs occupations. Le plus ancien portrait d'érudit bourgeois est peut-être celui de l'humaniste Wedel (1578). Le portrait de la famille Rodman de Flensborg (1591) est expressif, où lui-même, ses deux femmes et 14 enfants se tiennent autour du crucifix. Rodman lui-même, l'une de ses épouses et ses quatre enfants, comme déjà décédés, sont marqués d'une croix au-dessus de leur tête. Quelques autres portraits de famille-épitaphes de bourgeois ont été réalisés de la même manière. La combinaison des morts et des vivants reflète sans aucun doute les idées de l'époque sur l'unité de la vie et de la mort, sur le lien inséparable entre les deux mondes. Les auteurs de ces portraits sont inconnus, en général la plupart des portraits de bourgeois et nobles de province ont été réalisés de manière anonyme, au contraire la famille royale et la noblesse recourent aux services de maîtres célèbres. Environ 200 portraits de personnes royales et nobles ont été peints par le Néerlandais Jacob van Doordt, dont beaucoup par le Néerlandais Joost Verheiden.
Peu à peu, un nouveau type d'artiste émerge au Danemark - une personne éduquée et cultivée, assez riche et proche des scientifiques humanistes, souvent un artiste et collectionneur héréditaire. Tel était notamment le prolifique portraitiste hollandais Karel van Mander, dont l'autoportrait avec sa femme et sa belle-mère est une image rare d'un artiste intellectuel pour l'époque. A peu près la même chose était la famille artistique d'Isaakz, qui a apporté une contribution significative à la culture de la Renaissance danoise; son fondateur est un descendant d'un émigré d'Amsterdam, marchand d'art, et l'un des petits-fils est un humaniste et historien, Johann Pontanus. Parmi les artistes, il y avait des spécialistes spéciaux des toiles historiques, de la peinture d'église, etc., mais la majorité avait une large spécialisation.
Un type important d'art décoratif était alors les tapisseries, à la fois importées et locales, pour lesquelles des croquis ont été réalisés par d'éminents
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artistes, et la production a été réalisée dans des ateliers de palais étrangers ou danois.
Dans le décor d'alors, comme déjà noté, une place prépondérante était occupée par la sculpture sur bois, traditionnelle et développée en Scandinavie. Dans les églises, les autels étaient décorés de sculptures représentant des scènes de la Bible, ainsi que des scènes d'auteurs classiques caractéristiques de la Renaissance danoise. Des sculptures aux ornements gothiques et Renaissance avec des sujets profanes ont été utilisées pour décorer les meubles des habitations. En Norvège et en Finlande, les sculptures folkloriques sur bois, qui ornaient les bâtiments provinciaux et les articles ménagers, ont remporté un grand succès.
La variété des formes d'art nous permet d'explorer esthétiquement le monde dans toute sa complexité et sa richesse. Il n'y a pas d'arts majeurs ou mineurs, mais chaque art a ses propres forces et faiblesses par rapport aux autres arts.
Architecture. Lorsqu'une personne apprenait à fabriquer des outils, sa demeure n'était plus un trou ou un nid, mais un bâtiment opportun, qui acquit progressivement une apparence esthétique. La construction est devenue architecture.
L'architecture est la formation de la réalité selon les lois de la beauté lors de la création de bâtiments et de structures conçus pour répondre aux besoins humains dans les logements et les espaces publics. L'architecture crée un monde développé utilitaire-artistique fermé, délimité de la nature, résistant à l'environnement naturel et permettant aux gens d'utiliser l'espace humanisé en fonction de leurs besoins matériels et spirituels. L'image architecturale exprime le but du bâtiment et le concept artistique du monde et de la personnalité, l'idée qu'une personne se fait de lui-même et l'essence de son époque.
L'architecture est un art et les bâtiments ont un certain style. Lomonossov, définissant les caractéristiques de l'architecture, a écrit que l'art architectural "construira des bâtiments confortables pour l'habitation, beaux pour la vue, solides pour la longévité". Grâce à l'architecture, une partie intégrante de la "seconde nature" apparaît - l'environnement matériel, qui est créé par le travail d'une personne et dans lequel se déroulent sa vie et son activité.
Les formes d'architecture sont déterminées par : 1) la nature (en fonction des conditions géographiques et climatiques, de la nature du paysage, de l'intensité de l'ensoleillement, de la sécurité sismique) ; 2) socialement (en fonction de la nature du système social, des idéaux esthétiques, des besoins utilitaires et artistiques de la société ; l'architecture est plus étroitement liée au développement des forces productives, au développement de la technologie que les autres arts).
Art appliqué. L'art appliqué est l'un des types de créativité artistique les plus anciens et encore en développement. Il est réalisé dans des articles ménagers créés selon les lois de la beauté. Les arts appliqués sont des choses qui nous entourent et nous servent, créent notre vie et notre confort, des choses rendues non seulement utiles, mais aussi belles, ayant un style et une image artistique qui expriment leur but et véhiculent des informations générales sur le type de vie, sur le époque sur la vision du monde des gens. L'impact esthétique de l'art appliqué est quotidien, horaire, minute. Les œuvres d'art appliqué peuvent atteindre les sommets de l'art.
L'art appliqué est national par nature, il est né des coutumes, habitudes, croyances des peuples et est directement proche de leurs activités de production et de leur vie quotidienne. Le summum de l'art appliqué est la joaillerie, qui conserve sa signification indépendante et se développe aujourd'hui.
Art décoratif. Art décoratif - développement esthétique de l'environnement entourant une personne, conception artistique d'une «seconde nature» créée par une personne: bâtiments, structures, locaux, places, rues, routes. Cet art envahit la vie quotidienne, créant beauté et confort dans et autour des espaces résidentiels et publics. Les œuvres d'art décoratif peuvent être une poignée de porte et une clôture, un vitrail et une lampe qui entrent dans une synthèse avec l'architecture.
L'art décoratif intègre les réalisations d'autres arts, notamment la peinture et la sculpture. La peinture a d'abord existé sous la forme d'art rupestre et mural, et ce n'est qu'alors qu'elle s'est formée comme peinture de chevalet. Peinture monumentale sur le mur - fresque (le nom vient de sa technique: "al fresco" - peinture avec des peintures sur plâtre humide) - un genre d'art décoratif.
Architecture . L'architecture de Rome est fondamentalement différente du grec. Les Grecs ont sculpté dans des blocs de marbre massifs et les Romains ont érigé des murs de brique et de béton, puis, à l'aide de supports, ils ont suspendu des revêtements en marbre, attaché des colonnes et des profils. Les monuments architecturaux conquièrent par leur puissance. Conçu pour le plus grand nombre : basiliques, thermes, théâtres, amphithéâtres, cirques, bibliothèques, marchés et lieux de culte : temples, autels, tombeaux. Les Romains ont introduit des ouvrages d'art (aqueducs, ponts, routes, ports, forteresses, canaux). Le centre idéologique était le temple, situé au milieu du côté étroit d'un carré rectangulaire sur son axe principal. Les places de la ville ont été décorées arcs de triomphe en l'honneur des victoires militaires, des statues d'empereurs et de personnalités publiques éminentes de l'État. Les formes arquées et voûtées sont devenues courantes dans les ponts et les aqueducs. Le Colisée (75-80 après JC) est le plus grand amphithéâtre de Rome, destiné aux combats de gladiateurs et autres compétitions.
Sculpture . Dans le domaine de la sculpture monumentale, les Romains sont devancés par les Grecs. Le meilleur était le portrait sculptural. Il s'est développé depuis le début du 1er siècle. avant JC e. Les Romains ont étudié de près le visage d'une personne avec ses caractéristiques uniques. Les Grecs ont cherché à représenter l'idéal, les Romains - à retranscrire fidèlement les traits de l'original. Les yeux de nombreuses statues sont en émail coloré. Les Romains ont été les premiers à utiliser la sculpture monumentale à des fins de propagande : ils ont installé des statues équestres et des pieds. dans les forums (places) - monuments à des personnalités exceptionnelles.
Peinture . Peu a survécu. Les palais et les bâtiments publics étaient décorés de peintures murales et de peintures, d'histoires de mythologie, de croquis de paysage. Les murs ont été peints pour ressembler à du marbre coloré et du jaspe. Un type courant était la mosaïque et la transformation, les métaux précieux et le bronze.Les artistes représentaient des scènes de la vie quotidienne et des natures mortes. Fresques qui couvraient les murs des maisons de la noblesse Peinture ornementale des intérieurs (Ier siècle av. J.-C.). Les Romains ont peint des meubles et des ustensiles de maison. Au 3ème siècle L'art chrétien apparaît sous la forme de peintures murales dans les catacombes de Rome. Selon l'intrigue, les peintures sont liées à la religion chrétienne - scènes bibliques, images du Christ et de la Mère de Dieu, mais Forme d'art ils sont au niveau des peintures anciennes.Lors de la construction des églises chrétiennes, le développement s'est poursuivi peinture monumentale. Des fresques et des mosaïques ornaient les absides, les dômes, les murs d'extrémité de la nef principale des basiliques.L'art de la mosaïque s'est largement développé, il a été utilisé pour décorer les murs et les sols des maisons des riches romains, puis des églises chrétiennes. Le portrait pictural de chevalet était très courant, mais nous ne le savons que de sources littéraires, puisque les œuvres des artistes de la période républicaine Maya, Sapolis et Dionysiades et les œuvres des autres n'ont pas été conservées. Les portraits s'insèrent dans un cadre rond et ressemblaient à des médaillons
Si nous décrivons les principales étapes de l'histoire de l'art romain antique, alors en termes généraux, elles peuvent être représentées comme suit. Les époques les plus anciennes (VII - V siècles avant JC) et républicaines (V siècle avant JC, I siècle avant JC) - la période de formation de l'art romain.
L'apogée de l'art romain tombe sur les siècles I-II. UN D Dès la fin du règne de Septime Sévère, la crise de l'art roman commence.
Art roman
Au Xe siècle, au tournant du millénaire, un seul style paneuropéen, le roman, fait son apparition dans l'art. Il est resté dominant dans l'Europe occidentale médiévale tout au long des XIe et XIIe siècles. Le terme "style roman" est apparu au XIXe siècle. (par analogie avec le concept de "langues romanes") et signifiait "romain". Le style roman dans l'art a beaucoup hérité de l'architecture byzantine. architectural les bâtiments de cette époque étaient principalement en pierre, avec des plafonds voûtés, et au Moyen Âge, ces structures étaient considérées comme romanes (construites selon la méthode romaine), contrairement aux bâtiments en bois. Il a été le plus classiquement distribué dans l'art de l'Allemagne et de la France. Les raids et les batailles étaient les éléments de la vie à cette époque. Cette dure époque a suscité des humeurs d'extase militante et un besoin constant d'autodéfense. C'est un château-forteresse ou un temple-forteresse. Le concept artistique est simple et strict. Trois grandes églises sur le Rhin sont considérées comme des exemples d'architecture romane tardive et parfaite : les cathédrales des villes de Worms, Speyer et Mayence. Le décor architectural est très sobre, le plastique est assez lourd. Mais, une fois entré dans le temple, tout un monde d'images passionnantes s'ouvre, capturant l'âme du Moyen Âge. L'art dans l'Europe médiévale est devenu l'œuvre des gens de la classe inférieure. Ils ont introduit un sentiment religieux dans leurs créations, mais il n'en était pas de même pour le "supérieur" et le "inférieur". On comprendra peu à l'art médiéval si on ne sent pas sa connexion avec tout le système de vie des "classes inférieures". Ils ont sympathisé avec le Christ parce qu'il a souffert, la Mère de Dieu a été aimée parce qu'ils ont vu en elle une intercesseur pour les gens, dans le terrible jugement ils ont vu l'idéal d'un jugement terrestre sur les oppresseurs et les trompeurs.
Jugement terrible. Tympan de la cathédrale Saint-Lazare d'Autun (1130-1140) ;
Veille. Fragment du relief des portes en bronze de l'église St. Michel à Gildesheim (1008-1015)
Portail royal de la cathédrale de Chartres (vers 1135-1155)
Les monuments architecturaux de style roman sont dispersés dans toute l'Europe occidentale, mais la plupart d'entre eux se trouvent en France. Ce sont l'église Saint Martin de Tours, l'église Notre Dame de Clermont, le chef-d'œuvre de l'architecture romane - l'église Notre Dame la Grande de Poitiers. Dans le roman français, plusieurs écoles locales se sont développées. Ainsi, l'école bourguignonne se distinguait par la monumentalité de la composition, l'école poitevine était riche en décoration sculpturale, et l'école normande se distinguait par une décoration stricte.
Les sculptures de saints dans les églises romanes sont dépourvues de de tous les chanoines, souvent peu avenants et trapus, ont des visages simples et expressifs. En cela, la sculpture romane diffère de la sculpture byzantine, qui a créé des images plus raffinées et spiritualisées. Aux côtés d'images évangéliques et de scènes de la sculpture romane, des scènes de l'antiquité et histoire médiévale, il y avait des images de vraies personnes. Dans le même temps, les compositions sculpturales étaient parfois saturées des fruits de la fantaisie folklorique - elles contenaient alors des images de diverses créatures fantastiques et forces du mal (par exemple, des aspics).
De beaux exemples d'art appliqué ont été conservés de l'époque romane. Une place d'honneur parmi eux est occupée par le célèbre tapis de 70 mètres de Bayeux, qui est associé au nom de la reine anglaise Mathilde. Les scènes brodées dessus racontent la conquête de l'Angleterre par les Normands en 1066.
Peinture Le style roman était exclusivement ecclésiastique dans son contenu et plat, niant la tridimensionnalité de l'espace et des figures. Elle, comme la sculpture, était subordonnée à l'architecture. Le type de technique de peinture le plus courant était la fresque, et le vitrail (peinture à partir de morceaux de verre colorés) a également commencé à se répandre.
9. Gothique -Le gothique a remplacé le style roman, le remplaçant progressivement. Le gothique est né au milieu du XIIe siècle dans le nord de la France, au XIIIe siècle, il s'est répandu sur le territoire de l'Allemagne moderne, de l'Autriche, de la République tchèque, de l'Espagne et de l'Angleterre. Le gothique a pénétré en Italie plus tard, avec beaucoup de difficulté et une forte transformation, ce qui a conduit à l'émergence du "gothique italien". A la fin du XIVe siècle, l'Europe est engloutie par le gothique dit international. Le gothique a pénétré plus tard dans les pays d'Europe de l'Est et y est resté un peu plus longtemps - jusqu'au XVIe siècle.
Architecture. La cathédrale de la ville devient le type architectural phare : le système de charpente de l'architecture gothique (les arcs en ogive reposent sur des piliers ; la poussée latérale des voûtes d'arêtes disposées sur des croisées d'ogives est transmise d'arcs-boutants à contreforts) permet de créer des intérieurs de cathédrales sans précédent en hauteur et en immensité, pour percer les murs avec d'immenses fenêtres aux vitraux multicolores. L'aspiration de la cathédrale vers le haut s'exprime par des tours géantes ajourées, des fenêtres et des portails en lancette, des statues courbes et une ornementation complexe. Les portails et les barrières d'autel étaient entièrement décorés de statues, de groupes sculpturaux et d'ornements. Les portails étaient dominés par trois thèmes de décoration sculpturale: le Jugement dernier, le cycle dédié à Marie et le cycle associé au patron du temple ou au saint local le plus vénéré. Des sculptures d'animaux fantastiques (chimères, gargouilles) ont été placées sur les façades et le toit. Tout cela a eu un fort impact émotionnel sur les croyants.Lyrisme et tragédie, spiritualité sublime et satire sociale, fantastiques grotesques et observations précises de la vie étaient organiquement entrelacés dans l'art du gothique. Les œuvres remarquables de l'architecture gothique sont: en France - la cathédrale Notre Dame de Paris, cathédrales de Reims, Amiens, Chartres ; en Allemagne - la cathédrale de Cologne ; en Angleterre - Westminster Abbey (Londres), etc.
Sculpture. Les principaux traits qui caractérisent la sculpture gothique peuvent être résumés comme suit : premièrement, la domination des concepts artistiques du début abstrait est remplacée par l'intérêt pour les phénomènes du monde réel, les thèmes religieux conservent leur position dominante, mais ses images changent, dotées de caractéristiques de l'humanité profonde.
Dans le même temps, le rôle des intrigues séculaires augmente et l'intrigue commence à occuper une place importante, mais pas immédiatement.Deuxièmement, le plastique rond apparaît et joue un rôle dominant, bien que le relief existe également.
Le Jugement dernier est resté l'un des sujets les plus courants en gothique, mais le programme iconographique s'élargit. L'intérêt pour l'homme et l'attrait pour l'anecdotique de l'histoire s'expriment dans la représentation de scènes de la vie des saints. Un exemple remarquable de représentation de légendes sur les saints est le tympan "L'Histoire de Saint-Étienne" datant du dernier quart du XIIIe siècle sur le portail de la cathédrale Notre-Dame.
L'inclusion de motifs réels est également caractéristique de nombreux petits reliefs. Comme dans les églises romanes, les images de monstres et de créatures fantastiques, les soi-disant chimères, occupent une grande place dans les cathédrales gothiques.
Peinture. Au Moyen Âge, la peinture est devenue l'une des formes d'art les plus importantes. L'évolution de la vie sociale et les nouvelles techniques offrent aux artistes la possibilité de créer des œuvres réalistes empreintes d'un profond humanisme, destinées à révolutionner véritablement l'art d'Europe occidentale. Le style joyeux et gracieux des arts visuels se manifeste le plus clairement dans le portrait (peinture et crayon) de maîtres aussi remarquables que J. Fouquet (également connu comme un maître exceptionnel de la miniature), J. et F. Clouet, Cornel de Lyon .
ARCHITECTURE, SCULPTURE ET PEINTURE
L'atmosphère spirituelle de la vie de la Grèce classique avec sa conscience civique et son harmonie était pleinement reflétée architecture. La structure politique et sociale de la polis grecque de l'époque classique exigeait une organisation adéquate du centre de toute la vie de la communauté civile. L'architecte Hippodame de Milet (Ve siècle av. J.-C.) proposa d'abandonner le développement chaotique des villes et de les introduire planification régulière. Elle reposait sur le découpage de l'aire urbaine en îlots rectangulaires avec des rues se coupant à angle droit et l'attribution de plusieurs pôles fonctionnels. Conformément à la théorie d'Hippodamus, Olynthus a été construit, Milet a été relancé après la destruction perse et le port athénien du Pirée a été reconstruit.
La partie la plus importante de la politique était les sites sacrés, au centre desquels des temples majestueux ont été érigés aux dieux protecteurs. Les bâtiments les plus importants créés dans l'ordre dorique étaient le temple de Poséidon à Paestum et le temple d'Athéna Aphaia sur l'île d'Égine. Dans le sanctuaire de Zeus à Olympie, sur le site sacré (Altis), se trouvaient plusieurs temples, dont le plus majestueux était dédié au dieu du tonnerre. Le fronton du temple, construit par l'architecte Libon, était orné d'un groupe sculptural représentant centauromachie - bataille de centaures avec des lapithes. Et à l'intérieur était sculpture célèbre Zeus par Phidias. Fait de bois incrusté d'or et d'ivoire, il a été reconnu comme l'une des sept merveilles du monde.
Plan de Milet : 1, 2 - les marchés ; 3 - stade ; 4 - théâtre; 5 - Temple d'Athéna 6 - Temple de Sérapis
Paestum. Temple de Poséidon (Ve siècle av. J.-C.). Photo
Phidias. Zeus Olympien. Reconstruction
Le meilleur complexe architectural de l'époque classique est l'Acropole d'Athènes - le centre religieux de la politique, où se trouvaient les sanctuaires de la ville. Détruit lors de l'invasion de Xerxès en 480 av. e. A l'initiative de Perikla, l'Acropole a commencé à être reconstruite selon un plan unique. Les travaux ont été menés sous la direction du grand Phidias. Conçu comme un monument à la victoire des Grecs sur l'État perse, l'ensemble de l'Acropole exprime le plus pleinement la grandeur et le triomphe de la civilisation grecque et de son chef, Athènes. Selon les mots de Plutarque, à Athènes "à cette époque, des œuvres ont été créées qui étaient extraordinaires dans leur grandeur et inimitables dans la simplicité et la grâce".
Olympie. Zone sacrée. Reconstruction
Devin et serviteur. Sculpture du fronton du temple de Zeus à Olympie(Ve siècle av. J.-C.)
Le passage vers l'Acropole passait par les Propylées - l'entrée principale, ornée d'un portique dorique. D'un côté, le gracieux temple de la déesse de la victoire, Nike, jouxtait les Propylées, et de l'autre, la Pinacothèque (galerie d'art). Le centre de l'ensemble était le Parthénon, construit par Iktin et Kallikrates en marbre pentélien. Temple, dédié à Athéna Parthénos (c'est-à-dire Athéna la Vierge) était entourée d'une colonnade dorique, mais les architectes ont réussi à créer une sensation de légèreté et de solennité de la structure.
Apollon. Fragment d'une sculpture du fronton du temple de Zeus à Olympie(Ve siècle av. J.-C.)
Le décor sculptural de Phidias glorifiait la déesse Athéna et sa ville. Dans le temple se dressait une sculpture en bois d'Athéna incrustée d'or et d'ivoire. Les frontons du temple étaient décorés de sculptures sur les thèmes de deux mythes - sur la dispute entre Athéna et Poséidon pour la possession de l'Attique et sur la naissance d'Athéna de la tête de Zeus. Les reliefs sur les métopes (plaques de frise) représentaient les batailles des Grecs avec les Amazones et les centaures, qui symbolisaient la lutte entre le bien et le progrès contre le mal et le retard. Les murs étaient décorés d'une image sculpturale de la majestueuse procession sur le Grand Panathénaïque. La frise du Parthénon est considérée comme le summum de l'art grec de l'époque du haut classique. Il étonne par la plasticité et le dynamisme de l'image de plus de 500 figures, dont aucune ne se répète. Phidias a également créé une sculpture en bronze d'Athéna la guerrière, qui a été installée sur la place devant le Parthénon.
Propylées sur l'Acropole d'Athènes (Ve siècle av. J.-C.). Photo
Propylées sur l'Acropole d'Athènes Photo
Athènes. Parthénon (Ve siècle av. J.-C.). Photo
L'ensemble de l'Acropole comprend également Erechtein, un petit temple au plan asymétrique et trois portiques différents, dont l'un est soutenu par des cariatides. Il a été construit sur le site où, selon la légende, il y eut une dispute entre Athéna et Poséidon, et est dédié à Athéna, Poséidon et au roi légendaire Érechthée. Un olivier sacré, offert par Athéna, poussait près du mur du temple, et il y avait un renfoncement dans le rocher, prétendument laissé par le trident de Posendon. Ensemble architectural l'Acropole d'Athènes est devenu le standard de la beauté et de l'harmonie pendant des siècles.
Des sculpteurs exceptionnels de l'époque classique ont glorifié les citoyens idéaux et la grandeur du monde hellénique avec leurs œuvres. Ils ont surmonté les conventions de la sculpture archaïque et ont créé l'image d'un homme harmonieux et physiquement parfait avec un monde spirituel riche. Outre le brillant Phidias, à Athènes au Ve siècle. AVANT JC. Myron a travaillé. Sa statue la plus célèbre est le Disco Thrower. Le sculpteur a magistralement transmis la dynamique complexe du corps de l'athlète au moment du lancer.
Intérieur du Parthénon, Reconstruction
Athènes. Érechthéion (Ve siècle av. J.-C.) Photo
Le sculpteur Polykleitos d'Argos a non seulement représenté les corps physiquement parfaits des athlètes, mais a également calculé les proportions idéales du corps masculin, qui est devenu le canon des sculpteurs grecs. Ses figures «Dorifor» (porteur de lance) et «Diadumen» (athlète portant le brassard du vainqueur) sont devenues mondialement connues. Sculpteurs grecs du Ve siècle. avant JC e. associe l'épanouissement de la civilisation de la polis aux images d'un homme empreint d'une grandeur harmonieuse et d'un calme clair.
Art de la Grèce antique IVe siècle. avant JC e., d'une part, il a été marqué par un certain nombre de réalisations importantes (en particulier, pendant cette période, l'ordre corinthien a été créé), et d'autre part, une diminution du pathos de l'héroïsme et de la citoyenneté, un appel à le monde individuel de l'homme, qui était associé à la crise générale de la politique. Les œuvres de Scopas reflétaient des sentiments humains forts et passionnés, éclaboussé dans un mouvement énergique ("Maenad").
Athènes. Portique des Cariatides de l'Érechthéion Photo
Athènes. Temple de Nike Apteros (Ve siècle av. J.-C.) Photo
Le transfert subtil du monde intérieur d'une personne, la beauté d'un corps au repos, est caractéristique de l'œuvre de Praxitèle («Le satyre au repos», «Hermès avec l'enfant Dionysos»). Il fut le premier à montrer la beauté sublime du nu corps féminin: son "Aphrodite de Cnide" était déjà considérée dans l'antiquité" le meilleur travail d'existence dans l'univers."
Le désir de capturer le mouvement fugace dans la sculpture (« Apokspomen ») a marqué l'œuvre de Lysippe. Il était le sculpteur de la cour d'Alexandre le Grand et a créé un certain nombre de portraits expressifs du grand commandant. Sculpteurs du IVe siècle BC, ayant achevé le développement de l'art classique, a ouvert la voie à un nouveau type d'art, non classique.
Miron. Lanceur de disque (Ve siècle av. J.-C.)
Polyclète. Doryphore (Ve siècle av. J.-C.)
Scopas. Ménade ou Bacchante (IVe siècle av. J.-C.)
Praxitel. Aphrodite de Cnide (IVe siècle av. J.-C.)
Praxitèle. Hermès avec le bébé Dionysos (IVe siècle av. J.-C.)
Lysippe. Hermès au repos (IVe siècle av. J.-C.)
L'un des plus célèbres Artistes V dans. AVANT JC. était Polygnote, dont le travail est associé à Athènes. Il a créé des peintures dans la technique de l'encaustique - il a travaillé avec des peintures à la cire liquide. Utilisant seulement quatre couleurs, Polygnot est le premier peintre qui a appris à recréer le volume de l'espace et des figures, l'expressivité des gestes. Son contemporain Apollodorus a été le premier à appliquer l'effet de clair-obscur dans la peinture et a essayé de transmettre la perspective.
Bien que les œuvres des peintres grecs anciens n'aient pas survécu, une idée des réalisations des artistes donne peinture de vases, où à cette époque le style à figures rouges dominait, ce qui permettait de transmettre de manière assez réaliste le volume des corps et de créer des compositions à plusieurs figures, au centre desquelles se tenait une personne.
Stamnos à figures rouges (Ve siècle av. J.-C.)
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Il y a deux semaines à New York, j'ai visité une exposition consacrée au futurisme italien. Les mouvements d'avant-garde du début du XXe siècle sont mon amour particulier. Le monde changeait rapidement, les gens essayaient de suivre le rythme, parfois en avance, parfois en retard sur le progrès, et tout ce chaos a donné lieu à de nombreuses décisions et orientations artistiques intéressantes. Pour comprendre le futurisme, vous devez connaître l'histoire de sa création, ainsi que vous rappeler le contexte historique des pays dans lesquels ce mouvement s'est particulièrement développé : l'Italie et la Russie de ces années.
Détruire l'ancien, balayer les musées, l'ancienne expérience et les autorités pour ouvrir le monde au nouveau : voitures, vitesse, agressivité. Afin de présenter d'emblée les postulats de base de ce nouveau mouvement, voici quelques citations du Manifeste de Marinetti, publié dans Le Figaro, le 20 février 1909 :
Nous disons notre beau monde est devenu encore plus beau - maintenant il a de la vitesse. Sous le coffre d'un bolide, des pots d'échappement serpentent et crachent du feu. Son rugissement est comme une rafale de mitrailleuse, et aucune Nika de Samothrace ne peut lui être comparée en beauté.
- Nous voulons chanter d'un homme à la barre d'une voiture qui lance une lance de son esprit sur la Terre, dans son orbite.
Nous détruirons des musées, des bibliothèques, établissements d'enseignement de tous ordres, nous lutterons contre le moralisme, le féminisme, contre toute lâcheté opportuniste ou utilitaire.
Être futuriste, c'est être moderne, jeune et rebelle. Une métropole industrielle, des voitures et de la vitesse - les adeptes du futurisme célèbrent la destruction et glorifient la guerre. Ils cherchent à respirer nouvelle vie dans une vieille culture statique.
En Russie, en 1912, un manifeste est également apparu, accompagnant le premier recueil de poésie Slap in the Face of Public Taste, qui accompagnait le Manifeste russe du même nom. Comparez les postulats :
- Le passé est serré. L'Académie et Pouchkine sont plus incompréhensibles que les hiéroglyphes. Jetez Pouchkine, Dostoïevski, Tolstoï et ainsi de suite. etc. du navire Modernité.
- Lavez-vous les mains qui ont touché la boue immonde des livres écrits par ces innombrables Leonid Andreev. À tous ces Maxim Gorky, Kuprin, Blok, Sologub, Averchenko, Cherny, Kuzmin, Bunin et ainsi de suite. etc. - Tout ce dont vous avez besoin est un chalet au bord de la rivière. Une telle récompense est donnée par le destin aux tailleurs. Du haut des gratte-ciel on regarde leur insignifiance !
À mon avis, le manifeste russe porte une charge plus destructrice que le manifeste italien, et ce n'est pas surprenant - telles étaient les humeurs dans le pays avant la révolution.
Le futurisme trouve son origine dans la littérature, mais très vite il prend d'autres formes : la peinture, la politique, voire la publicité. L'énergie de la jeunesse et de la vitesse déborde chez ces jeunes révolutionnaires, il est impossible de rester indifférent à la charge d'énergie qu'ils portent. S'il vous semble que vous pensez progressivement, détendez-vous - les futuristes ont déjà pensé à tout avant vous.
Et avec cette connaissance, je viens à l'exposition du futurisme italien au Guggenheim, 1909-1944.
Au total, l'exposition présente sept thèmes, je montrerai les fragments les plus mémorables de chacun d'eux présentés à l'exposition.
Thème un : Futurisme héroïque. Cette phase dura jusqu'en 1916. Le début du mouvement futuriste se distingue par une atmosphère d'optimisme, de dynamisme et de rythme. Les futuristes ont cherché à transmettre la dynamique de différentes manières. Par exemple, Giacomo Balla a étudié en détail et tenté de représenter la dynamique universelle à travers la stratification du mouvement, par exemple à travers l'image de la dispersion de la lumière (l'image n'est pas montrée dans l'exposition):
Giacommo Balla, Interpénétration irisée n° 7, 1912
Le vocabulaire visuel de Giacomo Balla consistait à combiner les principes de dynamique et de synchronicité, avec une tentative de transmettre une atmosphère de lumière, de son et d'odeurs.
Deux autres futuristes, Umberto Boccioni et Gino Severini, ont cherché à représenter l'effet du mouvement à travers un objet. Boccioni a transmis le mouvement à travers un corps sportif, combinant la figure d'une personne et le paysage environnant. Éloignez-vous de l'écran et vous verrez comment l'image ci-dessous se transformera en l'image d'un cycliste volant à grande vitesse (l'image n'est pas montrée dans l'exposition) :
Umberto Boccioni, Dynamisme d'un ciclista" 1913
Severini, mon futuriste italien préféré, crée son concept de représentation dynamique à travers le déplacement de l'espace dans l'image, à travers la fragmentation, reliant l'espace déplacé et disproportionné, ajoutant l'effet de mosaïque écrasée aux objets du quotidien (il a emprunté cette idée aux cubistes).
Je peux admirer cette image pendant des heures, en regardant l'imbrication bizarre du paysage, du train qui fonce et du village. Même si la magie des fragments ne vous saisit pas la première fois, réfléchissez à la façon dont vous dépeindriez le mouvement d'un train à grande vitesse (pas train à grande vitesse, à savoir son mouvement) et comparez avec ce que Severini a fait :
G. Severini "Train d'ambulance traversant la ville", 1915
Je veux aussi mentionner la photo de Carr, les funérailles de l'anarchiste Galli. Le sujet de la photo était une escarmouche lors des funérailles d'Angelo Galli, qui a été tué par la police lors d'une grève. Le gouvernement craignait que les anarchistes ne fassent de l'enterrement une manifestation politique et leur interdisait d'entrer dans le cimetière. Les escarmouches ne pouvaient être évitées, les anarchistes ont commencé à résister et la police les a brutalement réprimés. L'artiste était présent à cette scène ; et son œuvre regorge de souvenirs vivaces d'une scène cruelle et chaotique : le mouvement des corps, le choc des anarchistes et de la police, les drapeaux noirs flottant dans les airs. L'artiste écrira plus tard dans ses mémoires : « J'ai vu devant moi un cercueil couvert d'œillets rouges, se balançant dangereusement sur les épaules des porteurs du cercueil. J'ai vu des chevaux agités, des gourdins et des lances, des heurts, et il m'a semblé qu'à tout moment le cadavre tomberait à terre et serait piétiné par les chevaux »...
Carlo Carrà, Funérailles de l'anarchiste Galli ( Funerali dell'anarchico Galli ), 1910–11
Thème deux. Mots-en-liberté, ou, comme dans le manifeste russe, « mot-innovation ». Comme je l'ai déjà écrit, le futurisme a commencé avec la poésie et son invention clé est la forme libre de la poésie. À la suite de Marinetti, les futuristes libèrent les mots de leur forme habituelle, détruisent la syntaxe, annulent la ponctuation, éliminent les adjectifs et les adverbes, utilisent des verbes sous une forme indéfinie, insèrent des symboles musicaux et mathématiques dans la poésie et utilisent des onomatopées (onomatopées). De tels poèmes sont lus comme de la littérature, vécus comme de l'art visuel et exécutés comme des œuvres dramatiques. Les futuristes les publient dans une variété de formats et les récitent lors de soirées spéciales (futurist serate). Marinetti a introduit l'idée d'une poésie sans forme, de nombreux futuristes ont inventé leurs propres interprétations. L'« Échelle » de Maïakovski nous est plus familière comme cette partie de l'œuvre des futuristes, mais il y en avait d'autres : Balla avec des constructions phonovisuelles, Fortunato Depero et le langage abstrait des sons (onomalingua), la structure circulaire de Carlo Carr avec un tourbillon de voix et des sons.
Francesco Cangiullo, Piedigrotta. Livre (Milan: Edizioni futuriste di Poesia, 1916)
Thème trois. Architecture. Le futurisme, avec son rejet de la tradition et de la démesure, ne pouvait exister qu'à l'intérieur de la ville, et les futuristes se délectaient de la ville moderne. De nombreux architectes ont proposé leurs conceptions pour les zones métropolitaines, en utilisant de nouveaux matériaux et méthodes industrielles. Les projets futuristes ont une allure élancée, légèreté, modernité, privilégiant la rapidité et le bon fonctionnement des systèmes de transport (les transports aériens et ferroviaires doivent s'intégrer parfaitement à l'architecture urbaine). Leurs projets n'étaient pas destinés à devenir réalité, à l'exception de quelques structures futuristes érigées pour des foires temporaires d'après des croquis d'Enrico Prampolini. Comparez croquis et réalité :
Enrico Prampolini, Design for hall, decorations, and furniture for Aeronautica Company: Plan for Milan Triennial Installation, ca. 1932–33
Le pavillon futuriste de l'exposition du Parco Valentino à Turin (1928) a été conçu par Enrico Prampolini.
Alors leurs idées n'étaient pas destinées à se réaliser, mais regardez maintenant les villes modernes - n'est-ce pas le rêve des futuristes ?
Thème quatre. Reconstitution de l'univers. Poésie, littérature, peinture - cela ne suffisait pas. Afin de déplacer les anciens idéaux et de vivre dans le nouveau temps, il était nécessaire de changer chaque détail du monde quotidien. En 1915, Balla et Depero, qui nous sont déjà familiers, écrivent un autre manifeste, que j'aime particulièrement pour son titre : « Reconstruction de l'Univers ». Utilisant un langage habituellement agressif, ils appellent à la reconstruction de chaque objet du monde qui les entoure, exigeant même des jouets futuristes. Un futuriste doit être entouré d'un environnement futuriste, de nouveaux vêtements, d'un nouveau design de locaux, de nouveaux meubles, de la vaisselle et des vêtements. Balla et Depero ont créé de tels espaces dans leur vie : l'un a reconstruit une maison à Rome, l'autre un atelier dans sa ville natale de Roverto. L'exposition présentait de nombreux objets au design futuriste : céramiques, services, gilets et costumes. Maintenant, tout cela a l'air assez drôle et ne correspond certainement pas à la vision futuriste du design à laquelle nous sommes habitués. Pour moi, le design futuriste est hollandais et scandinave. Mais si les futuristes ne s'étaient pas tournés vers de telles minuties à l'époque, qui sait si nous aurions obtenu le design moderne (ainsi que l'architecture) sous la forme dans laquelle il est maintenant ?
Ce qui me surprend le plus ici, c'est l'échelle : des vitesses et des avions aux services à thé. Comment tant et si peu peuvent-ils coexister dans une même idée ? je pense ici grande importance a une identité nationale, l'esthétique de la vie quotidienne est importante pour les Italiens, mais dans le futurisme russe, tout se terminait au niveau des idées globales, sans services à thé.
Gerardo Dottori, ensemble de salle à manger de la maison Cimino, début des années 1930
Thème cinq. Arte meccanica, ou l'esthétique des machines. Après la Première Guerre mondiale, de nouveaux artistes sont venus au futurisme, apportant de nouvelles qualités, dont l'une était l'esthétique des objets mécaniques. Je ne peux pas dire que ce soit quelque chose de fondamentalement nouveau dans le futurisme, puisque initialement le mouvement était basé sur la glorification du progrès et de la vitesse. Les nouveaux membres du mouvement ont souligné l'intérêt durable des futuristes pour les objets mécaniques. Le train puissant représenté dans le tableau d'Ivo Panadji roule en diagonale vers vous, ce qui renforce l'effet de présence (bonjour les fans de 3D !), Vous entendez le sifflement assourdissant du train, le travail bruyant du moteur. Panaji ne peint pas un tableau, il transmet une expérience sensorielle. Les techniques artistiques utilisées ici transmettent le mouvement, la vitesse et la puissance. Regardez cette image, elle traduit la trajectoire du train en fragments (comme Severini), ou, plus simplement, comme dans l'animation, en parties :
Ivo Pannaggi, Train à grande vitesse (Treno in corsa), 1922
Sujet six. Aeropittura ou peinture inspirée par le vol. Planante ou plongeante, parfois simplement abstraite, la peinture aérienne apparaît en 1930, à un stade tardif du futurisme. Les avions s'inscrivent parfaitement dans l'idée du culte des voitures dans le futurisme, à la fois en tant que symbole du progrès et en tant qu'incarnation de la vitesse, ils se concentrent donc immédiatement sur eux-mêmes, laissant derrière eux les voitures et les trains. De plus, les avions ouvrent de nouvelles perspectives sur des objets familiers grâce à de nouveaux angles de vision inédits. La peinture aérienne commence par une simple documentation des vols et passe à la représentation du vol dans l'espace. Il représente une nouvelle approche du monde, qui associe vitesse, technologie, guerre et fierté nationale. Au début des années trente en Italie, il est clair que les sentiments nationalistes étaient très forts, et la puissance et l'équipement technique de l'armée italienne ont incité les futuristes à accroître la fierté nationale. Il semblerait que les futuristes avaient tout pour devenir l'art officiel de l'Italie fasciste - c'est la glorification du progrès, le culte de l'agression et de la guerre, la négation de l'ancien monde et la destruction. Une nuance interfère : Hitler ne supporte pas « l'art dégénéré » (tout art non classique), et finit par forcer Mussolini à se débarrasser du favoritisme des futuristes.
Gerardo Dottori, Bataille aérienne sur le golfe de Naples ou Bataille infernale sur le paradis du golfe, 1942
Sujet sept. Photo. Les futuristes ne pouvaient ignorer la photographie, qu'ils commencèrent à adapter à partir de 1911. Les frères Bragaglia ont cherché à donner vie à la peinture et ont développé toute une méthode de captation du mouvement : le photodynamisme. Le mouvement de la figure dans leurs photographies va généralement de droite à gauche, avec des étapes floues du début du mouvement. Après ces expérimentations, les futuristes quittent la photographie jusque dans les années 1930, jusqu'à ce que Marinetti, en collaboration avec Tato, dans son manifeste suivant (personne d'autre n'avait autant de manifestes !) déclare la photographie comme un excellent outil pour éliminer les barrières entre l'art et la vie, puisqu'avec l'utilisation un appareil photo avec lequel vous pouvez à la fois créer de l'art et l'explorer fonction sociale(Cependant, Tato a utilisé l'appareil photo à des fins diamétralement opposées, ses œuvres exprimaient un soutien idéologique au régime fasciste).
Anton Giulio Bragaglia, Saluant (Salutando), 1911
En 1944, le fondateur et inspirateur idéologique du futurisme, Marinetti, décède. Avec sa mort, le futurisme cesse également d'exister. Le futurisme russe a commencé à disparaître encore plus tôt, à la fin des années 1920, avec l'établissement du pouvoir soviétique en Russie, et a finalement survécu avec la mort de Maïakovski et l'émigration des principaux auteurs (pourtant, le futurisme en Russie était plus direction littéraire que pittoresque). Les auteurs qui ont commencé avec le futurisme ont rejoint d'autres tendances.
Qu'est-ce que le futurisme a apporté à l'humanité ? La manière outrageante et agressive, caractéristique du futurisme, a contribué à populariser et à glorifier le progrès. Développement moderne l'art doit beaucoup au futurisme : ses mérites incluent la libération de la poésie de la forme habituelle, les performances poétiques, un nouveau regard sur l'image du mouvement, la fragmentation de la vitesse. Le déni d'autorité est toujours une recherche de quelque chose de nouveau, toujours une extension de la vision familière de le monde. La recherche de nouveaux idéaux et la création de nouvelles normes aident l'humanité à ne pas rester immobile, elle aide à se développer. Et bien sûr - le chant du «beau loin», le progrès, le pouvoir de la pensée humaine, pour ce désir d'un monde idéal, merci à eux.
À partir de 2800 avant JC e. jusqu'en 2300 av. e. dans les Cyclades, trente petites îles de la mer Egée en Grèce, un style défini comme "l'art cycladique" est né. Les traits caractéristiques de ce style étaient principalement des figures féminines avec des genoux légèrement fléchis, les mains jointes sous la poitrine, avec des têtes plates. Les dimensions de l'art cycladique allaient des statues à taille humaine aux petites figurines, pas plus de quelques centimètres de hauteur. Il est raisonnable de supposer que l'idolâtrie était très courante.
Sculptures cycladiques au Musée Archéologique National d'Athènes
Idole des Cyclades
"Joueur de flûte", Musée Archéologique National. Athènes
"Violon", 2800 av. J.-C., Musée anglais, Londres
L'art cycladique est devenu une source d'inspiration pour de nombreux artistes contemporains qui appréciait la sobriété et le raffinement des lignes simples et géométriques, le minimalisme. L'influence de l'art cycladique se retrouve dans les œuvres de Modigliani, notamment dans sa sculpture « Tête de femme », ainsi que dans le travail d'autres artistes, dont Picasso.
Amedeo Modigliani, Tête, 1910, National Gallery of Art, Washington
Figurine cycladique et Modigliani
Pablo Picasso, Femme, 1907, Musée Picasso, Paris
Giorgio de Chirico, Hector et Andromaque
Henri Moore
Constantin Brancusi, Muse, 1912
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Hans Arpe
Barbara Hepworth
Alberto Giacometti