Povijest nastanka plesa za djecu. Podrijetlo plesa

Povijest nastanka plesa započela je u antičko doba. Kao potvrdu toga, može se spomenuti da su prve slike ove akcije sadržane u slikama na stijenama koje datiraju iz 6.-8. stoljeća prije Krista.

Ples u rock umjetnosti

Vrijedno je napomenuti da je ples u početku bio daleko od zabavne i kulturne prirode. Bio je to način komunikacije, samoizražavanja, prosvjetljenja, pa i načina masovne sugestije. U davna vremena ljudi su sve najvažnije događaje (ljubav, rat, lov itd.) izražavali u ritualnim plesovima, koji su često kopirali navike raznih životinja. Zapleti takvih koreografskih skladbi bili su uglavnom domaće prirode - uz njihovu pomoć ljudi su se obraćali bogovima, izražavali svoje osjećaje i podizali moral prije bilo kakve bitke ili lova. Ovakvi ritualni plesovi doprinosili su cjelokupnoj organizaciji i maksimalnoj koheziji, što je u ono doba bilo vrlo važno.

Plesovi su vrlo često korišteni kao prilično moćno sredstvo za masovnu sugestiju i snažnu manipulaciju ljudima. Među najupečatljivijim primjerima takvih plesova su ritualne pasove šamana i afrički plesovi. Kombinacija ritma glazbenih instrumenata (uglavnom udaraljki) i tempa plesnih pokreta, koji se postupno usložnjavao i ubrzavao, imala je vrlo snažan učinak na sudionike ovog rituala. Slične koreografske kompozicije korištene su za dovođenje ljudi u stanje transa kako bi se postiglo prosvjetljenje i masovno opuštanje.

Afrički plesovi

S razvojem čovječanstva razvijao se i ples jer je bio sastavni dio života. Sazrijevanjem koncepata društva i kulture skup pokreta poprima „formu“, koncept, ispunjen smislom i skladom.

Razvoj plesa u različitim kulturama

Svaka kultura imala je svoj koncept plesa, svoju svrhu i sadržaj. Na primjer, koreografske skladbe japanskih i kineskih naroda odlikovale su se gracioznošću i posebnim ritmom. Svaki pokret imao je svoje semantičko značenje, a ples se općenito može usporediti s umijećem pisanja hijeroglifa. U Europi su plesovi imali kompozicijski karakter i utjelovljivali su skladnu holističku kombinaciju pokreta solista i ansambla. Za razliku od indonezijske koreografije koja se temelji na fiksnim strogim koracima, indijska plesna umjetnost puna je glatkih pokreta koji izražavaju raspoloženje i različite osjećaje. Vrijedno je napomenuti da se indijski plesovi smatraju najstarijim. Prema legendi hinduističkog vjerovanja, božanstvo Shiva je, izvodeći prekrasan ples, opći kaos pretvorilo u Svemir.

istočnjački ples

Od primitivnih pokreta do moderne koreografije

Povijest modernog plesa započela je s pojavom rock and rolla u 50-ima. Ova vrsta plesa napravila je pravu revoluciju u društvu. Njegovom pojavom promijenio se stil odijevanja, držanje, pa čak i moralna načela mladosti. Rock and roll je kombinacija glazbe, u kojoj se isprepliću europski i afrički motivi, i plesnih pokreta, gdje se može pratiti neka vrsta agresivnosti, složene podrške i nemara prema partneru.

Moderni rock and roll

Mnogi su ovu vrstu koreografije smatrali pokvarenom i neprihvatljivom za pristojne ljude. No, unatoč tome, rock and roll je dao dobar poticaj nastanku i razvoju velikog broja novih vrsta plesova, koji su i dalje vrlo popularni.

Povijest modernog plesa vuče korijene iz daleke prošlosti. Prvi plesni pokreti bili su odraz senzualnih dojmova ljudi primljenih iz vanjskog svijeta.

Plesna umjetnost najstarija je manifestacija izvornog stvaralaštva različitih naroda svijeta. Ples se rodio istodobno s pojavom čovjeka, jer je bio prirodna fiziološka potreba za ritmičnim pokretima.

U antičko doba ples je bio sastavni dio raznih državnih praznika i vjerskih događanja. Dakle, pojam plesa obuhvaća najrazličitije pokrete koji se razlikuju po stilu i načinu izvedbe.

Aktivan razvoj dobio je početkom prošlog stoljeća. Dok poznata balerina Isadora Duncan i nekolicina njezinih istomišljenika odlučili su osporiti tradicionalnu koreografiju. Otvorili su vlastite škole, u kojima su podučavali osnove modernog baleta. Glavna ideja ovog plesnog pravca bila je slobodna koreografija temeljena na improvizaciji i izražavanju vlastitih emocija.

Većina modernih plesova nema jasne standarde i norme. Sve one temelje se na demokraciji i slobodi izvršenja. Gotovo svaki plesač u ples unosi svoju osobnost, a posebno se to očituje u tzv. uličnim plesovima.

Neke su vrste modernih koreografija već doživjele vrhunac svoje popularnosti, ali su i dalje omiljene kod izvođača i tražene kod publike. A takvi plesovi kao što su breakdance, hip-hop, rhythm and blues ili tektonika, naprotiv, doživljavaju svoj uspon.

Hustle je jedan od najpopularnijih plesova među mladima. To je istina univerzalni pravac pojavio se krajem prošlog stoljeća. Pleše se gotovo posvuda: na zabavi, u diskoteci, tanpolleu ili na ulici. Štoviše, ovaj se ples može izvoditi apsolutno uz bilo koju glazbu i s bilo kojim partnerom.

Prije nešto više od dva desetljeća pojavio se takav ples kao što je krump. Njegovo razlikovna značajka je snaga i snaga izvođača, usmjerena na oslobađanje plesača od negativne energije, izbacivanjem njegovih emocija sa pozornice.

20. stoljeće sa sobom je donijelo i takav način pokazivanja koreografskog umijeća kao što su bitke. Ova improvizirana natjecanja plesača do danas se ne prestaju mijenjati i uključivati nove modne trendove.

Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja jednostavno je. Koristite obrazac u nastavku

Studenti, diplomanti, mladi znanstvenici koji koriste bazu znanja u svom studiju i radu bit će vam vrlo zahvalni.

Objavljeno na http://www.allbest.ru/

Savezna državna proračunska obrazovna ustanova visokog stručnog obrazovanja

MOSKOVSKO DRŽAVNO SVEUČILIŠTE ZA KULTURU I UMJETNOST

Fakultet društvenih i kulturnih djelatnosti

Odjel za kulturno-slobodne aktivnosti

NASTAVNI RAD

na temu: povijest plesa

u akademskoj disciplini: "Povijest i teorija sociokulturnih djelatnosti"

Moskva 2013

Uvod

Dio 1 Podrijetlo plesa: od antičkih vremena do rođenja baleta

1.1 Razlozi za pojavu plesa i njegov nastanak

1.2 Stari Egipat, Kina, Indija, Grčka, Rim

1.3 Narodni plesovi u Europi od srednjeg vijeka do renesanse

Odjeljak 2. Doba baleta u inozemstvu iu Rusiji

2.1 Balet na Zapadu

2.2 Ruski balet

Odjeljak 3 Moderni plesni pravci

3.1 Jazz ples

3.2 Moderni ples i moderni jazz

3.3 Suvremeni klasici u inozemstvu

3.4 Dvoranski ples

Zaključak

Izvori i literatura

Uvod

Razgovarajmo o plesu. U naše vrijeme, vrijeme elektronike, brzog ritma, većina će nazvati plesom ono što se događa u noćnim klubovima, kada se pokret spusti na primitivu. No, ples se ne sastoji samo od "dva gazi, tri gazi". Ona ima svoju povijest, jedna je od najstarijih oblika umjetnosti uz glazbu, možda i starija, pitanje je diskutabilno. Ples je prošao kroz dugi put promjena, raspadajući se u mnogo vilica u stilu. Stoga je pitanje na samom početku našeg putovanja još aktualnije: što je ples?

Ples- ritmički, izražajni pokreti tijela, obično ugrađeni u određenu skladbu i izvedeni uz glazbenu pratnju. Ples je, kao što je gore spomenuto, možda najstarija umjetnost: on odražava potrebu osobe koja seže u najranije vrijeme da svojim tijelom prenese drugima svoju radost ili tugu. Osim toga, ples je demokratičan. On poziva tijelo na razgovor, daje mu priliku da govori. Ples pomaže proširiti kreativni i osobni potencijal, riješiti se raznih kompleksa, nestati strah od javnog nastupa, uči vas opuštanju.

Ples je nastao iz različitih pokreta i gesta povezanih s radnim procesima i emocionalnim dojmovima osobe iz svijeta koji ga okružuje. Pokreti su postupno podvrgnuti umjetničkoj generalizaciji, uslijed čega je nastao ples, jedna od najstarijih manifestacija narodne umjetnosti. U početku vezan uz riječ i pjesmu, ples je postupno dobio samostalno značenje. Plesovima su se slavili gotovo svi važni događaji u životu primitivnog čovjeka: rođenje, smrt, rat, izbor novog vođe, ozdravljenje bolesnika. Ples je izražavao molitve za kišu, sunčevu svjetlost, plodnost, zaštitu i oprost, bio je sastavni dio raznih sakramenata, misterija, od primitivnih društava do Egipta, Kine, Grčke. Kakav je bio rezultat plesa? Kako je to sistematizirano? Formirano "pa".

Plesni pas (fr. pas - "korak") potječe od osnovnih oblika ljudskog kretanja - hodanja, trčanja, skakanja, skakanja, skakanja, klizanja, okretanja i njihanja. Kombinacije takvih pokreta postupno su se pretvorile u pasove tradicionalnih plesova.

Glavne karakteristike plesa su:

Ritam - relativno brzo ili relativno sporo ponavljanje i varijacija osnovnih pokreta;

Crtanje - kombinacija pokreta u kompoziciji; dinamika - variranje opsega i intenziteta pokreta;

Tehnika je stupanj vladanja tijelom i majstorstvo u izvođenju osnovnih pasova i položaja. U mnogim plesovima geste su također od velike važnosti, posebice pokreti ruku.

Danas koreografska umjetnost obuhvaća tradicionalnu pučku i profesionalnu scensku umjetnost. Plesna umjetnost prisutna je u različitim stupnjevima, oblicima u kulturi svake etničke skupine, etničke skupine. I ova pojava ne može biti slučajna, ona je objektivne prirode, jer tradicionalna narodna koreografija zauzima prvo mjesto u društvenom životu društva kao rani stadiji razvoja čovječanstva, a sada, kada obavlja jednu od funkcija kulture, ona je jedna od osebujnih institucija socijalizacije ljudi, a prije svega djece, adolescenata i mladeži, a obavlja i niz drugih funkcija svojstvenih u kulturi u cjelini.

povijest plesa folklorni balet

1. Nastanak plesa: od antičkih vremena do rođenja baleta

1.1 Razlozi nastanka plesa i njegov nastanak

Dakle, odakle je došao ples, kako je osoba razvila žudnju za kretanjem u određenom ritmu? Visoko zanimljiv članak Chernikov Konstantin Petrovich o tome što postoji ples i, zapravo, njegova pojava, savršeno će reći o tome.

Ples je, zapravo, kao čisto javni, društveni fenomen, čitav sloj koji svojim metodama i tehnikama odražava povijesni, društveni i kulturni razvoj ljudskog društva. Ovaj sloj je vrlo zanimljiv i nedovoljno dubok, po mom mišljenju, "preoran" modernom znanošću. Povjesničari su se više usredotočili na aspekte gospodarskog i društveno-političkog razvoja društva, likovni kritičari mnogo više pozornosti posvećuju arhitekturi ili slikarstvu, a na suvremenim kazališnim i osobito pop pozornicama ples igra daleko od prve uloge u usporedbi s vokalom ili isti razgovorni žanr. Čemu takva sramota? Uostalom, koreografska umjetnost možda je i najstarija na svijetu, preživjela je tisućljeća, nastala u ljudskom okruženju u vrijeme kada zapravo nije bilo civiliziranog društva sa svojom ekonomijom i politikom. Zašto je ples, koji je u osvit ljudske povijesti, uz kult i magiju, bio najvažnija od svih vrsta mentalnih i sociokulturnih aktivnosti ljudi, danas izblijedio u drugi plan? Kada i zašto se to dogodilo? U svoj toj raznolikosti pitanja pokušat ćemo to odgonetnuti.

Jasno je da ples nije nešto bez čega čovjek ne može živjeti, kao na primjer bez vode ili hrane. Čovjek je kao vrsta prošao dug i vrlo težak put evolucije na kojem mu je glavni zadatak bio opstanak.

Znači, ako je drevni čovjek dio svog dragocjenog vremena trošio ne na nabavu hrane ili uređenje života, već na uvježbavanje upravo tih ritmičkih pokreta tijela, onda je to za njega zaista bilo jako važno. Što je moglo biti toliko važno za naše daleke pretke? Mnogi vjeruju da su to ritualni obredi. Da, logično je. S bogovima i demonima ne treba se šaliti. Treba ih stalno štovati, umirivati, žrtvovati, ali, vidite, za odavanje počasti i žrtvovanja uopće nije potrebno skakati, skakati, vrtjeti se i migoljiti u određenom tempu i ritmu. Sve možete učiniti puno racionalnije i s manje truda, koji će ipak biti potreban u lovu ili u ratu sa susjedima. Najvjerojatnije, uzrok plesa leži malo dublje nego što se obično vjeruje.

Ako je vjerovati objašnjenim rječnicima i enciklopedijama koji su danas brojni, onda ples općenito možete definirati kao oblik umjetnosti koji prikazuje vanjske manifestacije života u figurativnom i umjetničkom obliku, kroz pokrete ljudskog tijela, izraze lica i pantomimu. Ples. Nije li on ono što vidimo? Da, jest, ali ne baš. Ne može se sve objasniti samo jednostavnom reakcijom osobe na svijet oko sebe. Što je vanjski izgled žive prirode, ako ne stalno promjenjiva manifestacija unutarnje? Ples se temelji na akciji. Ali ne može postojati vanjsko djelovanje bez unutarnjeg djelovanja. Sve vanjske radnje, izražene pokretima, gestama, položajima, plesnim koracima, rađaju se i oblikuju iznutra - u mislima, osjećajima, osjećajima, iskustvima. Dolazimo, čini mi se, do izvora. Temeljni uzrok nastanka plesa, kao i vjerski kult postala psiha, unutarnji, duhovni svijet čovjeka.

Psiha je postala inicijator nastanka plesa, kao društveni fenomen. Naravno, u početku je bilo usko isprepleteno s kultom i magijom, bilo ih je nemoguće odvojiti jedno od drugog. Do izdvajanja i uže specijalizacije ovih pojava dolazi mnogo kasnije. I kult je postupno preuzeo.

Nadmoć kulta tumači se činjenicom da su čarobnjaci i svećenici bili pametni ljudi i kreativni na svoj način, pa im nije bilo teško smisliti kako “muljati” i vršiti pritisak na svoje bližnje, a glavni motivator u ovoj stvari je strah od nepoznate sile.

U tim je uvjetima ples nestao u pozadinu i počeo samo “služiti” ritualima, ukrašavati ih i pojačavati faktor psihološkog i energetsko-emocionalnog utjecaja na sudionike vjerskih obreda i ceremonija. Govorit ćemo o utjecaju plesa na ljudski organizam, no sada se vratimo na pitanje o razlozima njegovog nastanka.

Kada je počeo ples? Po logici stvari, najvjerojatnije, u kronološkom smislu, vrijeme nastanka plesnih tradicija je razdoblje Madeleine (prije 15 - 10 tisuća godina).

U tom razdoblju primitivna umjetnost, a prije svega pećinsko slikarstvo, dostiže najviši stupanj razvoja. Logično je pretpostaviti da se upravo u tom razdoblju, kada je sve složenija ljudska psiha i komunikacija pokrenula potrebu za likovnom umjetnošću, mogla javiti i potreba za drugim oblicima umjetnosti - uključujući ples, crteže na stijenama u špiljama Francuske i Španjolske služe kao potvrda tome, gdje od 1794 crteža - 512 prikazuje ljude u različitim pozama i trenucima kretanja, koji se povremeno ponavljaju, osim toga, oko 100 crteža posvećeno je nekoj vrsti čovjekolikih stvorenja. S obzirom da je pećinsko slikarstvo vrlo realistično, čak i fotografsko, umjetnik još nije mogao apstraktno misliti, nije ništa izmišljao i slikao je ono što je vidio svojim očima, onda se možete zapitati - što je vidio? Ako odbacimo verziju vanzemaljaca ili mutanata, onda su to najvjerojatnije ljudi obučeni u životinje ili nekakve duhove koje oponašaju.

Drevni čovjek slikao je imitaciju životinja i duha. Ali ako su ljudi to učinili tada, što je to ako ne ples? U isto vrijeme dolazi do rađanja glazbe i glazbenih instrumenata. Sve su vrste umjetnosti bile usko povezane, pa je tako i glazba bila povezana s plesom. Odgovor na prvo pitanje je dat. Ples ne ostavlja tako točan “spomenik” kao slikarstvo ili arhitektura, ali rođenje plesa teško da se moglo dogoditi prije. Društvo nije bilo spremno. Sljedeće pitanje: kako je došlo do nastanka plesne kulture?

Već smo rekli da je plesna umjetnost nastala u dubinama sve složenije ljudske psihe i postala vanjska manifestacija čovjekove potrebe za određenom vrstom pokreta tijela. S takvim potrebama, stalno se susrećemo s vama. Osim instinkta i prirodnih refleksa, osoba ima biomehaničko pamćenje. Čovjek ne može živjeti bez pokreta mišića! Ako je neki organ, iz ovog ili onog razloga, određeno vrijeme neaktivan, tada će neizbježno atrofirati. Za život nam je potreban pokret! Sve je na ovom svijetu u stalnom kretanju, sve vibrira i mijenja se. Čovjek je dijete ovoga svijeta i ne može postojati izvan njegovih objektivnih zakona. “Ništa ne traje vječno”, “Sve teče, sve se mijenja” - kaže narodna mudrost. Stoga je osoba bila prisiljena, uz potrebne proizvodne pokrete, slušajući glas prirode, činiti i dodatne pokrete kako bi održala svoju vitalnost. Čini se, zašto bi to učinio, jer je primitivni život bio fizički težak i pun opasnosti, osoba je već primila puno tjelesne aktivnosti i očito nije patila od hipodinamije. Ali ne!

Mi smo bića složene i visoko organizirane psihe, naši osjećaji i misli utječu na naša energetska polja i stoga nam je mentalni, duhovni naboj još važniji od fizičkog, jer je naša psiha ta koja upravlja svim fizičkim procesima u našem tijelu kroz bioelektrične impulse. Uvjeren sam da je upravo ta potreba za povremenim mentalnim punjenjem pokrenula najraniju ljudsku potrebu za ritmičnim pokretima tijela. Obratite pažnju - ne u jednostavnim, već u ritmičnim pokretima tijela. Zašto je to? Da, jer su svi naši unutarnji organi, cijelo tijelo i živčani sustav u stalnoj vibraciji i pulsiranju, koji imaju svoj ritam: srce kuca u određenom ritmu, disajni ciklus se također odvija strogo ritmično, itd. Stoga se psihoenergetsko punjenje također treba provoditi ritmički, kako ne bi došlo do nesklada s prirodnim biološkim ritmovima tijela. NA ovaj slučaj ne govorimo o nama poznatim plesovima, već o kulturi najranijih oblika ritmičkih pokreta tijela praćenih primitivnom, najvjerojatnije glasovnom i bučnom pratnjom, što se može svrstati u sam početak plesne kulture.

Između ostalog, slušanje ugodne glazbe i kretanje radi užitka proizvodi hormon sreće, koji je jedan od neizravnih uzročnika plesa.

Sama psiha starog čovjeka postala je pokretač plesne umjetnosti. Potreba za samospoznajom, svijetom, samoizražavanjem i zadovoljstvom. I predstavnici kulta nisu propustili priliku, koristeći ples u ritualima. Najvjerojatnije su bili masivni, što je pojačalo učinak kroz "efekt krda". U primitivnom društvu bilo je gotovo nemoguće ne poštovati ovaj učinak, pa su svećenici i vođe diktirali pravila.

Prvi plesovi antike bili su daleko od onoga što se danas naziva ovom riječju. Imale su sasvim drugo značenje. Čovjek je raznim pokretima i gestama prenosio svoje dojmove o svijetu oko sebe, unoseći u njih svoje raspoloženje, svoje stanje uma. Povici, pjevanje, igra pantomime bili su međusobno povezani s plesom. Sam ples je oduvijek, u sva vremena, bio usko povezan sa životom i načinom života ljudi. Dakle, svaki ples odgovara karakteru, duhu naroda iz kojeg je potekao. S promjenom društvenog sustava, životnih uvjeta, mijenjala se priroda i tematika umjetnosti, a mijenjao se i ples. Njegovi su korijeni duboko ukorijenjeni u narodnoj umjetnosti.

Plesovi su bili vrlo česti među narodima starog svijeta. Plesači su nastojali da svaki pokret, gesta, izraz lica izražavaju neku misao, radnju, djelo. Izražajni plesovi bili su od velike važnosti kako u svakodnevnom tako i u javnom životu.

Za čovjeka primitivnog društva ples je način razmišljanja i življenja. U plesovima koji prikazuju životinje uvježbavaju se tehnike lova; plesom se izražavaju molitve za plodnost, kišu i druge hitne potrebe plemena. Ljubav, rad i ritual utjelovljeni su u plesnim pokretima. Ples je u ovom slučaju toliko povezan sa životom da se u jeziku meksičkih Tarahumara Indijanaca pojmovi "rad" i "ples" izražavaju istom riječju. Duboko opažajući ritmove prirode, ljudi primitivnog društva nisu mogli ne oponašati ih u svojim plesovima.

Primitivni plesovi obično se izvode u skupinama. Kolo ima određeno značenje, specifične ciljeve: istjerati zle duhove, izliječiti bolesne, otjerati nesreću iz plemena. Najčešći pokret ovdje je gaženje, možda zato što tjera zemlju da drhti i pokorava se čovjeku. U primitivnim društvima česti su plesovi čučeći; plesači se vole vrtjeti, trzati i skakati. Skokovi i kovitlanje dovode plesače u ekstatično stanje, ponekad završavajući gubitkom svijesti. Plesači obično ne nose odjeću, ali nose maske, složena pokrivala za glavu i često oslikavaju svoja tijela. Kao pratnja koriste se tapkanje, pljeskanje, kao i sviranje svih vrsta bubnjeva i svirala od prirodnih materijala.

Primitivna plemena nemaju reguliranu plesnu tehniku, ali izvrsna tjelesna obučenost omogućuje plesačima da se potpuno prepuste plesu i plešu s apsolutnom predanošću, sve do ludila. Ples ove vrste još uvijek se može vidjeti na otocima južnog Pacifika, u Africi te u Srednjoj i Južnoj Americi.

1.2 Stari Egipat, Kina, Indija, Grčka, Rim

Tako se ples počeo razvijati. U različitim zemljama, kulturama, ali svugdje je imao mjesto za biti, štoviše, igrao je važnu ulogu.

Kultura drevni Egipt, u kojem je razina društva bila prilično visoka, bila je zasićena glazbom i plesom. Egipćani su jako voljeli zabavu i niti jedan praznik i niti jedan događaj nije prošao bez plesa uz glazbenu pratnju. U starom Egiptu plesna umjetnost bila je vrlo cijenjena. A s obzirom na to da je ova država zbog određenog zemljopisnog položaja dugo bila izolirana, kultura njihovog plesa razvijala se samostalno i bez uplitanja drugih naroda i kultura. Stoga su plesovi u starom Egiptu bili posebni i ničemu nalik. Po duge godine Tijekom razvoja kulture u vrijeme faraona nastao je veliki broj vrsta koreografija: plesovi za zabavu, haremski, obredni, vjerski pa čak i vojni plesovi.

Važne vizualne informacije o razvoju plesa u starom Egiptu mogu se prikupiti iz hijeroglifskih zapisa, drvenih reljefa, slika uklesanih u kamenu, skulptura i raznih predmeta iz drevnih grobnica. U Abidosu - mjestu gdje je, prema vjerovanjima Egipćana, pokopan bog mrtvih Oziris - tijekom ljetnog solsticija održavali su se obredi uz ples i glazbu. Skupine pjevača i plesača živjele su u hramovima i sudjelovale u štovanju bogova. Jedan od glavnih praznika bio je obred posvećen biku Apisu, s tajnim plesovima koje su izvodile "sluge" bika.

Osjećaj za teatralnost bio je vrlo jak kod naroda starog Egipta. Čak su i njihove hramske plesačice izvodile akrobatske trikove, a na reljefima se može vidjeti žena koja izvodi špalite, ili žena koju bacaju u zrak pa je podižu dva partnera, te muškarac koji stoji na jednoj nozi i sprema se napraviti piruetu.

Pogrebni i obredni plesovi odlikovali su se strogošću i jednostavnošću, ali s vremenom su se počele pojavljivati druge, više dekorativne vrste plesa. Robovi i robinje učeni su plesati za kućnu zabavu. U Egipat su dovođeni plesači iz drugih zemalja. Tu su bile putujuće trupe profesionalnih glumaca koji su glumili pantomime, izvodili akrobatske točke uz pratnju tambura i kastanjeta. Neko su vrijeme bili popularni plesovi crnih pigmeja.

U djelima drevnih pjesnika, pisaca, umjetnika nalaze se imena plesova i njihovih sudionika, opisana su pravila izvedbe.

Kada se govori o narodnim plesovima u kineskoj kulturi, većina ljudi odmah zamisli šarene plesne brojeve predstavnika raznih etničke skupine drugačiji od Hana. U međuvremenu, od najstarijih vremena, ona plemena koja su kasnije počela biti ujedinjena jednim zajedničkim imenom - nacionalnost Han, imala su različite oblike ritualnih plesova. Rani narodni plesovi u Kini, kao i drugi oblici primitivne umjetnosti, bili su uglavnom obredni oblik raznih praznovjerja i vjerovanja. Ovi plesovi su se izvodili kako bi se od bogova zamolila dobra žetva ili dobar lov.

Mnogo kasnije, za vrijeme dinastije Han (206. pr. Kr. - 220.), razvili su se narodni plesovi većine etničkih skupina koje su nastanjivale Kinu. Narodni plesovi koji su se pojavili u to vrijeme također su odražavali praznovjerja i vjerovanja ljudi. Vjerovali su da bi ritualnim darivanjem bogova mogli uvjeriti da im u budućnosti pruže još veće dobrobiti.

Glavni kineski narodni plesovi su slike i Lavlji ples. Izvorno su bili dio kulturna baština samo Han Kinezi, ali s vremenom su ove plesove počeli izvoditi i predstavnici drugih etničkih skupina koje žive u Kini. Uz to, jedan od najsuptilnijih oblika kineskog narodni ples je Dvorski ples, koji se ponekad naziva i Dvorski ples. U početku je nastao na dvoru careva Han za vrijeme vladavine dinastije Qin (221. pr. Kr. - 206. pr. Kr.). Drugi kineski carevi, uključujući i one mongolskih i mandžurskih korijena, nastavili su razvijati ovu vrstu plesne umjetnosti. Ples zmaja i ples lava obično se izvode tijekom proslave lunarne Nove godine.

Prema tumačenjima hinduističke mitologije, nastanak plesa dogodio se upravo u Indiji, a tvorac je bio bog Shiva koji je plešući sveopći kaos pretvorio u Svemir. Vjerovalo se da samo nebesnici imaju pravo na ples, a nikako obični smrtnici. Na svečanostima u nebeskoj palači prekrasne polubožanske plesačice izvijale su se u plesu oduševljavajući i oduševljavajući sve oko sebe. Sam bog Šiva smatran je najizvrsnijim plesačem, sva ostala božanstva imala su čast sastaviti mu pratnju. Ples je postao dostupan običnim zemaljskim ljudima tek nakon što se veliki mudrac Bharata, koji je svojim dobrim djelima stekao pravo posjetiti božansku palaču i uživati u spektaklu plesa, obratio bogovima Brahmi i Shivi sa zahtjevom da obične ljude pouče ovoj umjetnosti .

U staroj Indiji ples se smatrao izrazom duše, unutarnjeg stanja čovjeka u najvišem obliku. Zbog posebnog odnosa hinduizma prema svakoj umjetnosti kao utjelovljenju božanske unutarnje ljepote u čovjeku, umjetnost je bila jednako izjednačena s religijom. Stoga ne čudi da su ljudi starog Hindustana, davno prije nego što su naučili pisati, čitati i stvarati kamene skulpture, svoju vjeru u bogove i svoju poslušnost prema njima iskazivali uz pomoć pokreta tijela. Ples je za Hinduse u starom svijetu bio sastavni dio vjerskih obreda i rituala. U početku su ove koreografske kompozicije bile prilično primitivne, ali su ubrzo poprimile gotovo savršenstvo. Općenito, vjeruje se da je klasični indijski ples vrsta joge, koja skladno kombinira duhovnu energiju i fizičku izdržljivost. Da je ples u staroj Indiji bio sastavni dio života i života među ljudima potvrđuju brojni spisi, priče mudraca i razne figurice koje prikazuju plesačice zaleđene u zamršenim pozama.

Vrijedno je napomenuti da indijski plesovi nisu samo prekrasan skup različitih pokreta, već punopravna priča o određenoj priči. Ova značajka sačuvana je do danas. Moderni plesači koriste strogo definirane korake, zamahe, pokrete ruku, ruku, pa čak i pogled koji odražavaju određene osjećaje, akcije ili čak cijeli događaji. Još u staroj Indiji mlade i lijepe posebno odabrane djevojke koje još nisu ušle u pubertet postale su supruge bogova kojima je hram posvećen. Plesali su goli, što je bila demonstracija njihovih osjećaja prema božanstvu.

Još jedna upečatljiva značajka plesne kulture drevnih Hindusa je interpretacija tekstova uz pratnju koreografskih koraka. Svaki je plesač svojom vještinom i posebnim pogledom izveo priče i ples. Ova radnja bila je potpuno zasićena jednim ili drugim semantičko opterećenje i obrazovanje onih oko sebe.

Nakon nekog vremena plesovi u Indiji počinju gubiti svoju vjersku bit, a već u srednjem vijeku plesovi se izvode uglavnom kao dvorska zabava i šarena radnja. Sudionici plesova nisu pjevali bogove, već njihove zaštitnike. Moderni hinduistički ples ima nevjerojatnu eleganciju, gracioznost i bogatstvo osjećaja. Indijska koreografija je posebna i bez premca u cijelom svijetu.

Svete plesove prema legendi u Grčku je iz Egipta prenio Orfej. Vidio ih je tijekom hramskih svetkovina Egipćana. Ali on je pokrete, geste podredio vlastitom ritmu i oni su počeli više odgovarati karakteru i duhu Grka. Ovi plesovi su se izvodili uz zvukove lire, a odlikovali su se strogom ljepotom. Blagdani, a time i plesovi, često su bili posvećeni različitim bogovima: Dionizu, božici Afroditi, Ateni. Oni su odražavali određene dane radne kalendarske godine.

Vojnički plesovi u antičkoj Grčkoj igrali su veliku ulogu u usađivanju hrabrosti, domoljublja i osjećaja dužnosti kod mladih. Obično vojničke, pirove plesove izvodilo je dvoje. Bilo je takvih masovnih pirha u kojima su plesali samo mladići, a ponekad su uz mladiće plesale i djevojke. Vojni plesovi reproducirali su bitku, razne borbene formacije, bile su to složene koreografske kompozicije. U rukama plesača bili su lukovi, strijele, štitovi, upaljene baklje, mačevi, koplja, strijele. U zapletima herojskih plesova u pravilu su se odražavali mitovi i legende o herojima.

Plesovi u čast grčkog boga plodnosti i vinarstva, Dioniza, odlikovali su se nekontroliranom i nasilnom zabavom. Dionizije se slavilo u proljeće, kada su vinogradi počeli zeleniti i priroda oživljavati. U purpurnozlatnoj halji ispred su nosili kip Dioniza, a za njima su išli mumeri: polugole nimfe i najade s cvijećem i lišćem vinove loze u raspuštenoj kosi i satiri s kozjim rogovima u životinjskim kožama. Vjerojatno su Dionizije bile prve maškare.

Scenski starogrčki plesovi bili su dio kazališnih predstava, gdje je svaki žanr imao svoje plesove. Tijekom plesa, izvođači su udarali vrijeme nogama, za koje su obuvali posebne željezne ili drvene sandale, udarali vrijeme rukama uz pomoć kastaneta, školjki kamenica, nošenih na srednjim prstima.

Tijekom propadanja Rimskog Carstva, plesovi i pantomima su se pretvorili u nemoralne spektakle, te su ih časni građani Rima tretirali s prezirom. Ciceron i Horacije pisali su o plesovima Rimljana u svojim raspravama.

1.3 Narodni plesovi u Europi od srednjeg vijeka do renesanse

Srednji vijek. To je doba karakterizirao izoštren osjećaj straha od smrti; slika smrti, poput đavla, stalno se nalazi u srednjovjekovnoj simbolici. Slika plesajuće smrti nastala je već u antičko doba; lik smrti također se pojavljuje u plesovima mnogih primitivnih društava. Ali tek u srednjem vijeku slika smrti pretvara se u simbol ogromne moći. "Ples smrti" (danse macabre) bio je posebno raširen u Europi u 14. stoljeću, u razdobljima kuge. U društvenom smislu ovaj je ples, kao i sama smrt, izjednačavao predstavnike različitih klasa. Tijekom godina kuge "ples smrti" često se razvijao u histeričnu zabavu. Obično je počinjalo brzim plesom; tada je jedan od plesača iznenada pao na tlo, predstavljajući mrtve, a ostali su nastavili plesati oko njega, predstavljajući na parodičan način žalovanje mrtvih. Ako je mrtvaca prikazivao muškarac, vraćali su ga u život poljupci djevojaka; ako je djevojka, muškarci su je ljubili. Nakon “uskrsnuća” uslijedilo je opće kolo.

Iz srednjeg vijeka potječu mnoge priče o maničnoj opsjednutosti plesom. Za vrijeme kršćanskih praznika narod je iznenada počeo pjevati i plesati u hramovima, ometajući crkvenu službu koja se u njima odvijala. Ovi ludi plesovi promatrani su u svim zemljama. U Njemačkoj se zovu "Ples sv. Witta", au Italiji - "tarantella".

Ples nije bio samo neophodno sredstvo opuštanja, već i glavna zabava. Srednjovjekovni ples još uvijek je uglavnom bio improvizirana točka. Narod je volio kola, ali nije bilo ustaljenih plesnih pravila. Ples je bio prihvaćeni oblik udvaranja; njihovi izvođači ples su pratili pjevanjem; pokreti su bili najjednostavniji. U XII stoljeću. kult romantične ljubavi i viteštva u velikoj je mjeri preobrazio ples, prigušivši njegove iskreno erotske značajke. Ples je bio jedna od uobičajenih aktivnosti za viteza i djelovao je kao svojevrsna kućna paralela turnirima na otvorenom. Ples je obično vodio jedan par, a pridruživali su mu se drugi, polako se krećući u krugu; vrsta ovog plesa umnogome je podsjećala na polonezu.

U kasnom srednjem vijeku javlja se razlika između dvorskog parnog plesa i seoskog grupnog plesa. U društvenom smislu još nije postojala kruta vododjelnica. Seljani su mogli oponašati dvorski ples, a vitezovi su se ponekad voljeli pridružiti seoskom kolu. Seljaci su plesali s neobuzdanom spontanošću, vitezovi su plesali strože, slijedeći dvorsku bonton. Narodni se ples i dalje improvizirao, dok je dvorski ples postajao sve više logorski. Glavni oblik umjetnosti u palači bio je figuralni ples, gdje je skupina plesača uzastopno formirala plesne formacije.

Veliku važnost u razvoju dvorskog plesa imala je pojava profesionalnih učitelja plesa, koji nisu samo poučavali plemstvo, već su djelovali i kao arbitri na području bontona i ponašanja te su obično imali veliki utjecaj na atmosferu na dvoru.

Ples je bio redoviti dio vjerskih običaja u većini velikih religija, a u kršćanstvu je bio uobičajen do 13. stoljeća. Smatralo se dodatkom glazbenom bogoslužju, bilo vokalnom ili instrumentalnom. Društvena događanja i svjetovna slavlja, koja su često bila povezana s vjerskim slavljima, također su sadržavala ples, kao i službene ceremonije poput kraljevskih posjeta i krunidbe. Ali ova fizička manifestacija radosti i hvale nije bila ograničena na posebne prilike. Ples je također bio dio svakodnevnog života. Postoje mnoga izvješća o popodnevnom plesu i korištenju plesa za stvaranje zdravog tijela. To je povezivalo plesove s vojnim vježbama, od kojih se većina izvodila na nogama i zahtijevala ne samo fizičku izdržljivost, već i okretnost i brz rad nogu.

U renesansi svakodnevni ples dobiva veliku važnost. Bez njega ne mogu proći ne samo balovi, večeri, već ni veličanstvene ulične svečanosti, koje ponekad dosežu izuzetnu svjetlinu i sjaj. U dvoranama palače talijanskih plemića priređuju se kazališne međuigre s pjesmama i plesovima. Ples je osnova ovih raskošnih spektakla.

Razvoj kazališnog plesa tijekom renesanse uglavnom se povezuje sa sjevernom Italijom, iako nešto kasnije, kada se ples proširio po cijeloj Europi, francuski dvorovi postali su izvor njegove izuzetne stilizacije i barokne ljepote. Vladari talijanskih gradova-država poklanjali su sve više pozornosti veličanstvenim spektaklima. Postupno se razvijao niz plesnih tehnika s nizom obveznih pravila. Živahni seoski ples nije godio dvorskim damama i gospodi. Njihova odjeća, kao i dvorane ili vrtovi u kojima su plesali, sama struktura njihovih misli apsolutno nije dopuštala neorganizirano kretanje. Za uspostavljanje reda i jačanje discipline, postojali su posebni plesni majstori za koje je ples bio utjelovljenje suzdržanosti i sofisticiranosti. Sada u njemu više nije bilo ničega "popularnog"; ples je postajao sve teatralniji. Profesionalni plesni majstori s plemićima su unaprijed uvježbavali pojedine pasove i figure i usmjeravali pokrete skupina plesača, dok su ostali dvorjani bili gledatelji.

Razvoj glazbena umjetnost u renesansi bio je usko povezan s razvojem plesa, budući da su se gotovo svi veliki skladatelji u svojim skladbama usredotočili na ples.

Maškare, momerije i karnevalske povorke, omiljene zabave u srednjem vijeku, posebno su se proširile u doba renesanse. Najviše su u renesansi voljeli maškare, odnosno plesove pod maskama, a maske su u to doba bile od posebne važnosti. Ljudi koji su željeli ostati inkognito putovali su pod maskama; predstavnici zaraćenih plemićkih obitelji skrivali su svoja lica pod maskama. Najupečatljiviji primjer je Romeo, koji je ušao na bal Capuletovih (Shakespeareova tragedija "Romeo i Julija").

Veliki doprinos plesu kao javnoj zabavi dali su i karnevali. Najveličanstveniji od njih bili su takozvani trijumfi - predstave na mitološke teme s vješto izvedenom scenografijom. Nešto su skromnije bile currye, maskenbale obrtnika i trgovaca u talijanskim gradovima, gdje su gomile maskiranih ljudi marširale iza ukrasnih simbola svojih zanimanja.

Varijante srednjovjekovnog plesa.

Bas ples - od fr. basse danse - "niski ples" - opći naziv klizećih "plesova bez skokova" 16. stoljeća; prvi put su se pojavili na burgundskom dvoru. "Niski ples" - u suprotnosti s "visokim plesom" (danse haute), koji karakteriziraju visoki skokovi i poskakivanja. Bas ples bio je svečani ples sličan polonezi, tj. povezan više s hodanjem nego s plesom kao takvim. Bass ples se smatra pretečom estampija. Ples se mogao izvoditi iu dvodijelnom (obično) iu trodijelnom metru. Bas se ples sastojao od tri dijela: samog bas plesa, njegovog ponavljanja i tordiona - plesa koji se preskače. Basov ples nestaje u 16. stoljeću, istiskuje ga pavana.

Estampie (estampie), ili estampida - srednjovjekovni instrumentalni oblik i ples iz Provanse. Srednjovjekovni autori spominju stantip, možda latinizirani naziv za estampidu. Svaki se stantip sastojao od niza "točaka" (puncti): svaki se punctum (točka) sastojao od dva dijela s identičnim počecima (apertum) i različitim završecima (clausum). Dodatak stantipu bila je duktija, koja se također sastojala od „točkica“, ispod kojih se plesalo. Estampi se može smatrati jednim od glavnih plesova srednjeg vijeka.

Saltarello je energičan talijanski ples u brzom tempu, u trodijelnom, ponekad dvodijelnom metru. Ime dolazi od saltare - "skakati". Saltarello je bio osobito čest u 16.-17. stoljeću, ali se nalazi u engleskim i talijanskim rukopisima već u 14. stoljeću. U XVI. stoljeću. saltarello je bio uparen s bass danceom i passamezzom (nakon njih). Danas se saltarello pleše u Italiji i Španjolskoj na isti način kao i tarantella.

Moreska (morisco) je pantomimski ples poznat još od ranog srednjeg vijeka. Plesači su, u skladu sa snažno romantiziranom predodžbom o Maurima, nosili groteskne kostime sa zvončićima na gležnjevima; glazbom su dominirali isprekidani ritmovi i egzotični tonovi. Često su lica jednog ili više plesača bila obojena u crno. U Europi se ples proširio na one krajeve gdje je postojao kontakt između muslimana i kršćana. Europsko more izvire u Španjolskoj, gdje se spominje već u 15. stoljeću.

Courante je ples u dvodijelnom metru, izvorno pantomimski, poznat od 16. stoljeća. Postupno je zvonce dobilo trodijelni metar i u 17.st. počeo izvoditi u tandemu s allemandom (nakon njega). Karakteristična značajka zvona iz XVII stoljeća. česte su promjene metra od 3/2 do 6/4 i natrag, što je odgovaralo izmjeni dviju glavnih plesnih figura - pas de courante i pas de coupe.

Gigue je engleski ples popularan u 16. stoljeću. Naziv dolazi ili od starofrancuske riječi giguer ("plesati"), ili od staroengleske riječi giga (narodna gusla). Isprva je giga bila u taktu 4/4, a kasnije su gigi komponirani u taktu 6/8 s isprekidanim osminama.

Pavane - ples koji je otvarao balove 16.-17. stoljeća, u dvodijelnoj (ponekad i u trodijelnoj) veličini, koja je bila polagana, veličanstvena procesija. Pavana dolazi iz Španjolske, ime joj je povezano s riječju pavo ("paun"); možda je pavane kasni oblik bas plesa. U 17. stoljeću pavanu je obično pratio brzi galijard u skoku. U Italiji i Njemačkoj padovana (od imena talijanskog grada Padova) često je djelovala kao sinonim za pavane. Njemački skladatelji u razdoblju nakon 1600. godine pisali su svečane, veličanstvene skladbe, koje su nazivali "pawans". Pavane su skladali i engleski madrigalisti W. Byrd, J. Bull, O. Gibbons i J. Dowland.

Galliarda je vedar, živahan ples 16.-17. stoljeća, isprva dosta brz, kasnije se izvodi suzdržanijim tempom, u trometru. Izvorno dvodijelni, galijard je zatim promijenio metar i postao "par" pavane ili passamezza (izvodi se nakon njih). Galliard je bio jedan od omiljenih europskih plesova 17. stoljeća.

Branle je generički naziv za plesove 16.-17. stoljeća. Postojale su različite verzije branlea u različitim pokrajinama Francuske - Burgundiji, Poitouu, Champagneu, Picardyju, Lorraineu, Aubari, Bretanji. U XV stoljeću. branle dovršio bas ples, u XVI-XVII.st. postao samostalan ples, čije su varijante spojene u suite. Redoslijed dijelova u branle sviti je sljedeći: branle dupli, branle jednostavni, branle veseli, montirande i gavote; redoslijed se može promijeniti, ali gavotte uvijek dolazi na kraju. Branle je često bio uključen u barokne balete, čak i kada je sam ples već bio zapušten.

Bergamasque - ples XVI-XVII stoljeća. u veličini 2/4 ili 4/4, dolazi iz talijanskog grada Bergama. Shakespeare spominje bergamasku u Snu ljetne noći, pa je ovaj ples već u 16. stoljeću bio poznat u Engleskoj. U tadašnjim rukopisima bergamask ima specifičnu melodiju, koja je često basso ostinato (tj. bas koji se neprestano ponavlja) s varijacijama.

Chaconne je španjolski ples 16.-18. stoljeća, blizak passacagliji. Prema opisima autora iz 16. i 17. stoljeća, ples je u Španjolsku došao iz Zapadne Indije. U svom izvornom obliku, senzualan i temperamentan, chaconne je u 17.st. pretvorio u polagani veličanstveni ples, glazbeno - s varijacijskim razvojem temeljenim na basso ostinatu.

Allemande - od fr. allemand - "njemački" - ples 16.-18. stoljeća, kao što mu i ime kaže - njemačkog podrijetla. Poput pavane, allemande je ples umjerenog tempa u dva takta. Ovaj miran ples obično je pratila živahna trotaktna zvonjava.

U renesansi svjetovna zabava, kap po kap, postaje sve sofisticiranija i sofisticiranija za sve koji nisu lijeni. Elementi kazališta i plesa prodrli su iu stare i u mlade sfere života feudalnih gospodara - ponekad su gozbe u dvorcima nalikovale kazališnoj predstavi: usred posluživanja pojedinih jela, pozvani umjetnici i glazbenici igrali su male plesne i pantomimske scene pred dvoranom. gosti, pjevali arije i svirali na glazbalima. Do 15. stoljeća plesovi su se malo promijenili - postali su složeniji, postali su jači, brži i pokretljiviji, danas su se izvodili skokovi, pa čak i lagana dizanja - prije ili kasnije dama se uz pomoć kavalira digla u zrak. Pojavilo se mnogo novih plesova, svaki je imao određene pokrete (pa). Štoviše, bilo ih je potrebno - i plesove i pokrete - poznavati na isti način kao i pravila bontona.

Tako se ples razvio u ono što nazivamo balet ili klasični ples. Pogledajmo pobliže njegovu priču.

2. Doba baleta u inozemstvu i Rusiji

2.1 Balet na zapadu

U petnaestom stoljeću, na samom kraju srednjeg vijeka, javlja se interes za kulturu u drevna grčka, što je dovelo do takve stvari kao što je renesansa. Tijekom renesanse prioriteti su se promijenili kulturni život, a plesače su povezivali s idealnim ljudima. Balet je rođen, kao i sama renesansa u Italiji. Sam naziv "balet" također je usko vezan za Italiju, jer ballo znači ples. U palačama su se priređivale predstave za lokalno plemstvo, a plesači su krasili ovu kazališnu predstavu. U najranijim fazama baleta, na kraju izvedbe, publika je sudjelovala. Naravno, u usporedbi s suvremeni balet, tijekom srednjeg vijeka koreografija je bila znatno slabija. Glavni pokreti sastojali su se od koraka temeljenih na dvorskim plesovima. To se objašnjava i činjenicom da je bilo vrlo malo ljudi koji bi se mogli smatrati koreografima.

Zahvaljujući Catherine de Medici, Talijanki koja se udala za francuskog kralja Henrika II., baletna se umjetnost počela širiti izvan Italije. U potpunosti je poduprla i financirala produkciju plesnih predstava. Uglavnom, predstave su se izvodile na poznatim državnim događajima, na primjer, dolazak poljskih veleposlanika. Kasnije su balet u potpunosti podržali francuski i talijanski monarsi, a počela su se stvarati posebna kazališta koja su za novac nastupala pred običnim gledateljima.

U početku je to bilo poput plesne scene objedinjene jednom radnjom ili raspoloženjem, epizodom u glazbenoj izvedbi, operi. Posuđen iz Italije, dvorski balet cvate u Francuskoj kao veličanstveni svečani spektakl. Početkom baletne ere u Francuskoj i cijelom svijetu treba smatrati 15. listopada 1581. godine, kada je na francuskom dvoru izveden spektakl koji se smatra prvim baletom - “The Comedy Ballet of Queen” (ili “ Cerce”) u postavi talijanskog violinista, “glavnog intendanta glazbe” Baltasarinija de Belgiosa. Glazbena osnova prvih baleta bili su dvorski plesovi, koji su bili dio stare suite. U drugoj polovici 17. stoljeća javljaju se nove kazališne vrste, poput komedije-baleta, opere-baleta, u kojima se značajno mjesto daje baletnoj glazbi, a pokušava se i dramatizirati. No balet postaje samostalna vrsta scenske umjetnosti tek u drugoj polovici 18. stoljeća zahvaljujući reformama koje je proveo francuski koreograf Jean Georges Noverre (posebno je važno njegovo djelo “Pisma o plesu”). Na temelju estetike francuskog prosvjetiteljstva stvarao je predstave u kojima se sadržaj otkriva na dramatičan način. ekspresivne slike, odobrio je aktivnu ulogu glazbe kao "programa koji određuje pokrete i radnje plesača".

Utemeljitelj, rodonačelnik baleta bio je i Luj XIV, Kralj Sunce, koji je volio ples. U dobi od dvanaest godina (1651.) debitirao je u takozvanim "ballets de cour" - dvorskim baletima, koji su se postavljali svake godine za vrijeme karnevala.

Karneval baroknog doba nije samo odmor i zabava, već prilika za igru u "obrnutom svijetu". Na primjer, kralj je na nekoliko sati postao šaljivdžija, umjetnik ili lakrdijaš, a istovremeno si je šaljivdžija mogao priuštiti da se pojavi u obliku kralja. U jednoj od baletnih predstava, koja je nazvana "Balet noći", mladi Louis imao je priliku prvi put se pojaviti pred svojim podanicima u liku Izlazećeg Sunca (1653.), a potom i Apolona - boga Sunca. (1654).

Kad je Luj XIV počeo samostalno vladati (1661.), žanr dvorskog baleta stavljen je u službu državnih interesa, pomažući kralju ne samo u stvaranju svoje reprezentativne slike, već iu upravljanju dvorskim društvom (međutim, kao i drugim umjetnostima). Uloge u tim predstavama dijelili su samo kralj i njegov prijatelj, grof de Saint-Aignan.

Luj XIV je 1661. godine osnovao prvu baletnu školu na svijetu, Kraljevsku plesnu akademiju. Voditelj škole bio je Lully, koji je odredio razvoj baleta za sljedeće stoljeće. Budući da je Lully bio skladatelj, zaključio je ovisnost plesnih pokreta o konstrukciji glazbenih fraza, a prirodu plesnih pokreta - o prirodi glazbe. U suradnji s Molièreom i Pierreom Beauchampom - plesnim učiteljem Luja XIV - stvoreni su teorijski i praktični temelji baletna umjetnost. Pierre Beauchamp počeo je stvarati terminologiju klasičnog plesa. Do danas se u francuskom koriste izrazi za označavanje i opisivanje glavnih baletnih pozicija i kombinacija.

Daljnji razvoj i procvat baleta pada na doba romantizma. Još 30-ih godina XVIII stoljeća. Francuska balerina Camargo skratila je suknju i odustala od potpetica, što joj je omogućilo da u svoj ples uvede papuče. Do kraja XVIII stoljeća. baletni kostim postaje znatno lakši i slobodniji što u velikoj mjeri pridonosi brzom razvoju plesne tehnike. Dramatizacija baleta zahtijevala je razvoj baletne glazbe. Beethoven je u svom baletu Prometejeva stvaranja (1801.) napravio prvi pokušaj simfonizacije baleta. Romantičarski smjer uspostavlja se u Adamovim baletima Giselle (1841) i Le Corsaire (1856). Delibesovi baleti Coppelia (1870.) i Sylvia (1876.) smatraju se prvim simfonijskim baletima. Istodobno se ocrtava i pojednostavljeni pristup baletnoj glazbi (u baletima C. Pugne, L. Minkusa, R. Driga i dr.), kao melodične glazbe, jasnog ritma, koja služi samo kao pratnja plesu. .

Krajem 18. stoljeća rađa se novi pravac u umjetnosti - romantizam, koji ima snažan utjecaj na balet. Pokušavajući svoj ples učiniti prozračnijim, izvođači su pokušavali stajati na vrhovima prstiju, što je dovelo do izuma špica. U budućnosti se aktivno razvija tehnika prstiju ženskog plesa. Prva koja je upotrijebila pointe ples kao izražajno sredstvo bila je Maria Taglioni. Plesačica je napustila tešku odjeću svojstvenu baletu, perikama i šminki, plešući samo u skromnoj laganoj haljini. U pariškoj Grand Operi u ožujku 1832. godine održana je praizvedba baleta Silfida, čime je započela era baletnog romantizma. Tada je Taglioni predstavio baletnu tutu i špic cipele. Prije Marije, virtuoznom plesnom tehnikom i ženstvenim šarmom publiku su osvojile zgodne balerine. Taglioni, nimalo ljepotica, stvorila je novi tip balerine - spiritualne i tajanstvene. U La Sylphide utjelovila je sliku nezemaljskog bića, personificirajući ideal, nedostižni san ljepote. U lepršavoj bijeloj haljini, uzlijećući u laganim skokovima i smrzavajući se na vrhovima prstiju, Taglioni je postala prva balerina koja je koristila špic cipele i učinila ih sastavnim dijelom klasičnog baleta. U to su se vrijeme pojavili mnogi prekrasni baleti, ali je, nažalost, postao romantični balet zadnje razdoblje procvat plesne umjetnosti na Zapadu. Od druge polovica XIX st. balet, izgubivši svoje prijašnje značenje, postao je privjesak operi. Tek 1930-ih, pod utjecajem ruskog baleta, u Europi počinje oživljavanje ove vrste umjetnosti.

2.2 ruski balet

Bez sumnje, ruski balet ostat će u povijesti stoljećima. Obiluje plesnim genijima, baletnim klasicima, koreografima i neoklasičnom, modernom, ali to nije tema našeg rada, pa istaknimo glavni događaji koji je razvio rusku »klasiku« i promovirao je u svijet.

Prva baletna predstava u Rusiji, prema I. E. Zabeljinu, održana je na Masnice 17. veljače 1672. na dvoru cara Alekseja Mihajloviča u Preobraženskom. Reitenfels ovu izvedbu datira u 8. veljače 1675. godine. Produkciju baleta o Orfeju skladatelja G. Schutza režirao je Nikolaj Lima. Prije početka predstave, glumac koji je tumačio Orfeja izašao je na pozornicu i otpjevao njemačke dvostihove, prevedene caru od strane tumača, u kojima su veličana prekrasna svojstva duše Alekseja Mihajloviča. U to vrijeme, s obje strane Orfeja, bile su dvije piramide ukrašene zastavama i osvijetljene raznobojnim svjetlima, koje su, nakon Orfejeve pjesme, počele plesati.

Kasnije, posebnim dekretom cara Petra Velikog, ples je postao sastavni dio dvorskog bontona. Godine 1730 u Petrogradu, na dvoru Ane Ivanovne, organizirane su redovite izvedbe opernih i baletnih predstava. Plesne scene u operama koreografirali su J. B. Lande i A. Rinaldi (nadimak Fossano). Plemićka mladež bila je obvezna učiti ples, pa je u Sankt Peterburgu dvoranski ples postao obvezna disciplina u plemićkom kadetskom zboru. Otvaranjem ljetnog kazališta u Ljetnom vrtu i zimskog kazališta u krilu Zimske palače, kadeti počinju sudjelovati u baletnim plesovima. Instruktor plesa u zgradi bio je Jean-Baptiste Landet. Dobro je znao da se plemići u budućnosti neće posvetiti baletnoj umjetnosti, iako su u baletima plesali uz profesionalce. Lande je, kao nitko drugi, vidio potrebu za ruskim baletnim kazalištem. U rujnu 1737. podnio je molbu u kojoj je uspio opravdati potrebu za stvaranjem nove posebne škole u kojoj bi djevojčice i dječaci jednostavnog podrijetla učili koreografsku umjetnost. Ubrzo je takvo dopuštenje dano. Tako je 1738. otvorena prva baletna plesna škola u Rusiji (danas Akademija ruskog baleta A. Ya. Vaganova). Dvanaest djevojaka i dvanaest vitkih mladića odabrano je od slugu u palači, koje je Lande počeo poučavati. Od 1743 bivši studenti Lande počinju isplaćivati plaće kao baletani. Škola je vrlo brzo uspjela dati ruskoj pozornici izvrsne kor de baletane i izvrsne soliste. Imena najboljih učenika prvog skupa ostala su u povijesti: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrey Nesterov.

Početkom 19. stoljeća ruska baletna umjetnost dostiže svoju stvaralačku zrelost. Ruski plesači unijeli su izražajnost i duhovnost u ples.

Balet je u to vrijeme zauzimao povlašteni položaj među ostalim vrstama kazališne umjetnosti. U povijesti naše baletno kazalištečesto se pojavljuju imena stranih majstora koji su odigrali značajnu ulogu u razvoju ruskog baleta. Prije svega, to su Charles Didelot, Arthur Saint-Leon i Marius Petipa. Pomogli su u stvaranju ruske baletne škole. Ali talentirani ruski umjetnici također su omogućili otkrivanje talenata svojih učitelja. To je uvijek privlačilo najveće koreografe Europe u Moskvu i Sankt Peterburg. Nigdje na svijetu nisu mogli sresti tako veliku, talentiranu i dobro uvježbanu trupu kao u Rusiji. Sredinom 19. stoljeća u rusku književnost i umjetnost dolazi realizam. Koreografi su grozničavo, ali bezuspješno, pokušavali stvoriti realistične izvedbe. Nisu uzeli u obzir da je balet uvjetna umjetnost i da se realizam u baletu bitno razlikuje od realizma u slikarstvu i književnosti. Počela je kriza baletne umjetnosti. Sadržaj predstava bio je primitivan, nekomplicirani zapleti služili su samo kao izgovor za spektakularne plesove u kojima su umjetnici demonstrirali svoje vještine. Za plesače je glavna stvar bila dotjeranost forme i tehnike klasičnog plesa, au tome su postigli virtuoznost. Nova etapa u povijesti ruskog baleta započela je kada je veliki ruski skladatelj P. Čajkovski prvi skladao glazbu za balet. Bilo je " Labuđe jezero". Prije toga, baletna glazba nije shvaćana ozbiljno. Smatrali su je najnižim oblikom glazbene kreativnosti, samo pratnjom plesu. Zahvaljujući Čajkovskom, baletna je glazba postala ozbiljna umjetnost uz operu i simfonijska glazba. Prije je glazba bila potpuno ovisna o plesu, sada se ples morao pokoravati glazbi. Bila su potrebna nova izražajna sredstva i novi pristup stvaranju predstave. Daljnji razvoj ruskog baleta vezan je uz ime moskovskog koreografa A. Gorskog, koji je, napustivši zastarjele tehnike pantomime, u baletnoj predstavi koristio tehnike moderne režije. Pridajući veliku važnost slikovnom oblikovanju predstave, privukao je na rad najbolje umjetnike. Ali pravi reformator baletne umjetnosti je Mihail Fokin, koji se pobunio protiv tradicionalne konstrukcije baletne predstave. Tvrdio je da tema predstave, njezina glazba, doba u kojem se radnja odvija, svaki put zahtijevaju drugačije plesne pokrete, drugačiji plesni obrazac. Prilikom postavljanja baleta "Egipatske noći" Fokina je inspirirao poezijom V. Brjusova i staroegipatskim crtežima, a slike baleta "Petruška" bile su inspirirane poezijom A. Bloka. U baletu Daphnis i Chloe napustio je pointe i slobodnim, plastičnim pokretima oživio antičke freske. Njegova "Chopiniana" oživjela je atmosferu romantičnog baleta.

...

Slični dokumenti

Povijest pojave i evolucije dvorskog plesa: polonaise, quadrille, galop, pas de patiner ("moderna polka"), pas de Grace, chaconne, cotillion. Istraživanje povijesti dvoranskog plesa u 20. stoljeću: europski i latinoamerički društveni ples.

seminarski rad, dodan 27.10.2010

Povijest razvoja plesa kao vrlo posebne vrste umjetnosti. Ples je jedan od najučinkovitijih oblika magijskog (svetog) rituala. Čarobni ples jučer i danas, poze i položaji. Simbolika plesa. Osnovne odredbe i pojmovi. Povijest trbušnog plesa.

sažetak, dodan 28.04.2011

Povijest stvaranja gruzijskog folklornog ansambla. Evolucija i reforma gruzijskog plesa, nacionalni karakter balet. Gruzijski folklorni ansambl u sadašnjoj fazi. Ansambl narodna pjesma i ples "Erissini", gruzijske polifone melodije.

sažetak, dodan 07/12/2010

Definicija plesa, njegovi pravci i vrste. kratak opis stvaralački put baletana Igora Mojsejeva. Narodni scenski plesovi. Specifičnost koreografskog prikaza stvarnosti. Uloga čarobnog plesa u odgoju akademizma kod djece.

sažetak, dodan 08.04.2009

Podrijetlo orijentalnog plesa kao spajanja ljudskog tijela s glazbom. Usporedna ocjena različitih stilova trbušnog plesa: egipatski, libanonski, turski, perzijski, arapski, grčki, američki. Izvođenje plesa sa šalom, činelama i sabljama.

test, dodan 28.04.2012

Pozadina i razlozi za pojavu dvoranskog plesa u Rusiji, njegov razvoj na ruskom tlu. Moderni društveni ples kao sinteza sporta i umjetnosti. Značajke rada nastavnika s različitim kategorijama učenika. Utjecaj plesa na razvoj osobnosti.

seminarski rad, dodan 25.06.2011

Jazz kao umjetnički fenomen. Razvoj jazz plesova 30-50-ih. XX. stoljeća. Glavne vrste jazz plesa. Razvoj jazza 60-ih godina. Pojava jazz modernog plesa. Važnost improvizacije u jazz plesu. Bit i značajke tehnike jazz plesa.

sažetak, dodan 16.05.2012

Klasični, narodni, karakteristični, povijesni i svakodnevni, dvoranski i estradni plesovi. Porijeklo modernog ruskog baleta. Profesionalizacija ruskog narodnog plesa. Pojava kazališnog plesa u Rusiji. Početak koreografskog obrazovanja u Rusiji.

sažetak, dodan 20.04.2015

Balet i varijante scenskog plesa. Stvaranje koreografske slike na pozornici. Plesne tehnike i stilovi XX-početka XXI stoljeća, formirani na temelju američke i europske plesne moderne i plesne postmoderne. Besplatni plastični ples.

prezentacija, dodano 16.10.2014

Šamanski ples kao preduvjet za nastanak altajskog plesa, povijest njegovog razvoja. Uloga folklornih skupina u emitiranju nacionalne tradicije. Plesni teatar "Altam" kao prva profesionalna skupina koreografske umjetnosti Republike Altaj.

v. Staroyurevo

UVOD

Relevantnost istraživanja

Ples je jedan od najljepših oblika umjetnosti. Ovo je izraz emocija, osjećaja, misli, priča o onome što se događa, prošlosti i budućnosti uz pomoć glazbe, plastičnosti, gesta, ritmičkih pokreta. Svako vremensko razdoblje ima svoje glazbena kulturašto rađa nove vrste plesa. Svaki ples se može nazvati modernim, ali za svoje vrijeme.

U našem dobu urbanizacije i najnovijih tehnologija promijenio se ritam ljudskog života. Jurimo njime brzinom ekspresnog vlaka, pokušavajući posvuda stići na vrijeme. Zajedno s humanošću mijenja se i stil plesne umjetnosti - uglađene i lagane melodije valcera zamjenjuju jazz sinkope. Ne umanjujući važnost klasičnog i narodnog plesa, moderni tinejdžeri biraju isprekidane ritmove uličnih plesova, budući da je upravo ta glazba bliska njihovom buntovnom duhu mladosti, ona je ta koja oslobađa i oslobađa misli i osjećaje, rađajući slobodan, univerzalan ples koji nema standarda. Iako je ova glazba starijoj generaciji čudna i nerazumljiva, moderni ples, koji često predstavlja mješavinu različitih tehnika, stilova i trendova, sve više osvaja simpatije među ljudima 21. stoljeća.

Adolescencija je vrijeme "pokušaja i pogrešaka", vrijeme traženja "sebe", vrijeme samospoznaje, eksperimentiranja s izgledom i odnosima. Kroz umjetnost modernog plesa dijete izražava svoje osjećaje i emocije koje je teško izgovoriti naglas. Za mlađu generaciju moderna koreografija postaje personifikacija brzog kretanja vremena.

Istraživačka novost

Prije samo desetak godina umjetnost modernog plesa u Tambovskoj oblasti bila je praktički nepoznata. Međutim, sada je od interesa ne samo za izvođačke skupine, već i za široke mase stanovništva. Novost rada je pratiti faze stvaranja modernog plesnog kazališta u Tambovskoj oblasti, utvrditi značaj prodora novih stilova u plesnu kulturu.

Cilj: proučavanje razvoja umjetnosti suvremenog plesa u Tambovskoj oblasti.

Radni zadaci:

Stvoriti predodžbu o povijesnim korijenima plesne umjetnosti;

Proučiti povijest nastanka smjera "moderno" u koreografskoj umjetnosti;

Upoznajte se s plesnim skupinama - utemeljiteljima modernog plesa u Tambovskoj oblasti;

Utvrditi utjecaj suvremene plesne umjetnosti na fizički, emocionalni i kulturni razvoj učenika.

Hipoteza: Pojava plesnih skupina i modernih plesnih studija u regiji Tambov proširila je opseg koreografske kulture mladih.

Mjesto studija: Tambov, okrug Staroyurievsky.

GLAVNI DIO

Metode istraživanja

Tijekom stvaranja istraživački rad korištene su sljedeće metode:

Rad s izvorima informacija (popularna znanost, referentna literatura, memoari, osobni arhivi, internetski izvori itd.);

Ispitivanje, anketa;

Analiza i obrada dobivenih rezultata.

Povijest nastanka plesa kao umjetnosti

Počeci plesne umjetnosti leže u davnim vremenima. Dokaz za to su slike na stijenama koje prikazuju plesne figure, stvorene vjerojatno u neolitiku (8 - 5 tisuća godina prije Krista).

Za čovjeka primitivnog društva ples je bio način razmišljanja i življenja. U plesovima koji prikazuju životinje uvježbavaju se tehnike lova; plesom se izražavaju molitve za plodnost, kišu i druge hitne potrebe plemena. Ljubav, rad i ritual utjelovljeni su u plesnim pokretima. Duboko opažajući ritmove prirode, ljudi primitivnog društva nisu mogli ne oponašati ih u svojim plesovima.

Plesove starih Grka možemo podijeliti na svete (ceremonijalne, obredne), vojne, scenske, društvene i kućne. Približno isti karakterni plesovi bili su među drugim narodima.

Scenski plesovi starih Grka bili su dio kazališne predstave, a svaki je žanr imao svoje plesove. Tijekom plesa, izvođači su udarali vrijeme nogama, za to su obuvali posebne drvene ili željezne sandale, ponekad su udarali vrijeme rukama uz pomoć osebujnih kastanjeta - školjaka kamenica, stavljenih na srednje prste.

Javni plesovi pratili su obiteljska i osobna slavlja, gradske i državne praznike. Plesovi su bili domaći, gradski, seoski. Bili su raznoliki po temi i kompozicijskom crtežu, po sastavu izvođača. Upravo su društveni plesovi imali veliki utjecaj na nastanak scenskog plesa.

Strogi rimski ratnici prvih stoljeća naše ere posebno su voljeli borilački ples u spomen na otmicu Sabinjanki. Prema legendi, uveo ju je Romul. Bilo je i plesova svećenika, koji su slavili bogove, više su ličili na svečanu procesiju.

Srednjovjekovni ples još uvijek je uglavnom bio improvizirana točka. Narod je volio kola, ali nije bilo ustaljenih plesnih pravila. Ples je bio prihvaćeni oblik udvaranja; njihovi izvođači ples su pratili pjevanjem; pokreti su bili najjednostavniji. U kasnom srednjem vijeku javlja se razlika između dvorskog parnog plesa i seoskog grupnog plesa. Narodni se ples i dalje improvizirao, dok je dvorski ples postajao sve više logorski. Glavni oblik umjetnosti u palači bio je figuralni ples, gdje je skupina plesača uzastopno formirala plesne formacije.

Maškare i karnevalske povorke, omiljene zabave u srednjem vijeku, osobito raširene u doba renesanse (15.-16. st.). Plesovi su se malo promijenili - postali su kompliciraniji, postali su jači, brži i pokretljiviji, danas su se izvodili skokovi, pa čak i lagana dizanja - prije ili kasnije dama se uz pomoć gospodina digla u zrak. Pojavilo se mnogo novih plesova, svaki je imao određene pokrete (pa). Štoviše, bilo ih je potrebno - i plesove i pokrete - poznavati na isti način kao i pravila bontona.

U 17. stoljeću nastao je pojam narodnog plesa. Narodni ples - ples koji se izvodi u svom prirodnom okruženju i ima određene pokrete, ritmove i nošnje tradicionalne za to područje. Mazurka sa svojim karakterističnim tripletima utjelovljuje poljski karakter, dok polka svojim naglim ritmom utjelovljuje duh češkog naroda. Czardas, koji se sastoji od dva dijela - sporog kružnog plesa muškaraca i vatrenog plesa u paru - odgovara općoj predodžbi mađarskog karaktera, s njegovom neobjašnjivom čežnjom i burnim strastima.

Folklorni motivi često igraju veliku ulogu u baletu. Od 1940-ih počinje se širiti pomama za autentičnim, etnografski vjerodostojnim plesnim folklorom. Postoje mnoge profesionalne plesne trupe koje su stekle međunarodnu slavu prikazujući scenske oblike narodnih plesova, poput ansambla ruskih narodnih plesova Igora Moisejeva, ansambla Ukrajinski ples, ansambl "Breza" i dr.

Balet, najviša pozornica koreografije, u kojoj se plesno umijeće uzdiže na razinu glazbeno scenske izvedbe, kao aristokratska dvorska umjetnost javlja se mnogo kasnije od plesa. Pojam "balet" pojavio se u renesansnoj Italiji u 16. stoljeću i nije označavao izvedbu, već plesnu epizodu. Balet je sintetička umjetnost u kojoj je ples glavno izražajno sredstvo baleta, usko povezana s glazbom, s dramskom osnovom - libretom, sa scenografijom, s radom kostimografa, oblikovatelja svjetla itd.

"Modern" - moderni ples

Smjer modernog plesa u potpunosti je zamisao 20. stoljeća. U doslovnom prijevodu moderni ples je moderni ples. Za razliku od jazza ili klasičnog plesa, pravac modernog plesa nastao je na temelju kreativnosti pojedine osobe.

U modernim plesovima bitan je pokušaj izvođača da izgradi vezu između plesne forme i svog unutarnjeg stanja. Većina modernih plesnih stilova oblikovana je nekom jasno izraženom filozofijom ili vizijom svijeta.

Utemeljitelji Art Nouveaua su Isadora Duncan, Martha Graham, Merce Cunningham. Svi su oni imali izrazito negativan stav prema baletu. Isidora Duncan smatrala je da je to ružna, besmislena gimnastika. Martha Graham je u njemu vidjela europejstvo i imperijalizam, koji nemaju ništa zajedničko s Amerikancima. Merce Cunningham, unatoč tome što je u svom podučavanju koristio neke od osnova baletne tehnike, pristupio je koreografiji i izvedbi s pozicije izravno suprotne tradicionalnom baletu.

Do osamdesetih godina 20. stoljeća klasični se ples vraća na svoje polazište, a moderni ples (u to vrijeme već suvremeni ples) postaje visokotehničko oružje profesionalaca. Danas je plesna umjetnost prožeta kreativnim natjecanjem, a koreografi često nastoje osigurati da se njihov rad naziva najšokantnijim. No, u umjetnosti još uvijek ima ljepote, a ples suvremenosti zadivljuje takvom profesionalnošću, snagom i fleksibilnošću kakvih nikada prije nije bilo.

umjetničko obilježje jazz dance - savršena sloboda kretanja cijelog tijela plesača i pojedinih dijelova tijela, horizontalno i vertikalno scenskog prostora. Jazz dance je prije svega utjelovljenje plesačevih emocija, to je ples senzacija.

Jazz dance razvio se iz plesova afričkih plemena. Jazz ples u Ameriku su donijeli robovi iz Afrike u 17. i 18. stoljeću. Došavši u Ameriku, brzo su obnovili svoje praznike i običaje i prilagodili se: umjesto bubnjeva koristili su pljeskanje rukama i udaranje ritma nogama. Nekoliko stoljeća došlo je do spajanja dviju kultura, afričke i američke, a kao rezultat toga nastao je jedinstveni zapaljivi ples.

U XIX stoljeću. razvili su se ulični nastupi, uključujući pjesme i plesove uz jazz glazbu. Isprva su takve predstave izvodili samo crni plesači za crne gledatelje. U 20-im godinama. U 20. stoljeću jazz glazba i ples stekli su ogromnu popularnost i među crncima i bijelcima i proširili se Europom. Na pozornici su počeli nastupati profesionalni plesači koji su u jazz stil unijeli nove tehnike i počeli učiti druge jazzu. Istodobno je jazz obogaćen elementima europskih plesova.

U 40-50-im godinama. popularna glazba doživjela je značajne promjene, a s njom se promijenio i ples. U tom su se razdoblju pojavili stilovi modernog jazza. Danas postoji mnogo stilova jazza koji plešu na različite vrste glazbe. Ali svi ti stilovi kombiniraju energične i ritmičke pokrete. Ritam i koordinacija najvažniji su aspekti jazz plesa. Često koristi pokrete kukova i zdjelice, koji daju plesu posebnu izražajnost. Izolirani pokreti su glavna značajka plesni jazz. Kod izoliranog kretanja pokretljiv je samo jedan dio tijela, dok cijelo tijelo miruje ili se kreće u suprotnom smjeru. Poput rotacije kukova, izolirani pokreti naglašavaju ritam glazbe. Čini se kao da glazba prolazi kroz tijelo plesača.

Do kraja 60-ih jazz dance čvrsto je zauzeo svoje mjesto u nizu područja moderne koreografije, a istodobno je započeo proces spajanja glavnih škola moderne koreografije. Jack Cole bio je prvi učitelj i koreograf koji je u svom radu spojio moderne i jazz plesne tehnike. Luigi (Eugene Louis) sintetizirao je tehniku klasičnog plesa i jazza. Gus Giordano 1966. objavio je prvi udžbenik o tehnici modernog jazz plesa. Postupno raste interes za moderni jazz ples i in Zapadna Europa, američki edukatori vode prve seminare.

Tako se početkom 70-ih godina pojavio novi fenomen - moderni jazz dance. Ova škola je osvojila mnoge zemlje svijeta, omogućava vam da obrazujete tijelo plesača na najopsežniji način. Jazz dance se stalno mijenja, dijelom i zbog toga. Da plesači mogu unijeti vlastite pokrete u ples, a i zato što se jazz pleše na široku paletu glazbe.

Trenutno postoji nekoliko vrsta modernog jazza.

- Klasični jazz ili tradicionalni. Ovo su rani oblici jazz plesa koje izvode Afrikanci.

-Afrojazz je pokušaj povezivanja današnjeg jazza s njegovim afričkim pretkom. Razlika je u tome što afrički ples nosi veliko funkcionalno opterećenje i nije tako virtuozan kao njegova današnja interpretacija.

- Broadway jazz- nastala 20-ih godina, dobila je ime po imenu ulice u New Yorku, na kojoj se nalaze mnoga kazališta i glazbene dvorane. Tu se počeo razvijati mjuzikl i nastao vlastiti jazz stil i pokretna tehnika (istodobno izvođenje vokalnog i plesnog dijela). Za virtuozna izvedba plesovi u brodvejskim produkcijama koristili su plesače s klasičnom školom. Jazz poprima obilježja klasičnog oblika, što postaje jedan od putova njegova daljnjeg razvoja. Poznati koreografi J. Balanchine, H. Holm. Broadway je vrlo energičan i emotivan stil jazza.

-Korak ili step ples. Step je nastao u Americi u 19. stoljeću, a korijene vuče iz irskog jiga i engleskog ruralnog stepa - plesova prvih doseljenika. Postupno su europski plesovi pomiješani s afričkim robovima dovedeni u SAD. Glavna značajka stepa, koji se naziva jazz, je slobodno kretanje, što ples čini vrlo gracioznim i glatkim. Europski stil stepa više je nalik irskom ili engleskom plesu koji se pleše u drvenim cipelama (country step dance). Pokreti ovog stila su elastičniji, a tijelo plesača ostaje nepomično.

- "Duša"(lirski jazz). Ovo je ime poznato među vokalistima, au svom plesnom dijelu ističe se velikim brojem različitih pokreta po jedinici tempa, izvedenih vrlo tiho bez vidljive napetosti. Pokret se, uza svu svoju složenost, izvodi uz njihovo maksimalno istezanje u vremenu.

-Bljesak(Flash) - u prijevodu s engleskog - bljesak. Ovo je najvirtuozniji i najsjajniji smjer u jazz plesu. Svi njegovi pokreti su brzi i dinamični. Gledajući izvođače ovog stila, zadivljeni ste njihovom izdržljivošću snage i elastičnošću, trenutnošću prijelaza plesnih koraka, složenošću plesnih trikova. Čini se da je cijelo tijelo podređeno jednom zadatku - otplesati svaku notu i baciti maksimalnu energiju na gledatelja. Ovaj stil je postao popularan u kasnim 80-ima i ranim 90-ima. i nasljednik je disca, ali s primjesama elemenata break - i hip-hop kulture.

- "Street Jazz" odnosi se na ulični ples. Ovaj stil potječe iz jazz-modern plesova, u koje su ulične plesačice "imale ruku". Street jazz doživio je najmanje promjena. Svi moderni trendovi mladih: break, rap, house i nekadašnji twist, charleston, shake, boogie-woogie i mnogi drugi jednodnevni plesovi izdanak su jazza i njegove kombinacije s povijesnim i svakodnevnim plesom.

Povijest plesova naroda Zapada (Europe i zemalja koje su formirali doseljenici iz Europe) karakterizira velika raznolikost i prilično brze promjene. Dok je većina istočnjačkih plesača prakticirala visoko sofisticirane plesne forme koje su ostale praktički nepromijenjene stoljećima ili čak tisućljećima, zapadnjački plesači pokazivali su stalnu volju, čak težnju, da usvoje nove forme i ideje za svoje plesove. Čak i najranije reference pokazuju da je zapadnjački ples oduvijek obuhvaćao veliki izbor zajedničkih ili ritualnih plesova te da su društvene plesove koristili mnogi različiti dijelovi društva. Treba odmah napomenuti da se zapadna umjetnost ne može uvijek jasno razlikovati od "ne-zapadne". To je posebno jasno u nizu zemalja bivšeg Sovjetskog Saveza, gdje su neki plesovi azijskog, a drugi europskog porijekla i karaktera. Ovaj članak posvećen je plesu zapadnih naroda, isključujući, gdje je to moguće, odgovarajući utjecaj drugih kultura.

Od antike do renesanse

Prije nego što su se počeli pojavljivati prvi pisani zapisi, prošlo je ogromno razdoblje o kojem znanstvenici mogu samo nagađati. Umjetnost na stijenama u Španjolskoj i Francuskoj, u kojoj se jasno mogu razaznati plesne figure ljudi, dovela je do hipoteze da su religiozni obredi i pokušaji utjecaja na okolna zbivanja putem simpatičke magije bili središnji motivi primitivnog plesa. Takve pretpostavke djelomice su potvrđene promatranjem plesova primitivnih naroda u suvremenom svijetu, iako vezu između praljudi i suvremenih "primitivnih kultura" mnogi znanstvenici u potpunosti negiraju.

Ako su se plesovi zabilježeni u ranim pisanim izvorima razvili izravno iz pretpovijesnih plesova, može se pretpostaviti da su postojali pretpovijesni radni plesovi, ratnički plesovi, erotski plesovi i grupni plesovi. Danas, u 20. stoljeću, preživio je jedan bavarsko-austrijski ples, Schuplatter, koji prema povjesničarima datira još iz neolitika, odnosno oko 3000. godine pr.

Ples u antičkom svijetu

Postoje mnogi pisani zapisi o plesovima u civilizacijama Egipta, Grčke i susjednih otoka, kao i Rima. Osim toga, može se izdvojiti i drevni židovski ples o kojem se danas već dosta zna. U Egiptu su se prakticirali formalizirani rituali i ritualni plesovi u kojima je svećenik simbolizirao boga. Ovi plesovi, koji su bili vrhunac ceremonije koja je predstavljala smrt i ponovno rođenje boga Ozirisa, postajali su sve složeniji i na kraju su ih mogli izvoditi samo posebno obučeni plesači.

Također iz Egipta, najraniji pisani dokazi o plesovima došli su do modernog doba. Ovi zapisi govore o klasi profesionalnih plesača koji su izvorno bili "uvezeni" iz Afrike kako bi zabavljali bogate ljude tijekom njihovih slobodnih sati i također za nastupe na vjerskim i pogrebnim svečanostima. Ovi plesači smatrani su vrlo vrijednim "akvizicijama", posebno patuljasti plesači koji su postali poznati po svojoj vještini. Jedan od faraona, nakon njegove smrti, bio je počašćen izvedbom “plesa patuljastog boga”, a faraon Neferkare (3. tisućljeće pr. Kr.) naložio je jednom od svojih suradnika da dovede “plešućeg patuljka iz Zemlje duhova” u njegov dvor.

Danas znanstvenici sugeriraju da je poznati trbušni ples, koji danas izvode plesačice s Bliskog istoka, zapravo afričkog porijekla. Još u 4. stoljeću pr. u egipatskom Memfisu detaljno je opisan ples u paru, donekle sličan rumbi, koji je imao jasno izražen erotski karakter. Egipćani su poznavali i akrobatske scenske plesove, slične modernim adagio plesovima. Isticale su se i svojom senzualnošću te su privlačile pažnju gracioznim pokretima oskudno odjevenih plesačica. Slika iz mezara šejha Abdul-Qurna (koja je trenutno izložena u Britanski muzej) prikazuje plesačice koje nose samo narukvice i pojaseve, očito s namjerom da se poveća njihova privlačnost.

Ubrzo su se plesovi u Egiptu počeli razvijati i postajati sve raznovrsniji i složeniji. Uz vlastite hramske plesne rituale i pigmejske plesačice dovedene s gornjeg toka Nila, pojavili su se i hinduistički plesovi djevojaka iz osvojenih zemalja na istoku. Ti novi plesovi više nisu imali karakteristične zamašne pokrete muškaraca ili krute, uglate položaje koji se nalaze na mnogim egipatskim kamenim reljefima. Pokreti su im bili meki i glatki, bez oštrih nagiba. Ove azijske djevojke unijele su ženstveni stil u egipatske plesove.

Ples u klasičnoj Grčkoj

Mnogi egipatski utjecaji mogu se pronaći u grčkom plesu. Neki su u Grčku došli preko kretske kulture, drugi preko grčkih filozofa koji su otišli studirati u Egipat. Filozof Platon (oko 428. - 348. pr. Kr.) bio je jedna takva osoba i upravo je on postao utjecajan teoretičar plesa. Prema njegovim učenjima, plesovi su se razlikovali od nespretnih pokreta poput trzaja po tome što su naglašavali ljepotu tijela. Plesovi egipatskog kulta svetog Apisovog bika kasnije su našli svoje utjelovljenje u kretskom plesu bika oko 1400. pr. Upravo je on inspirirao stvaranje plesova u labirintu, koji je, prema legendi, Tezej donio u Atenu po povratku s dječacima i djevojčicama oslobođenima iz labirinta.

Drugi oblik plesa koji je nastao na Kreti i cvjetao u Grčkoj bio je Pirov ples s oružjem. Prakticirao se u Sparti kao dio vojne obuke, a bio je i temelj za tvrdnju filozofa Sokrata da je najbolji plesač najbolji ratnik. Ostali skupni plesovi koji su u Atenu došli s Krete uključivali su dva plesa posvećena Apolonu i ples u kojem su goli dječaci oponašali hrvanje. Žensko dostojanstvo naglašavalo se veličanstvenim i pobožnim plesom u čast bogova, koji su izvodile djevojke.

Brojne vaze, slike i skulpturalni reljefi pomogli su modernim znanstvenicima dokazati da je u Grčkoj postojao ekstatični ples, povezan s Dionizovim kultom. Izvođena je na svetkovini "svetog ludila" tijekom jesenske berbe grožđa. U svojoj drami The Bacchae, Euripid (oko 480.-406. pr. Kr.) opisao je divljanje grčkih žena zvanih Bacchae ili Menads. U tom plesu mahnito su kružili ritmički iskovanim koracima, padajući u trans. Takvi plesovi bili su manifestacija posjedovanja, što je bila karakteristika mnogih primitivnih plesova.

Dionizijski kult doveo je do stvaranja grčke drame. Nakon žena, u ples su ušli muškarci odjeveni u maske razvratnih satira. Postupno je svećenik, pjevajući život, smrt i povratak Dioniza, dok su njegovi miljenici plesom i pantomimom odmah prikazivali njegove riječi, postao pravi glumac. Opseg plesa polako se proširio na predmete i likove preuzete iz homerskih legendi. Također su dodani drugi glumac i zbor. U lirskim interludijama između predstava, plesači su rekreirali dramatične teme kroz pokrete preuzete iz ranijih ritualnih i bakhičkih plesova. U komedijama se izvodio vrlo popularan kordak - ples pod maskama, koji je bio poznat po svojoj razuzdanosti. U tragedijama je zbor izvodio "emmeleya" - smiren ples uz sviranje flaute.

Ove plesove i igrokaze izvodili su iskusni amateri. No, krajem 5. stoljeća prije Krista nastao je poseban stalež plesača, akrobata i žonglera u kojem su žene pripadale "hetaray" ili kurtizanama. Baš kao nekada u Egiptu, zabavljali su goste na gozbama i banketima. Povjesničar Xenophon (oko 430.-355. pr. Kr.) u svom Simpoziju govori o pohvalama koje je Sokrat obasipao plesačici i plesni dječak. Na drugom mjestu, Xenophon opisuje ples koji predstavlja sjedinjenje legendarne heroine Ariadne i Dioniza, rani primjer narativnog plesa.

Ples u starom Rimu

Između Etruščana i Rimljana postojala je značajna razlika u pristupu plesu. Danas se malo zna o Etruščanima, koji su nastanjivali područje sjeverno od Rima do Firence i cvjetali između 7. i 5. stoljeća pr. No zahvaljujući činjenici da su pronađene njihove grobnice, na čijim su zidovima pronađene brojne slike, postalo je očito da je ples igrao važnu ulogu u tome kako su Etruščani uživali u životu. Na tim su freskama pronađene slike etruščanskih žena koje su u lancima izvodile pogrebne plesove, kao i živahne, energične parove. Svi ovi plesovi su se izvodili na javnim mjestima bez maski i imali su karakter udvaranja.

Rimljani su, nasuprot tome, imali drugačiji odnos prema plesu, koji je odražavao njihov trezveni racionalizam i realizam. Ipak, Rimljani nisu u potpunosti podlegli iskušenjima plesa. Prije 200. pr plesati unutra Stari Rim izvode samo u obliku koralnih povorki. Prisustvovale su im čitave procesije predvođene velikim svećenicima Salija, svećeničkog kolegija svećenika Marsa i Kvirina, koji su hodali u krugu, ritmički udarajući u svoje štitove. Ples je bio važan dio rimskih festivala - tijekom slavlja Luperkalija i Saturnalija izvodili su se divlji grupni plesovi, koji su bili preteča kasnog europskog karnevala.

Kasnije su se u Rimu počeli širiti grčki i etruščanski utjecaji, iako je rimsko plemstvo smatralo ljude koji su plesali sumnjivima, ženstvenima, pa čak i opasnima. Jedan državni dužnosnik doslovno nije mogao vjerovati svojim očima kada je vidio na desetke kćeri i sinova uglednih rimskih patricija i građana kako uživaju u slobodnom vremenu u plesnoj školi. Oko 150. pr sve plesne škole su bile zatvorene, ali ples je bio nezaustavljiv. I premda je ples možda bio stran unutarnjoj prirodi Rimljana, u godinama koje su uslijedile počelo se dovoditi sve više plesača i učitelja plesa iz drugih zemalja. Državnik i učenjak Ciceron (106.-43. pr. Kr.) sažeo je opće mišljenje Rimljana kada je jednom izjavio da nitko neće plesati dok ne poludi.

Najpopularniji oblik plesa za vrijeme vladavine cara Augusta (63. pr. Kr. - 14. p. Kr.) bila je razmetljiva pantomima bez riječi, koja je dramatične scene prenosila stiliziranim gestama. Prvo se smatralo da su izvođači poznati kao pantomimičari tumači stranih jezika budući da su došli iz Grčke. Neprestano su usavršavali svoje umijeće, a dva mimičara Batillus i Pylades postali su prave zvijezde kolovoškog Rima. Stilizirani nastup plesača, koji su nosili maske u skladu s temom plesa, pratila je svirka glazbenika koji sviraju flaute, rogove i udaraljke, kao i pjevanje zbora koji je pjevao o onome što se događalo na pozornici između plesne epizode.

Izvor Wikipedia i 4dancing.ru

Ženski portal Flero

Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja jednostavno je. Koristite obrazac u nastavku

Slični dokumenti

Ples u antičkom svijetu

Ples u klasičnoj Grčkoj

Ples u starom Rimu

POVEZANI ČLANCI