Les villes du monde antique apparaissaient généralement près d'un haut rocher, sur lequel une citadelle était érigée, de sorte qu'il y avait un endroit où se cacher si l'ennemi pénétrait dans la ville. Une telle citadelle s'appelait une acropole. De même, sur un rocher qui s'élevait à près de 150 mètres au-dessus d'Athènes et avait longtemps servi d'ouvrage défensif naturel, la ville haute s'est peu à peu formée sous la forme d'une forteresse (acropole) avec divers édifices défensifs, publics et religieux.
L'Acropole d'Athènes a commencé à être construite au IIe millénaire av. Pendant les guerres gréco-perses (480-479 av. J.-C.), il a été complètement détruit, plus tard, sous la direction du sculpteur et architecte Phidias, sa restauration et sa reconstruction ont commencé.
L'Acropole fait partie de ces lieux « dont tout le monde dit qu'ils sont magnifiques, uniques. Mais ne demandez pas pourquoi. Personne ne peut te répondre... Il peut être mesuré, même toutes ses pierres peuvent être comptées. Ce n'est pas si grave de le parcourir de bout en bout - cela ne prendra que quelques minutes. Les murs de l'Acropole sont raides et escarpés. Quatre grandes créations se dressent encore sur cette colline aux pentes rocheuses. Une large route en zigzag va du pied de la colline à la seule entrée. C'est le Propylaea - une porte monumentale avec des colonnes doriques et un large escalier. Ils ont été construits par l'architecte Mnésiclès en 437-432 av. Mais avant d'entrer dans ces majestueuses portes de marbre, tout le monde tournait involontairement à droite. Là, sur un haut piédestal du bastion qui gardait autrefois l'entrée de l'acropole, s'élève le temple de la déesse de la victoire Nike Apteros, orné de colonnes ioniques. C'est l'œuvre de l'architecte Kallikrates (seconde moitié du Ve siècle av. J.-C.). Le temple - léger, aéré, extraordinairement beau - se distinguait par sa blancheur sur le fond bleu du ciel. Ce bâtiment fragile, aux allures d'élégant jouet en marbre, semble sourire tout seul et fait sourire affectueusement les passants.
Les dieux agités, ardents et actifs de la Grèce étaient comme les Grecs eux-mêmes. Certes, ils étaient plus grands, capables de voler dans les airs, de prendre n'importe quelle forme, de se transformer en animaux et en plantes. Mais à tous autres égards, ils se sont comportés comme les gens ordinaires: mariés, se sont trompés, se sont disputés, se sont réconciliés, ont puni des enfants...
Temple de Déméter, constructeurs inconnus, VIe s. AVANT JC. Olympie
Temple de Nike Apteros, architecte Kallikrates, 449-421 av. Athènes
Propylées, architecte Mnésiclès, 437-432 av. Athènes
Nike, la déesse de la victoire, a été représentée belle femme avec de grandes ailes : la victoire est capricieuse et vole d'un adversaire à l'autre. Les Athéniens l'ont dépeinte comme sans ailes afin qu'elle ne quitte pas la ville qui avait si récemment gagné grande victoire sur les Perses. Privée d'ailes, la déesse ne pouvait plus voler et devait rester à jamais à Athènes.
Temple de Nike se dresse sur un rebord d'un rocher. Il est légèrement tourné vers les Propylées et joue le rôle de phare pour les processions qui font le tour du rocher.
Immédiatement derrière les Propylées, se dressait fièrement Athéna la Guerrière, dont la lance saluait de loin le voyageur et servait de phare aux marins. L'inscription sur le piédestal de pierre disait: "Les Athéniens dédiés à la victoire sur les Perses." Cela signifiait que la statue avait été coulée à partir d'armes en bronze prises aux Perses à la suite de leurs victoires.
Sur l'Acropole, il y avait aussi l'ensemble du temple de l'Erechthéion, qui (selon le plan de ses créateurs) était censé relier plusieurs sanctuaires situés sur différents niveaux, - la roche ici est très inégale. Le portique nord de l'Érechthéion menait au sanctuaire d'Athéna, où était conservée une statue en bois de la déesse, soi-disant tombée du ciel. La porte du sanctuaire s'ouvrait sur une petite cour, où poussait le seul olivier sacré de toute l'Acropole, qui s'élevait quand Athéna toucha le rocher avec son épée à cet endroit. Par le portique oriental, on pouvait pénétrer dans le sanctuaire de Poséidon, où, ayant frappé le rocher avec son trident, il laissa trois sillons d'eau murmurante. Ici se trouvait le sanctuaire d'Erechthée, vénéré au même titre que Poséidon.
La partie centrale du temple est une salle rectangulaire (24,1 x 13,1 mètres). Le temple contenait également le tombeau et le sanctuaire du premier roi légendaire de l'Attique, Kekrop. Sur le côté sud de l'Érechthéion se trouve le célèbre portique des cariatides : au bord du mur, six jeunes filles taillées dans le marbre soutiennent le plafond. Certains érudits suggèrent que le portique servait de plate-forme pour les citoyens honorables, ou que les prêtres se rassemblaient ici pour des cérémonies religieuses. Mais le but exact du portique n'est toujours pas clair, car "porche" signifie le vestibule, et dans ce cas, le portique n'avait pas de portes et de là, il est impossible d'entrer dans le temple. Les figures du portique des cariatides sont, en fait, des supports qui remplacent un pilier ou une colonne, elles traduisent aussi parfaitement la légèreté et la souplesse des figures de fille. Les Turcs, qui ont capturé Athènes à leur époque et n'ont pas autorisé les images d'une personne en raison de leurs croyances musulmanes, n'ont cependant pas commencé à détruire ces statues. Ils se sont limités uniquement au fait qu'ils ont coupé le visage des filles.
Érechthéion, constructeurs inconnus, 421-407 av. Athènes
Parthénon, architectes Iktin, Kallikrat, 447-432 av. Athènes
En 1803, Lord Elgin, ambassadeur d'Angleterre à Constantinople et collectionneur, avec l'autorisation du sultan turc, cassa l'une des cariatides du temple et l'emmena en Angleterre, où il l'offrit au British Museum. Interprétant trop largement le firman du sultan turc, il emporta également avec lui de nombreuses sculptures de Phidias et les vendit pour 35 000 livres. Firman a déclaré que "personne ne devrait l'empêcher d'emporter des pierres avec des inscriptions ou des figures de l'Acropole". Elgin a rempli 201 boîtes avec de telles "pierres". Comme il l'a lui-même déclaré, il n'a pris que les sculptures qui étaient déjà tombées ou risquaient de tomber, apparemment pour les sauver de la destruction finale. Mais Byron l'a aussi traité de voleur. Plus tard (lors de la restauration du portique à cariatide en 1845-1847) Musée anglais envoya à Athènes un moulage en plâtre de la statue emportée par Lord Elgin. Par la suite, le moulage a été remplacé par une copie plus durable en pierre artificielle, fabriquée en Angleterre.
A la fin du siècle dernier, le gouvernement grec exigea que l'Angleterre rende ses trésors, mais reçut la réponse que le climat de Londres leur était plus favorable.
Au début de notre millénaire, lorsque la Grèce a été cédée à Byzance lors de la division de l'Empire romain, l'Érechthéion a été transformé en église chrétienne. Plus tard, les croisés, qui prirent possession d'Athènes, firent du temple un palais ducal, et lors de la conquête turque d'Athènes en 1458, le harem du commandant de la forteresse fut installé dans l'Érechthéion. Pendant la guerre de libération de 1821-1827, les Grecs et les Turcs assiègent tour à tour l'Acropole, bombardant ses édifices, dont l'Érechthéion.
En 1830 (après la déclaration d'indépendance de la Grèce), sur le site de l'Érechthéion, on ne retrouvait que des fondations, ainsi que des décorations architecturales gisant au sol. Les fonds pour la restauration de cet ensemble de temples (ainsi que pour la restauration de nombreuses autres structures de l'Acropole) ont été accordés par Heinrich Schliemann. Son associé le plus proche, V.Derpfeld, a soigneusement mesuré et comparé les fragments antiques. À la fin des années 70 du siècle dernier, il prévoyait déjà de restaurer l'Érechthéion. Mais cette reconstruction a fait l'objet de critiques sévères et le temple a été démantelé. Le bâtiment a été restauré à nouveau sous la direction du célèbre scientifique grec P. Kavadias en 1906 et finalement restauré en 1922.
"Vénus de Milo" Agessander (?), 120 av. Louvre, Paris
"Laocoön" Agessander, Polydore, Athénodore, vers 40 av. Grèce, Olympie
"Hercule de Farnèse" v. 200 avant JC e., nationale musée, Naples
" Amazone blessée " Polykleitos , 440 avant JC National Musée romain
Parthénon - le temple de la déesse Athéna - le plus grand bâtiment de l'Acropole et la plus belle création de l'architecture grecque. Il ne se trouve pas au centre de la place, mais un peu sur le côté, de sorte que vous puissiez immédiatement admirer les façades avant et latérales et comprendre la beauté du temple dans son ensemble. Les anciens Grecs croyaient que le temple avec la principale statue de culte au centre était, pour ainsi dire, la maison d'une divinité. Le Parthénon est le temple d'Athéna la Vierge (Parthénos), et donc au centre de celui-ci se trouvait une statue chrysoéléphantine (faite de plaques d'ivoire et d'or sur un socle en bois) de la déesse.
Le Parthénon a été érigé en 447-432 av. architectes Iktin et Kallikrates du marbre pentélien. Il était situé sur une terrasse à quatre étages, la taille de sa base est de 69,5 x 30,9 mètres. Sur quatre côtés, le Parthénon est entouré de colonnades élancées, des interstices sont visibles entre leurs troncs de marbre blanc. ciel bleu. Toute imprégnée de lumière, elle semble aérée et légère. Il n'y a pas de motifs brillants sur les colonnes blanches, comme on en trouve dans les temples égyptiens. Seules des rainures longitudinales (cannelures) les recouvrent de haut en bas, ce qui fait paraître le temple plus haut et encore plus élancé. Les colonnes doivent leur harmonie et leur légèreté au fait qu'elles s'effilent légèrement vers le haut. Dans la partie médiane du tronc, peu perceptible à l'œil, elles s'épaississent et semblent élastiques, plus résistantes au poids des blocs de pierre. Iktin et Kallikrat, après avoir pensé à chaque détail, ont créé un bâtiment qui frappe par une proportion étonnante, une extrême simplicité et la pureté de toutes les lignes. Placé sur la plate-forme supérieure de l'Acropole, à une altitude d'environ 150 mètres au-dessus du niveau de la mer, le Parthénon était visible non seulement de n'importe où dans la ville, mais aussi de nombreux navires naviguant vers Athènes. Le temple était un périmètre dorique entouré d'une colonnade de 46 colonnes.
"Aphrodite et Pan" 100 avant JC, Delphes, Grèce
"Diane chasseresse" Leohar, vers 340 av. J.-C., Louvre, Paris, France
"Hermès au repos" Lysippe, IVe siècle. avant JC e., Musée National, Naples
"Hercule combattant un lion" Lysippe, c. 330 avant JC Ermitage, Saint-Pétersbourg
"Atlante de Farnèse" vers 200 av. J.-C., Nat. musée, Naples
Les maîtres les plus célèbres ont participé à la décoration sculpturale du Parthénon. Directrice artistique La construction et la décoration du Parthénon était Phidias, l'un des plus grands sculpteurs de tous les temps. Il est propriétaire de la composition globale et du développement de l'ensemble de la décoration sculpturale, dont il a lui-même réalisé une partie. L'aspect organisationnel de la construction a été géré par Périclès - le plus grand homme d'état Athènes.
Toute la décoration sculpturale du Parthénon était destinée à glorifier la déesse Athéna et sa ville - Athènes. Le thème du fronton oriental est la naissance de la fille bien-aimée de Zeus. Sur le fronton ouest, le maître a représenté la scène de la dispute entre Athéna et Poséidon pour la domination sur l'Attique. Selon le mythe, Athéna a remporté le conflit, donnant aux habitants de ce pays un olivier.
Les dieux de la Grèce se sont réunis sur les frontons du Parthénon: le Thunderer Zeus, le puissant souverain des mers Poséidon, la sage guerrière Athéna, la Niké ailée. La décoration sculpturale du Parthénon était complétée par une frise, sur laquelle une procession solennelle était présentée lors de la grande fête panathénaïque. Cette frise est considérée comme l'un des sommets art classique. Avec toute l'unité de composition, il a frappé par sa diversité. Sur plus de 500 figures de jeunes hommes, de vieillards, de filles, à pied et à cheval, aucune ne se répétait, les mouvements des personnes et des animaux étaient rendus avec un dynamisme étonnant.
Les figures du relief grec sculptural ne sont pas plates, elles ont le volume et la forme du corps humain. Ils ne diffèrent des statues que par le fait qu'ils ne sont pas traités de tous les côtés, mais, pour ainsi dire, se confondent avec le fond formé par la surface plane de la pierre. Des couleurs claires égayaient le marbre du Parthénon. Le fond rouge accentuait la blancheur des figures, les étroits rebords verticaux qui séparaient une dalle de frise d'une autre ressortaient clairement en bleu, et la dorure brillait de mille feux. Derrière les colonnes, sur un ruban de marbre entourant les quatre façades du bâtiment, une procession festive était représentée. Il n'y a presque pas de dieux ici, et les gens, à jamais gravés dans la pierre, se sont déplacés le long des deux longs côtés du bâtiment et se sont rejoints sur la façade orientale, où une cérémonie solennelle de remise au prêtre d'un vêtement tissé par des filles athéniennes pour la déesse a eu lieu. Chaque figure se caractérise par sa beauté unique et, ensemble, elles reflètent fidèlement la vraie vie et les coutumes. ville antique.
En effet, une fois tous les cinq ans, lors d'une des chaudes journées d'été à Athènes, une fête nationale avait lieu en l'honneur de la naissance de la déesse Athéna. On l'appelait le Grand Panathénaïque. Il a été suivi non seulement par des citoyens de l'État athénien, mais également par de nombreux invités. La fête consistait en une procession solennelle (pompe), l'apport d'une hécatombe (100 têtes de bétail) et un repas commun, des compétitions sportives, équestres et musicales. Le gagnant a reçu une amphore spéciale, dite panathénaïque, remplie d'huile, et une couronne de feuilles de l'olivier sacré qui pousse sur l'Acropole.
Le moment le plus solennel de la fête a été une procession nationale vers l'Acropole. Des cavaliers à cheval se déplaçaient, des hommes d'État, des guerriers en armure et de jeunes athlètes marchaient. Les prêtres et les nobles marchaient dans de longues robes blanches, les hérauts louaient bruyamment la déesse, les musiciens remplissaient l'air encore frais du matin de sons joyeux. Des animaux sacrificiels ont escaladé la haute colline de l'Acropole le long de la route panathénaïque en zigzag, piétinés par des milliers de personnes. Les garçons et les filles portaient un modèle du navire sacré panathénaïque avec un peplos (voile) attaché à son mât. Une légère brise agitait le tissu brillant de la robe jaune-violet, qui était offerte en cadeau à la déesse Athéna par les nobles filles de la ville. Pendant une année entière, ils l'ont tissée et brodée. D'autres filles élevaient des vases sacrés pour les sacrifices au-dessus de leurs têtes. Peu à peu le cortège s'est approché du Parthénon. L'entrée du temple n'a pas été faite du côté des Propylées, mais de l'autre, comme si chacun devait d'abord faire le tour, examiner et apprécier la beauté de toutes les parties du bel édifice. Contrairement aux églises chrétiennes, les anciennes grecques n'étaient pas destinées au culte à l'intérieur, les gens restaient à l'extérieur du temple pendant les activités de culte. Dans les profondeurs du temple, entourée sur trois côtés de colonnades à deux niveaux, se dressait fièrement la célèbre statue de la vierge Athéna, créée par le célèbre Phidias. Ses vêtements, son casque et son bouclier étaient en or pur et étincelant, et son visage et ses mains brillaient d'une blancheur d'ivoire.
De nombreux volumes de livres ont été écrits sur le Parthénon, parmi lesquels il y a des monographies sur chacune de ses sculptures et sur chaque étape de déclin progressif depuis l'époque où, après le décret de Théodose Ier, il est devenu un temple chrétien. Au XVe siècle, les Turcs en firent une mosquée, et au XVIIe siècle, un entrepôt de poudre à canon. La guerre turco-vénitienne de 1687 l'a transformé en ruines définitives, lorsqu'un obus d'artillerie l'a frappé et a fait en un instant ce que le temps dévorant n'a pas pu faire en 2000 ans.
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Parlant de l'art des civilisations antiques, tout d'abord, nous nous souvenons et étudions l'art de la Grèce antique, et en particulier sa sculpture. Vraiment dans ce beau petit pays, ce genre d'art a atteint une telle hauteur qu'à ce jour, il est considéré comme la norme dans le monde entier. L'étude des sculptures de la Grèce antique nous permet de mieux comprendre la vision du monde des Grecs, leur philosophie, leurs idéaux et leurs aspirations. Dans la sculpture, comme nulle part ailleurs, se manifeste l'attitude envers l'homme, qui dans la Grèce antique était la mesure de toutes choses. C'est la sculpture qui nous donne l'occasion de juger des idées religieuses, philosophiques et esthétiques des anciens Grecs. Tout cela permet de mieux comprendre les raisons d'une telle ascension, développement et chute de cette civilisation.
Développement civilisation grecque antique est divisé en plusieurs étapes - époques. D'abord, brièvement, je parlerai de l'époque archaïque, puisqu'elle a précédé l'ère classique et « a donné le ton » de la sculpture.
La période archaïque est le début, la formation de l'ancien sculpture grecque. Cette ère a également été divisée en archaïque précoce (650 - 580 avant JC), haute (580 - 530 avant JC) et tardive (530 - 480 avant JC). Sculpture - était l'incarnation d'une personne idéale. Elle vantait sa beauté, sa perfection physique. Les premières sculptures uniques sont représentées par deux types principaux: une image d'un jeune homme nu - un kuros, et une figure d'une fille vêtue d'une longue tunique moulante - une kora.
La sculpture de cette époque était très similaire à l'égyptien. Et ce n'est pas surprenant: les Grecs, se familiarisant avec la culture égyptienne et les cultures d'autres pays de l'Orient ancien, ont beaucoup emprunté et, dans d'autres cas, ont trouvé des similitudes avec eux. Certains canons ont été observés dans la sculpture, ils étaient donc très géométriques et statiques : une personne fait un pas en avant, ses épaules sont redressées et ses bras sont baissés le long du corps, un sourire stupide joue toujours sur ses lèvres. De plus, les sculptures étaient peintes : cheveux dorés, yeux bleus, joues roses.
Au début de l'ère classique, ces canons sont toujours en vigueur, mais plus tard l'auteur commence à s'éloigner du statique, la sculpture acquiert un caractère, et un événement, une action se produit souvent.
La sculpture classique est la deuxième ère dans le développement de la culture grecque antique. Il est également divisé en étapes : style classique ancien ou strict (490 - 450 avant J.-C.), style élevé (450 - 420 avant J.-C.), style riche (420 - 390 avant J.-C.), classique tardif (390 - vers 320 avant J.-C.).
À l'ère des premiers classiques, il y a une sorte de repenser la vie. La sculpture prend un caractère héroïque. L'art est libéré de ces limites rigides qui l'enchaînaient à l'époque archaïque, c'est le moment de rechercher un nouveau développement intensif d'écoles et de tendances diverses, la création d'œuvres hétérogènes. Les deux types de figures - kuros et kore - sont remplacés par une plus grande variété de types ; les sculptures tendent à transmettre le mouvement complexe du corps humain.
Tout cela se passe dans le contexte d'une guerre avec les Perses, et c'est cette guerre qui a tant changé la pensée grecque antique. Les centres culturels ont été déplacés et maintenant ce sont les villes d'Athènes, du nord du Péloponnèse et de l'ouest grec. A cette époque, la Grèce avait atteint le point le plus haut essor économique, politique et culturel. Athènes a pris une place prépondérante dans l'union des cités grecques. La société grecque était démocratique, fondée sur les principes d'activité égale. Tous les hommes habitant Athènes, à l'exception des esclaves, étaient des citoyens égaux. Et ils jouissaient tous du droit de vote et pouvaient être élus à n'importe quelle charge publique. Les Grecs étaient en harmonie avec la nature et n'ont pas supprimé leurs aspirations naturelles. Tout ce qui était fait par les Grecs était la propriété du peuple. Des statues se tenaient dans les temples et les places, sur les palestres et au bord de la mer. Ils étaient présents sur les frontons, dans les décors des temples. Comme à l'époque archaïque, les sculptures étaient peintes.
Malheureusement, la sculpture grecque nous est parvenue principalement en fragments. Bien que, selon Plutarque, il y avait plus de statues à Athènes que de personnes vivantes. De nombreuses statues nous sont parvenues en copies romaines. Mais ils sont très rudimentaires par rapport aux originaux grecs.
L'un des sculpteurs les plus célèbres des premiers classiques est Pythagore Rhegius. Peu de ses œuvres nous sont parvenues et ses œuvres ne sont connues que par des références à des auteurs anciens. Pythagore est devenu célèbre pour sa représentation réaliste des veines humaines, des veines et des cheveux. Plusieurs copies romaines de ses sculptures ont été conservées : « Le garçon retirant un éclat », « Hyacinthe », etc. De plus, on lui attribue la célèbre statue en bronze « Char de char » retrouvée à Delphes. Pythagoras Regius a créé plusieurs statues en bronze de vainqueurs des Jeux olympiques et delphiques. Et il possède les statues d'Apollon - le tueur de Python, l'Enlèvement d'Europe, Etéocle, Polynice et le Philoctète Blessé.
On sait que Pythagoras Regius était un contemporain et un rival de Myron. C'est un autre sculpteur célèbre de cette époque. Et il est devenu célèbre comme le plus grand réaliste et expert en anatomie. Mais avec tout cela, Miron n'a pas su donner vie et expression aux visages de ses œuvres. Miron a créé des statues d'athlètes - vainqueurs de compétitions, reproduites héros célèbres, des dieux et des animaux, surtout lorsqu'il décrivait des poses difficiles qui semblaient très réalistes.
Le meilleur exemple d'une telle sculpture de lui est le célèbre Discobolus. Les auteurs anciens mentionnent également sculpture célèbre Marcia avec Athéna. Ce célèbre groupe sculptural nous est parvenu dans plusieurs de ses exemplaires. En plus des personnes, Myron a également représenté des animaux, son image de la «vache» est particulièrement célèbre.
Myron a principalement travaillé le bronze, ses œuvres n'ont pas été conservées et sont connues par les témoignages d'auteurs antiques et de copies romaines. Il était également un maître de la toreutique - il fabriquait des gobelets en métal avec des images en relief.
Un autre sculpteur célèbre de cette période est Kalamid. Il exécute des statues de marbre, de bronze et de chryséléphantine, et représente principalement des dieux, des figures héroïques féminines et des chevaux. L'art de Calamis peut être jugé par la copie qui nous est parvenue plus tard avec la statue d'Hermès portant un bélier qu'il fit exécuter pour Tanagra. La figure du dieu lui-même est exécutée dans un style archaïque, avec l'immobilité de la pose et la symétrie de la disposition des membres caractéristiques de ce style ; mais le bélier porté par Hermès se distingue déjà par une certaine vitalité.
En outre, les monuments de la sculpture grecque antique des premiers classiques comprennent les frontons et les métopes du temple de Zeus à Olympie. Une autre œuvre importante des premiers classiques est le soi-disant Trône de Ludovisi. Il s'agit d'un autel en marbre à trois côtés représentant la naissance d'Aphrodite, sur les côtés de l'autel se trouvent des hétaïres et des épouses, symbolisant différentes hypostases d'amour ou des images de servir la déesse.
Les grands classiques sont représentés par les noms de Phidias et Polykleitos. Son apogée à court terme est associée aux travaux sur l'Acropole athénienne, c'est-à-dire à la décoration sculpturale du Parthénon. Le summum de la sculpture grecque antique était, apparemment, les statues d'Athéna Parthénos et de Zeus Olympe de Phidias.
Phidias est l'un des meilleurs représentants du style classique, et de son importance il suffit de dire qu'il est considéré comme le fondateur de Art européen. L'école attique de sculpture dirigée par lui occupait une place prépondérante dans l'art des grands classiques.
Phidias possédait la connaissance des réalisations de l'optique. Une histoire a été conservée au sujet de sa rivalité avec Alkamen: les deux ont commandé des statues d'Athéna, censées être érigées sur de hautes colonnes. Phidias a fait sa statue en fonction de la hauteur de la colonne - au sol, elle semblait laide et disproportionnée. Le cou de la déesse était très long. Lorsque les deux statues ont été érigées sur de hauts piédestaux, l'exactitude de Phidias est devenue évidente. Ils notent la grande habileté de Phidias dans l'interprétation des vêtements, dans laquelle il surpasse à la fois Myron et Polikleitos.
La plupart de ses œuvres n'ont pas survécu, nous ne pouvons les juger que d'après les descriptions d'auteurs anciens et de copies. Cependant, sa renommée était colossale. Et il y en avait tellement que ce qui en reste est déjà beaucoup. Plus oeuvres célébres Phidias - Zeus et Athéna Parthénos ont été fabriqués selon la technique chrysoéléphantine - or et ivoire.
La statue de Zeus en hauteur, avec le piédestal, selon diverses sources, était de 12 à 17 mètres. Les yeux de Zeus avaient la taille du poing d'un adulte. La cape qui couvrait une partie du corps de Zeus, le sceptre avec un aigle dans la main gauche, la statue de la déesse Nike dans la droite et la couronne sur la tête sont en or. Zeus est assis sur un trône, quatre Nikes dansants sont représentés sur les pieds du trône. Sont également représentés: des centaures, des lapithes, les exploits de Thésée et d'Hercule, des fresques représentant la bataille des Grecs contre les Amazones.
Athéna Parthénon était, comme la statue de Zeus, immense et réalisée en technique chrysoéléphantine. Seule la déesse, contrairement à son père, ne s'est pas assise sur le trône, mais s'est tenue de toute sa hauteur. "Athéna elle-même est faite d'ivoire et d'or ... La statue la représente en pleine croissance dans un chiton jusqu'à la plante des pieds, elle a la tête de Méduse en ivoire sur sa poitrine, dans sa main elle tient l'image de Nike, environ quatre coudées, et dans son autre main - - une lance. A ses pieds se trouve un bouclier, et près de la lance est un serpent ; ce serpent est probablement Erichthonius. (Description de l'Hellade, XXIV, 7).
Le casque de la déesse avait trois crêtes : celle du milieu avec un sphinx, les latérales avec des griffons. Selon Pline l'Ancien, la bataille avec les Amazones était frappée à l'extérieur du bouclier, la lutte des dieux avec les géants à l'intérieur et sur les sandales d'Athéna, il y avait une image d'une centauromachie. La base était décorée d'une histoire de Pandore. Le chiton de la déesse, son bouclier, ses sandales, son casque et ses bijoux sont tous en or.
Sur les copies en marbre, la main de la déesse avec Nika est soutenue par un pilier, sa présence dans l'original fait l'objet de nombreuses disputes. Nika semble minuscule, en réalité sa taille était de 2 mètres.
Athéna Promachos - une image colossale de la déesse Athéna, brandissant une lance, sur l'Acropole d'Athènes. Érigé en mémoire des victoires sur les Perses. Sa hauteur atteignait 18,5 mètres et dominait tous les bâtiments environnants, brillant de loin sur la ville. Malheureusement, cette déesse de bronze n'a pas survécu à ce jour. Et nous ne le savons que par des sources chroniques.
Athéna Lemnia - une statue en bronze de la déesse Athéna, créée par Phidias, nous est également connue à partir de copies. Il s'agit d'une statue en bronze représentant une déesse appuyée sur une lance. Nommé - de l'île de Lemnos, pour les habitants dont il a été fait.
Amazone blessée, deuxième statue du célèbre concours de sculpture du temple d'Artémis d'Éphèse. En plus des sculptures ci-dessus, Phidias est également crédité d'autres, selon des similitudes de style: une statue de Déméter, une statue de Kore, un relief d'Eleusis, Anadumen (un jeune homme attachant un bandage autour de sa tête), Hermès Ludovisi, Apollon du Tibre, Apollon de Kassel.
Malgré le talent, ou plutôt le don divin, Phidias, sa relation avec les habitants d'Athènes n'était pas du tout chaleureuse. Comme l'écrit Plutarque, dans sa Vie de Périclès, Phidias était le principal conseiller et assistant de Périclès (homme politique athénien, célèbre orateur et commandant).
«Comme il était un ami de Périclès et jouissait d'une grande autorité auprès de lui, il avait beaucoup d'ennemis personnels et d'envieux. Ils ont persuadé l'un des assistants de Phidias, Menon, de dénoncer Phidias et de l'accuser de vol. L'envie de la gloire de ses œuvres pesait sur Phidias... Lors de l'analyse de son cas à l'Assemblée nationale, il n'y avait aucune preuve de vol. Mais Phidias fut envoyé en prison et là il mourut d'une maladie.
Polikleitos l'Ancien - un ancien sculpteur grec et théoricien de l'art, un contemporain de Phidias. Contrairement à Phidias, il n'était pas si grand. Cependant, sa sculpture a un certain caractère : Policlet aimait représenter des athlètes au repos, il s'est spécialisé dans la représentation d'athlètes, vainqueurs olympiques. Il a été le premier à penser à donner aux personnages une telle déclaration qu'ils reposaient sur la partie inférieure d'une seule jambe. Polikleitos a su montrer le corps humain dans un état d'équilibre - sa figure humaine au repos ou à allure lente semble mouvante et animée. Un exemple de ceci est la célèbre statue de Polikleitos "Dorifor" (porteur de lance). C'est dans ce travail que les idées de Poliklet sur les proportions idéales du corps humain, qui sont numériquement liées les unes aux autres, sont incarnées. On croyait que la figure avait été créée sur la base des dispositions du pythagorisme. Par conséquent, dans les temps anciens, la statue de Doryphore était souvent appelée le "canon de Poliklet". Les formes de cette statue se retrouvent dans la plupart des oeuvres du sculpteur et de son école. La distance du menton au sommet de la tête dans les statues de Polykleitos est d'un septième, tandis que la distance des yeux au menton est d'un seizième et la hauteur du visage est d'un dixième de la figure entière. Polykleitos est fortement associé à la tradition pythagoricienne. "Canon de Polykleitos" - un traité théorique du sculpteur, créé par Polykleitos pour que d'autres artistes l'utilisent. En effet, le Canon de Polykleitos a eu une grande influence sur la culture européenne, malgré le fait que seuls deux fragments du travail théorique aient survécu, les informations à ce sujet sont fragmentaires et la base mathématique n'a pas encore été définitivement déduite.
Outre le lancier, d'autres œuvres du sculpteur sont également connues : « Diadumen » (« Jeune homme nouant un bandage »), « Amazone blessée », une statue colossale d'Héra à Argos. Il a été fabriqué selon la technique chrysoéléphantine et a été perçu comme un pandan par l'olympien Zeus Phidias, "Discophorus" ("Jeune homme tenant un disque"). Malheureusement, ces sculptures n'ont survécu que dans d'anciennes copies romaines.
Au stade "Style riche", nous connaissons les noms de sculpteurs tels qu'Alkamen, Agoracritus, Callimachus, etc.
Alkamen, sculpteur grec, élève, rival et successeur de Phidias. On croyait qu'Alkamenes n'était pas inférieur à Phidias, et après la mort de ce dernier, il devint le principal sculpteur d'Athènes. Son Hermès en forme d'hermès (pilier couronné de la tête d'Hermès) est connu en de nombreux exemplaires. A proximité, près du temple d'Athéna Nike, il y avait une statue d'Hécate, composée de trois personnages reliés par le dos. Sur l'acropole d'Athènes, un groupe appartenant à Alkamen a également été retrouvé - Prokna, qui a levé un couteau sur son fils Itis, qui cherche le salut dans les plis de ses vêtements. Dans le sanctuaire sur le versant de l'Acropole se trouvait une statue de Dionysos assis appartenant à Alkamen. Alkamenes a également créé une statue d'Ares pour le temple de l'agora et une statue d'Héphaïstos pour le temple d'Héphaïstos et d'Athéna.
Alkamen a vaincu Agoracritus dans un concours pour créer une statue d'Aphrodite. Encore plus célèbre, cependant, est l'Aphrodite assise dans les Jardins, au pied nord de l'Acropole. Elle est représentée sur de nombreux vases attiques à figures rouges entourés d'Eros, de Peito et d'autres incarnations du bonheur que l'amour apporte. Souvent reprise par les anciens copistes, la tête, dite "Sappho", a probablement été copiée de cette statue. Dernier morceau Alkamène est un relief colossal avec Hercule et Athéna. Il est probable qu'Alkamen mourut peu de temps après.
Agorakrit était également un élève de Phidias et, comme on dit, un favori. Il a, comme Alkamen, participé à la création de la frise du Parthénon. Les deux œuvres les plus célèbres d'Agoracritus sont la statue cultuelle de la déesse Némésis (refaite après le duel avec Alkamen Athéna), donnée au temple de Ramnos et la statue de la Mère des Dieux à Athènes (parfois attribuée à Phidias). Parmi les œuvres mentionnées par les auteurs anciens, seules les statues de Zeus-Hadès et d'Athéna à Coronea appartenaient sans doute à Agoracritus. De ses œuvres, seules une partie de la tête de la statue colossale de Némésis et des fragments des reliefs qui ornaient le socle de cette statue ont survécu. Selon Pausanias, la jeune Hélène (fille de Némésis) était représentée sur le socle, avec Léda qui l'allaitait, son mari Ménélas et d'autres parents d'Hélène et de Ménélas.
Le caractère général de la sculpture classique tardif déterminée par le développement de tendances réalistes.
Scopas est l'un des sculpteurs majeurs de cette période. Scopas, garder les traditions art monumental grands classiques, sature ses œuvres de drame, il révèle les sentiments et les expériences complexes d'une personne. Les héros de Scopas continuent d'incarner les qualités parfaites des gens forts et vaillants. Cependant, Scopas introduit dans l'art de la sculpture les thèmes de la souffrance, de l'effondrement intérieur. Ce sont les images de soldats blessés des frontons du temple d'Athena Aley à Tegea. La plasticité, un jeu aigu et agité de clair-obscur souligne le drame de ce qui se passe.
Scopas a préféré travailler le marbre, abandonnant presque le matériau de prédilection des grands classiques - le bronze. Le marbre a permis de transmettre un jeu subtil d'ombre et de lumière, divers contrastes de textures. Sa Ménade (Bacchante), qui a survécu dans un petit exemplaire ancien endommagé, incarne l'image d'un homme possédé par un orageux accès de passion. La danse de Ménade est rapide, sa tête rejetée en arrière, ses cheveux tombant en une lourde vague sur ses épaules. Le mouvement des plis courbes de sa tunique souligne l'élan impétueux du corps.
Les images de Scopas sont soit profondément réfléchies, comme un jeune homme de la pierre tombale de la rivière Ilissus, soit vives et passionnées.
La frise du mausolée d'Halicarnasse représentant la bataille des Grecs contre les Amazones a été conservée dans l'original.
L'impact de l'art de Scopas sur le développement ultérieur de l'art plastique grec a été énorme, et il ne peut être comparé qu'à l'impact de l'art de son Praxitèle contemporain.
Dans son œuvre, Praxitèle se réfère à des images empreintes de l'esprit d'harmonie claire et pure, de réflexion calme, de contemplation sereine. Praxiteles et Scopas se complètent, révélant les différents états et sentiments d'une personne, son monde intérieur.
Représentant de beaux héros harmonieusement développés, Praxitèle révèle également des liens avec l'art des grands classiques, mais ses images perdent cet héroïsme et cette grandeur monumentale des œuvres de l'apogée, mais acquièrent un caractère plus lyriquement raffiné et contemplatif.
La maîtrise de Praxitèle est pleinement révélée dans le groupe en marbre "Hermès avec Dionysos". La courbe gracieuse de la silhouette, la posture décontractée de repos du jeune corps élancé, le beau visage spiritualisé d'Hermès sont rendus avec une grande habileté.
Praxitèle a créé un nouvel idéal beauté féminine, l'incarnant à l'image d'Aphrodite, qui est représentée au moment où, après s'être déshabillée, elle s'apprête à entrer dans l'eau. Bien que la sculpture ait été destinée à des fins de culte, l'image de la belle déesse nue a été libérée de la majesté solennelle. "Aphrodite de Cnide" a provoqué de nombreuses répétitions dans les temps suivants, mais aucune d'entre elles n'a pu être comparée à l'original.
La sculpture "Apollo Saurocton" est l'image d'un adolescent gracieux qui vise un lézard courant le long d'un tronc d'arbre. Praxitèle repense images mythologiques, les fonctionnalités y apparaissent Vie courante, éléments de genre.
Si dans l'art de Scopas et de Praxitèle il y a encore des liens tangibles avec les principes de l'art des grands classiques, alors dans culture artistique, le dernier tiers du IVe s. avant JC e., ces liens s'affaiblissent de plus en plus.
La Macédoine acquiert une grande importance dans la vie socio-politique du monde antique. Tout comme la guerre avec les Perses, elle a changé et repensé la culture de la Grèce au début du Ve siècle. avant JC e. Après les campagnes victorieuses d'Alexandre le Grand et sa conquête de la politique grecque, puis des vastes territoires d'Asie, qui sont devenus une partie de l'État macédonien, commence nouvelle étape dans le développement de la société antique - la période de l'hellénisme. La période de transition des classiques tardifs à la période hellénistique elle-même se distingue par des caractéristiques particulières.
Lysippe est le dernier grand maître des classiques tardifs. Son travail se déroule dans les années 40-30. 5ème siècle avant JC e., sous le règne d'Alexandre le Grand. Dans l'art de Lysippe, ainsi que dans l'œuvre de ses grands prédécesseurs, la tâche de révéler les expériences humaines a été résolue. Il a commencé à introduire des caractéristiques plus clairement exprimées d'âge, de profession. La nouveauté dans l'œuvre de Lysippe est son intérêt pour l'expressivité caractéristique de l'homme, ainsi que pour l'expansion des possibilités picturales de la sculpture.
Lysippe a incarné sa compréhension de l'image d'un homme dans la sculpture d'un jeune homme qui se nettoie le sable avec un grattoir après des compétitions - «Apoxiomen», qu'il représente non pas à un moment d'effort, mais dans un état de fatigue. Silhouette mince l'athlète est représenté dans un virage complexe qui oblige le spectateur à marcher autour de la sculpture. Le mouvement se déploie librement dans l'espace. Le visage exprime la lassitude, les yeux sombres enfoncés regardent au loin.
Lysippe traduit habilement le passage d'un état de repos à l'action et vice versa. C'est l'image d'Hermès au repos.
Le travail de Lysippe a été d'une grande importance pour le développement du portrait. Dans les portraits d'Alexandre le Grand créés par lui, un profond intérêt à révéler le monde spirituel du héros se révèle. La plus remarquable est la tête en marbre d'Alexandre, qui traduit sa nature complexe et contradictoire.
L'art de Lysippe occupe la zone frontalière au tournant des époques classique et hellénistique. Il est toujours fidèle aux concepts classiques, mais il les sape déjà de l'intérieur, créant le terrain pour une transition vers autre chose, plus détendu et plus prosaïque. En ce sens, la tête d'un combattant au poing est indicative, n'appartenant pas à Lysippe, mais peut-être à son frère Lysistrate, qui était également sculpteur et, comme on dit, fut le premier à utiliser des masques retirés du visage du modèle pour portraits (ce qui était répandu dans L'Egypte ancienne, mais complètement étranger à l'art grec). Il est possible que la tête du poing combattant ait également été réalisée à l'aide d'un masque ; c'est loin du canon, et loin des idées idéales de perfection physique, que les Hellènes incarnaient dans l'image d'un athlète. Ce vainqueur du combat au poing n'a rien à voir avec un demi-dieu, juste un artiste pour une foule oisive. Son visage est rugueux, son nez est aplati, ses oreilles sont enflées. Ce type d'images "naturalistes" s'est ensuite répandu dans l'hellénisme ; Un combattant de poing encore plus disgracieux a été sculpté par le sculpteur attique Apollonius déjà au 1er siècle avant JC. e.
Ce qui avait auparavant jeté des ombres sur la structure lumineuse de la vision du monde hellénique est venu à la fin du 4ème siècle avant JC. e.: la décomposition et la mort de la politique démocratique. Le début de cela a été posé par la montée de la Macédoine, la région du nord de la Grèce, et la capture effective de tous les États grecs par le roi macédonien Philippe II.
Alexandre le Grand dans sa jeunesse a goûté les fruits de la plus haute culture grecque. Son professeur était grand philosophe Aristote, peintres de cour - Lysippe et Apelle. Cela ne l'a pas empêché, s'étant emparé de l'État persan et prenant le trône des pharaons égyptiens, de se déclarer dieu et d'exiger que lui et la Grèce reçoivent les honneurs divins. Peu habitués aux coutumes orientales, les Grecs, en riant, ont dit: "Eh bien, si Alexandre veut être un dieu, qu'il soit" - et l'ont officiellement reconnu comme le fils de Zeus. Cependant, la démocratie grecque, sur laquelle sa culture s'est développée, est morte sous Alexandre et n'a pas été relancée après sa mort. L'État nouvellement émergé n'était plus grec, mais gréco-oriental. L'ère de l'hellénisme est venue - l'unification sous les auspices de la monarchie des cultures helléniques et orientales.
Étapes de développement de la sculpture grecque antique:
Archaïque
Classique
Hellénisme
ÉCORCE(du grec kore - fille),
ÉCORCE(du grec kore - fille),
1) chez les anciens Grecs, le nom culte de la déesse Perséphone.
2) Dans l'art grec ancien, une statue d'une jeune fille debout vêtue de longues robes.
KOUROS- dans l'art du grec ancien archaïque
- une statue d'un jeune athlète (généralement nu).
Kouros
Sculptures de kouros
La hauteur de la statue peut atteindre 3 mètres;
Incarnait l'idéal de la beauté masculine,
force et santé;
La figure d'un jeune homme debout avec
jambe en avant, mains jointes
en poings et étendus le long du corps.
Les visages manquent d'individualité ;
Exposés dans des lieux publics
près des temples;
Écorce
Sculptures kor
Sophistication et sophistication incarnées ;
Les postures sont monotones et statiques ;
Chitons et capes aux beaux motifs de
des lignes ondulées parallèles et une bordure le long
bords;
Cheveux bouclés en boucles et interceptés
diadèmes.
Sur le visage d'un mystérieux sourire
1. Un hymne à la grandeur et à la puissance spirituelle de l'Homme ;
2. Image préférée - un jeune homme élancé au physique athlétique;
3. Les apparences spirituelles et physiques sont harmonieuses, il n'y a rien de superflu, "rien de démesuré".
Sculpteur Polikleitos. Doryphore (Ve siècle av. J.-C.)
chiasme,
en image
image artistique
homme debout
chiffres basés sur
une jambe : dans ce cas, si
épaule droite relevée
la cuisse droite est tombante, et
vice versa.
Proportions idéales du corps humain :
La tête fait 1/7 de la hauteur totale ;
Visage et mains 1/10 partie
Pied - 1/6 partie
Sculpteur Miron. Lanceur de disque. (Ve siècle av. J.-C.)
La première tentative de la sculpture grecque pour briser la captivité de l'immobilité. Le mouvement n'est transmis que lorsque l'on considère la figure de face. Vue de côté, la posture de l'athlète est perçue comme quelque peu étrange et l'expression du mouvement est très difficilement devinée.
4ème siècle AVANT JC.
4ème siècle AVANT JC.
1. Efforcé pour le transfert de l'action vigoureuse ;
2. Ils ont transmis les sentiments et les expériences d'une personne :
- la passion
- tristesse
- rêverie
- tomber amoureux
- fureur
- désespoir
- Souffrance
- douleur
Scopas (420-355 av. J.-C.)
Scopas.
Ménade. 4e s. AVANT JC. Scopas.
Tête d'un guerrier blessé.
Scopas.
Scopas.
Bataille des Grecs contre les Amazones .
Détail du relief du mausolée d'Halicarnasse.
Praxitèle (390 -330 av. J.-C.)
Entré dans l'histoire de la sculpture comme
chanteuse de beauté inspirante.
Selon la légende, Praxitèle aurait créé deux
statues d'Aphrodite, représentant sur une
l'un d'eux une déesse habillée, et dans l'autre -
nu. Aphrodite en vêtements
acquis par les habitants de l'île de Kos, et
Nu a été monté sur
l'une des places principales de l'île
Cnide, d'où de toutes les parties de la Grèce
les fans ont commencé à affluer
la célèbre œuvre du sculpteur,
rehaussant la gloire de la ville.
Lysippe.
Lysippe.
Tête d'Alexandre
Macédonien Vers 330 av.
Lysippe.
Lysippe.
"Hermès au repos".
2e moitié du IVe s. avant JC e.
Léohar
Léohar.
"Apollon du Belvédère".
Milieu IVe s. avant JC e.
HELLENISME
HELLENISME, une période de l'histoire des pays de la Méditerranée orientale depuis les campagnes d'Alexandre le Grand (334-323 av. J.-C.) jusqu'à la conquête de ces pays par Rome, qui se termina en 30 av. e. assujettissement de l'Égypte.
En sculpture :
1. Excitation et tension des visages ;
2. Un tourbillon de sensations et d'expériences en images ;
3. Rêverie des images ;
4. Perfection harmonique et solennité
Nike de Samothrace. Début du IIe s. AVANT JC. Louvre, Paris
A l'heure de mon délire nocturne
Tu apparais devant mes yeux
Victoire de Samothrace
Avec les mains tendues.
Effrayant le silence de la nuit,
Donne des vertiges
Tu es ailé, aveugle,
Désir irrésistible.
Dans votre incroyablement lumineux
voir
Quelque chose rit, flambe,
Et nos ombres se précipitent par derrière
Ne pas pouvoir les rattraper.
Agésandre. Vénus (Aphrodite) de Milo. 120 avant JC Marbre.
Agésandre. « La mort de Laocoon et ses fils ». Marbre. Vers 50 avant JC e.
Mots croisés
Horizontalement : 1. La personne à la tête de la monarchie (nom général des rois, rois, empereurs, etc.). 2. Dans la mythologie grecque : un titan tenant la voûte céleste sur ses épaules en guise de punition pour avoir combattu les dieux. 3. Nom propre du grec. 4. Sculpteur grec ancien, auteur de la "Tête d'Athéna", la statue d'Athéna dans le Parthénon. 5. Dessin ou motif de cailloux multicolores ou de morceaux de verre attachés ensemble. 6. Dans la mythologie grecque : dieu du feu, patron des forgerons. 7. Place du Marché à Athènes. 8. Dans la mythologie grecque : le dieu de la viticulture et de la vinification. 9. Poète grec ancien, auteur des poèmes "Iliade" et "Odyssée". 10. « Un lieu de spectacles », où des tragédies et des comédies ont été mises en scène.
Verticalement : 11. Une personne qui a le don de parler. 12. Péninsule au sud-est de la Grèce centrale, territoire de l'État athénien. 13. Dans la mythologie grecque : créatures marines sous la forme d'un oiseau à tête féminine, attirant les marins en chantant. Quatorze. Travail principal Hérodote. 15. Dans mythologie grecque antique: géant borgne. 16. Dessiner sur du plâtre humide avec des peintures. 17. Ancien dieu grec du commerce. 18. Auteur de la sculpture "Vénus de Milo" ? 19. Auteur de la sculpture "Apollo Belvedere".
L'art de la Grèce antique est devenu le support et la fondation sur lesquels repose l'ensemble civilisation européenne. La sculpture de la Grèce antique est un sujet particulier. Sans la sculpture antique, il n'y aurait pas de brillants chefs-d'œuvre de la Renaissance, et il est difficile d'imaginer le développement ultérieur de cet art. Dans l'histoire du développement de la sculpture antique grecque, on peut distinguer trois grandes étapes : archaïque, classique et hellénistique. Chacun a quelque chose d'important et de spécial. Considérons chacun d'eux.
art archaïque. Caractéristiques : 1) position frontale statique des personnages, rappelant la sculpture égyptienne antique : bras baissés, une jambe en avant ; 2) La sculpture représente des jeunes hommes (« kuros ») et des jeunes filles (« koros »), sur leurs visages un sourire calme (archaïque) ; 3) Les kouros étaient représentés nus, les écorces étaient toujours habillées et les sculptures étaient peintes ; 4) Maîtrise à l'image des mèches de cheveux, en sculptures ultérieures- plis de draperies sur figures féminines.
La période archaïque couvre trois siècles - du VIIIe au VIe siècle av. e. C'est la période de formation des fondements de la sculpture antique, de l'établissement des canons et des traditions. La période dénote très conditionnellement le cadre de l'art antique primitif. En fait, les débuts de l'archaïque sont déjà visibles dans les sculptures du IXe siècle avant JC, et de nombreux signes de l'archaïque peuvent être vus dans les monuments du IVe siècle avant JC. Les maîtres de la haute antiquité utilisaient le plus matériel différent. Des sculptures en bois, calcaire, terre cuite, basalte, marbre et bronze ont été conservées. La sculpture archaïque peut être divisée en deux composantes fondamentales : kora (figures féminines) et kouros (figures masculines). Le sourire archaïque est un type particulier de sourire utilisé par les sculpteurs archaïques grecs, en particulier dans le deuxième quart du VIe siècle. avant JC e. , peut-être pour démontrer que le sujet de l'image est vivant. Ce sourire est plat et semble peu naturel, bien qu'il soit un signe de l'évolution de l'art sculptural vers le réalisme et sa quête.
Kore Common, pour presque toutes les statues féminines, est l'angle. Le plus souvent, l'écorce apparaît frontalement dressée, les bras sont souvent baissés le long du corps, rarement croisés sur la poitrine ou portant des attributs sacrés (lance, bouclier, épée, baguette, fruit, etc.). Il y a un sourire archaïque sur son visage. Les proportions du corps sont suffisamment véhiculées, malgré les images générales schématiques et généralisées. Toutes les sculptures doivent être peintes.
Les sculptures Kuros Male de l'époque se caractérisent par une pose frontale stricte, souvent la jambe gauche est poussée vers l'avant. Les bras sont baissés le long du corps, les mains sont serrées en poing, les sculptures avec les bras tendus vers l'avant, comme si elles tendaient un sacrifice, sont moins courantes. Une autre condition indispensable pour les statues masculines archaïques est l'exacte symétrie du corps. Extérieurement, les sculptures masculines ont beaucoup en commun avec les statues égyptiennes, ce qui indique une forte influence de l'esthétique et de la tradition égyptiennes sur l'art ancien. On sait que les premiers kuros étaient en bois, mais pas une seule sculpture en bois n'a survécu. Plus tard, les Grecs ont appris à traiter la pierre, de sorte que tous les kouroi survivants sont en marbre.
Art classique. Caractéristiques : 1) Achèvement de la recherche d'un moyen de représenter une figure humaine en mouvement, harmonieuse dans ses proportions ; la position du "contreposte" a été développée - l'équilibre des mouvements des parties du corps au repos (une figure se tenant librement avec un appui sur une jambe); 2) Le sculpteur Poliklet développe la théorie de la contrapposta, illustrant son travail avec des sculptures dans cette position ; 3) Au Ve s. avant JC e. la personne est décrite comme harmonieuse, idéalisée, en règle générale, jeune ou d'âge moyen, l'expression du visage est calme, sans rides ni plis mimiques, les mouvements sont sobres, harmonieux; 4) Au IVe s. avant JC e. il y a plus de dynamisme, voire d'acuité dans la plastique des figures ; dans les images sculpturales, ils commencent à montrer les traits individuels des visages et des corps ; une sculpture apparaît.
Le 5ème siècle dans l'histoire de la sculpture grecque de la période classique peut être qualifié de "pas en avant". Le développement de la sculpture de la Grèce antique à cette époque est associé aux noms de tels maîtres célèbres comme Myron, Polykleitos et Phidias. Dans leurs créations, les images deviennent plus réalistes, si l'on peut dire même « vivantes », le schématisme qui était caractéristique de la sculpture archaïque diminue. Mais les principaux "héros" sont les dieux et les personnes "idéales". La plupart des sculptures de cette époque sont associées à l'art plastique antique. Les chefs-d'œuvre de la Grèce classique se distinguent par l'harmonie, les proportions idéales (ce qui indique une excellente connaissance de l'anatomie humaine), ainsi que le contenu et la dynamique internes.
Polikleitos, qui a travaillé à Argos, dans la seconde moitié du Ve s. avant JC e, est un éminent représentant de l'école du Péloponnèse. La sculpture de la période classique est riche de ses chefs-d'œuvre. Il était un maître de la sculpture en bronze et un excellent théoricien de l'art. Poliklet a préféré représenter des athlètes dans lesquels des gens simples toujours vu l'idéal. Parmi ses œuvres figurent les statues de "Doryfor" et "Diadumen". La première œuvre est un guerrier fort avec une lance, l'incarnation de la dignité calme. Le second est un jeune homme svelte, avec un bandeau de vainqueur de concours sur la tête.
Myron, qui a vécu au milieu du Ve siècle. avant JC e, nous est connu par des dessins et des copies romaines. Ce maître ingénieux maîtrisait parfaitement la plasticité et l'anatomie, traduisait clairement la liberté de mouvement dans ses œuvres ("Discobolus").
Le sculpteur a tenté de montrer la lutte de deux contraires : le calme face à Athéna et la sauvagerie face à Marsyas.
Phidias est un autre représentant lumineux sculpteur de la période classique. Son nom sonnait brillamment à l'apogée de l'art classique grec. Ses sculptures les plus célèbres étaient les statues colossales d'Athéna Parthénos et de Zeus dans le Temple olympique, Athéna Promachos située sur la place Acropole d'Athènes. Ces chefs-d'œuvre de l'art sont irrémédiablement perdus. Seules des descriptions et des copies romaines réduites nous donnent une vague idée de la magnificence de ces sculptures monumentales.
La sculpture de la Grèce antique montrait la beauté physique et intérieure et l'harmonie de l'homme. Déjà au 4ème siècle, après les conquêtes d'Alexandre le Grand en Grèce, de nouveaux noms de sculpteurs talentueux sont devenus connus. Les créateurs de cette époque commencent à accorder plus d'attention à l'état interne d'une personne, à son état psychologique et à ses émotions.
Un sculpteur célèbre de la période classique était Skopas, qui a vécu au milieu du 4ème siècle avant JC. Il innove en révélant le monde intérieur d'une personne, tente de dépeindre des émotions de joie, de peur, de bonheur dans des sculptures. Il n'avait pas peur d'expérimenter et dépeint des personnes dans diverses poses complexes, à la recherche de nouvelles possibilités artistiques pour représenter de nouveaux sentiments sur un visage humain (passion, colère, rage, peur, tristesse). La statue de Ménade est une excellente création d'art plastique rond, aujourd'hui sa copie romaine est conservée. Une nouvelle œuvre en relief aux multiples facettes est l'Amazonomachie, qui orne le mausolée d'Halicarnasse en Asie Mineure.
Praxitèle était sculpteur exceptionnel période classique, qui a vécu à Athènes, vers 350 av. Malheureusement, seule la statue d'Hermès d'Olympie nous est parvenue, et nous ne connaissons le reste des œuvres que par des copies romaines. Praxitèle, comme Scopas, a essayé de transmettre les sentiments des gens, mais il a préféré exprimer des émotions plus «légères» qui plaisaient à une personne. Il a transféré les émotions lyriques, la rêverie aux sculptures, a chanté la beauté du corps humain. Le sculpteur ne forme pas de figures en mouvement.
Parmi ses œuvres, il convient de noter "Le satyre au repos", "Aphrodite de Cnide", "Hermès avec l'enfant Dionysos", "Apollon tuant le lézard".
Lysippe (seconde moitié du IVe siècle av. J.-C.) est l'un des plus grands sculpteurs de l'époque classique. Il a préféré travailler le bronze. Seules les copies romaines permettent de se familiariser avec son œuvre.
Parmi oeuvres célébres"Hercule avec une biche", "Apoxiomen", "Hermès au repos" et "Lutteur". Lysippe fait des changements de proportion, il représente une tête plus petite, un corps plus maigre et des jambes plus longues. Toutes ses œuvres sont individuelles, le portrait d'Alexandre le Grand est également humanisé.
La petite sculpture de la période hellénistique était très répandue et consistait en des figures de personnes en terre cuite (terre cuite). On les appelait les terres cuites de Tanagra, du nom du lieu de leur production, la ville de Tanagra en Béotie.
Art hellénistique. Caractéristiques : 1) Perte d'harmonie et mouvements de la période classique ; 2) Les mouvements des personnages acquièrent un dynamisme prononcé ; 3) Les images d'une personne en sculpture tendent à véhiculer des traits individuels, le désir de naturalisme, une rupture avec l'harmonisation de la nature ; 4) Dans la décoration sculpturale des temples, l'ancien vestige « héroïque » ; 5) La perfection du transfert des formes, volumes, plis, "vitalité" de la nature.
A cette époque, la sculpture ornait les maisons privées, les édifices publics, les places, les acropoles. La sculpture hellénistique se caractérise par le reflet et la révélation de l'esprit d'agitation et de tension, le désir de faste et de théâtralité, et parfois un naturalisme brut. L'école de Pergame s'est développée principes artistiques Scopas avec son intérêt pour les manifestations violentes des sentiments, la transmission de mouvements rapides. L'un des édifices les plus remarquables de l'hellénisme était la frise monumentale de l'autel de Pergame, construit par Eumène 2 en l'honneur de la victoire sur les Gaulois en 180 av. e. Son socle était recouvert d'une frise de 120 m de long, réalisée en haut-relief et représentant la bataille des dieux olympiens et des géants rebelles avec des serpents à la place des jambes.
Le courage s'incarne dans les groupes sculpturaux "Le Gaulois mourant", "Le Gaulois se tuant lui-même et sa femme". Sculpture exceptionnelle Hellénisme - Aphrodite de Milan par Agesandra - à moitié nue, stricte et sublimement calme.
