Pop-art pojawił się jako zamiennik poważnej sztuki abstrakcyjnej XX wieku. Ten styl opiera się głównie na kulturze popularnej, stał się więc formą rozrywki. Kierunek rozwinięty za pomocą reklamy, trendów, a także mody. Żadnej filozofii, duchowości. Pop art (portrety) to jeden z działów sztuki awangardowej.

Kiedy powstał styl?

Dostępność i prostota to cechy, które sprawiły, że ten styl stał się niezwykle popularny. Celem było pierwotnie szeroka publiczność, dzięki czemu możliwe jest pokrycie najczęściej omawianych obrazów. Dlatego styl pop-artu stał się jednym z najbardziej wpływowych ruchów artystycznych w malarstwie XX wieku i nie tylko.

Popularyzacja stylu

Mówiąc dokładniej, styl zyskał popularność w latach 60., mimo że powstał nieco wcześniej, w latach 50. XX wieku. Za miejsce pochodzenia uważana jest Wielka Brytania, a aktywny wzrost nastąpił w Stanach Zjednoczonych. Jasper Johns był także ojcem założycielem pop-artu.

Wszystko zaczęło się od inicjatywy Independent Group, która powstała w Londynie w 1952 roku wśród przedsiębiorczych artystów i architektów. Uzupełniono miejską kulturę ludową nowoczesne technologie podczas malowania płótna. Na przykład amerykańska kultura mistrzowie badali wpływ psychologii na masową publiczność, głębokie znaczenie i treści językoznawcze. Interesowała mnie głównie reklama przemysłowa, aktualne technologie produkcji reklam oraz dystrybucja kolaży.

"To jutro"

1956 Otwarcie wystawy pop-artu „To jest jutro”. nowoczesne społeczeństwo Zaprezentowano kadry z wszystkich ulubionych filmów, hollywoodzkich idoli, powiększone obrazy. Wiele z nich zostało zainspirowanych nowym niezwykłym stylem. Po wystawie większość absolwentów szkół artystycznych i nie tylko chciała dołączyć do nowego ruchu.

Główne motywy

Pop-art (portret) ma główne cechy, dzięki którym łatwo zrozumieć, że jest to pewien styl:

• Podczas korzystania z rysunków sztuki popularnej. Plakaty, graffiti, komiksy, płyty winylowe, grafika Marilyn Monroe.
• Krzyczące, jasne kolory. Protest przeciwko zwykłym monotonnym stylom we wnętrzu. Tylko disco-thrash i młodzieżowy funk.
• Obiektywna „plastyczność” farb korzystnie podkreśla oryginalność stylu młodzieżowego.

Za podstawę przyjmuje się pierwszy motyw, ale inne doskonale uzupełniają obraz pop-artu. W rzeczywistości ten styl nie jest niezależny, a jedynie łączy w sobie wszelkiego rodzaju detale i tworzy specyficzną harmonię.

Użyj we wnętrzu

Detale to elementy, dzięki którym we wnętrzu manifestuje się cała wszechstronność pop-artu.

• Wolność. Przestronny teren, wysokie sufity, minimalizm. Świetnie sprawdza się w projektowaniu salonów, publicznych kawiarni.
• Jasny kolor. Zwykle, białe tło wizualnie powiększa przestrzeń. Krzyczące jasne meble zawsze idealnie komponują się z neutralnymi odcieniami.
• Kreatywność form. Twórcy ideowi aktywnie lubili retro-futuryzm, oprócz innych stylów filisterskich. Kiedy znajdziesz się we wnętrzu w stylu pop-art, jest szansa na przypomnienie sobie dobrej science fiction z tamtych czasów.
• Minimalna ilość mebli. Ta sama idea prostoty i przestronności. W pokoju pop-artu nie będzie żadnych przesłanych obszarów. Tylko to, co niezbędne do życia. Szafy wielofunkcyjne, szafki, sofy.
• Różnorodność akcesoriów. Łatwo znaleźć wiele drobiazgów: elementy kultury masowej, kolorowe detale i jasne akcenty. Na przykład poduszki rozrzucone po obwodzie lub chwytliwe wieszaki na ubrania.
• Niezwykłe rozwiązanie oświetleniowe. Wiele zależy od światła. W tym nastrój obiektu. Taśmy LED, lampy płynne, oświetlenie sufitowe. Zauważasz takie rzeczy szczególnie wtedy, gdy cała uwaga skupiona jest na świetle.

Cechy stylu

Jasny, oryginalny styl pop-artu nie jest dla każdego. Powinien być stosowany przede wszystkim tam, gdzie znajduje się teren rekreacyjny. Wielu zauważa wyraźne podobieństwo do kiczu. Ale w rzeczywistości są to dwa różne style. Wyzwanie rzucone społeczeństwu, protest przeciwko nudzie, akceptacja własnego, niepowtarzalnego gustu, chęć wyróżnienia się – wszystko to pokazuje ten styl w korzystnym świetle.

Portret w stylu pop-art

Jasna niespodzianka nie traci na aktualności. Taki prezent przyda się wszystkim tym, którzy cenią sobie ekspresję, styl, kreatywność i z reguły zaprzeczają prostocie.

Nie jest tajemnicą, że musisz dawać emocje. Portret w stylu pop-art sprawdzi się doskonale. Jasne, modne, chwytliwe. Natychmiast zwróci na siebie uwagę. Wszystko, co jest w stylu i prezentacji, znajduje odzwierciedlenie w rysunku. Artyści zawsze dostrzegają ciekawe szczegóły i fakty.

Obserwujemy nowy wzrost popularności obrazów w stylu pop-art, każdy z nas ma szansę rozpieszczać bliskich i przyjaciół wyjątkowym stylowym portretem. Dla wielu będzie to przykład, a oni sami zaczną wykonywać takie przyjemne i romantyczne akty.

Na początku swojego pojawienia się ten produkt nie był na próżno zauważony przez wielu bogatych i wpływowych ludzi tamtych czasów, ponieważ całkowicie wywrócił kulturowe znaczenie do góry nogami. Koncepcja ruchu zmieniła zwolenników stylu. Pop-art jest rozpoznawany na całym świecie.

Lawrence Alloway opublikował rezonansowy artykuł o wyzwaniu dla społeczeństwa kulturalnego, w którym szczegółowo opisał intencje młodych talentów. Zdarzyło się to w Ameryce, ale co ciekawe, krytyk był z Wielkiej Brytanii.

W większości przypadków materiał do prac artystów pop tworzony jest z różnego rodzaju informacji i wykorzystuje technologię połączoną z jeszcze ciekawszymi przedmiotami. Jak nikt inny, zdałem sobie z tego sprawę w odpowiednim czasie i wykorzystałem.

Pochodzenie pop-artu można przypisać okresowi muzyki pop tamtych lat, to właśnie ten fakt wpłynął na rozwój ruchu w Londynie. Nie trzeba daleko szukać przykładów, Peter Blake stworzył okładkę zespołu Beatlesi i Elvisa Presleya, zwłaszcza że główną podstawą jego twórczości był portret Brigitte Bardot, podobnie jak Andy Warhol w Nowym Jorku użył portretu Marilyn Monroe.

Porównując podejście angielskie i amerykańskie można z całą pewnością stwierdzić, że to drugie jest znacznie bardziej agresywne i ironiczne w swoim przekazie.

Chociaż nie powinniśmy zapominać o wielkim motcie Andy'ego Warhola, który stał się swego rodzaju symbolem kultury amerykańskiej jako całości: „Jeśli wszystko na świecie jest robione przez maszyny, to będę myślał jak maszyna”.

Wyraźne motywy, symbole, ostre linie. Antysztuka we wszystkich jej przejawach. Osobliwi dadaiści, którzy raz na zawsze odmówili standaryzacji świata. Powszechnie przyjmuje się, że najpopularniejszym tematem w pracach artystów pop-artu było jedzenie, ale jest to błędne przekonanie: preferowali oni przedmioty prostego życia i toalety.

Warhol sprawił, że produkty popularnych producentów trafiły do nowy poziom, mnożąc w pracach loga topowych marek.

Wniosek

Tak więc taka wyjątkowa i niepowtarzalna sztuka popularna naprawdę wywróciła ideę sztuki do góry nogami. dokonał rewolucji w świat sztuki i nie tylko. Do tej pory wielu artystów, projektantów, dekoratorów inspiruje się, żyje i tworzy za pomocą tego stylu, a także wykorzystuje pop-art we wnętrzu. Styl życia zwany pop-artem. Myślimy, że wciąż jest długie lata będzie równie popularny jak w połowie XX wieku.

Mamy nadzieję, że artykuł był dla Ciebie interesujący i udało Ci się znaleźć odpowiedzi na wszystkie swoje pytania. Dziękuję za uwagę, drodzy czytelnicy. Doceń sztukę.

Pomimo tego, że styl ten powstał w Londynie, pop-art okazał się jednym z symboli Ameryki. W konwencjonalnym sensie, tak jak Elvis Presley uważany jest za króla rock and rolla, tak amerykański artysta awangardowy uznawany jest za kultową postać w historii ruchu pop-artu. Andy Warhole (1928-1987).

To on na początku lat siedemdziesiątych przekręcił puszkę zupy pomidorowej ” Campbell" w obiekt artystyczny, wkładając Galeria Sztuki dziesiątki obrazów tego samego typu z jej wizerunkiem, porównując w ten sposób sprzedaż dzieł sztuki ze sprzedażą produktów.

Warhol wypróbował tę metodę „flow artu” kilka lat wcześniej, kiedy zatrudnił chłopców do pokolorowania jego ilustracji do szalonych przepisów na jego parodię.

Światową sławę amerykańskiemu pop-artowi przynieśli jednak tacy artyści jak Robert Rauschenberg (1925-2008), Roy Lichtenstein (1923-1997) czy Jasper Johns (1930). To ich pomysły miały bezpośredni wpływ na twórczość Warhola. To Jones był pionierem idei „cyrkulacji obiektów”, którą Warhol później doprowadził do skrajności, sugerując albo ideę niekończących się rzędów produktów na półce w supermarkecie, albo ruch klatek filmowych. Ale nawet podwajając obrazy, Jasper Johns łączył w swoich pracach emocjonalność z konceptualnymi ideami pop-artu. Na przykład jego puszki po piwie Ballantine Ale» (1960), wykonany z brązu i osadzony na marmurowej podstawie, nadal wygląda jak ironiczny pomnik najmasywniejszego amerykańskiego produktu.

Ciekawostką jest to, że słynna praca powstała przez niego w odpowiedzi na zjadliwą uwagę przeciwnika pop-artu, jednego z liderów abstrakcyjnego ekspresjonizmu, Willema de Kooninga, o zdolności właściciela galerii Leo Castelli do kupowania czegokolwiek, nawet puszki po piwie, jeśli nazywane są sztuką.

Naturalnie żywność i wszystko, co z nią związane, znalazło się w obszarze najbardziej masowego spożycia. Zwłaszcza produkty, które reklama uczyniła kultowymi. Sieć sklepów spożywczych ze złotymi łukami na fasadzie nie mogła nie stać się celem artystów pop-artu. Dzisiejszy klasyk pop-artu Klaas Oldenburg na wystawie w 1962 roku zaprezentował publiczności wizerunek popularnego amerykańskiego produktu McDonald's, zaprojektowany w formie kompozycji Giant Hamburger.

Przerostowe wymiary nadały jego wizerunkowi rodzaj symboliki i parodystycznej wielkości. Dodatkowo materiałem do pracy było płótno wypełnione pianką.

Fetyszyzm produktów i ideologia równych szans w Stanach Zjednoczonych doprowadziły do ​​masowego kultu marek niektórych produktów. Reklama zmieniła napój Coca-Cola w totem demokracji, rzekomo dlatego, że „mogą ją pić zarówno prezydent w Białym Domu, jak i bezdomni na ulicy”. Ale jeśli powieść angielskiego pisarza science fiction HG Wellsa, szyderczo zatytułowana „ Tono-Benge”, która była satyrą na agresywną reklamę i dystrybucję Coca-Coli, a następnie zyskała sławę dzięki półreklamowym plakatom w postaci pikantnych zdjęć nagich dziewcząt reklamujących tę i inne marki spożywcze z lat 50-tych.

Pop-art nauczył się przenosić przedmioty do sztuki. Ale były to już przedmioty nie upoetyzowane przez wizję artystyczną, ale przedmioty celowo codzienne, kojarzone z nowoczesną kulturą industrialną.

«… moim zdaniem obraz bardziej przypomina świat realny, gdy jest zrobiony z przedmiotów tego świata »

Przekonywał Robert Rauschenberg, jeden z twórców nowoczesnego pop-artu.

Korzystając z techniki gotowe", odziedziczoną po XX-wiecznym teoretyku sztuki Marcelu Duchampie, za pomocą technik kolażu artyści pop-artu wprowadzili do obrazu codzienne cytaty - elementy „kultury masowej”, łącząc tym samym malarstwo z rzeczywistością.

W latach 60. zaczął pracować w tym gatunku, który na początku swojej kariery zajmował się ilustracją i kreskówką. W pracach artystycznych łączył płaski obraz z prawdziwymi atrybutami życia domowego.

We wnętrzu kuchni, którą namalował, podobnie jak magiczne drzwi w szafie Carlo, znikają zamontowane drzwi z prawdziwej lodówki. Ale desery i koktajle na obrazie „The Magnificent American Nude” artysta stawia na czele kompozycji jako wybitny artefakt konsumenckiego raju. Jeśli Wesselman montował „słodycze życia” techniką kolażu, to barwny obraz jasnych ciast i ciastek, słodyczy i deserów jest rozpoznawany jako tożsamość korporacyjna.

Dla tych, którym obrazy Thibaulta wydają się zbyt „dziecinne”, poinformujemy, że na aukcji Sotheby's jego obrazy sprzedano za kilka milionów dolarów.

Kolekcjonerzy pop-artu są gotowi zapłacić nie mniej wysoką cenę za kawałek ciasta wiśniowego, który został „upieczony” w piecu własnej „produkcji” przez jednego ze starszych ruchu pop-artu, Roya Lichtensteina.

Bez względu na to, jak krytycy czy widzowie odnoszą się do pop-artu, stał się on jednym z dominujących trendów we współczesnej sztuce modernistycznej. Idealistyczne oskarżenia o fałszywą innowacyjność i dekadencję, wysuwane pod adresem pop-artu przez niektórych krytyków sztuki, nie wpłynęły na jego rozwój. To prawda, jeśli naturalizm pop-artu z początku XX wieku przejawiał się w pragnieniu reprodukcji, „lustrzane” prawdziwe życie, przebywszy wówczas drogę "od obrazu do rzeczywistości", nowoczesny modernizm nabiera coraz bardziej racjonalnych, konsumenckich form od sztuki ciała po sprzedaż reklamową. Zakres „estetyki towarowej” przesuwa się coraz bardziej w sferę sprzedaży towarów i sferę rozrywki. Nie bez powodu Ray Kroc, człowiek, który wymyślił McDonalda w takiej formie, w jakiej istnieje teraz, lubił powtarzać, że nie pracuje w branży spożywczej, ale w showbiznesie.

Przy takim przenikaniu się kreatywność wielu wybitni przedstawiciele pop-art był i będzie kojarzony z tematem jedzenia. To właśnie ich działalność postaramy się bardziej szczegółowo odzwierciedlić w osobnych artykułach.

POP ART z języka angielskiego. sztuka popularna - publiczna, sztuka popularna - kierunek w sztuce końca lat 50. - współczesność. lata 70. Powstał jako sprzeciw wobec nieobiektywnego abstrakcjonizmu i stanowił odwołanie się do koncepcji nowej awangardy.

Przedstawiciele pop-artu zadeklarowali swój cel - "powrót do rzeczywistości", jednak rzeczywistości już zapośredniczonej przez media.

Źródłem ich inspiracji były: reklama, błyszczące magazyny, telewizja, fotografia i opakowania. Kierunek pop-artu przywrócił temat do sztuki. Nie był to jednak temat upoetyzowany przez wizję artystyczną, ale temat kojarzony z nowoczesną kulturą industrialną, zwłaszcza z nowoczesnymi formami informacji (kino, telewizja, druk).

Najnowsze techniki zapożyczone z reklamy i wzornictwa przemysłowego: drukowanie zdjęć, uwzględnienie prawdziwych przedmiotów, użycie rzutnika slajdów, przyczyniły się do „depersonalizacji” osobistego sposobu twórczego artysty i „ujawnienia wartości estetycznej” egzemplarze masowej produkcji.

Pop-art powstał w Anglii.

Największą sławę osiągnęli artyści francuscy i amerykańscy. Podobne kierunki pojawiły się w Niemczech, Włoszech, a nawet w ZSRR, oddzielonym wówczas od reszty świata żelazną kurtyną.

artyści pop-artu

Narodziny pop-artu

Kilku artystów, krytyków i architektów w Instytucie Sztuka współczesna w Londynie w 1952 utworzyła „Grupę Niezależną”, która studiowała urban Kultura ludowa i nowoczesne technologie.

Artyści Eduard Paolozzi i Richard Hamilton zaczęli badać „obrazy” sztuki masowej. Wykorzystano zjawisko „kultury masowej” różne drogi badania - od językoznawcze do psychologicznego.

Badania przeprowadzono na podstawie kultury amerykańskiej. Członkowie grupy czuli mieszane uczucia podziwu i ironii. Eduard Paolozzi i Richard Hamilton stworzyli kompozycje kolażowe z najpopularniejszych tematów w reklamie i druku najnowszych produktów przemysłowych.

Krytyk Lawrence Alloway, członek tej grupy, zaproponował termin „pop art”, aby wyrazić nowe zjawisko malarstwa.

W Londynie w 1956 roku odbyła się wystawa „This is Tomorrow”, na której prezentowane były zdjęcia gwiazd hollywoodzkich filmów oraz fotosy powiększone do rozmiarów ekranu filmowego.

Pod koniec wystawy do grona dołączyli absolwenci Uczelni sztuki piękne Z: Ronald China, Peter Blake, David Hockney i inni.

Artyści konsekwentnie zmieniali się z intelektualnych badaczy w apologetów kultury masowej, kaznodziejów nowej estetyki i nowego sposobu życia, opartego na anarchicznym ideale wolności, nowej zasadzie moralności i muzyki rockowej: P. Blake zaprojektował Beatlesów. Album Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club z 1967 roku oraz okładka Białego Albumu (1968) zostały stworzone przez R. Hamiltona.

Pop Art w Ameryce

Ideologia równości szans i fetyszyzmu towarowego w Stanach Zjednoczonych doprowadziła do tego, że pod koniec lat pięćdziesiątych pop-art był szeroko promowany w sztuce amerykańskiej. Międzynarodowa sława pop-artu pochodzi od takich artystów jak Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Tom Wesselman, James Rosenquist, Andy Warhol i Klaas Oldenburg.

Andy puszka zupy Campbell, Andy Warhol Marilyn Monroe, Andy Warhol

(angielska sztuka popularna - sztuka popularna; lub od popu - szarpany dźwięk, klaskanie, trzaskanie korkiem, dosłownie - sztuka, która daje wybuchowy, szokujący efekt) - kierunek w sztuce 1950-1960, który charakteryzuje się wykorzystaniem i przetwarzaniem obrazów kultury masowej. Był to rodzaj reakcji na Sztuka abstrakcyjna, choć odkrył swój związek z dadaizmem i surrealizmem. Pop Art rozpoczął się w 1952 roku, kiedy londyńska Independent Group zaczęła badać obrazy sztuki masowej. Ale pop-art zyskał popularność w swojej amerykańskiej wersji, w działalności R. Rauschenberga, K. Oldenberga, D. Rosenquista, D. Jonesa, R. Lichtensteina. Jako swoje cele ogłosili powrót do rzeczywistości, ujawnienie wartości estetycznej masowych produktów i środków komunikacja masowa(reklama, fotografia, reprodukcja, komiks), całe sztuczne środowisko materialne otaczające człowieka. W tym celu do obrazów wprowadzono elementy kultury popularnej w postaci kolażu, bezpośredniego cytatu lub reprodukcji zdjęć (obrazy Rauschenberga, Warhola, Hamiltona). Rosenquist i Wesselman naśladowali w obrazach techniki i techniki billboardów. Lichtenstein powiększył komiks do rozmiarów dużego płótna. Oldenberg stworzył imitacje manekinów pokazowych duże rozmiary z nietypowych materiałów. W ten sposób do sztuki weszły przedmioty gospodarstwa domowego, opakowania towarów, fragmenty wnętrz, części maszyn, popularne drukowane wizerunki znanych osobistości i wydarzeń.

Pop art był reakcją artystów na nowe środowisko miejskie stworzone przez Kultura popularna. Jej obrazy zostały umieszczone w innym kontekście, zastosowano inną skalę i materiał, ujawniono techniki produkcji i ich wady. W efekcie pierwotny obraz został paradoksalnie zmieniony, zreinterpretowany i zdeprecjonowany. Artyści pop artu byli jednymi z inicjatorów takich form jak happeningi (wydarzenie nie organizowane, ale prowokowane przez jego twórców, odbywające się bezpośrednio w mieście lub w przyrodzie, którego ważną częścią jest publiczność i jej reakcja na to wydarzenie; dążenie artystów awangardowych do łączenia sztuki z życiem), instalacja obiektowa (kompozycja przestrzenna stworzona przez artystę z różnych przedmiotów gospodarstwa domowego, przemysłu, obiektów przyrodniczych, informacji tekstowych i wizualnych), otoczenie (kompozycja obejmująca widza jak realne środowisko , często imitacja wnętrz z postaciami ludzkimi), montaż (rozszerzony typ kolażu), wideo-art (eksperymenty ze sprzętem wideo, obrazami komputerowymi i telewizyjnymi). Techniki te następnie szeroko rozpowszechniły się zarówno w Europie, jak iw innych regionach świata.

Pop Art(Język angielski) pop Art, lub sztuka popularna) - styl w sztuki piękne wyśmiewanie kultury społeczeństwa konsumpcyjnego. Ten kierunek artystyczny powstał jako reakcja na abstrakcyjny ekspresjonizm w latach 50. i 60. XX wieku. Charakteryzuje lekka ironia, kpina z tego, co ludzie uważali za piękne i artystyczne. Pop-art aktywnie wykorzystuje stereotypy i symbole. Na przykład produkty takie jak dżinsy Levi's i Coca cola, które w Ameryce są atrybutem sukcesu i dobrobytu w okres powojenny i dlatego często przedstawiany na obrazach i kolażach wykonanych w stylu pop-artu.

Termin „pop art” został po raz pierwszy użyty w jego artykule przez krytyka Lawrence'a Alloway'a. Następnie, w 1966 roku, powiedział wszystkim, że nie inwestował w ta koncepcja tyle sensu, ile przyszło do wyrażenia później. „Po prostu użyłem tego słowa, wraz z terminem „popkultura”, aby opisać produkty masowego przekazu, a nie jako nazwę dzieł sztuki” – powiedział. Ale tak czy inaczej, koncepcja szybko weszła w życie w latach 1955-1957, pomimo krytyki ze strony przeciwników stylu.

Pierwsze prace w stylu pop-art stworzyło trzech młodych artystów studiujących w tym czasie w Royal uczelnia artystyczna Londyn. Byli to Joe Tilson, Peter Black i Richard Smith. Ale dziełem, które stało się ikoną pop-artu, jest kolaż Richarda Hamiltona z 1956 roku.

Pop-art zastąpił abstrakcyjny ekspresjonizm, polegając na nowy wygląd, tworzony następnie przez media. Dzięki pop-artowi pojawiły się takie nowe kierunki, jak sztuka kinetyczna i sytuacyjna, a także op-art.

W rzeczywistości pop-art podsumował i doprowadził do logicznego zakończenia tradycyjne poglądy Dzieła wizualne. To utorowało drogę zupełnie nowym gatunkom. praktyki artystyczne. Na przykład pop-art przygotował drogę dla postmodernizmu i konceptualizmu. I już w latach 80. XX wieku w rezultacie powstał nowy typ sztuka - neopop art.

Ten kierunek w sztukach wizualnych oddawał ówczesny smak i nastrój. Seksualność, młodość, przemijanie, senność, a nawet pewna naiwność w obrazach w stylu pop-art uważane są za odzwierciedlenie rzeczywistości amerykański sen. W Rosji zaczęli o tym mówić dopiero dekady po pierwszym pojawieniu się pop-artu w Ameryce.

Nawiasem mówiąc, w naszych czasach pop-art powraca w modzie, zarówno w malarstwie, jak iw innych formach sztuki. I dobrze współcześni mistrzowie Obecnie w tym kierunku pracuje mnóstwo osób.

Wybitni przedstawiciele pop-artu to Richard Hamilton, Robert Indiana, Tom Wesselman, Andy Warhol i inni...