W środowisku młodych artystów w Paryżu jako jeden z nielicznych milczał i uśmiechał się ironicznie, obserwując swoich kolegów artystów. Dusza firmy, tajemnicza i niezrozumiała Georges-Pierre Seurat przez całe swoje krótkie życie narażał się na odrzucenie i nie bał się tego. Szedł własną, obraną niegdyś drogą i przedstawił światu podwaliny neoimpresjonizmu, który na zawsze zmienił oblicze malarstwa.

W obrazach Seurata za jego życia niektórzy znajdowali inspirację, inni skrupulatnie szukali wad. Współcześni badacze próbują odnaleźć tajemnicze szyfry na podstawie jego najsłynniejszych dzieł, takich jak „Niedziela na wyspie Grande Jatte”. Twórca gatunku puentylizmu starał się włożyć w swoją pracę jak najwięcej duszy, jakby wiedział, że czas przeznaczony na ziemi jest znikomy.

Nikt, nawet przyjaciele z tzw. kręgu „niezależnych” artystów, nie mogli się pochwalić, że Seurat dobrze znał. Być może korzenie tajemnicy sięgały daleko w dzieciństwie, kiedy Georges-Pierre, najmłodsze dziecko w rodzinie była jak między młotem a kowadłem. Z jednej strony zmęczona, nieco obojętna matka, z drugiej ojciec, urzędnik ministerialny, w ostatnie latażycie z całą pasją poddało się uczuciu religijnym. Starszy brat i siostra obracali się w tej samej atmosferze braku duchowej bliskości i wcześnie opuścili dom ojca. Pozbawiony silnego przywiązania do kogokolwiek, chłopak zaczął interesować się sztuką. Tylko to mogło sprawić, że przełamał ciszę i zainspirował do rozmów z tymi, którzy byli gotowi słuchać i wspierać. Rodzice nie widzieli w tych skłonnościach zła, a przy okazji dobra – uważali swoje obowiązki za spełnione, bo rodzina miała kapitał, który zapewniał dzieciom dogodną przyszłość.

Początek kariery artysty był zwyczajny: w klasie miejscowej szkoły malarstwa Georges-Pierre Seurat i inni studenci ślękali nad reprodukcją konturów gipsowych popiersi i obrazów dawnych mistrzów.
Zaledwie w wieku 19 lat został przyjęty do Szkoły sztuki piękne. Tutaj również preferowano kopiowanie klasycznych przykładów rzemiosła, ale Georges-Pierre odkrył już własne początki. metody kreatywne. Młody człowiek był poruszony do samego serca pracami impresjonistów, których zobaczył. Nawet to, co wcześniej tak lubił, zostało zepchnięte na bok pod wpływem tego potężnego wrażenia.

Seurat nie porzucił swoich twórczych eksperymentów, nawet gdy ojczyzna zażądała płacenia dyżuru wojskowego. Jego pułk stał przez długi czas bezczynnie zakwaterowany, a czasu prawie zawsze było mnóstwo. Po roku Georges-Pierre Seurat wrócił do Paryża i usiadł w swoim małym studio, wypełniając luki w technologii. W tym okresie za zadanie nadrzędne uważał zrozumienie natury światła w obrazie, dla którego większość szkiców wykonywał zwykłą kredą. Badanie pracy impresjonistów było kontynuowane, ale w układzie współrzędnych Seurata pojawiła się kolejna gwiazda.

Istnieje opinia, że ​​to właśnie pod wpływem prac w końcu doszedł do własnej kolorystyki. Wyjątkowa pamięć młodego człowieka przyczyniła się w dużej mierze do poprawy jego umiejętności - wszystko, aż do najdrobniejszych niuansów koloru i światła, które widział kiedyś, Seurat mógł później łatwo zapamiętać, a następnie odtworzyć. Ale głównym odkryciem młodego malarza wcale nie były obrazy, ale solidne dzieło naukowe napisane przez Michela Eugene'a Chevreula. Ten, który poświęcił pół życia na naukę właściwości chemiczne materiałów w warsztacie farbiarskim wydedukował prawa kontrastu barwnego, zgodnie z którymi różne ułożone obok siebie barwy dają pewien efekt.

Od momentu, w którym Seurat dołączył do twórczości Chevreula, punktem wyjścia w jego obrazach było światło. Aby zrozumieć naturę zestawienia kolorów i wrażenie, jakie wywołuje, niestrudzenie obserwował, a jednocześnie coraz bardziej odchodził od maniery impresjonistów. Pomyślał, że pociągnięcia czystego koloru zanikały, gdy łączyły się ze sobą. Seurat szukał narzędzia, które mogłoby wnieść na płótno tchnienie życia. Pracował w plenerze, podróżując w poszukiwaniu inspiracji po dzielnicach Paryża, tak popularnych wśród miejscowej kreatywnej młodzieży. Niemal codziennie do ćwiczeń nękał deski, których używał zamiast płótna. Sam nazywał je „krokietami”. Były to szkice, szkice, w których Seurat wciąż starał się zrozumieć naturę kontrastu, dziwną relację światła, cienia i koloru. Równie chętnie jak dawniej przyglądał się pracom impresjonistów na wystawach. Poszukiwania te musiały zakończyć się wielkim sukcesem.

Wiosną 1883 roku Georges-Pierre Seurat wraz z przyjaciółmi, którzy odnieśli znacznie większe sukcesy w malarstwie akademickim, postanowił wystawić swoje prace na najbliższym Salonie. Ernest Laurent i Aman-Jean, przyjaciele malarza, nie zawiedli, zgłaszając do jury obrazy o tematyce tradycyjnej - obaj otrzymali wysokie nagrody. Z kolei Georges-Pierre otrzymał bardzo fajną recenzję za swój portret Amana-Jeana, a inna praca przedstawiająca jego matkę przy hafcie nie została w ogóle dopuszczona.

Taka technika wcale nie ostudziła zapału Seurata, niemal natychmiast rozpoczął pracę na dużą skalę na płótnie o wymiarach dwa na trzy metry. Z „krokietów”, szkiców w zeszycie, niekończących się obserwacji chodzącej publiczności narodziły się „Kąpiące się w Asnieres”.

Georges-Pierre Seurat był wierny sobie i swoim nauczycielom – zaniedbywana przez wielu impresjonistów kompozycja jest dopracowana w najdrobniejszych szczegółach, obraz jest podzielony na matematycznie zweryfikowane strefy, kolor dzielony jest na składniki i składany ponownie, by wylać na widza ze strumieniem słońca nad brzegami Sekwany.

Paradoksalne jest to, jak nieruchome są na jego płótnach miejsca, które ledwo znały letnią nudę, jak statyczna jest natura, twarze, pozy, a nawet płacz jakby zamarł na ustach kąpiącego się w prawym rogu. Jeden z najbardziej zatłoczonych zakątków paryskich przedmieść jest pogrążony w absolutnej ciszy w pogodny letni dzień.

Odmowa ławy przysięgłych była druzgocącym ciosem. Seurat boleśnie zdawał sobie sprawę ze słów krytyka, który twórczość niektórych autorów nazwał „bezsensowną, anemiczną i naciąganą”, i od tego czasu wolał nie mieć żadnych związków z oficjalnym Salonem. Przeszedł więc na stronę wyrzutków - artystów, których obrazy również nie zostały docenione przez krytykę. Tutaj los pchnął milczącego młodzieńca z Paulem Signac, a to spotkanie stało się fatalne. O ile Seurata bardziej interesowały teorie, które pozwalały mu dokładniej wnikać w strukturę malarstwa, o tyle Signac był w stanie rozpoznać i obliczyć zasady swojej pracy, co dało początek nazwie „puentylizm” (lub „dywizjonizm”).

W żyznej atmosferze Salonu Wygnańców Seurat ponownie poczuł potrzebę tworzenia. Prawie dwa lata zajęło się wspaniałym rozmachem i dokładnością wykonania „Niedzieli na wyspie Grande Jatte”. Na ósmej, która stała się ostatnią, wystawą impresjonistów, obraz zrobił furorę.

Oprócz negatywna opinia zabrzmiały nowe głosy, zwiastujące epokę Nowa szkoła obraz. Z lekka ręka krytyka Seurat zaczął być uważany za lidera nurtu, który później nazwano „neoimpresjonizmem”.

Później wielu artystów uważało się za jego naśladowców. Ale pierwsze lata neoimpresjonizmu reprezentowali głównie naśladowcy Seurata, który był raczej zdenerwowany taką sławą. Zamknął się, jak w szkolne lata. Nawet o romansie z szwaczką, z której w 1890 roku Georges-Pierre miał syna o imieniu „lustrzane” Pierre-Georges, większość jego przyjaciół i krewnych nie wiedziała.

Niesamowity sukces” niedzielne popołudnie”, a późniejszy okres odosobnienia artysty doprowadził do tego, że późniejsze prace były ledwo znane publiczności. Wśród nich są obrazy „Kabaret”, obraz Wieża Eiffla i najbardziej modernistycznym dziełem Cyrk.

Poważna choroba ogarnęła Seurata, gdy przygotowywał się do przerwania milczenia i wzięcia udziału w nowej wystawie. W ciągu zaledwie trzech dni zmarł czarujący, milczący bywalca Salonu Wygnańców, który starał się zrozumieć tajemnice Wszechświata na skalę płótna.

Georges-Pierre Seurat miał 31 lat.

150 lat temu urodził się 2 grudnia 1859 francuski artysta Georges Seurat, założyciel szkoły neoimpresjonistycznej. Jego kreatywny sposób pasuje za dziesięć lat, wydaje się znacznie jaśniejszy ścieżka życia: Seurat nie „robił rewolucji”, nie prowokował opinii publicznej, a współcześni pamiętali go jako osobę zamkniętą, nietowarzyską i niezależną. Główna miłość artysta malował - godzinami mógł mówić tylko o kompozycji i kolorze. Ale o tym, że Ser miał kochankę i syna, krewni dowiedzieli się dopiero po jego śmierci.

„Pracował z szaloną obsesją i żył, jak mnich, w całkowitej samotności w swoim małym warsztacie” – wspominał o artyście jego współczesny pisarz Arsen Alexander. Seurat studiował przez całe życie, nieustannie doskonaląc swoją technikę malarską, rysunek, studiując arcydzieła malarstwa, a wraz z nimi książki naukowe: dzieła Charlesa Blanca, Rude'a, Chevaliera. Takie dwustronne podejście pozwoliło na pojawienie się oryginalnego malarstwa, zwanego „puentylizmem” (z francuskiego punktu - punkt).

Istota tej techniki artystycznej polega na przenoszeniu koloru i odcieni na płótno osobnymi pociągnięciami i jest stosowana w oparciu o optyczny efekt scalania drobnych detali przy patrzeniu na obraz z daleka.

Początek

Sera urodził się w dość zamożnej, choć nie pozbawionej dziwactw rodzinie. Jego rodzice nie mieszkali razem: jego ojciec, Antoine Chrysost Seurat, był komornikiem w miejscowości La Villette i zamieszkał w swoim letnim domu, w którego piwnicy urządził dom modlitw z ogrodnikiem jako opiekunem. Zostawił żonę i syna w Paryżu i odwiedzał ich rzadko, nie częściej niż raz w tygodniu. Ale rodzice nigdy nie odmawiali synowi wsparcia finansowego, a Sera mógł pracować przez całe życie, nie myśląc o pieniądzach.

Malowanie zainteresowany Seurat w młodym wieku, jako nastolatek zaczął uczęszczać na kursy plastyczne w miejskiej szkole wieczorowej, gdzie opanował tradycyjny sposób pisania, kopiując gipsowe odlewy i obrazy dawnych mistrzów.

Później postanowiono kontynuować edukację akademicką w Szkole Sztuk Pięknych, do której Seurat wstąpił w 1878 roku i gdzie uczył się malarstwa pod kierunkiem Henriego Lemana, spędzając, według wspomnień współczesnych, cały swój czas wolny w szkolnej bibliotece.

W 1879 Seurat odwiedza wystawę impresjonistów, których prace, zwłaszcza Moneta i Degasa, powstają dla artysty. najsilniejsze wrażenie- ich sposób pisania, "blask" obrazów, lekkość pędzla zachęcają Seurata do szukania sposobu na "podporządkowanie" tego blasku logice praw przyrody.

Pierwszym dużym rezultatem poszukiwań jest obraz „Kąpiel w Asnieres” (1883, dwa na trzy metry), nad którym artysta pracował przez cały rok i który miał nadzieję wystawić na Salonie 1884 roku, który przyjął prawie wszystkie jego prac rok wcześniej. W tym czasie znał już Gramatykę rysunku Charlesa Blanca, zgodnie z którą drobne kreski umieszczone obok siebie na płótnie sprawiają wrażenie żywej wibracji płótna. Podobno sposób okazał się zbyt nowatorski: obraz trafia do Salonu Niezależnych.

kropka po kropce

Na tej wystawie Seurat spotyka Paula Signaca, który później zostaje jego bliskim przyjacielem i współpracownikiem. Seurat i Signac wspólnie rozwijają idee Chevrela, jego teorię koloru w malarstwie, Seurat studiuje prace Ogdena Nicholasa Rude'a „Współczesna teoria koloru”.

Roode udowodnił, że optyczne mieszanie podstawowych kolorów widma słonecznego - czerwonego, żółtego i niebieskiego - sprawia, że ​​ich ton jest jaśniejszy niż przy mieszaniu pigmentów. Artyści dochodzą do wniosku, że farb nie trzeba mieszać, a pociągnięcia na płótnie należy nakładać oddzielnie od siebie – „punkt po punkcie”.

Z nowymi pomysłami Seurat rozpoczyna pracę nad jednym ze swoich najważniejszych i być może najsłynniejszych dzieł - „Niedzielnym spacerem po wyspie Grande Jatte”, który wystawia na ósmej i ostatniej wystawie impresjonistów.

Opinia publiczna zareagowała na obraz niejednoznacznie, ale najczęściej z niezrozumieniem, zdezorientowaniem i sceptycyzmem. W porównaniu z panującymi wówczas impresjonistami obrazy Seurata wydawały się wielu naciąganym i sztucznym.. Impresjoniści rzucili się przeciwko niemu, wydaje się, że jest najsilniejszy. Na przykład, amerykański artysta Theodore Robinson nazwał nowy styl „odchodami much”. Jak na ironię przez płótno i Degasa. W odpowiedzi na słowa Pissarro o zaletach „Wielkiej Jatte” odpowiedział: „Och, zauważyłbym to, Pissarro, ale jest bardzo duża”, nawiązując do optycznych właściwości puentylizmu, który patrząc z bliska obraz w kolorowy bałagan.
Wręcz przeciwnie, Maurice Ermel nazwał to płótno „manifestem malarstwa i sztandarem nowej szkoły”.

W każdym razie nowy metoda artystyczna nie pozostało niezauważone - rozmawiali o nim, kłócili się i oczywiście zaczęli go naśladować. Tak powstała grupa neoimpresjonistów, której inicjatorem był Signac. Wśród nich byli Albert Dubois-Pillier, Charles Angrand, Maximilian Luce i inni.

Po Seuracie

Życie Seurata zakończyło się niespodziewanie: w marcu 1891 roku artysta zachorował podczas przygotowań do nowej wystawy i zmarł, jak mówią, na zapalenie opon mózgowych. Jego ostatnim i niedokończonym dziełem był obraz „Cyrk”, który artysta do dziś zdołał wystawić w „Salonie Niepodległej”.

To była kompletna niespodzianka dla krewnych i przyjaciół, że Seurat miał kochankę i syna. Z Madeleine Knobloch, krawcową, artysta spotkał się dwa lata przed śmiercią i ukrył to połączenie przed krewnymi i przyjaciółmi, nawet gdy urodził się ich syn, Pierre Georges. To tragiczne, że jednoroczne dziecko zmarł na tę samą infekcję co Sera, dwa dni po śmierci ojca.

Warsztat Seurata pozostawił 42 obrazy, 163 krokiety, 527 rysunków i szkiców, które stały się przedmiotem sporu dla krewnych i przyjaciół Madeleine Knobloch. Jednak wtedy te zdjęcia nie były warte duże pieniądze: za życia Seuratowi udało się sprzedać tylko kilka swoich prac (300 franków na pejzaże i 60 na rysunki) oraz obraz „Modele”, który sam artysta oszacował na 2500 franków (7 franków za dzień pracy) sześć lat po śmierci został sprzedany za jedyne 800 franków. W 1900 roku rodzina artysty sprzedała Grand Jatte za 800 franków, Cyrk za 500 franków, a rysunki po 10 franków.

Prawdziwe uznanie, jak to często bywa, przyszło Seuratowi wiele lat później, w dużej mierze dzięki wysiłkowi przyjaciół, którzy wykonali świetną robotę analizując i systematyzując jego obrazy oraz organizując wystawy pośmiertne. Dodatkowym utrudnieniem było to, że artysta zwykle nie podpisywał swoich prac. Wszystkie obrazy, szkice i rysunki Seurata znajdujące się w pracowni zostały oznaczone jako autentyczne, co stało się podstawą do dalszych badań nad twórczością artysty.

Rok temu, w grudniu 2008 roku, rysunek Seurata „Na japońskiej sofie” (Au divan japonais) został sprzedany przez Sotheby's za 5 milionów euro.

Materiał został przygotowany przez redakcję rian.ru na podstawie otwartych źródeł

Twórczość Georgesa Seurata trwa niecałe dziesięć lat. Jego dziedzictwo artystyczne nie jest liczne. Niemniej jednak udało mu się opracować nowatorską koncepcję malarską, zmieniającą kierunek rozwoju malarstwa.

Georges-Pierre Seurat
Georges Seurat

Artysta, założyciel szkoła francuska XIX-wieczny neoimpresjonizm, którego technika odwzorowywania gry świateł drobnymi pociągnięciami kontrastujących kolorów stała się znana jako puentylizm.

Dzięki tej technice Seurat stworzył kompozycje z maleńkimi, samodzielnymi pociągnięciami czystego koloru, które są zbyt małe, aby można je było zobaczyć, ale sprawiają, że jego obrazy są jednym zachwycającym dziełem.

Georges Seurat: Las Seurat w Pontaubert, 1881,
Las w Pontober (Ionne)
1881
płótno, olej
Metropolitan Museum, Nowy Jork

Georgesa Seurata. „Matka Artysty” 1882-83
Kreda, papier. Metropolitan Museum of Art (Stany Zjednoczone).

Georges-Pierre Seurat urodził się 2 grudnia 1859 roku w Paryżu. Studiował w Szkole Sztuk Pięknych w latach 1878-1879 u ucznia Ingresa Henri Lemana. Świetny wpływ na rozwój młody artystaświadczone kreatywność i Francisco de Goya.

Seurat swoje pierwsze obrazy pokazał w oficjalnym salonie w 1883 roku i na I Wystawie Niepodległych w 1884 roku. Tu poznał Paula Signaca, z którym Seurat rozwinął nową technikę rysunkową – puentylizm, czyli dywizjonizm, jak nazwał to sam artysta.

Georgesa Seurata. „Kąpiel w Asnieres”. 1883-84
Olej, płótno. 200 × 300 cm Londyńska Galeria Narodowa.

Pozy mężczyzny i chłopca w kapeluszu z szerokim rondem, opierających głowę na dłoni, są echem postaci przedstawionych w tle.

Pozioma linia promu powtarza się w linii mostu kolejowego i linii trawy na przeciwległym brzegu, podczas gdy pion masztu na promie przypomina rząd rur wznoszących się ku niebu.

Pozę kąpiącego się w wodzie chłopca zapożyczono z obrazu Ingresa.

Pies został dodany do kompozycji później. Jak większość postaci, jej głowa jest przedstawiona ściśle z profilu i zwrócona w prawo.

We wczesnych pracach Seurata w wodzie były konie i kąpiące się, ale wbrew intencji artysty nadawały one kompozycji dynamikę, więc artysta zastąpił je nieruchomą postacią chłopca z dłońmi przyczepionymi do ust.

Obraz przedstawia żywą scenę z życia paryżan wypoczywających w Asnieres pod Paryżem. Siarka doskonale oddawała atmosferę słońca letni dzień na przedmieściach dużego przemysłowego miasta z mostami kolejowymi, kamiennymi budynkami i dymiącymi kominami fabrycznymi.

Na pierwszy rzut oka „Kąpiel w Asnieres” można nazwać impresjonistycznym płótnem - ze względu na jasność kolorów, a nawet fakt, że postać przedstawiona na zdjęciu (wioślarz po prawej) jest częściowo odcięta krawędzią ramy , co jest bardzo typowe dla impresjonistów. Jednak w przeciwieństwie do nich Seurat pieczołowicie buduje kompozycję swojego obrazu. Zrobił dla niej dziesiątki wstępnych szkiców ołówkiem i olejem, szczegółowo opracował każdą figurę, zapożyczając niektóre pozy z dzieł dawnych mistrzów. Po jej ukończeniu artysta bardzo liczył na sukces. Ale obraz został odrzucony przez jury Salonu 1884, następnie wystawiony w Salon des Indépendants, a ostatecznie wysłany do sklepu.

„Wyspa Grande Jatte”. 1884
Ze zbiorów prywatnych, Nowy Jork.

„Georges Seurat - Seurat Kanał La Manche w Grandcamp, 1885
1885
66,2 x 82,4
płótno, olej
Nowy Jork. Muzeum Sztuki Metropolitan

Georges Seurat: Seurat Sekwana w Courbevoie, 1885
Sekwana w pobliżu Courbevoie
1885
81x65
płótno, olej
Paryż. Kolekcja Cachin-Signac

Jego słynny obraz „Niedzielny spacer po wyspie Grand Jatte”, wykonany w nowym artystycznym stylu, był centralnym punktem wystawy impresjonistów w 1886 roku.

Seurat pracował nad tym monumentalnym płótnem przez dwa lata i stało się sensacją ostatniej (ósmej) wystawy impresjonistów, która odbyła się w 1886 roku.

Georgesa Seurata. „Niedzielny spacer po wyspie Grand Jatte”. 1884-86
Olej, płótno. 207,5 x 308 cm Art Institute of Chicago, IL, USA.

Pojawienie się obrazu Niedzielny spacer po wyspie Grand Jatte było epokowym wydarzeniem w historii malarstwa. Wykonana w technice puentylizmu praca ta została wystawiona na ostatniej wystawie impresjonistów, ale nie odniosła sukcesu. Wrogo do niej odnosili się nie tylko krytycy (z wyjątkiem Felixa Feniona), ale także sami impresjoniści. Renoir, Sisley, Caillebotte i Monet, którzy nazwali pointylistów „opuchniętymi”, odmówili wystawiania się z nimi.

Krytycy, analizując obraz, mówili o publicznej samotności człowieka, o kpinie z obłudnych norm społecznych, ale sam Seurat nie chciał wchodzić w metafizyczne subtelności. Artysta był lakoniczny: - "Zastosowałem tutaj" - powiedział - "moja metoda, to wszystko".

Zapoznajmy się z analizą obrazu:

transformacja geometryczna.
Przestrzeń „Grand Jatte” zamieszkują nie jednostki, ale typy różniące się jedynie ubiorem i zachowaniem. Kapelusz z długimi wstążkami i peleryna pozwalają zidentyfikować tę postać jako mamkę. Pozbawiona cech indywidualnych, pokazana z tyłu i zredukowana do szarości kształt geometryczny, rozcięta czerwonym paskiem i zwieńczona czerwonym kółkiem.

Kobieta z wędką.
Pomarańczowa sukienka tej kobiety ostro wyróżnia się na tle błyszczącej błękitnej wody. Niektóre cechy mogą wskazywać, że mamy prostytutkę, która „łapie” mężczyzn. W tamtych czasach często pojawiało się podwójne znaczenie francuskiego czasownika „pecher” („złapać” i „zgrzeszyć”).

Skoki dziewczyna.
Wśród statycznych postaci widzimy galopującą dziewczynę z włosami rozwianymi na wietrze. Jej ruchy (podobnie jak ruchy psa na pierwszym planie) nie dodają jednak kompozycji dynamiki - wyglądają na zamrożone. Podobnie motyle wydają się być przypięte do płótna, a nie latać w powietrzu.

Cienie i światło.
Poziome cienie pod drzewami pomagają stworzyć perspektywę oddalającej się przestrzeni i tworzą rytmiczny wzór, w którym światła przeplatają się z pasami cienia. Na jednym ze swoich studiów olejnych wykonanych dla tego obrazu Seurat usunął wszystkie postacie z brzegu rzeki i namalował tylko drzewa i ich cienie.

Dodatkowa rama.
Seurat stworzył niezwykłą ramkę, tworząc obramowanie kolorowych kropek wokół krawędzi obrazu. Kropki dobierane są tak, aby ich kolory były komplementarne do kolorów obok nich na płótnie. Umożliwiło to wzmocnienie intensywności kolorów podstawowych.

Para mody.
Postać kobiety ukazana jest z profilu, a jej ekstrawagancką sylwetkę tworzą bujne wypukłości jej zgiełku. Jedną ręką trzyma za ramię mężczyznę palącego cygaro, w drugiej trzyma na smyczy małpę. Małpa jest tu oczywistym symbolem. W czasach Seurata oznaczało to rozwiązłość.

Szkic na niedzielę w La Grande Jatte

W przeciwieństwie do impresjonistów artysta odmówił spontaniczności i naturalności w przekazaniu tej sceny, jego postacie wyglądają statycznie, schematycznie i pozbawione indywidualności. Przypominają antyczne freski, a atmosfera obrazu przesycona jest poczuciem zatrzymanego czasu. Seurat w ciągu dnia szkicował Grande Jatte, a następnie w pracowni pracował z płótnem, stosując wynalezioną przez siebie technikę „puentylisty” („kropki”). W rezultacie praca okazała się tak niezwykła, że ​​fani Seurata szybko okrzyknęli go „mesjaszem nowej sztuki”.

„Przystań w Honfleur”. 1886
Płótno, olej.
Galeria Narodowa,
Praga, Republika Czeska.

Georges Seurat: Seurat A Corner of the Harbor of Honfleur, 1886,

Most w Courbevoie
1886-1887
45,7 x 54,7 cm
Galeria Courtauld, Londyn

Zakrzywione gałęzie drzewa służą do wyrównania pionowego kształtu reszty kompozycji. Później tę technikę zastosuje Seurat w filmie „Parada”.

Usunięte formularze są przekazywane niezwykle schematycznie. Łódź z dwoma jeźdźcami jest przedstawiona tylko z trzema krótkimi rzędami kropek.

Postacie Seurata są absolutnie podobne do manekinów. Ta zasada nie jest utrzymana tak konsekwentnie nigdzie indziej w twórczości artysty. Mężczyzna wydaje się tak martwy i nieruchomy jak jeden ze stojących obok niego masztów.

Seurat podzielał impresjonistyczne powinowactwo do odbić w wodzie. Tutaj żagiel jest napisany wieloma kropkami. Zestaw kropek oznaczający odbicie żagla w wodzie jest znacznie bardziej „rzadki”.

To płótno przedstawia Sekwanę w pobliżu miasta Courbevois, położonego nieco dalej w górę rzeki niż Asnières. Bliskość tematów i odniesień geograficznych pozwala porównać obraz do Kąpieli w Asnières. A tu i tam pierwszoplanowy zarysowany przekątną brzegu rzeki, a odległy most podkreśla linię horyzontu.

Ponadto obie prace łączy atmosfera bezruchu, poczucie zamrożonego czasu. Ich różnica, że ​​tak powiem, jest tylko „klimatyczna”. W jednym przypadku jest to upalny słoneczny dzień, w drugim zimna, przejrzysta jesień. Padające światło wciąż rzuca długie cienie na trawę, ale postacie na płótnie sprowadzają się do sylwetek.

Do tego obrazu Seurat namalował dwa studia przedstawiające most i odcinek brzegu rzeki. Najwyraźniej w górnej części obrazu Seurat nie wykonał wstępnych szkiców. Za tym założeniem przemawiają ślady korespondencji, które można tu znaleźć.

Georges Seurat: Seurat End of the Jetty, Honfleur, 1886,

Georgesa Seurata. "Modele". 1887-88
Olej, płótno. 39,4 x 48,7 cm Kolekcja prywatna.
"Modele". 1887-1888
Płótno, olej. 78 3/4 x 98 3/8 cala.
Fundacja Barnes, Marion, Pensylwania

siedzący nago

Nagi

Georges Seurat

Georges Seurat - Seurat Parade de cirque, 1887-88, 100x150,5 cm, detalj, Met
Georges Seurat - Seurat Parade de circus, 1887-88, 100x150,5 cm, detalj, Met

Georgesa Seurata. Sekwana w Grande Jatte, wiosna
1888
65x82
płótno, olej
Bruksela. Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych

Georgesa Seurata. Port-en-Bessin, niedziela. 1888
Olej, płótno. Muzeum Kröller-Müller, Otterlo, Holandia.

Obraz został namalowany latem na wybrzeżu Calvados, w miejscowości Port-en-Bessin. W tym małym porcie rybackim, z niewielką i pracowitą populacją, Seurat zacznie malować swoje pejzaże. Artysta potraktował pracę bardzo poważnie - wykorzystuje teorie Charlesa Henri w serii pejzaży i bardzo je studiuje.

Stanowisko naukowca stara się zawrzeć w więcej skomplikowany system, który zachowuje perspektywę i głębię obrazu, nie tracąc przy tym walorów dekoracyjnych. Wyzwanie Seurata jest naprawdę zdumiewające. Artysta stawia sobie za zadanie z jednej strony traktowanie obrazu jako płaskiej powierzchni o dwóch wymiarach, az drugiej – wpasowanie obrazu w trzeci wymiar, co wynika z obecności perspektywy.

W końcu artysta mógł sobie pozwolić na swobodne interpretowanie widoków skał czy nasypów Port-en-Bessin, zmieniając je według własnego uznania. Uniemożliwia mu to jednak odrzucenie wyobraźni, czego nie da się wytłumaczyć jedynie nieufnością Seurata do rzeczy pozostających poza kontrolą rozumu. To odrzucenie wyobraźni bierze się z głębi natury artysty. Sera należy do rzadkiej rasy ludzi, którzy są tak zafascynowani rzeczywistością, że nie potrafią jej zniekształcić. Słowa pozostają dla nich niedokończone. W przypadku Seurata nie znajdziemy też farb.

W niemal wszystkich pejzażach Seurat poddaje różne elementy marin, budowane zgodnie z prawami perspektywy, niewielkim deformacjom, uzyskując namacalny efekt dekoracyjny. Tak więc w „Cranes and a Gap in the Clouds” chmury piętrzą się nad morzem krętymi liniami. Na płótnie „Wejście do Outport” morze usiane jest niewidocznymi dla oka cieniami chmur. Jeszcze wyraźniej ten efekt widać na obrazie „Niedziela”, gdzie tkaniny flag wiją się w falujących fałdach, co z punktu widzenia surrealizmu może wydawać się zbędne. Ich wygląd tłumaczy się jedynie pragnieniem dekoracyjności.

Georges Seurat - Seurat Port-en-Bessin - Port zewnętrzny podczas odpływu, 1888

Georges Seurat - Seurat Port-en-Bessin- Wejście do portu, 1888 r.

Twórczość Seurat w ostatnich latach to sceny w porcie, postacie kąpiących się ludzi, sceny z cyrku.

Georges Seurat - Seurat La Parade,
1888, 100x150,5 cm, olej na płótnie,
metropolia

Nocną scenę zalewa światło lamp gazowych przypominające rząd stylizowanych gwiazd.
Wewnętrzna część cyrku jest przedstawiona w jasnych, kuszących kolorach, gdzie na publiczność czekają cuda dokonane przez człowieka.
Wąsata twarz inspektora areny zbliża go do dyrygenta na obrazie Can-Can i poskramiacza zwierząt na obrazie Circus.
„Przycięte” postacie publiczności tworzą dolną krawędź obrazu.
Płaskie, niewyraźne postacie muzyków sprawiają, że wyglądają jak marionetki.
Sera uwielbiała karnawały i występy cyrkowe który stał się tematem kilku jego obrazów. To słynne płótno przedstawia paradę w cyrku Korei. Parada była małym interludium w wykonaniu artystów przed wejściem do cyrku w celu przyciągnięcia widzów. Kompozycja obrazu jest już zwyczajowo wyrównana z nakładającymi się poziomami i pionami.

Oświetlenie nocne daje Seuratowi możliwość eksperymentowania z nietypowymi kombinacjami kolorystycznymi. Znaczną część płótna pokrywają pomarańczowo-żółte i niebieskie kropki, które są napisane odpowiednio światłem lamp gazowych i cieniem. Wszystkie inne kolory są wyciszone i widoczne przez żółte i niebieskie kropki.

Współcześni krytycy przypisuj artyście fakt, że ten obraz się zbliża malarstwo abstrakcyjne, ale wtedy nie zrobiła większego wrażenia. Została chłodno przyjęta w Salon des Indépendants. Co więcej, sam Seurat skreślił go później z listy swoich prac.

Most i nasyp w Port-en-Bessin
1888
67x84,5
płótno, olej
Minneapolis (Minnesota). Instytut Sztuki

Seurat wprowadza do kompozycji tego płótna postacie, których jeszcze nie widziano w żadnej z jego przystani. Oprócz kilku sylwetek w tle, na pierwszym planie w bezruchu widoczne jest dziecko, celnik, kobieta z jakimś ciężarem.

Wszystkie postacie są zamrożone i skamieniałe. Jednak ich obecność narusza idealną samotność, która jest nieodłącznym elementem pozostałych marin autora. Życie wdziera się do pogrążonego w absolutnym sennym odrętwieniu królestwa samotności - królestwa wody, miejsc do cumowania i brzegów.

I wydaje się, że fala życia przedstawiona na obrazie i siły witalne, wciąż powstrzymywane, nagle się nagrzeją i zaczną nagle wybuchać, rozprzestrzeniając się wszędzie - takie wrażenie sprawia element przedstawiony na obrazie.

Na płótnie jest ta posępna siła żywiołów, która daje początek wszystkim żywym istotom i skazuje je na śmierć w żywiołowym ataku, w triumfalnym i ślepym impulsie.

Georgesa Seurata. Sekwana na wyspie Grande Jatte wiosną.
1888
Płótno, olej.
Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych, Belgia

Le Crotoy, w górę rzeki
1889
Płótno, olej.
Instytut Sztuki, Detroit, USA

W jego pracy widzimy zestawienia kolorystyczne oparte na precyzyjnej analizie optycznej i starannie zbudowanej liniowej kompozycji.

W jego krótkie życie Sera stworzył tylko siedem dużych płócien, więc technika rysunkowa, którą stworzył, była pracochłonna i skomplikowana.

Niestety artystka zmarła bardzo młodo, w wieku 32 lat, na ciężką infekcję, pozostawiając wdowę z małym dzieckiem na rękach iw pozycji.

Klif, 1885

Georges Seurat malował duże kompozycje figuratywne i pejzaże. Studiując prawa koloru i światła, efekty optyczne, Seurat próbował stworzyć naukowe podstawy do rozwiązywania problemów związanych z kolorem, światłem, powietrzem i przestrzenią. Pełen wdzięku w rysunku, subtelny w zestawieniach kolorystycznych obraz Seurata, o strukturze mozaikowo-frakcyjnej, ma na ogół nieco racjonalny, abstrakcyjny charakter. Seurat badał naukowe aspekty percepcji światła i koloru i na ich podstawie rozwinął technikę malarską dywizjonizmu, pisania drobnymi, kropkowanymi pociągnięciami czystego koloru.

Konie w wodzie
1883
Płótno, tempera.
Prywatna kolekcja

Dom wśród drzew
Około 1883 r.
16x25
drewno, olej
Glasgow. Galeria Sztuki i muzeum

Czekam na brzegu

rybacy
1883
Drewno, olej.
Musee d „Art Moderne de Troyes

Mężczyzna w czerni

Georgesa Seurata. „Pudering Girl” (Kobieta w proszku). 1889-90
Olej, płótno. 95,5 x 79,5 cm Galeria Courtauld, Londyn, Wielka Brytania.

Kształt tej dziwacznej różowej wstążki odbija się echem kwiatowy wzór Tapeta.

Kropki otaczające pudełko z proszkiem w kształcie łuku reprezentują chmurę proszku.

Lustro symbolizuje próżność. Być może Seurat zamierzał szydzić z przesadnej uwagi, jaką Madeleine poświęciła swojemu wyglądowi.

Rozmiar stołu, który wydaje się śmiesznie mały, podkreśla przepych form Madeleine.

Przez długi czas krytycy nie mogli dojść do porozumienia w sprawie tego dziwnego obrazu, który przedstawia Madeleine Knobloch, ukochaną Seurata. Wielu uznało portret za niemal satyryczny. Sama Madeleine najwyraźniej była innego zdania, bo później, gdy ceny obrazów Seurata gwałtownie podskoczyły, postanowiła zatrzymać to płótno przy sobie. W pierwszej wersji zawierał także autoportret Seurata, patrzącego z zachwytem na Madeleine. Ale autor wysłuchał opinii jednego ze swoich przyjaciół, który uważał portret w tej formie za nieprzyzwoity i zastąpił się wazon.

Genealogicznie obraz nawiązuje do popularnych w języku francuskim scen buduarowych malarstwo XVIII stulecie. Jak zawsze, na uwagę zasługuje wyluzowane (i czasami dziwne) obchodzenie się z detalami przez Seurata. Nie jest jasne, jaki jest element po lewej stronie górny róg obrazy. W dodatku odnosi się wrażenie, że pod pełną spódnicą Madeleine jest tylko jedna noga.

Łodzie, odpływ, w Grandcamp

Georges Seurat: Seurat Georges The Bec du Hoc w Grandcamp Sun

Może może
Data malowania: 1889-1890
Wymiary: 171,5 x 140,5 cm
Muzeum Kröller-Müller, Otterlo

Jasne obszary otoczone są ciemną ramką obrazu, potęgującą wrażenie głębi i jedności przestrzeni.

Wachlarz tancerza powtarza kąt laski w rękach płonącego z pożądania widza, który sam w sobie jest symbolem fallicznym.

Flet i gryf kontrabasu są napisane równolegle do wysokich nóg tancerzy, co powinno „podwoić” stopień zabawy

Stylizowany wyraz twarzy tancerzy oddają proste skośne pociągnięcia, łatwo zarysowujące usta, wąsy i wąskie szparki oczu.

Kokardki na butach tancerek skierowane są do góry, podobnie jak rąbek ich spódnic i paski na ramionach.

Od około 1887 Seurat zaczął robić szkice na paryskich pokazach odmian. W rezultacie taniec kankanowy, który uznano za niezbyt przyzwoity, stał się tematem jednej z jego prac. Płótno przedstawia Klub nocny„Japońska sofa”, znajdująca się w pobliżu pracowni artysty. W tej pracy wyraźne echo brzmi „Parada”, gdzie prawdziwy widz znajduje się tuż nad widownią obecną na zdjęciu, a główne wydarzenie odbywa się na podwyższonej scenie.

Seurat użył tańca, aby zilustrować jedną ze swoich „naukowych” teorii. Jego istotą jest to, że linia narysowana pod takim czy innym kątem jest w stanie przekazać bardzo konkretne emocje. Na przykład linie skierowane w górę wyrażają radość. Zgodnie z tym Seurat zbudował w Can Can szereg linii pod różnymi kątami, które jego zdaniem miały w skoncentrowany sposób oddać pogodną atmosferę klubu.

Mężczyzna czyści łódź
Około 1883 r.
16x24
drewno, olej
Londyn. Galeria Narodowa

Georges Seurat: Seurat Kobieta siedząca przy sztalugach, ok. 1884-88, 30,5x23,3 cm,

Georges-Pierre Seurat (2 grudnia 1859, Paryż - 29 marca 1891, Paryż) - francuski malarz postimpresjonistyczny, twórca neoimpresjonizmu, twórca oryginalnej metody malarskiej zwanej dywizjonizmem lub puentylizmem.

Georges Seurat urodził się 2 grudnia 1859 w Paryżu w bogata rodzina. Jego ojciec, Antoine-Chrisostome Seurat, był prawnikiem i pochodził z Szampanii; matka, Ernestine Febvre, była paryżanką. Uczęszczał do Szkoły Sztuk Pięknych. Następnie służył w wojsku w Brześciu. W 1880 wrócił do Paryża. W poszukiwaniu własnego stylu w sztuce wymyślił tzw. puentylizm - technika artystyczna przenoszenie odcieni i kolorów za pomocą pojedynczych kropek koloru. Technika ta jest wykorzystywana do obliczania optycznego efektu scalania małych detali podczas patrzenia na obraz z daleka.

Georges Seurat po raz pierwszy studiował sztukę u rzeźbiarza Justina Lequina. Po powrocie do Paryża pracował w pracowni z dwoma kolegami z okresu studenckiego, a następnie założył własną pracownię. Seurat skłaniał się ku ścisłemu metoda naukowa dywizjonizm (teoria rozkładu kolorów). Działanie wyświetlacza rastrowego opiera się na elektronicznej analogii tej metody. Przez następne dwa lata opanował sztukę rysowania czarno-białego. W 1883 roku Seurat stworzył swoje pierwsze wybitne dzieło - ogromne płótno malarskie „Kąpiący się w Asnieres”.

Po odrzuceniu jego obrazu przez Salon Paryski, Seurat wolał indywidualną twórczość i sojusze z niezależnymi artystami Paryża. W 1884 roku wraz z innymi artystami (m.in. Maximilienem Luce) utworzył stowarzyszenie twórcze Societe des Artistes Indépendants. Tam poznał artystę Paula Signaca, który później wykorzystywał również metodę puentylizmu. Latem 1884 Seurat rozpoczął samodzielną pracę słynna praca- „Niedzielne popołudnie na wyspie Grande Jatte”.

W pewnym okresie Seurat mieszka z modelką Madeleine Nobloch, którą gra w pracy „Powdering Woman”.

Seurat zmarł w Paryżu 29 marca 1891 roku. Przyczyna śmierci Seurata jest niepewna i została przypisana postaci zapalenia opon mózgowych, zapalenia płuc, infekcyjnego zapalenia wsierdzia i/lub (najprawdopodobniej) błonicy. Jego syn zmarł dwa tygodnie później na tę samą chorobę. Georges-Pierre Seurat został pochowany na cmentarzu Pere Lachaise.

Założyciel neoimpresjonizmu, twórca oryginalnej metody malarskiej zwanej „dywizjonizmem” lub „puentylizmem”.

Życiowa kreatywność

Po odrzuceniu jego obrazu przez Salon Paryski, Seurat preferował indywidualną kreatywność i sojusze z niezależnymi artystami w Paryżu. Wraz z innymi artystami (m.in. Maximilienem Luce) utworzył stowarzyszenie twórcze Societe des Artistes Indépendants. Tam poznał artystę Paula Signaca, który później wykorzystywał również metodę puentylizmu. Latem 1884 Seurat rozpoczął pracę nad swoim najsłynniejszym dziełem, Niedzielnym popołudniem na wyspie Grande Jatte. Obraz został ukończony dwa lata później. Seurat wykonał dla niej wiele rysunków i kilka pejzaży Sekwany. Niektórzy krytycy, którzy pisali o Seuracie, sugerują, że „Kąpiel”, a następnie „Wielka Jatte” to obrazy sparowane, z których pierwszy przedstawia klasę robotniczą, a drugi burżuazję. Inną opinię miał angielski estetyk i historyk sztuki Roger Fry, który odkrył przed angielską publicznością sztukę postimpresjonistów. Fry wysoko cenił neoimpresjonistów. W „Kąpieli” jego zdaniem główną zasługą Seurata było to, że odszedł od zarówno zwykłego, jak i poetyckiego spojrzenia na rzeczy i przeniósł się w obszar „czystej i niemal abstrakcyjnej harmonii”. Ale nie wszyscy impresjoniści zaakceptowali neoimpresjonistyczną pracę Seurata. Tak więc Degas, w odpowiedzi na słowa Camille Pissarro, który również został porwany przez puentylizm, że Grand Jatte jest bardzo ciekawe zdjęcie, żrąco zauważył: „Zauważyłbym to, ale jest bardzo duży”, wskazując na optyczne właściwości puentylizmu, z którego obraz z bliska wydaje się być bałaganem kolorów. charakterystyczna cecha Styl Seurata był jego jedynym w swoim rodzaju podejściem do przedstawiania postaci. Wrogo nastawieni krytycy z pewnością zwracali uwagę na ten element malarstwa Seurata, nazywając jego bohaterów „kartonowymi lalkami” lub „martwymi karykaturami”. Seurat poszedł oczywiście na uproszczenie formy, oczywiście całkiem świadomie. Z zachowanych szkiców wynika, że ​​w razie potrzeby potrafił malować całkowicie „żywych” ludzi. Ale artysta starał się osiągnąć efekt ponadczasowości i celowo stylizował postacie w duchu płaskich starożytnych greckich fresków czy egipskich hieroglifów. Pewnego dnia napisał do przyjaciela: „Chcę zebrać liczby razem współcześni ludzie do ich istoty, aby poruszały się tak samo jak na freskach Fidiasza i ułożyły je na płótnie w harmonii chromatycznej.

W pewnym okresie Seurat mieszka z modelką Madeleine Nobloch, którą przedstawia w Pudrującej kobiecie (1888-1889). Ta „nie do pomyślenia kobieta w groteskowej dezabile lat 80.” (Roger Fry) przedstawiona jest w kategoriach takiego samego dystansu i kontemplacji, jak postacie na innych jego obrazach. Wpływ powszechnego w tamtych latach „japanizmu” prawdopodobnie wpłynął na wizerunek toalety Madeleine.

Obok „Parady” i „Kankanu” do świata spektakli i spektakli należy w swojej fabule ostatni, niedokończony obraz Seurata – „Cyrk” (1890-1891). Ale jeśli w pierwszych dwóch podany jest punkt widzenia z sali na scenę, to w ostatnich akrobaci i publiczność pokazani są oczami tego, który występuje na arenie - klauna, który jest przedstawiony z tyłu na pierwszym planie obrazu.

Seurat zmarł w Paryżu 29 marca 1891 roku. Przyczyna śmierci Seurata jest niepewna i została przypisana postaci zapalenia opon mózgowych, zapalenia płuc, infekcyjnego zapalenia wsierdzia i/lub (najprawdopodobniej) błonicy. Jego syn zmarł dwa tygodnie później na tę samą chorobę. Georges-Pierre Seurat został pochowany na cmentarzu Pere Lachaise.

• Znane powiedzonka

  • Estetyka. Sztuka to harmonia. Harmonia to analogia przeciwieństw, analogia podobnych elementów tonu, koloru, linii, rozpatrywanych zgodnie z dominującą i pod wpływem światła, w radosnych, spokojnych lub smutnych zestawieniach.
  • Radosny ton jest świetlistą dominantą; radosny kolor jest ciepłą dominantą; radosna linia - linia wznosząca się od poziomu w górę. Spokojny ton to równowaga ciemności i światła; spokojny kolor - równowaga zimna i ciepły kolor; spokojna linia pozioma. Smutny ton jest ciemną dominantą; smutny kolor - dominujący na zimno; smutna linia - linia schodząca z poziomu
  • Technika. Wiadomo, że oddziaływanie światła na siatkówkę trwa przez pewien czas, co skutkuje syntezą. Środkiem wyrazu jest optyczna mieszanina tonów, kolorów (barwa lokalna i barwa oświetlenia: słońce, lampa naftowa, gaz itp.), czyli różne światło i reakcje na nie (cienie), zgodnie z prawami kontrastu, gradacji i promieniowania.

  (z listu do pisarza Maurice'a Beaubourga z dnia 28.08.1890 r.).